The Boys

Finalmente comecei a assistir essa série "The Boys". A premissa é interessante. Imagine um mundo com muitos super-heróis. Em determinado momento é informado ao espectador que existem mais de 200 apenas dentro dos Estados Unidos. Pois bem, essa seria uma situação interessante. Agora imagine que esses super-heróis não sejam virtuosos, não sejam boas pessoas. Pelo contrário, são todos canalhas, arrogantes, egocêntricos, assediadores e... criminosos! Embaixo da imagem pública, eles seriam na verdade meros crápulas com roupas espalhafatosas. Todos os personagens de heróis que vemos aqui são versões mais bregas dos personagens da DC Comics (Não vi até agora nenhum destruindo a imagem de heróis da Marvel). A série já conta com três temporadas até o momento. Seu criador disse recentemente em entrevista que ela só durará, se tudo der certe, cinco temporadas. Nessa primeira temporada foram produzidos apenas 8 episódios. Comento abaixo os episódios, conforme for assistindo.

The Boys 1.01 - The Name of the Game
Esse primeiro episódio, como era de esperar, apresenta os principais personagens. Uma jovem com poderes especiais, que sonha em fazer parte do seleto grupo de super-heróis, acaba descobrindo que para conseguir sua vaga ali entre a elite dos heróis vai precisar se submeter sexualmente a um deles. Puro assédio sexual, da pior espécie. Uma amostra do verdadeiro caráter daquelas pessoas. Isso demonstra que essa série definitivamente não é para menores. Na outra linha narrativa um jovem comum, que trabalha numa loja de eletrodomésticos e eletrônicos, vê sua namorada praticamente "evaporar" após um super-herói ultra veloz (uma paródia do Flash) bater nela em velocidade supersônica. A empresa que controla os super-heróis oferece a ele então 45 mil dólares de indenização. E a chegada de um sujeito que se diz agente do FBI e que quer pegar os super-heróis muda sua vida de forma completa. Bom episódio, bem produzido e com roteiro redondinho. Gostei bastante. Agora é acompanhar os que virão. / The Boys 1.01 - The Name of the Game (Estados Unidos, 2019) Direção: Dan Trachtenberg / Roteiro: Eric Kripke / Elenco: Karl Urban, Jack Quaid, Elisabeth Shue, Antony Starr. 

The Boys 1.02 - Cherry
O translúcido é colocado dentro de uma gaiola com eletricidade. Ele está preso, mas o que é complicado mesmo é achar uma maneira de matar o tal super-herói. Ele resiste a praticamente tudo, eletrochoques, tiros, o diabo a quatro. Então o francês pensa um pouco e acha uma maneira, mas como? Colocando um explosivo plástico em seu ânus! Não é fácil, mas tem jeito. Enquanto os caras vão arranjando um jeito de matar o translúcido, o Capitão Pátria (uma óbvia sátira ao Superman) tenta contornar seu próprio mau caratismo. Ele chegou ao ponto de derrubar um avião comercial só para matar o prefeito. Em conclusão, é um psicopata mesmo, disfarçado de super-herói. E a Starlight? Tem sua primeiro missão como heroína no cais do porto. O complicado é ir ao lado do Profundo, que não passa de um mau caráter e assediador sexual da pior espécie. / The Boys 1.02 - Cherry (Estados Unidos, 2019) Direção: Matt Shakman / Roteiro: Eric Kripke/ Elenco: Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr. 

The Boys 1.03 - Get Some  
O Translúcido foi pelos ares, em pedacinhos, isso literalmente falando. Seus restos são colocados em uma caixa de zinco e jogado na baía. O Capitão Pátria não conseguiria ver através desse metal (alguém ai lembrou do chumbo e do Superman?). Pois é, isso mesmo. Enquanto isso o Trem Bala é desafiado para uma corrida. Seria ele ainda o homem mais rápido do mundo? Seu desafiante se chama Onda de Choque. E com medo de perder o Trem bala usa uma droga chamada V, arranjada pela sua namorada Lâmina. Coisa da pesada e ilegal. E os marqueteiros continuam a mandar e desmandar nos super-heróis, interferindo até mesmo em seus trajes. Quanto mais sensuais, melhor. Por fim o trio que matou o Translúcido ganha um novo membro, um cara que atende pelo apelido de "Leitinho da Mamãe". Vê se pode uma coisa dessas... / The Boys 1.03 - Get Some (Estados Unidos, 2019) Direção: Philip Sgriccia / Roteiro: George Mastras, Eric Kripke / Elenco: Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr. 

The Boys 1.04 - The Female of the Species
Um avião é sequestrado por terroristas. Queen Maeve e o Capitão Pátria são enviados e aqu vemos como esse sujeito é totalmente despido de qualquer cárater. Quando ele percebe que o avião vai cair, com quase 200 pessoas a bordo, tudo o que ele faz é dar de costas, deixando aqueles passageiros à própria sorte. Sequer admite salvar algumas delas, pois se fizer isso vai "manchar sua imagem", pois quem sobreviveu seguramente iria contar para os outros o que havia acontecido. Um horror! A loirinha estrela? Sai com um carinha para o boliche, sem sequer desconfiar que ele quer mesmo é grampear seu celular. Por fim a cena do golfinho é de um humor negro tão grande que você fica sem saber se ri ou chora! Totalmente nonsense. / The Boys 1.04 - The Female of the Species (Estados Unidos, 2019) Direção: Frederick E.O. Toye / Roteiro: Craig Rosenberg, Eric Kripke / Elenco: Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr. 

The Boys 1.05 - Good for the Soul 
Esses super-heróis são grandes exemplos de hipocrisia. O Capitão Pátria, depois de ter virado as costas para as pessoas que morreram naquela desastre de avião, participa de uma cerimônia em homenagem a todas elas. E chora, e faz discurso e arrota mentiras. O sujeito é completamente asqueroso (e gosta de mamar como um bebezinho indefeso, olha o tamanho da imbecilidade). Já a "virgem profissional" Luz Estrela mente em uma convenção de evangélicos. Enquanto o pastor principal (bem conhecido por ser um gay nos bastidores) fala palavras de ordem, ela confessa para o público que ainda é virgem (mentira deslavada, meus irmãos). Enfim, mais um bom episódio dessa série que veio para acabar com o universo dos heróis de quadrinhos. / The Boys 1.05 - Good for the Soul (Estados Unidos, 2019) Direção: Stefan Schwartz / Roteiro: Anne Cofell Saunders, Eric Kripke / Elenco: Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr. 

The Boys 1.06 - The Innocents
Esse episódio traz respostas para perguntas importantes dentro da série. A primeira delas é a resposta para a seguinte pergunta: Por que Billy Butcher odeia tanto os super-heróis? A resposta? No passado o Capitão Pátria seduziu, estuprou e matou sua esposa. Isso mesmo, enquanto posa de herói da virtude, o tal sujeito não passa mesmo de um criminoso. Outra questão: De onde vem os poderes dos super-heróis de The Boys? Ora, vem do componente V que foi aplicado neles quando ainda eram bebezinhos. Como se pode perceber o mundo dos heróis de The Boys é pura falsidade, escrotidão e hipocrisia. Algo demolidor na imagem de qualquer galeria de super-heróis. / The Boys 1.06 - The Innocents (Estados Unidos, 2019) Direção: Jennifer Phang / Roteiro: Eric Kripke / Elenco: Karl Urban, Erin Moriarty, 

The Boys 1.07 - Butcher, Baker, Candlestick Maker
Nessa altura da série já sabemos que o Capitão Pátria é um tremendo de um canalha. Não tem nada de heroísmo em sua personalidade. E ficamos também sabendo mais detalhes de sua vida no passado. Na verdade ele não foi criado por uma família, como ele mesmo diz em falsos documentários exibidos na TV. Ele foi criado mesmo como sendo um "rato de laboratório". Nesse episódio ele volta para visitar o homem que coordenava o experimento que cuidava dele desde que nasceu. E o pior de tudo, o sujeito revela que ele teve um filho, que essa criança rasgou a barriga da própria mãe para nascer e que morreu logo depois. E todos pensavam que o Capitão Pátria não podia se reproduzir. Pior do que tudo, a mulher que havia ficado grávida dele era justamente a esposa do Butcher - algo simplesmente horrível, em todos os aspectos! / The Boys 1.07 - Butcher, Baker, Candlestick Maker (Estados Unidos, 2020) Direção: Stefan Schwartz / Roteiro: Craig Rosenberg, Eric Kripke / Elenco: Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr. 

The Boys 1.08 - You Found Me
Como termina a série "The Boys"? Ou pelo menos como termina a primeira temporada? Com muitas surpresas. Billy Butcher fica pasmo ao descobrir que sua mulher está viva! Como bem sabemos ele tem essa sede de vingança contra os super-heróis porque acredita que o Capitão Pátria estuprou e matou sua esposa. Só que nada foi dessa maneira. Ela está viva e é mãe de um garoto, de uns 12 anos de idade. O pai desse garoto? Ele mesmo, o Capitão Pátria! E para quem ainda acredita em uma só pequena dose de bondade desse super-herói o episódio traz a chocante morte de Madelyn Stillwell (Elisabeth Shue). Ela é assassinada com requintes de crueldade por ele mesmo, sim... o Capitão Pátria! Logo ele, que parecia ter um relacionamento amoroso com ela. Nada de especial. Quando ele descobre algumas coisas de seu passado nem pensa duas vezes, a mata com seus olhos de raios lasers. Terrível. Por fim, como gancho para a segunda temporada temos duas coisas importantes. 1) A Luz Estrela decide ajudar os amigos de seu namorado. 2) Há um super vilão terrorista à solta no Oriente Médio. As coisas pelo visto só vão piorar! / The Boys 1.08 - You Found Me (Estados Unidos, 2019) Direção: Eric Kripke / Roteiro: Anne Cofell / Elenco: Karl Urban, Antony Starr, Elisabeth Shue.

Pablo Aluísio.

Radiomania

Bill Lawrence (James Stewart) é um trabalhador comum. Ao lado da esposa e dois filhos, ele leva uma vida bem rotineira e pacata. Todas as manhãs ele acorda e segue para o trabalho numa grande loja de magazine de sua cidade. Sua vida começa a mudar quando recebe o telefonema de uma estação de rádio local. A atendente lhe avisa que à noite, durante um popular programa, ele terá que responder a uma pergunta que vale 24 mil dólares. No começo Bill não leva nada muito à sério e resolve juntar todos os seus amigos para ouvirem o rádio juntos. Tudo acaba virando uma grande festa. Quando a grande hora chega e a pergunta é feita Bill, ele acaba acertando, se tornando o vencedor do cobiçado prêmio. O que ele não contava é que o prêmio vai lhe trazer uma série de dores de cabeça, virando sua vida literalmente de cabeça para baixo. Para começo de conversa os 24 mil dólares não surgem em dinheiro vivo, mas sim em vários produtos que são enviados pelos patrocinadores do programa. De repente sua casa é invadida por uma série de entregadores, que lhe trazem desde pôneis, até uma quantidade enorme de carne de bezerro, dezenas de vasos de plantas, centenas de relógios e tudo o mais que você possa imaginar. Para piorar o fisco americano acaba ficando de olho em sua premiação, o enchendo de cobranças de taxas e impostos dos mais variados tipos! Sua vida acaba assim virando um verdadeiro caos da noite para o dia.

"Radiomania" é muito divertido. Uma comédia hilariante que se encaixa perfeitamente no tipo de personagem que era ideal na pele de James Stewart. O sujeito comum, simples, que de repente se vê tendo que lidar com coisas que nunca fizeram parte de sua rotina, como um decorador esnobe (que joga fora toda a sua mobília) e até uma bela artista que vem pintar seu retrato como parte do prêmio ganho. A questão é que a grande maioria dos prêmios não tem a menor serventia na vida de Bill e sua família. Tudo acaba virando uma grande metáfora sobre a inutilidade de um sonho consumista sem sentido.

O roteiro, além de ser muito divertido, é muito bem escrito pois não deixa a bola cair em nenhum momento. Como o filme é relativamente curto (algo em torno de 80 minutos) o espectador nem percebe o tempo passando pois o personagem de Stewart se envolve numa série de confusões, uma mais engraçada do que a outra. Para os fãs da atriz Natalie Wood o filme ainda traz um atrativo extra, pois ela está no elenco, interpretando a jovem filha de Stewart. Incrível, mas ela deveria ter uns 12 anos quando fez o filme. Enfim, mais um belo momento da carreira do sempre ótimo James Stewart. Uma comédia leve, simpática, que deixará você com um inevitável sorriso no rosto após terminar de assistir.

Radiomania (The Jackpot, Estados Unidos, 1950) Direção: Walter Lang / Roteiro: John McNulty, Phoebe Ephron / Elenco: James Stewart, Barbara Hale, James Gleason, Natalie Wood / Sinopse: Bill (Stewart) é um sujeito comum que de repente vê sua vida virada de ponta cabeça após ganhar um prêmio em um programa de rádio!

Pablo Aluísio.

A Bela da Tarde

"Belle du Jour" (A Bela da Tarde) mostra a nada comum rotina de Séverine, uma jovem rica e bem nascida que sente-se infeliz e frustrada em sua vida sexual. Para realizar todos os seus mais escondidos desejos ela resolve frequentar um bordel parisiense, onde acaba encontrando a paixão e o prazer sexual que inexiste em sua relação com o marido, frio e distante. Esse filme foi  premiado no Festival de Veneza de 1967. Uma premiação mais do que justa pois o filme é realmente excelente, se tornando um dos mais conhecidos da década de 1960. A ousadia do roteiro fez história no cinema da época. Rompeu barreiras e tabus. O cineasta Luis Buñuel é considerado um dos grandes diretores da história do cinema. Considero ele dono de um estilo único, mais sofisticado e cult. Com um verniza mais intelectualizado o diretor trazia para seus filmes temas bem polêmicos e até mesmo inovadores. Tudo sem a grande carga moral que imperava naqueles tempos mais pioneiros. Analisando bem sua filmografia logo podemos perceber que Luis Buñuel criou uma obra bem profunda do ponto de vista social e até mesmo filosófico.

De minha parte gosto bastante desse "A Bela da Tarde", muito por causa da atuação de Deneuve, que considero um caso até bem raro de união entre beleza e talento. A produção também mostra como estava à frente de seu tempo. Enquanto no cinema americano havia ainda aquela proposta mais moralizante, "Belle du Jour" ousava expor a sexualidade de uma mulher que insatisfeita com sua vida pessoal resolve procurar por outros caminhos, por mais inusitados e fora do comum que fossem. O destaque aqui certamente vai para Catherine Deneuve que acabou virando uma diva existencialista da geração de 68. Bonita, educada, fina e elegante, ela acabou capturando o imaginário masculino ao se despir de culpas e arrependimentos para sair em busca do que desejava.

Curiosamente por essa época os americanos começaram a prestar grande atenção nas estrelas de cinema da velha Europa, muito provavelmente deslumbrados por sua liberdade e sexualidade sem aquele peso e rancor tão presente na sociedade americana que afinal foi fundada por imigrantes puritanos. Assim Deneuve e Bardot viraram símbolos sexuais exóticos na terra do Tio Sam. Revisto hoje em dia "Belle du Jour" obviamente não causa mais o mesmo impacto pois os tempos são outros, mas mesmo assim é impossível não reconhecer sua grande importância dentro daquele momento cultural, onde a revolução sexual dominava todos os aspectos da sociedade mundial.

A Bela da Tarde (Belle du Jour, França, Itália, 1967) Direção: Luis Buñuel / Roteiro: Jean-Claude Carrière baseado em romance de Joseph Kessel / Elenco: Catherine Deneuve, Jean Sorel, Michel Piccoli, Geneviève Page, Pierre Clémenti / Sinopse: Belle du Jour mostra a nada comum rotina de Séverine, uma jovem rica e bem nascida que sente-se infeliz e frustrada em sua vida sexual. Para realizar todos os seus mais escondidos desejos ela resolve frequentar um bordel parisiense, onde acaba encontrando a paixão e o prazer sexual que inexiste em sua relação com o marido, frio e distante. Filme premiado no Festival de Veneza de 1967.

Pablo Aluísio.

Uma Aventura na África

Clássico do cinema, dirigido pelo mestre John Huston, esse filme se tornou uma espécie de modelo para os filmes de aventura que viriam a seguir. Na história o astro Humphrey Bogart interpretava um veterano capitão de barco chamado Charlie Allnutt. Ele comandava sua pequena embarcação chamada The African Queen pelos rios e riachos de uma África ainda bem selvagem e inexplorada. Ele acaba sendo contratado por uma missionária estrangeira, Rose Sayer (Katharine Hepburn). Ela acabara de enterrar seu irmão naquela terra esquecida por Deus. Após aceitar fazer essa viagem, que logo se percebe ser bem perigosa, atravessando rios com enormes correntezas, o capitão interpretado por Bogart acaba percebendo que está na verdade em uma "missão" não oficial para atacar as forças alemãs no continente. A história do filme se passa em 1914, quando a primeira guerra mundial começava a eclodir na Europa, com reflexos violentos nas colônias africanas das grandes potências da época.

Além de ser ótimo com cinema, o filme também ficou famoso pelos bastidores de filmagens. O diretor John Huston ficou obcecado com uma caçada bem no meio da produção. Isso atrasou o cronograma de filmagens, causando atrasos e prejuízos para o estúdio. Enquanto John Huston seguia sua caça, o resto do elenco e da equipe técnica ficaram no meio do nada, em regiões distantes da África, esperando pelo retorno do diretor. Esses fatos  dariam origem a um outro filme bem famoso, décadas depois, com Clint Eastwood, chamado "Coração de Caçador". A história dessas conturbadas filmagens foram registradas na época pelo roteirista do filme, dando origem a um ótimo livro sobre os bastidores do cinema americano.  

Essa aventura acabou se tornando o último filme em que trabalharam juntos Humphrey Bogart e Katharine Hepburn. Eles eram parte do primeiro escalão de astros e estrelas em Hollywood. Seus filmes na época eram sucessos tanto de público como de crítica. Eram da realeza da indústria do cinema. Mesmo com todos os problemas que tiveram de enfrentar na África, acabaram se tornando bons amigos. As filmagens nem sempre trouxeram o conforto esperado por eles, sendo que muitas vezes ficaram ao capricho de John Huston, cada vez mais obsessivo com suas caçadas. Mesmo assim, com todas as dificuldades, toda essa experiência acabaria deixando boas histórias para se contar. O próprio Bogart adorava relembrar tudo o que havia passado nas filmagens desse clássico. O mais estranho de tudo é que depois de um tempo na África, John Huston decidiu que todo mundo iria voltar para Hollywood, para finalizar o filme. Essa segunda parte, filmada dentro de estúdio, com os atores atuando na frente de uma tela exibindo as imagens da África selvagem, destoam da outra parte da produção; Isso criou um certo problema visual ao filme como um todo. Nem sempre a técnica se revela convincente, fazendo com que o espectador perceba o truque.

De uma forma ou outra o público atual deve tentar ignorar tal aspecto negativo ou erro técnico, pois o que vale mesmo é a ótima parceria entre Bogart e Hepburn que dão um banho de carisma na tela. Aliás para grande surpresa do próprio Bogart, ele foi premiado com o Oscar por sua atuação! Dizem que o Oscar lhe foi dado como um reconhecimento de sua obra e não pelo que faz em cena. Faz certo sentido, pois todos em Hollywood já sabiam naquele momento que ele estava com um câncer terminal. Com isso a premiação também ganhou contornos de homenagem e agradecimento por tudo que ele fez ao longo de décadas de carreira.

Uma Aventura na África (The African Queen, Estados Unidos, 1951) Direção: John Huston / Roteiro: James Agee e John Huston, a partir do romance "African Queen" de C.S. Forester / Elenco: Humphrey Bogart, Katharine Hepburn, Robert Morley, Peter Bull, Theodore Bikel / Sinopse: Charlie Allnutt (Bogart) é um capitão veterano e aventureiro, que aceita participar de uma viagem perigosa e cheia de desafios pelos rios da África Oriental. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhor Ator (Humphrey Bogart). Também indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção (John Huston),  Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Atriz (Katharine Hepburn).

Pablo Aluísio

A Cruz de Ferro

Esse é um clássico de guerra assinado pelo mestre Sam Peckinpah. Para muitos críticos de cinema o diretor Sam Peckinpah foi uma espécie de estilista da violência, algo bem singular, transformando cenas de puro impacto, de ação, em momentos de arte. Um exagero por parte desses especialistas em cinema? Pode ser, em termos. De qualquer forma esse filme tem como cenário uma das manobras militares mais violentas da II Guerra Mundial, quando a Alemanha Nazista de Hitler decidiu cruzar a fronteira oriental, invadindo a Rússia comandada por Stálin. Foi um choque violento entre duas ditaduras, com exércitos poderosos. O resultado desse conflito de certa maneira selou os destinos da guerra.

A história desse filme se passa então no ano de 1943. O sargento alemão Rolf Steiner (James Coburn) é promovido e condecorado por seus oficiais em razão de seus atos de bravura. A campanha militar de seu pelotão porém acaba sofrendo um sério abalo com a chegada de um graduado oficial prussiano, o capitão Stransky (Maximilian Schell). Arrogante e inexperiente, ele decide que todos os homens sob seu comando devem obedecer suas ordens sem qualquer contestação. O oficial exige obediência cega, mesmo que suas ordens muitas vezes se revelem equivocadas, colocando os homens sob seu comando em perigo real. É o velho problema de se estar em uma situação de vida e morte, sendo comandado por alguem sem a devida competência para isso.

Talvez o público mais jovem irá estranhar certas partes do filme, pois ele é fragmentado em sua linha narrativa. Foi uma opção pessoal do diretor, uma forma de mostrar em cena o caos em que aqueles militares viviam naquele momento crucial da guerra. Outra opção muito interessante desse roteiro foi enfocar a visão, o lado dos soldados da Alemanha. "A Cruz de Ferro" foi um dos primeiros filmes do cinema ocidental a mostrar o lado dos alemães, retratando os personagens em seu lado mais humano. Nos antigos filmes sobre a II Guerra Mundial eles eram retratados como vilões absolutos, sem alma e com o único objetivo de promover genocídios e massacres. Na década de 1970, quando o filme foi produzido, já havia uma distância maior dos acontecimentos históricos, o que possibilitava ao cinema finalmente mostrar o outro lado do conflito.  

Em um filme tão interessante é importante destacar a presença e a atuação do ator Maximiliam Schell. Ele interpreta esse oficial da velha escola Prussiana, considerada a elite do exército alemão na época. Vaidoso e incoerente, muitas vezes tomando as decisões erradas, ele acaba colocando sua tropa em perigo. Muitos não sabem, mas a verdade é que vários generais alemães simplesmente odiavam Hitler e o nazismo. Alguns inclusive estavam convencidos de que ele era completamente maníaco e louco. Não é à toa que o Führer tenha sido alvo de vários atentados contra sua vida. Estrategicamente a guerra estava perdida e a única chance de sair daquele lamaçal era liquidando o líder nazista. Agora considere lutar uma guerra defendendo uma ideologia em que não se acreditava. O filme tenta capturar em parte esse sentimento e se sai muito bem. Mostra o caos da frente russa e o desmantelamento do exército alemão. É um belo exemplar do cinema cru e realista do cineasta e mestre Sam Peckinpah.

A Cruz de Ferro (Cross of Iron, Alemanha, Inglaterra, 1977) Direção: Sam Peckinpah / Roteiro: Julius J. Epstein, James Hamilton, Walter Kelley / Elenco: James Coburn, Maximilian Schell, James Mason, David Warner / Sinopse: Em 1943, durante a Segunda Guerra Mundial, em pleno front russo, um sargento alemão e um oficial da velha escola de guerra prussiana entram em choque sobre os rumos que o pelotão em que servem deve seguir. Filme premiado no festival alemão de cinema Golden Screen.

Pablo Aluísio. 

Meu Ofício é Matar

A pequena cidade de Suddenly é das mais pacatas do meio oeste dos Estados Unidos. Há muitos anos nenhum crime mais sério é registrado, talvez por isso o principal passatempo do xerife local seja tentar conquistar o afeto da jovem viúva Ellen Benson (Nancy Gates). Seu marido morreu na segunda guerra e ela ficou sozinha para criar seu único filho. Morando com seu pai, um veterano do serviço secreto, numa casa localizada em uma colina bem em frente à estação de trem, ela, por enquanto, não deseja mesmo se envolver romanticamente com ninguém. A rotina sossegada da cidadezinha muda porém quando o xerife Tod Shaw (Sterling Hayden) é informado que o presidente dos Estados Unidos chegará na estação local para passar alguns dias de folga. Ele pretende pescar e desfrutar da tranquilidade local. Isso obviamente muda completamente a rotina dos moradores. Agentes do serviço secreto e membros da polícia estadual logo tomam as ruas para garantir a segurança do presidente. Até mesmo a casa de Ellen é visitada por supostos agentes do FBI. Liderados por John Baron (Frank Sinatra) eles entram em sua casa dizendo-se membros da segurança do presidente. O que a família de Ellen não sabe é que na verdade são assassinos profissionais que estão ali justamente para matar o presidente. A localização da casa, bem em frente ao local onde o presidente desembarcará de seu trem é perfeita para um tiro de longa distância dado por Baron.

"Meu Ofício é Matar" surpreende por vários aspectos. Muitos anos antes do assassinato do presidente JFK, o roteiro antecipa várias coisas que aconteceriam com Kennedy. O atirador que almeja matar o presidente, interpretado muito bem por Frank Sinatra, era, assim como Lee Oswald, o assassino de JFK, um veterano das forças armadas. O uso de uma janela, acima de qualquer suspeita, para a colocação de um rifle de alta precisão também é similar ao que aconteceria na vida real anos depois. O grande diferencial porém é que Oswald conseguiu uma certa tranquilidade em seu local de tiro (um armazém de livros em Dallas) enquanto o personagem de Sinatra teve que lidar com várias pessoas dentro da casa de Ellen, tendo que se preocupar não apenas em atirar de forma certeira no presidente, mas também administrar seus reféns.

Frank Sinatra está muito bem como o atirador, o assassino profissional contratado para o serviço de sua vida. Afinal matar um presidente dos Estados Unidos não era algo fácil de fazer. Com ares de delírio o personagem de Sinatra se mostra um psicopata perigoso e cruel. O curioso é que o roteiro glorifica os esforços das pessoas que estão feitas reféns dentro da casa para evitar a morte do presidente. O desfecho assim é dos mais interessantes. Gostei muito desse filme. Diria até que foi um dos melhores filmes que assisti com Frank Sinatra. Assim deixo a recomendação desse surpreendente "Meu Ofício é Matar", um filme que antecipou em quase dez anos o que aconteceria na morte de um dos mais populares e marcantes presidentes da história americana.

Meu Ofício é Matar (Suddenly, Estados Unidos, 1954) Direção: Lewis Allen / Roteiro: Richard Sale / Elenco: Frank Sinatra, Sterling Hayden, James Gleason, Nancy Gates / Sinopse: Durante a visita do presidente dos Estados Unidos a uma pequena cidadezinha, um grupo de assassinos profissionais toma de refém uma família para da janela de sua casa mirar e acertar o líder americano assim que ele descer de seu trem.

Pablo Aluísio.

Quando Só o Coração Vê

Esse filme é um clássico do cinema americano. Na trama temos três personagens centrais. Selina D'Arcey (Elizabeth Hartman) é uma jovem garota cega, muito oprimida, que vive em um pequeno apartamento ao lado de sua mãe (interpretada pela excelente atriz Shelley Winters) e de seu avô Ole Pa (Wallace Ford), que tem problemas de alcoolismo. A mãe é irascível, coleciona amantes e é dada a violências domésticas contra a própria filha. Uma megera desbocada, sem valores morais. Um péssimo exemplo. Uma mulher abusiva, acima de tudo. Já Selina é muito terna, sensível, amorosa, uma pessoa de grande coração. Sua vida de opressão e tristeza começa a mudar quando ela começa a passar as tardes em um parque próximo. Lá ela acaba conhecendo o simpático Gordon Ralfe (Sidney Poitier) que logo se torna seu grande amigo. Não demora a tardar e Selina começa a nutrir sentimentos românticos em relação a ele, afinal seu novo amigo é inteligente, agradável e uma ótima companhia. Seu sonho de encontrar finalmente um namorado parece se concretizar, porém esbarra na mãe que fica chocada ao saber dos encontros. A coisa piora ainda mais quando ela descobre que Gordon é um homem negro!

Esse filme foi um marco dentro do cinema americano. Em plena década de 1960 ele ousou colocar na tela o romance entre uma jovem branca e um homem negro. O roteiro explora maravilhosamente bem esse enredo, mostrando como esse tipo de situação era extremamente chocante para os padrões morais da sociedade americana da época! O racismo era parte da mentalidade de muitos americanos brancos (aliás ainda faz parte, é bom frisar). O interessante é que se formos analisar bem, a personagem da Selina é deficiente visual justamente para ser usada como instrumento narrativo da história. Ela avalia Gordon apenas por sua personalidade, deixando de lado toda e qualquer visão preconceituosa sobre ele! Sem saber como ele aparenta, ela se apaixona apenas pelo que ele realmente é, pois sua forma de ver o mundo se baseia em outros critérios. O que importa para Selina são as qualidades internas dele como ser humano. Essa proposta torna o texto um primor de roteiro.

Aliás o filme é todo muito bem desenvolvido, com excelentes atuações tanto da parte de Sidney Poitier, como também de Shelley Winters e Elizabeth Hartman. Em torno de uma história relativamente simples, o filme consegue discutir temas complexos, como por exemplo a questão do relacionamento entre pessoas de etnias diferentes e a maneira como a sociedade encara algo assim. Outro ponto inovador foi colocar uma protagonista com necessidades especiais. Não me lembro de nenhum outro filme anteior a esse que tivesse uma deficiente visual como personagem principal. Esse é outro ponto muito louvável desse rico argumento cinematográfico.

O preconceito racial, o racismo, também é ponto de destaque dentro do roteiro do filme. O personagem Gordon é um bom rapaz, tem emprego fixo, é inteligente e articulado, mas tudo isso parece ruir apenas pelo fato dele ser negro. Selina inicialmente não sabe como ele de fato é, nem entende completamente porque não poderia se relacionar com uma pessoa de outra cor, mas aos poucos começa a compreender o preconceito racial em sua forma mais danosa e prejudicial, e isso vindo justamente de sua própria mãe. Em conclusão, temos aqui um belo filme, que traz uma mensagem muito positiva sobre o problema racial e seus desdobramentos. Um filme essencial para quem estiver em busca de um entendimento maior da questão negra dentro dos Estados Unidos durante a década de 1960, no auge da luta pelos direitos civis.

Quando Só o Coração Vê ( A Patch of Blue, Estados Unidos, 1965) Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer / Direção: Guy Green / Roteiro: Guy Green, baseado na obra de Elizabeth Kata / Elenco: Elizabeth Hartman, Sidney Poitier, Shelley Winters, Wallace Ford / Sinopse: jovem branca, com deficiência visual, se apaixona por homem negro e precisa lidar com todo o preconceito racial vindo de sua mãe, que não admite de jeito nenhum o seu relacionamento. Filme vencedor do Oscar na categoria de melhor atriz coadjuvante (Shelley Winters). Também indicado nas categorias de melhor atriz (Elizabeth Hartman), melhor direção de fotografia (Robert Burks), melhor direção de arte (George W. Davis) e melhor música (Jerry Goldsmith). Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria de melhor revelação feminina (Elizabeth Hartman).

Pablo Aluísio.

Férias de Amor

Clássico drama romântico de Hollywood em seus tempos de ouro. A história é bem interessante. Após fracassar na universidade, Hal Carter (William Holden) começa a vagar a esmo pelo país. Viajando em vagões de carga, ele acaba chegando numa pequena cidade em busca de um velho colega que conheceu em seus anos como estudante universitário. A comunidade é pequena, dada a celebrações tradicionais, como um picnic anual onde todos os moradores se divertem. Hal vê ali uma oportunidade de arranjar um emprego na empresa do pai do amigo, mas comete um erro fatal ao se envolver romanticamente com sua namorada e futura noiva, a bela Madge Owens (Kim Novak). A decisão acaba trazendo consequências trágicas para todos os envolvidos. A primeira impressão sobre "Férias de Amor" é a de que se trata de um filme romântico ao velho estilo, como era bem comum na década de 1950. Mas isso é uma visão superficial. O roteiro é muito bem escrito e trabalha excepcionalmente bem com todos os personagens que povoam a cidadezinha do Kansas onde a história é passada. Esse é o melhor ponto positivo desse filme. O roteiro consegue ser muito bom, apesar de ter que dar conta de vários, dezenas de personagens. Cada um deles tem seu próprio espaço dentro da história que é no fundo um espelho do que seria a própria sociedade da época.

E entre os moradores daquela cidadezinha temos os mais diversos tipos de pessoas e seus próprios dramas pessoais. Existe aqui uma coleção de bons personagens em cena. Há a professora solteirona, frustrada, que tenta se agarrar ao sonho de um dia vir a se casar, embora procure não demonstrar isso para ninguém. Há também seu namorado, um comerciante solteirão como ela, que não se decide em se casar ou não, pois considera que isso já é tarde demais para ele naquela altura de sua vida. No núcleo central temos as duas irmãs, a mais jovem é uma adolescente inteligente que irá para a universidade em breve. Ela no fundo sente uma pontinha de inveja de sua irmã mais velha, a linda Madge (Novak). Essa por sua vez é incentivada a entrar em um relacionamento com o jovem rico da região, mas no fundo não gosta dele. Sua mãe, muito interesseira, quer que ela se case e tenha uma vida de dondoca rica.

E entre tantos personagens diversos, o protagonista interpretado pelo ator William Holden obviamente se destaca. Ele é um sujeito bipolar que tenta encontrar seu lugar no mundo, mas sem muito sucesso. Seu romance com a atriz Kim Novak é um dos pilares do filme. Foi o que tornou essa produção um sucesso de bilheteria na época. Os dois astros realmente passam muita química juntos, em boas cenas românticas.. É um casal que deu certo no cinema. E some-se a essa boa escolha de elenco, a boa direção de Joshua Logan, considerado pela crítica da década de 1950 como um dos mais talentosos cineastas daqueles tempos áureos do cinema americano. É um belo trabalho de direção, atuação e até mesmo romantismo ao velho estilo. Um filme que merece o status que tem na história do cinema clássico.

Férias de Amor (Picnic, Estados Unidos, 1955) Estúdio: Columbia Pictures / Direção: Joshua Logan / Roteiro: Daniel Taradash, William Inge / Elenco: William Holden, Kim Novak, Betty Field / Sinopse: Um homem sem rumo na vida acaba indo parar numa pequena cidade do interior dos Estados Unidos, onde acaba se envolvendo com a mulher errada dentro daquela comunidade interiorana. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor filme, melhor direção (Joshua Logan) e melhor música (George Duning). Vencedor do Oscar nas categorias de melhor edição (Charles Nelson e William A. Lyon) e melhor direção de arte (William Flannery e Jo Mielziner). Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria de melhor direção (Joshua Logan).

Pablo Aluísio.

O Inferno é Para os Heróis

O ator Steve McQueen foi um dos grandes ídolos do cinema de ação das décadas de 1960 e 1970. Ele morreu relativamente jovem, por um câncer agressivo causado por exposição ao amianto, justamente no período de sua vida em que prestou serviço militar. Curiosamente foi como soldado que ele conseguiu seus primeiros papéis no cinema. Afinal de contas ele ficava muito bem nesse tipo de personagem, justamente por ter sido um militar na vida real. De certa maneira nem precisava interpretar tanto, nem fazer pesquisa sobre seus personagens. O laboratório de interpretação havia sido sua própria vida antes de ir para o cinema. Era a arte imitando a vida. Aqui temos um filme de guerra estrelado por ele, uma produção que de certa maneira caiu no esquecimento depois de tantos anos de seu lançamento original, isso apesar de sua boa qualidade cinematográfica. O cenário onde se passa a ação desse filme é a Europa devastada pela Segunda Guerra Mundial. No front de guerra, um pequeno grupo de soldados americanos é deixado para trás pelo exército, com a missão de  manter uma posição estratégica. 

O problema é que o pequeno pelotão está em menor número frente ao inimigo. Para tanto precisam convencer as tropas alemãs de que são bem mais numerosos do que realmente são. A linha de combate é ampla e cobre um grande território, mas os americanos se mostram firmes em defender sua posição. O roteiro explora muito bem a crueza do chamado combate corpo a corpo. Há boas cenas envolvendo um grupo avançado cujo objetivo é destruir uma casamata fortemente armada e defendida pelas tropas nazistas. Um dos aspectos que mais chamam a atenção em "O Inferno é Para os Heróis" é sua crueza e até mesmo frieza. O diretor Don Siegel optou por uma linha mais realista, deixando de lado toda a patriotada que caracterizou muitos filmes de guerra no apogeu de Hollywood. O clima é de leve desesperança, melancolia até, em um mundo destruído, em ruínas. O personagem de Steve McQueen passa longe de ser um herói romântico ou algo parecido. Para impactar ainda mais nesse aspecto o filme tem uma fotografia preto e branco bem mais escura do que o normal, enfatizando o clima de opressão e conflito que impera em toda a fita.

Outro ponto de destaque vem no elenco de apoio. Bobby Darin, cantor popular na época, principalmente cantando doces baladas românticas ao estilo de Frank Sinatra, encara um papel completamente diferente em sua carreira e não faz feio em cena. Já Nick Adams, da turma de James Dean e grande amigo pessoal de Elvis Presley, tem um pequeno papel, mas que no final se mostra bem relevante. Por fim James Coburn, com toda a sua competência habitual, acrescenta bastante ao filme interpretando um coronel durão. Era exatamente o tipo de papel que caía como uma luva em seu repertório de atuação. Enfim, se você gosta de bons filmes sobre a Segunda Guerra, "O Inferno É Para os Heróis" pode se tornar uma ótima pedida para o fim de semana.

O Inferno é Para os Heróis (Hell Is for Heroes, Estados Unidos, 1962) Direção: Don Siegel / Roteiro: Richard Carr, Robert Pirosh / Elenco: Steve McQueen, Bobby Darin, James Coburn, Nick Adams, Bob Newhart, Fess Parker / Sinopse: Durante a Segunda Guerra Mundial um pequeno grupo de soldados americanos tenta manter de todas as formas sua linha de defesa contra as tropas alemãs, mesmo estando em menor número do que os soldados do III Reich.

Pablo Aluísio. 

Quando Paris Alucina

Esse filme é uma divertida comédia que brinca com os bastidores de Hollywood. Um produtor acaba contratando um roteirista intrigado pelo título de seu roteiro que promete ser inovador. Com o nome de "A Moça que Roubou a Torre Eiffell" ele acaba encantando o magnata da indústria do cinema. A verdade porém é que o escritor não tem nada escrito, pois tudo não passa de um título bem bolado. Nas vésperas da entrega do roteiro ele então resolve partir para o tudo ou nada, usando inclusive os serviços de uma jovem e encantadora secretária para lhe ajudar. A proximidade iniciará uma improvável paixão entre ambos. Audrey Hepburn era maravilhosa. Sua presença nessa película só vem a confirmar o ditado que diz: Já não se fazem mais estrelas como antigamente! Audrey com todo o seu charme e elegância salva o filme de ser apenas um passatempo até levemente bobo, com figurinos e humor ingênuo, que hoje em dia poderia soar bem datados. O grande mérito é realmente do carisma de todo o elenco. A começar por Hepburn, passando por Holden e chegando em Tony Curtis, um ator que se tornou símbolo daquela era.

Muitos anos depois de ter feito essa produção a estrela máxima da elegância e finesse em Hollywood, a inigualável Audrey Hepburn, disse em uma entrevista que esse era o seu filme favorito dentre todos que fez ao longo de sua carreira. Eu entendo sua opinião. A produção é uma singela comédia romântica muito fina e elegante, igualzinha a ela, a Audrey. É um espelho cinematográfico dela mesma. Assim quem gosta dessa clássica atriz não poderá deixar de gostar desse simpático clássico do cinema.

Quando Paris Alucina (Paris - When It Sizzles, Estados Unidos, 1964) Estúdio: Paramount Pictures / Direção: Richard Quine / Roteiro: Julien Duvivier, Henri Jeanson / Elenco: William Holden, Audrey Hepburn, Tony Curtis, Mel Ferrer, Marlene Dietrich / Sinopse: Um roteirista de Hollywood promete escrever um roteiro inovador, só que na realidade ele não tem nada em mãos.

Pablo Aluísio.

Os Abutres Têm Fome

Inicialmente o projeto foi desenvolvido pela Universal para ser estrelado pelo casal Richard Burton e Elizabeth Taylor. O problema é que Liz pediu um cachê considerado absurdo pelo estúdio para fazer o filme. Como a Universal não estava disposta a pagar um milhão de dólares para que a atriz interpretasse a freirinha Sara, o filme tomou novos rumos. Saiu Richard Burton e entrou Clint Eastwood, que vinha de uma série de faroestes bem sucedidos ao lado de Sergio Leone. Elizabeth Taylor também foi substituída por Shirley MacLaine, que realmente adorou o roteiro. Penso que foi a escolha ideal, pois dificilmente o público veria Elizabeth Taylor como uma missionária, uma freira, perdida no meio do deserto mexicano. A atriz Shirley MacLaine então assumiu o papel da irmã Sara, que tentando levar a palavra de Cristo aos rincões mais distantes do México acabava ficando no meio do fogo cruzado da guerra que se desenvolvia naquele país. 

De um lado o povo mexicano lutando por sua liberdade, em um movimento rebelde conhecido como "Juanistas". Do outro lado as tropas de ocupação da França, tentando transformar o país em mais uma de suas colônias. Clint Eastwood interpretou um pistoleiro chamado Hogan, que era acima de tudo um mercenário, disposto a vender sua "força de trabalho" a quem pagasse mais. Após fazer um trato com um coronel Juarista, ele entrava no conflito ao lado dos rebeldes. O grande objetivo seria tomar uma importante guarnição francesa na região, usando para isso uma passagem secreta entre um monastério católico e o forte francês. Apesar de toda a trama passada nesse contexto histórico da guerra de libertação do México, o fato é que as melhores cenas de todo o filme se desenvolvem na relação entre a doce freira católica Sara (MacLaine) e o durão e rústico Hogan (Eastwood). Um choque de personalidades diferentes que rende ótimos momentos no filme. Eles se encontram por acaso no meio do deserto e o pistoleiro, mesmo sendo um cara de poucos amigos, resolve ajudar a freirinha. Há ótimos diálogos entre eles, o que ajuda a manter o filme interessante. Como não poderia deixar de ser, há toda uma tensão sexual entre os dois embora isso seja, por causa das convicções religiosas dela, algo impossível de acontecer.

Clint Eastwood e Shirley MacLaine estão excepcionalmente bem no filme, mostrando muito entrosamento e amizade em cena. Anos depois a atriz revelaria que ficara encantada com o México (onde o filme foi rodado), pois apesar da população ser extremamente pobre, era também um povo de muita fé e esperança em um país melhor. O diretor Don Siegel, em mais uma parceria com o ator Clint Eastwood, também se revela uma ótima escolha pois conseguiu equilibrar bem um roteiro bem escrito, baseado na amizade conflituosa entre a freira e o bandoleiro, com boas cenas de ação no final do filme. Fica então mais essa dica, "Os Abutres Têm Fome", mais um bom momento de Clint Eastwood no western.

Os Abutres Têm Fome (Two Mules for Sister Sara, Estados Unidos, 1970) Direção: Don Siegel / Roteiro: Budd Boetticher, Albert Maltz / Elenco: Shirley MacLaine, Clint Eastwood, Manuel Fábregas / Sinopse: Pistoleiro e mercenário (Eastwood) encontra com uma freirinha católica (MacLaine) perdida no meio do deserto e resolve lhe ajudar, bem no meio da guerra de libertação do México da invasão colonial francesa. Filme indicado ao Laurel Awards nas categorias de melhor atriz (Shirley MacLaine) e melhor ator (Clint Eastwood).

Pablo Aluísio.

Ambição Acima da Lei

Howard Nightingale (Kirk Douglas) é um delegado do Texas com grande ambição política. Pomposo e vaidoso transforma cada prisão que realiza em propaganda para sua campanha. Seu grande objetivo é ser eleito senador do Texas no congresso americano. Para isso viaja de cidade em cidade em sua própria locomotiva ao lado de seu grupo de auxiliares, todos impecavelmente bem vestidos. A grande chance de conquistar muitos votos surge na captura do bandido mais procurado do estado, o ladrão de trens Jack Strawhorn (Bruce Dern). Após eliminar todo o seu bando, Nightingale consegue encurralar o bandido perto de uma cidadezinha do velho oeste. Após a captura o leva para lá e realiza um verdadeiro comício com o evento, com direito a banda de música e tudo. Depois decide levar o criminoso para Austin onde pretende literalmente exibi-lo como troféu pelas ruas da grande cidade, obviamente tentando com isso angariar o maior número possível de votos para sua eleição ao senado. No caminho porém as coisas saem do controle e agora Nightingale terá que provar que não é apenas um político falastrão mas um delegado de verdade.
   
“Ambição Acima da Lei” foi um projeto muito pessoal do ator Kirk Douglas. Aqui ele atua, dirige e produz um western dos mais interessantes, uma verdadeira crítica à classe política de seu país, onde homens públicos utilizam aspectos inerentes aos seus deveres para única e exclusivamente se auto promoverem. O delegado interpretado por Douglas é um sujeito que se torna extremamente ambicioso em alcançar uma carreira política de sucesso e se distrai de suas verdadeiras obrigações como homem da lei. O roteiro se aproveita para no final o colocar como vítima da ambição de seus homens, o fazendo saborear do próprio veneno. Aliás o clímax de “Ambição Acima da Lei” é um dos mais inteligentes do cinema americano. Muito ácido e corrosivo, expõe as vísceras dos homens públicos de lá. Outro aspecto a chamar a atenção é que o filme foi realizado em 1975, já no ocaso do gênero, com Kirk Douglas bem veterano, mas tentando manter a chama do faroeste acessa. O resultado não poderia ser melhor, um filme inteligente, intrigante e com um raro sabor de crítica social.

Ambição Acima da Lei (Posse, Estados Unidos, 1975) Direção: Kirk Douglas / Roteiro: Christopher Knopf, William Roberts / Elenco: Kirk Douglas, Bruce Dern, Bo Hopkins / Sinopse: Delegado do Texas (Kirk Douglas) não perde a chance de fazer campanha política por onde passa. Nem quando prende o mais perigoso bandido do estado deixa de se auto promover visando ser eleito ao senado dos Estados Unidos. Sua subida ao poder porém sofrerá uma série de problemas.

Pablo Aluísio.

O Massacre dos Pistoleiros

Mais um filme de western que explora o famoso duelo no O.K. Curral em Tombstone. Essa é certamente uma das histórias mais exploradas no cinema sobre o velho oeste. Só para se ter uma ideia, estima-se que já foram feitos mais de 50 filmes sobre o xerife de Tombstone, Wyatt Earp e seu amigo, o dentista, pistoleiro e jogador de cartas inveterado Doc Holliday. Geralmente em quase todos os faroestes o personagem central, como não poderia deixar de ser, era Earp, mas aqui nessa produção da década de 1970 temos uma novidade pois o filme enfoca em primeiro plano a figura de Doc Holliday e seu romance com Katie Elder, uma prostituta que o amava, apesar de todos os seus problemas. Isso fica bem claro logo nas primeiras cenas quando Doc literalmente “ganha” a companhia da jovem em um jogo de pôquer! Depois disso ela não larga mais de seu pé. Como vivia de cidade em cidade, atrás de jogos e um clima mais ameno para sua tuberculose, acaba chegando em Tombstone, uma cidade isolada do Arizona. Para sua surpresa o homem da lei no local é justamente o seu velho amigo Earp. O reencontro de velhos amigos acaba sendo uma das melhores cenas do filme, que aliás apresenta um roteiro que procura ser fiel aos acontecimentos históricos reais.

A partir daí não convém mais contar nada, embora todo fã de western saiba muito bem o que vai acontecer, culminando tudo no famoso tiroteio contra os irmãos Clanton em um pequeno curral conhecido apenas como OK. O duelo real inclusive durou poucos minutos, foi uma troca de balas cara a cara, face a face, onde um pouco de sorte também contou a favor dos sobreviventes. O que impressiona até hoje foi o sangue frio desses homens que duelaram sem medo da morte. Eram outros tempos, outra mentalidade que imperava nesses pioneiros do velho oeste americano. O tom desse filme é de pura sobriedade. Achei inclusive o filme bem seco, com um tom realista, duro, como convém a uma produção dos anos 70. Doc Holliday, na pele do bom ator Stacy Keach, é uma figura até mesmo um pouco sombria, quase uma sombra do homem que poderia ter se tornado se não tivesse contraído tuberculose, uma doença terrível na época, sem cura, praticamente um atestado de morte iminente.

Muitos historiadores inclusive atribuem a isso a grande valentia e frieza que Doc demonstrava em momentos cruciais, afinal de contas ele não temia pela morte já que ela poderia acontecer a qualquer momento. Praticamente não tinha instinto de preservação. No O.K. Curral isso ficou bem nítido pois Doc estava bem no centro do fogo cruzado, mas não recuou nem um passo sequer do confronto. Era um ótimo pistoleiro e por isso virou uma lenda do oeste americano. Por fim, um último ponto importante: o roteiro de “O Massacre dos Pistoleiros” valoriza bastante a presença de Kate, aqui interpretada por uma jovem e bonita Faye Dunaway. Se você tem especial interesse nela e em sua carreira, o filme vai parecer uma ótima escolha.

O Massacre dos Pistoleiros (Doc, Estados Unidos, 1971) Direção: Frank Perry / Roteiro: Pete Hamill / Elenco: Stacy Keach, Faye Dunaway, Harris Yulin / Sinopse: Doc Holliday (Stacy Keach) vaga pelo velho oeste em busca de torneios de pôquer, mulheres, desafios e dinheiro, não necessariamente nessa ordem. Ao chegar em Tombstone encontra seu velho amigo, o xerife Wyatt Earp (Harris Yulin). Juntos enfrentarão a terrível gangue dos Clantons.

Pablo Aluísio.

O Rebelde Orgulhoso

Aqui temos mais um western clássico. A história se passa após o fim da guerra civil americana. John Chandler (Alan Ladd) se encontra completamente arruinado. Sua fazenda foi queimada pelos ianques, sua esposa foi morta na frente de seu pequeno filho que, traumatizado, nunca mais conseguiu falar. Ex-combatente da confederação, dos estados do sul, ele decide então ir até o norte em busca de uma cura para o garoto. O caminho porém não será fácil, pois ele passa a ser hostilizado por onde passa uma vez que é tratado como “rebelde” apenas por ser sulista, por ter sido um soldado confederado. Na busca por um tratamento para seu filho David (David Ladd), o pai obstinado acaba chegando numa cidadezinha na fronteira entre norte e sul. Lá, como sempre, é alvo de provocações, indo parar na cadeia após trocar socos com uns valentões locais. Tentando lhe ajudar de alguma forma, a fazendeira Lnett Moore (Olivia de Havilland) resolve pagar a fiança em troca do trabalho de Chandler em sua propriedade. O problema é que a fazenda é alvo dos irmãos Burleighs que cobiçam a região para pasto de seu rebanho. Após alguns ataques covardes (onde o bando de bandidos incendeia parte do rancho), Chandler resolve desafiar os criminosos, levando todos para uma disputa final de vida ou morte.

Esse é sem dúvida um dos melhores filmes de western da carreira de Alan Ladd. Com um roteiro que faz lembrar em certos momentos de “Os Brutos Também Amam”, o filme consegue conciliar drama, romance e ação nas doses certas. O ator Alan Ladd novamente incorpora um personagem integro, honrado e honesto que deseja apenas que seu filho volte a falar. Curiosamente o ator mirim David Ladd era de fato o próprio filho do ator, repetindo nas telas aquilo que era na vida real. O garotinho mostra muita desenvoltura em seu papel, criando um vinculo emocional bastante forte com o espectador.

O roteiro é muito bem escrito, e tira proveito de toda a situação com muita eficiência. Para os que gostam de animais, o filme ainda traz um pequeno cão pastor que acaba roubando várias cenas com seu adestramento. A disputa por ele acaba sendo um ponto crucial para todos os personagens na estória. É interessante notar ainda como Alan Ladd foi provavelmente o cowboy mais romântico do western americano em sua fase de ouro no cinema. Todos os seus personagens possuíam algo em comum, pois eram heróis trágicos, errantes, à procura de um lugar para recomeçar a vida (muitas vezes partindo praticamente do zero). O cineasta Michael Curtiz (um dos maiores nomes do cinema clássico americano) soube muito bem aproveitar dessa característica de Ladd aqui, mostrando mais uma vez toda sua elegância e seu talento, em um faroeste realmente muito bom, acima da média. Grande filme. Um belo momento da carreira de Alan Ladd, que aqui surge mais uma vez em sua quintessência.

O Rebelde Orgulhoso (The Proud Rebel, Estados Unidos, 1958) Direção: Michael Curtiz / Roteiro: Joseph Petracca, Lillie Hayward / Elenco: Alan Ladd, Olivia de Havilland, Dean Jagger, David Ladd, Harry Dean Stanton, John Carradine / Sinopse: Após o fim da guerra civil dos Estados Unidos, um ex-soldado confederado se arrisca a ir até o norte em busca de tratamento para seu filho que ficou sem falar após passar por um grande trauma. No caminho acaba se envolvendo numa luta por terras numa pequena cidade na fronteira entre norte e sul.

Pablo Aluísio.

O Grande Búfalo Branco

Um faroeste clássico estrelado por Charles Bronso. O interessante é que esse filme também apresenta elementos novos, nada comuns nesse gênero. Na história um sujeito chamado James Otis (Charles Bronson) chega em uma remota cidade mineradora bem na fronteira do chamado cinturão do ouro, onde várias minas do rico mineral estão sendo exploradas. Ele vem atrás de dois objetivos principais: achar seu filão dourado e caçar um mítico búfalo branco que habita as montanhas geladas de Black Hills. Há tempos Otis vem sofrendo de terríveis pesadelos onde se vê face a face com a temível besta. Agora, de volta ao oeste, ele pretende liquidar aquele que é considerado o último animal selvagem de sua espécie livre na natureza, uma vez que os búfalos da região estão praticamente extintos após longos anos de matança desenfreada por caçadores em busca de peles e carne dos animais abatidos. O que pouca gente sabe é que Otis é apenas um disfarce, pois ele é na verdade o famoso pistoleiro Wild Bill Hickok, que se mantém incógnito, sem alardear sua verdadeira identidade, pois sua fama o precede, sempre trazendo jovens aspirantes que desejam o título de "homem mais rápido do gatilho". Agindo assim ele evita ter que enfrentar um novo pistoleiro toda vez que entra em um saloon cheio de cowboys e aventureiros de todo tipo.

“O Grande Búfalo Branco” é um dos mais lembrados filmes de faroeste estrelado por Charles Bronson. É uma produção de Dino de Laurentis, com muita competência técnica. O Búfalo se torna no enredo uma besta invencível, um monstro a ser desafiado nas nevascas das montanhas. O animal é todo criado através de efeitos especiais e sonoros, criando toda uma expectativa no espectador sempre que surge em cena. Nos tempos de consciência ecológica em que vivemos atualmente, o enredo pode vir a incomodar alguns pois tudo o que pretende o personagem de Bronson e caçar e matar a fera terrível, que em acessos de fúria, mata homens, animais e crianças, varrendo tudo por onde passa.

Charles Bronson está muito bem no papel. Usando um figurino exótico, usando inclusive óculos de aros redondos, bastante psicodélicos, sua caracterização certamente cairá no gosto de seus fãs. Ao seu lado, no alto da montanha, caçando o búfalo, dois outros bons atores dividem a cena com ele, Jack Warden, como um velho caçador rabugento e Will Sampson como o mitológico guerreiro Sioux Cavalo Louco. Outro destaque do elenco é a presença da veterana Kim Novak, que apesar da idade mais madura ainda estava muito bonita. A direção é do competente J. Lee Thompson, que iria trabalhar ao lado de Bronson em outras fitas violentas, como "Dez Minutos Para Morrer", "O Vingador", "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown" e "Kinjite - Desejos Proibidos”. Em suma fica a recomendação desse bom momento do cinema western na década de 1970.

O Grande Búfalo Branco / A Caçada da Morte (The White Buffalo, Estados Unidos, 1977) Direção: J. Lee Thompson / Roteiro: Richard Sale / Elenco: Charles Bronson, Jack Warden, Will Sampson, Kim Novak / Sinopse: Caçador e pistoleiro se une a velho minerador e a um chefe indígena Sioux para caçar o último búfalo branco nas montanhas nevadas de Black Hills.

Pablo Aluísio.

Os Rifles da Desforra

Após o fim da guerra civil americana, as atenções do exército americano se desviaram para o Oeste selvagem. Na fronteira da colonização estava em curso um terrível massacre promovido por tribos indígenas hostis. Sentindo que suas terras estavam sendo invadidas pelos homens brancos, os nativos destruíam as propriedades e matavam os colonos que se aventurassem por aquelas regiões inóspitas. A situação era particularmente desastrosa no território do Arizona, onde comunidades inteiras estavam sendo vitimas de massacres promovidos por Apaches liderados pelo sanguinário Chefe Cochise (Michael Keep). Para manter esses colonos em segurança, o governo americano enviou tropas ao local, entre elas um pequeno pelotão liderado pelo Capitão Coburn (Audie Murphy). Sua principal função consistia em retirar os colonos das áreas mais perigosas para levá-los até o forte de Apache Wills, onde ficariam até que a cavalaria americana destruísse os inimigos Apaches que se escondiam nas montanhas. Uma guerra estava em curso e os civis tinham que ser protegidos. E esse era um tipo de serviço que apenas a cavalaria do exército americano poderia fazer.

Assim começa esse excelente “Os Rifles da Desforra”, western que passou um pouco despercebido apesar de suas inegáveis qualidades cinematográficas. Foi o penúltimo filme da carreira de Audie Murphy, o que não deixa de algo a se lamentar, já que é de fato um faroeste de bom nível. Seu personagem, o Capitão Coburn, por exemplo, não é um típico herói da cavalaria como já vimos em vários filmes antes, muito pelo contrário, é um sujeito duro e que não conta com a total simpatia de seus comandados. Esses também são retratos bem interessantes das tropas americanas naquele período histórico, pois muitos deles lutaram ao lado dos confederados durante a guerra civil, mas depois tiveram que usar a “casaca azul” da cavalaria para terem suas penas reduzidas, ou seja, não eram soldados por convicção mas por necessidade. Lealdade e honra certamente não estavam em seus planos como podemos ver depois nos acontecimentos do filme. Curiosamente o roteiro explora maravilhosamente bem esse conflito interno personificado dentro das tropas na figura do cabo Bodine (Kenneth Tobey), um ex-confederado que não tem qualquer respeito pelos ditos ianques. Em suma, “Os Rifles da Desforra” é de fato um belo retrato de um aspecto até bem pouco conhecido da história do velho oeste. Muito bom western que merece ser redescoberto pelos fãs.
 
Os Rifles da Desforra (40 Guns to Apache Pass, Estados Unidos,1967) Direção: William Witney / Roteiro: Willard W. Willingham, Mary Willingham / Elenco: Audie Murphy, Michael Burns, Kenneth Tobey / Sinopse: Durante as guerras indígenas no hostil território do Arizona um jovem capitão após proteger civis inocentes de ataques Apaches é enviado numa perigosa missão de recebimento de uma carga com 40 rifles de repetição do exército americano. Sua viagem será cercada de desafios uma vez que a região é infestada por grupos guerreiros Apaches.

Pablo Aluísio.

Um Homem de Coragem

A guerra civil americana chegou em um grande impasse no ano de 1864. Nem as tropas da União conseguiam grandes avanços e nem os exércitos confederados alcançavam grandes vitórias. Tudo parecia estagnado, uma luta sangrenta, com muitas vitimas, mas sem nenhum resultado para ambos os lados. No fundo o que determinaria a vitória seria o poder econômico e esse, naqueles dias, era representado pelo ouro. Para garantir o transporte desse metal vital para o esforço de guerra as tropas de Lincoln tinham que atravessar territórios hostis dominados por rebeldes e renegados. Para tornar seguro e eficiente o envio do ouro da Califórnia para o front de batalha, o exército designa então o Capitão John Hayes (Randolph Scott) para comandar e coordenar esse transporte. Assim começa o  western “Westbound” (seu título original em inglês), que no Brasil foi intitulado “Um Homem de Coragem”. É mais uma bem sucedida parceria entre o ator Randolph Scott e o diretor Budd Boetticher. O filme é bem curto – apenas 68 minutos – mas o diretor repete uma de suas características mais marcantes, a habilidade em contar uma boa estória sem exageros ou desperdício. Tudo se encaixa perfeitamente, mesmo em um filme de tão pouca duração.
   
Curiosamente ao contrário que aconteceu em outros filmes da dupla, esse não foi produzido por Randolph Scott. Na realidade temos aqui uma produção da Warner que resolveu bancar mais um filme com o astro dos faroestes, que demonstrou mais uma vez estar em ótima forma. Budd Boetticher investe em um roteiro muito bem escrito que explora um momento chave da história americana. O filme assim conta a história de uma complicada situação de um enviado do exército da União para uma região onde o povo apoiava as tropas rebeldes da Confederação.

Esse tipo de história já resultaria em um excelente western, mas o roteiro vai além e não se contenta em mostrar apenas isso, investindo também em intrigas, traições e até romance – pois o personagem de Scott volta para uma cidade onde seu antigo amor do passado mora (personagem interpretado pela atriz Virginia Mayo). Para piorar ela se tornou esposa do manda chuva local, um rico e poderoso empresário e fazendeiro que abraça os valores sulistas com ardor impressionante. Outro ponto digno de nota são as boas cenas de ação, marca registrada do cinema sempre ágil e eficiente de Budd Boetticher. Há um ataque a uma diligência com ouro extremamente bem realizada, provando o apuro técnico do cineasta. Enfim, “Um Homem de Coragem” é mais outro excelente momento na filmografia do astro do faroeste Randolph Scott.

Um Homem de Coragem (Westbound, Estados Unidos, 1959) Direção: Budd Boetticher / Roteiro: Berne Giler / Elenco: Randolph Scott, Virginia Mayo, Karen Steele, Michael Dante, Andrew Duggan / Sinopse: Capitão do exército da União é enviado para o oeste com o objetivo de garantir a segurança do transporte de ouro da Califórnia até o front de batalha durante a Guerra Civil Americana. O problema é que nessa viagem ele estará cercado de inimigos por todos os lados.

Pablo Aluísio. 

Homens em Conflito

Isabella Montgomery (Inge Rademeyer) é uma jovem inglesa que chega de Londres e ruma oeste adentro para ir morar com seu tio que tem um bonito rancho numa região distante e inóspita. Após desembarcar de seu trem ela é levada por dois capatazes para reencontrar seu tio mas no meio do caminho os empregados responsáveis por sua viagem resolvem fazer uma pequena parada em um saloon no meio do nada. Isso logo se revela uma péssima ideia pois ambos são atacados e mortos por um renegado errante que não pensa duas vezes em também raptar a jovem garota. Amarrada e colocada em seu cavalo, ela começa então a percorrer as longas planícies hostis do deserto como sua refém. Sua única salvação de ser resgatada vem de um bando formado pelo irmão de um xerife assassinado pelo seu seqüestrador. Eles querem colocar as mãos no criminoso para fazer justiça pelas próprias mãos. O problema é que o grupo não parece muito disposto a seguir a lei ao pé da letra.

“Homens em Conflito” explora a chamado síndrome de Estocolmo quando a pessoa sequestrada começa a nutrir simpatia por seu sequestrador. A garota Isabella Montgomery (interpretada pela bonita atriz Inge Rademeyer) passa muitas dificuldades nas mãos do bandoleiro sem nome que a raptou, mas ao mesmo tempo começa a simpatizar pela figura do bandido. Esse é um sujeito rude, de poucas palavras, que parece estar disposto sempre a cometer atos de irracional violência, embora não consiga levar adiante suas nefastas intenções com a garota, uma vez que sofre de problemas sexuais.

O bando formado pelo irmão do xerife morto também parece formado apenas por maus elementos, sujeitos grotescos que não descartam a possibilidade de também estuprar a pobre jovem sequestrada. Aliás é bom salientar que há uma sempre presente tensão sexual entre os personagens, tendo como alvo justamente a bela inglesa. O filme também pode ser considerado bem violento só poupando o espectador mesmo das cenas de violência sexual mais explicita (o que de fato é um alivio). No geral “Homens em Conflito” atinge seus objetivos, que é mostrar uma jovem inglesa, fina e elegante, jogada no meio ambiente brutal e cruel do velho oeste americano. Não é um filme leve mas vale a pena conferir.

Homens em Conflito (Good for Nothing, Estados Unidos, 2011) Direção: Mike Wallis / Roteiro: Mike Wallis / Elenco: Cohen Holloway, Inge Rademeyer, Jon Pheloung / Sinopse: Jovem inglesa é raptada por um renegado errante em uma região deserta e hostil do velho oeste americano.

Pablo Aluísio.

A Face Oculta

Esse western foi o único filme dirigido por Marlon Brando. Foi um projeto complicado desde o começo. Inicialmente a Paramount escolheu o genial Stanley Kubrick para dirigir o filme, mas atritos com Brando fizeram com que o cineasta resolvesse abandonar a produção. Como Marlon Brando confiava na qualidade do material e parte do dinheiro do orçamento de produção vinha de sua própria produtora (a Pennebaker Productions) ele tomou uma decisão inédita em sua carreira. Ele decidiu que assumiria a direção do filme. Foi uma decisão precipitada e muito ousada pois Brando nunca havia dirigido nada em sua vida. Ele era um ótimo ator, mas nunca havia estudado uma linha para assumir a direção de um filme. Ele não tinha experiência e nem o conhecimento técnico para essa função. A direção de Marlon Brando transformou "A Face Oculta" em um verdadeiro elefante branco cinematográfico. Sem experiência nenhuma na arte de dirigir um filme, Brando começou a filmar a esmo, sem foco, sem rumo certo a tomar. 

Durante as filmagens ficou óbvio para todos que sua inexperiência iria tornar tudo mais caro, demorado e complicado. Ele não tinha a menor capacidade técnica para realizar o filme. Coisas óbvias como a escolha da lente da câmera ou das técnicas de se filmar em locações eram desconhecidas para o ator. Brando resolveu contratar o ator e amigo Karl Malden para o papel de xerife, uma escolha que a Paramount achava equivocada já que o personagem era bem mais velho do que ele. E assim os erros foram se acumulando cada vez mais. Outro problema foi o estouro rápido do orçamento. Marlon chegou a ficar um dia inteiro filmando ondas no mar em busca da "onda perfeita" para aparecer no filme. Seu primeiro rolo editado chegou nas mãos do estúdio com cinco horas de duração! Era uma metragem absurda, completamente fora dos padrões e nada comercial. A Paramount então resolveu assumir o controle da edição final do filme, tentando montar no meio de horas e horas de filmagens inúteis, um enredo que fizesse sentido para o público. Foi um trabalho imenso que levou meses para ficar pronto e mesmo assim tudo resultou em um filme muito longo... e muitas vezes muito chato! Pelo menos essa foi a opinião dominante entre os críticos na época de lançamento original do filme.

Marlon Brando, por sua vez, passou a falar mal do filme aos jornalistas que lhe perguntavam quando o filme iria ser lançado. Ele nem pensava duas vezes antes de dizer que esse faroeste era um desastre e que dirigir tinha sido uma das piores experiências de sua vida. O resultado que chegou até o público mostra bem os problemas da película. Mesmo completamente cortado e editado, o filme se mostrou muitas vezes longo e sem direção, caindo, em alguns momentos, no marasmo completo. A crítica em 1961 obviamente malhou impiedosamente o filme quando chegou aos cinemas, mas curiosamente o tempo parece ter feito bem ao western, uma vez que hoje em dia ele assumiu um status de cult movie que ninguém previra em sua chegada aos cinemas na década de 1960.

A Face Oculta (One-Eyed Jacks, Estados Unidos, 1961) Direção: Marlon Brando / Roteiro: Guy Trosper, Calder Willingham / Elenco: Marlon Brando, Karl Malden, Pina Pellicer, Katy Jurado, Ben Johnson / Sinopse: Traição e morte rondam os envolvidos em um roubo no México anos atrás. Único filme dirigido por Marlon Brando. Filme indicado ao Oscar na categoria de melhor direção de fotografia (Charles Lang).

Pablo Aluísio.

Paixão de Bravo

"Paixão de Bravo" é um clássico do western americano. Reuniu dois grandes astros da época, Robert Mitchum e Susan Hayward. A química entre eles ficou evidente na tela. Na história temos o protagonista Jeff McCloud (Robert Mitchum), um veterano competidor de rodeios, que após montar um touro da raça brahma é violentamente jogado ao chão, sofrendo inúmeros ferimentos. Cansado e desiludido, por ter competido no meio por quase 20 anos e não ter juntado nada, nenhum dinheiro, mesmo vencendo vários rodeios, ele decide voltar à sua antiga cidade, para rever sua casa de infância, afinal ele está na estrada por um longo tempo. Ao retornar para sua cidade natal descobre que sua antiga moradia está à venda. Entre os que querem comprar o lugar está o casal formado por Wes Merritt (Arthur Kennedy) e sua esposa Louise (Susan Hayward). Embora tenham muita vontade de se tornarem proprietários do lugar, fundando um novo rancho, o casal não tem ainda o dinheiro suficiente para realizar seu sonho. Isso leva Jeff a ter uma ideia. Que tal os três formarem uma sociedade? Jeff, ferido ainda após a última competição, poderia treinar Wes e eles dividiram os prêmios dos rodeios que participassem. Afinal o que teriam a perder? Feito o acordo o trio cai na estrada, cruzando o oeste em busca de competições de rodeios, com o objetivo de ganhar bastante dinheiro para se tornarem ricos e prósperos fazendeiros. O trio então parte em busca da realização de seus sonhos.

"Paixão de Bravo" é um excelente faroeste, rodado ainda em preto e branco pelo extinto estúdio RKO. O filme mostra os bastidores dos principais rodeios americanos, suas competições, seus dramas pessoais e a vida dura de um cowboy correndo em busca da vitória. O roteiro, bem inspirado, usa de duas bases dramáticas bem destacadas. A primeira é a tensão sexual que se cria dentro do trio. Jeff (Mitchum) e Louise (Hayward) logo criam uma clara atração entre eles, algo que não pode ser concretizado porque afinal ela ainda é casada com Wes (Kennedy). Além disso eles vivem na fio da navalha, pois a qualquer momento podem sofrer um grave acidente, os deixando severamente feridos como era comum acontecer em competidores de rodeios naquela época.

Nesse ponto aliás o filme se sai muito bem, mostrando sem receios as contradições entre um esporte amado pelos americanos e os danos que ele causava entre os cowboys, pois muitos ficam paralíticos para o resto da vida após sofrerem quedas de cavalos ou touros. Geralmente a coluna dos competidores era gravemente destruída nessas quedas. Algo previsível quando se corria o risco de ficar embaixo de um animal de centenas de quilos após uma queda no meio da competição. O elenco está todo muito bem, mas destaco a forte presença de Susan Hayward em cena. Sua personagem passa longe de ser uma mera mocinha romântica de filmes de western, pelo contrário, ela sempre surge com opiniões próprias, impondo seu modo de pensar ao marido. Um bom retrato de uma mulher firme e independente, em um mundo dominado por homens rudes e bravos.

Paixão de Bravo (The Lusty Men, Estados Unidos, 1952) Direção: Nicholas Ray / Roteiro: David Dortort, Horace McCoy / Elenco: Susan Hayward, Robert Mitchum, Arthur Kennedy, Arthur Hunnicutt / Sinopse: Um casal e um cowboy ferido resolvem entrar no circuito de rodeios realizados pelos Estados americanos. Viajando de cidade em cidade eles tentam vencer os grandes prêmios pagos nessas populares competições.

Pablo Aluísio.

Bomb City

Título no Brasil: Bomb City
Título Original: Bomb City
Ano de Produção: 2017
País: Estados Unidos
Estúdio: 3rd Identity Films
Direção: Jameson Brooks
Roteiro: Jameson Brooks, Sheldon Chick
Elenco: Dave Davis, Glenn Morshower, Luke Shelton, Henry Knotts, Logan Huffman, Dominic Ryan Gabriel

Sinopse:
Filme com história baseada em fatos reais. Nos anos 90 um grupo de jovens do movimento punk passa a ser hostilizado dentro de uma cidade do interior do Texas. A tensão vai aumentando a cada dia. Eles sofrem, além do preconceito, uma série de ataques de violência. Quando finalmente decidem reagir uma tragédia acaba acontecendo.

Comentários:
Gostei bastante desse filme chamado "Bomb City". É uma história que tem diversas nuances interessantes, inclusive do ponto de vista sociológico. Basta alguém sair dos padrões impostos pela sociedade para que comecem a virar alvo de hostilidades e violência. É isso o que acontece com os punks retratados no filme. Eles não fazem mal a ninguém, apesar de suas roupas e cabelos que poderiam sugerir o contrário. Só querem curtir as músicas das bandas de punk que adoram durante à noite e, durante o dia, produzir sua arte plástica pelas ruas da cidade. Só que a simples presença deles já causa um certo desconforto entre os jovens "bem nascidos" da cidade. Os atletas, os populares, não perdem uma chance de humilhar e até mesmo agredir alguns punks. E ai, já sabemos, é uma panela de pressão social que um dia vai acabar explodindo. E explode mesmo, durante uma noite. Não irei contar os desdobramentos da história para não estragar as surpresas para quem ainda não viu ao filme, mas devo antecipar que nesse caso houve um erro da justiça americana. Muitos brasileiros gostam de desnosprezar seu próprio país, dizendo entre outras coisas que a justiça brasileira não funciona e só vale para os excluídos, os pobres, os negros, etc. Pois bem, assista ao filme. Veja como a tão elogiada justiça americana também produz muitas injustiças. Seu complexo de vira-latas vai cair por terra. Enfim, muito bom filme. Eu não conhecia esse caso e devo dizer que fiquei bem impressionado com tudo o que aconteceu. Você também certamente ficará. Não deixe de conhecer o filme, ele é, como já escrevi, muito bom realmente.

Pablo Aluísio.

O Estrangeiro

Título no Brasil: O Estrangeiro
Título Original: The Foreigner
Ano de Produção: 2017
País: Inglaterra, China
Estúdio: STX Entertainment
Direção: Martin Campbell
Roteiro: David Marconi, Stephen Leather
Elenco: Jackie Chan, Pierce Brosnan, Orla Brady, Michael McElhatton, David Pearse, Rufus Jones

Sinopse:
Com roteiro baseado no romance policial "The Chinaman", o filme "O Estrangeiro" conta a história de um pai, Quan Ngoc Minh (Jackie Chan) que vê sua filha ser morta em um atentado terrorista em Londres, promovido pelo IRA. Obcecado em descobrir os nomes dos autores do crime ele vai até o gabinete do primeiro ministro da Irlanda do Norte m busca de respostas e vingança.

Comentários:
Via de regra eu não sou grande fã dos filmes do Jackie Chan, mas esse aqui me surpreendeu positivamente. Há um tom mais sóbrio, mais sério. O roteiro é bem cuidadoso em desenvolver os personagens e as situações e o filme passa longe de ser uma daquelas fitas meio bobocas do Chan. Ele luta aqui, mas de maneira mais contida. Não há acrobacias e nem exageros. E o filme tem um ótimo vilão interpretado pelo ex-James Bond Pierce Brosnan. Seu papel é importante dentro da trama. Um sujeito com passado ligado ao IRA dos velhos tempos, das bombas, dos atentados terroristas contra ingleses. Agora, já bem envelhecido, ele se diz ser apenas um político, porém é um daqueles personagens dúbios, que levam o espectador ora a crer que ele estaria por trás dos atos terroristas, ora a pensar que na verdade ele é um elo de ligação do IRA atual com a civilidade, deixando o campo dos crimes para atuar apenas no complexo tabuleiro da política da região. No quadro geral é um filme bem realizado, que mantém o interesse até o final. E resgata o IRA para as telas de cinema novamente. Desde que deixou a luta armada de lado, o grupo irlândes nunca mais havia sido foco em filmes de ação. Agora eles estão de volta... mais violentos do que nunca. Assista ao filme sem receios.

Pablo Aluísio.

O Sorriso Etrusco

Título no Brasil: O Sorriso Etrusco
Título Original: The Etruscan Smile
Ano de Produção: 2018
País: Estados Unidos
Estúdio: Arthur Cohn Productions
Direção: Oded Binnun, Mihal Brezis
Roteiro: Michael McGowan
Elenco: Brian Cox, JJ Feild, Thora Birch, Rosanna Arquette, Treat Williams, Peter Coyote, Aero Kapow Epps

Sinopse:
Com roteiro baseado no romance "La Sonrisa Etrusca" de Jose Luis Sampedro, o filme "O Sorriso Etrusco" conta a história de Rory MacNeil (Brian Cox), um orgulhoso morador de uma aldeia na costa escocesa que precisa viajar até San Francisco para fazer um tratamento de saúde. Seu filho mora lá. O problema é que pai e filho precisam superar velhos conflitos do passado.

Comentários:
Esse filme também é conhecido no Brasil como "Antes de Partir". A questão é que já existia um filme com esse título. Uma produção com Jack Nicholson e Morgan Freeman no elenco. Assim não fazia muito sentido usar esse mesmo título nacional. Melhor seguir o título do livro original que serviu de fonte para esse filme. Pois bem, aqui temos um filme que procura explorar não apenas relacionamentos conturbados entre pais e filhos, mas também entre gerações. O choque cultural do velho morador de uma aldeia distante da Escócia, com a cidade de pedra e aço que ele encontra em San Francisco é um dos temas do roteiro. Só que isso não é mais importante do que superar os conflitos pessoais que ele teve com o filho no passado. Agora o velho precisa passar por cima disso, até de seu orgulho pessoal, pois está morrendo de câncer e está com poucos meses de vida. Desse modo aproveita o resto de tempo que lhe sobra para conhecer seu neto, um bebezinho, sua nora e até mesmo cortejar uma bela funcionária de um museu da cidade, onde existe uma antiga estátua da cultura etrusca. O filme também pode ser visto como uma homenagem ao talento do ator Brian Cox. Assim como aconteceu com Christopher Plummer, ele agora passa pelo melhor momento em sua carreira, justamente na velhice, quando vários outros atores só pensam em se aposentar. Enfim, um bom drama, que mostra acima de tudo que é bem melhor morar numa pequenina vila escocesa à beira-mar, com muita natureza, do que em metrópoles sufocantes como San Francisco. Qualidade de vida é tudo!

Pablo Aluísio.

Asterix e o Segredo da Poção Mágica

Título no Brasil: Asterix e o Segredo da Poção Mágica
Título Original: Astérix Le Secret de La Potion Magique
Ano de Produção: 2018
País: França, Bélgica
Estúdio: M6 Studio, M6 Films, Les Editions
Direção: Alexandre Astier, Louis Clichy
Roteiro: Alexandre Astier, Louis Clichy
Elenco: Christian Clavier, Guillaume Briat, Alex Lutz, Bernard Alane, Daniel Mesguich, Alexandre Astier

Sinopse:
O mago druída Panoramix decide que é chegado a hora de encontrar seu sucessor na arte da magia. Esse novo herdeiro de seus conhecimentos deverá dominar a criação da poção mágica, que ajuda seu povo a ficar livre da dominação de Roma. Só que essa busca por um jovem mago vai ser mais complicada do que ele poderia imaginar.

Comentários:
Esse divertido universo foi criado em 1959 pelos cartunistas Albert Uderzo e René Goscinny. Asterix vive em uma aldeia na Gália antiga. Seu povo está sempre tentando derrotar César e os romanos, que insistem em conquistar aquelas terras. Como se pode perceber os quadrinhos recriam com muita diversão um período histórico que realmente existiu no território que hoje em dia seria a França moderna. Foi até mesmo um toque de gênio de seus criadores pois ao mesmo tempo que diverte as crianças trazem a elas informações históricas que também ensinam. Pena que na história real os gauleses tenham sido derrotados pelos romanos. De qualquer forma essa animação não deixará a desejar para quem lê os quadrinhos de Obélix, Asterix e todos os demais personagens. Minha única crítica seria pelo fato de que dessa vez preferiram optar pela computação gráfica. Vamos ser sinceros, a animação tradicional seria muito mais adequada. Esse Asterix digital não me agradou muito não, apesar do enredo absolutamente divertido e engraçado.

Pablo Aluísio.