segunda-feira, 27 de maio de 2013

Beleza Americana

“Beleza Americana” é uma crônica sobre a rotina monótona de um casamento sem atrativos. Além disso o filme expõe o tédio de uma vida suburbana sem graça vivida pelo personagem principal, que não consegue mais lidar com aquela situação sem fim. No caso temos Kevin Spacey interpretando Lester Burnham. Ele é um pai de família suburbano que está preso numa rotina chatíssima que envolve ir para um emprego de que não gosta, voltar para casa, lidar com uma mulher insuportável e uma família que em última analise não dá a menor bola para ele e no dia seguinte voltar para a mesma maçante e insuportável rotina diária. Sua vidinha muda de perspectiva quando ele muda de atitude e resolve fazer algumas coisas que jamais passariam por sua cabeça, entre elas sonhar com um caso extraconjugal completamente escandaloso com a melhor amiga da filha adolescente. Jogando o juízo pela janela ele resolve experimentar um pouco de vida pois definitivamente aquilo que vive é apenas uma escravidão tediosa disfarçada de boas intenções.

“Beleza Americana” também critica de forma excepcionalmente talentosa os valores hipócritas de uma sociedade completamente acomodada. O personagem de Kevin Spacey está inserido em uma vida tão medíocre que o auge de seu dia – como ele mesmo informa ao espectador em off – é se masturbar escondido de todos. Basta isso para entender o que ele sente. O elenco é excelente e mais uma vez temos uma interpretação de Kevin Spacey que pode ser qualificada, sem exagero, como brilhante. Considero Spacey um dos maiores talentos de sua geração, um interprete de nuances, pequenos detalhes, que apenas os espectadores mais atentos conseguem captar. Sua cara impassível de tédio e sentimentalismo barato são impagáveis. Outra que merece menção honrosa é Annette Bening. Sua personagem é um retrato muito claro do tipo de esposa que não consegue mais separar a felicidade da infelicidade pois está mergulhada nas profundezas de uma vida familiar de fachada. Ela deixa de viver a sua própria vida para viver em um espelho, feito apenas para refletir falsas impressões para as outras pessoas. Uma obra brilhante.

Beleza Americana (American Beauty, Estados Unidos, 1999) Direção: Sam Mendes / Roteiro: Alan Ball / Elenco: Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch, Wes Bentley / Sinopse: Um pai de família entediado e infeliz tem que lidar com uma rotina de vida massacrante. Vencedor do Globo de Ouro nas categorias Melhor Filme Drama, Melhor Direção (Mendes) e Melhor Roteiro (Alan Ball). Vencedor de cinco Oscars nas categorias Melhor Filme, Melhor Direção (Sam Mendes), Melhor Ator (Kevin Spacey), Melhor Roteiro Original (Alan Ball) e Melhor Fotografia.

Pablo Aluísio.

domingo, 26 de maio de 2013

João e Maria – Caçadores de Bruxas

A primeira vez que ouvi falar nesse projeto pensei que tudo não passava de uma piada de mau gosto. Afinal o conto infantil “João e Maria” era de uma singeleza cativante, uma estorinha de poucas linhas para ensinar os pequeninos do perigo de se confiar em pessoas estranhas. Eu me recordo inclusive que “João e Maria” fazia parte das cartilhas de ensino fundamental quando eu era apenas um garotinho de sete anos. Mas eis que finalmente o anúncio se tornou oficial: sim, “João e Maria” iria virar filme milionário em Hollywood, com direito a orçamento generoso e elenco caro! Pensei comigo mesmo: “Eles enlouqueceram de vez?!” Gente, eu já tinha escrito isso aqui antes e volto a repetir: contos de fadas nasceram para serem simples, são cativantes justamente por isso, ensinam para as crianças alguns pequenos valores morais. Mas como “Alice” de Tim Burton foi um enorme sucesso de bilheteria algum engravatado de Hollywood certamente pensou ter descoberto a fórmula do sucesso. Ledo engano.

É bem chato isso mas estamos vendo cada conto de fadas virar filme, em cada adaptação pior do que a outra (inclusive o gerador de toda essa modinha, “Alice” que também era ruim de doer). “João e Maria” não é exceção a essa regra. Em poucas palavras é um filme bem ruim, sem roteiro nenhum, com ares de “Anjos da Noite”, “Van Helsing” e até “Matrix” (acredite se quiser!). O filme começa mostrando o pequeno conto que todos conhecemos. Duas crianças, João e Maria, são deixados na floresta. Atraídos por uma pequena casa feita de doces eles acabam parando nas mãos de uma bruxa má que tenta engordá-los para depois os levar ao forno em banho maria (trocadilho infame!). Mas o feitiço acaba virando contra o feiticeiro e quem acaba sendo queimada viva é a bruxa malvada. Passam-se os anos e agora João e Maria são adultos. Eles ganham a vida caçando bruxas nas pequenas cidades e florestas por onde vivem essas figuras malignas. Tudo corre bem até que surge uma nova bruxa, muito mais poderosa do que as demais, que sabe de muitas coisas, inclusive do passado dos irmãos. Deu para sentir o drama? Bem, falar o quê mais sobre esse filme?! “João e Maria” tem muitos efeitos digitais mas o roteiro é medíocre. Idem o elenco. Até João virou diabético de tanto comer doce (é sério, está no filme, não é brincadeira!). Enfim, melhor esquecer. Compre o conto de fadas para seus filhos e leiam as belas estorinhas para eles dormirem. Você ganha muito mais. Só não vá passar esse abacaxi para eles, pois os danos culturais (e cerebrais) podem ser irreversíveis.

João e Maria – Caçadores de Bruxas (Hansel & Gretel: Witch Hunters, Estados Unidos, 2013) Direção: Tommy Wirkola / Roteiro: Tommy Wirkola, baseado no conto infantil "João e Maria" / Elenco: Jeremy Renner, Gemma Arterton, Famke Janssen / Sinopse: Adaptação para o cinema do famoso conto infantil João e Maria. Aqui os pequenos irmãos estão adultos e saem em busca de bruxas más que comem criancinhas na floresta.

Pablo Aluísio.

Batman – O Mistério da Mulher Morcego

Você já ouviu falar da Batwoman? Não, não estou me referido à Batgirl, que todos os fãs do Batman sabem muito bem ser a Bárbara Gordon. Estou falando de Batwoman, a Mulher Morcego! Pois é justamente a apresentação dessa nova personagem no universo de Gotham City que essa animação se propõe a fazer. Na estória Batman, em mais um dia de rotina combatendo a criminalidade em sua cidade, acaba se deparando com uma misteriosa mulher, mascarada e com um uniforme que lembro o próprio Batman. Ela também está combatendo o crime mas deixa o cavaleiro das trevas intrigado pois ele não tem qualquer associação com essa nova heroína.

Ao lado de Robin procura por pistas para tentar identificar sua verdadeira identidade. Acaba chegando em três possíveis suspeitas. A primeira é Kathleen 'Kathy' Duquesne, filha mimada de um mafioso ligado ao Pinguim. A segunda suspeita recai sobre Dr. Roxanne 'Rocky' Ballantine, uma especialista em informática que trabalha nas indústrias Wayne e por fim Batman entende ser possível que a Batwoman seja na verdade Sonia Alcana, uma nova policial subordinada ao Comissário Gordon. E afinal quem seria realmente a Batwoman? “Batman – O Mistério da Mulher Morcego” tem boa trama mas tecnicamente é apenas razoável, fruto é claro do fato de ter sido lançada já há algum tempo. Mesmo assim fica a dica para os fãs do personagem de Bob Kane.

Batman - O Mistério da Mulher Morcego (Batman: Mystery of the Batwoman, Estados Unidos, 2003) Direção: Curt Geda / Roteiro: Alan Burnett, baseado no personagem Batman criado por Bob Kane / Elenco (vozes): Kevin Conroy, Kimberly Brooks, Kelly Ripa / Sinopse: Uma nova heroína surge nos céus de Gotham City chamada Batwoman. Mas quem seria ela? Em busca de respostas Batman e Robin começam a investigar a nova e misteriosa personagem.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 24 de maio de 2013

Hemingway & Gellhorn

Ernest Hemingway (1899 – 1961) foi um dos maiores escritores da literatura americana. Embora fosse brilhante com as letras era um sujeito complicado de se viver. Sempre envolvido em brigas, caçadas, mulheres e bebidas, acabou criando uma mítica em torno de si mesmo e suas aventuras. Esteve presente em vários conflitos armados e foi justamente em um deles, na guerra civil espanhola, que se apaixonou por Martha Gellhorn, uma jornalista que atuava como correspondente de guerra. Enquanto o general Franco dizimava seus opositores (formados principalmente por voluntários que foram lutar pela democracia na Espanha), Hemingway e Gellhorn se apaixonavam perdidamente. E é justamente essa a história central dessa boa produção do canal HBO. Com Clive Owen e Nicole Kidman interpretando os personagens centrais o filme tenta captar aspectos da genialidade de Ernest Hemingway, ao mesmo tempo em que destrincha seu romance com Martha Gellhorn. É uma obra que exige fôlego do espectador pois tem mais de duas horas e meia de duração mas no final não decepciona, embora tenha alguns pequenos problemas.

Antes de mais nada é importante chamar a atenção para o fato de ser uma produção televisiva o que obviamente significa ter um orçamento bem mais modesto do que de um filme para o cinema. Aqui os produtores resolveram inserir os personagens principais dentro de cenas reais da época, tudo realizado de forma digital. Funciona? Em alguns momentos sim, em outros não. Claro que esse tipo de decisão foi feita para deixar o orçamento mais enxuto, pois seria bem complicado (e caro) reproduzir cenas da guerra civil da Espanha e da invasão da China pelo Japão (lugares onde o casal passa parte de sua história). Assim sempre que há necessidade da inclusão de alguma cena mostrando esses eventos históricos se utiliza dessa artimanha. Nicole Kidman está, como sempre, maravilhosa. Para os fãs de seu “talento natural” fica o aviso de que há boas seqüências sensuais dela ao lado do ator Clive Owen. Na mais marcante delas os dois se entrelaçam nus em um quartel de hotel em Madrid enquanto a cidade é bombardeada por forças leais a Franco. Por falar em  Clive Owen tenho algumas observações a fazer em relação ao seu trabalho. O seu Ernest Hemingway não me agradou completamente. Além de não serem fisicamente parecidos, Owen muitas vezes cai na caricatura ao retratar um escritor machista, porcalhão e nada ético. De uma maneira ou outra, mesmo com todas essas reservas, ainda vale a pena assistir ao filme, nem que seja para ter uma noção didática sobre a guerra civil espanhola e o nascimento da grande obra literária “Por Quem Os Sinos Dobram”. Fica a recomendação então.

Hemingway & Gellhorn (Idem, Estados Unidos, 2012) Direção: Philip Kaufman / Roteiro: Jerry Stahl, Barbara Turner / Elenco: Nicole Kidman, Clive Owen, David Strathairn, Rodrigo Santoro, Peter Coyote / Sinopse: O filme narra a história de amor entre a jornalista e corresponde de guerra Martha Gellhorn (Nicole Kidman) e o escritor Ernest Hemingway (Clive Owen).

Pablo Aluísio. 

quinta-feira, 23 de maio de 2013

Os Caça-Fantasmas 2

Não sei bem a razão mas algumas vezes nos deparamos com seqüências de filmes de que gostamos que simplesmente não dão certo. Todos os elementos estão lá, geralmente a mesma equipe técnica, elenco, direção mas a coisa simplesmente não funciona. Eu acompanho cinema há muitos anos e uma das maiores decepções que tive foi justamente com esse “Os Caça-Fantasmas 2”. Havia uma grande expectativa porque o primeiro filme tinha sido tão divertido e legal. As negociações para a realização do filme foram complicadas porque o ator Bill Murray pediu uma verdadeira fortuna para repetir seu personagem mas quando ele finalmente acertou seu cachê com o estúdio as expectativas foram às alturas. Ele inclusive declarou que o filme teria um dos melhores roteiros da história e que as gargalhadas seriam histéricas nas exibições do filme. Será que ele estava curtindo com a nossa cara? Tudo leva a crer que sim.

Não tem jeito, o filme é bem decepcionante. Eu me recordo que já na época não tinha gostado mas recentemente revi por acaso em um canal a cabo. Alguns filmes melhoram com o tempo, isso acontece muitas vezes, geralmente a pessoa está em um dia ruim e acaba não gostando muito do filme mas depois em uma revisão muda de idéia. Infelizmente não é o caso aqui. Todos os elementos parecem presentes, os atores, a direção, os efeitos especiais, tudo mas... o filme não funciona! O roteiro não é bom, essa é a verdade, e a despeito de toda a competência técnica nada de muito engraçado ou memorável acontece. No fundo tudo se torna muito mais infanto-juvenil do que no primeiro filme (reflexos do desenho animado?) e o gostinho de decepção se torna inevitável. Como conseqüência o filme não foi bem nas bilheterias o que pareceu encerrar a franquia nos cinemas. Agora teremos um remake ou uma continuação tardia (não se sabe ainda ao certo) e sinceramente temo pelo pior. Talvez esse seja um daqueles casos em que um filme legal só funcione em determinada época e por uma única vez. Pensando bem era melhor ter parado no primeiro filme mesmo.

Os Caça-Fantasmas 2 (Ghostbusters II, Estados Unidos, 1989) Direção: Ivan Reitman / Roteiro: Dan Aykroyd, Harold Ramis / Elenco: Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver, Harold Ramis, Rick Moranis, Ernie Hudson / Sinopse: Os Caça-Fantasmas voltam para novas aventuras em Nova Iorque. Agora terão que enfrentar um novo e perigoso desafio.

Pablo Aluísio.

Alvo Duplo

Esse é o novo filme do astro Sylvester Stallone. O roteiro foi baseado na graphic novel "Du Plomb Dans La Tête" de Alexis Nolent. A primeira cena já dá bem uma idéia do que virá pela frente. Jimmy Bonomo (Sylvester Stallone) e seu parceiro entram em uma suíte de motel. Estão atrás de um policial corrupto que naquele momento está em um encontro intimo com uma garota de programa. Eles são assassinos profissionais e foram contratados para liquidar o policial em um típico serviço de queima de arquivo. Em poucos minutos o personagem de Stallone executa o serviço, eliminando seu alvo com três tiros certeiros. Depois vai até o banheiro onde se encontra a garota. Como se sabe testemunhas não devem ser deixadas para trás. Serviço feito, ele descobre que foi enganado. Provavelmente nada receberá pelo crime e o pior, se tornará ele próprio um alvo de seus “clientes”. Para tirar Jimmy do mapa, um outro assassino, mercenário, ex-combatente da legião francesa, é especialmente contratado para eliminar todos os vestígios do crime. Sem alternativas o personagem de Stallone sai em busca dos verdadeiros responsáveis por tudo, ao mesmo tempo em que se alia com um policial oriental que está na cidade em busca de respostas para uma investigação criminal que ao que tudo indica tem fortes ligações com as mortes.

Assim começa “Alvo Duplo” mais uma produção de ação que agora mostra Stallone em um papel pouco comum na sua carreira, a de assassino profissional, um sujeito que faz o que deve ser feito, sem pensar muito em questões éticas ou morais. O principal antagonista de Stallone na trama é outro assassino profissional como ele, interpretado pelo ator havaiano Jason Momoa, o mesmo que recentemente tentou dar certo no cinema como Conan. Ele também é conhecido por fazer o papel de Khal Drogo em “Game of Thrones”. É um sujeito forte e com tipo ideal para filmes de ação e pancadaria mas não tem muito carisma para falar a verdade. Sua luta final com Stallone se dá com machados o que faz com que Sly pergunte ironicamente: “O que é isso?! Somos vikings agora?!”. Esse é um pequeno momento bem humorado em um filme seco, cru, de pura ação, sem qualquer tipo de preocupação em desenvolver melhor seus personagens. O diretor veterano Walter Hill entrega um filme típico de sua carreira. Cineasta que dirigiu no passado filmes famosos de ação como “Ruas de Fogo”, “Inferno Vermelho” e “O Último Matador” volta ao seu estilo preferido. Nada de perda de tempo, dando ao espectador o que ele espera de uma fita assim. O resultado dessa forma de pensar e dirigir é justamente um filme violento, forjado em muitos tiros, lutas corporais e sangue. Em certos momentos até me lembrei de “Os Senhores do Crime”, principalmente na cena em que Stallone luta ferozmente contra um inimigo numa sala de massagem. Todo tatuado a cena é bem parecida com a seqüência do filme de David Cronenberg. Deixando isso de lado acredito que “Alvo Duplo” irá agradar aos fãs de Stallone. Não é um grande filme e nem será considerado um de seus melhores no futuro, mas de um modo em geral consegue ao menos divertir em seus (poucos) 85 minutos de duração.

Alvo Duplo (Bullet to the Head, Estados Unidos, 2012) Direção: Walter Hill / Roteiro: Alessandro Camon, i baseado na graphic novel "Du Plomb Dans La Tête" de Alexis Nolent / Elenco: Sylvester Stallone, Sung Kang, Jason Momoa / Sinopse: Bonomo (Sylvester Stallone) é assassino profissional que se torna alvo após matar um policial corrupto a mando de um chefão do mundo crime. Agora ele próprio terá que sobreviver a uma caçada por sua cabeça, pois seu antigo cliente não quer deixar nenhuma pista no meio do caminho. 

Pablo Aluísio.

O Acordo

Sem medo de errar começo a resenha dizendo que esse é muito provavelmente o melhor filme da carreira de Dwayne Johnson, também conhecido como The Rock. Não se trata de um filme de ação descerebrado, sem roteiro nenhum, com uso de pura pancadaria gratuita. “O Acordo” está muito longe disso. Na realidade o que temos aqui é um bom roteiro, com um enredo que realmente prende a atenção, fugindo sempre das fórmulas fáceis do gênero. Na estória Dwayne Johnson interpreta um bem sucedido empresário do ramo de transportes da construção civil. Divorciado, ele agora está em um belo momento da vida, realizado profissionalmente, com um bom relacionamento com sua esposa atual e pai de uma adorável filhinha. As coisas começam a mudar quando seu primeiro filho (que mora com a sua ex-esposa) resolve de forma impensada entrar no esquema de tráfico de drogas de seu amigo, Graig. Pego em flagrante pela agência antidrogas dos EUA ele vai preso imediatamente.

Encarcerado ele tem duas opções. Ou entrega outros traficantes e assim diminui sua pena ou então encara no mínimo dez anos de cadeia. O problema é que ele não conhece outros criminosos pois só tinha contato com Graig. Para ajudar na situação de seu filho, Dwayne resolve tomar uma atitude radical: ele mesmo decide procurar por traficantes da área para em um acordo com a promotoria diminuir o tempo de prisão de seu filho. Através de um ex-detento que trabalha em sua firma ele entra em contato com uma gangue de criminosos que entende ser uma boa opção traficar as drogas através dos caminhões da empresa de Johnson. A partir daí os acontecimentos tomam rumos inesperados. Uma das melhores coisas desse “O Acordo” é sua tentativa de sempre manter os pés no chão. O personagem de “The Rock” não é um super-herói de ação que sai matando um exército de bandidos de uma vez só. Pelo contrário, é um pai de família que entra em um negócio sujo para livrar seu filho de uma longa pena, uma vez que provavelmente não sobreviverá à dura realidade da cadeia. O filme tem um ótimo elenco de apoio, com destaque para a sempre excelente Susan Sarandon e um clima de tensão e medo que abrilhanta ainda mais o resultado final. É sem dúvida um filme bem acima da média das produções atuais do gênero.

O Acordo (Snitch, Estados Unidos, 2013) Direção: Ric Roman Waugh / Roteiro: Ric Roman Waugh, Justin Haythe / Elenco: Dwayne Johnson, Nadine Velazquez, Jon Bernthal, Susan Sarandon, J.D. Pardo, Harold Perrineau, Michael Kenneth Williams, Benjamin Bratt, Barry Pepper / Sinopse: Para livrar o filho de uma longa pena por tráfico de drogas um pai desesperado entra em acordo com a promotoria federal. Ele se infiltrará dentro de uma rede de traficantes locais em troca de redução da pena de seu filho.

Pablo Aluísio.

Silent Hill – Revelação 3D

Silent Hill virou franquia, quem diria. O primeiro filme me agradou bastante principalmente pela direção de arte primorosa que realmente jogava o espectador em um universo único, bizarro, sem definição. Apesar das críticas que sofreu achei um filme de terror realmente interessante, nada condizente com o que diziam dele em resenhas raivosas. Agora com o sucesso de filmes em 3D os produtores voltam à tona lançando “Sillent Hill – Revelação 3D”. Seguindo os passos de “Massacre da Serra Elétrica 3D” o filme tenta pegar carona nessa nova moda de Hollywood que investe em filmes de terror em terceira dimensão. Afinal se deu certo uma vez provavelmente dará certo de novo. Na trama acompanhamos Heather Mason (Adelaide Clemens) e seu eterno inferno pessoal. Ela tenta fugir das forças inexplicáveis que rondam sua vida. Sem compreender do que se trata tenta de alguma forma se livrar delas. A coisa piora ainda mais quando se pai desaparece sem explicação nenhuma.

Em busca de respostas acaba retornando ao universo de pesadelos e delírios que a atormentam desde quando era uma simples garotinha. Como se pode perceber em termos gerais o enredo segue os passos do primeiro filme, o que não é de se espantar já que se trata de uma adaptação do famoso game de terror japonês. É o tipo de produto que se destaca mais pelo estilo e visual do que propriamente por aspectos como roteiro, direção ou atuação. De certa maneira me lembra até de outro clássico de terror, “Hellraiser”, pois ambos possuem um estilo único, com personagens que parecem nascer dentro de um universo próprio e singular, sem qualquer semelhança com qualquer outro filme do gênero. A boa notícia é que o “Silent Hill – Revelação” tenta manter a qualidade do primeiro filme, embora seja levemente inferior. A produção também faz bom uso do 3D o que certamente vai agradar aos fãs dessa técnica. Se é fã dos games e do mundo de “Silent Hill” não deixe de assistir.

Silent Hill - Revelação (Silent Hill: Revelation 3D, Estados Unidos, 2012) Direção: Michael J. Bassett / Roteiro: Michael J. Bassett / Elenco: Adelaide Clemens, Kit Harington, Carrie-Anne Moss, Sean Bean, Radha Mitchell / Sinopse: Garota em busca do paradeiro de seu pai acaba dentro do universo aterrorizante e bizarro de Silent Hill.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 22 de maio de 2013

Amor Profundo

Filmes desse estilo sempre são interessantes, principalmente para quem é particularmente interessado em história e costumes da sociedade. O roteiro mostra um aspecto em que muitas mulheres provavelmente vão se identificar. A personagem principal da trama é Hester Collyer (Rachel Weisz). Aparentemente é uma jovem que tem tudo que toda mulher almeja em sua vida, uma boa posição social, uma excelente reputação, uma vida financeira estável e confortável e um bom casamento – ela é casada com um influente e prestigiado juiz. A questão é que a verdadeira felicidade sempre parece ser algo mais. Embora seja casada ela não se sente realizada ou feliz do ponto de vista emocional. Por isso, contra todas as convenções sociais, morais e religiosas, resolve arriscar tudo ao se envolver com outro homem, um piloto da força aérea, interpretado pelo bom ator Tom Hiddleston. Não demora muito para ela entender que na sociedade a hipocrisia e a mentira são mais bem aceitos do que a verdade e a busca pela felicidade plena.

“Amor Profundo” é um drama ao velho estilo. A estória não tem pressa de acontecer e a teia de relacionamentos vai se construindo aos poucos, de forma gradual. Eu particularmente gosto desse estilo de narrativa, mas entendo que o público atual vai acabar se sentindo um pouco entediado com o desenrolar da trama. Em tempos atuais, onde os filmes precisam ter um ritmo acelerado, feito para jovens com déficit de atenção, é muito prazeroso encontrar uma obra assim em cartaz. O filme mostra muito bem as rígidas regras sociais vigentes no período pós-guerra, onde um caso extraconjugal poderia arruinar a vida de uma esposa. Na mentalidade de então era preferível que a mulher mantivesse um casamento de fachada, mesmo que se sentisse extremamente infeliz do que partir para novas experiências, ouvindo o seu coração abertamente. Reconstituição de época maravilhosa, excelentes figurinos e um sensível elenco completam o quadro. Rachel Weisz está cada vez melhor. Suas cenas à beira do suicido são grandiosas e não me admirei em nada quando foi indicada ao Globo de Ouro por sua sensível atuação. Enfim, “Amor Profundo” é pesado, dramático e complexo e por isso merece ser assistido por pessoas em busca de algo mais cultural e relevante nos cinemas.

Amor Profundo (The Deep Blue Sea, Estados Unidos, 2012) Direção: Terence Davies / Roteiro: Terence Davies / Elenco: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Ann Mitchell, Jolyon Coy, Karl Johnson / Sinopse: Durante o pós-guerra, esposa infeliz no casamento com um importante juiz decide ouvir seu coração ao se relacionar com um piloto da força aérea.

Pablo Aluísio. 

Matemática do Amor

Se você estiver em busca de um filme modesto, com estorinha cativante e uma trilha sonora com muita música indie, então indico esse “Matemática do Amor”. Jessica Alba interpreta um papel completamente oposto à imagem que criou por todos esses anos. Se na vida real a atriz é conhecida por seus dotes físicos e beleza, aqui ele deixa tudo isso de lado para interpretar uma tímida professora de matemática do ensino fundamental. Seu pai tem um problema de saúde indefinido e sua mãe cansada de ver a filha não fazendo nada de sua vida arranja um emprego para ela como professora na escola local. Detalhe interessante para os brasileiros: Sonia Braga faz a mãe da personagem de Alba. Sem nenhum glamour, não usando maquiagem e assumindo a idade a atriz acaba surpreendendo, mesmo em um papel coadjuvante.

No novo emprego a meiga professora Mona Grey (Alba) conhece um professor de ciências boa pinta e começa a ver uma luz no fim do túnel de sua solidão. Também começa a superar seu problema de TOC (Transtorno obsessivo compulsivo) que a faz contar tudo ao redor, vendo números em todos os lugares, até mesmo quando bate de forma insistente na madeira de móveis em geral, cadeiras, mesas, etc. É louvável o esforço de Jessica Alba em dar veracidade ao seu papel. Ela propositalmente se enfeia ao máximo, usa roupas cafonas e um penteado realmente horrível (uma franjinha fora de moda). Pela tentativa de fazer algo fora de sua zona de conforto acabei simpatizando com ela durante todo o filme. No geral é um filme inofensivo, bem ao estilo “Sessão da Tarde”, que ajuda a passar o tempo de forma bem descompromissada. Vale a pela assistir nem que seja pelo menos uma única vez.

Matemática do Amor (An Invisible Sign, Estados Unidos, 2010) Direção: Marilyn Agrelo / Roteiro: Pamela Falk, Michael Ellis / Elenco: Jessica Alba, Chris Messina, Sônia Braga / Sinopse: Tímida professora de ensino médio se apaixona por professor de ciências na escola onde trabalha. Ao mesmo tempo tenta superar as inseguranças e anseios em sua vida.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 21 de maio de 2013

K-19: The Widowmaker

Apesar de não ter dirigido o filme esse foi um dos projetos mais pessoais de Harrison Ford. Ele entrou depois que o estúdio já havia começado a pré-produção do filme mas assim que aceitou participar do elenco começou também a exigir mudanças. As primeiras foram no roteiro que não agradavam a Ford. O texto original era baseado em um fato real ocorrido com um submarino nuclear soviético perto da costa dos Estados Unidos. Um fato histórico que quase levou as duas nações a um conflito armado. Ford porém não gostou desse enfoque e pediu que alterações fossem feitas. Nessa modificação certamente “K-19” perdeu em realidade e fidelidade histórica mas também ganhou em aventura e agilidade. Outro problema surgiu quando Harrison Ford decidiu que interpretaria seu personagem, um oficial da marinha vermelha, com forte sotaque russo! O estúdio não concordava com a decisão pois isso poderia prejudicar o filme comercialmente, mas Ford não deu ouvidos.

No meio de tantas intervenções do astro principal no filme (ele chegou até mesmo a implicar com o material promocional do filme), o estúdio não teve outra alternativa a não ser aceitar tudo de forma passiva. Afinal Harrison Ford era um dos maiores campeões de bilheteria da história do cinema americano e tinha certamente força para fazer impor sua vontade. Quando o filme finalmente foi lançado porém as expectativas logo se transformaram em decepções. O público não comprou a idéia do filme e “K-19”, assim como o submarino que retratava em seu enredo, afundou de forma desastrosa nas bilheterias. A verdade é que o filme não empolga, não convence. Ford está especialmente ruim em sua caracterização mais parecendo um lunático do que um oficial graduado das forças armadas soviéticas. Junte-se a isso os problemas de ritmo e as forçadas de barra do roteiro. “K-19” também foi alvo de criticas por parte dos familiares dos marinheiros mortos no evento real e dos veteranos da marinha que acharam tudo um grande desrespeito. Definitivamente foi uma película de guerra que não deu muito certo.

K-19: The Widowmaker (Idem, Estados Unidos, 2002) Direção: Kathryn Bigelow / Roteiro: Louis Nowra, Christopher Kyle / Elenco: Harrison Ford,  Liam Neeson, Sam Spruell, Peter Stebbings, Christian Camargo / Sinopse: Submarino das forças armadas russas é levado a uma missão onde testará todos os seus limites, colocando EUA e o império vermelho em rota de colisão. Baseado em fatos reais.

Pablo Aluísio.

A Informante

Filme que denuncia um dos maiores escândalos da história da ONU (Organização das Nações Unidas). Baseado em fatos reais o enredo mostra a luta de Kathryn Bolkovac (Rachel Weisz), uma jovem policial americana que é designada pela ONU para trabalhar na Bosnia Herzegovina. Como se sabe desde o fim dos regimes socialistas do leste europeu muitos países se fragmentaram, sendo um dos mais atingidos nesse processo a antiga Iugoslávia. Depois de anos de guerra civil várias nações surgiram como Croácia e Bósnia. Kathryn começa como investigadora de pequenos casos e depois começa a ser promovida na carreira. Em um novo posto, de hierarquia mais elevada, começa a descobrir a existência de uma grande rede de tráfico humano, que leva garotas jovens e pobres de países do leste europeu para casas de prostituição na Bósnia. Para sua grande surpresa descobre também que os principais clientes eram, ora vejam só, funcionários e membros de equipes de empresas privadas e órgãos internacionais como a própria ONU. Tentando denunciar tudo o que acontecia a oficial acabou sendo perseguida e depois demitida de suas funções. Uma história escabrosa!

O filme choca o espectador porque mostra um completo desvirtuamento de valores. Pessoas que deveriam zelar pela paz e segurança daquelas populações acabaram se envolvendo em crimes horríveis. Os chefões desses esquemas de tráfico humano e prostituição jogavam todas aquelas garotas jovens e bonitas em um verdadeiro terror. Os locais onde viviam mais pareciam masmorras medievais, com correntes e completa falta de higiene. Para piorar elas viravam verdadeiras escravas pois os cafetões não deixavam voltar ao seu país de origem antes que pagassem todas as suas contas de despesas, algo que as impedia de fugir daquele show de horrores. O pior de tudo porém é saber que americanos e europeus, agentes enviados para a Bósnia para ajudar a população local se aproveitavam disso, se envolvendo até o pescoço com todos esses crimes. Triste e lamentável. O filme é muito bom, extremamente bem roteirizado e conta com o grande talento da atriz Rachel Weisz, que tem se destacado cada vez mais em produções relevantes, de excelente nível cinematográfico. Não deixe de conhecer “A Informante” que mostra que de boas intenções o inferno realmente está cheio!

A Informante (The Whistleblower, Estados Unidos, Canadá, Alemanha, 2010) Direção: Larysa Kondracki / Roteiro: Larysa Kondracki, Eilis Kirwan / Elenco: Rachel Weisz, Vanessa Redgrave, Monica Bellucci / Sinopse: Policial americana a serviço da ONU na Bósnia acaba descobrindo uma rede de tráfico humano e prostituição envolvendo membros da organização. Depois de revelar tudo acaba sofrendo todos os tipos de pressões para abafar o caso.

Pablo Aluísio.

Confusões em Família

Antes de mais nada é preciso ignorar o péssimo título nacional desse filme. O nome original é “City Island”, justamente a região onde o personagem principal mora, nos arredores de Nova Iorque, em uma antiga vila de pescadores. Ele é Vince Rizzo (Andy Garcia), um pai de família comum que ganha a vida como agente penitenciário. Casado com Joyce (Julianna Margulies), pai de dois filhos, ele seria como qualquer outro americano da classe trabalhadora daquele país se não fosse por um pequeno detalhe: fã do ator Marlon Brando ele sonha, em segredo, se tornar um ator profissional. Para isso freqüenta às escondidas um curso de teatro em Nova Iorque e se aventura a fazer testes pela cidade em busca de uma oportunidade. Com medo de sofrer reprimendas por parte de sua família, freqüenta as aulas sem falar nada para ninguém. Ao mesmo tempo tem que lidar com um filho adolescente desbocado e rebelde e uma filha, que ele pensa estar indo para a faculdade, mas que na realidade é uma stripper em um clube adulto de New Jersey.

Para piorar ainda mais sua conturbada vida familiar descobre que um dos novos detentos da prisão onde trabalha é seu filho bastardo, fruto de um antigo caso de juventude. Tentando ajudar o rapaz (que não sabe que ele é o seu pai verdadeiro) o leva para casa sob condicional. Não demora muito para aos poucos todos os segredos familiares sejam descobertos. “City Island” é um projeto bem pessoal do ator Andy Garcia que produziu o filme. Aqui ele presta uma homenagem às pessoas que mesmo diante de todas as dificuldades pessoais, familiares, etc não perdem a capacidade de sonhar e ir atrás de seus objetivos. A vida familiar de seu personagem é caótica mas no meio de tudo aquilo ele ainda, muito humildemente, tenta abrir caminho na complicada carreira de ator em Nova Iorque. No elenco um dos maiores destaques vem com a presença da atriz Julianna Margulies. Na série “The Good Wife” ela interpreta uma advogada de muita fibra e classe. Já aqui ela faz uma dona de casa suburbana sem nenhuma sofisticação, em um papel que realça seu grande talento dramático. Assim fica a dica desse pequeno filme que certamente vai agradar a muitos.

Confusões em Família (City Island, Estados Unidos, 2009) Direção: Raymond De Felitta / Roteiro: Raymond De Felitta / Elenco: Andy Garcia, Julianna Margulies, Steven Strait / Sinopse: Pai de família comum sonha em se tornar ator profissional como seu grande ídolo, Marlon Brando, ao mesmo tempo em que tem que lidar com sua família mais do que problemática.

Pablo Aluísio. 

segunda-feira, 20 de maio de 2013

Afinado no Amor

Alguns atores fazem sucesso na carreira e sinceramente não consigo entender a razão. Não tem carisma, não são bons intérpretes, não tem talento. Quando o assunto é humor então o que dizer de um comediante sem graça? É justamente o caso desse Adam Sandler. O sujeito basicamente só sabe fazer um tipo de papel, não é engraçado e nem muito menos talentoso, além de ter uma lista incrível de filmes simplesmente pavorosos no currículo mas.... mesmo assim lá está Sandler, ano após ano, lançando seus abacaxis no cinema. Provavelmente se formou naquela escola de “atores” onde quanto pior, melhor. Egresso da TV, mais precisando do Saturday Night Live, Sandler prova que o público americano de fato não é dos mais inteligentes, sofisticados e nem cultos do planeta, tamanha a atenção que lhe dão em todos os filmes bombas que lança!

Esse aqui foi um de seus primeiros sucessos no cinema. Ele interpreta um cantor de casamentos chamado Robbie que se apaixona pela gracinha Julia (Drew Barrymore). Ela é garçonete e está comprometida para desapontamento de Robbie. Ele por sua vez amarga uma fossa sem fim desde que levou um fora de sua ex-namorada. Dando vexames nos casamentos em que trabalha, por causa da depressão que se abate sobre ele, Robbie começa a ter dificuldades até para arranjar novos eventos. Sua salvação virá mesmo através de Julia, a garota de seus sonhos. Bom, se formos comparar “Afinado no Amor” com algumas porcarias que Sandler fez depois na carreira chegaremos na conclusão que esse é quase um “Cidadão Kane” de sua filmografia! Mesmo assim é bem fraco, muito meloso e apelativo – com a óbvia ajuda de uma trilha sonora escolhida justamente para isso. De bom mesmo apenas a simpática presença de Barrymore que ajuda a passar o tempo. Agora complicado mesmo é suportar o mala do Sandler mas aí vai depender da tolerância de cada um com a canastrice alheia.

Afinado no Amor (The Wedding Singer, Estados Unidos, 1998) Direção: Frank Coraci / Roteiro: Tim Herlihy / Elenco: Adam Sandler, Drew Barrymore, Christine Taylor / Sinopse: Cantor de casamentos de quinta categoria se apaixona por garçonete enquanto tenta curar a dor de cotovelo de um fora colossal que levou. O problema é que a garota está comprometida.

Pablo Aluísio.

Parker

Título no Brasil: Parker
Título Original: Parker
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures
Direção: Taylor Hackford
Roteiro: John J. McLaughlin
Elenco: Jason Statham, Jennifer Lopez, Nick Nolte
  
Sinopse:
Com roteiro baseado no romance policial escrito por Donald E. Westlake, o filme "Parker" conta a estória nada convencional de Johnny Parker (Jason Statham), um criminoso e ladrão profissional de bancos que acaba sendo traído por seu grupo e deixado para morrer em uma estrada. Recuperado da traição que visava lhe matar ele decide retornar para um acerto de contas final e sangrento com todos os que quiseram sua morte. Filme indicado ao World Stunt Awards.

Comentários:
“Parker” é mais um filme de ação estrelado por Jason Statham que foi exibido nos cinemas brasileiros. A bilheteria foi muito boa, diga-se de passagem. Ao contrário de outras fitas de ação de rotina do ator esse aqui traz algumas novidades. A primeira delas – e mais visível – é a presença da atriz e cantora Jennifer Lopez que parece ter deixado as comédias românticas de lado para investir em mais filmes de ação como esse. Por mais incrível que possa parecer até que ela não se sai mal. A trama de Parker é relativamente simples. Baseado nos livros de grande sucesso Flashfire, de autoria do escritor Donald E. Westlake, o filme narra as estórias de Parker (Jason Statham), um ladrão profissional que a despeito de viver à margem da lei segue padrões de comportamento e códigos de ética que determinam que seus serviços devem ser limpos, sem morte ou danos a pessoas inocentes. O problema é que Parker se une a um grupo de assaltantes que não pensam da mesma forma e após um roubo em que tudo vai mal ele é traído, ferido e deixado para morrer no meio da estrada. Recuperado é hora de partir para o acerto de contas. Para conseguir seu objetivo Parker (Statham) resolve colocar então um plano em execução, se disfarçando de texano milionário, com a qual pretende se vingar daqueles que quase o mataram. O diretor que dirige Jason Statham dessa vez é o cineasta Taylor Hackford, profissional talentoso que entre outros filmes dirigiu “Advogado do Diabo”. O problema central que podemos perceber em “Parker” é que Hackford definitivamente não tem muita intimidade com os filmes de ação. Embora “Parker” vá por vários caminhos (é um thriller com pitadas de romance e comédia também) o fato é que em essência essa é uma fita de ação e o diretor comete um pecado mortal nesse tipo de filme: ele perde o pique em vários momentos, deixando a produção cair em um incomodo marasmo. De qualquer forma, no saldo final, fica a boa novidade de ver Jason Statham saindo um pouco de seu habitual, encarando um roteiro diferente (apesar dos furos). Para os fãs do ator certamente será uma boa opção. 

Pablo Aluísio.

A Morte do Demônio

E a onda de remakes continua. A bola da vez agora é “Evil Dead”, um dos clássicos de terror da década de 80. O filme original era quase amador, feito com recursos mínimos mas que caiu no gosto do público por causa de seu estilo cru e hardcore. O tempo passou, aquele jovem que filmou “Evil Dead”, chamado Sam Raimi, virou um sujeito rico e poderoso dentro da indústria e agora surge produzindo esse remake de sua própria obra. Para dirigir contratou outro jovem, tal como ele era na época, o cineasta Fede Alvarez. A trama continua a mesma: grupo de jovens resolve se isolar numa cabana no meio da floresta. Uma das garotas tem problemas com drogas e o local parece ser o adequado para ela superar seu vicio. Também é um lugar pacato, onde todos podem repensar sobre suas vidas. O cheiro de algo apodrecido porém logo chama a atenção deles. Descobrem que o cheiro ruim vem do porão e decidem investigar. Má idéia. Apesar da escuridão encontram vários objetos que parecem ser de feitiçaria e um livro, que não deve ser aberto e nem muito menos lido. Como não poderia deixar de ser é lógico que um deles se interessará pelo tal livro amaldiçoado.

A estranha obra literária acaba sendo aberta e lida por um dos membros do grupo que para piorar ainda evoca sem saber uma entidade maligna milenar, um “devorador de almas” que logo toma de possessão uma das jovens. A partir daí já sabemos bem o que acontece. Apesar do cinema atual ter muito mais recursos do que na época do “Evil Dead” original, o fato é que essa refilmagem não consegue repetir a qualidade do primeiro filme. Para os que já conhecem os filmes de Raimi não há muita serventia em rever tudo de novo sob a ótica de um cineasta novato. Talvez apenas o público mais jovem, que não viu e nem assistiu o primeiro “Evil Dead”, possa sentir algum impacto com o novo filme. Para quem não conhece e nunca viu nenhum “Evil Dead” é bom saber que se trata de um filme de terror sem concessões, sem piadinhas e nem alívios cômicos. É muito violento, barra pesada e cheio de cenas de revirar o estômago. Talvez por isso seja tão cultuado até hoje. Nessa nova versão sentimos bem o pesar do tempo. Acontece que “Evil Dead” foi tão copiado durante todos esses anos que sua estória acabou virando algo banal. Até porque esse enredo do tipo “grupo de jovens em cabana isolada” vem sendo copiado em centenas de produções. De tão usado acabou saturado. De qualquer maneira para os mais jovens, que nunca viram a trilogia original, o filme pode até mesmo funcionar. Claro que nada do que está em cena vai impressionar aos veteranos fãs de filmes de terror, mas para o público neófito a fita pode servir como introdução a esse universo aterrorizante. Para esses então fica a dica: Arrisque uma sessão e boa sorte! 

A Morte do Demônio (Evil Dead, Estados Unidos, 2013) Direção: Fede Alvarez / Roteiro: Fede Alvarez, Rodo Sayagues, baseados no filme “Evil Dead” dirigido e roteirizado por Sam Raimi / Elenco: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci / Sinopse: Grupo de jovens em cabana isolada evoca sem querer a presença de um demônio, devorador de almas, que necessita de cinco almas para fazer o “céu sangrar”. Agora terão que sobreviver à presença da maligna entidade sobrenatural do mal.

Pablo Aluísio.

domingo, 19 de maio de 2013

Nixon

É bem complicado assistir a um filme como esse que, em uma análise mais profunda, foi realizado por um liberal de carteirinha (Oliver Stone) retratando um líder republicano, conservador (o presidente americano Richard Nixon). Não há a isenção e nem a imparcialidade necessárias para se realizar assim uma obra cinematográfica historicamente correta, livre de manipulações. Stone deveria se concentrar mais em aspectos mais periféricos da sociedade americana, como fez brilhantemente com os feridos em guerras (Nascido em 4 de Julho) ou os combatentes deixados ao acaso no meio da selva do Vietnã (como vimos em Platoon). Ao retratar um presidente que particularmente odeia o cineasta perde a compostura, se deixa dominar pela emoção. Esse é sem sombra de dúvida o ponto mais complicado desse filme “Nixon”. Stone despreza o biografado e não tem o menor pudor de esconder isso. Na pele do excelente e talentoso Anthony Hopkins, o ex-presidente americano virou praticamente uma caricatura de si mesmo, chegando ao ponto de até mesmo parecer um ser repulsivo e grotesco, lambendo os lábios, suando em profusão, quase um monstro shakesperiano.

Na verdade Nixon até que não foi um presidente tão ruim como se pensa. Claro que aconteceram fatos lamentáveis em sua trajetória, sendo o mais conhecido o escândalo Watergate, mas de uma maneira geral ele de certa forma tirou os Estados Unidos da lama do Vietnã e reatou laços diplomáticos com inimigos históricos, entre eles a China. Era um político experiente (muito mais do que JFK) e soube conduzir o país muito bem na política internacional. Infelizmente dentro de casa a coisa não foi tão bem sucedida. Tragado por uma burocracia que mal conseguia compreender, Nixon foi crucificado pela invasão a sede do partido democrata, onde homens de sua filiação política teriam ido em busca de informações sobre a campanha adversária. Em uma democracia como a americana isso certamente era algo inadmissível e assim Nixon perdeu não só sua credibilidade mas também sua presidência. Por fim quero destacar o confuso roteiro do filme. Para quem não é particularmente intimo de história americana a película certamente se mostrará confusa, desconexa, com idas e vindas no tempo, deixando o espectador comum simplesmente perdido. Assim Stone erra duplamente, ao enfocar um personagem histórico que simplesmente detesta e ao fazer um filme por demais fragmentário. Prefira assistir “Frost / Nixon” que sem dúvida é uma produção bem mais consistente.

Nixon (Nixon, Estados Unidos, 1995) Direção: Oliver Stone / Roteiro: Stephen J. Rivele, Christopher Wilkinson, Oliver Stone / Elenco: Anthony Hopkins, Joan Allen, Powers Boothe, Ed Harris, Bob Hoskins, E.G. Marshall, David Paymer, David Hyde Pierce, Paul Sorvino, Mary Steenburgen, J.T. Walsh, James Woods, Brian Bedford, Kevin Dunn, Fyvush Finkel, Annabeth Gish, Tom Bower, Tony Goldwyn, Larry Hagman / Sinopse: Cinebiografia do presidente Americano Richard Nixon. Indicado aos Oscars de Melhor Ator (Anthony Hopkin), Melhor Atriz Coadjuvante (Joan Allen), Melhor Trilha Sonora e Melhor Roteiro.

Pablo Aluísio.

sábado, 18 de maio de 2013

Cassino

Embora seja um dos mais talentosos cineastas vivos, com uma rica filmografia, de encher os olhos, Martin Scorsese se saí muito melhor quando explora aspectos de sua própria etnia, de sua própria origem. Nenhum diretor conseguiu até hoje capturar a cultura ítalo-americana como ele. Talvez apenas Francis Ford Coppola (outro descendente de italianos) tenha chegado perto. E sem querer parecer preconceituoso o fato é que não há como falar em descendentes de italianos nos EUA sem falar na máfia. Esse aliás é o ponto central dos melhores filmes dirigidos por Scorsese. “Cassino” é um deles. A trama se passa em Las Vegas, durante a década de 1970. É lá que vive "Ace" Rothstein (Robert De Niro). Ele é gerente de um dos principais cassinos da cidade. Casado com uma ex-prostituta, viciada em cocaína, chamada Ginger McKenna (Sharon Stone), ele tenta colocar ordem no caos que sua vida se transforma. Seu melhor amigo é o baixinho valentão Nicky Santoro (em mais uma inspirada interpretação de Joe Pesci), que tem fortes ligações com a máfia que controla o jogo na cidade.

Como se sabe Vegas foi erguida com o dinheiro da máfia do leste, principalmente Chicago e Nova Iorque. Muitos descendentes de italianos foram para lá para controlar e administrar grandes hotéis e cassinos. Fizeram riqueza mas o ritmo estonteante e alucinado da cidade também cobrou seu preço. Robert De Niro esbanja talento em cena. Sua interpretação não se torna superior a que realizou em “Os Bons Companheiros” (que sempre é comparado com esse “Cassino”) mas mantém um nível excelente. Em termos de elenco quem acaba roubando o show é exatamente Sharon Stone. No auge da beleza ele se despiu de maiores vaidades para personificar uma mulher excessiva, com muita volúpia de experimentar de tudo, inclusive de drogas pesadas. Infiel, brega, desbocada e desnorteada com a própria vida, Stone mostra um excelente domínio dramático de seu personagem. De personalidade fraca ela logo se torna presa fácil de todos os vícios que a cidade tem a oferecer. Scorsese imprimiu um ritmo que lembra a própria Las Vegas e por isso o filme deixa a sensação de ser brilhante, esfuziante, mas também vulgar ao extremo, haja visto o palavreado pesado que sai da boca de seus personagens. Apesar de tudo não há de fato como negar que seja um grande filme no final das contas. Um dos melhores já assinados por Martin Scorsese.

Cassino (Casino, Estados Unidos, 1995) Direção: Martin Scorsese / Roteiro: Nicholas Pileggi, Martin Scorsese / Elenco: Robert De Niro, Sharon Stone, Joe Pesci, James Woods, Frank Vincent, Pasquale Cajano, Kevin Pollak, Don Rickles, Vinny Vella, Alan King, L. Q. Jones, Dick Smothers / Sinopse: Durante a década de 70 um cassino de Las Vegas se torna palco de traições, decepções e muita violência.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 17 de maio de 2013

Maré Negra

A bióloga marinha e pesquisadora Kate Mathieson (Halle Berry) resolve aceitar a proposta de um milionário para mergulhar ao lado de tubarões brancos na costa da África do Sul. A expedição é obviamente uma temeridade uma vez que tais animais são considerados selvagens e geralmente atacam seres humanos em alto mar. Embora ciente disso a cientista aceita o acordo pois o ricaço quer mergulhar ao lado do filho para conhecer esse monstro dos mares. Inicialmente ela tenta convencer o mergulho com uso de gaiolas mas o seu cliente se torna inflexível pois quer saborear o gosto da aventura de nadar livremente ao lado desses predadores marítimos. Seu turismo ecológico porém sairá completamente do planejado, colocando todos os envolvidos em um sério perigo.

Hollywood realmente não desiste. Esse gênero de filmes sobre tubarões assassinos já está completamente esgotado mas o cinema americano não se cansa de lançar ano após ano novos filmes sobre o mesmo tema. Esse “Maré Negra” até que não é dos piores pois foi salvo por um roteiro que tenta o tempo todo ter os pés no chão (ou na água, como queiram). Os animais mostrados no filme são críveis, nada sobrenaturais (como alguns filmes exploraram recentemente) e investem em uma trama verossímil, embora seu final revele suas verdadeiras pretensões. Tirando Halle Berry não há nenhum ator mais conhecido em cena. As cenas submarinas misturam tubarões digitais com reais, sendo bem realizadas como um todo. Apenas em ataques noturnos das feras a técnica deixa um pouco a desejar. O saldo final é de um filme mediano, embora lidando com um tema que já deu o que tinha de dar.

Maré Negra (Dark Tide, Estados Unidos, 2012) Direção: John Stockwell / Roteiro: Ronnie Christensen, Amy Sorlie / Elenco: Halle Berry, Olivier Martinez, Ralph Brown / Sinopse: Pesquisadora especializada em tubarões brancos na costa da África do Sul decide aceitar a proposta de um milionário para mergulhar sem gaiolas ao lado desses animais selvagens. O turismo ecológico se revelará uma má idéia.

Pablo Aluísio.

O Último Exorcismo 2

O primeiro “O Último Exorcismo” (que curiosamente não foi o último!) era um mockumentary que reciclava antigos filmes de terror (a referencia mais óbvia era “O Exorcista”) que acabou caindo nas graças do grande público, rendendo uma bilheteria muito boa para seu orçamento modesto. Na época de seu lançamento chamei a atenção para o fato do material promocional do filme ser muito bem feito – com imagens nos cartazes que jamais fizeram parte do filme em si. Como em Hollywood não se perde a chance de ir atrás de boas bilheterias o filme agora rende essa continuação. Curiosamente o formato do primeiro filme é deixado de lado. Agora os produtores optaram por uma narrativa mais tradicional. O roteiro como não poderia deixar de ser é cheio de furos e não explica como a garota sobreviveu ao final do filme anterior. Clímax aliás que foi severamente criticado em seu lançamento por ser muito exagerado e sem noção. Depois de tudo aquilo que aconteceu é muito complicado aceitar uma continuação na estória, afinal tudo parecia soar como definitivo.

Assim como acontecia no filme “O Exorcista” aqui a protagonista também é uma jovem que é atormentada por um demônio (e imitando os passos do filme clássico também temos aqui uma entidade do mal que atende por um nome bizarro, Abalam). Pois bem, o filme começa mostrando a jovem Nell (Ashley Bell), que após os acontecimentos do primeiro filme tenta reconstruir sua vida. Ela é enviada para um abrigo de jovens e começa a ter uma nova perspectiva de vida, levando uma vida normal, longe da visão fatalista religiosa em que cresceu. Sua vida caminha relativamente bem, e ela pela primeira vez experimenta uma existência normal quando do nada recomeçam as manifestações demoníacas. A partir daí o filme mostra toda a sua fragilidade. O roteiro é um festival de clichês sem nenhuma originalidade. O uso de recursos fáceis para assustar o público também mostra o esgotamento do filão. De certa forma esse filme me lembrou bastante de “O Exorcista 2” outra produção que não tinha mais o que contar pois esse é o tipo de enredo que só admite uma adaptação para o cinema pois a estória se fecha em si mesmo, não havendo qualquer justificativa para uma continuação, a não ser render uns trocados a mais nas bilheterias. Melhor ignorar.

O Último Exorcismo 2 (The Last Exorcism 2: The Beginning of the End, Estados Unidos, 2013) Direção: Ed Gass-Donnelly / Roteiro: Damien Chazelle, Ed Gass-Donnelly / Elenco: Ashley Bell, Andrew Sensenig, Spencer Treat Clark, Judd Lormand, Raeden Greer / Sinopse: A garota Nell (Ashley Bell) volta a ser atormentada por manifestações demoníacas. Continuação de “O Último Exorcismo”.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 16 de maio de 2013

O Reino

Talvez o público não agüente mais falar nas intervenções americanas no Oriente Médio ou talvez o roteiro maniqueísta e manipulador tenha ultrapassado o limite do bom senso, não se sabe ao certo, mas o fato desse filme ter sido tão pouco visto talvez demonstre o esgotamento e saturação do tema no cinema. Afinal se todos os dias vemos na TV os equívocos americanos nos países árabes porque pagaríamos para ver a mesma coisa no cinema? O enredo mostra os esforços do agente do FBI Ronald Fluery (Jamie Foxx) em investigar um grave atentado promovido contra cidadãos americanos no Oriente Médio. Atuando em outro país, tendo que lidar com outra cultura e leis, o obstinado agente federal não mede esforços para chegar nos verdadeiros culpados dos atos terroristas. Jamie Foxx teve aqui a chance de demonstrar aos estúdios que poderia arcar com a responsabilidade de estrelar um sucesso, baseado apenas em sua presença do elenco, sem qualquer outro nome por trás. Infelizmente não deu muito certo pois o filme foi mal nas bilheterias.

Atribuo isso ao roteiro que não se exime de passar ao espectador uma visão muito preconceituosa, diria até mesmo racista, contra os árabes em geral. Os agentes americanos em ação, por exemplo, não procuram se dar ao trabalho de conhecer as leis e a cultura do país onde atuam. Passam por cima de tudo com a truculência que lhes é habitual. Além disso cometem o grave erro de generalizar a situação, a ponto de tornar qualquer um suspeito, pelo simples fato de ser árabe. De certa forma o filme não parece estar preocupado em discutir os grandes temas que envolvem as intervenções militares americanas naqueles países. Ao invés disso investe em cenas de ação, nem sempre com bons resultados. Sendo assim o filme acaba virando um belo retrato da forma como muitos americanos encaram esses conflitos. Para eles os terroristas estão em todas as partes e praticamente todos os árabes são suspeitos em potencial. No final da exibição a única certeza que tiramos é que de fato os americanos não parecem ter a menor noção da raiz dos problemas políticos e sociais do Oriente Médio.

O Reino (The Kingdom, Estados Unidos, 2007) Direção: Peter Berg / Roteiro: Matthew Michael Carnahan / Elenco: Jamie Foxx, Jennifer Garner, Jason Bateman, Chris Cooper, Andrew Espósito / Sinopse: Agente federal do FBI investiga um atentado terrorista contra americanos em um distante país árabe.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 15 de maio de 2013

Se Beber Não Case

É bem complicado entender o gosto do grande público. Algumas superproduções acabam não fazendo sucesso nenhum enquanto outros filmes que ninguém apostava se tornam grandes sucessos de bilheteria. Esse último caso parece ser o de “Se Beber Não Case”, comédia que chegou aos cinemas sem nenhum alarde e começou a crescer assim que se espalhou a chamada “propaganda boca a boca”. Agora complicado mesmo é entender o que tanta gente viu de especial nessa comédia. A estória se passa em Las Vegas, a cidade do pecado, no dia seguinte a uma despedida de solteiro que ao que tudo indica saiu do controle. São três amigos, que seriam os padrinhos de casamento do noivo mas que acabam acordando com uma tremenda ressaca em um quarto de hotel da cidade. Para piorar eles não tem a menor idéia do que aconteceu na noite anterior.

O roteiro assim começa a desvendar os acontecimentos, seguindo determinadas “pistas” que vão surgindo pelo caminho, inclusive com a presença de um tigre, isso mesmo, um tigre do boxeador Mike Tyson. Em minha opinião são dois os problemas básicos de “Se Beber Não Case”. O primeiro e mais evidente é o fato de ser uma comédia de uma piada só. Os caras beberam além da conta, ficaram chapados e amanhecem arrasados, tentando entender o que aconteceu. E é só isso o que acontece. O segundo problema do filme é seu ritmo irregular, que perde o timing necessário para comédias desse estilo. Basta lembrar de “A Última Festa de Solteiro”, clássico do humor dos anos 80, para perceber isso. De positivo apenas a sempre divertida presença do ator Zach Galifianakis. Fora isso nada mais digno de nota – a não ser que você ache realmente engraçado ficar por quase duas horas vendo um bando de marmanjos de ressaca!

Se Beber Não Case (The Hangover, Estados Unidos, 2009) Direção: Todd Phillips / Roteiro: Jon Lucas, Scott Moore / Elenco:  Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Heather Graham, Mike Tyson / Sinopse: Um grupo de caras acordam com uma grande ressaca em Las Vegas. Eles não lembram exatamente o que aconteceu na noite anterior e começam a se surpreender com o que encontram no quarto de hotel onde estão.

Pablo Aluísio.

Recontagem

Provavelmente muita gente que acompanha política internacional se recorda dos problemas envolvendo a disputa presidencial americana durante as eleições de 2000 entre George W. Bush e Al Gore. Na época houve uma disputa acirrada entre os dois candidatos, praticamente lutando voto a voto. Depois das urnas terem sido cerradas começou um grande impasse no estado da Flórida após se descobrir que as cédulas de votação eram confusas, complicadas de se votar e completamente ultrapassadas em sua técnica. Pois é, a nação mais desenvolvida e tecnológica do planeta ainda faz eleição com votos de papel, onde o eleitor tem que fazer vários furinhos para escolher seus candidatos preferidos. Na Flórida a situação ainda era pior porque grande parte do eleitorado era composta de pessoas idosas que não conseguiam compreender o sistema adotado de votação. Muitos eleitores se confundiram ou não conseguiram fazer os tais furinhos nas cédulas. O que se seguiu foi uma verdadeira guerra jurídica entre Republicanos e Democratas, pois o vencedor na Flórida seria também o novo presidente dos Estados Unidos.

E é justamente em cima desse quadro caótico que o filme “Recontagem” se passa. Kevin Spacey, ótimo como sempre, interpreta Ron Klain, o advogado do Partido Democrata que tentará de todas as formas promover uma recontagem dos votos da Flórida. Já Tom Wilkinson vive o advogado do Partido Republicano, James Baker, que tentará impedir esse procedimento. Na época me recordo muito bem desse impasse, que não saiu dos noticiários. De fato foi bem constrangedor perceber como o sistema eleitoral dos Estados Unidos era falho, arcaico e propenso a ter inúmeros erros. Nesse quesito o Brasil com suas urnas eletrônicas está muitos anos a frente dos americanos. Em relação ao filme em si o recomendo apenas para quem gosta de acompanhar os bastidores da política de uma das maiores eleições do planeta – aquela que escolhe o presidente americano. Embora seja um filme que todos saibam o final (George W. Bush se sagrou vitorioso) o fato é que “Recontagem” se torna muito instrutivo por apresentar as manipulações que certamente surgem em situações onde o poder supremo de uma nação está em jogo. Nesse quadro não há vilões e nem mocinhos mas apenas interesses, muitos deles acima dos ideais de democracia e verdade.

Recontagem (Recount, Estados Unidos, 2008) Direção: Jay Roach / Roteiro: Danny Strong / Elenco: Kevin Spacey,  Tom Wilkinson, Laura Dern, John Hurt, Bruce Altman, Bob Balaban, Ed Begley Jr / Sinopse: Durante as eleições presidenciais de 2000 um erro no sistema eleitoral da Flórida coloca em um grande impasse a escolha do novo presidente dos Estados Unidos.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 14 de maio de 2013

Diamante de Sangue

“Diamante de Sangue” expõe uma das maiores contradições do continente africano. Ao mesmo tempo em que possui algumas das maiores riquezas naturais do mundo é também o lugar mais miserável do planeta. O filme se passa em Serra Leoa e mostra essa dura realidade. Leonard DiCaprio interpreta Danny Archer, um sul-africano que se tornou contrabandista de diamantes. Seu objetivo é colocar as mãos em um raríssimo exemplar cor-de-rosa. Para isso ele conta com a ajuda de um nativo, o negro Solomon Vandy (Djimon Hounsou). Enquanto o Archer quer o precioso diamante para vender no mercado negro e assim ganhar uma fortuna, Vandy só deseja mesmo ajudar sua numerosa família. Já a jornalista americana Maddy Bowen (Jennifer Connelly) cruza o caminho de ambos com a intenção de escrever sobre o que ocorre em Serra Leoa antes que essas preciosas pedras entrem no mercado europeu e americano, onde serão negociadas por verdadeiras fortunas, sendo expostas em luxuosas lojas de jóias raras e finas.

Como disse certa vez um famoso economista: “Não existe almoço grátis no capitalismo”. De fato, mal sabem as mulheres o que se esconde por trás daquele anel de diamante dado por namorados ou maridos. O próprio nome “diamante de Sangue” é perfeito para definir os descaminhos que essas pedras cruzam desde o momento em que são descobertas em minas na África até o momento em que viram finos presentes de romances açucarados em países de primeiro mundo. Guerras, conflitos, exploração do trabalho humano, degradação, mortes... o filme tenta expor esse quadro, muitas vezes adotando um tom quase documental, outras vezes adotando as regras do entretenimento puramente Hollywoodiano. O resultado se mostra a meio caminho da plena conscientização das platéias e a mera diversão para as fãs de Leonardo DiCaprio, que de certa forma havia perdido um pouco o tom certo de sua carreira após o megasucesso de Titanic. Aqui felizmente ele volta a ser o que sempre foi em minha opinião, um ator talentoso e envolvido em projetos realmente relevantes.

Diamante de Sangue (Blood Diamond, Estados Unidos, 2006) Direção: Edward Zwick / Roteiro: Charles Leavitt / Elenco: Leonardo DiCaprio, Jennifer Connelly, Stephen Collins, Benu Mabhena, Ntare Mwine, Djimon Hounsou, David Harewood / Sinopse: Um contrabandista branco de diamantes e um nativo negro tentam colocar as mãos em um raro diamante cor-de-rosa em Serra Leoa durante a década de 90. Ao lado deles uma jornalista tenta documentar tudo para escrever sobre o caminho que essas pedras preciosas percorrem antes de chegar ao mercado dos países ricos. Vencedor do Globo de Ouro de Melhor Ator para Leonardo DiCaprio.

Pablo Aluísio.

Braddock 3 - O Resgate

O filme começa na queda de Saigon em 1975. Enquanto os últimos militares americanos tratam de evacuar o local o  Coronel James Braddock (Chuck Norris) tenta encontrar sua esposa, uma vietnamita que trabalha como intérprete na embaixada americana, naquele momento já completamente cercada por uma multidão de refugiados que tentam entrar de todo jeito no prédio. Mesmo com a ameaça Braddock resolve ir atrás de sua mulher a procurando pelas ruas da cidade mas tudo acaba saindo errado e ele pensa erroneamente que ela está morta. Passam-se os anos e Braddock agora vive nos EUA quando é procurado por um reverendo católico que mantém um lar para crianças órfãs em Saigon. O religioso pretende comunicar ao militar americano que ao contrário do que ele pensa sua esposa ainda vive no Vietnã e não é só – ela também tem um filho que afirma ser de Braddock. Chocado com a noticia ele decide voltar às selvas do Vietnã para resgatar sua esposa e filho da ditadura comunista brutal que impera no país. Chegando lá porém acaba sendo aprisionado por um sádico militar do exército do Vietnã, o General Quoc (Aki Aleong), que agora deseja se vingar de tudo o que aconteceu na guerra.

“Bradock 3 – O Resgate” foi dirigido pelo irmão mais jovem de Chuck Norris, Aaron Norris. O roteiro também é do próprio Chuck Norris que aqui quis denunciar a situação de filhos de militares americanos que ainda vivem no país asiático, muitas vezes sofrendo de preconceito por serem mestiços do invasor estrangeiro. Tudo bem intencionado mas é óbvio que se tratando de um filme com Chuck Norris da década de 80 o enfoque se concentra mesmo na mais pura ação! É curioso porque Norris não se acanha e recicla os mais variados clichês de outros filmes de ação famosos da época. Há uma cena de tortura que lembra bastante Rambo II inclusive. O clímax também me fez lembrar de “Comando Para Matar” quando apenas um homem consegue vencer todo um exército, colocando tudo abaixo por onde passa. Mas o interessante é que mesmo sendo muito derivativo de outras produções da década de 80, “Braddock 3” não é tão ruim como muitos dizem por aí. O filme é ágil, tem boas cenas de lutas e explosões e é um filme tipicamente de Chuck Norris na produtora Cannon Group. A única diferença mais substancial é o fato do coronel ter que lidar com um jovem que é seu filho – o que até gera alguns momentos bem piegas. No saldo final porém a verdade é que “Braddock 3” diverte os fãs de Chuck Norris. O filme entrega exatamente aquilo que se espera dele.

Braddock 3 – O Resgate (Braddock: Missing in Action III, Estados Unidos, 1988) Direção: Aaron Norris / Roteiro: Chuck Norris, Steve Bing, James Bruner / Elenco: Chuck Norris, Aki Aleong, Roland Harrah III / Sinopse: O Coronel James Braddock (Chuck Norris) volta ao Vietnã para resgatar sua esposa e seu filho, que ficaram para trás após a saída do exército americano na região em 1975.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 13 de maio de 2013

Penetras Bons de Bico

Algumas comédias se notabilizam pela simplicidade. Idéias simples que acabam dando muito certo, geralmente rendendo enredos divertidos e agradáveis sem qualquer pretensão. E quando encontram os atores certos então tudo saiu maravilhosamente bem. Foi justamente o caso desse “Penetras Bons de Bico”, um filme despretensioso, com uma idéia muito simples por trás do argumento que caiu no gosto do público, rendendo uma excelente bilheteria. Credito esse sucesso em particular ao ótimo dueto de atores, Owen Wilson e Vince Vaughn. Convenhamos os dois são ótimos nesse tipo de papel, a do sujeito muito cara de pau que só pensa mesmo em se dar bem, conquistando o maior número de gatas disponíveis para depois cair fora rasteiramente. Machismo? Bom, algumas mulheres podem até mesmo se sentir ofendidas pelas “táticas” aplicadas pelos dois cafajestes mas no final também se renderão ao ótimo bom humor que permeia toda a estória.

E afinal do que se trata o filme? John e Jeremy (Owen Wilson e Vince Vaughn, respectivamente) são dois caras que querem se dar bem com as mulheres. Entre as técnicas mais utilizadas por eles está a paquera de mulheres solteiras em casamentos. Afinal elas ficam muito sensibilizadas nesse tipo de evento. Se tornam presas fáceis. Como praticamente nunca são convidados para essas festas resolvem entrar de penetras mesmo, com a maior cara de pau possível, geralmente se fazendo passar por parentes distantes que afinal ninguém se lembra. Obviamente a última coisa que passa por suas cabeças é assumir qualquer tipo de compromisso com essas garotas. Tudo gira apenas em torno da diversão completamente descompromissada. O filme é isso, uma sucessão de festas de casamento onde os dois vão entrando sem convites, apenas com a lábia. Conquistando uma garota aqui, outra acolá, eles geralmente acabam sumindo no dia seguinte, sem deixar qualquer rastro, é claro! Recentemente Vince Vaughn esteve no programa de Ellen DeGeneres para anunciar a nova parceria com o mesmo Owen Wilson. O novo filme se chamará no Brasil “Os Estagiários” e contará a estória de dois caras que vão estagiar no Google! Espero que seja tão divertido como esse filme aqui!

Penetras Bons de Bico (Wedding Crashers, Estados Unidos, 2005) Direção: David Dobkin / Roteiro: Steve Faber, Bob Fisher / Elenco: Owen Wilson, Vince Vaughn, Rachel McAdams, Camille Anderson, Diora Baird, Will Ferrell, Jane Seymour / Sinopse: Dois caras de pau entram em todas as festas sem convites, como penetras, para conquistar as garotas solteiras dos casamentos.

Pablo Aluísio. 

A Liga Extraordinária

Alan Moore não tem mesmo sorte nas adaptações de suas obras para o cinema. Geralmente ele fica tão aborrecido com tudo, que sai de sua reclusão para reclamar do resultado e pedir que seu nome seja retirado dos créditos dos filmes (algo que nunca dá certo pois os produtores sabem que seu nome também ajuda na promoção, gerando melhores bilheterias). Uma de suas obras mais violentadas foi justamente esse “A Liga Extraordinária”, que na arte dos quadrinhos funcionou maravilhosamente bem, se tornando um clássico do gênero, mas que no cinema só resultou em desapontamento e decepção. O enredo original era muito bem bolado e trabalhado. Moore reuniu vários grandes personagens de clássicos da literatura e os colocou a serviço de apenas uma estória. Assim estão lá  Allan Quatermain,  Capitão Nemo, Dorian Gray (da obra de Oscar Wilde), Mina Harker (de Drácula),  Dr. Henry Jekyll e Edward Hyde. O interessante é que como praticamente todos esses livros já estão em domínio público Alan Moore pode usar todos esses famosos personagens sem pagar verdadeiras fortunas em direitos autorais. Uma jogada de mestre, tanto do ponto de vista de sua imaginação quanto comercial.

Já nas telas de cinema o desastre foi quase completo. Os personagens foram manipulados dentro do roteiro, alguns que não tinham importância dentro da trama foram alçados a protagonistas por causa da celebridade dos atores que os interpretavam, como foi o caso de Sean Connery e seu Allan Quatermain. Para agradar aos americanos alguns personagens da literatura dos Estados Unidos foram adicionados ao filme, sob completa revelia de Alan Moore. A direção de arte do filme se tornou excessiva, feita para impressionar o público. O problema é que o uso sem limites dos efeitos digitais acabou descaracterizando a trama original que era muito mais centrada na inteligência dos personagens. Assim ao invés de assistirmos a uma intrigada trama de suspense ficamos a ver Mr Hyde dando uma de Hulk digital pelos céus de uma Londres de Pixel. Nada animador. Com tantos erros o filme acabou indo muito mal de bilheteria. Sua recepção foi tão ruim que Sean Connery, ao que tudo indica, encerrou sua carreira no cinema. Espero que ele volte algum dia pois não fica nada bonito ter algo como “A Liga Extraordinária” como seu filme de despedida, ainda mais em seu caso com tantas obras maravilhosas de que participou ao longo da carreira.

A Liga Extraordinária (The League of Extraordinary Gentlemen, Estados Unidos, 2003) Direção: Stephen Norrington / Roteiro: James Dale Robinson, baseado na obra de Alan Moore e Kevin O'Neill / Elenco: Sean Connery, Peta Wilson, Stuart Townsend / Sinopse: uma galeria de personagens famosos da literatura inglesa e americana se unem para combater um grande perigo para a humanidade.

Pablo Aluísio.

domingo, 12 de maio de 2013

O Mundo Perdido: Jurassic Park

Como ignorar um sucesso espetacular como Jurassic Park? Impossível. Assim foi questão de tempo até surgir essa seqüência. Obviamente o roteiro não era dos melhores, no fundo apenas uma variação da primeira estória ou em outras palavras uma tentativa de contar a mesma estória de um jeito que parecesse ao espectador algo diferente. No enredo o empresário e cientista John Hammond  (Richard Attenborough) resolve formar uma nova equipe, menor, com apenas quatro pessoas, para ir não na ilha do primeiro filme mas numa segunda, conhecida como setor B. A intenção é explorar o local para saber quais seriam as espécies que teriam prosperado naquele lugar. Inicialmente o pesquisador Ian Malcolm (Jeff Goldblum) do primeiro Jurassic Park é convidado mas diante da carnificina que presenciou recusa até descobrir que sua namorada já está lá, catalogando e observando os animais. Diante disso não vê outra saída a não ser ir para a ilha perdida no meio do oceano, encontrando lá um verdadeiro mundo perdido. O que ele nem desconfia é que não estará sozinho pois um grupo de caçadores com experiência militar também é enviado para a isolada região com o objetivo de capturar dinossauros para a criação de um parque temático em San Diego.

Como se vê lendo essa sinopse acima não há realmente nada de muito diferente do primeiro filme. Em termos de roteiro é realmente mais do mesmo, com pouca originalidade. Assim o interesse do espectador se desvia mesmo para os efeitos digitais. E eles estão lá certamente, muitas vezes em dobro. Por exemplo, se no primeiro filme tínhamos o ataque de um Tiranossauro Rex agora temos o mesmo ataque, só que em dupla, dois dinossauros monstruosos em busca de seu filhote. Entre as boas cenas nesse quesito destaco o ataque dos Velociraptors no meio de um mato fechado e o ataque do Tiranossauro em plena cidade de San Diego – em uma seqüência que de certa forma seria imitada anos depois no remake “King Kong” de Peter Jackson. Spielberg também capricha nas cenas de ação e suspense. Ninguém pode subestimar a capacidade técnica dele como cineasta, bastando lembrar a cena em que os três protagonistas ficam pendurados em um precipício após o ataque dos dinossauros. Assim em conclusão podemos dizer que “O Mundo Perdido” não inova, não surpreende mas pelo menos tenta seguir os passos do primeiro filme com a mesma qualidade técnica em sua produção. E isso certamente vai deixar o fã da franquia bem satisfeito no final das contas.

O Mundo Perdido: Jurassic Park (The Lost World: Jurassic Park, Estados Unidos, 1997) Direção:  Steven Spielberg / Roteiro: David Koepp / Elenco: Jeff Goldblum, Julianne Moore, Pete Postlethwaite, Richard Attenborough, Vince Vaughn / Sinopse: Após os trágicos acontecimentos do primeiro filme a empresa Jurassic Park resolve mandar uma pequena equipe para uma outra ilha perdida, conhecida como Setor B. A intenção é catalogar e observar as espécies que se desenvolveram no local. Os planos porém não saem exatamente como planejado.

Pablo Aluísio.

Superman: Unbound

Enquanto o novo filme de Superman não chega nas telas a Warner e a DC Comics vão lançando no mercado de DVD animações como essa. São produções bem cuidadas, geralmente adaptadas de graphic novels. Aqui Superman tem que enfrentar um novo perigo, um alienígena chamado Brainiac. Se trata de um ser secular que vaga pelo universo em busca de novos mundos a conquistar. Sob sua veia de conquistador várias civilizações pereceram. Sua sorte muda porém quando decide se dirigir até o Planeta Terra, que considera realmente insignificante mas que pode trazer algum tipo de recompensa, entre elas o Superman. A animação traz ainda a Supergirl, ou Kara Zor-El, uma adolescente que também escapou do fim de Kripton. Mais impulsiva do que o Superman ela decide sair pelo mundo distribuindo justiça aonde é necessária.

Em uma das estórias paralelas a eterna namorada Lois Lane cobra uma postura mais adulta de seu namorado. Ela deseja casar, ter filhos, levar uma vida normal em frente. Já Clark Kent hesita (não o culpo!) pois teme pela segurança de Lois caso sua verdadeira identidade seja revelada. E como convém a um herói de verdade ele tem que conciliar os problemas de sua vida profissional com os deveres de ser quem é. No saldo geral a estória tem bom desenvolvimento e o mais interessante de tudo, um ótimo final, revelando o ponto fraco de Brainiac que pode realmente saber tudo do universo menos levar uma existência em nosso planeta em frente. Então fica a dica dessa animação para quem não consegue lidar com a ansiedade de ver as novas aventuras de Superman nos cinemas.

Superman: Unbound (Superman: Unbound, Estados Unidos, 2013) Direção: James Tucker / Roteiro: Gary Frank, Bob Goodman / Elenco: Matt Bomer, Stana Katic, John Noble / Sinopse: Superman enfrenta Brainiac, um ser alienígena que destrói os mundos por onde passa absorvendo todo o conhecimento dessas civilizações.

Pablo Aluísio.

sábado, 11 de maio de 2013

Shameless

É uma das melhores séries atualmente nos Estados Unidos. Consegue unir drama e humor de uma forma excepcional boa. Os episódios giram em torno da família de Frank Gallagher (William H. Macy), um sujeito beberrão, sem vergonha, que vive de aplicar pequenos golpes aqui e acolá. Apesar disso não é uma pessoa má, apenas sem noção. Sua família é numerosa. Frank foi abandonado por sua esposa depois que essa se descobriu lésbica, preferindo fugir com uma caminhoneira durona. Assim ele teve que se virar para criar a filharada. A filha mais velha é Fiona (Emmy Rossum), uma jovem que tenta lidar com a responsabilidade de gerir uma casa onde habita sua família completamente disfuncional. Os irmãos mais velhos são Lip (Jeremy Allen White), um sujeito inteligente mas sem muito vontade em se focar e em investir nos estudos e Ian (Cameron Monaghan) que apesar de estudar numa escola militar é gay. Há ainda a ruivinha Debbie (Emma Kenney) e Carl (Ethan Cutkosky) um pequeno projeto de delinqüente que gosta de tocar fogo em tudo. Essa é a família  Gallagher, que vive em um subúrbio de Chicago e tenta levar sua vida em frente, apesar de todas as dificuldades. Quem já viveu em uma família com problemas (ou seja todo mundo) vai certamente se identificar.

“Shameless” mostra as lutas, batalhas e durezas que essa família enfrenta. Apesar da sinopse parecer um drama não é bem assim. Na verdade os membros da família levam a vida como podem, mas sem transformar isso em um dramalhão. Como eu escrevi antes o grande mérito do texto de “Shameless” é justamente mostrar as barras que uma família pobre americana tem que enfrentar mas com bastante humor. Além dos excelentes roteiros a série ainda conta com um elenco excepcional, em especial William H. Macy que interpreta Frank. Para quem sempre foi coadjuvante no mundo do cinema ter a chance de mostrar seu talento em um personagem tão carismático como esse certamente foi um presente. Apesar da série ser a versão americana de um popular programa inglês o fato é que o Frank feito por Macy ganhou vida própria por causa do grande trabalho desse ator. Obviamente seu personagem é o retrato de tudo aquilo que não se teve esperar de um pai de família mas mesmo assim cativa o espectador. Atualmente “Shameless” está em sua terceira temporada e o nível dos episódios só tem melhorado. É mais uma ótima série do canal Showtime, que ao longo desses anos tem se destacado muito nessa área (Vide Dexter). Se torne também um “Shameless” (sem vergonha) e comece a acompanhar os episódios, certamente essa é uma ótima dica para quem gosta de assistir séries americanas de qualidade.

Shameless (Idem, Estados Unidos, 2011) Criada por Paul Abbott / Elenco: William H. Macy, Emmy Rossum, Justin Chatwin, Cameron Monaghan, Emma Kenney, Ethan Cutkosky / Sinopse: A série narra as desventuras de uma pobre família americana que vive nos subúrbios de Chicago. Com o pai alcoólatra os filhos tentam levar a vida adiante da melhor forma possível.

Pablo Aluísio.

O Massacre da Serra Elétrica 3D

Novo filme da franquia “Texas Chainsaw Massacre”, agora em terceira dimensão. Antes de qualquer coisa é interessante esclarecer que sempre fui fã dessa série sangrenta de filmes. Leatherface é um ícone dos filmes de terror. Baseado no famoso serial killer americano Ed Gein, o personagem é um dos mais conhecidos e cultuados matadores do cinema americano. Sua imagem com a máscara feita de restos humanos e uma serra elétrica pronta para dilacerar corpos já faz parte da cultura pop. O filme começa mostrando em uma bem feita montagem dos acontecimentos que antecedem a estória narrada aqui. A família Sawyer é encurralada em sua casa de fazenda por moradores da cidade indignados com o massacre supostamente feito pelo jovem Leatherface. Usando de seu instrumento de morte preferido (a serra elétrica) ele havia dizimado um grupo de jovens que se atreveram cruzar seu caminho. Para vingar a morte deles um grupo de caipiras beberrões cerca a propriedade, tocando fogo em tudo. Praticamente ninguém sai vivo do local. 

Os anos se passam e a última Sawyer morre, deixando sua propriedade para a neta. Ela é Heather Miller (Alexandra Daddario) que nem sabia de seu parentesco com a famosa família de assassinos uma vez que fora adotada após os trágicos acontecimentos. Sem pensar muito ela se reúne a um grupo de amigos e vão para o Texas para conhecer a propriedade que herdara. Chegando lá encontra uma bela casa no mais puro estilo sulista. Muito feliz com a generosa herança ela mal sabe o perigo que corre, pois nos porões da residência se encontra uma surpresa nada agradável para ela e seus amigos. “O Massacre da Serra Elétrica 3D” mantém o nível de violência dos filmes anteriores, ou seja, esteja preparado para ver muito sangue correndo pela tela. Decapitações, desmembramentos de braços e pernas também estão no menu. O uso do 3D é bem curioso, pois em vários momentos Leatherface literalmente joga sua serra elétrica em direção à câmera. Muita gente certamente vai se abaixar nos cinemas nesse momento. A atriz Alexandra Daddario é linda, uma bela garota de cabelos pretos e olhos azuis. Uma beldade certamente. Leatherface continua o mesmo perturbado de sempre, colecionando corpos humanos por onde passa. É um bom filme sanguinário que certamente vai agradar aos fãs desse tipo de produção. O fato de ter havido uma preocupação maior em ir em frente, inovando no enredo, é louvável. Penso que certamente vai agradar aos admiradores dos filmes de terror mais violentos. Não deixe de assistir.

O Massacre da Serra Elétrica 3D – A Lenda Continua (Texas Chainsaw 3D, Estados Unidos, 2013) Direção: John Luessenhop / Roteiro: Adam Marcus, Debra Sullivan / Elenco: Alexandra Daddario, Trey Songz, Scott Eastwood / Sinopse: Heather (Alexandra Daddario) se torna a única herdeira da propriedade da famosa família de assassinos Sawyer. Assim decide viajar até o Texas com um grupo de amigos para tomar posse do local. Chegando lá ela acaba tendo uma surpresa nada agradável.

Pablo Aluísio

sexta-feira, 10 de maio de 2013

Encontro às Escuras

Bruce Willis já foi um ator bacana. Muita gente não consegue mais dissociar sua imagem dos filmes de ação mas lá no comecinho de sua carreira Willis era basicamente um ator especializado em personagens de humor, geralmente usando seus maneirismos de sujeito cínico e bonachão. O maior exemplo disso vem do grande papel de sua vida, aquele que efetivamente o tornou conhecido. Foi na série “A Gata e o Rato” que Bruce Willis virou um astro da TV. Na época ele era apenas um ator desconhecido que conseguia participações sem muita importância nas séries de sucesso “Miami Vice” e “Além da Imaginação”, nada de muita relevância ou digno de nota. Para se ter uma idéia Willis teve que vencer centenas de candidatos pelo papel de David Addison em “A Gata e o Rato”. Como na época ele era um desconhecido foi para a fila de testes, debaixo do sol, enfrentando a concorrência de uma multidão, como todo ator desempregado em busca de trabalho em Hollywood. A sorte porém lhe sorriu e após 66 episódios ele estava conhecido do grande público pois o seriado se tornou um grande sucesso de audiência (chegou inclusive a ser exibido por vários anos pela Rede Globo em horário nobre).

Pois bem, depois de todo esse sucesso o caminho natural era realmente tentar fazer a complicada transição para o cinema. E foi justamente esse “Encontro às Escuras” o primeiro passo de Bruce Willis na sétima arte. Eu já era fã dele naquela época por causa de “A Gata e o Rato” e obviamente fui ao cinema para conferir como o ator estava se saindo agora na telona. Tive que reconhecer que o filme em si não teve muita repercussão. Aqui no Brasil foi lançado de forma até muito modesta em poucas salas. Também não era um blockbuster ou um filme de enorme potencial de bilheteria, era em essência apenas uma comédia romântica bem leve estrelado por um ator de TV e pela atriz Kim Basinger, como sempre tentando se livrar de seu marcante papel de “Nove Semanas e Meia de Amor”.  O resultado do que se vê na tela é apenas razoável. Bruce Willis só encontraria o caminho definitivo em sua carreira ao ir para o nicho dos filmes de ação no ano seguinte. Depois de “Duro de Matar” sua vida não seria definitivamente mais a mesma. Mas isso é uma outra história...

Encontro às Escuras (Blind Date, Estados Unidos, 1987) Direção: Blake Edwards / Roteiro: Dale Launer / Elenco: Kim Basinger, Bruce Willis, John Larroquette / Sinopse: Walter Davis (Bruce Willis) é um sujeito viciado em trabalho. Essa obsessão em ser o melhor no mundo dos negócios literalmente destruiu sua vida pessoal e sentimental. Agora ele necessitará urgentemente de uma companhia para um importante jantar de negócios. A escolhida acaba sendo Nadia Gates (Kim Basinger). Mal sabe Walter na enrascada em que está se metendo.

Pablo Aluisio.

Quero Ser Grande

Esse tipo de filme era bem comum na década de 80. Na época eles eram chamados carinhosamente como filmes “de troca de corpos”. Soa estranho lido hoje em dia mas como o roteiro era bem corriqueiro nas salas de cinema da época tudo era muito mais fácil de entender. A graça vinha do fato de que pessoas diferentes trocavam de lugar, ocupando os corpos das outras, para viverem na pele essa mudança. Eu me recordo de pelo menos uns vinte títulos onde isso acontecia. Esse “Big – Quero Ser Grande” não era bem desse estilo, de certa forma era até uma variação, mas com resultados bem semelhantes. No enredo um garoto, cansado de ser tratado como uma criança, decide fazer um pedido estranho: “ser grande, crescer, virar um adulto”. Assim uma estranha máquina de um parque de diversões decadente acaba realizando o desejo do menino e da noite para o dia ele ganha o corpo de um homem adulto (na pele dessa vez do ator Tom Hanks). A partir daí você já sabe do que se trata, o roteiro vai criar a diversão justamente nessa inversão de papéis, onde um homem já crescido tem que lidar com os problemas da vida tendo a mentalidade de um garoto de apenas 12 anos.

Em minha concepção “Big – Quero Ser Grande” sempre foi muito superestimado. Credito isso ao grande desempenho de Tom Hanks, que inclusive foi indicado ao Oscar. É fato que nenhum outro ator teria dado credibilidade a esse papel como Hanks fez. Na época ele não era esse interprete sério de dramas pesados como os mais jovens se acostumaram a assistir, mas sim um comediante no mais estrito sentido da palavra. Seus filmes eram leves, comédias de verão sem nenhuma pretensão a não ser divertir. E como Hanks era divertido naqueles anos – de fato ele era extremamente talentoso nesse tipo de papel. Como eu disse o filme não é lá grande coisa. O roteiro tem furos e mais furos e algumas situações são pouco convincentes – sob qualquer ângulo que se analise. Para surpresa geral mesmo com tantos problemas acabou ganhando uma segunda indicação ao filme de, pasmem, melhor roteiro original! Uma das indicações mais absurdas da história da Academia em minha opinião. De qualquer maneira “Big” sobrevive pelo carisma à toda prova de Tom Hanks que surpreende mais uma vez, se entregando sem vergonha a um personagem que poderia constranger alguns atores da época. Ele realmente convence o espectador de que é um menino por dentro (algo que o espírito juvenil de Tom Hanks deixou tão visível no resultado final). Dando tanta veracidade ao papel as coisas acabaram ficando muito mais fácil. Assim fica então a dica dessa outra marcante comédia dos anos 80. Não é a obra prima que muitos dizem mas sem dúvida é divertido e cumpre muito bem sua função.

Quero Ser Grande (Big, Estados Unidos, 1988) Direção: Penny Marshall / Roteiro: Gary Ross, Anne Spielberg / Elenco: Tom Hanks, Elizabeth Perkins, Robert Loggia, John Heard, Jared Rushton / Sinopse: Garoto deseja ser “grande” após sentir na pele os problemas de sua idade. No dia seguinte acorda como um homem de 30 anos! Agora terá que lidar com as dificuldades da vida adulta. Destaque para a famosa cena do teclado na loja de brinquedos.

Pablo Aluísio.