quinta-feira, 31 de agosto de 2017

The Beatles - White Album - Parte 2

John Lennon queria colocar Yoko Ono nos Beatles! Era um absurdo, mas Lennon gostava desse tipo de ideia nonsense. E ele parecia disposto a prova seu ponto de vista, mesmo com as negativas de Paul McCartney sobre a entrada de Yoko na banda. Para provar que Yoko Ono tinha talento musical, John a levou para a gravação de "The Continuing Story of Bungalow Bill". Essa estranha composição havia sido criada na Índia, quando os Beatles estavam meditando com o guru Maharishi Mahesh Yogi em Rishikesh. A letra era uma sátira contra turistas ocidentais que iam até a Índia caçar animais selvagens (como tigres) e depois iam aos templos religiosos em busca de um encontro espiritual elevado! Lennon criticava essa postura hipócrita daquele que matava de dia e à noite ia atrás de elevação espiritual.

Yoko Ono foi colocada para cantar e... com todo respeito a quem gosta da "Yoko música" (seja lá o que isso queira dizer) o fato é que como cantora ela era uma excelente artista plástica. Yoko deu então seus gritos estridentes e praticamente destruiu a gravação. George Harrison tentou convencer John a apagar a participação de sua "patroa", mas sua sugestão foi recebida com insultos. John se sentiu ultrajado com a opinião de George! Foi se criando um clima ruim entre eles dentro dos estúdios Abbey Road, a tal ponto que quase chegaram às vias de fato! Faltou pouco para não se agredirem. Paul McCartney também não gostou nem da música em si e nem da participação de Yoko, mesmo assim ainda colaborou nos arranjos, tocando baixo e fazendo vocais de apoio (para melhorar o coro e disfarçar um pouco a falta de talento de Yoko nos microfones).

Outra gravação que trouxe problemas entre John Lennon e os Beatles foi "Revolution 9". Não era uma música, mas uma coleção de sons experimentais sem nexo. Era algo que fazia a cabeça de John e Yoko, mas que no fundo não tinha nada a ver com o som dos Beatles. Esse tipo de ideia seria levada à exaustão no LP solo de John chamado "Two Virgins". Tudo fazia parte da terapia do grito primal que John vinha seguindo há tempos. Durante muito tempo, até quase na véspera do lançamento do álbum, Paul tentou de todas as formas convencer John a tirar "Revolution 9" do álbum. Ele recusou até o fim a sugestão de Paul, dizendo com firmeza: "A música fica!". Quando o disco finalmente chegou nas lojas a crítica não soube lidar muito bem com aquele tipo de (falta) de musicalidade. Parecia algo maluco que John havia colocado no disco por pura birra e arrogância. Algo do tipo "Eu posso fazer isso e o farei!".

Felizmente nem tudo era feito de sons estranhos e falta de notas musicais. John ainda era capaz de compor belas melodias. "I'm So Tired" era um exemplo da delicada mistura de gêneros musicais que John fazia muito bem. A música tinha um estilo blues, aliado a uma interpretação bem inspirada de John, cantando como se realmente estivesse cansado de tudo. Como havia efetivamente música ali, Paul resolveu também se empenhar, escrevendo algumas linhas da melodia. George Martin também foi essencial, criando um belo arranjo para servir de fundo à performance de Lennon. Durante algum tempo John pensou em lançar a faixa como single na Inglaterra, para promover o álbum. A canção seria lançada antes, justamente para divulgar o LP que viria. Depois, com as brigas e atritos com Paul e George, tudo foi deixado de lado. Mesmo assim, por sua beleza melódica, essa bela balada acabou se destacando dentro do álbum branco. Ela foi encaixada no Lado B do disco 1, bem depois da também bela balada "Martha My Dear" de Paul McCartney.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 30 de agosto de 2017

The Beach Boys: Uma História de Sucesso

Mais um título nacional extremamente equivocado. O filme não é propriamente a história de sucesso da banda Beach Boys, mas sim do drama pessoal enfrentado pelo cantor e compositor Brian Wilson após ser diagnosticado como esquizofrênico e paranoico. Líder e mentor intelectual de um dos grupos de rock de maior sucesso dos anos 60 ele viu tudo desmoronar por causa de seus problemas psiquiátricos. Wilson é interpretado no filme por dois atores, que seguem em linhas narrativas diferentes, uma no passado, durante o apogeu do grupo nos anos 60 e outra mais à frente, nos anos 80, com Wilson lutando contra sua doença mental, em um estado bem mais avançado. Nos anos 60 ele é bem interpretado por Paul Dano. Aqui Wilson já é o líder dos Beach Boys. Ele começa a apresentar um comportamento anormal, que começa a alarmar os demais membros do grupo. Depois surta dentro do estúdio tentando criar um álbum completamente fora dos padrões comerciais, tentando superar os Beatles, o maior rival nas paradas dos Beach Boys.

John Cusack dá vida a Brian Wilson já completamente destruído pela esquizofrenia. Ele passa a ser dominado por um médico que acaba se revelando mais maluco do que ele. Um sujeito que o explora e o coloca sob um coquetel de drogas pesadas para tentar ficar com sua fortuna. Quem o salva da morte é uma ex-modelo, vendedora de carros, chamada Melinda Ledbetter (Elizabeth Banks). Wilson se apaixona por Melinda e ela tenta de todas as formas ajudá-lo a sair daquela prisão em que ele se encontra. O roteiro do filme se foca completamente em Brian Wilson, por isso se você estiver em busca de algo mais relacionado ao grupo The Beach Boys é melhor procurar por outro filme, algum documentário musical. Aqui só temos mesmo os dramas pessoais de Wilson, seus problemas de saúde, seus traumas, suas lutas contra o estigma da doença mental e outros dramas mais pesados. No final é um filme muito bom, mas também muito triste para quem nunca conheceu em maiores detalhes os problemas enfrentados por esse genial músico.

The Beach Boys: Uma História de Sucesso (Love & Mercy, Estados Unidos, 2014) Direção: Bill Pohlad / Roteiro: Oren Moverman, Michael A. Lerner / Elenco: John Cusack, Paul Dano, Elizabeth Banks, Paul Giamatti / Sinopse: O filme conta a história real do cantor e compositor Brian Wilson. Líder do famoso grupo de rock e surf music The Beach Boys. Ele acabou tendo que lutar contra a doença mental, no auge do sucesso, após ser diagnosticado como esquizofrênico e paranoico. Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Paul Dano) e Melhor Música Original ("One Kind of Love" de Brian Wilson e Scott Montgomery Bennett).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 29 de agosto de 2017

Megan Leavey

Título no Brasil: Megan Leavey
Título Original: Megan Leavey
Ano de Produção: 2017
País: Estados Unidos
Estúdio: LD Entertainment
Direção: Gabriela Cowperthwaite
Roteiro: Pamela Gray, Annie Mumolo
Elenco: Kate Mara, Common, Ramon Rodriguez, Tom Felton, Will Patton, Bradley Whitford

Sinopse:
Cansada de sua vida banal e dos problemas familiares envolvendo sua mãe, a jovem Megan Leavey (Kate Mara) decide se alistar no Corpo de Fuzileiros Navais dos Estados Unidos. Após um período de treinamento pesado ela é enviada para o Iraque, onde passa a integrar um grupo especial designado para localizar bombas e explosivos, usando para isso cães especialmente treinados. Filme vencedor do Heartland Film Festival.

Comentários:
Filme especialmente indicado para quem curte filmes sobre os Marines americanos e criadores de cães treinados. O roteiro é baseado na história real da cabo Megan Leavey que foi remanejada para um esquadrão de localização de bombas com cães e acabou criando um vínculo muito forte com seu animal, um pastor alemão chamado Rex. Esses pastores pertencem na realidade aos fuzileiros navais americanos, mas os próprios oficiais aconselham aos soldados que esses criem fortes vínculos entre eles, até para ajudar no cumprimento das missões no meio do deserto. Megan acabou levando a determinação bem à sério, se tornando muito afeiçoada ao seu cão. Quando ambos são atingidos por uma bomba ela fica ainda mais próxima do animal. Pensando em deixar os marines ela tenta adotar Rex, mas bate de frente contra seus oficiais comandantes. Mesmo ferido o cão não poderia ser enviado para viver ao lado dela, numa vida civil. Um animal treinado para o campo de batalha poderia ser extremamente perigoso nas ruas. Assim o filme também levante esse curioso debate. Por fim um detalhe não menos importante: praticamente toda a equipe técnica é formada por mulheres, da diretora, passando pelas roteiristas, etc. O filme assim tem um fator subliminar de empoderamento das profissionais que trabalham no cinema.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 28 de agosto de 2017

Norman

Mais um bom filme de Richard Gere. Aqui ele interpreta esse sujeito incomum chamado Norman. Ele passa o dia inteiro pelas ruas de Nova Iorque pendurado em seu celular! Em que ele exatamente trabalha? Não se sabe ao certo. Ele mesmo afirma que dá consultorias (não se sabe de quê!) e que presta serviços (sem conseguir explicar quais seriam esses serviços!). Na sua rotina Norman tenta entrar em contato com pessoas ricas e poderosas. Ele acredita que o mais importante de tudo é ter contatos, aproximações com esse tipo de gente. Para isso ele topa qualquer coisa, inclusive entrar de bicão, sem ser convidado, para festas de milionários (obviamente sempre sendo convidado a se retirar depois). Após muitas portas na cara, Norman finalmente tira a sorte grande ao conseguir se aproximar com êxito de um político de segundo escalão do governo de Israel.

Na cara de pau mesmo, Norman o segue pelas ruas de Nova Iorque e depois consegue se aproximar do tal sujeito. Trocam cartões e mantém contatos. Para sua grande surpresa o tal político acaba se tornando primeiro ministro de Israel, o que acaba abrindo todas as portas para Norman, justamente por sua proximidade com o figurão. Só que com todo esse conhecimento tudo o que Norman acaba conseguindo é entrar numa tremenda enrascada! Pois é, esse personagem (mais um presente para Richard Gere em sua carreira) é uma espécie de herói picaresco (para usar um termo de nossa literatura), um homenzinho sem muita sorte que vai abrindo seu próprio espaço com artimanhas, jogadas de sorte (e também de inteligência), nem sempre se dando bem no final. A trilha sonora do filme reforça bem esse aspecto da personalidade do protagonista. Todas as vezes que ele vai entrando em uma nova enrascada lá está aquele trombone em tom de humor farsesco. É um filme realmente muito bom, valorizado por Richard Gere, ora com um olhar de bom malandro, ora como um inocente que não sabe bem onde está entrando. Divertido e até mesmo em certos aspectos lírico, esse "Norman" é um dos filmes mais surpreendentes desse ano.

Norman: Confie em Mim (The Moderate Rise and Tragic Fall of a New York Fixer, Estados Unidos, Israel, 2016) Direção: Joseph Cedar / Roteiro: Joseph Cedar / Elenco: Richard Gere, Michael Sheen, Steve Buscemi, Lior Ashkenazi / Sinopse: Norman Oppenheimer (Richard Gere) se autodenomina um consultor, um estrategista, embora ninguém saiba ao certo quem ele é ou o que faz da vida. Forçando aproximação com pessoas ricas e poderosas ele acaba conhecendo Micha Eshel (Lior Ashkenazi), um político sem muita importância que acaba se tornando primeiro ministro de Israel. Usando dessa proximidade Norman começa a tecer uma enorme teia de relações e contatos, dando origem a uma enorme confusão. Filme indicado ao Cleveland International Film Festival.

Pablo Aluísio.

domingo, 27 de agosto de 2017

Tobe Hooper

O cinema de terror perdeu um de seus mestres, o diretor Tobe Hooper. Tive o prazer de assistir muitos filmes de Hooper no cinema, como tinha que ser. Ele foi um criador de películas de horror em um tempo onde o politicamente correto não interferia na criatividade dos cineastas, onde tudo era possível e não havia muitos limites. Assim Hooper teve a chance de dirigir e produzir um autêntico cinema podreira de qualidade. No total dirigiu 37 filmes! Uma marca e tanto em termos de produtividade.

O primeiro grande sucesso de sua filmografia foi "O Massacre de Serra Elétrica" de 1974. Como se diz hoje em dia esse é um filme terror de raiz! O diretor aproveitou um caso real (acredite, o roteiro é baseado em acontecimentos reais ocorridos no Texas) e criou essa sangrenta fita, onde psicopatas cruéis matavam suas vítimas com requintes de crueldade. O filme, feito com orçamento mínimo, se tornou um cult movie e colocou Hooper no radar dos fãs de horror. Depois disso o diretor começou uma fase áurea, tudo culminando com o sucesso de "Poltergeist" de 1982. O diretor foi escolhido a dedo por Steven Spielberg, que produziu a fita. Nas palavras de Spielberg ninguém mais poderia dirigir aquela história tão bem como Hooper.

Na década de 80 Hooper colecionou filmes mais do que interessantes. Produções B de terror que com o tempo se tornaram pequenas obras primas do gênero. Em "Pague Para Entrar, Reze Para Sair" o diretor usou um parque de diversões, esse lugar tão infantojuvenil, para explorar o máximo em termos de sangues e tripas. Já em "Força Sinistra" Hooper levou o terror para o espaço. Misturando filmes de terror com Sci-Fi ele criou uma espécie de alienígena que sugava a força vital dos seres que encontrava pela frente. Um tipo de "vampiros espaciais" como bem definiu Hooper. Nem é preciso dizer que a fita caiu no gosto dos fãs de filmes trash (mas aqui feitos com bons orçamentos).

Hooper repetiu a dose em "Invasores de Marte", mais um filme que misturava os dois gêneros mais populares entre os adolescentes dos anos 80. Essa aliás era uma característica interessante da obra do diretor. Ele sempre procurava misturar o gênero terror com outros gêneros cinematográficos. Assim levou humor ao horror em "O Massacre da Serra Elétrica 2", onde no meio da matança desenvolveu momentos de puro humor negro como poucas vezes visto no cinema da época. O diretor também trabalhou na TV, em séries como "Histórias Maravilhosas" ao lado de Spielberg novamente. O diretor continuava na ativa, intercalando seus trabalhos de direção com produção, sempre no estilo que o consagrou: o terror. Para quem levou sustos no cinema com suas obras (ora divertidas, ora assustadoras) fica assim a sensação de vazio de um mestre que nos deixou. Descanse em paz, Tobe Hooper.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Déjà Vu

Título no Brasil: Déjà Vu
Título Original: Deja Vu
Ano de Produção: 2006
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Tony Scott
Roteiro: Bill Marsilii, Terry Rossio
Elenco: Denzel Washington, Val Kilmer, Paula Patton, Jim Caviezel, Elle Fanning, Bruce Greenwood

Sinopse:
Uma balsa é explodida em um atentado terrorista em New Orleans. Mais de 500 pessoas são mortas, entre eles marinheiros e familiares. Para investigar o caso é enviado o agente Agente Especial Doug Carlin (Denzel Washington). Ele começa as investigações e descobre que há um meio de voltar ao passado, para reviver os acontecimentos e quem sabe mudá-los!

Comentários:
Esse filme é uma produção de Jerry Bruckheimer, então meio que você sabe tudo o que vai acontecer. Muitas explosões, muitas cenas de ação. Um verdadeiro Deja Vu! O diferencial é que essa fita foge um pouco do lugar comum ao investir em um roteiro mais diferenciado, com toques de ficção (puro Sci-fi!). Isso porque há um programa especial do governo que consegue ver o passado com nitidez. Chamado de "Branca de Neve" ele consegue recriar todos os acontecimentos envolvendo o ato terrorista. E vai além disso, se for bem manipulado! Particularmente gostei desse filme, mas devo dizer que com certas reservas. Nem sempre a ideia principal do roteiro funciona muito bem. Em alguns momentos inclusive achei tudo muito forçado, causando um certo cansaço. É aquele tipo de enredo que exige muita boa vontade do espectador para embarcar em suas propostas (que são bem complicadas de engolir em um primeiro momento). Tecnicamente porém tudo é muito bem realizado. O diretor Tony Scott (que se matou em 2012) era um especialista nesse tipo de blockbuster. Já o elenco traz além de um sempre competente Denzel Washington, outro astro carismático, Val Kilmer. Ele trabalhou ao lado de Scott em "Ases Indomáveis" e aqui repetiu a bem sucedida parceria. Então é isso, um filme que pode ser considerado até bom, isso se você conseguir abraçar todas as situações inusitadas criadas por esse roteiro diferente. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 26 de agosto de 2017

Rush - No Limite da Emoção

A Rede Globo vai exibir esse filme hoje em Supercine. É mais um excelente filme que mostra um interessante capítulo da história da Fórmula 1. Curioso que produções como essa estão se tornado cada vez mais comuns, um tipo de filme biográfico esportivo que ultimamente tem cada vez mais chamado a atenção dos cinéfilos e fãs de esportes. Pois bem, na trama vemos a rivalidade histórica que surgiu entre dois pilotos da F1, James Hunt (Chris Hemsworth) e Niki Lauda (Daniel Brühl). O primeiro um mulherengo incorrigível, um sujeito fanfarrão que adorava festas e diversão. O segundo um piloto arrojado, disciplinado, que fazia das pistas seu objetivo de vida. Do choque de duas personalidades tão diferentes surge uma concorrência marcada por brigas, mas também por respeito e admiração mútuas. Eu não conhecia essa história, o que tornou o filme como um todo ainda mais interessante.

Apesar de não ser tão velho ainda me lembro de Niki Lauda nas pistas. Na época ele já trazia as marcas que deformaram seu rosto após um grave acidente (que inclusive é mostrado no filme). Já James Hunt realmente não cheguei a conhecer, pois ele, impulsivo e indisciplinado, já tinha deixado as corridas quando me dei conta da existência da Fórmula 1. Esse filme procura transitar justamente do choque entre esportistas tão diferentes entre si durante o campeonato de 1976. É um belo drama esportivo, muito bem conduzido, que vai no final das contas agradar aos fãs das corridas em geral bem como também ao sujeito que não liga muito para a F1 desde a morte de Senna, mas que ainda esteja disposto a assistir a um bom filme dramático. Embora Lauda seja o principal personagem do enredo quem acaba roubando a cena realmente é James Hunt, pois sua personalidade extrovertida e expansiva, termina por chamar mais a atenção do espectador. Assim deixamos a dica desse bom filme sobre esportes. Não importa se você anda cansado da Fórmula 1, no final vai gostar, não se preocupe em relação a isso.

Rush - No Limite da Emoção (Rush, Inglaterra, Alemanha, 2013) Estúdio: Imagine Entertainment / Direção: Ron Howard / Roteiro: Peter Morgan / Elenco: Daniel Brühl, Chris Hemsworth, Olivia Wilde / Sinopse: O filme conta a grande rivalidade surgida nas pistas de Fórmula 1 envolvendo os famosos pilotos James Hunt (Chris Hemsworth) e Niki Lauda (Daniel Brühl). Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama e Melhor Ator Coadjuvante (Daniel Brühl).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 25 de agosto de 2017

The Beatles - White Album - Parte 1

O White Album (Álbum Branco) foi um disco bem singular dentro da discografia dos Beatles. Nesse trabalho cada um dos Beatles, de forma bem individual, compôs o que quis e gravou o que bem entendeu. Poucas músicas foram de autoria coletiva. De forma em geral John trouxe suas canções, Paul idem e George, que sempre compôs praticamente sozinho, também trouxe seu lote de músicas. Houve uma liberdade individual nesse disco como nunca antes havia acontecido em um álbum dos Beatles. A simplicidade parecia dar o tom, algo que veio expresso até mesmo em sua capa, onde não havia nada, apenas o nome do conjunto em relevo.

A maioria dessas composições foram criadas na Índia, onde os Beatles tinham ido naquela sua fase de seguir gurus. Segundo John as músicas em geral soaram diferentes porque foram compostas em violão. Geralmente há uma diferença entre canções compostas em violão e em piano. Para John essa foi uma característica marcante em termos de sonoridade. Assim o White Album acabou parecendo como pequenos e isolados discos solos de cada um dos membros da banda. Em uma faixa o ouvinte tinha John Lennon e uma banda de apoio, que por acaso eram os Beatles, na seguinte Paul e seus colegas de grupo e por aí vai. Criações bem individuais em um disco de grupo.

Um exemplo marcante disso veio em "Julia". Essa linda balada foi composta por John Lennon em homenagem a sua mãe que faleceu em 1958, após ser atropelada por um policial embriagado. A morte de Julia Lennon marcou demais a vida de John. Ele não gostava de seu pai, um marinheiro que mal conheceu em sua infância e juventude, mas tinha grande afinidade com a mãe. Ele herdou em grande parte o espírito livre dela. A gravação oficial de Julia acabou saindo tão simples como a versão que John compôs na Índia. Praticamente apenas voz e violão, com o vocal duplicado de John fazendo contraponto a ele mesmo. Os versos são lúdicos, envolvendo lembranças emocionais de John em sua infância, quando ia ao lado de Julia em pequenos passeios na praia. Tudo muito bonito e sentimental. Um dos grandes momentos do disco.

O curioso é que John podia ir do sentimentalismo à galhofa em questão de segundos. Assim ao lado da bela e cândida Julia, ele também trouxe para os estúdios a divertida "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey". Esse era um rock mais visceral, com claras influências de Chuck Berry. John estava sempre dizendo que no final o que lhe interessava mesmo em termos de música era o bom e velho rock ´n´ roll dos anos 50, de sua fase de juventude. Essa criação demonstra bem isso. John voltando aos tempos da brilhantina e casacos de couro de forma bem humorada e divertida. Além disso John vivia tentando lembrar a Paul que os Beatles eram em essência um grupo de rock ´n´ roll, como explicou depois em uma entrevista dos anos 60. "Eu sou uma velha banda de rock, os Beatles eram puro rock! Eu não poderia deixar isso morrer nunca enquanto estivesse na banda" - resumiu Lennon, com sua conhecida franqueza.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 24 de agosto de 2017

Pastoral Americana

Título no Brasil: Pastoral Americana
Título Original: American Pastoral
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Lakeshore Entertainment
Direção: Ewan McGregor
Roteiro: John Romano
Elenco: Ewan McGregor, Jennifer Connelly, Dakota Fanning, Valorie Curry, Molly Parker, Rupert Evans

Sinopse:
Baseado no livro escrito por Philip Roth, o filme conta a história de um casal tradicional que nos anos 60 precisa enfrentar a radicalização política da própria filha. Ela se une a outros jovens, todos militantes de uma esquerda radical, para cometer atos de terrorismo, implantando bombas em estabelecimentos comerciais, levando inocentes à morte. 

Comentários:
Esse é o primeiro filme dirigido pelo ator Ewan McGregor. Ele já havia feito uma experiência antes nesse sentido para a televisão, mas agora ele se arrisca pela primeira vez na direção de uma produção para o cinema. O resultado ficou muito bom, aliás iria além, diria que é mesmo surpreendente. O roteiro é muito interessante pois explora o perigo que existe quando uma jovem é doutrinada em ideias radicais de extrema esquerda. Durante os anos 60, a garota Merry Levov (Dakota Fanning) decide entrar em um grupo radical, que a pretexto de protestar contra a guerra do Vietnã, começa a promover atos de terrorismo, colocando bombas em lugares públicos. Os seus pais, Swede Levov (Ewan McGregor) e sua esposa Dawn (Jennifer Connelly), entram em desespero quando descobrem tudo... mas o que poderiam fazer? Pessoas queridas na comunidade, gente de bem, que de repente se vê cercada pelo FBI, dentro de sua própria casa, procurando por pistas da própria filha, agora uma terrorista caçada pela agência de investigação. Esse roteiro tem uma grande lição a passar. Em dias de polaridade política extrema em que vivemos ele demonstra os perigos do pensamento fundamentalista e da radicalização política. A jovem interpretada pela atriz Dakota Fanning, que sempre foi uma pessoa graciosa, de repente se transforma em um poço de ideias radicais, se voltando até mesmo contra seus próprios pais e a comunidade em que sempre viveu. Com isso acabou destruindo sua família. Toda a sua história é contada em flashback, quando um veterano decide ir a uma festa de reunião de antigos alunos da escola local e descobre o que aconteceu com um dos estudantes mais promissores da sua época, justamente o "sueco", interpretado por Ewan McGregor. Bom filme, valorizado por sua mensagem mais do que relevante nos dias atuais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 23 de agosto de 2017

The Beatles - Revolver - Parte 4

Até hoje ninguém sabe ao certo quem teve a ideia de compor uma música psicodélica chamada "Yellow Submarine". Pelo tema de fantasia poderíamos dizer que foi Paul, mas as contribuições de John Lennon também não foram poucas. O que se sabe com certeza é que todo álbum dos Beatles, desde o primeiro, tinha que trazer uma música mais simples para ser cantada pelo baterista Ringo Starr. O próprio John explicaria isso ao dizer: "Eu e Paul sempre fazíamos alguma música para Ringo cantar. Ele não era o melhor cantor do mundo, então as músicas dadas a ele eram as mais simples!".

Bom, olhando para o resultado final podemos dizer que esse nem foi bem o caso da música. "Yellow Submarine" foi intensamente trabalhada por Paul, John e George Martin dentro dos estúdios. Tudo para criar aquela sonoridade única que ouvimos, algo parecido com um desenho animado segundo a opinião de Paul. O curioso é que de fato ela iria virar uma animação futuramente, mas na época em que foi gravada ninguém realmente pensava que isso iria acontecer. Era apenas mais uma faixa do "Revolver" que fugia completamente dos padrões do que os Beatles tinham gravado antes.

Paul também foi o criador de outro momento sublime do álbum. A música se chamava "For No One". Assim como aconteceu com "Eleanor Rigby", Paul e o produtor e maestro George Martin sentaram para discutir como seria gravada essa linda balada. Usar os instrumentos básicos dos Beatles (guitarras, baixo e bateria) parecia soar banal demais para Paul McCartney. Ele queria algo mais erudito, mais clássico. Assim Paul dispensou as participações de John Lennon e George Harrison. Ao invés deles Paul trouxe para o estúdio o músico Alan Civil. Dos demais Beatles apenas Ringo compareceu fazendo uma percussão bem mais sutil. A letra foi mais uma vez inspirada no relacionamento de Paul com Jane Asher. Paul descrevia pequenos detalhes que revelavam como o namoro entre eles estava chegando ao fim. Uma grande composição de Paul McCartney, sem dúvida.

Outra surpresa em termos de arranjo do "Revolver" veio com a gravação de  "Love You To". Que George Harrison estava completamente imerso na religião hindu, todos já sabiam. De todos os Beatles ele foi aquele que mais caiu de cabeça dentro da cultura oriental, quando o grupo foi até a Índia atrás dos ensinamentos de um guru indiano, o Maharishi Mahesh Yogi. O que ninguém esperava era que George iria trazer o som da Índia para dentro dos discos dos Beatles. No começo houve uma certa resistência de Paul em colocar a música dentro do álbum. Era estranha demais para os ouvidos dos ocidentais, dos fãs dos Beatles. Depois cansado das brigas com Harrison, finalmente cedeu. A música serve de certa maneira como uma forma de enriquecimento cultural maior dos trabalhos dos Beatles, mas Paul tinha razão em dizer que ela não deveria ter entrado no disco. Teria sido bem melhor que George Harrison a tivesse lançado em um single solo, até mesmo porque ele foi o único Beatle a participar da gravação. Todos os demais, por questões óbvias, ficaram de fora. Ninguém sabia tocar aqueles estranhos instrumentos musicais indianos. 

Pablo Aluísio. 

terça-feira, 22 de agosto de 2017

Doce Lar

A Rede Globo vai exibir esse filme hoje na Sessão da Tarde. O enredo é bem simples. Melanie Smooter (Reese Witherspoon) fica eufórica quando é pedida em casamento pelo boa pinta e partidão Andrew Hennings (Patrick Dempsey). Só tem um probleminha que ela precisa resolver antes de aceitar o maravilhoso pedido: resolver seu antigo casamento pois ela ainda não conseguiu se divorciar do caipirão Jake Perry (Josh Lucas). Assim ela resolve fazer uma viagem rápida à cidade natal no Alabama para formalizar seu divórcio do primeiro casamento, mas... voltar para o antigo lar acaba mexendo completamente com ela, ao relembrar sua antiga vida e os amores do seu passado.

De maneira geral é uma simpática comédia romântica cujo roteiro se baseia nas diferenças regionais dos estados americanos. Reese Witherspoon, sulista de nascimento como sua personagem (a atriz nasceu em  New Orleans, na Louisiana), encarna uma garota do Alabama que consegue dar a volta por cima na cidade grande, mas que precisa retornar ao seu "lar" no Alabama para "consertar" um pequeno problema em seu estado civil. Eu costumo dizer que Reese Witherspoon nem é tão carismática e passa longe de ser uma maravilhosa atriz, mas tem um talento e tanto para escolher os filmes certos a estrelar. Veja o caso desse aqui, uma comédia romântica até despretensiosa, de orçamento meramente mediano (custou pouco mais de 30 milhões de dólares, uma pechincha, tendo Reese como uma das produtoras) e que acabou faturando muito bem nas bilheterias americanas. A fotografia é bonita, os figurinos são de bom gosto e se no final ficamos com aquele sentimento de termos visto uma obra vazia, mas bonitinha. Tudo bem, valeu o tempo perdido. Já para os fãs da atriz o filme é uma indicação certeira pois a personagem do filme tem muito dela mesma.

Doce Lar (Sweet Home Alabama, Estados Unidos, 2002) Estúdio: Touchstone Pictures / Direção: Andy Tennant / Roteiro: Douglas J. Eboch, C. Jay Cox / Elenco: Reese Witherspoon, Patrick Dempsey, Josh Lucas, Candice Bergen / Sinopse: Garota do sul, que conseguiu vencer na cidade grande, precisa voltar para sua cidade natal para se acertar com seu ex-marido antes de se casar novamente. Filme indicado ao MTV Movie Awards e ao Teen Choice Awards na categoria de Melhor Atriz (Reese Witherspoon).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 21 de agosto de 2017

Borboleta Negra

Gostei bastante desse novo thriller de suspense. De certa maneira seu roteiro me lembrou até mesmo de "Misery - Louca Obsessão", aquele bom filme baseado na obra de Stephen King. Pois bem, as semelhanças são bem óbvias. A história conta a crise de criatividade que se abate sobre Paul (Antonio Banderas), um escritor. No passado ele fez sucesso com seus livros, sendo aclamado muito jovem por público e crítica. Depois desse começo arrebatador veio a crise. Ele entrou em um período ruim, onde não conseguia criar mais nada que fosse relevante. Com isso sua carreira entrou em declínio, sua esposa o deixou e ele resolveu se isolar, indo morar numa velha casa no meio do campo, sem nada e nem ninguém por perto. Isolamento completo. Numa manhã acaba resolvendo dar uma carona a um andarilho, Jack (Jonathan Rhys Meyers). Pouco tempo antes esse mesmo Jack o havia defendido de um caminhoneiro truculento em um bar da cidade.

Agora, para retribuir o favor, Paul resolve dar uma mão ao sujeito. Mais do que isso, o convida para ir em sua casa, tomar um banho, descansar um pouco. Só que Paul nem desconfia que Jack pode ser um homem bem perigoso. Se ouvisse as notícias que circulam na região, sobre um violento serial killer, teria mais consciência da armadilha que estaria se metendo. Falar mais seria estragar as surpresas do roteiro, que aliás usa e abusa de reviravoltas. Para se ter uma ideia com dez minutos de seu final a trama tem uma grande reviravolta, dessas de deixar todos com o queixo caído. E não fica por aí. No minuto final, mais uma enorme reviravolta! Penso que apesar de todas essas surpresas serem até bem boladas, não era necessário tanta montanha russa. Mesmo assim a diversão estará garantida. A dupla central é muito boa. Tudo bem que acreditar que Antonio Banderas seja um intelectual em crise seja um pouco demais, porém tudo é compensado pela boa atuação de Jonathan Rhys Meyers. Ele está bem magro e com aspecto ameaçador. O ator teve recentes problemas com drogas, o que acabou, mesmo de forma indireta, ajudando em seu trabalho. Então é isso, um bom thriller de suspense que faria até mesmo Stephen King assinar embaixo.

Borboleta Negra (Black Butterfly, Estados Unidos, Espanha, 2017) Direção: Brian Goodman / Roteiro: Marc Frydman, Justin Stanley / Elenco: Antonio Banderas, Jonathan Rhys Meyers, Piper Perabo / Sinopse: Escritor em crise, dominado pelo alcoolismo, entra em uma armadilha mortal ao resolver dar carona a um andarilho das estradas que conheceu em um bar local. O sujeito logo o joga em uma situação de vida e morte dentro de uma cabana perdida no meio do nada. Filme indicado ao Madrid International Film Festival.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 20 de agosto de 2017

The Beatles - Abbey Road - Parte 6

John Lennon gostava de passar suas férias na Espanha, nas praias que banhavam a costa do mar Mediterrâneo. Foi justamente numa dessas viagens que ele compôs "Sun King". Ele inclusive decidiu colocar algumas palavras em espanhol na letra original(que depois contaria com a preciosa colaboração de Paul que sabia mais algumas frases na língua espanhola). Embora seja um bom momento do disco não há como negar que se trata de mais um pedaço de música inacabada por John que acabou sendo encaixada no lado B do álbum. Como havia muitos trechos como esse, Paul teve a brilhante ideia de juntá-las todas, como se fizessem parte de um grande medley.

O mesmo valeu para "Golden Slumbers". Paul tirou a ideia da canção de uma obra infantil, um conto de fadas. Depois escreveu o arranjo como se fosse uma velha canção de ninar. Para a letra Paul usou a obra do poeta Thomas Dekker. Mesmo com tantas fontes de inspiração Paul não se sentiu muito confortável com o resultado final. Para ele ainda estava faltando algo, pois a gravação original realmente tinha ficado bem curta.

Assim ele resolveu unir a música anterior com "Carry That Weight", outra de suas composições que ele trazia para o álbum. John Lennon ficou um pouco irritado após ouvir a primeira demonstração da música por Paul dentro do estúdio porque a letra era obviamente outra indireta contra Allen Klein, o sujeito que John havia trazido para ser o novo empresário dos Beatles. Paul havia ficado muito irritado com essa escolha pois ele queria que seu sogro se tornasse o novo homem de negócios do grupo. John porém passou por cima de Paul, colocando Klein no comando. A troca de farpas entre eles dentro dos estúdios Abbey Road assim se tornou bem óbvia. John inclusive cogitou mais uma vez sabotar a criação de seu colega de banda, colocando todos os tipos de problemas para tocar na gravação. Sua má vontade tinha se tornado bem clara para todos.

"Mean Mr. Mustard" por sua vez era mais uma contribuição de John. Ele havia escrito poucas linhas do que viria a se tornar a canção quando estava na Índia. De certa forma era uma sobra das gravações do "White Album" que John resolveu resgatar. O curioso é que anos depois ele destruiu a música ao comentar sobre ela durante uma entrevista. Ele próprio reconheceu que a composição era "Um lixo que ele havia escrito em algum pedaço de papel quando estava na Índia". Como se pode ver John não deixava pedra sobre pedra com seu estilo mordaz de criticar não apenas os outros, como também a si próprio.

Pablo Aluísio.

sábado, 19 de agosto de 2017

The Beatles - Revolver - Parte 3

A obra prima de John Lennon em "Revolver" foi justamente essa estranha (para a época)  "Tomorrow Never Knows". Para muitos especialistas em rock essa canção foi o verdadeiro marco zero no que viria a ser depois chamado de Rock Psicodélico. Quando John entrou em Abbey Road pela primeira vez com o esboço da letra dessa música ele não tinha exatamente ideia do que ela iria se transformar. Ao lado do maestro e produtor George Martin ele passou dias, horas e mais horas de estúdio, tentando reproduzir o tipo de sonoridade que ele procurava. John queria que George Martin recriasse o som que ele definia como a de uma fita de gravação sendo rebobinada. Algo inédito na época. Depois de muitas tentativas e erros finalmente a gravação foi finalizada, se tornando a primeira grande experimentação musical dos Beatles em sua discografia. Não havia mais limites a respeitar em termos de criatividade dentro dos estúdios.

Para o álbum "Revolver" John Lennon parecia estar mesmo muito inspirado. Tanto que ele iria trazer outra "pauleira" para ser gravada. A música se chamava apenas "She Said She Said". Ao contrário de "Tomorrow Never Knows" essa já estava praticamente feita quando John a apresentou aos demais membros da banda. Ele havia gravado uma fita demo e tudo já estava ali, sem precisar trabalhar muito nela. Mais uma vez a presença do produtor George Martin se mostrou vital. Ele sugeriu a John que aumentasse a distorção das guitarras, já que ele queria um rock bem ao velho estilo. O resultado saiu melhor do que o esperado.

A composição surgiu de uma conversa entre John e Peter Fonda. A inspiração obviamente veio do LSD, o ácido lisérgico, que ia se tornando cada vez mais popular. John e Paul não se deram muito bem durante as gravações. Eles discordaram muito sobre como a música deveria ser gravada. Paul queria mais melodia, enquanto John queria um som bem mais cru. Como não chegaram a um acordo satisfatório, Paul resolveu abandonar sua participação na música. John então pediu a George Harrison que tocasse o baixo. Isso demonstrava que o stress e as brigas entre John e Paul já vinha de algum tempo. Algo que iria destruir o grupo em alguns anos.

Por falar em George Harrison ele também trouxe suas próprias composições para o disco. Uma delas foi "I Want to Tell You". Nessa todos os Beatles estavam presentes. No começo Paul não gostou muito da melodia e disse a George que era necessário trabalhar mais na música antes de gravá-la. Era precisa escrever mais algumas linhas de melodia, acrescentar mais notas musicais, mas Harrison recusou a ajuda de Paul. No final a música foi gravada do jeito que George queria, embora ao ouvi-la se chegue na conclusão de que Paul McCartney realmente tinha razão. A música parece não ir para lugar nenhum, exagerando no uso e abuso do refrão, algo que no final das contas se torna até mesmo cansativo.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 18 de agosto de 2017

A Garota Húngara

Szebeni Kató (Laura Döbrösi) é uma pobre garota vinda do interior que chega na capital em busca de trabalho. Não está fácil, ela é jovem, não tem experiência e nem cartas de recomendação de empregos anteriores. Para ela é uma questão crucial arranjar logo alguma forma de sobrevivência pois o inverno chegou e ela não tem onde morar. Solidária com sua situação, a governante de uma atriz e cortesã resolve lhe dar o emprego de doméstica. Sua nova patroa, Mágnás Elza (Patricia Kovács), vive de explorar os sentimentos de um homem mais velho, apaixonado por ela. Elza está ficando cada dia mais velha, perdendo o clamor da juventude, então para ela fica cada vez mais evidente que é preciso tirar o maior proveito daquele sujeito enquanto ele ainda tem interesse nesse caso romântico (no fundo, pura prostituição mesmo, pois ela não o ama).

 Gostei desse filme produzido na Hungria. Não é muito fácil encontrar produções feitas no leste europeu, ainda mais dessa qualidade. O enredo tem um toque de decadência moral, mostrando uma jovem inocente vindo do interior tendo que agora lidar com uma nova vida, com a sordidez de um ambiente onde sua patroa explora um velho rico, visando única e exclusivamente tirar dinheiro dele. Ela quer fazer um filme sobre Joana D´Arc (pois é uma atriz frustrada) e a única forma de levantar esse dinheiro é depenando ainda mais o velho babão que é apaixonado por ela. Não demora e Elza percebe que sua nova empregada é bonitinha e daria uma bela prostituta também, só que a garota é religiosa, procura sempre andar no bom caminho. Porém, sendo pobre demais e sem perspectivas de um futuro melhor, até onde ela vai resistir a vender seu próprio corpo em troca de favores, luxo e dinheiro? Então é isso. Um bom drama, com algumas cenas mais picantes (nada vulgares), mostrando como até mesmo as mulheres mais virtuosas podem balançar em suas convicções quando a pobreza bate à porta!

A Garota Húngara (Félvilág, Hungria, 2015) Direção: Attila Szász / Roteiro: Norbert Köbli / Elenco: Patricia Kovács, Dorka Gryllus, Laura Döbrösi / Sinopse: Jovem e inocente garota vinda do interior acaba arranjando um emprego de doméstica na casa de uma atriz frustrada que vive como cortesã de um homem rico. Logo a nova patroa percebe que sua nova criada é bem bonita, que poderia lhe render bem como a nova prostituta da cidade. A garota porém está decidida a resistir seguir por esse caminho.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 17 de agosto de 2017

Na Mira do Atirador

Apenas razoável esse novo filme de guerra produzido pelo recentemente inaugurado Amazon Studios. Tudo se passa nos últimos dias da intervenção americana no Iraque. Dois soldados da força Ranger são enviados para um posto avançado na tentativa de localizar um sniper (atirador de elite) iraquiano. Eles passam então um longo tempo camuflados esperando localizar o inimigo, mas em vão. Cansados, acabam abrindo guarda e um deles é logo atingido por um tiro certeiro. O outro se fere e procura abrigo em um pequeno muro de uma escola em ruínas. O sniper iraquiano então começa a entrar em contato com ele pelo rádio, dando origem a uma guerra psicológica entre os dois.

É aquele tipo de roteiro que explora uma situação única. Tudo se passa em pouco tempo, com o soldado americano encurralado pelo atirador de elite das forças inimigas, tentando sobreviver aos tiros e ao calor infernal daquele deserto. Até que em alguns momentos o filme apresenta boas cenas, mas no geral não consegue sair muito do lugar comum. O atirador iraquiano nunca aparece, apenas sua voz é ouvida. Ele parece também ser um sujeito bem sádico e ao mesmo tempo bem inteligente pois consegue abater vários soldados americanos. Igualmente é um mestre na camuflagem, nunca sendo localizado pelos rangers. De certa maneira o roteiro dá muito destaque ao sniper inimigo, algo que causa surpresa pois afinal é uma produção americana que deveria colocar os seus como os heróis do filme. Ao contrário disso eles viram patinhos, alvos ambulantes para o muçulmano. Não é algo muito fácil de encontrar em filmes desse tipo. Fora isso é apenas uma fita de guerra mais convencional, que até consegue agradar um pouco, se você não for muito exigente.

Na Mira do Atirador (The Wall, Estados Unidos, 2017) Direção: Doug Liman / Roteiro: Dwain Worrell / Elenco: Aaron Taylor-Johnson, John Cena, Laith Nakli / Sinopse: Dois soldados americanos da força Ranger do exército acabam encurralados por um atirador de elite iraquiano que já matou diversos militares inimigos durante a intervenção americana no Iraque. Filme indicado ao Golden Trailer Awards na categoria cinema independente.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 15 de agosto de 2017

A Biografia de John Wayne

A década de 1940 começou com John Wayne trabalhando ao lado do diretor e mestre do cinema John Ford. Essa foi uma das duplas mais marcantes da história do cinema americano. Juntos fizeram verdadeiras obras primas da sétima arte. O filme se chamou "A Longa Viagem de Volta". Para muitos esse foi o primeiro grande filme em que trabalharam. O papel de Wayne era a de um sueco chamado Ole Olsen. No começo John Wayne pensou em recusar o convite para fazer o personagem, afinal o que ele tinha a ver com um marinheiro sueco?

Para sua sorte acabou sendo convencido por John Ford a se juntar ao elenco. O filme tem ares de drama, mas também não deixando de lado a aventura, afinal era um filme passado dentro de um cargueiro que atravessava os oceanos. Wayne teve um verdadeiro desafio em sua atuação porque o roteiro não se contentava em mostrar a vida no mar, mas também em desenvolver os personagens, mostrando seus pequenos dramas interiores, suas tristezas e melancolias. O diretor John Ford fez excelentes tomadas de cena, usando para isso apenas a beleza natural ao redor, a neblina, a solidão de se trabalhar no meio do oceano, etc.

Ao ser lançado acabou se tornando um campeão de bilheteria. Também agradou bastante à crítica que encheu o filme de elogios. A Academia soube reconhecer o trabalho de John Ford. "A Longa Viagem de Volta" (que no Brasil também se chamou "Tormento no Mar") recebeu seis indicações ao Oscar, entre eles o de melhor filme, melhor roteiro (para o roteirista Dudley Nichols, que imprimiu uma forte carga dramática ao filme como um todo), melhor fotografia em preto e branco (para o diretor de fotografia Gregg Toland, que fez um brilhante trabalho) e música (para o maestro Richard Hageman, cuja orquestração deu um sabor especial para as cenas). Curioso que o filme também foi indicado na categoria de melhores efeitos especiais (para o trio R.T. Layton, Ray Binger e Thomas T. Moulton, que usando maquetes realistas fizeram as cenas em que o cargueiro passava por dificuldades em alto mar).

Depois desse grande êxito, John Wayne voltou ao mar no filme seguinte. Ele interpretava um marinheiro americano nos mares do sul em "A Pecadora". Seu personagem era a de um jovem oficial da marinha dos Estados Unidos que acabava conhecendo uma linda corista em uma das bases do Pacífico. Wayne contracenava com a diva do cinema Marlene Dietrich. Apesar de Wayne estar de quepe e uniforme militar essa não era uma produção de guerra. Os militares estavam lá, porém apenas para se divertir nas casas de shows dos portos por onde passavam. O filme tinha muita música e cenas de apresentações de Marlene Dietrich. De certa maneira era um musical, com Wayne no papel de coadjuvante de luxo. Foi um filme interessante para ele, para ter a chance de fazer algo diferente, porém no geral acrescentou mais para a filmografia de Dietrich do que para a do próprio Wayne. Afinal ela era a grande estrela do filme.

Pablo Aluísio.

King Kong

Para muitos quando se fala no "King Kong original" o que lhe vem na cabeça é justamente essa versão dos anos 70. Também pudera, o verdadeiro filme original sobre o gorila gigante é da década de 30, quando esses nem eram nascidos. Esse também é o meu caso. O primeiro filme com o personagem King Kong que assisti foi justamente esse. É uma produção do famoso produtor Dino De Laurentiis feito em parceria com a Paramount Pictures. Dino havia comprado os direitos do gorilão dois anos antes. Inicialmente ele pensou em rodar um filme em Roma, mas com o interesse dos americanos ele resolveu produzir o filme em Hollywood mesmo. Embora King Kong tivesse sido explorado em uma série de filmes japoneses (ao estilo trash), De Laurentiis queria uma produção classe A, para ser lançado no natal daquele ano.

Para modernizar a história tudo foi mudado, mantendo-se apenas as linhas básicas da trama. No primeiro filme tudo se passava na década de 30 (algo que seria mantido por Peter Jackson anos depois em sua versão), mas aqui o enredo se passa na atualidade. Kong não enfrenta mais aviões antigos, da I Guerra Mundial (os teco-tecos nostálgicos), mas sim aviões modernos. Ele também não sobe no Empire State, mas sim no World Trade Center (as torres gêmeas que seriam destruídas em 11 de setembro). O elenco também tinha atrativos. Jeff Bridges, ainda bem jovem e com cabelão, chamava a atenção, porém quem roubava a cena era mesmo a loira Jessica Lange, no auge de sua beleza. Suas cenas sensuais até hoje chamam a atenção. No final o diretor John Guillermin realmente fez um belo trabalho. Haveria ainda uma continuação, já nos anos 80, mas dessa é melhor esquecer.

King Kong (King Kong, Estados Unidos, 1976)  Direção: John Guillermin / Roteiro: James Ashmore Creelman, Ruth Rose / Elenco: Jeff Bridges, Charles Grodin, Jessica Lange / Sinopse: Um grupo avançado acaba descobrindo numa ilha remota do pacífico um monstro, um gorila gigante chamado King Kong. Eles então resolvem levá-lo de volta à civilização para explorar economicamente suas aparições públicas, mas tudo acaba saindo do controle, levando caos e destruição a Nova Iorque. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais (Carlo Rambaldi, Glen Robinson e Frank Van der Veer). Também indicado nas categorias de Melhor Fotografia (Richard H. Kline) e Melhor Som. Vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Jessica Lange).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 14 de agosto de 2017

Dragnet - Desafiando o Perigo

Complicado entender o porquê desse filme não ter dado certo. Já nos anos 80 quando o aluguei pela primeira vez já o achei muito fraquinho, completamente sem graça. O curioso é que havia dois comediantes excelentes formando a dupla principal do filme, Dan Aykroyd e Tom Hanks. Aykroyd estava no pique do sucesso em sua carreira no cinema, ainda aproveitando os frutos do sucesso de "Caça-Fantasmas". Já Hanks ainda era bem jovem, mas já havia se tornado um ator bem conhecido, principalmente por filmes como "Splash - Uma Sereia em Minha Vida", "Um Dia a Casa Cai" e "A Última Festa de Solteiro". Por essa época ele era apenas um comediante e não havia começado sua carreira como ator dramático. Como se não bastasse a presença dos dois ainda havia gente como Christopher Plummer no elenco de apoio...

Mas nem isso, nem o fato de ser um remake de uma série policial de sucesso do passado, ajudou o filme. É tudo muito inofensivo, sem sal, fraco demais... essa é a palavra! Basicamente é uma comédia policial onde Dan Aykroyd interpreta o tira certinho (beirando a obsessão, seguindo à risca as regras) e Hanks é o policial mais deslocado, malandro, com jogo de cintura. E com tudo isso sob a mesa pouca coisa ainda funciona. Acredito que o que estragou o filme foi a trama, muito clichê! Eles deveriam ter escolhido uma estorinha melhor, afinal se "Dragnet" havia sido uma série certamente havia algo melhor em seus vários episódios para adaptar. Do jeito que ficou acabou sendo um tremendo desperdício de tempo, dinheiro e talento. O que era para ser o primeiro de uma série de filmes acabou parando por aqui mesmo. Faltou mesmo gás nessa adaptação.

Dragnet - Desafiando o Perigo (Dragnet, Estados Unidos, 1987) Direção: Tom Mankiewicz / Roteiro: Dan Aykroyd, Alan Zweibel  / Elenco: Dan Aykroyd, Tom Hanks, Christopher Plummer / Sinopse: Dois policiais de Los Angeles resolvem se unir para solucionar um mistério envolvendo um crime que parece ser sem solução. Para isso eles acabam usando dos meios mais incomuns para prender os verdadeiros culpados.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.


Celebridades

Nos anos 70 Woody Allen dirigiu uma série de filmes bem autorais. Os roteiros eram bem intelectualizados e o humor refinado. Acontece que naquela época o diretor tinha um produtor rico, um tipo de mecenas, que sempre bancava a produção de seus filmes. Mesmo que essas produções não trouxessem grandes bilheterias ou até mesmo se viessem a se tornar fracassos, não importava. O mecenas estava lá para bancar Allen e sua filmografia. Nos anos 90 ele morreu. Assim Woody Allen precisou se mexer novamente, fazer filmes mais comerciais, que trouxessem retorno financeiro aos estúdios. Esse "Celebridades" é dessa segunda fase. Allen deixou as obras mais autorais de lado, encheu seus filmes de atores conhecidos e estrelas de Hollywood (que participavam quase de graça em suas obras pelo simples prestígio de trabalhar nelas) e mudou seu estilo de fazer cinema.

Eu nunca gostei muito desses filmes da segunda fase do diretor. Eles são artificiais demais, com roteiros mais bobos, mais simples, tudo para abrir espaço a uma constelação de atores famosos. A maioria desses filmes trazem roteiros mosaicos, com várias histórias se desenvolvendo ao mesmo tempo, se encontrando apenas no final. Algo cansativo e que nem sempre funciona direito. Como o próprio nome desse filme indicava, Allen resolveu reunir um grupo de celebridades do cinema, com direito a  Leonardo DiCaprio e Charlize Theron em papéis menores, servindo como coadjuvantes de alto luxo. No saldo final tudo é bem fraco. Allen até tentou se justificar, dizendo que o roteiro servia como uma crítica ao mundo das celebridades, mas sabemos que o que ele queria mesmo era fazer boa bilheteria. Sem o velho e bom mecenas era hora de arregaçar as mangas e fazer sucesso a todo custo. Por fim um detalhe curioso: no elenco temos uma participação especial de Donald J. Trump, ele mesmo o atual presidente dos Estados Unidos! Naquela época ele era apenas mais uma celebridade espalhafatosa e ninguém poderia supor que um dia iria se tornar presidente!

Celebridades (Celebrity, Estados Unidos, 1998) Direção: Woody Allen / Roteiro: Woody Allen / Elenco:  Leonardo DiCaprio, Charlize Theron, J.K. Simmons, Joe Mantegna, Kenneth Branagh, Judy Davis, Donald J. Trump / Sinopse: Um grupo de casais, alguns deles formados por celebridades, passa por inúmeras crises em seus casamentos, tudo desandando para uma série de divórcios escandalosos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 13 de agosto de 2017

A Última Ressaca do Ano

Parece uma comédia dos anos 80. De certa forma me lembrou até mesmo de "A Última Despedida de Solteiro", porém de forma menos picante e com menos piadas sexistas. A história é bem básica. Uma filial de uma empresa de tecnologia está prestes a ser fechada. Para evitar que isso aconteça é bolada uma enorme festa de fim de ano, daquelas bem chatas que são feitas em escritórios, para ver se um cliente fecha contrato com eles. Esse contrato milionário salvaria a filial e preservaria o emprego de todo mundo. Bom, quem conhece comédias americanas sabe bem onde tudo isso vai dar. As coisas vão fugindo do controle até que a tal festa de natal se torna um caos completo.

É uma fita divertida, não se pode negar. Comédias assim andam bem raras. O roteiro é esperto, tem excelentes tiras de humor. Muito do que se vê de engraçado vem daquele tipo de situação constrangedora que acaba virando piada no dia seguinte. Os tipos que trabalham no escritório são bem clichês, mas isso é basicamente o que se precisa para fazer um roteiro engraçado. O politicamente correto acaba servindo também de instrumento de humor, principalmente pela personagem que trabalha nos recursos humanos da empresa, sempre preocupada com o que se diz e se fala dentro do escritório. T.J. Miller é um dos donos do escritório, um cara boa praça que praticamente arruinou a filial por ser basicamente muito gente boa com seus empregados. Jennifer Aniston é sua irmã, que quer fechar a empresa de todo jeito para economizar custos. Por fim, fechando o trio principal de personagens, temos Jason Bateman como o supervisor, amigo de Miller, que dá apoio a todas as suas criancices. Então é isso. Curti e me diverti. Uma comédia que não aborrece e nem enche a sua paciência. Já está bom demais assim.

A Última Ressaca do Ano (Office Christmas Party, Estados Unidos, 2016) Direção: Josh Gordon, Will Speck / Roteiro: Justin Malen, Laura Solon / Elenco: Jason Bateman, Jennifer Aniston, T.J. Miller, Olivia Munn / Sinopse: Para conquistar um cliente novo e evitar que a filial de uma empresa seja fechada, é criada uma enorme festa de fim de ano, só que as coisas rapidamente fogem do controle.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 12 de agosto de 2017

Revelação

Ao longo de uma carreira bem produtiva, com muitos filmes, Harrison Ford atuou nos mais diversos gêneros cinematográficos. Aqui ele resolveu arriscar estrelar um filme de terror e suspense, algo que nunca havia sido habitual em sua filmografia. Aliás não me lembro de nenhum outro filme de Ford nesse gênero, apenas esse. Pena que não deu certo. O roteiro explora uma trama mal escrita, envolvendo fantasmas e espíritos que surgem nas sombras. Nada muito original ou assombroso, o que para um filme que vinha com proposta de causar sustos era uma péssima notícia.

Outro novato nessa área era o diretor Robert Zemeckis. Pupilo de Steven Spielberg, Zemeckis nunca havia dirigido um filme de terror antes em sua carreira. Ele sempre será lembrado pela trilogia "Back to the Future" (De Volta para o Futuro), uma ficção bem humorada, com fartas doses de pura diversão. Assim, no final das contas esse "Revelação" trazia dois veteranos no cinema, mas novatos no pantanoso terreno dos filmes de terror. Faltou experiência na área, impossível negar. Para não dizer que o filme foi um desperdício total de dinheiro e talentos envolvidos, podemos pelo menos elogiar a beleza de Michelle Pfeiffer, que pelo menos teve algumas cenas para nos despertar do tédio absoluto. Detalhe curioso: a banheira, marca registrada dessa produção, foi distribuída em versão miniatura para as locadoras da época. Um marketing bem bolado. Pena que o filme em si não ajudou em nada.

Revelação (What Lies Beneath, Estados Unidos, Inglaterra, 2000) Direção: Robert Zemeckis / Roteiro: Clark Gregg, Sarah Kernochan / Elenco: Harrison Ford, Michelle Pfeiffer, Katharine Towne / Sinopse: Claire (Michelle Pfeiffer), esposa do renomado Dr. Norman Spencer (Harrison Ford), começa a ouvir e sentir a presença de espíritos desconhecidos em sua casa, entre eles uma mulher falecida que passa a surgir durante as madrugadas pelo local, causando pânico em Claire. Para o médico porém tudo não passaria de meras ilusões criadas em sua mente.

Pablo Aluísio.

As Confissões

Durante uma reunião de cúpula do FMI (Fundo Monetário Internacional) surge um monge da ordem dos cartuxos. No começo ninguém entende nada, pois a presença dele no meio daqueles banqueiros e executivos do sistema financeiro não faz muito sentido. Ele está ali a convite. Um dos executivos do FMI o convidou pessoalmente pois ele quer fazer uma confissão em seu próprio quarto, durante as reuniões. Na mesma noite em que o monge ouve sua confissão o tal figurão acaba se matando com um saco plástico na cabeça. Assim a polícia começa as investigações, tendo como principal suspeito o próprio monge, já que ele foi o último a ver o banqueiro com vida. Haveria alguma ligação do religioso com a morte?

Filme italiano bem interessante. No começo você pensa se tratar de um roteiro ao estilo Agatha Christie, onde um grupo de pessoas se torna suspeita de uma morte misteriosa. Afinal a morte do executivo do FMI poderia sugerir uma cena plantada, com um suposto suicídio encobrindo um assassinato. Nesse caso as suspeitas recairiam sobre o monge cartuxo. Esse porém não é o caminho seguido pelo roteiro. Ao contrário de seguir por esse tipo de trama (o que seria de certa forma banal) o roteiro tenta trazer algumas reflexões mais profundas, de origem espiritual, grande parte delas fundadas na extrema contradição de termos um religioso no meio de um bando de tubarões do mercado financeiro, pessoas extremamente gananciosas, materialistas, enquanto o pobre religioso, que fez voto de pobreza, acha tudo aquilo um exercício de futilidade e banalidade. Afinal para que juntar tesouros na terra se todos vamos virar pó um dia? No final o roteiro ainda abre margem para uma pequena insinuação de natureza divina, mas quando chegamos nesse ponto do filme tudo já está consumado, de forma bem satisfatória aliás.

As Confissões (Le confessioni, Itália, França, 2016) Direção: Roberto Andò / Roteiro: Roberto Andò, Angelo Pasquini / Elenco: Toni Servillo, Daniel Auteuil, Pierfrancesco Favino / Sinopse: Monge da ordem dos cartuxos é convidado para participar de uma reunião de cúpula do FMI. Ele chega para tomar a confissão de um dos executivos, um homem que tem planos de se matar exatamente durante as reuniões dos membros do sistema financeiro internacional. Filme indicado ao David di Donatello Awards e ao Italian National Syndicate of Film Journalists.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 11 de agosto de 2017

O Bebê de Bridget Jones

Esse é o terceiro e ao que tudo indica último filme dessa franquia "Bridget Jones". O primeiro foi lançado em 2001 e se chamava "O Diário de Bridget Jones". Segue sendo sem dúvida o melhor de todos. Renée Zellweger estava linda e carismática no papel, inclusive superando todas as críticas que vinha sofrendo por ser uma americana interpretando uma personagem tão inglesa! Depois desse tivemos o fraco "Bridget Jones: No Limite da Razão" em 2004. Uma sequência bem decepcionante. Agora finalmente temos mais uma continuação, 13 anos depois do último filme! Nem é preciso dizer que já está um pouco tarde demais para seguir em frente. Eu não gosto de falar da aparência física das pessoas, mas o fato é que nesse meio tempo entre os dois filmes a atriz Renée Zellweger fez uma cirurgia plástica que simplesmente mudou as feições do seu rosto! Uma coisa de louco! Aquela simpática loirinha texana, de bochechas rosadas, não existe mais. No lugar dela surgiu uma nova Renée Zellweger com uma aparência estranha, nada bonita e nem simpática. Carisma zero! Mostra bem como procedimentos de cirurgias plásticas podem ser danosos e desastrosos! Ao reencontrar Renée nas telas quase nem a reconheci direito! Só nessa sensação estranha já se foi grande parte da graça do filme!

Aliás por se tratar de uma comédia era de se esperar que fosse ao menos engraçado. Esse é outro problema sério dessa produção. O filme não tem graça nenhuma. É muito chato! A personagem Bridget Jones inclusive perde toda a sua essência, se transformando numa mulher cheia de complexos, tentando se casar, ter um filho, ou seja, seguir aquela velha ladainha imposta pela sociedade às mulheres, como se uma mulher não pudesse ser feliz solteira e sem filhos! Assim ela começa a agir como uma adolescente meio boboca e fica grávida, mas sem saber quem seria exatamente o pai de seu filho. Os candidatos são o seu antigo namorado Mark Darcy (Colin Firth) que inclusive está casado ou o bonitão Jack (Patrick Dempsey) que ela acabou de conhecer em um festival de música. E basicamente é isso. Nada muito bem bolado, nada muito original, apenas a saturação de uma série de filmes que já deu o que tinha que dar após todos esses anos. Para piorar o péssimo roteiro ainda temos que lidar com a mudança radical do rosto de Renée Zellweger e o fato dela ter perdido grande parte de suas expressões faciais após tantas plásticas. Um desastre! Enfim, uma situação constrangedora e nada divertida, para dizer o mínimo.

O Bebê de Bridget Jones (Bridget Jones's Baby, Estados Unidos, Inglaterra, 2016) Direção: Sharon Maguire / Roteiro: Helen Fielding, Dan Mazer / Elenco: Renée Zellweger, Colin Firth, Patrick Dempsey, Emma Thompson / Sinopse: Bridget Joens (Renée Zellweger) descobre que está grávida, mas ao mesmo tempo não tem certeza sobre quem seria o pai da criança. Aos 42 anos de idade e cheia de dúvidas sobre seu futuro, ela tenta descobrir a paternidade da maneira menos escandalosa possível, algo que pelo seu histórico não será nada fácil de acontecer.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 10 de agosto de 2017

Guardiões da Galáxia Vol. 2

A Marvel voltou a acertar no cinema com esse segundo filme da franquia "Guardians of the Galaxy". Não deixa de ser irônico o fato da empresa estar acertando tanto no cinema e errando também tanto na mesma proporção em seu próprio universo, a dos quadrinhos. Como se sabe a Marvel fez uma remodelação radical de seus personagens nesse ano e conseguiu desagradar a todo mundo. Com vendas baixas, está mais uma vez tentando consertar seus erros. Isso, claro, nos quadrinhos, porque no cinema o estúdio tem acertado cada vez mais. Esse é mais um bom filme para provar isso. Mesmo que você não tenha a menor ideia do que seja esse grupo chamado Guardiões da Galáxia, vai acabar no mínimo se divertindo no final. Outro ponto positivo: não é necessário ter visto o primeiro filme, pois esse aqui funciona perfeitamente bem sozinho.

A trama gira em torno do fato de que Peter Quill (Chris Pratt) finalmente encontrou seu pai! E ele é nada mais, nada menos, do que Kurt Russell! Brincadeiras à parte, é isso mesmo. Russell interpreta um sujeito chamado Ego. No começo parece ser mais um viajante espacial, um cara boa praça, muito amigável. Só que no fundo ele é uma espécie de deus antigo que tem ambições nada sutis sobre o universo. Colocar Kurt Russell no elenco foi certamente uma das melhores decisões dos produtores, porque esse veterano das telas, de tantos filmes de ação, acaba sendo um chamariz a mais para um público mais velho se interessar em assistir a esse filme. E por falar em filmes de ação dos anos 80, os fãs desse estilo terão outra surpresa com a participação especial de Sylvester Stallone. Tudo bem, ele só tem duas cenas no filme inteiro, mas que não deixam de agradar aos cinéfilos que cresceram vendo seus filmes. Em termos de produção também não há o que reclamar. A direção de arte optou por um universo muito colorido, com uso de toneladas de efeitos especiais de bom gosto (o que era previsível). O roteiro também está bem OK, com trama interessante, se fechando muito bem no final. Então é isso, mais um acerto da Marvel nos cinemas. Um filme divertido, que vai agradar tanto aos leitores de quadrinhos, como aos espectadores que só gostam de cinema.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 (Guardians of the Galaxy Vol. 2, Estados Unidos, 2017) Direção: James Gunn / Roteiro: James Gunn, Dan Abnett / Elenco: Chris Pratt, Kurt Russell, Sylvester Stallone, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Michael Rooker / Sinopse: Peter Quill (Chris Pratt) nunca conheceu seu pai. Durante mais uma viagem pela galáxia acaba encontrando com Ego (Kurt Russell) que se apresenta como seu pai perdido. Ele teve um romance com a mãe de Peter na Terra e desse relacionamento Quinn nasceu. Só que Ego não é uma pessoa comum, ele é uma antiga entidade, com poderes realmente divinos. Filme vencedor do Golden Trailer Awards, indicado ao Teen Choice Awards.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 9 de agosto de 2017

O Círculo

"O Círculo" é um filme que critica, de forma bem mordaz, as principais empresas de tecnologia dos Estados Unidos. A história se desenvolve quando a jovem Mae (Emma Watson) vai trabalhar em uma dessas empresas (que é uma espécie de Google da ficção). No começo seu novo trabalho é bem gratificante. As pessoas são amigáveis e o ambiente de trabalho é o melhor possível. O problema é que ela também começa a perceber que há algo bem estranho na forma como as pessoas agem. Parece ser um comportamento artificial, quase psicótico, de quem quer ser "bonzinho" demais. Por trás dessa forma de agir há também uma estratégia para que ela fique o tempo todo dentro da empresa, cumprindo absurdas jornadas de trabalho, esquecendo de que precisa de um tempo livre para se dedicar aos seus familiares. Seu pai sofre de esclerose múltipla e precisa de cuidados especiais.

O principal executivo da Circle (esse é o nome da empresa no filme) é Bailey (Tom Hanks). Por fora é um sujeito simpático, boa praça, de espírito jovial. Uma espécie de Steve Jobs, um guru da tecnologia, um cara deslocado. Ele quer uma dominação tão ampla de sua empresa dentro da sociedade que chega a ser assustador para Mae. Novos produtos e programas prometem uma vigilância absurda do que ocorre em todos os lugares, invadindo obviamente a privacidade das pessoas. Inicialmente Mae aceita essa invasão em sua vida pessoal, aceitando inclusive que todos os seus passos sejam monitorados na web, por milhões de pessoas ao redor do mundo, só que o preço a se pagar por isso será obviamente caro demais. De modo em geral gostei da premissa desse filme. Ele tem uma boa postura em criticar essas empresas de tecnologia que acabam até mesmo desenvolvendo uma mentalidade de seita entre seus empregados. Além disso explora, de forma muito boa, a questão da invasão digital que vem ocorrendo na vida de cada pessoa que esteja conectada ao mundo da tecnologia. O problema é que os roteiristas não tiveram coragem suficiente de ir até o fim. O clímax de tudo é bem decepcionante, algo muito suavizado para causar impacto. Nesse caso faltou mesmo mais coragem de ir até o fundo da questão. De qualquer maneira é um bom filme, que vale a pena ser assistido. Por isso deixo a dica.

O Círculo (The Circle, Estados Unidos, 2017) Direção: James Ponsoldt / Roteiro: James Ponsoldt, Dave Eggers / Elenco: Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega / Sinopse: Mae (Watson) é um jovem que vai trabalhar numa empresa de tecnologia nos Estados Unidos e descobre que há uma estranha mentalidade de seita entre todos os que trabalham por lá. Pior do que isso, ela também descobre que um dos executivos da empresa, o simpático Bailey (Tom Hanks), pode não ser tão amigável como aparenta ser.

Pablo Aluísio.

Alta Frequência

Nesse gênero de ficção científica você vai encontrar muitos roteiros bizarros, estranhos. Afinal é um tipo de filme em que a fantasia realmente não encontra barreiras. Essa fita estrelada por Dennis Quaid sempre foi uma das mais estapafúrdias - mesmo que você tente embarcar na trama, baseada em teorias de física que de certa maneira não se sustentam na tela. Veja só que estória esquisita: Pai e filho, vivendo em épocas diferentes (com 30 anos de diferença entre um e outro) conseguem se comunicar através de ondas de rádio! Isso mesmo. O pai começa a entrar em contato com seu filho no futuro, 30 anos depois! Como isso seria possível? O roteiro não explica. Apenas deixa claro que é uma trama legal demais para ignorar? Será mesmo?

Como era de se esperar o filho vai tentar de todas as formas salvar a vida do pai no passado, afinal como ele vive no futuro ele sabe tudo o que acontecerá na vida de seu pai. Coisas estranhas então começam a acontecer. Ora, se você assistiu a "De Volta Para o Futuro" já sabe muito bem que mudar os rumos dos acontecimentos da história pode abrir um buraco espaço temporal que provavelmente irá colapsar o próprio tempo... Pois é, pense no universo como você conhece entrando em contradição consigo mesmo, ocasionando o caos completo e irreversível. Apesar do tom Sci-fi nada convencional o filme até fez um relativo sucesso, mas os produtores não quiseram o transformar em uma trilogia ao estilo dos filmes de Robert Zemeckis. E hoje, passados tantos anos, podemos dizer que foi uma decisão acertada. Esqueça isso. Apenas sintonize o canal de rádio mais próximo e solte a imaginação.

Alta Frequência (Frequency, Estados Unidos, 2000) Direção: Gregory Hoblit / Roteiro: Toby Emmerich / Elenco: Dennis Quaid, Jim Caviezel, Shawn Doyle / Sinopse: Pai e filho entram em contato através de ondas de rádio, mesmo estando em tempos diferentes, vivendo em épocas diversas, com 30 anos de diferença entre eles. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Música ("When You Come Back to Me Again" de Garth Brooks).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 8 de agosto de 2017

Personal Shopper

O que é uma Personal Shopper? É um tipo de profissional que é contratado para fazer compras de roupas e joias, geralmente para celebridades que não querem fazer esse tipo de coisa. O suprassumo da futilidade. Assim quando nos deparamos com um filme chamado Personal Shopper estrelado pela atriz Kristen Stewart ficamos com a impressão de que se trata de um filme adolescente sobre a vida fútil de gente vazia. Em parte é um pouco isso, mas há mais. O roteiro, por mais estranho que isso possa parecer, vai além, transformando a protagonista numa espécie de médium que tem a capacidade de ver espíritos e em certo sentido até mesmo se comunicar com eles! Não é algo que você iria esperar de um filme como esse, não é mesmo?

As surpresas começam logo no início do filme quando a personagem de Kristen Stewart vai para uma velha casa abandonada nos arredores de Paris. O lugar tem fama de mal assombrado. Ela quer se comunicar com o seu irmão, recentemente falecido, mas a entidade que habita o lugar não tem nada a ver com ele. É um espírito negativo, que surge perante Kristen em uma cena bem feita, com muita computação gráfica. Depois disso o filme vai alternando entre a profissão dela (que ela odeia, é bom dizer) e sua busca pelo mundo espiritual. A celebridade para quem a personagem de Kristen trabalha é uma mulher insuportável, fútil e arrogante. O protótipo da pessoa vazia. Ela não gosta nada de seu trabalho, mas como os jovens europeus sofrem a cada dia mais com o desemprego, ela fica no serviço, até achar algo melhor. O filme assim tem essa característica de trazer um roteiro que você definitivamente não esperava. Não deixa de ser uma surpresa positiva. O problema porém é que depois de acompanhar toda a história com paciência você vai descobrir que tudo termina de forma bem inconclusiva, deixando um gostinho de insatisfação no ar.

Personal Shopper (Estados Unidos, 2016) Direção: Olivier Assayas / Roteiro: Olivier Assayas / Elenco: Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz / Sinopse: Maureen Cartwright (Kristen Stewart) é uma jovem que trabalha como Personal Shopper. Seu trabalho consiste basicamente em comprar jóias e roupas para uma celebridade do mundo da moda. Enquanto vai levando esse trabalho que odeia, ela procura desenvolver sua mediunidade, tentando se comunicar com o espírito de seu irmão recentemente falecido. Filme indicado na seleção do Cannes Film Festival.

Pablo Aluísio.

Hook: A Volta do Capitão Gancho

O ator Dustin Hoffman está fazendo 80 anos nessa semana! Como uma forma de homenagem vamos lembrar dele nessa produção dirigida por Steven Spielberg. Bom, não é segredo para nenhum cinéfilo que Spielberg era apelidado de Peter Pan durante os anos 80, pois ele nunca queria crescer, sempre explorando assuntos infantojuvenis em seus filmes. Assim, como uma espécie de ironia ou piada interna sobre essa fama ele resolveu fazer um filme sobre, isso mesmo... Peter Pan! Agora, filmar mais uma versão da obra de James Matthew Barrie ao estilo tradicional seria banal demais. Com isso em mente Spielberg mandou escrever um roteiro diferente sobre a hipótese de Peter Pan ter finalmente crescido, se tornando um pai de família entediado, suburbano e comum!

A ideia era muito boa mesmo. Para o papel do Peter Pan adulto, Spielberg escalou o comediante Robin Williams, uma ótima escolha. Porém quem acabou roubando o filme para si foi mesmo Hoffman dando vida ao Capitão Hook (o Capitão Gancho na versão em português). Ele não aceita o fato de Peter Pan ter crescido e vai atrás dele, em sua casa! Claro que Dustin Hoffman optou por uma atuação bem caricata, dirigida ao público infantil. Era algo esperado. A produção, também como era de se esperar, é de encher os olhos. O roteiro também vai bem em cima do sentimentalismo, piegas até (marca registrada do diretor), mas sem deixar de lado as cenas divertidas, de pura aventura. Na época do lançamento do filme (eu cheguei a assistir no cinema) fiquei com um pé atrás pela proposta ousada de seu roteiro, mas com o tempo e depois de inúmeras reprises a coisa toda ficou mais fácil de digerir. É um momento interessante da filmografia de Steven Spielberg, porém passa longe de ser um de seus melhores filmes. Hoje em dia vale como nostalgia de um tempo em que o diretor ainda não havia crescido.

Hook: A Volta do Capitão Gancho (Hook, Estados Unidos, 1991) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: James V. Hart, Nick Castle, Malia Scotch Marmo / Elenco: Dustin Hoffman, Robin Williams, Julia Roberts, Bob Hoskins, Maggie Smith, Phil Collins / Sinopse: Peter Pan (Williams) cresceu. Virou pai de família e vive uma vidinha suburbana numa cidade, até que o Capitão Gancho decide trazer ele de volta à Terra do Nunca. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Música ("When You're Alone" de John Williams), Melhores Efeitos Especiais (Eric Brevig,
Harley Jessup), Melhor Figurino (Anthony Powell) e Melhor Direção de Arte (Norman Garwood, Garrett Lewis). Também indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator - Comédia ou Musical (Dustin Hoffman).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 7 de agosto de 2017

Song One

"Song One" é um pequeno filme, um drama romântico com trilha sonora indie que vai agradar aos mais jovens. A história é simples. Franny (Anne Hathaway) é uma garota americana que está no exterior pesquisando, para concluir seu doutorado. Um dia ela recebe um telefonema de sua mãe. Seu irmão mais jovem foi atropelado ao atravessar uma rua. Ele estava com fones de ouvidos e não viu quando um carro vinha em sua direção. O atropelamento foi grave. O jovem fica em coma, com poucas chances de recuperação. Franny assim decide voltar aos Estados Unidos para acompanhar sua recuperação. Ela então, por mera curiosidade, resolve seguir os últimos passos de seu irmão antes do acidente e acaba conhecendo um cantor, James Forester (Johnny Flynn). Não demora muito e ambos se descobrem apaixonados.

Apesar do tema envolvendo um jovem em coma e todo o drama que poderia vir daí, o roteiro procura seguir por um caminho mais leve, não procurando assumir tons melodramáticos demais. Assim o foco logo se desloca para o romance entre Franny e o cantor que ela conhece. Anne Hathaway com cabelos curtinhos está muito charmosa e carismática. Eu nunca a considerei bonita demais, porém aqui ela está realmente sedutora, com um charme mais ao estilo intelectual que acaba atraindo. O problema vem do seu partner romântico. O personagem do cantor James Forester é esquisito. Ele parece ser um sujeito sem jeito, algumas vezes adotando um tipo de comportamento um tanto quanto estranho. Fica complicado acreditar que ela está mesmo atraída por ele. No mais é um filme agradável, com ótima trilha sonora. Há espaço até mesmo para música brasileira, com uma versão divertida de "O Leãozinho" de Caetano Veloso. No final o roteiro abraça também um desfecho em aberto. Ideal para o público deslocado que é obviamente o alvo desse filme. Se for o seu caso, assista. Acredito que vai gostar.

Song One (Estados Unidos, 2014) Direção: Kate Barker-Froyland / Roteiro: Kate Barker-Froyland / Elenco: Anne Hathaway, Johnny Flynn, Mary Steenburgen / Sinopse: Franny (Anne Hathaway) é uma estudante de doutorado que decide voltar aos Estados Unidos após um atropelamento deixar seu jovem irmão em coma. Nesse retorno ela acaba se apaixonando por um cantor de música indie, James Forester (Johnny Flynn). Filme indicado ao grande prêmio do júri do Sundance Film Festival.

Pablo Aluísio.

domingo, 6 de agosto de 2017

Além das Palavras

O filme conta a história da poetisa americana Emily Dickinson (1830 - 1886). Ela viveu em uma época muito dura na história dos Estados Unidos, bem no momento em que eclodiu a guerra civil. Era também uma mulher com opiniões próprias sobre a vida. Ao contrário do que pregava a mentalidade da época, em que as mulheres deveriam se casar, ter filhos e se dedicar a um marido, Emily não tinha a menor intenção de seguir esse itinerário. Ao contrário disso ela se dedicou às letras, escrevendo poemas que ainda hoje são considerados verdadeiras obras primas da literatura. Também rompeu ao seu modo com o pensamento religioso puritano que imperava naqueles dias. Ela tinha uma visão mordaz e irônica da religião, mas de forma completamente contraditória acabou se apaixonando por um pastor casado! Era uma mulher de personalidade complexa.

Não é um filme indicado para todos os públicos pois tem seu próprio ritmo que, para alguns, vai soar excessivamente parado e lento. Para falar a verdade não existe nenhum momento absurdamente dramático em todo o filme, com o roteiro procurando, ao invés disso, investir em diálogos bem trabalhados, excessivamente detalhistas. É algo compreensível pois o público alvo desse tipo de produção é aquele mais intelectualizado que gosta de literatura e que acima de tudo admira a obra de Dickinson. Por essa razão em alguns momentos ficamos com a impressão de estarmos assistindo a um teatro filmado, pois as palavras que os atores declamam não parecem naturais, nem para aquela época, do século XIX. Por fim se sobressaem também os problemas que a poetisa teve que enfrentar em sua vida, inclusive um tipo de fobia social que a impedia de se relacionar normalmente com as pessoas que não faziam parte de seu círculo familiar mais íntimo. De modo em geral, apesar de ser uma obra cinematográfica densa, gostei do filme. É de certa maneira um bom convite para descobrir mais sobre essa escritora.

Além das Palavras (A Quiet Passion, Inglaterra, Bélgica, 2016) Direção: Terence Davies / Roteiro: Terence Davies / Elenco: Emma Bell, Sara Vertongen, Rose Williams / Sinopse: O filme conta a história da poetisa norte-americana Emily Dickinson, desde seus primeiros anos na escola, quando já se destaca por causa de sua personalidade única, até o fim de sua vida, quando precisou enfrentar inúmeros problemas de saúde, além dos preconceitos sociais da época que a estigmatizaram por ser uma mulher solteira e solitária, que se dedicava apenas aos seus escritos.

Pablo Aluísio.

sábado, 5 de agosto de 2017

Psicopata Americano

Quando assisti a esse filme pela primeira vez não gostei muito. É um tipo de roteiro asséptico, insípido, sem nenhum calor humano, sendo mais frio que uma faca de corte. Provavelmente tudo isso tenha sido proposital já que o personagem principal (interpretado por um Christian Bale bem perturbador) não sente nada mesmo. Psicopatas não conseguem sentir qualquer tipo de identificação com outro ser humano. Eles apenas matam. O curioso é que o roteiro também faz de tudo para o espectador não decifrar o que está se passando. Seria a realidade ou apenas tudo fruto da mente psicótica de seu protagonista?

O enredo gira em torno de Patrick Bateman (Christian Bale), um figurão, um alto executivo de Wall Street. Ser frio faz parte de seu trabalho. Ao lado da fachada de homem de negócios respeitável ele começa a satisfazer seus estranhos desejos. Ele só consegue sentir algum prazer em sua vida ao matar outras pessoas. E o faz com regularidade, com frequência e brutalidade. Dessa forma começa sua carreira de sangue e tripas. Embora o roteiro seja interessante (filmes sobre serial killers são sempre bons, de uma maneira em geral), esse aqui deixa a desejar justamente pela sua obsessão em ser muito "clean". Tudo parece ser bem surreal, insano, mas que não conseguiu me prender. Definitivamente não consegui mesmo gostar desse "Psicopata Americano", nem numa segunda revisão. Simplesmente não foi dessa vez também.

Psicopata Americano (Estados Unidos, Inglaterra, 2000) Direção: Mary Harron / Roteiro: Mary Harron, baseado no romance policial escrito por Bret Easton Ellis / Elenco: Christian Bale, Justin Theroux, Josh Lucas / Sinopse: American Psycho conta a estranha estória de Patrick Bateman (Christian Bale), um homem de negócios bem sucedido que começa a matar pessoas para satisfazer seus prazeres sádicos e psicóticos. Filme vencedor do Empire Awards, UK, na categoria Melhor Ator (Christian Bale).

Pablo Aluísio.