quinta-feira, 31 de outubro de 2013

Bill Haley and His Comets - Rock Around the Clock

Bill Haley é costumeiramente citado em enciclopédias e livros sobre história da música como o “pai do rock”, um músico que revolucionou o cenário cultural dos Estados Unidos ao emplacar o primeiro grande sucesso comercial do novo gênero que nascia, “Rock Around the Clock”, uma mistura de estilos que o radialista Alan Freed batizou de “Rock ´n´ Roll”. Bom, certamente Haley não foi o criador do rock, na realidade não existe “um pai do rock” propriamente dito pois essa nova música foi certamente uma inovação coletiva, difusa, mesclando novidades de vários artistas diferentes que se aproveitaram da nova sonoridade para cair nas graças do público consumidor. Bill surgiu no mundo country, ainda na década de 1940, pois era em essência um cantor de bailes – como aqueles que vemos em filmes nostálgicos que retratam os costumes daqueles “anos dourados”. Conforme o tempo foi passando ele descobriu que o R&B negro sempre tinha boa repercussão entre as platéias brancas. Como a primeira obrigação de Bill era entreter seu público acima de tudo, ele foi aos poucos incorporando o novo som em suas apresentações.

Usando elementos do som negro ele acabou os fundindo com seu som mais country. Não é à toa que o rock sempre é identificado como a mistura de country, gospel e blues (ou mais especificadamente R&B). Bill sabia disso e assim como muitos outros artistas de seu tempo ele se aproveitou dessa idéia em beneficio próprio. Em última instância ele apenas fez parte de uma tendência que vinha de todos os lados, seja de artistas negros ou brancos. O resultado dessa fusão de gêneros pode ser conferido muito bem nesse terceiro álbum da carreira do “Glenn Miller do Rock” (outro de seus títulos, uma clara referência ao seu passado de cantor de bailes e festas). Como era de se esperar Bill tem aqui reunidos alguns de seus maiores sucessos. O cantor passou quase toda a sua carreira na Decca Records, uma gravadora que se notabilizou por grandes erros cometidos em sua história (eles dispensaram, por exemplo, os Beatles em um teste afirmando que “bandas masculinas estavam com os dias contados!”). Mas voltemos ao Bill Haley. O repertório desse álbum capta aquele que seria o melhor momento de toda a carreira do cantor. Infelizmente sua verve mais criativa durou poucos anos – após seu sucesso inicial Halley pouco produziu de novidade preferindo viver de glórias passadas como um artista nitidamente revival, vintage. Não faz mal, aqueles poucos anos certamente valeram a eternidade para Bill Haley e seus Cometas!

Bill Haley and His Comets - Rock Around the Clock (1955)
Rock Around the Clock
Shake, Rattle and Roll
A.B.C. Boogie
Thirteen Women
Razzle-Dazzle
Two Hound Dogs
Dim, Dim the Lights
Happy Baby
Birth Of The Boogie
Mambo Rock
Burn That Candle
Rock-A-Beatin' Boogie

Pablo Aluísio e Erick Steve.

A Maldição de Chucky

Pois é, Chucky está de volta! Personagem ícone dos filmes de terror da década de 80 o bonequinho volta para infernizar mais uma família. Essa foi uma das franquias que mais desandaram no cinema americano nos últimos anos. Começou muito bem com "Brinquedo Assassino", bem sacado filme de terror dirigido por Tom Holland. Depois desse começo promissor a coisa saiu dos trilhos. Várias sequências foram realizadas, algumas com claro sabor de galhofa, onde até arranjaram uma noiva também diabólica para o boneco psicopata. Enfim, tinha virado mesmo uma caricatura de si mesmo. Agora o estúdio Universal tenta colocar alguma ordem na bagunça. E isso significa tentar voltar ao estilo dos primeiros filmes com o personagem, sem palhaçadas. A tentativa fica bem clara nesse "A Maldição de Chucky". Saem as presepadas e entra um clima mais sinistro, a começar pelo cenário, uma velha casa escura, bem no estilo dos antigos filmes de terror. É lá que vivem uma jovem cadeirante e sua mãe. Elas vão vivendo suas vidas tranquilas até que lhes chega pelo correio uma encomenda não pedida, um embrulho trazendo o próprio Chucky de presente!

As duas têm uma história em comum com o passado de Chucky quando ele ainda era um ser humano normal chamado Charles Lee Ray. O roteiro assim tenta criar um vínculo direto com o primeiro filme. O resultado final não é todo satisfatório mas pelo menos não é ridículo. Por falar nisso outro ponto bem positivo e interessante aqui é que a produção optou por usar novamente a velha técnica dos animatronics. Muito popular nos anos 80 ela tem sido deixado de  lado para dar lugar aos efeitos digitais. Ver Chucky agindo assim, de forma mecânica, é bem melhor pois traz mais realismo às cenas. Os efeitos gerados por computador muitas vezes nos deixam a impressão de estarmos assistindo a um videogame, coisa que não acontece aqui. Bateu inclusive um saudosismo dos antigos filmes de terror dos anos 80 que usavam essa técnica! Enfim, é isso. Nesse novo filme os produtores procuram por um novo caminho na franquia. Terá vida longa? Bom, em termos de Chucky, que já vem se mantendo em cartaz há tanto tempo não é de se duvidar de absolutamente nada. Assista, a diversão pelo menos estará garantida.

A Maldição de Chucky (Curse of Chucky, EUA, 2013) Direção: Don Mancini / Roteiro: Don Mancini / Elenco: Chantal Quesnelle, Fiona Dourif, Jordan Gavaris / Sinopse: Chucky, o boneco assassino, está de volta dessa vez para acertar contas com uma família que fez parte de seu passado, quando era apenas um ser humano.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - Kid Galahad

Mais uma trilha sonora de Elvis lançada sem muita repercussão. O que é de se admirar uma vez que "Blue Hawaii" havia feito tanto sucesso (e não fazia muito tempo). Ao que tudo indica a RCA Victor tinha alguns problemas com a United Artists (que produziu o filme). Só isso poderia explicar a falta de promoção das canções por parte da gravadora de Elvis. O resultado era de se esperar: fracasso de vendas e nenhum efeito maior no mundo musical de sua época. Nas vésperas da chegada dos discos dos Beatles nos Estados Unidos, Elvis não conseguia mais se destacar nas paradas de sucessos. O curioso é que o material até apresentava boas músicas, algumas até quem sabe com força suficiente para emplacar um Top 10 entre as mais vendidas. Sem divulgação adequada porém até o público americano ignorou o lote de novas músicas de Elvis Presley no mercado.

Seu pouco sucesso fez com que a filial inglesa da RCA não mostrasse interesse na trilha, só a lançando no ano seguinte e mesmo assim após os fãs ingleses protestarem por não terem acesso ao disquinho. Até a capa do EP foi considerada ruim, com uma foto pouco interessante de Elvis usando luvas de boxe! Tudo bem que seu personagem era um lutador mas que atenção iria chamar ao consumidor comum uma capa tão estranha como aquela? Com vendas ruins e sem expressão "Kid Galahad" acabou antecipando o que iria acontecer com muitas trilhas sonoras gravadas por Elvis Presley nos anos seguintes.

King of The Whole Wide World (Batchelor / Roberts) - Não só a melhor canção do filme mas também uma das melhores músicas de Elvis na primeira metade da década de 60. Uma gravação que não fica devendo em nada às músicas de estúdio de Nashville. É daquelas canções que fazem de Elvis o Rei do Rock. Com uma letra simples, porém inteligente e ainda com uma lição de moral, essa música ainda prima por um ritmo alucinante, alto astral que combinava muito bem com o estilo de Elvis. A banda dá um show, especialmente o excelente saxofonista Boots Randolph, um dos músicos mais subestimados que trabalharam para Elvis. Saxofonista de mão cheia, Boots apareceu no palco com Elvis nos shows de 1961 de Memphis e Honolulu e se tornou o responsável por solos incríveis de sax em músicas como "The Meanest Girl in Town", "Fools fall In Love", "Witchcraft", "Return to Sender" e a obra prima "Reconsider Baby". Ele fez na década de 60 o equivalente ao que Scotty fazia na década de 50, tendo seus solos de sax substituídos os de guitarra de Moore em várias músicas. Trabalhou com Elvis até 1968 em sua última sessão em Nashville da década. Nessa música não é diferente, nos presenteando com dois solos, sendo o último o melhor deles. A voz de Elvis aqui também é o destaque, ainda exibindo um timbre parecidíssimo com o da década de 50. Como a maioria das cenas musicais de Elvis a música é apresentada de forma ridícula, com Elvis cantando na traseira de um caminhão. Uma versão mais lenta e sem a pegada foi tentada e exigiu quase 30 takes! A versão definitiva lançada alcançou o master com apenas quatro. Essa é para mostrar aos amigos que não são fãs de Elvis.

This is Living (Weisman / Wise) - Outro exemplo de uma boa música em um filme de Elvis. Também muito pra cima, essa canção tem uma letra meio escapista, o que nem sempre é ruim. Dificilmente alguém com mais de 25 anos vai se identificar com ela, mas temos que lembrar que em 1961 o público de Elvis ainda era abaixo de dessa faixa etária. Garotada mesmo. Afinal, uma música que fala sobre liberdade (de uma forma bem inocente, convenhamos) e sobre um cara que não quer se amarrar e só curtir a vida, não é para todas as idades. O primeiro verso é cantado só pelos Jordanaires e Elvis só entra do refrão em diante. O ritmo é contagiante. A única crítica fica para a banda que deveria ter tocado, digamos, de uma forma mais pesada, ficando o resultado final uma música legal, com bom ritmo, mas com uma pegada um pouco falha, sem muito "feeling".

Home Is Where The Heart Is (Edwards / David) - Se você é daqueles fãs que acham “Love Me Tender” a melhor balada gravada por Elvis, então você precisa se aprofundar mais na discografia de seu ídolo. Do contrário, você vai perder preciosidades como essa belíssima canção. Com uma melodia celestial, instrumentalmente simples e um vocal soberbo de Elvis, essa música merece ser ouvida mais de uma vez. Aqui, pessoalmente, eu acho um dos pontos altos, vocalmente falando, na carreira de Elvis que vai de um grave até então inédito até aquele agudo característico dos anos da Sun Records. Nessa música Elvis dá uma aula de canto em menos de três minutos! Os takes iniciais são mais lentos, porém prefiro o master, um pouco mais acelerado.Como em "Don´t", por exemplo, Elvis pega uma música aparentemente boba e simples e suga sua essência de tal maneira que ela se transforma em Elvis e ele nela, fato que iria ocorrer em dezenas de outras ocasiões como em "Bridge Over Troubled Water", guardada as devidas proporções na qualidade do material. Como Pomus e Shuman diziam: "Elvis era o único cantor que conhecíamos que nos mostrava algo em nossas músicas que ainda não sabíamos ou não tínhamos percebido."

I Got Lucky (Fuller / Weisman / Wise) - Puro Pop dos anos 60. "I Got Lucky" inexplicavelmente não fez sucesso nas paradas, talvez por não ter sido dada a devida atenção e ter sido lançada em um EP e não em um single. Amostra perfeita do som que os adolescentes escutavam na época: músicas bobinhas, com letras falando de amor adolescente e ritmo extremamente pegajoso e impregnante (no bom sentido!). Nada de errado com isso, em uma América ainda inocente. Essa canção é daquelas que envelheceram e ouvindo-a, imediatamente vem aquele gostinho de nostalgia. Me lembra muito "I Gotta Know", do ano anterior. Na cena do filme em que Elvis a canta o vemos em um picnic tipicamente americano e meninas com saia rodada, características da época. Elvis ensaia um pouco de seus movimentos de Pelvis, contidos, é claro, do mesmo jeito que a música é. Doo Woop de primeira para ninguém botar defeito.

Riding The Rainbow (Weisman / Wise) - Junto com "A Whistling Tune", a mais fraca da trilha, porém, sem prejudicar em momento algum a qualidade do material. O interessante dessa trilha é que até as músicas mais bobinhas são infinitamente superiores a materiais futuros como "Harum Scarum" ou "Easy Come Easy Go". Na mesma linha de "I Got Lucky", essa canção aparece no filme na parte em que Elvis após reformar um antigo cadillac leva todos para dar uma voltinha, incluindo no banco traseiro o troglodita Charles Bronson. Interessante é ver Bronson, o brutamontes de "Desejo de Matar" escutando versinhos inocentes como " I´m riding the rainbow, I´m Following my star to where you are". Irônico, no mínimo! Uma das primeiras, de muitas músicas que Elvis cantaria em um filme dentro de um carro.

A Whisling Tune (Edwards / David) - A mais fraquinha da trilha, essa havia sido rejeitada, apesar de gravada, para a trilha de "Follow That Dream". A diferença é que no filme anterior o arranjo é feito com o piano e aqui a melodia é feita com assovio mesmo, justificando o título da música. Apesar da melodia e letra agradáveis, essa canção representa uma parcela de tudo que estava errado nas músicas nas trilhas: letras bobinhas e melodias suaves e pueris demais. Nem o adolescente de 1961 iria dar atenção e se identificar com essa aqui.

Ficha Técnica: Elvis Presley (vocal) / Scotty Moore (guitarra) / Tiny Timbrell (guitarra) / Bob Moore (baixo) / Buddy Harman (bateria) / D.J. Fontana (bateria) / Neal Mathews (guitarra) / Dudley Brooks (piano) / The Jordanaires: Gordon Stoker, Hoyt Hawkins, Neal Matthews e Ray Walker (vocais) / Gravado no Radio Recorders, Hollywood, California / Data de gravação: 26 e 27 de outubro de 1961 / Produzido e arranjado por Jefrey Alexander / Data de lançamento: Agosto de 1962 / Melhor posição nas charts: #30 (USA) e #23 (UK) Obs: O EP só foi lançado na Inglaterra em janeiro de 1963.

Pablo Aluísio e Victor Alves.

Vikingdom

Título no Brasil: Vikingdom
Título Original: Vikingdom
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos / Malásia
Estúdio: KRU Studios
Direção: Yusry Abd Halim
Roteiro: James Coyne
Elenco: Dominic Purcell, Natassia Malthe, Conan Stevens

Sinopse: 
Com o avanço cada vez maior do Cristianismo a antiga religião pagã Viking corre o risco de desaparecer. Para evitar que isso ocorra um dos deuses nórdicos, Thor, o Rei do Trovão (o mitológico e não o personagem Marvel) vem para a Terra com o objetivo de abrir um portão que dará acesso para o nosso mundo aos deuses pagãos sedentos de sangue. Para evitar que isso ocorra um antigo rei sem trono, Eirick (Dominic Purcell), que fora abençoada por uma deusa feminina após uma batalha insana, parte em uma jornada épica para salvar o mundo da destruição completa.

Comentários:
Muito ruim esse "Vikingdom". Em um roteiro com muito realismo fantástico pouca coisa realmente se salva. A violência é constante e gratuita. Se ao menos fosse bem feita ainda daria para aceitar com reservas, mas os efeitos são primários, muito mal realizados. Até parece que o filme foi feito no PC de algum garoto de 14 anos. O vilão Thor é simplesmente patético, levantando a todo momento seu martelo nada convincente, que mais parece ter sido feito com material vagabundo. Para piorar o filme usa de efeitos obtusos, como péssimos raios desabando sobre o nosso mundo. Chega a dar vergonha alheia. Enfim, como foi muito bem escrito por um crítico americano esse "Vikingdom" é sem dúvida um dos piores filmes feitos em nossa era. Merece o título de fato. Fuja!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 30 de outubro de 2013

Elvis Presley - Elvis 1961 / 1962

Quando Elvis voltou do exército ele tinha duas grandes pretensões. Uma era se tornar um grande ator e a outra desenvolver sua habilidade vocal. Primeiro fez "G.I. Blues" (Saudades de um Pracinha), um filme que ele não gostou de jeito algum, criticando inclusive a qualidade da trilha sonora. Porém, a ele era dito para fazer "G.I Blues" para reconquistar os fãs e depois lhe seriam oferecidos papeis mais dramáticos. "Flaming Star" (Estrela de Fogo) seu filme seguinte foi um bom início, seguido de "Wild in the Country" (Coração Rebelde) que, originalmente, tinha um ótimo roteiro, mas foi estragado pelos engravatados de Hollywood e pela raposa velha Coronel Tom Parker. A segunda pretensão, todavia foi alcançada: Elvis nunca cantou melhor e sua voz nos três primeiros anos da década de 60 estava em grande forma, excelente, com performances lindíssimas em clássicos como "Are You Lonesome Tonight?", "It´s Now Or Never" (há quem odeie essa canção hoje em dia mas não há como negar sua boa performance na gravação), além das bonitas e românticas "They Remind Me Too Much Of You", "There´s Always Me" e muitas outras.

O ano de 1961 chegou e definitivamente foi um ano que dividiu a carreira de Elvis. Ele começou o ano com dois shows beneficentes em Memphis em fevereiro, seus primeiros após a sua volta do exército e em março gravou o álbum "Something for Everybody", que apesar de ser muito bom e ter chegado ao primeiro lugar, perde se comparado com "Elvis is Back", um magistral álbum, muito eclético em sua diversidade de ritmos. Logo após as sessões de gravação Elvis viajou para o Havai para filmar "Blue Hawai" (Feitiço Havaiano) e fazer um show beneficente, que acabou sendo seu último até 1968. "Blue Hawai" foi a pior coisa que aconteceu na carreira de Elvis por ter sido um sucesso fora do comum, realmente espetacular. O álbum passou absurdas 20 semanas em primeiro lugar e o filme foi um estrondoso sucesso, apesar de ser muito fraco. A sua trilha é na verdade uma das piores de Elvis, se salvando apenas umas quatro músicas, incluindo o clássico absoluto "Can´t Help Falling in Love". Afinal botar o rei do rock para cantar uma dúzia de músicas havainas era o fim!!!

Em junho, antes de ir filmar "Follow that Dream" (Em Cada Sonho Um Amor) Elvis ainda entrou em estúdio e gravou entre outras, um de seus melhores singles: “His Latest Flame / Little Sister”, que injustamente não chegou ao primeiro lugar nos EUA. Na Inglaterra ambas as músicas atingiram o topo das paradas. "Surrender" foi a música de Elvis nesse ano que alcançou o número 1 nas paradas em ambos lados do Atlântico."Follow That Dream" era um comédia bem leve onde Elvis se saiu muito bem. Infelizmente, foi durante as sessões desse filme que o cantor perdeu um de seus melhores guitarristas: Hank Garland, vitimado em um acidente de carro que quase tirou sua vida e destruiu sua carreira de guitarrista. O som de Elvis perderia muito com a saída de Garland. Fora isso, o quadro profissional de Elvis era excelente. Ele ainda chegava fácil ao primeiro lugar, seus filmes ainda mantinham um certo nível, ele ainda gravava em ritmo muito bom e produtivo e a qualidade das músicas era ainda muito boa. Tudo parecia ainda caminhar relativamente bem por essa época.

Já na vida pessoal Elvis parecia determinado a se divertir o máximo possível! Por essa época ele resolveu romper com a namorada Anita Wood e como Priscilla ainda não havia chegado aos Estados Unidos para morar em Graceland, Elvis ficou completamente solto, solteirinho da silva! Se Elvis era um garoto que na década de 50 levava uma vida nada mundana, namorando firme garotas e morando com os pais, a situação se inverteu nessa fase de sua vida. Elvis agora, sem a balança moral de sua mãe, entupia sua mansão da maior quantidade de mulheres possível. Nos primeiros anos em Hollywood Elvis ficava hospedado em alguns hotéis da cidade mas suas festas com muita gente e muito barulho de música alta lhe trouxeram vários problemas. Alguns estabelecimentos o convidaram gentilmente a ir embora. Assim Elvis pensou em uma solução. Aconselhado pelo empresário Tom Parker ele acabou comprando uma casa em Bel Air. Afinal Parker queria manter as festas extravagantes de Elvis fora do radar da imprensa. Assim Elvis encontrou um lugar ideal para descansar, relaxar e se divertir, longe dos olhos da imprensa marrom da capital do cinema.

O ponto negativo é que por essa época Elvis também começou a aumentar seu consumo de drogas prescritas. Ele passou a se interessar pelo assunto e começou a ler livros de medicina onde eram explicadas as principais pílulas do mercado, seus efeitos e suas contra indicações. Elvis que odiava drogas de rua como maconha e cocaína havia encontrado um jeito seguro, limpo e longe de problemas de também ficar alto em suas festas privadas. Tudo ainda era um grande segredo guardado a sete chaves. Nem mesmo Parker tinha consciência do que acontecia nesse aspecto na vida de Elvis. Também não havia qualquer sinal em sua vida pública e profissional sobre isso. Na época ele era apenas o "Solteirão mais cobiçado da América". Sua imagem pública era impecável e Evis era considerado um dos homens mais bem sucedidos dos EUA. Tudo parecia muito bem em sua vida mas nuvens negras estavam para chegar em sua carreira.

Pablo Aluísio e Victor Alves.

Ecos do Além

Título no Brasil: Ecos do Além
Título Original: Stir of Echoes
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Artisan Entertainment
Direção: David Koepp
Roteiro: David Koepp
Elenco: Kevin Bacon, Zachary David Cope, Kathryn Erbe, Kevin Dunn, Conor O'Farrell, Lusia Strus
  
Sinopse:
Tom Witzky (Kevin Bacon) é um cara comum. Pai da família, trabalhador, ele vai levando a sua vida na normalidade. Sua vida porém muda completamente após ser hipnotizado por Isa (Illeana Douglas). O que parecia ser apenas uma brincadeira, durante uma festa de família, acaba mexendo bastante com sua mente. Pior do que isso, Tom começa a ter estranhas visões, pessoas falecidas surgem nas sombras para aterrorizar suas noites.

Comentários:
O roteiro desse filme foi baseado na novela de terror e suspense escrita por Richard Matheson. O material original é muito bom, o que talvez explique essa boa trama. Em termos gerais o filme é um thriller de suspense, que se segura bastante naquelas situações de terror envolvendo sombras e mistérios. Não há como negar que esse filme é um bom momento da filmografia do ator Kevin Bacon, em um momento em que sua carreira começava a decolar novamente. Já o diretor e roteirista David Koepp era mais especializado em filmes de ação e aventura, como "Missão: Impossível" e "Jurassic Park: O Parque dos Dinossauros" cujos roteiros ele mesmo escreveu. Aqui porém ele demonstra ter talento para a direção, principalmente por saber arriscar quando isso era possível. Tudo bem que o filme decaia um pouco em seu final, isso é até normal de acontecer, o fato importante porém é que o filme conseguiu se destacar na época de seu lançamento, sendo até hoje lembrado pelas fãs de terror e suspense. No mínimo é uma boa fita do gênero.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 28 de outubro de 2013

John Adams

Quem foi John Adams? Nascido em 30 de outubro de 1735 em Braintree, Massachusetts, esse simples homem do campo entraria para a história como o segundo presidente dos Estados Unidos da América. Considerado um dos fundadores da nação, Adams se notabilizou por seu amor ao direito e à liberdade e também por ser um homem de gestos simples e pacatos, bem ao contrário de um Thomas Jefferson, por exemplo, que era muito interessado na vida luxuosa das cortes mais ricas do velho continente. Personagem geralmente colocado à sombra de outras grandes figuras de seu tempo vemos aqui um belo retrato de sua real face nessa muito bem produzida minissérie do ótimo canal HBO. Recriação histórica perfeita não deixa de mostrar também o lado mais humano e pitoresco desse grupo de fazendeiros, pequenos profissionais liberais e proprietários rurais que cansados das altas taxas cobradas pelo império britânico resolveram abraçar ideais de liberdade e se uniram em prol do nascimento de uma nova nação, livre e dona de seu destino.

Em termos de qualidade de produção não há o que reclamar. Simplesmente maravilhosa. Até porque sendo produzida pela HBO não poderíamos esperar por algo diferente. Um dos produtores executivos inclusive é o ator Tom Hanks, que regularmente tem participado de ótimas minisséries enfocando partes da história americana. Pois bem, o mais importante de obras como essa é a constatação de que a história nem sempre é chata ou enfadonha, pelo contrário pode ser muito construtiva.  Através da história do homem que foi o segundo presidente dos EUA conhecemos as raízes do surgimento da revolução americana, seus personagens principais (Washington, Franklin e Jefferson) e como aquele país foi formado. Os demais presidentes americanos enfocados também viram um atrativo à parte. O realismo também é muito louvável, principalmente quando vemos John Adams tentando governar uma jovem nação de dentro de uma Casa Branca ainda sendo construída, com um grande lamaçal ao redor! Afinal naquele momento histórico ainda havia a busca pelo reconhecimento internacional por sua existência como país independente. E pensar que a maior potência do mundo nasceu de um bando de fazendeiros que não queriam mais pagar altos impostos ao Rei da Inglaterra. Quem diria!

John Adams (Idem, EUA, 2008) Direção: Tom Hooper / Roteiro: Michelle Ashford, David McCullough / Elenco: Paul Giamatti, Laura Linney, John Dossett / Sinopse: John Adams (Paul Giamatti) é um cidadão da colônia inglesa de Massachusetts que abraça os ideais de uma revolução em busca da independência das treze colônias britânicas na América. Ao lado de Washington, Franklin e Jefferson entre outros, ele resolve ajudar a escrever e assinar a declaração de independência dos Estados Unidos da América.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.                                                                           

Firefox - A Raposa de Fogo

Título no Brasil: Firefox - A Raposa de Fogo
Título Original: Firefox
Ano de Produção: 1982
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Alex Lasker, Wendell Wellman
Elenco: Clint Eastwood, Freddie Jones, David Huffman

Sinopse: 
Clint Eastwood interpreta Mitchell Gant, um piloto que recebe um missão extremamente perigosa: entrar na União Soviética em plena guerra fria para roubar um super avião dos russos. A nova arma dos soviéticos é completamente inovadora, com controles neurais jamais vistos antes, uma nova tecnologia totalmente nova para as forças armadas americanas.

Comentários:
Ao longo de uma carreira longa e produtiva o ator, diretor e produtor Clint Eastwood raras vezes decepcionou seus fãs. Aqui não seria diferente. Co-produzido por sua companhia cinematográfica Malpaso (juntamente com a Warner) e dirigido pelo próprio Clint, "Firefox - A Raposa de Fogo" é certamente um dos bons momentos da filmografia de Eastwood. O filme tem ação, aventura e suspense em doses generosas. Seu jeito durão também cai como uma luva para seu papel. Poucas palavras e muita ação. É sem dúvida um bom entretenimento com belas e bem boladas cenas de combate aéreo, apesar de compreensivelmente alguns dos efeitos soarem datados hoje em dia. Mas vale a pena. Clint como sempre mantendo o bom nível de qualidade de seus filmes.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Cruz de Ferro

Título no Brasil: A Cruz de Ferro
Titulo Original: Cross of Iron
Ano de Produção: 1977
País: Alemanha / Reino Unido
Estúdio: EMI Films
Direção: Sam Peckinpah
Roteiro: Julius J. Epstein, James Hamilton, Walter Kelley
Elenco: James Coburn, Maximilian Schell, James Mason, David Warner

Sinopse: 
Em 1943, durante a Segunda Guerra Mundial, em pleno front russo, um sargento alemão (interpretado por James Coburn) é promovido por atos de bravura. A campanha militar de seu pelotão porém sofrerá um sério abalo com a chegada de um graduado oficial prussiano, o capitão Stransky (Maximilian Schell). Arrogante e inexperiente ele colocará todos os homens sob seu comando em perigo por causa de suas decisões equivocadas e sem direção.

Comentários:
Talvez o público mais jovem irá estranhar certas partes do filme (pois ele é meio fragmentado). De qualquer maneira é muito interessante pois foi um dos primeiros filmes do cinema a mostrar o lado dos alemães (já que nos mais antigos eles são retratados como vilões absolutos, sem alma e com o único objetivo de promover genocídios). A melhor coisa do filme é a presença de Maximiliam Schell, aqui no papel de um oficial da velha escola Prussiana (a elite do exército alemão). Vaidoso e incoerente ele acaba colocando sua tropa em apuros. Muitos não sabem mas a verdade é que vários generais alemães simplesmente odiavam Hitler e o nazismo. Alguns inclusive estavam convencidos de que ele era completamente maníaco e louco. Não é à toa que o Führer tenha sido alvo de vários atentados contra sua vida. Estrategicamente a guerra estava perdida e a única chance de sair daquele lamaçal era liquidando o líder nazista. Imagine lutar uma guerra defendendo uma ideologia em que não se acreditava. O filme tenta capturar em parte esse sentimento e se sai muito bem. Mostra o caos da frente russa e o desmantelamento do exército alemão. É um belo exemplar do cinema cru e realista do cineasta Sam Peckinpah.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

Prenda-Me Se For Capaz

Título no Brasil: Prenda-Me Se For Capaz
Titulo Original: Catch Me If You Can
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos,
Estúdio: DreamWorks SKG
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: Jeff Nathanson
Elenco: Leonardo DiCaprio, Tom Hanks, Christopher Walken, Amy Adams, Martin Sheen

Sinopse: 
Frank Abagnale Jr. (Leonardo DiCaprio) resolve se passar por médico, advogado, piloto de avião comercial e tudo mais que conseguir convencer para as pessoas ao seu redor. Para isso usa sua lábia, seu conhecimento básico das profissões que finge exercer e muito carisma. Com apenas 18 anos coleciona uma série de pequenos golpes que acabam lhe trazendo muitos benefícios, inclusive acesso amplo a ambientes que lhe seriam negados caso não inventasse todas as suas lorotas. Após participar de um roubo milionário o FBI resolve seguir seus passos. É justamente isso que faz o agente Carl Hanratty (Tom Hanks) ir em seu encalço. A tentativa de capturá-lo porém não será das mais facéis.

Comentários:
É um filme leve, divertido, alto astral mesmo que o personagem seja no fundo apenas um estelionatário. Considero uma obra menor da filmografia de Spielbeg, que alterou várias coisas da história real (sim, o filme é baseado numa história real). O personagem de Tom Hanks, por exemplo, nunca existiu de fato, foi uma criação para ajudar a focar o roteiro. Já o personagem vivido pelo Di Caprio era um escroque pé de chinelo que o FBI colocou as mãos e depois foi trabalhar com a agência para capturar outros meliantes.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Eu Sou a Lenda

Título no Brasil: Eu Sou a Lenda
Título Original: I Am Legend
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Francis Lawrence
Roteiro: Mark Protosevich, Akiva Goldsman        
Elenco: Will Smith, Alice Braga, Charlie Tahan

Sinopse: 
Anos depois de um grande apocalipse que praticamente varreu a humanidade da face da Terra um último sobrevivente tenta se adaptar e achar a cura em um Nova Iorque desolada. O que ele não sabe é que não está sozinho no meio daquela grande cidade em ruínas.

Comentários:
"Mais uma ficção estrelada por Will Smith. Durante certo tempo ele foi o rei do verão americano, conseguindo vencer a batalha pela maior bilheteria por anos seguidos mas como tudo que sobe, desce, ele também entrou em declínio após um certo tempo. Eu Sou Uma Lenda tem uma boa premissa, ótimas cenas de impacto (as ruas vazias chamam a atenção) mas de maneira em geral se mostra abaixo das expectativas principalmente quando resolve esconder as falhas de roteiro com muitos efeitos digitais de última geração." (Pablo Aluísio)

"Nâo é de todo ruim. O terço inicial do filme é bastante interessante, a ideia do isolamento, o suspense que se cria com toda aquela situação. Achei bastante satisfatório. O filme só perde mesmo nos dois terços finais onde o diretor esquece a sutileza e se entrega aos efeitos especiais gratuitos e desnecessário. O clímax então deixa muito a desejar. No apagar das luzes é apenas um filme mediano." (Júlio Abreu)

"Esse filme tem três problemas graves: O Will Smith é um canastrão. O filme original com Charlton Heston ( The Omega Man - 1971) é muito melhor e esse diretor (Lawrence) é fraquíssimo, que vem a ser o mesmo daquele filme fraco chamado Constantine e estrelado por outro canastrão: Keanu Reeves. E ainda tem essa canastrona brasileira chamada Alice Braga, que como atriz é uma ótima repórter do canal a cabo GNT." (Telmo Jr.)

Pablo Aluísio. 

domingo, 27 de outubro de 2013

Turbo

Título no Brasil: Turbo
Título Original: Turbo
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: DreamWorks
Direção: David Soren
Roteiro: Darren Lemke, Robert D. Siegel
Elenco: Ryan Reynolds, Paul Giamatti, Maya Rudolph

Sinopse: 
Turbo (Ryan Reynolds) é um caracol de jardim apaixonado por automobilismo. Ele não perde uma corrida na TV e é apaixonado pela Fórmula Indy. Seu sonho é um dia se tornar um grande piloto da categoria mas isso é obviamente praticamente impossível uma vez que ele é um simples caracol e esses bichinhos são conhecidos justamente por sua lentidão de locomoção. Mas como todo sonho merece ser perseguido um lance de sorte acaba mudando completamente seu destino.

Comentários:
Nova animação da Dreamworks que aqui investe em um personagem que até onde me lembre é completamente inédito no mundo da animação: Um caracol ou caramujo como é conhecido em certas regiões do Brasil. Considerado um animal não muito popular (para alguns seria nojento mesmo) os animadores do estúdio de Spielberg conseguiram transformar o bichinho em uma estrela de cinema! O resultado é realmente divertido, bem bolado e com excelente timing de humor. Apesar da produção milionária (custou mais de cem milhões de dólares!) o resultado nas bilheterias foi considerado apenas morno. Isso talvez se deva ao fato do enredo ser bem fora do comum. Mas isso não interessa ao espectador mirim pois de uma forma ou outra a garotada certamente vai se divertir. Pode levar seu filho para assistir sem receios.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Três Reis

Título no Brasil: Três Reis
Título Original: Three Kings
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: David O. Russell
Roteiro: David O. Russell, baseado na obra de John Ridley
Elenco: George Clooney, Mark Wahlberg, Ice Cube, Spike Jonze

Sinopse: 
Durante a ocupação americana no Iraque no começo da década de 1990 alguns soldados ianques acabam colocando as mãos em um suposto mapa mostrando onde está localizado um imenso tesouro roubado pelo governo ditatorial do tirano Sadam Hussein. Pensando com colocar suas mãos na riqueza os militares então resolvem partir em sua busca!

Comentários:
George Clooney ainda estava tentando consolidar sua carreira no cinema (ele era considerado na época apenas um ator de TV em essência) quando estrelou esse simpático "Três Reis". O filme passeia no tema da invasão americana ao Iraque de uma forma diferente. Sai de cena a patriotada e o ufanismo típicos desse tipo de produção e entra o humor, a picaretagem, o jeitinho de se dar bem acima de tudo. Não, não se trata de um filme brasileiro, mas sim de um roteiro honesto mostrando que a malandragem terceiro mundista não existe apenas abaixo do Equador. O resultado é dos melhores. O filme, muito bem realizado, com fotografia saturada, ajuda a elucidar bem a posição muito dúbia dos americanos naquele conflito. Levar liberdade aos povos é uma boa mas se houver alguma recompensa financeira por isso ninguém irá reclamar. Afinal a guerra também é um grande negócio. Assista e se divirta. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Nevoeiro

Título no Brasil: O Nevoeiro
Título Original: The Mist
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio:  Dimension Films
Direção: Frank Darabont
Roteiro: Frank Darabont, baseado na obra de Stephen King             
Elenco: Thomas Jane, Marcia Gay Harden, Laurie Holden

Sinopse:
Uma terrível tempestade se abate sobre uma cidadezinha do Maine. No meio do caos um artista e seu pequeno filho de oito anos acabam buscando proteção dentro de um pequeno mercado. Lá percebem a chegada de um estranho nevoeiro que se alastra por todas as ruas e becos da cidade. Presos dentro do mercadinho eles precisam lidar com outros moradores que estão lá na mesma situação, entre eles um forasteiro cético e uma fanática religiosa que acredita ser o fim dos tempos como foi previsto nas sagradas escrituras! Mas afinal, qual será o segredo desse misterioso nevoeiro?

Comentários:
"Um ótimo filme de terror, talvez um dos melhores baseados na obra do Stephen King. Darabont é daqueles diretores que não pisam na bola, seu trabalho é sempre, no mínimo, muito competente. Ele consegue até extrair uma boa interpretação do quase sempre inexpressivo Thomas Jane. A maneira como os personagens dentro do mercado começam a adotar atitudes cada vez mais intransigentes e agressivas é fascinante, e perfeitamente verossímil. O final é brutal, terror absoluto. Não li o livro, mas dizem que no original não é bem assim que a coisa termina..." (L. Nogueira)

"O filme, além de ser envolvido literalmente por uma estranha névoa, é também uma mistura de terror, suspense e ação. O espectador é brindado também com doses quase letais de desesperança e amargura. O clímax do filme beira uma loucura coletiva misturada a um ar irrespirável e com cheiro forte de apocalipse, onde o ser humano consegue arrancar de suas próprias entranhas, tudo o que existe de pior e de melhor. A loucura coletiva é deferida com o consentimento das palavras de ordem e em pregações bíblicas de uma excelente atriz chamada Marcia Gay Harden. Que coloca o filme debaixo do braço e cruza a linha de chegada com dois corpos de vantagem. Nota 9" (Telmo Jr)

"Muito bom. Fanatismo religioso, desespero humano, névoa, suspense, terror e um final digno de tal filme.O Nevoeiro me surpreendeu em todos os aspectos, ritmo muito bom, historia bem postada, o exagero da tal fé humana colocada à prova e questionado, cenas memoráveis, personagens bem interpretados e bem construídos. E de novo, que belo final." (S. Campello)

"Esse filme já assisti faz um bom tempo mas me deixou impressionado. Não só por ser um bom filme, com ótimo suspense mas também pelo final, que realmente choca a quem assiste. Esse é o tipico filme que merecia ter muito mais repercussão do que teve. Seu alcance deveria ter sido bem maior. Merece." (Júlio Abreu)

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

Efeito Dominó

Título no Brasil: Efeito Dominó
Titulo Original: The Bank Job
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos, Inglaterra, Austrália
Estúdio: Lionsgate
Direção: Roger Donaldson
Roteiro: Dick Clement e Ian La Frenais
Elenco: Jason Statham, Saffron Burrows, Stephen Campbell

Sinopse:
O ano é 1971. O local é um banco localizado na Baker Street em Londres. É lá que se encontra o alvo de um bem organizado grupo de ladrões que planejam entrar no cofre da instituição através de um bem construído túnel localizado bem debaixo do principal cofre do banco. O prêmio para os criminosos é uma fortuna incalculável em dinheiro, jóias e metais preciosos. Baseado em fatos reais o filme narra todos os detalhes desse arriscado plano de roubo.

Comentários:
Se você gosta de filmes sobre roubos a bancos não pode perder essa produção muito bem realizada que tenta reconstruir todos os passos dos gatunos. Como se trata de uma história real o interesse do espectador obviamente aumenta, ainda mais quando se sabe dos bastidores do roubo, algo que na época causou perplexidade por causa do envolvimento de figurões no golpe. Em um elenco muito bom o destaque vai para Jason Statham que desde já está consagrado como o herdeiro natural de todos os astros de ação da década de 80. Mostrando que não é apenas um brutamontes, Jason ajuda a manter o interesse no filme do começo ao fim. "Efeito Dominó" prova que filmes de ação também podem ser bem inteligentes e interessantes quando se quer. Mais do que recomendado.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 26 de outubro de 2013

Refém

Título no Brasil: Refém
Título Original: Hostage
Ano de Produção: 2005
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax
Direção: Florent-Emilio Siri
Roteiro: Robert Crais, Doug Richardson
Elenco: Bruce Willis, Michelle Horn, Kevin Pollak, Ben Foster

Sinopse:
Após passar por uma tragédia em sua vida profissional um policial veterano acaba indo trabalhar numa pequena cidade do interior. Pensando que agora finalmente terá uma vida tranquila até sua aposentadoria ele se vê de repente em uma nova situação aflitiva, quando uma família é feita refém de criminosos. Agora ele terá que colocar toda a sua longa experiência em prática para conduzir a tensa negociação e se possível soltar a todos sem maiores consequências para as vítimas.

Comentários:
Bruce Willis certamente foi um dos grandes astros de ação de seu tempo. Ultimamente porém vários de seus novos filmes andam passando em branco, sem grande repercussão nem de público e nem de crítica. Ao que tudo indica a velha fórmula se desgastou completamente. Esse parece ser o caso desse "Hostage" que não chegou a causar nenhum impacto maior em seu lançamento. A fita, meio corriqueira, meio banal, explora algo que é cada vez mais raro nos EUA, a situação de reféns, uma vez que em todos os estados daquele país existem leis que impedem os familiares de pagarem resgates a criminosos. Em termos de elenco o destaque vai para o sempre bom Ben Foster, aqui mais uma vez marcando boa presença. Já Bruce Willis até tenta trazer alguma movimentação ao filme mas tudo em vão. "Hostage" é mesmo de fato um de seus momentos menos marcantes.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Não Somos Anjos

Título no Brasil: Não Somos Anjos
Título Original: We're No Angels
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Neil Jordan
Roteiro: David Mamet, Ranald MacDougall
Elenco: Robert De Niro, Sean Penn, Demi Moore, John C. Reilly

Sinopse: 
Dois condenados (Bob De Niro e Penn) fogem de uma prisão de segurança máxima e vão parar numa pequena cidadezinha às margens de cataratas que eles usaram para escapar da polícia. Na correria entram em um antigo mosteiro e começam a se passar por padres. A situação fica ainda mais complicada porque o diretor da prisão está à procura deles que não podem deixar seus disfarces de lado. A única saída acaba sendo uma procissão da Virgem Maria cujo ponto de chegada é no país vizinho, o Canadá. Se conseguirem chegar até lá estarão livres das garras da lei.

Comentários: Divertida comédia dos anos 80 que na realidade é um remake de um antigo filme com Humphrey Bogart e Peter Ustinov chamado no Brasil de "Veneno de Cobra". A premissa realmente é muito boa, pois a partir do momento em que os bandidos se fazem de padres católicos tudo fica muito divertido. Sem nenhuma noção dos dogmas e crenças da Igreja eles vão tentando sobreviver de todas as formas. Uma das cenas mais divertidas ocorre quando De Niro está no confessório e entra um policial para se confessar justamente com ele! O tira traiu a esposa e sente-se culpado por isso! Imagine a saia justa! Já na ficha técnica dois nomes se sobressaem para os cinéfilos. O primeiro é o do diretor Neil Jordan que aqui dirige uma rara comédia em sua filmografia. O segundo é a presença na equipe de roteiristas do talentoso David Mamet. Sua presença é garantia de bom texto e tiradas inteligentes.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Cry-Baby

Título no Brasil: Cry-Baby
Título Original: Cry-Baby
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Focus
Direção: John Waters
Roteiro: John Waters
Elenco: Johnny Depp, Tracy Lords, Iggy Pop, Willie Dafoe e Amy Locane

Sinopse: 
A cidade é Baltimore, o ano é 1954. Wade "Cry-Baby" Walker (Johnny Depp) é um "Teddy Boy" que lidera um grupo de outsiders. No bairro e na escola tem o sugestivo apelido de "Cry-Baby" justamente por causa de algo bem singular em si mesmo: ele chora apenas por um olho! Embora se faça de durão ele na verdade está apaixonado pela bela Allison Vernon-Williams (Amy Locane), uma garota rica que parece estar fora de seu alcance uma vez que seus parentes o odeiam. Afinal todos pensam que "Cry-Baby" é apenas um delinqüente juvenil sem qualquer futuro pela frente.

Comentários:
Acredito que pouquíssimas pessoas vão lembrar desse filme. A razão é simples: poucas pessoas viram "Cry-Baby" na época de seu lançamento. No comecinho da carreira o jovem Johnny Depp já colocava as asinhas de fora estrelando um filme do cineasta (e maluco de plantão) John Waters. Quem assistiu já sabe, o filme é todo fora do convencional. Tem até a ex estrela pornô Traci Lords, que foi colocada no elenco como provocação mesmo: na época várias pessoas da indústria pornô estavam sendo presas por causa dela (mas isso é uma outra história). Sinceramente não me lembro de ter visto Cry-Baby na TV. Acho inclusive que deve ser inédito até em dvd no Brasil (me corrijam se estiver enganado). É um filme raro e dificil de achar mas recomendo aos fãs do trabalho de Depp pois ele está impagável na pele de um personagem que mistura de uma vez só James Dean, Marlon Brando e Elvis Presley. Ele também canta no filme (e não é que o cara já cantava bem há mais de 20 anos!). Não é de se espantar já que ele mesmo se considera um músico frustrado que virou ator por necessidade. Enfim, para quem gosta do cinema subversivo de Waters, "Cry-Baby" é um prato cheio - de brilhantina é claro!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Em Cada Sonho um Amor

Título no Brasil: Em Cada Sonho um Amor
Título Original: Follow That Dream
Ano de Produção: 1962
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: Gordon Douglas
Roteiro:  Charles Lederer, Richard Powell              
Elenco: Elvis Presley, Arthur O'Connell, Anne Helm

Sinopse: 
Uma família de caipiras chega na Flórida e sem gasolina acabam parando em terras públicas banhadas por um belo rio pertencente ao governo. Após serem hostilizados por um representante do estado que os avisa que devem ir embora pois não possuem direitos sobre aquelas terras, o patriarca Pop Kwimper (Arthur O'Connell) decide que eles vão ficar ali para lutar pelas terras como posseiros. Para Toby Kwimper (Elvis) e sua irmã de criação aquela parece ser uma boa ideia pois eles logo começam a ganhar algum dinheiro vendendo pontos de pesca para turistas. A boa vida porém será ameaçada por uma assistente social que irá brigar na justiça para que a família perca o direito de continuar com as crianças no local.

Comentários:
"Em Cada Sonho um Amor" foi o primeiro filme de Elvis nos estúdios da United Artists. Essa companhia foi fundada por Charles Chaplin e tinha como objetivo dar maior liberdade para os artistas ao invés dos magnatas poderosos do cinema em sua época. Assim temos pequenos detalhes que diferenciam essa produção das demais que Elvis faria nos anos 60. Uma delas foi a escolha de filmar praticamente tudo em locações reais ao ar livre (as cenas mais bonitas foram captadas em Crystal River, Florida) e não enfurnados em estúdios de Los Angeles. O sol forte inclusive queimou o cabelo de Elvis, o levando para seu tom mais natural, praticamente loiro. As cenas musicais não são muito empolgantes, até porque as músicas nunca foram consideradas marcantes mas de maneira em geral são simpáticas e alegres. Em termos de roteiro não há também muitas novidades com Elvis dividido entre uma mulher mais jovem e uma mais velha. O que salva "Follow That Dream" de escapar da lista dos piores filmes de Elvis é seu clima agradável e relaxante, além do tom mais bem humorado. Presley também acentua seu lado mais cômico ao interpretar um personagem muito caipira, ingênuo e simplório que não conhece nada da vida da cidade. No saldo final passa longe de aborrecer alguém, embora obviamente também passe longe de ser uma obra prima. Está entre os filmes medianos que Elvis rodou em sua carreira.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Duro de Matar - A Vingança

Título no Brasil: Duro de Matar - A Vingança 
Título Original: Die Hard: With a Vengeance
Ano de Produção: 1995
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: John McTiernan
Roteiro: Jonathan Hensleigh, Roderick Thorp
Elenco: Bruce Willis, Jeremy Irons, Samuel L. Jackson

Sinopse: 
Surge um novo terrorista, Simon Gruber (Jeremy Irons) que ameaça explodir dezenas de escolas de Nova Iorque caso não coloque as mãos no policial John McClane (Bruce Willis). Acontece que Simon é irmão de um criminoso que foi morto justamente por McClane (na trama do primeiro "Duro de Matar") e agora quer vingança. O que os policiais de Nova Iorque não sabem é que ele na realidade arma um grande golpe para desviar as atenções da autoridades. Enquanto elas correm para salvar as crianças ele rouba bilhões de dólares do banco central da cidade.

Comentários: Terceiro filme da franquia "Die Hard". A franquia não era mais do interesse de Willis e por isso a Fox teve que pagar um cachê recorde para o ator voltar para mais um filme de ação na pele do indestrutível John McClane. Aqui há dois bons aspectos a se considerar. O primeiro é a grandiosidade da produção. Há cenas realmente bem realizadas como a explosão de uma bomba no metrô de Nova Iorque. Outro ponto muito positivo é o elenco de apoio. Tanto Jeremy Irons (que interpreta um terrorista psicopata e frio) como Samuel L. Jackson (que faz um tira obcecado com racismo) estão muito bem em seus respectivos personagens. No saldo final é um filme de ação escapista, muito bem realizado, que consegue divertir bastante o espectador e os fãs da série.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Halloween O Início

Título no Brasil: Halloween O Início
Título Original: Halloween
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Dimension Films
Direção: Rob Zombie
Roteiro: Rob Zombie baseado no filme de John Carpenter
Elenco: Malcolm McDowell, Scout Taylor-Compton, Tyler Mane e Rob Zombie

Sinopse: 
A infância de Michael Myers (Daeg Faerch) não é nada fácil. Zombado por colegas de escola, humilhado por familiares, ele acaba extravasando sua raiva de uma maneira completamente violenta e sem limites. Usando uma máscara de palhaço ele começa a maltratar e torturar pequenos animais. Isso se torna a gênese de um futuro serial killer completamente sedento por sangue e violência insana.

Comentários:
"Halloween O Início" é aquele tipo de filme que você facilmente conclui que é bem desnecessário. Até porque o original já é um clássico e suas várias sequências só serviram para provar que a fórmula já está mais do que desgastada. Aqui o suspense e o clima são deixados de lado sem muita cerimônia. O que era medo sutil no primeiro filme vira puro exagero. O psicopata assume ares de super-herói, com poderes absurdamente atribuídos a ele. Em determinados momentos chega a atravessar paredes sem muito esforço. O que sobra é um produto muito chulo, com uso exagerado de palavrões e cenas sem qualquer noção. Seria bem melhor que deixassem o pobre Michael Myers em paz, afinal ele já havia sido imortalizado na obra de John Carpenter. Não era necessário voltar para esse filme inútil.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 25 de outubro de 2013

Os Três Mosqueteiros

Título no Brasil: Os Três Mosqueteiros
Título Original: The Three Musketeers
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Pictures
Direção: Stephen Herek
Roteiro: David Loughery
Elenco: Charlie Sheen, Kiefer Sutherland, Chris O'Donnell, Tim Curry, Oliver Platt

Sinopse: 
D'Artagnan (Chris O'Donnell) é um jovem do interior que sonha um dia se tornar um verdadeiro mosqueteiro do reino. No caminho para Paris ele acaba se encontrando com mosqueteiros de verdade, Aramis (Charlie Sheen), Athos (Kiefer Sutherland) e Porthos (Oliver Platt). Juntos resolvem se unir para combater o terrível e astuto cardeal Richelieu (Tim Curry) que pretende colocar as mãos na coroa francesa de uma vez por todas.

Comentários: Uma nova versão bem mais pop do livro de Alexandre Dumas. Obviamente que muitos aspectos do texto original foram solenemente ignorados, preferindo o filme se concentrar mais em ação, aventura e divertimento ligeiro. De bom mesmo temos o ritmo mais acelerado e ausência de cenas mais aborrecidas. É um produto feito visando realmente agradar o público mais jovem, sem qualquer pretensão de ser historicamente fiel ao que lemos no livro de Dumas. O elenco reúne algumas estrelas jovens dos anos 90 como Charlie Sheen, Kiefer Sutherland e Chris O'Donnell. Todos figurinhas corriqueiras em revistas para adolescentes da época. Assim o resultado final não chega a ser aborrecido e nem ruim. Os figurinos são bem coloridos e o clima geral é de pura diversão apenas, tudo como convém ao padrão Disney de qualidade. Se é isso que você está procurando então aproveite bem.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Mar Aberto

Título no Brasil: Mar Aberto
Título Original: Open Water
Ano de Produção: 2003
País: Estados Unidos
Estúdio: Lionsgate Pictures
Direção: Chris Kentis
Roteiro: Chris Kentis
Elenco: Blanchard Ryan, Daniel Travis, Saul Stein, Estelle Lau

Sinopse: 
Baseado em fatos reais o filme mostra uma excursão de turistas nas Bahamas que querem ter a oportunidade de mergulhar entre tubarões brancos da região. Esses animais são considerados uma das espécies mais agressivas que existem. O programa consiste em fazer pequenos mergulhos, no total de 20 pessoas. O problema é que por um erro grosseiro os instrutores acabam esquecendo do casal em alto mar e voltam para o porto. Sozinhos no meio do oceano os dois jovens tentarão sobreviver de todas as formas enquanto o resgate não vem ao seu socorro. Não será nada fácil pois o local está infestado de tubarões famintos.

Comentários:
"Mar Aberto" é um filme interessante que consegue trazer novidades para esse saturado sub-gênero dos filmes de terror com tubarões. O grande diferencial aqui é o fato de sabermos que tudo o que se vê na tela aconteceu de fato, o que torna a produção muito mais curiosa. Praticamente todo o enredo se passa com o casal em alto mar, à deriva, esperando que alguém note a sua falta. O tempo nesse caso é o grande inimigo pois os tubarões começam lentamente a cercar eles. Imagine a sensação de desespero que vem do fato de se estar perdido no meio do oceano, tentando sobreviver enquanto um enorme grupo de tubarões está literalmente cercando você para o ataque final. É justamente nisso que o filme consiste. É uma história realmente enervante, não recomendado para pessoas impressionáveis demais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Guerreiro Gengis Khan

Título no Brasil: O Guerreiro Gengis Khan
Titulo Original: Mongol
Ano de Produção: 2007
País: Rússia, Alemanha, Cazaquistão
Estúdio: CTB Film Company / Kinofabrika
Direção: Sergey Bodrov
Roteiro: Arif Aliyev, Sergey Bodrov
Elenco: Tadanobu Asano, Amadu Mamadakov, Khulan Chuluun

Sinopse: 
O filme narra a história real do temido guerreiro Gengis Khan (1162 - 1227). Após mudanças climáticas terríveis na Mongólia, com seca e fome assolando toda a região, Khan um líder tribal forma um magnífico exército de cavaleiros e arqueiros para invadir o império chinês e todas as cidades que encontravam pelo caminho. Usando do terror, do massacre e da subjugação completa de seus inimigos, Gengis Khan conseguiu conquistar uma das mais vastas regiões do planeta. Um conquistador sanguinário cujo nome até hoje aterroriza os povos que ele massacrou ao longo de suas campanhas.

Comentários:
Tive uma bela surpresa hoje ao assistir o filme O Guerreiro Gengis Khan, produção russa, alemã e mongol dirigida por Sergei Bodrov. Fazia muito tempo que queria assistir mas por uma razão ou outra sempre deixava para depois. O filme é muito bem dirigido e conta com ótima fotografia. Não foi à toa que foi indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro. É de fato uma produção de encher os olhos e resgata um dos personagens históricos mais genocidas que se tem notícia. Estima-se que Khan tenha levado à morte mais pessoas do que Hitler e Napoleão juntos. Ele incentivava seus homens a pilhar, roubar, massacrar (homens, mulheres, idosos e até crianças), além de estuprar em série as mulheres de seus inimigos. Era um líder brutal e sanguinário ao extremo. O filme tenta capturar com grande êxito sua personalidade. O resultado final é excelente. Recomendo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Quinteto da Morte

Título no Brasil: Quinteto da Morte
Titulo Original: The Ladykillers
Ano de Produção: 1955
País: Inglaterra
Estúdio: Ealing Studios
Direção: Alexander MacKendrick
Roteiro: William Rose
Elenco: Alec Guinness, Cecil Parker, Herbert Lom, Peter Sellers, Alan Ruck

Sinopse: 
Grupo de criminosos planeja um ousado roubo. Para isso usam a casa de uma simpática senhora que acredita que todos eles são músicos de orquestra. Fingindo serem apenas artistas que vivem por amor à arte eles acabam encontrando uma série de problemas operacionais para levar em frente seu plano. Diante dos acontecimentos a questão primordial acaba sendo: matar ou não a adorável velhinha?

Comentários:
De forma geral gostei bastante da proposta dessa deliciosa comédia de humor negro. O elenco é simplesmente magistral, contando com alguns dos mais talentosos atores ingleses daquela geração. Sir Alec Guiness domina cada cena em que surge, ora cinicamente ingênuo, ora diabolicamente perverso. Outro destaque vem com Peter Sellers (um pouco fora de seu padrão costumeiro). Seu papel acaba resvalando para aquele tipo de humor que nos faz rir, mas com uma certa dose de culpa interior pelas coisas que acontecem durante a trama. Mesmo assim basta apenas embarcar na excelente proposta do filme para se divertir bastante. Enfim, é uma boa pedida para ver um filme tipicamente britânico e seu singular senso de humor. Em 2004 houve um remake americano intitulado "Matadores de Velhinha" dirigido pelos irmãos Coen e com Tom Hanks no papel principal. Embora bem realizado não conseguiu ter o mesmo brilho desse original.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

 

À Procura da Vingança

Título no Brasil: À Procura da Vingança
Título Original: Seraphim Falls
Ano de Produção: 2006
País: Estados Unidos
Estúdio: Icon Productions
Direção: David Von Ancken
Roteiro:  David Von Ancken, Abby Everett Jaques
Elenco: Liam Neeson, Pierce Brosnan, Michael Wincott, Xander Berkeley

Sinopse: 
Durante o fim de um dos conflitos mais sangrentos da história dos Estados Unidos, a Guerra Civil entre estados do sul e do norte, no século XIX, um militar, o coronel Carver (Liam Neeson) parte em busca de vingança contra Gideon (Pierce Brosnan). Apenas os fortes sobreviverão.

Comentários:
"O filme A Procura da Vingança é uma verdadeira jóia cinematográfica onde tudo funciona. A começar pelas ótimas atuações de Neeson e Brosnan, o longa vai se desenrolando num duelo pessoal entre os dois astros, já no final da Guerra Civil Americana. O "tour de force" de Liam Neeson e Pierce Brosnan, além de um ótimo roteiro, tem como pano de fundo paisagens deslumbrantes que se inicia numa floresta nevada, e passa por desertos de calor escaldante e bandidos de ocasião. O diretor ainda joga com imagens oníricas de um suposto dono de um poço (Wes Studie) e uma vendedora de elixir (Angélica Huston) que aparece do nada e no meio do deserto. O final é surpreendente e a direção é espetacular de um diretor que eu não conhecia. Aplausos de pé. Nota 9"

Telmo Vilela Jr.

quinta-feira, 24 de outubro de 2013

Lado a Lado

Filhos de casais divorciados geralmente sentem muitas dificuldades em aceitar as nova namoradas e namorados de seus pais. Essa é a situação pela qual passa a jovem fotógrafa Isabel Kelly (Julia Roberts). Torcendo para que seus pais voltem a morar juntos eles começam a hostilizar a nova madrasta, algo que a mãe deles incentiva também. Isabel porém está disposta a ganhar a confiança dos meninos mas logo perceberá que isso não vai ser nada fácil para todos os envolvidos nesse drama familiar. Quem diria que Chris Columbus já dirigiu um dia um drama como esse? A produção tenta discutir a nova realidade de muitas famílias americanas. Como o número de divórcios nos Estados Unidos (e no mundo) só faz aumentar todos os anos surgem a cada dia esse novo tipo de entidade familiar, onde as crianças precisam conviver bem com os novos companheiros de seus pais e mães. O relacionamento, como era de se esperar, nem sempre é harmonioso nesse tipo de situação. Assim a película procura mostrar os dramas (e até traumas) que podem ser ocasionados na vida familiar quando seu núcleo principal se dissolve.

"Lado a Lado" é um bom drama, com roteiro bem escrito, mas que peca em certos momentos por ter receio de se aprofundar nesse tipo de questão familiar. Fica óbvio ao espectador que o diretor tem medo de exagerar nas tintas, o que muitas vezes esvazia a mensagem que o roteiro tenta passar. Até porque vamos convir que Chiris Columbus nunca foi muito de lidar bem com material excessivamente melodramático. Ele sempre preferiu os filmes amenos, bem familiares, do tipo Sessão da Tarde. Mesmo assim é uma boa pedida para quem está vivendo ou já viveu nesse tipo de rompimento familiar. Certamente não é fácil passar por isso, principalmente se ainda é jovem demais para entender o que se passa com seu pai e sua mãe. A grande mensagem desse tipo de drama é mostrar que tudo é plenamente possível de se superar como mostra o argumento do filme. Assista para entender.

Lado a Lado (Stepmom, EUA, 1998) Direção: Chris Columbus / Roteiro: Gigi Levangie, Jessie Nelson / Estúdio: Sony Pictures / Elenco: Julia Roberts, Susan Sarandon, Ed Harris, Jena Malone / Sinopse: O filme mostra os dramas e desafios de pais divorciados em relação à aceitação de seus filhos com suas novas companheiras. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Susan Sarandon). Também indicado aos prêmios San Diego Film Critics Society Awards e BMI Film & TV Awards na categoria de Melhor Trilha Sonora (John Williams).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Desejo de Matar

Título no Brasil: Desejo de Matar
Titulo Original: Death Wish
Ano de Produção: 1974
País: Estados Unidos
Estúdio:  Dino De Laurentiis Company, Paramount Pictures
Direção: Michael Winner
Roteiro:  Brian Garfield, Wendell Mayes
Elenco: Charles Bronson, Vincent Gardenia

Sinopse: 
Paul Kersey (Charles Bronson) vê sua vida desmoronar após sua família sofrer um ataque de um grupo de criminosos insanos. Eles violentam e agridem sua jovem filha e mata sem piedade sua esposa. Após esse ato bárbaro Kersey se convence que a única forma de um cidadão se defender adequadamente desses bandidos é se armar até os dentes para responder fogo com fogo.

Comentários:
Charles Bronson passou anos de sua carreira fazendo personagens secundários. Nunca havia conquistado o status de grande astro e campeão de bilheteria até estrelar esse violento drama policial que explorava a indignação da população com o aumento da criminalidade nas grandes cidades. Sua mensagem bem clara caiu imediatamente no gosto do público e "Desejo de Matar" se tornou um grande campeão de bilheteria. Esse foi de certa forma o filme definitivo de Bronson que teria a partir daí seguido por uma linha de filmes mais violentos e com muita pancadaria. De certa forma Bronson foi um pioneiro do tipo de cinema de ação que iria imperar na década seguinte, os anos 80.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Volta dos Mortos Vivos

Título no Brasil: A Volta dos Mortos Vivos
Título Original: The Return of the Living Dead
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos
Estúdio: Hemdale Film, Fox Films
Direção: Dan O'Bannon
Roteiro: Dan O'Bannon, Rudy Ricci
Elenco: Clu Gulager, James Karen, Miguel A. Núñez Jr., Don Calfa Thom

Sinopse: 
Por simples acaso empregados de uma empresa de drogas medicinais acabam encontrando nos porões da empresa um conjunto de barris de propriedade das forças armadas americanas. Apesar de estarem lacradas e com avisos de contaminação os funcionários acabam liberando o gás dos compartimentos na atmosfera. A estranha fumaça gasosa acaba chegando em um cemitério próximo, fazendo com que todos os mortos se levantem de suas tumbas!

Comentários:
Hoje em dia filmes sobre zumbis são rotineiros. Quase toda semana temos um título novo. Na década de 80 não era bem assim. Havia a referência óbvia dos filmes de George Romero e só. Então causou certo impacto esse "The Return of the Living Dead" quando chegou aos cinemas. O grande diferencial era o humor. Ao contrário dos antigos filmes sobre o tema esse aqui usava muitas cenas de puro sarcasmo com os mortos-vivos que voltavam de suas sepulturas. Nada é levado muito à sério e talvez por isso o filme tenha ganho tantos fãs quando foi lançado. Bem humorado (mas sem deixar as cenas sangrentas de lado) "A Volta dos Mortos-Vivos" foi um grande sucesso, chegando inclusive a ganhar várias continuações, nenhuma delas tão bom quanto essa.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Loucuras de Verão

Título no Brasil: Loucuras de Verão
Título Original: American Graffitti
Ano de Produção: 1973
País: Estados Unidos
Estúdio:  Universal Pictures
Direção: George Lucas
Roteiro: George Lucas, Gloria Katz, Willard Huyck
Elenco: Richard Dreyfuss, Ron Howard, Paul Le Mat, Harrison Ford

Sinopse: 
Dois amigos se despedem da vida de colégio durante uma noite qualquer de 1962. Em breve eles irão para a universidade, entrando em uma nova fase de suas vidas. Para passar o tempo eles decidem andar de carro pela noite, dando voltas pelas redondezas, onde encontram amigos, paqueras e também rivais. Um retrato descompromissado e nostálgico da juventude americana dos anos 60.

Comentários:
O primeiro grande sucesso comercial da carreira de George Lucas. Produzido por Coppola esse foi um dos primeiros filmes a olhar com clima de nostalgia e carinho para a década de 1960 (que acabara de terminar). Com uma trilha sonora maravilhosa composta apenas de grandes clássicos do rock 'n' roll essa película é uma das mais lembradas quando se fala em filmes sobre adolescentes. Além de ter sido um marco na carreira de Lucas, "American Graffitti" também impulsionou a carreira do jovem e praticamente novato Harrison Ford que iria estrelar alguns dos filmes de maior bilheteria dos anos que viriam, como as franquias "Guerra nas Estrelas" e "Indiana Jones". Aqui seu papel é até sem importância mas isso não o impediu de se destacar no filme. Roteiro simples (o enredo se passa apenas em uma noite) mas muito eficaz e nostálgico, a produção é considerada até hoje um dos melhores filmes sobre jovens da história do cinema americano. Imperdível.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 23 de outubro de 2013

Trainspotting - Sem Limites

Título no Brasil: Trainspotting - Sem Limites
Titulo Original: Trainspotting
Ano de Produção: 1996
País: Inglaterra
Estúdio: Channel Four Films
Direção: Danny Boyle
Roteiro: Irvine Welsh, John Hodge
Elenco: Ewan McGregor, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller

Sinopse: 
Um mergulho lisérgico e alucinado no cenário de usuários de drogas na cidade de Edinburgh. Mostra o cotidiano alucinado de um grupo de jovens europeus sem grandes perspectivas em suas vidas. Para escapar do tédio e da violência do dia a dia eles resolvem experimentar diferentes tipos de drogas pesadas. O filme é um retrato da visão fora de realidade dessas pessoas.

Comentários:
Foi bastante comentado esse excelente filme do cineasta Danny Boyle. Na época de seu lançamento foram criadas duas visões diferentes sobre a proposta do filme. A primeira afirmava que era claramente uma apologia ao mundo das drogas. A segunda defendia a tese oposta que dizia que na realidade se trata de uma denúncia, utilizando uma linguagem revolucionária. De uma forma ou outra uma coisa é certa: o filme marcou bastante o cinema dos anos 90. Uma das cenas mais lembradas é a sequência em que um bebê entra nas viagens alucinógenas do protagonista. Sob efeitos de drogas ele começa a ter alucinações com a criança que inclusive chega a subir pelas paredes! Essa produção lançou a carreira do ator Ewan McGregor que a partir daí iria se tornar um grande astro em Hollywood. Produção mais do que recomendada.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Jornada nas Estrelas IV: A Volta para Casa

Título no Brasil: Jornada nas Estrelas IV - A Volta para Casa
Titulo Original: Star Trek IV: The Voyage Home
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Leonard Nimoy
Roteiro: Steve Meerson, Peter Krikes, Harve Bennett, baseados nos personagens criados por Gene Roddenberry
Elenco:  William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest Kelley, George Takei.

Sinopse: 
Uma força alienígena desconhecida que vaga pelo espaço sideral durante o século XXIII chega até o planeta Terra. Diante do caos a federação dos planetas resolve enviar a U.S.S. Enterprise para o passado, em San Francisco no ano de 1986 para investigar as raízes do problema. Ao que tudo indica há uma estreita relação entre as baleias (no futuro extintas) e as forças do universo que chegam até o nosso mundo.

Comentários:
Certamente um dos melhores filmes da série Star Trek original.  Além do bom humor o filme tem uma mensagem ecológica muito bem desenvolvida e inteligente. Dizem que os bons filmes dessa franquia sempre são os de número par (II, IV e VI) e os ruins os de número impar (I, III e V). Faz até sentido se formos comparar os filmes. O que vale porém no final das contas é a bonita mensagem ecológica envolvendo as baleias e sua preservação. Pouco depois a pesca das baleias foi proibida em várias partes do mundo, coroando ainda mais os méritos dessa produção.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Contos Proibidos do Marquês de Sade

Seu nome deu origem ao termo "Sadismo" (Prática sexual que consiste em obter prazer com a dor e o sofrimento de outra pessoa; prazer experimentado com o sofrimento alheio; crueldade extrema) Como se pode perceber o famoso (ou seria infame?) Marquês de Sade entrou para a história. Obviamente ele se tornou um personagem histórico entrando pelas portas dos fundos mas mesmo assim não é de se ignorar sua fama. O filme começa mostrando o outrora vaidoso nobre em seus últimos dias, completamente insano (provavelmente por ter contraído sífilis) e em duelo com um médico da instituição onde está internado. Assim como Casanova, o decadente marquês se notabilizou por tentar difundir na Europa uma nova forma de se praticar e obter prazer com o sexo. Geralmente misturando violência, tortura e sexo, o famigerado Sade acabou colecionando inúmeros inimigos em sua vida. Seus últimos dias foram completamente inglórios.

O maior destaque desse "Contos Proibidos do Marquês de Sade" é o ator australiano Geoffrey Rush. Ele está perfeito no papel, embora como é de se esperar de um personagem morto há tantos anos, não haja fontes seguras sobre como era ou como agia o verdadeiro Sade. Tudo o que Rush teve acesso foram os próprios escritos deixados pelo personagem. A partir deles ele então começou a construir o seu perfil. O trabalho é realmente primoroso e merece todos os elogios. Sua companheira de cena também está muito bem. Kate Winslet interpreta Madeleine 'Maddy' LeClerc e sempre que surge em cena impressiona o espectador. Como se isso fosse pouco o filme ainda apresenta um excelente elenco de apoio com nomes como Joaquin Phoenix e Michael Caine. O filme foi recebido com certas reservas mas atribuo isso ao conteúdo do material, afinal Sade não foi bem visto nem quando era vivo e nem muito menos agora, morto e retratado nessa produção. Mesmo assim esse é um filme que merece ser visto pois de fato é um ótimo retrato desse personagem realmente controverso da história.

Contos Proibidos do Marquês de Sade (Quills, EUA, 2000) Direção: Philip Kaufman / Roteiro: Doug Wright / Elenco: Geoffrey Rush, Kate Winslet, Joaquin Phoenix / Sinopse: Cinebiografia do infame Marquês de Sade, nobre europeu que ganhou notoriedade por causa de sua vida escandalosa e de seus livros considerados obscenos para a época.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Eleanor Rigby / Yellow Submarine

Ótimo single dos Beatles lançado em agosto de 1966. As duas músicas fizeram parte dos trabalhos do álbum Revolver. Como se sabe esse disco foi bastante revolucionário na sonoridade do grupo inglês pois eles procuravam romper com as amarras da música comercial jovem. De repente os Beatles procuraram por novos caminhos, com canções mais trabalhadas, arranjos complexos e letras com temas mais significativos e importantes. "Eleanor Rigby" é um exemplo disso. Paul McCartney e George Martin escreveram um lindo arranjo de cordas para a música. Não parecia em nada com uma faixa de um grupo de rock.

Era uma clara ruptura e das mais talentosas. A letra também fugia do velho estigma do "Ela ama você" e abraçava um tema mais soturno, triste até, mostrando o fim da vida das pessoas mais solitárias. Na verdade em "Eleanor Rigby" Paul narra o enterro da personagem que dá nome à música. Em seu último adeus ninguém apareceu - afirmava o talentoso Beatle. O curioso é que por muitos anos Paul afirmou que Eleanor jamais existiu, que era uma personagem puramente ficcional. Há alguns anos porém o túmulo de uma Eleanor Rigby foi encontrada em um cemitério inglês, trazendo de volta a velha polêmica se tudo era algo de ficção ou se aconteceu de verdade.

Outro aspecto muito interessante é que muitos anos depois John Lennon afirmou em entrevistas que a canção havia sido uma composição feita face a face. Paul discordou completamente da afirmação, dizendo que na verdade a contribuição de John na canção não chegou nem a uma linha de melodia sequer. Paul explicou: "Penso que John (cuja memória podia ser extremamente falha) tomou os créditos, em uma de suas últimas entrevistas, por muitas das letras, mas na minha memória 'Eleanor Rigby' foi uma 'Lennon-McCartney' clássica na qual a contribuição de John foi virtualmente nula".

Para o ouvinte de longa data não resta muitas dúvidas pois "Eleanor Rigby" é de fato uma composição que soa 100% de Paul McCartney. Já para o lado B o grupo trouxe uma faixa muito simpática, com claras tendências psicodélicas, mas com teor infantil, a conhecida " Yellow Submarine". Como em todos os discos dos Beatles eles faziam uma música para ser cantada por Ringo Starr, essa foi o presente de Paul e John para ele durante os trabalhos do disco "Revolver". Enfim, esse é um single maravilhoso, que consegue até hoje tocar nossa alma de uma forma completamente singular. Trabalho de gênios certamente.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

Elvis Presley - FTD Follow That Dream

A trilha sonora de "Follow That Dream" foi lançada em um EP (compacto duplo) em 1962 e teve um impacto modesto até mesmo para os fãs. Certamente eram canções simpáticas mas não tiveram a sorte de serem agraciadas com o sucesso. Assim depois que foram lançadas na véspera do lançamento do filme entraram em um vácuo de mercado ficando por décadas fora de catálogo. Nem mesmo nas coletâneas mais banais alguma dessas faixas foi aproveitada.

A era do CD aliviou tudo isso. Um exemplo é esse título do selo FTD que procura resgatar as faixas principais (melhoradas e remasterizadas) e os takes alternativos que sobreviveram ao desafio do tempo. Eu me recordo que assim que chegou nas mãos de colecionadores muitos reclamaram do excesso de algumas canções e falta de outras, algo normal de acontecer nesse tipo de lançamento pois é fato que nem sempre a sessão completa consegue ser preservada. Como as gravações originais eram feitas em tapes, esses ficavam à mercê do tempo e alguns se deterioraram, mofaram ou foram jogados fora por engano.

Em relação ao "FTD Follow That Dream" houve bastante críticas em relação ao excesso de takes de "Angel". Para piorar a sensação de cansaço o produtor Ernst a distribuiu entre a seleção fazendo com que o ouvinte de vez em quando tivesse que ouvir mais uma versão da canção. Se tivesse concentrado todos os takes juntos esse tipo de situação seria evitada. Já "A Whistling Tune" é um dos destaques. Como escrevi antes a música foi deliberadamente deixada de lado por anos e anos.

A RCA a considerou sem relevância. Bom, isso pode ser até verdade mas para os fãs de Elvis qualquer registro  que contenha sua voz é precioso. Passa muito longe de ser uma obra prima ou uma música que valha a pena mas de qualquer modo seu resgate histórico é muito bem-vindo. No mais é isso, ainda bem que temos aqui um CD único já que mesmo que existisse a íntegra das sessões de gravação seria muito cansativo ouvir dois CDs com repetições e mais repetições dessas canções. Seria exaustivo e nada produtivo, do jeito que está ficou de bom tamanho.

FTD Follow That Dream
1: Follow That Dream
 2: Angel
 3: What A Wonderful Life
 4: I'm Not The Marrying Kind
 5: Sound Advice
 6: A Whistling Tune
 7: Angel (1, 2)
 8: Follow That Dream (1, 2)
 9: What A Wonderful Life (2, 1)
10: A Whistling Tune (2, 3)
11: Angel (4)
12: I'm Not The Marrying Kind (2, 3, 4, 6)
13: Follow That Dream (3)
14: Sound Advice (1)
15: Angel (5)
16: What A Wonderful Life (3, 4, 5, 6)
17: Angel (6)
18: Follow That Dream (4)
19: Angel (7)
20: Angel (vocal overdubs)
21: A Whistling Tune (master com overdubs)
22: On Top Of Old Smokey

Pablo Aluísio.

terça-feira, 22 de outubro de 2013

Parkland

Grata surpresa. Assim posso definir esse Parkland. Talvez hoje em dia o assunto sobre a morte do presidente americano JFK esteja um tanto saturada mas pensando bem ainda há como tocar no assunto no cinema de uma maneira original. É o caso dessa produção de Tom Hanks. Aqui ele explora um lado pouco visto da morte do líder americano. Ao invés de ficar discutindo por horas sobre as possíveis teorias da conspiração que levaram Kennedy a ser assassinado em Dallas naquela manhã de 1963 o filme opta por revelar os bastidores da tragédia. Assim toda a trama se desenvolve em apenas 3 dias! Acompanhamos o desembargue do presidente na cidade (inclusive com uso de várias imagens reais), o almoço que lhe foi oferecido pelos políticos da região e depois o seu desfile em carro aberto pelas ruas de Dallas. Nesse ponto o primeiro aspecto curioso do roteiro: somos apresentados a Abraham Zapruder (Paul Giamatti), um cidadão comum que decide filmar a passagem de Kennedy pelas ruas. Tudo seria apenas mais uma filmagem banal se não fosse por um detalhe: foi exatamente enquanto filmava o presidente passando que ele foi alvejado pelos tiros disparados da sacada do depósito de livros por Lee Oswald.

A partir daí somos transportados para o meio do caos. O presidente é levado imediatamente para o hospital mais próximo onde os médicos, completamente surpresos, tentam salvar sua vida. Cada segundo é mostrado na tela, cada momento, cada tentativa de ressuscitamento. Detalhes que não foram vistos em filme nenhum aqui ganham ares de destaque, revelando o lado mais humano da dor pela perda do presidente. São cenas recriadas com exatidão impressionante e que deixam o espectador completamente fisgado pelos acontecimentos. Certamente o ineditismo do ponto de vista fez toda a diferença nessa produção. Para quem gosta de conhecer os grandes acontecimentos históricos em mínimos detalhes (como esse que vos escreve) certamente vai adorar Parkland. Aliás parabéns a Tom Hanks pelo belíssimo trabalho de produtor. Tudo soa muito bem realizado - a reconstituição histórica é perfeita e o elenco inteiro está acima da média. São eventos tão surpreendentes que fica complicado até mesmo acreditar que eles realmente aconteceram. Enfim, Parkland é uma aula de história que não se aprende na escola. Nota dez com louvor.

Parkland (Idem, EUA, 2013) Direção: Peter Landesman / Roteiro: Peter Landesman, baseado no livro de Vincent Bugliosi / Elenco: Paul Giamatti, Billy Bob Thornton, Tom Welling, Zac Efron, Colin Hanks / Sinopse: O filme Parkland mostra os bastidores da tragédia do assassinato do presidente JFK em 1963. Após sofrer os tiros o líder americano é enviado para o hospital Parkland em Dallas.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.