terça-feira, 30 de abril de 2013

O Demolidor

O personagem Demolidor (Daredevil no original em inglês) foi criado nos anos 60 pelo sempre genial Stan Lee, em parceria com Bill Everett. Era de fato um super-herói diferente, pois era um deficiente visual e advogado que tentava impor a ordem no caótico bairro nova-iorquino de Hell's Kitchen. Nos quadrinhos ele havia ficado cego após um terrível acidente com lixo tóxico. O fato de não enxergar por outro lado ampliou seus demais sentidos a um nível desconhecido para um ser humano normal. Tentando fazer valer a justiça a todo custo o personagem se envolvia com o chamado submundo da grande cidade. Embora tenha tido um começo promissor o Demolidor jamais conseguiu ser um personagem de ponta dentro do universo Marvel até Frank Miller (o mesmo de “Batman – o Cavaleiro das Trevas") o resgatar completamente do obscurantismo. O desenhista e escritor acabou produzindo uma série de aventuras revolucionárias com o personagem, o tornando pela primeira vez um dos mais populares da Marvel. Investindo em enredos mais adultos o Demolidor acabou renascendo das cinzas.

Esse foi justamente o material utilizado por Hollywood para trazer o herói para as telas de cinema. Foi um projeto ambicioso, com orçamento generoso, que tinha como plano virar mais uma franquia de sucesso no cinema americano. Para interpretar o personagem principal o estúdio trouxe Ben Affleck (que seria “premiado” por essa interpretação com um Framboesa de Ouro de pior ator). Elektra, personagem criada pro Frank Miller, também ganhou destaque, sendo interpretada por Jennifer Garner (que infelizmente faria um péssimo filme solo com esse papel depois). Já do lado dos vilões uma dupla de peso, Michael Clarke Duncan (como o Rei do Crime) e Colin Farrell (como o inimigo Mercenário), foram contratados. Tudo parecia ir muito bem. O filme foi lançado em 2003 mas não conseguiu virar a franquia que todos esperavam. A razão? “Demolidor” teve uma bilheteria modesta, morna, bem abaixo da expectativa do estúdio. Não é um filme ruim, longe disso, mas o fato é que o personagem parece funcionar bem melhor no mundo dos quadrinhos. Nas telas a coisa não andou tão bem. De qualquer maneira todos os anos surgem boatos de que Daredevil voltará em nova versão. Já existe até mesmo um roteiro pronto, esperando por aprovação. Será que um dia sairá do papel esse retorno? Só nos resta esperar.

O Demolidor (Daredevil, EUA, 2003) Direção: Mark Steven Johnson / Roteiro: Mark Steven Johnson, baseado no personagem criado por Stan Lee / Elenco: Ben Affleck, Jennifer Garner, Michael Clarke Duncan, Colin Farrell, David Keith, Jon Favreau, Joe Pantoliano / Sinopse: Matt Murdock (Ben Affleck) é um advogado que esconde a existência de uma identidade secreta. Durante as noites ele incorpora oDemolidor, um herói que limpa as ruas de Nova Iorque da criminalidade.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Carrie, a Estranha

Vem remake novo por aí (Deus nos ajude!) desse grande clássico moderno dos filmes de terror. “Carrie, a Estranha” marcou época por vários motivos mas principalmente por causa de seu roteiro bem trabalhado, por seu clima de tensão e desconforto e por sua refinada direção de arte que consegue mesclar o grotesco e o belo em doses generosas. Na trama conhecemos Carrie (Sissy Spacek), uma garota de 17 anos pretensamente normal que logo descobre que a escola e a vida não são fáceis. Sofrendo de bullying no colégio, a jovem e tímida Carrie acaba se tornando o alvo preferido de piadas e chacotas de seus colegas de classe – um bando de garotos e garotas sem valores morais, só interessados em si mesmo e em suas grotescas atitudes com os não populares. Para piorar o que já é bem ruim em sua vida escolar Carrie ainda tem que lidar com uma mãe fundamentalista, fanática religiosa, que não consegue pensar ou agir racionalmente. Passando pelas dificuldades da adolescência, tendo que entender sua própria sexualidade sem contar com sua mãe obsessiva (que acha que tudo é pecado) Carrie vai chegando ao seu limite.

O filme é baseado em mais um best seller de Stephen King, o mestre da literatura de terror. Como sempre ocorre King se aproveita do cotidiano de lugares tipicamente americanos para desenvolver suas tramas de terror e suspense. Em Carrie ele foi genial porque conseguiu unir os anseios da uma juventude complicada com eventos sobrenaturais, tudo com um toque que beira a genialidade. Aqui tudo funciona maravilhosamente bem, desde a direção talentosa de Brian De Palma (em uma época particularmente inspirada de sua carreira), até a interpretação na medida de Sissy Spacek no papel de Carrie. O curioso é que a famosa cena final do baile quase foi cortada da versão final pelo estúdio por ser considerada na época “sangrenta demais” (mal sabiam eles no que o cinema de terror iria se transformar nos próximos anos). Hoje em dia Carrie é considerado um pequeno clássico moderno do terror, um filme que marcou época e que está prestes a ser destruído (será mesmo?) por mais um remake oportunista! Melhor rever o original.

Carrie, a Estranha (Carrie, EUA, 1978) Direção: Brian De Palma / Roteiro: Lawrence D. Cohen, baseado no livro de Stephen King / Elenco: Sissy Spacek, Piper Laurie, Amy Irving, John Travolta,  Nancy Allen / Sinopse: Carrie é uma garota de 17 anos que sofre de todo tipo de abuso, em casa e na escola. Com poderes sobrenaturais de telecinese ela finalmente se vingará de todos quando chegar ao seu limite de tolerância.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 29 de abril de 2013

Zodíaco

O Zodíaco foi um dos mais famosos assassinos seriais da história americana. Com requintes de sadismo ele matava geralmente jovens casais que se atreviam a namorar em lugares remotos e distantes. Ao que tudo indica era um frustrado emotivo-sexual que se vingava dos pombinhos que encontrava pela frente. Outro fato que chama atenção no modo de agir do Zodíaco é que ele parecia ter uma atração doentia pela atenção da mídia, enviando cartas para jornais e para a polícia, onde usando de um texto cifrado ameaçava cometer novos crimes. Também gostava de se vangloriar de seus crimes, provocando e desafiando os investigadores a descobrirem sua verdadeira identidade. Nunca foi preso e mesmo após todos esses anos até hoje não se sabe quem foi o assassino do Zodíaco. Tudo o que diz respeito aos seus crimes segue sendo um mistério. Assim como aconteceu com Jack o Estripador, esse serial killer conseguiu escapar das garras da lei. Como é uma história em aberto (não poderia ser de outra forma) a estrutura do roteiro dessa produção não se propõe a dar uma resposta definitiva aos crimes mas sim apenas mostrar o processo de investigação dos policiais envolvidos.

Por essa razão talvez também o filme tenha desagradado a tantas pessoas. Não foram poucas as pessoas que qualificaram o filme como inconclusivo, sem final ou clímax. Burocrático também foi outro adjetivo muito usado pela crítica em relação a esse “O Zodíaco”. Eu já penso de modo bem diferente. A história real já é intrigante por si só e para quem se interesse por crimes famosos e ciência forense o roteiro traz muito conteúdo e informação. Claro que não se trata de um filme tradicional no gênero, com começo, meio e fim conclusivo. O problema é que se trata de uma obra baseada numa história real e essa não chegou ao seu final, as investigações nunca chegaram a uma solução definitiva – e por isso o filme segue essa estrutura. Não poderia ser diferente. No saldo final tudo é muito interessante, Fica assim a dica de mais esse filme sobre assassinos seriais. Por ser tão próximo dos fatos reais essa produção acabou se tornando uma das mais indicadas para quem deseja estudar a mente e os mistérios que rondam a existência desses criminosos na vida real. 

Zodíaco (Zodiac, EUA, 2007) Direção: David Fincher / Roteiro: James Vanderbilt, baseado no livro de Robert Graysmith / Elenco: Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo, Robert Downey Jr, Anthony Edwards / Sinopse: Na década de 1960 surge nos Estados Unidos um novo serial killer que se autodenomina “O Zodíaco”. Matando jovens casais de namorados, sua captura logo vira uma questão de honra para o Departamento de Polícia de San Francisco.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Transformers: O Lado Oculto da Lua

Michael Bay é certamente o cineasta mais destemperado do cinema americano atual. Não há mais limites para seus exageros. Os filmes de Bay foram crescendo em megalomania nos últimos anos até chegar em um ponto em que acredito que ele não saiba mais fazer qualquer outro tipo de filme que não seja desse tipo – onde a metade da terra é destruída numa orgia desenfreada de efeitos digitais. Aqui Bay mistura fatos históricos com pirotecnia elevada à nona potência para criar mais um blockbuster sem muita noção, mas que certamente agrada aos fãs mais jovens, principalmente aqueles viciados em videogames. Para um público que vive conectado 24 horas por dia a receita deve ser muito bem-vinda, familiar até. Na “trama” acompanhamos um rocambole que mistura missão Apollo com espaçonaves caídas na lua, segredos milenares envolvendo os Transformers, um equipamento de grande tecnologia e a luta para se apoderar de todo esse poder. Esqueça todo tipo de lógica, basta dizer que o objetivo final dos Decepticons é trazer seu moribundo planeta para cá, escravizar os bilhões de seres humanos e reviver seus dias de glória quando eram considerados “deuses”! Para frear seus planos a humanidade só conta com o apoio dos Autobots, liderados por Optimus Prime.

O enredo soa maluco demais para você? Pois é, mas no final das contas quem liga para isso? Bay sabe que coisas como roteiro, lógica e argumento inexistem em praticamente toda a sua filmografia. Ao invés disso ele investe pesadamente em efeitos digitais. Olhando sob esse aspecto realmente não há o que criticar pois “Transformers” traz o que há de mais sofisticado nesse quesito. As cenas de ação são tantas e em tal número que não é incomum o espectador perder completamente o fio da meada do que se passa na tela, no meio daquele quebra pau de metais retorcidos e aço voando para todos os lados. Não existe nenhum personagem bem desenvolvido, nem os humanos, o tal de Shia LaBeouf continua muito ruim. A correria é tamanha que nem sabemos direito o nome de seu personagem! O pior é que isso não faz a menor diferença! De bom e engraçado mesmo apenas algumas piadinhas sobre o meio corporativo das grandes empresas e as participações especiais de John Malkovich e do astronauta Buzz Aldrin mas isso é o de menos. Tudo no fundo não passa de mera desculpa para se utilizar de toneladas de efeitos especiais a todo momento. Esqueça todo o resto, o novo Transformers se resume a apenas isso mesmo. Game Over. 

Transformers: O Lado Oculto da Lua (Transformers: Dark of the Moon, EUA, 2011) Direção: Michael Bay / Roteiro: Ehren Kruger / Elenco: Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, Josh Duhamel, John Malkovich, Frances McDormand, Patrick Dempsey, Buzz Aldrin, Kevin Dunn, John Turturro / Sinopse: Após uma nave espacial cair na lua a NASA envia uma expedição para descobrir do que se trata a espaçonave. Nesse meio tempo os Decepticons planejam dominar todo o planeta Terra.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 28 de abril de 2013

O Expresso da Meia-Noite

É um dos filmes mais viscerais já realizados. Roteirizado por Oliver Stone, em inicio de carreira, “O Expresso da Meia-Noite” não procurava amenizar a realidade barra pesada que se propunha a mostrar. Na trama o ator Brad Davis interpretava um americano preso na Turquia com uma quantidade considerável de drogas. As leis daquele país sobre esse tipo de conduta se mostrariam mais duras do que ele jamais ousaria imaginar. Preso, espancado, despido de sua dignidade humana, o personagem sofre uma verdadeira viagem ao inferno dentro do sistema penitenciário turco com seus métodos bárbaros e rígidos no trato com os prisioneiros. O filme tem uma carga emocional muito pesada, mostrando em detalhes diversas torturas, espancamentos e agressões tanto físicas quanto psicológicas. O ator Brad Davis se expõe com coragem a um roteiro que não tem medo de colocar o dedo na ferida. Essa acabou sendo sua melhor atuação na carreira. Infelizmente Davis foi mais uma vítima precoce do surgimento da AIDS no mundo. Ao vê-lo em cena não podemos chegar a outra conclusão: perdeu-se realmente um grande talento dramático pois sua atuação é muito marcante. Um trabalho memorável mesmo.
    
O impacto que “O Expresso da Meia-Noite” causou na época acabou abrindo as portas de Hollywood para Oliver Stone. Embora o filme fosse dirigido pelo extremamente talentoso Alan Parker (um dos meus cineastas preferidos), Stone é quem acabou se destacando na mídia pois seu roteiro recebeu várias menções honrosas e elogios no lançamento do filme nos EUA. A história pessoal de Oliver Stone também comoveu a imprensa. Veterano do Vietnã ele admitiu em entrevistas que estava familiarizado com violações de direitos humanos por causa de sua experiência como militar americano no sudeste asiático. Chegou ao ponto de dizer que muitas das cenas mais violentas de “O Expresso da Meia Noite” eram claramente inspiradas em fatos que vivenciou no meio do conflito nas selvas vietnamitas. A conclusão a que se chega é que “O Expresso da Meia Noite” é de fato um filme forte, violento e nada pueril. Um retrato visceral de um mundo cruel e hostil que merece ser redescoberto pelas novas gerações de cinéfilos. 

O Expresso da Meia-Noite (Midnight Express, EUA, 1978) Direção: Alan Parker / Roteiro:  Oliver Stone baseado no livro escrito por Billy Hayes e William Hoffer / Elenco: Brad Davis, Irene Miracle, Bo Hopkins / Sinopse: Billy Hayes (Brad Davis) é preso transportando drogas para dentro da Turquia. Preso, torturado e violado em seus direitos humanos ele tentará de todas as formas sobreviver ao inferno do sistema penitenciário daquele país.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Hobbit

Com o sucesso espetacular da trilogia “O Senhor dos Anéis” era de se esperar que mais cedo ou mais tarde Hollywood fosse em busca de material dentro dos escritos deixados pelo autor J.R.R. Tolkien para produzir novos filmes baseados em seus livros. A solução encontrada foi adaptar, em uma nova trilogia, o romance “O Hobbit”. Adaptado pela primeira vez em 1977 para um telefilme inglês, “O Hobbit” trazia os acontecimentos que antecediam em muitos anos as aventuras que acompanhamos em “O Senhor dos Anéis”, a obra prima definitiva do escritor. A trama de “O Hobbit” é mais singela e menos pretensiosa do que a de outros textos de Tolkien. De certa forma é até um ensaio da grande obra que marcaria para sempre sua bibliografia. Todos os elementos que fizeram de “O Senhor dos Anéis” tão marcante já podem ser encontrados nesse texto, embora em menor escala. Aqui acompanhamos a rotina de Bilbo (Martin Freeman), um hobbit que leva uma vida mansa e pacifica em seu condado. Sua existência bucólica porem sofre uma completa reviravolta quando o mago Gandalf (Ian McKellen) chega em seu jardim para lhe perguntar se ele estaria interessado em viver uma grande aventura. Mesmo não mostrando nenhum entusiasmo na idéia, pelo contrário, a rejeitando completamente, Gandalf não desiste e em pouco tempo começam a chegar vários anões em sua pequenina casa! Todos fazem parte de uma pretensa companhia ou irmandade que tem como objetivo adentrar o antigo reino dos anões, Erebor, que agora se encontra dominado por um dragão feroz e milenar. Em jogo há inúmeras riquezas e a oportunidade de trazer de volta o antigo lar dos anões.

Muito se falou sobre “ O Hobbit” desde que o projeto foi anunciado. A internet ferveu com especulações e ataques de ansiedade, o que deve ter deixado o diretor Peter Jackson duplamente atarefado (realizando o filme e desmentindo muitos dos boatos sem fundamento que surgiam a cada semana). Todos queriam reencontrar nas telas os seus personagens preferidos. A conclusão pura e simples que chegamos após assistir a esse “O Hobbit” é que se trata realmente de mais um belo exemplar do talento de Jackson atrás das câmeras. Embora o livro original em que se baseia seja bem mais simples do que “O Senhor dos Anéis” Peter Jackson conseguiu novamente realizar um trabalho bonito de se ver, tecnicamente perfeito, onde tudo se encaixa maravilhosamente bem. “O Hobbit” tem excelentes seqüências e um roteiro redondinho que não cansa o espectador apesar de suas quase três horas de duração. Além disso marca a volta aos cinemas de personagens queridos dos fãs como o Mago Gandalf, Gollum (em ótima seqüência ao lado de Bilbo nas profundezas escuras de uma montanha) e claro todo o restante do universo muito rico e carismático da Terra Média com seus elfos, hobbits, anões e orcs! Claro que não se pode comparar ao impacto da trilogia original pois naqueles primeiros filmes tudo soava como novidade mas é inegável que Jackson conseguiu novamente entregar um filme muito bom, que não passa uma sensação de desgaste ou esgotamento sobre todo esse material. Dito isso não teria muito o que criticar aqui – achei o resultado acima das expectativas para falar a verdade. Embora não seja especialista nessa mitologia sempre gostei bastante desses filmes. Penso que Peter Jackson é um cineasta honesto que está trabalhando com algo que realmente gosta, e isso faz toda a diferença do mundo. Que venham os novos filmes dessa nova trilogia. Os fãs da Terra Média certamente agradecem.

O Hobbit – Uma Jornada Inesperada (The Hobbit: An Unexpected Journey, EUA, 2012) Direção: Peter Jackson / Roteiro: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro, baseados no livro “O Hobbit” escrito por J.R.R. Tolkien / Elenco: Ian McKellen, Martin Freeman, Richard Armitage, Christopher Lee,  Ken Stott / Sinopse: Um grupo formado por anões, um mago e um hobbit tentará adentrar uma montanha isolada onde em um passado glorioso os anões construíram seu último grande reino na Terra Média. Agora dominado por um feroz dragão o lugar guarda muitos perigos e aventuras para todos aqueles que se atrevem a entrar em seus domínios.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 27 de abril de 2013

O Silêncio dos Inocentes

Outro filme ícone sobre serial killers foi esse excelente “O Silêncio dos Inocentes”. Aqui temos um roteiro mais cerebral que investe muito mais no choque de personalidades entre a agente do FBI Clarice Sterling (a sempre ótima Jodie Foster) e o psicopata Hannibal Lecter (Anthony Hopkins, no papel de sua vida). Um dos grandes trunfos do roteiro é o próprio desenvolvimento do personagem Hannibal. Sujeito culto, inteligente, apreciador de boa música e artes, ele aparenta ser uma pessoa de fino trato. Por baixo de sua elegância e sofisticação porém se esconde um predador frio e cruel, capaz de cometer as maiores barbaridades com suas vítimas. Hannibal assim se revela como uma síntese da personalidade de muitos psicopatas e assassinos em série da vida real pois muitos deles são exatamente como o personagem retratado no filme, pessoas acima de qualquer suspeita, educados, elegantes no trato social mas verdadeiras feras insanas quando finalmente conseguem colocar as mãos em suas presas.

Anthony Hopkins já tinha muita bagagem quando foi escalado para dar vida ao psicopata Hannibal. Ator de muito talento já tinha garantido seu espaço na história do cinema com obras realmente marcantes mas foi apenas com esse personagem que ele conseguiu se tornar conhecido do grande público. A partir de “O Silêncio dos Inocentes” se tornou um astro de primeira grandeza, capaz inclusive de estrelar outros blockbusters do cinema americano. Já Jodie Foster já era bem conhecida do público. Na realidade ela cresceu na frente das câmeras, conseguindo fazer a complicada transição de atriz mirim para uma carreira adulta. Talentosa atriz e também cineasta de mão cheia ela quase não entrou no filme pois estava envolvida em tantos projetos paralelos na época que sentiu que essa personagem não traria muito para sua carreira. Apenas por amizade ao diretor Jonathan Demme resolveu aceitar o papel. A chance de contracenar com Hopkins também pesou em sua decisão de participar do filme. Curiosamente, apesar de todo o sucesso de bilheteria de “O Silêncio dos Inocentes”, Jodie nunca mudou de opinião sobre seu trabalho aqui. Em entrevistas esclareceu que achou uma experiência válida mas que não acredita que o filme tenha trazido muito para sua carreira com um todo. De uma forma ou outra fica a recomendação dessa produção que realmente marcou época e segue sendo um dos melhores retratos de criminosos seriais da história do cinema.

O Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs, EUA, 1991) Direção: Jonathan Demme / Roteiro: Ted Tally, baseado no romance escrito por Thomas Harris / Elenco: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Lawrence A. Bonney, Kasi Lemmons / Sinopse: Uma agente do FBI tenta contar com a colaboração de um infame psicopata preso para tentar encontrar o rastro de um serial killer à solta na sociedade. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor (Jonathan Demme), Melhor Atriz (Jodie Foster), Melhor Ator (Anthony Hopkins) e Melhor Roteiro Adaptado (Ted Tally).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Hora do Espanto 2

Alguns filmes são tão bons e tão especiais que não precisam de seqüência. Seus enredos já são perfeitamente fechados em si, não havendo nenhuma razão racional para se levar em frente o tema. Foi o caso de “A Hora do Espanto”, considerado por muitos um dos melhores filmes de terror da década de 80. Infelizmente como se tornou um grande sucesso acabou virando também vítima de seu próprio êxito. O enredo de “A Hora do Espanto” era esperto, bem conduzido e único. Foi então que resolveram tentar apostar no grande sucesso do filme original para a produção dessa continuação desnecessária, sem qualquer charme ou razão plausível de existência. A trama e o roteiro eram tão oportunistas e picaretas que deixaram muitos fãs do primeiro filme completamente envergonhados. Não havia uma boa estória e nem um gancho para levar adiante tudo. Criaram uma nova vampira que seria supostamente a irmã do vampiro do primeiro filme (que vergonha meu Deus!), tudo embalado com efeitos especiais ruins e atuações medíocres.

Desnecessário esclarecer que “A Hora do Espanto II” foi um desastre em todos os aspectos. A tal vampira que surgia nesse enredo tão batido (Ele estava em busca de vingança?! Que novidade!!!) foi interpretada pela fraca atriz Julie Carmen que simplesmente não consegue dizer a que veio durante todo o filme. A intenção do roteiro era transformar essa personagem numa criatura da noite sensual e perigosa, uma versão feminina e barata do personagem feito por Chris Sarandon no primeiro filme. Bom, isso ficou apenas na intenção mesmo pois os resultados se mostraram muito ruins. A atriz falha em ser sensual e voluptuosa, se tornado ao invés disso apenas caricata, com muitas caras e bocas, sem esquecer é claro daqueles terríveis penteados armados da década de 80. Hoje soa tudo ridículo. Curiosamente no time dos vampiros malvados quem acabou se destacando foi um personagem secundário, Bozworth (Brian Thompson), um vampiro gourmet, apreciador de insetos nojentos que os devora como se fossem iguarias finas. Antes de comer ainda os cita pelo seu nome cientifico! Nonsense? Claro que sim, porém a coisa mais sem sentido mesmo em “A Hora do Espanto II” é a sua própria existência. Fuja desse filme como um vampiro foge da cruz!

A Hora do Espanto 2 (Fright Night 2, EUA, 1988) Direção: Tommy Lee Wallace / Roteiro: Tom Holland, Tim Metcalfe / Elenco: Roddy McDowall, William Ragsdale, Traci Lind, Julie Carmen, Brian Thompson / Sinopse: Após os acontecimentos do primeiro filme a dupla formada por Peter Vincent (Roddy McDowall) e Charley Brewster (William Ragsdale) se vê novamente às voltas com novos vampiros que agora estão sedentos não apenas de sangue mas de vingança também.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

Rocky III

“Rocky III” foi uma produção nitidamente de transição dentro da série de filmes sobre o boxeador mais famoso do cinema. Aqui já não se vê mais a preocupação de Stallone em desenvolver profundamente os personagens e nem a trama. Na verdade esse filme seria mais pop, mais centrado na luta em si do que em qualquer outro aspecto. É certo que “Rocky III” não é tão pop quanto “Rocky IV”, o filme pop por excelência da franquia, mas mesmo assim se formos comparar com os dois primeiros filmes a diferença será logo notada. Dessa vez o grande antagonista é novamente um boxeador negro, com cara de poucos amigos e sedento pela fama e glória de ser o número 1. Interpretado pelo carismático Mr. T (da série de TV de sucesso “Esquadrão Classe A”), o personagem James "Clubber" Lang em certos aspectos lembrava e muito a arrogância e o jeito abusado de ser de um dos mais famosos lutadores da história, Cassius Clay. Embora Stallone nunca tenha admitido isso o fato é que tudo leva a crer que Clubber nada mais seja do um espelho de Clay em seus tempos áureos.

O roteiro se concentra nas lutas – todas excelentes e extremamente bem coreografadas. Stallone em excelente forma física e no auge da carreira resolveu apostar também em outros aspectos do filme, um deles a sua trilha sonora. Comprou os direitos da música "Eye of the Tiger" do Survivor e a lançou em single que virou um hit instantâneo, se tornando a canção definitiva do personagem até os dias de hoje. Tão marcante se tornou que conseguiu até mesmo ser nomeada ao Oscar na categoria “Melhor Canção Original”, perdendo infelizmente para outro também enorme sucesso daqueles anos, a marcante "Up Where We Belong" de “A Força do Destino” (An Officer and a Gentleman). A nota triste é que alguns dos personagens mais marcantes da série também deram adeus aqui em “Rocky III”. Mas isso é o de menos, o que vale mesmo aqui é ver as ótimas seqüências de boxe, tudo embalado ao som da imortal música do “Olho do Tigre”.

Rocky III – O Desafio Supremo (Rocky III, EUA, 1982) Direção: Sylvester Stallone / Roteiro: Sylvester Stallone / Elenco: Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, Burgess Meredith, Mr. T / Sinopse: Rocky Balboa (Stallone), o campeão de pesos pesados, resolve finalmente se aposentar. Após anunciar sua decisão surge um novo desafiante, um pugilista negro arrogante e ofensivo chamado Clubber Lang (Mr. T) que desafia Rocky publicamente para uma última e decisiva luta pelo título mais importante da categoria do boxe mundial.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 26 de abril de 2013

Blade

Já que os personagens de quadrinhos estão em alta ultimamente no mundo do cinema que tal relembrar de um dos mais improváveis sucessos desse universo? Se trata de “Blade”, personagem de segundo escalão que nunca conseguiu se destacar nem nas revistas em quadrinhos. Também pudera, se tratava de um herói incomum, meio homem, meio vampiro, um morto-vivo amaldiçoado que habitava o universo do submundo em plena década de 70. Tudo muito exagerado, gore e sujo. Blade era uma espécie de vira-lata no meio do panteão Marvel com todos aqueles heróis virtuosos e cheios de moralidade Made in USA. Ele não era alto, loiro e nem bonitão, pelo contrário era um personagem negro, feio e com cara de poucos amigos. Uma mudança de paradigma certamente. Blade era nitidamente encarado como um recurso de último mão, vindo do gueto, quando não havia mais nenhuma outra estória para publicar nas revistas – quase um tapa-buraco mesmo. Talvez por ser tão sem importância o anúncio de seu filme tenha causado tanta surpresa na época. Se por um lado isso era ruim também era bom pois dava muito mais liberdade para os realizadores, sem aquela legião de leitores “especialistas” pegando no pé o tempo todo!

Os vampiros hoje estão na moda mas “Blade” foi realizado muitos anos antes disso. Era uma produção modesta com nenhuma pretensão de se tornar um blockbuster. Se desse um pequeno lucro já estava de bom tamanho. Os efeitos eram em pequeno número e serviam basicamente à estória, ao enredo e não o contrário. Para o papel principal o ator Wesley Snipes foi contratado. Ele estava longe de ser um astro e sua carreira era formada basicamente por filmes de ação de segunda linha que faziam mais sucesso no mercado de vídeo do que nas salas de cinema. O curioso de tudo é que quando chegou nas telas “Blade” começou a surpreender. Foi alcançando posições e mais posições entre os mais vistos e em pouco tempo estava desbancando grandes produções de estúdios rivais. De fato olhando para trás “Blade” é de certa forma o grande responsável pelo boom de adaptações dos personagens Marvel que viria a seguir. Ele mostrou que havia todo um mercado ávido em consumir os personagens desse universo. Seu sucesso abriu as portas para o Homem de Ferro, o Capitão América, Thor e todos os demais. Quem diria que um vampiro underground conseguiria realizar tal feito? Então se você está hoje assistindo ao novos filmes da Marvel agradeça a ele, ao Blade!

Blade, O Caçador de Vampiros (Blade, EUA, 1998) Direção: Stephen Norrington / Roteiro: David S. Goyer / Elenco: Wesley Snipes, Kris Kristofferson, Stephen Dorff / Sinopse: Blade, um sujeito dividido entre o mundo dos homens e dos vampiros precisa deter uma nova ameaça que vem diretamente das trevas para o mundo dos vivos. Agora ele lutará para sobreviver ao caos que se instala.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Seven

Filmes sobre psicopatas geralmente costumam ser muito bons, principalmente quando o roteiro explora a mente desses assassinos de forma inteligente e original. É uma longa tradição em Hollywood a produção desse tipo de filme, basta lembrar do clássico “Psicose” do mestre Hitchcock para entender bem esse aspecto. Aqui em “Seven – Os Sete Crimes Capitais” temos um exemplo mais recente de uma obra cinematográfica que aborda o tema de forma maravilhosamente bem executada. Embora conte em seu elenco com um jovem Brad Pitt a verdade pura e simples é que a grande estrela de “Seven” é seu roteiro muito bem trabalhado e estruturado. Na trama um serial killer mata suas vítimas com requintes de crueldade, tentando reviver nas mortes os chamados sete pecados capitais, a saber: Luxúria, Gula, Preguiça, Ira, Inveja, Cobiça e Vaidade. Em cada assassinato o psicopata deixa sua marca, numa clara tentativa de punir suas vitimas por serem pecadores desses sete pecados capitais.

Para investigar as mortes é designada uma dupla de policiais, formada pelo veterano tenente William Somerset (Morgan Freeman) e pelo novato detetive David Mills (Brad Pitt), jovem e explosivo tira com sede de novas experiências. O roteiro, muito bem escrito, explora um dos tipos de serial killers mais interessantes que existem para a dramaturgia, os chamados “assassinos religiosos” que geralmente encontram base para seus crimes em textos litúrgicos, onde imprimem uma interpretação mais do que pessoal ao que lêem nesses livros. A direção de arte é um dos grandes trunfos de “Seven” pois todas as cenas dos crimes mais parecem quadros macabros da mente do assassino. No fundo é apenas uma das várias assinaturas que o cineasta David Fincher vai deixando pelo caminho. Um dos últimos diretores realmente autorais do cinema americano da atualidade, Fincher faria sua obra prima alguns anos depois em “Clube da Luta”. Assim fica a recomendação de “Seven” um filme inteligente e perturbador nas medidas certas. Grande momento do chamado filão de filmes sobre assassinos em série.

Seven – Os Sete Crimes Capitais (Se7en, EUA, 1995) Direção: David Fincher / Roteiro: Andrew Kevin Walker / Elenco: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow / Sinopse: Assassino em Série começa a executar suas vítimas usando como modelo os sete pecados capitais. Cada um dos crimes procura reproduzir as sete infrações religiosas. Para descobrir a autoria dos assassinatos dois policiais, um veterano e um novato, entram em campo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 25 de abril de 2013

Inferno Vermelho

Durante décadas os russos foram os vilões preferidos dos filmes americanos. Não é de se admirar uma vez que o mundo vivia a Guerra Fria onde o mundo era basicamente dividido entre o bloco ocidental capitalista liderado pelos Estados Unidos e o bloco oriental comunista liderado pela União Soviética (formada pela Rússia e vários pequenos países satélites). Esse quadro começou a mudar com a subida ao poder de Mikhail Gorbachev que promoveu uma série de mudanças em seu país, levando finalmente ao desmantelamento daquele regime em 1989 com a queda do Muro de Berlim. Esse clima de novos ares acabou sendo captado por filmes como esse “Inferno Vermelho” que já não via os russos como vilões sem alma, muito pelo contrário, o roteiro do filme colocava o astro austríaco como um policial soviético chamado Ivan Danko (Arnold Schwarzenegger) que trabalhava em cooperação com o tira americano (interpretado pelo ator e comediante James Belushi) com o objetivo de prender um perigoso assassino e traficante russo.

O personagem interpretado por Arnold Schwarzenegger surgia como um policial soviético austero, disciplinado mas longe da caracterização de vilão, papel que era sempre reservado para personagens vindos de Moscou nos filmes americanos da época. Como não poderia deixar de ser o policial interpretado por James Belushi era um clichê ambulante baseado naquela visão um tanto quanto boba que os americanos tem de si mesmos. Um sujeito boa praça, chegado numa piada, sempre mascando chicletes, ou seja, o extremo oposto do russo feito por Arnold Schwarzenegger. De qualquer modo, mesmo com todos os clichês possíveis e imagináveis, “Inferno Vermelho” se revelou um bom filme de ação e o mais importante de tudo, com roteiro bem antenado com o que acontecia no mundo naquele momento. O diretor Walter Hill já havia trabalhado em bons filmes como “Ruas de Fogo”, “48 Horas” e “A Encruzilhada” e manteve o bom nível técnico aqui. Enfim, “Inferno Vermelho” é certamente uma fita de ação dos anos 80 que não irá decepcionar os fãs do estilo. Se ainda não assistiu não deixe de conferir.

Inferno Vermelho (Red Heat, EUA, 1988) Direção: Walter Hill / Roteiro: Walter Hill, Harry Kleiner / Elenco: Arnold Schwarzenegger, James Belushi, Peter Boyle / Sinopse: Dois policiais, um soviético (Arnold Schwarzenegger) e um americano (James Belushi), unem forças para colocar na prisão um perigoso assassino e traficante russo que se encontra solto pelas ruas de Chicago.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Linha de Ação

Título no Brasil: Linha de Ação
Título Original: Broken City
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Allen Hughes
Roteiro: Brian Tucker
Elenco: Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta-Jones, Jeffrey Wright
  
Sinopse:
O prefeito Hostetler (Russell Crowe) anda desconfiado de sua jovem esposa. Ele tem até bastante razão para desconfiar dela, que parece ter um relacionamento com ele apenas por causa do status e dinheiro do político. Para confirmar suas suspeitas ele contrata os serviços do detetive particular Billy Taggart (Mark Wahlberg) para seguir os passos de sua esposa infiel, o que dará inicio a uma série de eventos perigosos e mortais.

Comentários:
Detetives sempre renderam excelentes filmes ao longo dos anos. Pena que esse “Linha de Ação” não confirme a regra. É uma produção que não deixa de ser boa, mas fica longe de ser excepcional. O filme narra a vida do detetive particular Billy Taggart (Mark Wahlberg). Ex-membro do Departamento de Polícia de Nova Iorque ele agora ganha a vida espionando esposas infiéis e trapaceiros em geral. Em crise por causa da falta de pagamento de muitos de seus clientes, Billy parece tirar a sorte grande quando o próprio prefeito da cidade (Russel Crowe) o contrata para seguir os passos de sua esposa (interpretada por Catherine Zeta-Jones). O astuto político não parece muito preocupado com a traição em si mas sim na possibilidade de vir a ser o centro de um grande escândalo de teor pessoal o que poderia arruinar sua carreira política. E como todos sabemos isso é apenas o começo de uma intrigada rede que envolverá algo bem maior, inclusive assassinato. A primeira coisa que chama a atenção em “Linha de Ação” é a presença do astro Russel Crowe no papel de um político enfadonho e traído. Parece que a carreira de Crowe está mesmo chegando em um impasse pois em seus dias de glória ele jamais aceitaria interpretar um personagem coadjuvante para um ator como Mark Wahlberg que, diga-se de passagem, nunca teve o mesmo status em sua carreira do que Crowe. A fita é um mediano thriller de suspense e ação que serve muito bem aos seus propósitos de entreter o espectador. Não se trata de nenhuma obra prima policial e nem muitos menos de um filme que será lembrado com muita frequência no futuro, mas mesmo assim merece a recomendação. “Linha de Ação”, apesar de não ser marcante, não se torna em nenhum momento um desperdício de tempo do público.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Homem de Ferro 3

Filmes de número 3 sempre são problemáticos. Há uma certa tradição em dizer que geralmente são os piores de várias trilogias (com raras exceções). Infelizmente “Homem de Ferro 3” vem para confirmar essa regra! Poucos pensariam que um filme tão equivocado fosse feito após o sucesso de público e crítica de “Os Vingadores”. A impressão porém é que a Marvel, completamente entupida de dólares, esqueceu de caprichar no produto, entregando praticamente qualquer coisa para os fãs de quadrinhos consumirem. “Homem de Ferro 3” erra em muitos aspectos mas o pior deles é seu roteiro que preguiçosamente tenta dar alguma agilidade a várias cenas de ação mal explicadas que passam a sensação de pura embromação (o espectador ficaria assim distraído do argumento capenga da produção). Outro problema muito visível é a atuação de Robert Downey Jr como Tony Stark. Esse ator tem que sempre estar em rédeas curtas pois caso contrário seus maneirismos e atitudes bobas dominam a cena.
   
Em “Homem de Ferro 3” ele está fora de controle. Como toda celebridade que se preze o astro interferiu em muitos aspectos do roteiro inserindo uma quantidade enorme de piadas sem graça em cada momento. Em certa altura o espectador começa a questionar se está assistindo a um filme de super-herói ou uma comédia boboca cheia de “cacos” inseridos pelo ator principal. Outro problema muito sério desse filme: nenhuma adaptação de quadrinhos funciona sem um grande vilão por trás. Esse aliás sempre foi o segredo do sucesso de todos os filmes da franquia Batman. Infelizmente o Homem de Ferro sempre foi carente nesse aspecto (até nos quadrinhos) e aqui o problema se repete. O tal de Mandarim mais parece um palhaço do que um antagonista de verdade. Fazer de sua participação uma mera escada cômica é seguramente um enorme equívoco. Em suma, “Homem de Ferro 3” é uma terceira seqüência digna de Hollywood: preguiçosa, com atuações negligentes, sem novidades e esbanjando sinais de cansaço por todos os lados. Melhor encerrar a franquia por aqui.

Homem de Ferro 3 (Iron Man 3, EUA, 2013) Direção: Shane Black / Roteiro: Shane Black, Drew Pearce / Elenco: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Guy Pearce, Ben Kingsley, Paul Bettany, Rebecca Hall / Sinopse: O milionário industrial Tony Stark (Robert Downey jr) tem que enfrentar um novo vilão ao mesmo tempo em que tenta lidar com inúmeros problemas pessoais e profissionais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

The Bridge

Título no Brasil: The Bridge
Título Original: The Bridge
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: FX
Direção: Gwyneth Horder-Payton, Alex Zakrzewski
Roteiro: Elwood Reid, Björn Stein, Meredith Stiehm
Elenco: Diane Kruger, Demian Bichir, Annabeth Gish

Sinopse: 
O corpo de uma mulher é encontrado na linha que separa a fronteira entre Estados Unidos e México. Inicialmente o caso fica sob jurisdição da polícia de El Paso mas depois que se descobre que na verdade são pedaços de duas mulheres diferentes, uma americana e uma mexicana, a solução do crime passa a ser de competência tanto da polícia dos Estados Unidos como da do México.

Comentários:
Nova série do canal FX (uma subsidiária dos estúdios Fox) que tem feito grande sucesso na TV americana. A premissa é interessante pois coloca dois estilos de investigação bem diferentes (a americana e a mexicana) tentando solucionar o caso. A policial de El Paso é uma mulher com alguns problemas de comportamento, com tendências de sofrer de transtorno obsessivo compulsivo. Já o policial mexicano é um veterano que não está muito empenhando em descobrir ou ir a fundo no crime (na verdade a polícia mexicana é retratada na série da pior forma possível, como um bando de sujeitos que não estão nem aí com a explosão da violência que assola seu país). "The Bridge" na verdade é um remake (pensou que só no cinema acontecia esse tipo de coisa?) de uma série européia de grande sucesso. O grande diferencial é que aqui o foco se transfere para explorar as diferenças culturais existentes entre dois países tão diferentes quanto Estados Unidos e México. Apesar do olhar preconceituoso em certos momentos o programa certamente vale a pena, confirmando mais uma vez a explosão de criatividade que impera nas séries americanas atualmente.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 24 de abril de 2013

O Implacável

O filme é um remake de um antigo filme estrelado por Michael Caine em 1971 chamado “Carter, o Vingador”, que por sua vez foi baseado no livro “Jack´s Return Home” de autoria de Ted Lewis. Na trama o mafioso de Las Vegas Jack Carter (Sylvester Stallone) volta para sua cidade natal para acompanhar os funerais de seu irmão. Chegando lá ele acaba descobrindo que a morte não foi acidental mas sim uma execução. O que parecia um acidente na verdade foi um assassinato. A partir desse ponto Carter começa a ligar os fios da história da morte de seu irmão para chegar na identidade dos verdadeiros assassinos, iniciando uma onda de violência e vingança que parece não ter mais limites. “O Implacável” foi uma clara tentativa de levantar a carreira de Stallone que parecia ter perdido o brilho para seus grandes êxitos de bilheteria do passado. Infelizmente não deu certo e o resultado foi decepcionante, não conseguindo sequer recuperar seu investimento, seu custo, um verdadeiro fracasso comercial.

Aqui Stallone está em cena com um cavanhaque fora de moda em atuação muito fraca, realmente inexpressiva, se limitando a distribuir socos e pontapés por onde passa. Mickey Rourke volta a ser vilão em um filme de ação. O personagem de Rourke, Cyrus, não é muito relevante. Aqui ele é o antagonista para o astro Sylvester Stallone. Como seu personagem não era central ele pelo menos foi poupado de ser acusado de ser o culpado por mais esse fracasso em sua filmografia. Na época eram apenas dois astros da década de 80 tentando reencontrar o rumo do sucesso. Eles só voltariam a dar a volta por cima alguns anos depois. O curioso é saber que esse roteiro tão derivativo e sem imaginação foi escrito por um bom roteirista, David MacKeena, do excelente “Um Outra História Americana”. Pelo jeito nem sempre a união de estrelas, bons roteiristas e direção promissora resulta necessariamente em bons filmes.

O Implacável (Get Carter, EUA, 2000) Direção: Stephen Kay / Roteiro: David McKenna / Elenco: Sylvester Stallone, Miranda Richardson, Rachael Leigh Cook, Alan Cumming, Mickey Rourke, Michael Caine / Sinopse: Mafioso de Las Vegas descobre que o irmão não morreu em um acidente como foi levado a crer. Agora partirá para sua vingança pessoal contra os responsáveis pela morte dele.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 23 de abril de 2013

Glória Feita de Sangue

Provavelmente seja o melhor filme já realizado enfocando a I Guerra Mundial. Esse foi um conflito terrível onde as batalhas eram travadas por meses a fio, sem movimentação, em trincheiras imundas e enlameadas onde as tropas literalmente apodreciam de doenças e frio enquanto os oficiais do alto comando viviam em ambientes luxuosos, verdadeiros palacetes, se auto reverenciando com suas medalhas sem honra. Stanley Kubrick criou uma obra prima a partir de uma estória até mesmo simples mas muito significativa. Na trama uma ordem sem qualquer base na realidade é passada entre os oficiais sedentos por novas condecorações e promoções. A meta é tomar uma posição praticamente inexpugnável em uma colina íngreme e fortemente defendida pelo exército inimigo. O grande Kirk Douglas interpreta o Coronel francês Dax que acaba tendo que cumprir as ordens provenientes de dois generais sem qualquer contato com a realidade do front. Ele sabe que o ataque é impossível em vista da situação de seus homens mas tem que ir em frente para cumprir as ordens de seus superiores.

Na hora do ataque uma parte dos soldados franceses simplesmente se recusa a avançar por ser um ato praticamente suicida. Em vista disso uma corte marcial é instaurada, com soldados inocentes sendo levados para a pena capital como meros bodes expiatórios. Stanley Kubrick, de forma genial, expõe as vísceras do exército francês durante o conflito. Generais insanos, embriagados em sua própria glória infame, tenentes covardes, soldados abandonados à própria sorte e um Coronel tentando a todo custo trazer de volta a verdadeira honra para as fileiras de um alto comando condenado do ponto de vista moral. O roteiro é um primor e foge completamente da fórmula dos filmes da época, evitando sempre cair na armadilha fácil e boba do patriotismo ufanista, erguendo ao invés disso uma bandeira de realismo que soa completamente revolucionária para os filmes de guerra daqueles anos. No final não sobra pedra sobre pedra. O filme no fundo mostra a pior situação que um bom soldado pode se encontrar numa guerra, quando seu comando é completamente inepto e enlouquecido. Um filme muito atual e completamente essencial para quem gosta do gênero. Obra prima certamente.

Glória Feita de Sangue (Paths of Glory, EUA, 1957) Direção: Stanley Kubrick / Roteiro: Stanley Kubrick, Calder Willingham / Elenco: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou / Sinopse: Durante a Primeira Guerra Mundial um General francês almejando subir ainda mais na hierarquia militar promove um ataque suicida sem qualquer possibilidade de sucesso. O desastre acaba levando alguns soldados à corte marcial acusados injustamente de covardia. Para defende-los um Coronel ético e idealista tenta evitar que sejam executados por não terem levado em frente aquelas ordens superiores sem qualquer base na realidade do front.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Amor

Esse é um filme muito humano, muito digno, que retrata os últimos dias de vida em comum do casal formado por Anne (Emmanuelle Riva) e Georges (Jean-Louis Trintignant). São músicos talentosos, pianistas, intelectuais, que vivenciam a velhice, as doenças e os problemas inerentes à sua idade. O filme adota um tom melancólico, triste, em que a câmera do diretor atesta a decadência física dos protagonistas que vão aos poucos tomando consciência do fim mas que se recusam a perder a dignidade, mesmo sob condições completamente adversas. A filha é também uma música erudita, como os pais, mas mantém uma vida independente e também distante deles. A família que sempre adotou uma postura racional e até mesmo distante sente o peso da nova situação quando a mãe Anne sofre um grave acidente que lhe coloca em risco sua vida. A partir daí os laços emocionais e afetivos da família são colocados à prova.

O diretor Michael Haneke, com raro talento, conseguiu captar toda a sensibilidade que o tema exige e extraiu de seus atores atuações simplesmente perfeitas. De fato esse é um dos poucos filmes que assisti recentemente que conseguiram lidar com os desafios próprios da terceira idade de seus personagens com o devido respeito e sensibilidade. O roteiro foge da armadilha fácil de cair em um dramalhão pesado para propor uma reflexão mais profunda sobre os caminhos da vida e os lugares para onde um dia todos nós iremos. Por essa razão não é surpresa nenhuma a coleção de prêmios e indicações que o filme vem recebendo desde o seu lançamento. Além de ter vencido o Oscar de Mlehor filme estrangeiro também recebeu indicações nas categorias de Melhor Filme, Atriz (Emmanuelle Riva), Diretor e Roteiro Original. Também se tornou vencedor na categoria de Melhor Filme Estrangeiro no Globo de Ouro, Bafta e César (O Oscar do cinema francês). Assim fica a dica mais do que preciosa: “Amor”, um filme delicado, especialmente indicado para pessoas sensíveis e emotivas.

Amor (Amour, França, 2012) Direção: Michael Haneke / Roteiro: Michael Haneke / Elenco: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud / Sinopse: “Amor” narra os desafios, lutas e batalhas de um casal de idosos na terceira idade.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

segunda-feira, 22 de abril de 2013

Drogas S.A.

Sempre gostei bastante dos programas e documentários do canal National Geographic e isso não é de hoje. Eu me recordo bem que o selo foi um dos pioneiros no lançamento de documentários em nosso país. Na época do mercado de vídeo VHS não existia ainda o advento dos canais a cabo e as fitas lançadas pela National Geographic eram praticamente a única opção para se assistir a algo com mais conteúdo e cultura. Agora já temos no conforto de nossas casas o canal Nat Geo em que programas e documentários de alto nível são exibidos diariamente. Entre tantos eu destaco essa série chamada “Drogas S.A”. Os produtores desse programa se propõem a expor o lado mais disseminado das drogas dentro da cultura americana, mostrando o lado mais comercial, sem freios ou regras, que impera entre traficantes, usuários e o departamento de repressão do governo americano, o DEA. Existem programas temáticos – como por exemplo aqueles que mostram uma droga especifica como cocaína, maconha, heroína, etc – ou então que mostram a situação das drogas em determinadas cidades americanas.

Desse último tipo eu chamo a atenção para os episódios que mostram as drogas em Hollywood e em Las Vegas. Para quem cresceu amando filmes americanos é muito chocante ver a realidade das ruas próximas aos famosos letreiros de Hollywood. Muitos moradores de rua, prostitutas baratas e viciados em drogas. A chamada calçada da fama – onde estão os nomes dos grandes ídolos do cinema do passado e do presente – nada mais é do que uma rua decadente localizada numa área barra pesada nos arredores de Los Angeles. O documentário mostra um veterano da guerra do Vietnã que pede esmolas no local para turistas para depois comprar crack com o dinheiro que as pessoas lhe dão. Em outro momento um sem-teto viciado em metafentamina (a droga dos pobres, muito popular hoje nos EUA) monta sua barraca a poucos metros do famoso letreiro. Ele vive nas colinas de Hollywood HIlls, passa fome, mas não deixa de adquirir suas drogas diárias. Muitos dos que perambulam pelas ruas são pessoas que foram até Hollywood em busca do sonho de se tornarem astros famosos. Infelizmente só encontram a sarjeta a lhes esperar. Uma viciada em heroína resume tudo a comparar o brilho de Hollywood com uma ilusão. Outro, um ator desempregado que virou traficante de drogas, afirma que apenas 1% dos artistas que vivem por lá conseguem viver de sua arte. O resto se torna morador de rua, viciado em crack ou então prostituta (isso se tiveram atributos físicos para isso). Assim a verdadeira face do sonho americano se revela sem meias verdades. Um tapa na cara para quem ainda acredita em estrelas que não estão no céu.

Drogas S.A. (Drugs, Inc, EUA, 2010 - 2013) Direção: David Herman, Tom Willis / Produzido por National Geographic / Apresentado por Mike Secher / Sinopse: A série mostra o lado mais terrível do comércio de drogas nos EUA. Traficantes, usuários e policiais são entrevistados mostrando um dos maiores problemas da nação: o disseminado uso de drogas entre a população americana.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

The Wicked

Um grupo de jovens decide passar o fim de semana em um acampamento no meio da floresta. Nesse local há uma lenda envolvendo uma bruxa que havia sido queimada durante o século XVII. Sua casa ainda se encontra de pé no meio da floresta sinistra e está abandonada há séculos. Sabendo dessa velha estória de fantasma os jovens decidem ir conhecer a velha cabana da bruxa. Chegando lá eles começam a jogar pedras na casa e são surpreendidos pela presença de uma entidade maligna em trajes medievais. Agora terão que pegar por suas brincadeiras juvenis! Sinceramente há pouco coisa boa a dizer desse “The Wicked”. As bruxas não tem tido muita sorte em Hollywood gerando uma sucessão de filmes ruins, de baixo orçamento, com roteiros previsíveis e sem inspiração. Aqui nessa produção temos uma enxurrada de clichês batidos sem nenhuma originalidade.

Os jovens obviamente começam a ser caçados no meio da floresta pela tal bruxa e eventualmente acabam em seu moedor de carne humana nos fundos do porão da casa da bruxa! As situações são todas batidas e pouca coisa convence. Será que nunca vão se cansar dessa coisa de jovens se dando mal em cabana no meio da floresta? O roteiro também tem muitos furos. A tal bruxa aparece e desaparece ao seu bel prazer dentro de uma nuvem de fumaça escura mas depois fica presa dentro de um dos cômodos da casa! Vai entender uma coisa dessas... Há cenas grotescamente mal realizadas com efeitos especiais amadores e mal realizados. Para completar o festival de clichês aqui também temos uma dupla de policiais patetas para completar o quadro. Em suma pouca coisa realmente presta aqui nesse “The Wicked”. Tudo é muito derivativo, mal feito e bobo. Melhor procurar por algo melhor dentro do gênero.

The Wicked (Idem, EUA, 2013) Direção: Peter Winther / Roteiro: Michael Vickerman / Elenco: Devon Werkheiser, Diana Hopper, Nicole Forester / Sinopse: Bruxa secular resolve voltar a atacar após um grupo de jovens perturbar seu descanso numa velha cabana perdida no meio de uma floresta sinistra.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 21 de abril de 2013

FTW

Frank T. Wells (Mickey Rourke) sai da prisão após longos anos encarcerado. De volta à liberdade ele pretende retomar sua carreira de cowboy de rodeios, onde sempre brilhou antes de ser preso. Ele quer se endireitar e levar uma vida honesta até que conhece Scarlett (Lori Singer) uma ladra de bancos que lhe convence a participar de um grande roubo que vai lhe trazer muito dinheiro, em um assalto considerado fácil e sem problemas. Como verá mais tarde essa será realmente uma péssima idéia. Passado no atual universo Country & Western americano, o filme FTW (também conhecido como “Last Ride”) foi um projeto pessoal do ator Mickey Rourke, feito em cima de um argumento original escrito por ele mesmo. Assim como aconteceu em “Homeboy” aqui o ator também assina o roteiro em uma produção modesta, quase um telefilme, que poucos viram na época e que hoje se tornou uma verdadeira raridade. O título do filme, com as iniciais FTW (Fuck The World), foram consideradas de extremo mau gosto na época mas segundo o próprio Rourke esse nome era na realidade um desabafo das coisas pelas quais vinha passando em sua carreira e em sua vida na época. Além disso eram as iniciais do nome de seu personagem.

Como era um projeto muito pessoal, Mickey Rourke trouxe para dirigir o filme o desconhecido Michael Karbelnikoff. Seu trabalho não se torna marcante e nem muito menos memorável mas diante das pretensões modestas de todo o projeto até que não faz feio. O filme obviamente não conseguiu espaço nos cinemas brasileiros sendo lançado diretamente no mercado de vídeo e mesmo assim em edição limitada, sem grande repercussão nas locadoras, isso apesar de Rourke ser considerado um ator popular aqui no Brasil. Após assistir ao filme chegamos na conclusão de que apesar das boas intenções de Rourke o argumento não é dos melhores. Rourke que aqui interpreta Frank Wells que após um período na prisão tenta reerguer sua vida como peão de rodeios, não convence muito. Apesar de curioso por explorar esse mundo de competições de rodeio o filme não consegue decolar, não conseguido atingir qualquer impacto, seja do público, seja da crítica. Fica apenas como curiosidade para os fãs do trabalho do ator e nada mais.

FTW (FTW, EUA, 1994) Direção: Michael Karbelnikoff / Roteiro: Mickey Rourke, Mari Kornhauser / Elenco: Mickey Rourke, Aaron Neville, Peter Berg / Sinopse: Após cumprir pena um ex-peão de rodeios tenta reerguer sua vida participando de competições pelo interior dos EUA. Seu envolvimento com  uma criminosa irá mudar os rumos de sua vida.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Ilha do Dr Moreau

Um aspecto que poucos cinéfilos sabem é que o ator Marlon Brando era intensamente interessado em ciência em geral. Ele estava sempre se atualizando sobre os últimos avanços científicos, lendo revistas especializadas e publicações das principais universidades americanas. Não é de se admirar então que tenha aceitado trabalhar nesse “A Ilha do Dr Moreau”, adaptação do famoso livro de autoria de H.G. Wells. Embora tenha sido escrito em 1921 o texto conseguia ser incrivelmente atual pois tratava de uma parte da ciência que era incrivelmente sedutora para Brando: a engenharia genética. A possibilidade de manipulação nas espécies e o resultado desses experimentos eram a base dessa estória clássica. Dr. Moreau (Marlon Brando) é um cientista brilhante que vive em uma ilha isolada no meio do oceano pacifico. Lá ele desenvolve uma série de testes genéticos, criando com suas experiências vários híbridos entre homens e animais. Seu objetivo é criar aquela que seria a criatura ideal, unindo a inteligência e os mais altos valores morais do ser humano com a força e a destreza das feras selvagens. Infelizmente enquanto vai tentando chegar nesse ser perfeito Moreau acaba criando uma série de pequenos monstros que passam a conviver ao seu lado na distante ilha. Não tarda porém para que as criaturas se voltem contra seu criador.

Uma das mais interessantes leituras dessa obra clássica é a questão da ética que move esse tipo de experiência. Em voga atualmente nos principais centros científicos,  dado o avanço das pesquisas genéticas, o roteiro poderia ser a base de discussão de valores envolvendo justamente essa nova postura, a bioética que deveria imperar nesse novo ramo da ciência. Assim queria Brando ao aceitar fazer o filme, levantar o debate sobre os rumos perigosos que a ciência poderia tomar. Infelizmente não era bem essa a intenção do diretor e nem do estúdio que queria em suma apenas realizar um filme de monstros que vivem numa ilha ao lado de um cientista louco. Quando as filmagens começaram Brando entendeu as reais intenções de seus realizadores e ficou obviamente decepcionado. Para não ser arruinado financeiramente por um pesado processo resolveu ir até o fim do filme, mesmo que a empolgação inicial tenha se transformado em decepção completa. Realmente “A Ilha do Dr Moreau” se revela muito fraco em seu resultado final. O único interesse nesse roteiro capenga é a presença de Brando que para aliviar o tédio de participar de algo assim tão obtuso caprichou no figurino esquisito (em determinada cena ele surge todo de branco, com forte maquiagem, tal como um Buda dos trópicos). No saldo final não há outra conclusão “A Ilha do Dr Moreau” é um equívoco, uma produção bem decepcionante apesar de contar em seu elenco com um dos maiores atores da história do cinema americano.

A Ilha do Dr. Moreau (The Island of Dr. Moreau, EUA, 1996) Direção: John Frankenheimer / Roteiro: Richard Stanley baseado na obra de H.G. Wells / Elenco: Marlon Brando, Val Kilmer, David Thewlis / Sinopse: Brilhante cientista, o Dr. Moreau (Marlon Brando) deseja criar uma criatura perfeita que uma a inteligência do ser humano com as prestezas dos animais selvagens. Vivendo em uma ilha isolada ele logo terá que lidar com a rebelião das feras que ele mesmo criou.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Superman IV – Em Busca da Paz

Depois dos modestos resultados de Superman III todos achavam que a série estava realmente encerrada. Não é para menos, o filme não foi muito bem recebido nem pelo público e nem pela crítica. Já mostrava sinais de desgaste e seu tom mais bem humorado não agradou aos fãs do super-herói. Assim a Warner decidiu encerrar a franquia. Foi então que a Cannon Group entrou em cena. Eles decidiram que iriam filmar o quarto filme da série mas para isso tinham que superar vários problemas sendo um dos principais a pouca vontade de Christopher Reeve em voltar ao papel. O ator estava tentando decolar sua carreira, participando de filmes e peças mais de acordo com sua sólida formação dramática e teatral. Superman sem dúvida havia sido bom para ele mas já era hora de seguir em frente. Como na visão da Cannon não haveria filme sem Reeve a produtora resolveu oferecer ao ator uma verdadeira fortuna para ele voltar a vestir o uniforme azul. Não contente Christopher Reeve ainda estipulou uma série de regalias e direitos, inclusive de mexer no roteiro e na direção caso não fosse de seu agrado. Contrato assinado era a hora de trazer de volta o personagem às telas!

Infelizmente a pré-produção de Superman IV custou tão caro e Reeve levou uma bolada tão exorbitante que pouco sobrou para a produção do filme. Ao invés de investir em efeitos especiais de primeira geração a empresa teve que se contentar em contratar um time de segundo escalão. O roteiro, confuso e mal trabalhado, não foi lapidado e as filmagens começaram sem ter um texto final pronto. A trama era boba e muito fraca. Em plena guerra fria a patriotada tomava conta do Superman que virava um boneco da propaganda tipicamente da era Reagan. Havia um vilão sem qualquer carisma, “O Homem Nuclear”, que enfrentava o herói em um cenário completamente mal feito. O pior era saber que a estória havia sido escrita pelo próprio Christopher Reeve que com controle de veto se envolveu onde não deveria. Ele quis transformar o filme numa grande propaganda anti-nuclear! Uma das únicas coisas boas era o retorno de Gene Hackman na série (ele fazia não apenas o Lex Luthor como a “voz” do Homem Nuclear). Mesmo com ele em cena não houve jeito, Superman IV era certamente muito ruim e logo se tornou um grande fracasso de bilheteria encerrando de vez a franquia original. Uma despedida melancólica de Christopher Reeve no papel, logo ele que até aquele momento era considerado o melhor ator a encarnar o personagem em toda a história. Uma pena.

Superman IV: Em Busca da Paz (Superman IV: The Quest for Peace, EUA, 1987) Direção: Sidney J. Furie / Roteiro: Christopher Reeve, Lawrence Konner / Elenco: Christopher Reeve, Gene Hackman, Jackie Cooper, Mark Pillow, Margot Kidder,  Mariel Hemingway / Sinopse: Superman (Christopher Reeve) enfrenta o perigo nuclear materializado no Homem-Nuclear (Mark Pillow).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 20 de abril de 2013

Um Novato na Máfia

Outro filme da fase final da carreira do mito Marlon Brando em que ele contracena com um jovem e talentoso ator. Aqui temos Brando dividindo a tela com o ator Matthew Broderick (o eterno Ferris Bueller de “Curtindo a Vida Adoidado”). Seu personagem é claramente uma homenagem / paródia ao seu mais famoso papel, o Don Vito Corleone de “O Poderoso Chefão”. O fato de Brando brincar com esse ícone da história do cinema não foi totalmente bem aceito por muitos críticos que viram na postura do ator um ato de desvalorização com seu trabalho na saga de Francis Ford Coppola. Bobagem, Brando já estava em uma fase da vida que podia até mesmo tripudiar sobre seu próprio mito sem necessariamente sair arranhado em seu prestígio por isso. Aqui ele usa praticamente seu figurino tradicional de chefões italianos mas ao contrário de Corleone que tinha como única preocupação proteger seu clã tudo o que o personagem de Brando deseja aqui é realizar um grande jantar gourmet cujo prato principal era uma iguaria exótica, um animal em extinção.
   
E para transportar o tal réptil surge o tal “freshman” (novato, calouro) do título original, que tentará cumprir sua missão. Em sua autobiografia Brando admite que fez o filme única e exclusivamente por dinheiro. Estava precisando de altas somas pois os inúmeros processos judiciais em que se envolveu ao longo da vida (envolvendo ex-mulheres, filhos, filhas e tudo o mais) o tinham deixado esgotado financeiramente. Mesmo assim o ator deixa claro que gostou do resultado final. O clima no set era ameno e Brando sempre gostou de trabalhar em ambientes assim . Fora isso aconteceu fatos curiosos durante as filmagens. O filme foi rodado na chamada “Little Italy”, bairro de Nova Iorque com forte presença de imigrantes italianos. Brando conta em seu livro que não conseguiu pagar uma só conta nos restaurantes dessa região. Assim que entrava nos lugares era saudado como um verdadeiro herói pelos italianos donos desses estabelecimentos. Some-se a isso o fato de seu prato preferido (Lula) ser de conhecimento notório de todos, o que deixou o ator atônito sobre o vazamento dessa informação pelo bairro (fato que ele atribuiu a Máfia que deixou claro que ele deveria ser tratado com todas as regalias enquanto estivesse em “Little Italy”). Enfim, “Um Novato da Máfia” certamente não é nenhuma obra prima e não pode ser comparado a qualquer outro grande clássico da filmografia de Brando – mas mesmo assim é divertido, agradável, embora inofensivo. Vale como curiosidade e para os fãs de Brando se torna simplesmente imperdível. 

Um Novato na Máfia (The Freshman, EUA, 1990) Direção: Andrew Bergman / Roteiro: Andrew Bergman / Elenco: Marlon Brando, Matthew Broderick, Bruno Kirby / Sinopse: Jovem inexperiente é contratado por mafioso veterano para realizar uma pequeno serviço: levar uma espécime em extinção para seu restaurante.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 19 de abril de 2013

Don Juan DeMarco

Por falar em Johnny Depp não há como esquecer de um de seus filmes mais curiosos, “Don Juan DeMarco”. Na trama ele interpreta um sujeito que está convencido que é o próprio Don Juan dos livros ultra românticos de Lord Byron. Levado ao consultório de um analista (interpretado pelo mito Marlon Brando) ele começa a contar as estórias de sua vida, o que acaba mudando os rumos e o modo de pensar do próprio psiquiatra que começa a ter arroubos de romantismo e sedução com sua companheira. Eu credito a esse “Don Juan deMarco” o título de ser um dos últimos filmes realmente bons da carreira de Marlon Brando. O ator interpreta seu personagem com doce frescor, muita suavidade e carinho, fruto obviamente da longa experiência que ele próprio teve em sua vida com esse tipo de profissional. Em sua autobiografia Brando narra várias experiências com analistas com quem se tratou por décadas. Alguns, como ele mesmo brinca, “eram mais malucos que seus próprios pacientes” mas de maneira em geral o ator prezava por esse tipo de tratamento.
   
O primeiro analista que Brando procurou foi ainda na década de 50. Ele estava esgotado emocionalmente e teve uma crise nervosa. Aconselhado por um amigo entrou no ciclo de análises que jamais abandonou, nem mesmo sem seus últimos dias. A parceria com o ator Johnny Depp também chama a atenção. Brando se afeiçoou ao jovem ator e viu nele um tipo de postura ousada e independente que o fez lembrar de si próprio no começo da carreira. Johnny era inclusive um dos poucos profissionais que eram constantemente convidados a visitar a mansão do ator situada em uma colina escondida nos arredores de Los Angeles. Brando até mesmo aceitou participar de outro filme ao lado de Depp, um drama sobre as duras condições em que viviam índios pobres nos EUA. Já aqui em “Don Juan DeMarco” não há nada parecido. O filme, apesar de bem dirigido e atuado, não passa de um agradável passatempo. Com trilha sonora de sucesso, puxada pela canção de Bryan Adams (o canadense de baladas românticas e pegajosas) e muito romantismo “Don Juan de Marco” é uma boa pedida para se assistir a dois. Um filme que no final das contas cumpriu bem seu papel.

Don Juan DeMarco (Idem, EUA, 1994) Direção: Jeremy Leven / Roteiro: Jeremy Leven inspirado no personagem Don Juan de Lord Byron / Elenco: Marlon Brando, Johnny Depp, Faye Dunaway / Sinopse: Analista recebe um curioso paciente em seu consultório. Um jovem que está plenamente convencido que é o próprio Don Juan dos livros românticos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 18 de abril de 2013

Edward Mãos de Tesoura

Essa foi a primeira parceria entre o diretor Tim Burton e o ator Johnny Depp. É curioso porque na época de seu lançamento o filme causou certa perplexidade pois não havia nada igual no mundo do cinema parecido com aquilo. Era uma fábula com toques sombrios, uma direção de arte dark e original e um enredo muito estranho e fora dos padrões. Para completar “Edward Mãos de Tesoura” era estrelado por um jovem ídolo adolescente da TV, o quase garoto Johnny Depp, que na época estampava inúmeras revistas de teens por causa de seu sucesso na série policial “Anjos da Lei”. Ninguém também conhecia Tim Burton. As únicas referências diziam que ele era um diretor de curtas de animação que havia saído da Disney após ter alguns desentendimentos com o estúdio. Esse ar de novidade e originalidade foi um dos grandes trunfos de “Edward Mãos de Tesoura”. O personagem principal se vestia todo de couro negro e tinha ao invés de mãos, tesouras em seus braços. Seu criador, um homem bondoso, interpretado pelo fascinante ídolo de filmes de terror do passado, Vincent Price, completava o clima sombrio de fantasia e magia para o filme que apesar disso não poderia ser qualificado como uma fita de terror.
   
Depois do sucesso de público e crítica de “Edward Mãos de Tesoura” a dupla formada por Depp e Burton não mais se largou – e segue junta até os dias atuais. Com altos e baixos formaram uma extensa filmografia que ia tanto para o lado mais cômico como para o lado mais assustador, passando até mesmo por musicais. Como bem esclareceu recentemente o ator eles desenvolveram uma parceria tão bem sucedida que hoje em dia nem mais precisam da palavra para se comunicarem no set de filmagem. Basta um olhar, um gesto, que Depp imediatamente entende o que Burton deseja em cada cena. Outro fato marcante digno de nota sobre esse filme foi o famoso namoro que Johnny Depp teve com sua parceira de trabalho, a atriz Winona Ryder. Muitos anos antes de Brad Pitt e Angelina Jolie ou Tom Cruise e Nicole Kidman, o casal do momento em Hollywood era Depp e Winona. Ele inclusive, em um ato impensado, mandou tatuar em seu braço a expressão “Winona Forever”, algo que iria se arrepender depois quando o romance finalmente chegou ao fim. Enfim, fica a dica desse “Edward Mãos de Tesoura”, um filme diferente que marcou época e ainda hoje segue sendo bem interessante. 

Edward Mãos de Tesoura (Edward Scissorhands, EUA, 1990) Direção: Tim Burton / Roteiro: Tim Burton, Caroline Thompson / Elenco: Johnny Depp, Winona Ryder, Dianne Wiest / Sinopse: Edward é um jovem que tem no lugar das mãos, tesouras, que ele usa para aparar os gramados ou cortar os cabelos das madames de sua cidade. Tudo começa a mudar em sua bucólica existência quando se apaixona por uma linda jovem.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Juventude Transviada

O filme definitivo da carreira de James Dean. "Juventude Transviada" é a quintessência do mito. De certa forma foi o filme que criou a cultura jovem na década de 50. Os personagens são jovens desiludidos, perdidos, que procuram por algum tipo de redenção. Toda a estória se passa em menos de 24 horas. No filme acompanhamos o primeiro dia de aula de Jim Stark (James Dean) em sua nova escola. Filho de pais que vivem se mudando de cidade o jovem Jim não consegue por essa razão criar genuínos laços de amizades com outros jovens de sua idade. Nesse primeiro dia em Los Angeles ele busca por um recomeço, tudo o que deseja é se enturmar e se possível não se envolver em problemas. Dois objetivos que ele logo entenderá que são bem complicados de alcançar. Desafiado por um grupo de valentões liderados por Buzz (Corey Allen) ele logo se vê envolvido numa briga com punhais. Depois aceita o desafio de participar de um racha altas horas da noite numa colina da cidade, o que trará consequências trágicas para todos os envolvidos.

Juventude Transviada demonstra bem que alguns temas são realmente universais, não importando a época em que acontecem. O jovem novato na escola que sofre bullying e é hostilizado pelos valentões locais, o desejo de ser aceito, a dor da rejeição e a frustrada tentativa de se enquadrar são temas pertinentes ao roteiro que dizem respeito não apenas aos personagens do filme mas a todos nós, principalmente no período escolar onde tudo isso vem à tona de forma muito transparente, para não dizer cruel. James Dean está simplesmente arrasador na pele de Jim Stark. Usando de sua já conhecida expressão corporal o ator esbanja versatilidade em uma interpretação realmente inspirada. Não é de se admirar que tenha sido tão idolatrado por tantos anos. Natalie Wood é outro destaque. Interpretando uma jovem com problemas de relacionamento com seu pai ela mostra bem porque era considerada um dos maiores talentos jovens daquela época. Por fim fechando o trio principal temos o frágil Platão, o personagem mais conturbado do filme. Em sensível atuação de Sal Mineo ele transporta carência afetiva e emocional, procurando a todo custo criar algum tipo de amizade, seja com quem for.

Quando "Juventude Transviada" chegou aos cinemas o ator James Dean já tinha morrido em um trágico acidente, com apenas 24 anos. A comoção por sua morte aliada á sua interpretação majestosa nesse filme criaram um dos mais fortes mitos da história de Hollywood. O nome James Dean ficou associado eternamente à figura do jovem rebelde. Unindo sua história trágica, muito parecida com as dos antigos mitos românticos, à força do cinema, James Dean logo virou ídolo de milhões de jovens ao redor do mundo. Mito esse que sobrevive até os dias de hoje pois mesmo após tantas décadas de sua morte o ator ainda é uma das celebridades falecidas que mais faturam em termos de licenciamento de produtos e direitos de imagem. De certa forma o mito James Dean ultrapassou e muito a influência do ator James Dean, embora essa também seja significativa. Juventude Transviada é assim seu testamento definitivo, o filme que criou toda uma mitologia em torno de seu nome, que se recusa a morrer de forma definitiva. Revisto hoje em dia o filme só cresce em importância e qualidade. Definitivamente é uma das produções mais importantes da história do cinema.

Juventude Transviada (Rebel Without a Cause, EUA, 1955) Direção: Nicholas Ray / Roteiro: Stewart Stern, Irving Shulman, Nicholas Ray / Elenco: James Dean, Sal Mineo, Natalie Wood, Corey Allen, Dennis Hopper, Jim Bechus / Sinopse: Jim Stark (James Dean) é um jovem recém chegado em Los Angeles que em seu primeiro dia de aula na nova escola tem que enfrentar um grupo de valentões liderados por Buzz (Corey Allen). Após uma briga de punhais no observatório da cidade ele aceita o desafio de participar de um racha mortal nas colinas da cidade.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

quarta-feira, 17 de abril de 2013

James Dean & Vampira

Uma das histórias mais curiosas da carreira do ator James Dean foi sua aproximação com Vampira (nome artístico de Maila Nurmi). Para se destacar em Hollywood na década de 1950 era necessário se criar toda uma personagem em torno de si, assim provavelmente algum produtor iria se interessar. Maila, uma atriz desempregada, assumiu o papel de Vampira por sugestão do marido. Havia uma série de filmes de terror e ficção sendo realizados por pequenos e grandes estúdios e assumir uma caracterização ao estilo de Vampira viria bem a calhar para ser escalada nesses filmes. Obviamente que era tudo um jogo de cena, um ato de marketing para angariar papéis. Maila ia caracterizada como Vampira aonde quer que fosse e foi assim que chamou a atenção do novato James Dean. O ator gostava muito de freqüentar um café que ficava na esquina da Sunset Boulevard em Hollywood. E foi lá que topou pela primeira vez com Vampira.

Dean que gostava de agir e se vestir de forma pouco convencional levou um tremendo susto ao ver aquela mulher alta, toda vestida de preto, fortemente maquiada e caracterizada. Sem pensar duas vezes foi até ela puxar assunto. Ao que tudo indica Dean não matou a charada logo de cara e ficou convencido que Maila fosse devota de alguma seita satânica ou algo do gênero. No bate papo James Dean foi logo avisando que estava “em busca de forças demoníacas”, pois queria conhecer a fundo alguma seita satânica. Vampira obviamente achou sua abordagem muito estranha pois não sabia se ele estava tirando uma onda dela ou se falava sério. Era normal para Dean agir assim, de forma esquisita e pouco comum. De uma forma ou outra o assunto fluiu muito bem e em pouco tempo ambos estavam se considerando grandes amigos. “Ele tinha as mesmas neuroses que eu” – explicou anos depois a atriz. Dean também mostrou muito interesse no universo de filmes de terror, principalmente os estrelados por Boris Karloff, ator que adorava, mas sabia que essa não era bem sua praia – “A Warner nunca me deixaria fazer um filme desses”, explicou.

Ao longo de meses a aproximação de Dean e Vampira evoluiu para um breve flerte casual. Era um caso amoroso do tipo “chove não molha”. Dean se aproximava, ficavam juntos alguns dias e depois o ator desaparecia por semanas, sem dar notícia. Vampira lembra que Dean passava por problemas emocionais na época. “Ele estava apaixonado por Píer Angeli mas a mãe da garota não gostava dele. Dean também não colaborava muito para ser aceito pois continuava o mesmo, sem se passar de bom moço”! Após várias idas e vindas finalmente Dean rompeu com Vampira pela imprensa. Foi uma completa surpresa para ela. Usando da coluna de fofocas de Hedda Hooper ele declarou que Vampira “não passava de uma farsa!”. A atriz também não deixou barato dizendo que James Dean “ficava com qualquer um” (uma óbvia referência ao seu bissexualismo). Segundo Vampira, Dean participou de uma animada festa gay em Malibu na noite anterior à sua morte em um acidente de carro. O ator também seria conhecido em certos redutos gays como “o cinzeiro humano” pois gostava que seus amantes apagassem seus cigarros em seu braço! Resta saber se esse tipo de afirmação era apenas um ato de vingança ou um fato real. Quem pode saber a verdade?! De qualquer modo uma coisa é certa: poucas vezes se viu na história de Hollywood um casal tão incomum quanto James Dean e Vampira, eles eram certamente excêntricos e bizarros e combinavam perfeitamente em sua esquisitice!

Pablo Aluísio e Erick Steve.

terça-feira, 16 de abril de 2013

Chuck Berry: O Ocaso de um Mito

É lamentável saber que um dos grandes mitos da história do rock, Chuck Berry, está nesse momento fazendo uma turnê pela América do Sul (Argentina, Chile, etc) sem ter a menor condição de se apresentar mais com dignidade. Aos 86 anos o velho roqueiro não está nada bem, nem fisicamente e nem psicologicamente falando.

Sua última apresentação no último dia 14 de abril na Argentina foi avaliada como “desastrosa” pela imprensa local. Berry subiu ao palco visivelmente debilitado, sem condições de tocar ou cantar adequadamente. Ao lado de sua famosa guitarra mal conseguiu acertar as notas de seus clássicos.Executou apenas 10 canções em 1 hora de show e saiu sem dar adeus. Acompanhado de uma banda considerada “medíocre” pela crítica argentina Berry não tem mais condições psicológicas e nem de saúde para se expor a esse tipo de apresentação. Seu concerto foi classificado como “triste, bizarro e indigno” pela edição argentina da Rolling Stone. A todo momento Berry era ajudado por sua filha que ao que parece tem sido a organizadora de suas últimas e lamentáveis aparições ao vivo.

Para piorar o que já era bem ruim o cantor não parece mais saber direito onde se encontra ou que está fazendo. De fato Berry só não foi vaiado por causa de sua importância na história do rock – e os argentinos entendem perfeitamente isso. Seria a repetição de mais uma história triste envolvendo os pioneiros do rock? Explorado por familiares e parasitas em geral esses músicos são levados a concertos por cachês altos mesmo não tendo mais a menor condição de levar um show em frente. Triste saber que o maravilhoso Berry se encontra nessa situação. Espero que ele consiga encontrar alguma paz em seus últimos anos de vida.

Pablo Aluísio.

Sem Destino

A década de 1960 foi muito efervescente do ponto de vista cultural. O movimento hippie estava no ar e os jovens pensavam que tudo se resolveria através da singela filosofia da “Paz e Amor”. Infelizmente os fatos provaram que não era bem assim. Bom se todos aqueles movimentos se mostraram inócuos na vida real pelo menos na arte os anos 60 legaram para a posteridade ótimos discos, peças de teatro e filmes. Um dos mais celebrados foi justamente esse “Sem Destino”. O projeto nasceu de uma proposta de trabalho de Peter Fonda e Dennis Hopper que procuravam viabilizar a realização de filmes com baixo orçamento mas muitas idéias novas na cabeça. Peter, filho do ícone Henry Fonda, queria se afastar dos grandes estúdios e seus executivos, que não conseguiam mais entender a nova geração que estava aí. Ele racionalizou e entendeu que no máximo precisaria das grandes companhias cinematográficas apenas na fase de distribuição, já que na questão de produção e filmagem poderia bancar tudo praticamente sozinho. Hopper,  um notório “maluco beleza” daqueles anos, entendia que tudo o que precisava para realizar um bom filme era captar os novos tempos que pairavam dentro da sociedade americana naquele momento. Se afastar o máximo possível da mera ficção com o objetivo de retratar a realidade do cotidiano das pessoas ao redor.

E foi com esse espírito independente que nasceu seu maior filme, “Sem Destino”. Peter Fonda se uniu aos amigos Jack Nicholson (antes de virar um grande astro de Hollywood) e Dennis Hopper (símbolo da contracultura e do cinema de vanguarda) para literalmente cair na estrada, sem lenço e nem documento. Juntos a uma pequena equipe de filmagens saíram pelas highways americanas filmando tudo o que de interessante encontravam pela frente. Como a produção deveria ter custo mínimo o roteiro foi sendo escrito no calor dos acontecimentos, conforme as filmagens avançavam. Havia certamente uma linha narrativa muito tênue a seguir escrita pelo roteirista Terry Southern, mas o resto da estória foi sendo criado in loco por Fonda e Hopper durante as gravações. Uma das maiores ironias do elenco era certamente a presença de Jack Nicholson, um notório malucão dos anos 60, aqui interpretando um personagem careta! Assim que chegou nas telas o resultado comercial se revelou espetacular. “Sem Destino” custou a bagatela de meros 400 mil dólares e rendeu mais de 70 milhões de bilheteria, se tornando um dos filmes mais lucrativos da história. Peter Fonda se tornou um homem rico praticamente da noite para o dia, pois havia trocado seu cachê por um percentual nos lucros. “Sem Destino” no final das contas se revelou um ótimo produto do sistema capitalista americano que criticava, quem diria...

Sem Destino (Easy Rider, EUA, 1969) Direção: Dennis Hopper / Roteiro: Peter Fonda, Dennis Hopper, Terry Southern / Elenco: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson / Sinopse: Dois motoqueiros vagam pelas estradas americanas em busca de aventuras. Em seu caminho conhecem os mais diferentes tipos de pessoas, desde caretas até hippies tentando viver o sonho da filosofia “Paz e Amor”. Premiado no Festival de Cannes com o prêmio de melhor filme de diretor estreante (Dennis Hopper). Indicado a Palma de Ouro. Indicado aos Oscars de melhor ator coadjuvante (Jack Nicholson) e melhor roteiro original.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Um Estranho no Ninho

Segue sendo lembrado como um dos melhores filmes da carreira de Jack Nicholson. De certa forma ajudou até mesmo a compor sua mais conhecida persona nas telas – a do sujeito meio maluco, prestes a cruzar a fronteira entre sanidade e insanidade, sempre com um largo sorriso na face. Não é para menos, Jack Nicholson foi criado pensando ser irmão daquela que mais tarde revelou-se ser na verdade sua mãe! E a mulher que ele pensava ser sua mãe era na verdade sua avó! Confuso? Claro que sim mas a vida familiar complicada do ator se refletiria depois em ótimas perfomances como essa, excelentes interpretações que até hoje marcam a história do cinema. Afinal de contas de pessoas disfuncionais o velho Jack sabia tudo! O grande filme da carreira de Jack até aquele momento era “Chinatown”. É certo que “Sem Destino” foi a produção que mudou os rumos de sua carreira mas o filme de Polanski ajudou a sedimentar o caminho para o estrelato de Nicholson. Mesmo com toda sua repercussão apenas “Um Estranho no Ninho” trouxe o reconhecimento pleno da crítica e de seus colegas uma vez que o filme foi louvado pela Academia e pelos demais principais prêmios do cinema americano e internacional. De fato foi uma consagração pessoal de Nicholson mais do que qualquer outra coisa. 

Em “Um Estranho no Ninho” Jack interpreta Randle Patrick McMurphy, um prisioneiro que decide simular sintomas de doença mental para ser transferido da prisão onde cumpre pena para um hospital psiquiátrico pensando encontrar lá um sistema menos rígido e disciplinador do que dentro das grades da penitenciaria. Para sua surpresa porém nada era o que ele esperava encontrar. No hospício encontra um sistema rígido, baseado em um forte controle de cada passo dos pacientes, tudo sob comando da enfermeira-chefe Ratched (Louise Fletcher). A partir daí Patrick começa uma série de desentendimentos com a direção do lugar, tudo para conseguir impor um sistema bem mais liberal do que o que está em vigor. Esse é o tipo de papel em que Jack Nicholson se esbalda em cena. Cabelo despenteado, sorriso insano, olhar vidrado, tudo de acordo com o estilo indomado do ator. Sua interpretação de fato é brilhante, alternando momentos de pura malandragem de seu personagem com ataques de insanidade sem controle. Sem Jack o filme certamente não teria o impacto que teve. Por seu trabalho venceu o Oscar, o Globo de Ouro, o Bafta e o prêmio dos críticos de Nova Iorque (NYFCCA). Todos mais do que merecidos. Não se engane, “Um Estranho no Ninho” traz Jack Nicholson em sua mais pura essência. Uma verdadeira obra prima!

Um Estranho no Ninho (One Flew Over the Cuckoo's Nest, EUA, 1975) Direção: Milos Forman / Roteiro: Lawrence Hauben, Bo Goldman / Elenco: Jack Nicholson, Louise Fletcher, Danny DeVito, William Redfield, Brad Dourif / Sinopse: Preso se faz passar por maluco para ser levado para uma instituição psiquiátrica onde espera encontrar um lugar mais ameno, com mais regalias. Para sua surpresa porém o local é controlado rigidamente por uma enfermeira-chefe linha dura que não admite mudanças em seu cronograma pessoal. Filme vencedor dos Oscars de melhor filme, melhor ator (Jack Nicholson), melhor atriz (Louise Fletcher), melhor direção (Milos Forman) e melhor roteiro adaptado. Vencedor do Globo de Ouro nas categorias melhor filme / drama, melhor direção, melhor ator / drama (Jack Nicholson), melhor atriz / drama (Louise Fletcher), melhor revelação masculina (Brad Dourif) e melhor roteiro.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.