sábado, 28 de fevereiro de 2015

Sr. Turner

Título no Brasil: Sr. Turner
Título Original: Mr. Turner
Ano de Produção: 2014
País: Inglaterra, França, Alemanha
Estúdio: Film4, Focus International (FFI), France 3 Cinéma
Direção: Mike Leigh
Roteiro: Mike Leigh
Elenco: Timothy Spall, Paul Jesson, Dorothy Atkinson
  
Sinopse:
Mr. Turner (Timothy Spall) retorna para a casa paterna após passar alguns anos fora, percorrendo a Inglaterra em busca de paisagens maravilhosas para suas pinturas. De volta ao antigo lar ele reencontra seu velho pai já um tanto abalado pelo peso da idade. Ele mantém um desarrumado atelier em sua própria casa, onde vende os quadros do filho. Esse acaba descobrindo surpreso que para o amor não há mesmo tempo e nem idade. Mesmo cinquentão acaba se apaixonando por uma viúva que mantém uma antiga hospedaria no cais do porto. Teria ainda tempo de viver finalmente uma relação amorosa realmente gratificante em sua vida? Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Fotografia (Dick Pope), Melhor Figurino (Jacqueline Durran), Melhor Trilha Sonora Incidental (Gary Yershon) e Melhor Design de Produção (Suzie Davies e Charlotte Watts).

Comentários:
Belo filme de época enfocando a vida do pintor inglês J.M.W. Turner (1775 - 1851). O interessante desse roteiro é que ele mostra Turner em um momento já crepuscular de sua vida, quando foi abalado pela morte de seu querido pai. Ele próprio havia se transformado em um velho ranzinza e mal humorado que tinha que lidar com vários problemas profissionais e pessoais. Embora fosse um artista respeitado em seu tempo suas obras começaram a sofrer críticas por causa do uso considerado ultrapassado de cores e formas em seus quadros. Especialista em Marinhas (pinturas que mostravam barcos históricos em momentos marcantes da história britânica), Turner começava a entender que seu talento estava cada vez mais se tornando coisa do passado. Para piorar sua vida pessoal era uma grande bagunça emocional. Pai de duas filhas que mal chegou a conhecer, ele tinha que lidar com a mãe das garotas, uma senhora de modos rudes e violentos, com personalidade dramática e propensa a dar escândalos públicos. Quando tudo parecia caminhar fora dos trilhos Turner acaba conhecendo casualmente uma viúva, dona de uma modesta hospedaria, que acaba aceitando seus tímidos e relutantes galanteios.

O cineasta Mike Leigh mostra o tempo todo que tem grande carinho por Turner, mas sabiamente não procura esconder seus pequenos e grandes defeitos. O roteiro aliás é sofisticado o suficiente para explorar a grande contradição existente entre o modo de ser de Turner, muitas vezes rude e sem classe alguma, com a beleza imortal de sua arte. Nem é necessário salientar também que o filme é visualmente muito bonito, com planos que muitas vezes procuram imitar até mesmo o senso estético das obras de arte desse grande pintor. A trilha sonora também é outro deleite, com várias peças de música erudita. A duração que poderá soar até excessiva para alguns passa despercebida por causa do enredo cativante e sereno. Não é um filme para quem tem pressa, pelo contrário, é uma obra cinematográfica de contemplação e esse aspecto é sem dúvida alguma seu maior mérito. "Mr. Turner" mostra acima de tudo que o cinema de bom gosto ainda não morreu.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 27 de fevereiro de 2015

Lua de Mel Assombrada

Título no Brasil: Lua de Mel Assombrada
Título Original: Haunted Honeymoon
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Orion Pictures
Direção: Gene Wilder
Roteiro: Gene Wilder, Terence Marsh
Elenco: Gene Wilder, Gilda Radner, Dom DeLuise, Jonathan Pryce, Bryan Pringle, Peter Vaughan

Sinopse:
Larry Abbot (Gene Wilder) trabalha em novelas de rádio de terror, só que em sua vida real ele tem vários ataques de pânico e terror. Quando vai para um velho castelo, que pertence à sua família, ele começa a descobrir o que é ter terror de verdade!

Comentários:
Esse filme foi originalmente planejado para o diretor Mel Brooks dirigir, mas antes do começo das filmagens ele caiu doente. Então o ator Gene Wilder decidiu assumir a direção, além de escrever parte do roteiro. O resultado ficou bom, mas não hilário. O filme é uma sátira aos velhos filmes de terror do passado, satirizando os velhos clichês, os cenários de castelos mal assombrados e tudo mais. Para quem gosta de cinema, do passado da estética cinematográfica, fica interessante, mas para quem estiver em busca de uma comédia hilariante vai ficar chupando o dedo. Tem muito estilo, mas pouca graça, essa é minha conclusão final.

Pablo Aluísio.

Criaturas

Título no Brasil: Criaturas
Título Original: Critters
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Stephen Herek
Roteiro: Domonic Muir
Elenco: Dee Wallace, M. Emmet Walsh, Billy Green Bush, Scott Grimes, Don Keith Opper, Billy Zane

Sinopse:
Um grupo de criaturas alienígenas pequenas, mas cruéis, chamadas Crites, escapam de um navio de transporte de prisão alienígena e pousam perto de uma pequena cidade agrícola na Terra, perseguidas por dois caçadores de recompensas mutantes.

Comentários:
Na boa, um filme como esse só poderia ser produzido nos anos 80 mesmo. É pura imitação do sucesso "Gremlins", só que numa pegada mais trash possível. Eu me recordo que esse filme chegou até mesmo a ser capa de uma antiga revista de cinema brasileira chamada "Cinevídeo". Na época eu cheguei até mesmo a pensar que era um filme bom, relevante. Nada disso. Eu apenas era jovem demais para entender que se tratava de mais uma picaretagem em cima do sucesso alheio. E olha que foi produzido pela companhia cinematográfica New Line Cinema, ainda em seus primórdios. Ela iria se especializar, entre outras coisas, em bons filmes de terror. Aqui estava apenas tentando fazer um caixa rápido com todos esses bonecos (nada convincentes) e malvados. Assista por mera curiosidade, porque de bom cinema nada encontrarás nessa fitinha B.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 26 de fevereiro de 2015

Anaconda

Título no Brasil: Anaconda
Título Original: Anaconda
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Luis Llosa
Roteiro: Hans Bauer, Jim Cash
Elenco: Jon Voight, Jennifer Lopez, Eric Stoltz

Sinopse:
Membros de uma equipe de filmagem vão até os confins da floresta amazônica com o objetivo de filmar um documentário sobre tribos selvagens mas acabam tendo muitos problemas com a fauna local, principalmente com uma enorme serpente da espécie Anaconda que começa a perseguir implacavelmente todos os americanos que fazem parte da equipe.

Comentários:
Uma bobagem sem tamanho que acabou chamando a atenção em seu lançamento. Além de mostrar que os americanos não entendem nada da nossa fauna, ainda apresenta uma série de problemas, da direção sem inspiração que não consegue nem ao menos aproveitar as cenas que poderiam trazer algum suspense ao filme, ao elenco que não parece estar nem aí para a qualidade de seu trabalho. Apesar de considerar Jon Voight e Eric Stoltz bons atores eles não parecem muito empolgados em atuar bem. Pior é encarar Jennifer Lopez com sua total falta de expressão tentando salvar o que restou do filme. Os efeitos digitais são incrivelmente mal realizados pois fica claro ao espectador que a cobra assassina é fruto de computação gráfica, não trazendo em nenhum momento qualquer sinal de veracidade, mais parecendo um monstro de videogame. Enfim, bem ruim, um filme que mereceu todas as indicações ao Framboesa de Ouro - a saber: Pior Filme, Pior Ator (Jon Voight), Pior Diretor (Luis Llosa) e Pior Roteiro.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 25 de fevereiro de 2015

Soldado Universal 3 - Regeneração

Título no Brasil: Soldado Universal 3 - Regeneração
Título Original: Universal Soldier - Regeneration
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: Foresight Unlimited, Signature Pictures
Direção: John Hyams
Roteiro: Victor Ostrovsky, Richard Rothstein
Elenco: Dolph Lundgren, Jean-Claude Van Damme, Andrei Arlovski

Sinopse:
O programa Soldado Universal foi criado com o objetivo de criar a máquina humana de guerra perfeita. Soldados à beira da morte nas selvas do Vietnã eram trazidos de volta à vida como super soldados, metade homem e metade máquina. Agora dois ex-militares que fizeram parte desse programa, entre eles Luc Deveraux (Van Damme), voltam para combater uma nova geração formada por combatentes modificados geneticamente. Liderados pelo violento NGU (Andrei “Pitbull” Arlovski) eles tencionam promover um ataque terrorista usando a velha usina nuclear abandonada de Chernobyl.

Comentários:
Outra franquia comercial de ação que não parece ter fim. "Soldado Universal" agora tem lançamentos bem mais modestos do que os antigos filmes, geralmente sendo lançados nos cinemas em poucos países, sendo que no mercado americano acabam se tornando bem sucedidos DVDs de venda direta ao consumidor. Assim os orçamentos são mais modestos e os efeitos (quando são usados) mais simples. Nessa terceira parte da saga temos de volta a dupla Dolph Lundgren e Jean-Claude Van Damme. Lundgren ressurge no papel de um clone do sargento Andrew Scott, seu personagem dos filmes originais. No geral não há grandes novidades, o filme foi praticamente todo rodado numa velha fábrica na Bulgária de seus tempos de comunismo (esse país tem virado point para produções de ação americanas) que se faz passar pela usina de Chernobyl. Muita neve, porrada e vapor, para deleite dos fãs de filmes de ação strictu sensu. Se é o seu caso aproveite bem e se divirta o máximo que puder.

Pablo Aluísio.

Recém-Chegada

Título no Brasil: Recém-Chegada
Título Original: New in Town
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: Lionsgate
Direção: Jonas Elmer
Roteiro: Ken Rance, C. Jay Cox
Elenco: Renée Zellweger, Harry Connick Jr., Siobhan Fallon

Sinopse:
Lucy Hill (Renée Zellweger) é uma executiva de Miami que é enviada para uma distante fábrica de alimentos na fria Minnesota para demitir funcionários e melhorar a eficiência e o lucro da empresa por lá. Uma vez na cidade ela acaba se envolvendo emocionalmente com os empregados, inclusive começando a ter um caso amoroso com um viúvo da região e isso acaba tornando seu trabalho muito mais complicado. 

Comentários:
O marketing desse filme foi bastante equivocado. Ele foi vendido como uma espécie de comédia romântica estrelada pela texana Renée Zellweger, mas na verdade está mais para drama romântico. Certamente há pequenos momentos de humor - como na caçada aos patos onde a personagem de Renée Zellweger passa por alguns apuros - mas essas cenas não são o centro e o foco do filme. De certa maneira o roteiro lida com uma situação que iria se tornar muito comum dentro da economia americana, o fechamento de empresas e o desemprego em massa que isso causaria, arruinando as economias de pequenas cidades do interior. Com a crise muitas dessas localidades se viram sem a principal fonte de renda e empregos, transformando tudo em um desastre social. A executiva interpretada por Zellweger acaba tentando salvar o trabalho daquela gente mas isso obviamente lhe traz muitos problemas com seus superiores. Um filme relativamente bom, valorizado pelo tema interessante e até pela boas atuações (até o cantor Harry Connick Jr se sai bem). Se não chega a se tornar memorável, pelo menos mostra que tem alma e coração.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 24 de fevereiro de 2015

O Olho do Mal

Título no Brasil: O Olho do Mal
Título Original: The Eye
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos, Canadá
Estúdio: Lionsgate, Paramount Vantage
Direção: David Moreau, Xavier Palud
Roteiro: Sebastian Gutierrez, Yuet-Jan Hui
Elenco: Jessica Alba, Alessandro Nivola, Parker Posey

Sinopse:
Sydney Wells (Jessica Alba) sofre de problemas na visão desde muito cedo. Deficiente visual, ela sonha com um transplante de córneas que lhe dará de novo a possibilidade de enxergar o mundo ao seu redor. Inicialmente tudo corre bem mas depois de um tempo ela começa a ter estranhas visões, principalmente de pessoas mortas. Esse novo dom terrível e aterrorizador em sua vida a leva ir em busca de ajuda, para entender o que realmente se passa em sua mente.

Comentários:
Embora não tenha sido tão elogiado em seu lançamento esse thriller de terror e suspense é bem interessante. Foi levemente inspirado em fatos reais, a partir de um evento real, a história de um jovem que cometeu suicídio logo depois de passar por um transplante de córnea, pois embora parecesse estar vivendo uma vida perfeitamente normal e saudável, na verdade ela passou a ter estranhas visões depois da operação. A estrelinha Jessica Alba acreditou muito no projeto, passando seis meses se preparando para o papel, aprendendo braile, frequentado centros de apoio a doentes com deficiência visual e tentando entender o dia a dia das pessoas cegas. O que lhe atraiu no roteiro foi a possibilidade de realizar um filme de terror mais sutil, sem a apelação dos filmes sangrentos ao estilo slasher onde cada personagem morre de uma forma mais ultrajante e sangrenta do que o outro. No final é um filme que me agradou bastante, não é apelativo e tem uma boa ideia por trás do roteiro. Vale sim a recomendação.

Pablo Aluísio.

Doce Lar

Título no Brasil: Doce Lar
Título Original: Sweet Home Alabama
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Andy Tennant
Roteiro: Douglas J. Eboch, C. Jay Cox
Elenco: Reese Witherspoon, Patrick Dempsey, Josh Lucas

Sinopse:
Um dia Melanie Smooter (Reese Witherspoon) resolveu mudar sua vida. Largou sua vidinha no interior do sul dos Estados Unidos e rumou para Nova Iorque. Lá fez sucesso profissional e se apaixonou por um nova-iorquino bonitão e bem sucedido como ela, o tal de Andrew Hennings (Patrick Dempsey). O problema é que Melanie deixou para trás não apenas as saudades de sua cidadezinha natal mas também um marido! Agora que ela está com planos de se casar com Andrew precisa consertar esse "pequeno detalhe" de seu passado!

Comentários:
Ontem me deparei casualmente com esse filme passando na TV a cabo. Foi interessante para me lembrar novamente dele pois o tinha assistido em 2002 e tinha poucas lembranças se tinha gostado ou não! Aos poucos fui me recordando. Certamente é aquele tipo de produção indicada especialmente para o público feminino. Não é uma comédia romântica mas sim um filme de romance em essência. Até simpatizo com a Reese Witherspoon, mas acredito que em determinado momento de sua carreira ela optou por fazer filmes tão açucarados e inofensivos que acabou com suas possibilidades de um dia ser levada à sério como atriz. Esse filme não é ruim, apenas tem muito água com açúcar. Até mesmo os conflitos dramáticos são amenizados ao máximo, talvez para não traumatizar as jovenzinhas mais sensíveis que foram vê-lo no cinema. Usando de uma expressão bem machista, "Sweet Home Alabama" é um filme para meninas (e saliento que não há nada de errado nisso!). O roteiro, embora não tenha grande preocupação em ser dramaticamente expressivo, até que se sai bem explorando as diferenças entre os rurais sulistas e os cosmopolitas nova-iorquinos. Embora sejam todos americanos há grandes diferenças culturais entre todos eles. Em suma, um romance para o público feminino em especial. Nada de muito importante mas até que funciona bem como diversão ligeira e despretensiosa.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 23 de fevereiro de 2015

Drácula - O Empalador

Título no Brasil: Drácula - O Empalador
Título Original: The Impaler
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Flawless Production
Direção: Derek Hockenbrough
Roteiro: Daniel Anghelcev, Diana Busuioc
Elenco: Diana Busuioc, Christian Gehring, Christina Collard

Sinopse:
Grupo de jovens estudantes universitários americanos decide ir para a Transilvânia com a finalidade de fazer turismo, curtir as férias e conhecer o verdadeiro castelo que pertenceu a Vlad, O Empalador, nobre histórico que iria inspirar Bram Stoker na criação de seu famoso personagem, o Conde Drácula. Uma vez chegando lá descobrem que podem passar uma noite dentro do castelo para sentir o clima do lugar, o que mais tarde se revelará uma péssima ideia.

Comentários:
"Drácula - O Empalador" provavelmente seja um dos piores filmes de Drácula que já assisti em minha vida. Tudo, absolutamente tudo, é horrível, mal feito e amador. O tal castelo de Vlad mais parece o porão de alguém e o elenco de jovens falando besteiras o tempo todo dói na cabeça! A única novidade é que no filme o verdadeiro Drácula não se tornou um vampiro mas sim fez um pacto com o diabo para que seus inimigos fossem destruídos e sua amada voltasse à vida (ela havia sido brutalmente morta por otomanos invasores). Em troca daria sua alma para o senhor dos infernos. E assim foi feito. Quando os jovens chegam no castelo precisam encarar não o próprio Vlad mas sua amada imortal, agora transformada em vampira. E afinal de contas isso faz alguma diferença? Não, não faz. O filme é simplesmente muito ruim e mal feito. Elenco de gente sem talento, direção nula e produção vagabunda. Porcaria mesmo. Fuja desse filme como o Drácula foge da cruz! Nota zero!

Pablo Aluísio.

Noivas em Guerra

Título no Brasil: Noivas em Guerra
Título Original: Bride Wars
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: 20th Century Fox
Direção: Gary Winick
Roteiro: Greg DePaul, Casey Wilson
Elenco: Anne Hathaway, Kate Hudson, Candice Bergen, Bryan Greenberg, Chris Pratt

Sinopse:
Duas amigas de longa data cultivam uma rivalidade entre si, principalmente com assuntos femininos. As coisas começam a sair dos eixos quando ambas anunciam seus planos de casamento. Uma sempre querendo fazer a melhor festa, ter o melhor vestido do que a outra. Assim as duas começam a se boicotar para vencer a disputa de quem terá o casamento mais grandioso e chique. No final descobrirão que o mais importante do que a vaidade e o orgulho é a verdadeira amizade.

Comentários:
Mais uma comédia romântica que gira em torno de casamentos. Essa aqui se sobressai um pouquinho por causa da dupla central de atrizes. Kate Hudson, como sempre carismática, faz a advogada que quer tudo do melhor para seu noivado e casamento. Essa obsessão em superar sua antiga amiga acaba saindo do controle e ela começa a se prejudicar em tudo, até na sua vida profissional. Anne Hathaway interpreta seu contraposto, embora também jogue bem sujo, como por exemplo, quando coloca tinta azul no cabeleireiro de Kate. O jovem diretor Gary Winick que morreu precocemente em 2011 era um especialista nesse tipo de filme, tanto que dirigiu outras comédias românticas extremamente bem sucedidas nas bilheterias como "De Repente 30" (aquele simpático filme onde Jennifer Garner interpretava uma garotinha no corpo de uma mulher adulta de 30 anos) e "Cartas Para Julieta" (seu último filme, estrelado por Amanda Seyfried e que trazia de brinde uma participação mais do que especial da grande atriz Vanessa Redgrave). Nesse "Noivas em Guerra" o cineasta também conseguiu acertar ao explorar as pequenas (e grandes) maldades que podem existir dentro do universo das amizades femininas. É um passatempo muito inofensivo e sem maiores consequências mas que pode vir a divertir numa tarde sem nada melhor para assistir.

Pablo Aluísio.

sábado, 21 de fevereiro de 2015

Sniper Americano

Título no Brasil: Sniper Americano
Título Original: American Sniper
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros, Village Roadshow Pictures
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Jason Hall, baseado no livro de Chris Kyle
Elenco: Bradley Cooper, Sienna Miller, Kyle Gallner
  
Sinopse:
Chris Kyle (Bradley Cooper) é um jovem texano que decide se alistar no grupo de elite das forças armadas denominado SEAL após ficar chocado com um atentado terrorista a uma embaixada americana no exterior. Exímio atirador, acaba sendo escalado para fazer parte do grupo de atiradores de elite de seu pelotão. Em pouco tempo se torna um sniper, um soldado especializado em dar tiros de precisão a longa distância. Com seu talento acaba matando mais de cem inimigos no front, lhe valendo o apelido de "A Lenda" entre seus companheiros de luta. Filme baseado em fatos reais. Indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Ator (Bradley Cooper), Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Edição e Melhor Mixagem de Som. Vencedor do Oscar na categoria de Melhor Edição de Som. Também indicado ao BAFTA Awards nas categorias de Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Som.

Comentários:
Quem diria que nessa altura de sua vida o ator e diretor Clint Eastwood alcançaria a maior bilheteria de sua carreira! Imagine o número de filmes que ele realizou e dirigiu ao longo de todos esses anos e certamente você ficará surpreso ao saber que "Sniper Americano" acabou se tornando o maior êxito comercial de toda a sua filmografia. Clint parece ter melhorado ainda mais com a idade, tanto que apesar de ser um octogenário não se intimida com a velhice e nem pensa em se aposentar. Está firme e forte, já envolvido em inúmeros outros projetos. Ainda bem. O resulta só confirma que Clint está mesmo em plena forma criativa. Eastwood mostra mais uma vez que é de fato um exemplo de talento e vitalidade. Praticamente gostei de tudo em "American Sniper". O filme conseguiu mesclar dois aspectos que nem sempre conseguem conviver bem em fitas de ação mais convencionais. É bem sucedido ao explorar e mostrar o lado mais humano de Chris Kyle (Bradley Cooper), seus problemas adquiridos no campo de batalha, seus traumas e problemas no casamento sem perder o foco nas principais cenas de combate no campo de batalha. Assim Clint consegue como diretor se sair igualmente bem tanto nos dramas pessoais de seu personagem principal como nos momentos em que o mostra como um soldado que tem que realizar seu trabalho, mesmo que seja com o custo de muitas mortes de seus inimigos. O próprio Chris aliás se revela um militar muito interessante de se explorar em um filme como esse. Criado em uma típica família americana ele aprendeu a atirar desde cedo e depois com a explosão da guerra ao terrorismo internacional resolveu se alistar como voluntário em um grupo de elite da marinha americana. Era de certa forma um jovem patriota com uma certa dose de inocência sobre o que realmente se passava ao redor do mundo.

O resto é história. Ele acabou se tornando o mais mortífero atirador de elite da história das forças armadas americanas, tendo oficialmente abatido mais de 150 inimigos no front da guerra do Golfo (embora ele próprio contestasse essa informação alegando ter matado mais de 250 pessoas durante as quatro longas missões de que participou no Iraque). Claro que algo assim também traria uma carga emocional complicada de se lidar. Embora estivesse cumprindo seu estrito dever o fato é que em determinado momento de sua vida o peso de tantas mortes acabou pesando em seus ombros. Clint então procura mostrar os traumas psicológicos que acabou desenvolvendo em seu íntimo, embora externamente ainda cultivasse sua imagem de texano durão, bom de tiro e patriota. Eastwood inclusive foi criticado por certos setores da sociedade americana por ter, de certo modo, glamorizado a vida desse atirador, que publicamente dizia não ter se arrependido por nada do que fizera. Bobagem, considerei sua postura como cineasta nessa obra totalmente irrepreensível, do começo ao fim. Clint não endeusa ou idolatra seu personagem, não o ufaniza, apenas conta sua história da forma mais honesta possível, inclusive não esquecendo em nenhum momento de mostrar que ele era acima de tudo um ser humano que também sofria internamente pelas decisões que teve que tomar em batalha. Um belo filme, muito humano, que mostra que até mesmo nas mais mortíferas máquinas do complexo militar americano existe um resquício de humanidade, muitas vezes corroída por sua própria consciência e culpa por tudo o que precisou fazer em nome de sua querida pátria amada.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 20 de fevereiro de 2015

Piranhas 2 - Assassinas Voadoras

Título no Brasil: Piranhas 2 - Assassinas Voadoras
Título Original: Piranha Part Two - The Spawning
Ano de Produção: 1981
País: Estados Unidos
Estúdio: Brouwersgracht Pictures
Direção: James Cameron
Roteiro: Charles H. Eglee, James Cameron
Elenco: Lance Henriksen, Tricia O'Neil, Steve Marachuk, Ricky Paull Goldin, Leslie Graves, Carole Davis

Sinopse:
Uma instrutora de mergulho, seu namorado bioquímico e seu ex-marido chefe da polícia tentam relacionar uma série de mortes bizarras a uma linhagem mutante de piranha cujo covil é um navio cargueiro afundado em um resort em uma ilha do Caribe.

Comentários:
Era para ser uma sequência caça-níqueis, mas conseguiu ser algo a mais, apesar de suas limitações. James Cameron certamente pode ser a resposta. Ele já vinha com uma vontade fora de comum para vencer em Hollywood, então fosse o que fosse pintar, mesmo sendo um filminho B como esse, ele iria tentar fazer algo melhor do que o planejado. E fez. O filme, apesar de seu roteiro meio sem pé e nem cabeça, acabou virando um pipocão divertido. Claro que ver as piranhas voando no pescoço dos personagens era um pouco demais, entretanto também fazia parte do pacote. O resultado foi que esse segundo filme da franquia "Piranha" fez sucesso e despertou a atenção dos produtores para aquele diretor novato, cheio de energia e boas ideias na cabeça.

Pablo Aluísio.

Magnum 44

Título no Brasil: Magnum 44
Título Original: Magnum Force
Ano de Produção: 1973
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Ted Post
Roteiro: Harry Julian Fink, Rita M. Fink
Elenco: Clint Eastwood, Hal Holbrook, Mitch Ryan
  
Sinopse:
Considerado pela imprensa um justiceiro fora-da-lei o policial Harry Callahan (Eastwood), mais conhecido como "Dirty Harry" (Harry, o sujo), precisa se conter em sua sede de vingança contra os criminosos em geral. Para sua surpresa tudo indica que um novo justiceiro está nas ruas, fazendo justiça com as próprias mãos. Caberá agora a Harry descobrir o que está acontecendo, inclusive com pistas que levam a outros policiais.

Comentários:
Estou fazendo uma retrospectiva dos filmes de Clint Eastwood. Nesse fim de semana revi Magnum 44, segundo filme da série com o personagem Dirty Harry, o policial durão que não leva desaforos para casa A trama do filme é até simples: um grupo de policiais novatos na força se une para limpar as ruas de San Francisco com suas próprias mãos. Dirty Harry então tenta combater a corrupção policial. Algumas coisas me chamaram a atenção. Se no primeiro filme Harry, o Sujo, era o justiceiro, aqui na sequência ele luta contra o esquadrão da morte formado dentro de sua corporação. Não deixa de ser muito irônica a premissa do roteiro que coloca Harry combatendo colegas de farda que no fundo estão agindo de acordo com o seu próprio modo de pensar. Talvez os produtores tenham sentido as críticas contra o primeiro filme e colocaram o personagem de Clint Eastwood no outro lado da balança nessa continuação. Aqui ele combate justamente o que ele próprio defendia indiretamente em "Perseguidor Implacável".

Outro fato curioso: os vilões do filme são patrulheiros, usam capacete e roupas praticamente idênticas às usadas pelo vilão ciborgue de "Exterminador do Futuro 2", inclusive várias cenas de perseguição nas ruas de San Francisco me lembraram imediatamente do filme de James Cameron. Teria sido Plágio de Cameron? Pode ser, mais um na longa lista de situações mal contadas da filmografia de James Cameron, que já havia sido acusado de se apropriar de ideias alheias em seu filme de maior sucesso, "Avatar". Mas não é só ele que andou roubando cenas do roteiro desse filme. Uma cena, de Dirty Harry em um pequeno mercadinho, me lembrou também muito de uma das sequências mais famosas de "Stallone Cobra". O filme de Stallone também foi acusado de ser um plágio de Dirty Harry! Pois é, no mundo do cinema parece que nada se cria, tudo se recicla. Todos esses exemplos mostram como Dirty Harry virou paradigma dos filmes policiais até os dias atuais. Eu atribuo isso ao fato do personagem ser na realidade um justiceiro, como àqueles que vemos nos filmes de western, o que acaba saciando, mesmo que no mundo da ficção, a sede de justiça da sociedade moderna.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 19 de fevereiro de 2015

Em Busca da Terra do Nunca

Peter Pan é um dos personagens mais famosos do universo infantil. Ele foi criado originalmente em uma peça de teatro escrita pelo dramaturgo James Mathew Barrie (1860 – 1937) que vivia um momento particularmente complicado de sua vida. O autor vinha de um grande fracasso de público e crítica com sua última peça e precisava urgentemente de um novo sucesso para se redimir. Em busca de novas idéias resolveu certa tarde ir passear em um parque próximo de sua casa. Ao ver um grupo de crianças brincando de forma despreocupada pensou em como seria bom viver eternamente na infância, sem pressões, sem obrigações, apenas brincando e vivendo sem preocupações. Diante desses pensamentos J.M. Barrie acabaria criando “Peter Pan”, um garoto que se recusava a crescer e deixar seus anos de criança para trás. É justamente a história da criação desse personagem imortal que acompanhamos no filme “Em Busca da Terra do Nunca”. O criador de Peter Pan é interpretado pelo astro Johnny Depp, aqui despido de maquiagem pesada, sempre presente em seus maiores sucessos. O ator fez pesquisa sobre Barrie mas de uma forma em geral não se destaca em sua atuação, se mostrando bem mais contido do que o habitual.
 
Interpretando o produtor teatral Charles Frohman o elenco ainda traz o grande Dustin Hoffman. Para quem não se lembra uma de suas atuações mais famosas foi justamente em “Hook”, uma versão de Peter Pan sob as lentes de Steven Spielberg. Lá ele fazia um Capitão Gancho afetado e histriônico. Mas sua presença não ajuda muito. Até a sempre marcante Kate Winslet está apagada. Em termos de elenco o grande destaque mesmo é a presença de Julie Christie, atriz de “Dr Jivago” que marcou época por causa de sua beleza nórdica. Apesar dos anos não perdeu a elegância e o estilo. Assim em termos gerais podemos dizer que o filme é muito bem realizado, com excelente reconstituição histórica e direção de arte caprichada e bonita mas é aquele tipo de produção que não tem um enredo dramaticamente forte o suficiente para se tornar interessante. O dramaturgo era, apesar de seu talento inegável para escrever, uma pessoa praticamente comum, sem grandes dramas a contar em sua vida pessoal. Ele acaba se tornando próximo a uma viúva e seus quatro filhos (que serviriam como fonte de inspiração para Peter Pan) mas fora isso nada de muito marcante acontece deixando o filme em muitos momentos arrastado, por não ter uma história melhor para contar. Vale como curiosidade histórica para se conhecer um pouco mais da vida do criador de Peter Pan e é só.

Em Busca da Terra do Nunca (Finding Neverland, Estados Unidos,  2003) Direção: Marc Forster / Roteiro: Allan Knee, David Magee / Elenco: Johnny Depp, Kate Winslet, Radha Mitchell, Julie Christie, Dustin Hoffman / Sinopse: Dramaturgo em crise após o fracasso de sua última peça de teatro resolve escrever algo completamente diferente. Seu novo texto era a estória infantil de um grupo de crianças que se recusam a crescer. O nome da peça? Peter Pan.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 18 de fevereiro de 2015

Procura-se Amy

Título no Brasil: Procura-se Amy
Título Original: Chasing Amy
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax
Direção: Kevin Smith
Roteiro: Kevin Smith
Elenco: Ben Affleck, Joey Lauren Adams, Ethan Suplee
  
Sinopse:
Holden McNeil (Ben Affleck) e seu amigo Banky Edwards (Jason Lee) tentam ganhar a vida escrevendo histórias em quadrinhos. Eles moram em New Jersey e são amigos desde a infância. Ambos na verdade se consideram até mesmo irmãos, mas esse sentimento de camaradagem acaba ficando abalado quando surge na vida deles a bela jovem Alyssa Jones (Joey Lauren Adams). Holden fica completamente apaixonado por ela e imediatamente começa a ter ciúmes da aproximação de Banky com a garota. O que ele não sabe é que ela tem um segredo que poucos conhecem. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz - Comédia ou Musical (Joey Lauren Adams). Também indicado ao Boston Society of Film Critics Awards na categoria de Melhor Roteiro. 

Comentários:
Kevin Smith realizou dois bons filmes tentando retratar a realidade de sua juventude. Um deles, provavelmente o melhor, foi "O Balconista", explorando o niilismo da vida dos jovens americanos da época. Depois sofisticou melhor seu roteiro e escreveu essa bela história de amor platônico, "Procura-se Amy". Em seu lançamento o filme causou uma boa repercussão entre os cinéfilos mais jovens e cults, que procuravam por algo com que se identificar. Não havia como negar que os jovens dos anos 1990 não tinham ainda sido bem retratados na telas até aquele momento. A personagem central, fruto do desejo de todos os marmanjões do roteiro, é na verdade lésbica e por essa razão está pouco interessada no assédio dos caras da região em que vive. Essa forma cool de ser, deixa os seus pretendentes ainda mais loucos por ela. O interessante é que apesar de ser gay ela não apresenta os clichês mais ofensivos que se poderia pensar. Ela é linda, sofisticada, educada, delicada e muito feminina. Isso de certa maneira quebrou muito dos estereótipos que algumas lésbicas tinham sofrido no passado em filmes, principalmente naqueles que as retratavam como pessoas grosseiras e masculinizadas. No mais é aquela coisa, o fruto proibido é sempre mais saboroso, não importa de que gênero ele pertença.

Pablo Aluísio.

Minhas Adoráveis Ex-Namoradas

O cinemão americano geralmente não perde a chance de emplacar roteiros de fundo extremamente moralistas. Um exemplo perfeito disso é essa produção “Minhas Adoráveis Ex-Namoradas”, uma comédia romântica que em um só cadeirão junta aspectos de clássicos do passado, contos de natal e estórias moralizantes apenas para defender um ponto de vista ultrapassado sobre a vida sentimental do homem moderno. Na trama acompanhamos a rotina de Connor Mead (Matthew McConaughey), um fotografo que vive de clicar modelos famosas em lugares maravilhosos. Bem sucedido, solteirão convicto, ele não quer nem ouvir falar de compromisso sério. Prefere levar sua vida mansa de forma tranqüila. Casamento? Nem pensar! Na verdade Connor segue os passos e os conselhos de seu falecido tio Wayne (Michael Douglas) que tinha o mesmo estilo de vida. Tudo corre muito bem em sua vida até que Connor é convidado para o casamento do irmão. Chegando lá tenta convencer o mano de todas as formas do erro que está prestes a cometer. Até porque casamento é simplesmente o fim da picada em seu modo de pensar. Para sua surpresa seu tio falecido surge a ele em uma alucinação para tentar demonstrar que apesar dos prazeres que esse tipo de solteirice pode prover há também o lado negativo. Para isso três fantasmas o levarão para o passado, o futuro e o presente para realidades paralelas onde Connor finalmente entenderá os perigos da vida que leva.

Sinceramente, que bobagem é esse filme! O argumento tenta vender a idéia equivocada de que apenas o casamento traz felicidade, fato que os números cada vez maiores de divórcios na sociedade, a cada ano, provam ser justamente o contrário. Usar da famosa obra de Charles Dickens como forma de tentar defender esse tipo de ponto de vista é outro equívoco do roteiro. Além disso a total reviravolta no modo de pensar do personagem de Matthew McConaughey, que de solteirão mulherengo passa a ser um cordeirinho apaixonado  louco para se casar, soa não apenas inverossímil como completamente sem noção. O próprio Matthew McConaughey parece até mesmo brincar com a falta de nexo do roteiro pois mesmo quando surge o “novo eu” de seu personagem ele segue com o mesmo estilo de interpretação, agora com  um sorrisinho cínico nos lábios. Era como se quisesse passar ao espectador a idéia de que ele continuava o mesmo, apesar das besteiras do roteiro do filme. Por fim temos Michael Douglas em um papel ingrato. Eu sou particularmente fã do ator e não gostei nem um pouco em vê-lo nesse personagem, a de um playboy arrependido das escolhas que fez em sua vida. O próprio Douglas parece não acreditar muito no que prega em cena, dando inclusive em cima de uma das “fantasmas”. Para quem conhece a história pessoal de vida do ator o argumento só poderá soar mesmo como uma grande piada. Enfim, esqueça, há comédias românticas bem melhores por aí – e bem mais inteligentes. “Minhas Adoráveis Ex-Namoradas” com seu argumento cafona é completamente dispensável.

Minhas Adoráveis Ex-Namoradas (The Ghosts of Girlfriends Past, Estados Unidos, 2009) Direção: Mark Waters / Roteiro: Jon Lucas, Scott Moore / Elenco: Matthew Mcconaughey, Michael Douglas, Jennifer Garner, Lacey Chabert, Emma Stone / Sinopse: Solteirão mulherengo recebe a “visita” de seu tio falecido que tentará lhe convencer de mudar de vida, arranjando uma esposa para se casar.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 17 de fevereiro de 2015

Ratatouille

Mais uma animação com o selo Pixar. E o que significa isso? Significa que é ele já chega sob a expectativa de um produto de excelente nível técnico. A Pixar durante todos esses anos simplesmente revolucionou o mundo da animação para o cinema com vários filmes que hoje em dia podem ser considerados até mesmo clássicos modernos do gênero. Esse “Ratatouille” já chegou com as expectativas extremamente altas por essa razão. Infelizmente não cumpriu tudo aquilo que se esperava dele. Apesar de ter sido extremamente premiado (ganhou o Oscar, o Bafta e o Globo de Ouro de melhor animação do ano) ainda considero um longa menor dentro da vasta galeria de preciosidades da Pixar. Isso não significa que seja ruim, muito longe disso, mas perde se o compararmos com os outros produtos do estúdio. O diretor Brad Bird é o mesmo de “Os Incríveis”. Pois bem, considero “Ratatouille” bem abaixo do charme da animação anterior desse cineasta. Eu atribuo parte disso ao fato da Pixar ter sido comprada pela Disney. Cansada de concorrer com a genialidade dos animadores do estúdio Pixar o império de Mickey Mouse resolveu simplesmente comprar o concorrente. Se não se pode vencê-los, junte-se a eles.  Ou como no caso aqui, os compre logo de uma vez.

A Disney como se sabe tem um padrão de qualidade em seus produtos, tirando qualquer tipo de conteúdo mais ousado ou ofensivo. Assim após adquirir a Pixar os animadores do pequeno estúdio tiveram que se adaptar na nova realidade. “Ratatouille” mostra bem isso. A própria imagem dos personagens segue muito mais o padrão Disney do que o que estávamos acostumados a ver na Pixar. E nem precisa lembrar que o protagonista é um ratinho (alô? Mickey?). Assim temos uma animação boa, não restam dúvidas, mas também muito caretinha, certinha e sem os vôos ousados que estávamos acostumados em ver em algumas animações do tempo em que a Pixar era completamente independente em seu setor de criação. O enredo também é do tipo fofinho – bem ao estilo Disney de ser. Na estória acompanhamos o ratinho Remy que tem o sonho de se tornar um grande chef de cozinha na mais sofisticada de todas as cidades do mundo em termos de gastronomia, Paris. O problema é que ele é um rato e provavelmente por isso jamais realizará seu sonho. Para colocar em prática seus dotes culinários ele precisará de um ser humano e esse lhe aparece finalmente pela frente, o desastrado Linguini. Aspirante a se tornar um grande mestre com as panelas ele não tem o talento do ratinho Remy. Assim ambos resolvem se unir – ajudando um ao outro eles começam a subir na carreira mas não sem antes despertar a inveja e a cobiça de um rival. Como se vê é um enredo tradicional, sem maiores surpresas. Para finalizar cabem aqui duas observações finais. Primeiro, “Ratatouille” é mais indicado para crianças bem pequenas – com menos de dez anos de idade. Segundo, o roteiro é completamente limpo e inofensivo e por essa razão os pais podem deixar seus filhos assistirem ao longa sem nenhum tipo de preocupação com seu conteúdo.

Ratatouille (Ratatouille, Estados Unidos, 2007) Direção: Brad Bird / Roteiro: Brad Bird, Jim Capobianco, Emily Cook, Kathy Greenberg, Jan Pinkava, Bob Peterson / Elenco (vozes): Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter Sohn, Peter O'Toole, Brad Garrett, Janeane Garofalo / Sinopse: Ratinho que sonha ser um grande chef de cozinha se une a um desastrado aspirante a cozinheiro para fazer sucesso em um restaurante na cidade de Paris.

Pablo Aluísio.

Birdman

Título no Brasil: Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)
Título Original: Birdman
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Alejandro González Iñárritu
Roteiro: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone
Elenco: Michael Keaton, Edward Norton, Zach Galifianakis, Emma Stone, Naomi Watts, Amy Ryan
  
Sinopse:
Riggan (Michael Keaton) é um velho ator que no passado fez muito sucesso com a adaptação de um personagem em quadrinhos chamado Birdman no cinema. Agora, decadente e sem propostas, ele decide arriscar seus últimos recursos para montar uma peça dramática na Broadway em Nova Iorque. Com uma produção complicada, repleta de atores temperamentais e com problemas de relacionamento, aliado a uma crítica abertamente hostil ao seu trabalho, Riggan precisa vencer nos palcos para continuar vivo e isso não apenas do ponto de vista profissional. Filme vencedor do Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Michael Keaton) e Melhor Roteiro. Indicado a onze Oscars, inclusive nas categorias de Melhor Filme, Roteiro, Fotografia, Ator (Michael Keaton), Ator Coadjuvante (Edward Norton) e Atriz Coadjuvante (Emma Stone). Filme vencedor do Oscar 2015 nas categorias de Melhor Filme, Melhor Direção (Alejandro González Iñarritu), Melhor Roteiro Original (Alejandro G. Iñarritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. e Armando Bo) e Melhor Direção de Fotografia (Emmanuel Lubezki).

Comentários:
A grande quantidade de indicações e prêmios ao redor do mundo é plenamente justificada. "Birdman" é de fato um grande filme. Inicialmente você fica meio surpreso como a forma em que tudo se desenvolve. Temos esse ator de meia idade, já decadente, jogando suas últimas fichas em uma peça teatral a ser encenada na Broadway. Sua última ambição é ser levado à sério, algo complicado já que as pessoas não conseguem dissociar sua imagem de um filme de sucesso do passado onde ele interpretou um personagem de quadrinhos chamado "Birdman". Após aqueles anos iniciais gloriosos a idade finalmente chegou, os convites de Hollywood sumiram e tudo o que sobrou foi uma velha celebridade deprimida, angustiada, com problemas emocionais e crises psicológicas. Tentar algo no teatro e logo no berço sagrado da Broadway se revela realmente algo muito ambicioso e para muitos pretensioso demais. Para piorar os bastidores da peça são completamente caóticos. Há problemas em arranjar dinheiro, os atores são pessoas emocionalmente instáveis e uma arrogante crítica da cidade acha um absurdo e um disparate um ator de cinema, vindo de adaptações de quadrinhos de Hollywood, ter a petulância de tentar vencer nos mesmos palcos que um dia viram desfilar alguns dos maiores talentos dramáticos dos Estados Unidos. 

Eu apreciei cada momento desse roteiro. Ele é muito bem escrito e tenta desvendar a alma desse personagem cativante, um velho ator, que sabe que o tempo passou e ele ficou para trás. O paralelo que se cria com a própria carreira de Michael Keaton se torna muito forte, até porque ele também se notabilizou por interpretar um herói de quadrinhos no cinema, o Batman. É certamente de se louvar a coragem de Keaton em encarar esse tipo de papel de frente, de peito aberto e sem receios. Tenho certeza que no mundo dos egos inflados da indústria cinematográfica americana poucos se arriscariam a viver tal personagem. O interessante é que seu papel também me lembrou muito de outros astros que tiveram uma existência profissional marcada por um personagem forte demais que jamais o abandonaram, por mais talentosos que fossem, como Christopher Reeve, por exemplo. Edward Norton, mais uma vez, também se destaca, principalmente ao dar vida a esse atorzinho cretino que está mais interessado em sair com as mulheres que encontra pela frente do que com o sucesso efetivo da peça. Outra coisa que me deixou realmente gratificado foi acompanhar a linha narrativa, ora em uma visão objetiva do que se passa, ora de forma subjetiva, nos fazendo entrar na mente do personagem de Keaton, ouvindo o que ele ouve, vendo suas alucinações e sentindo suas emoções. Uma grande aula de cinema que também presta uma bela homenagem ao mundo do teatro. Um filme realmente completo, sob todos os pontos de vista. Obra prima.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 16 de fevereiro de 2015

O Grande Hotel Budapeste

Título no Brasil: O Grande Hotel Budapeste
Título Original: The Grand Budapest Hotel
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Wes Anderson
Roteiro: Stefan Zweig, Wes Anderson
Elenco: Ralph Fiennes, F. Murray Abraham, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray, Edward Norton

Sinopse:
Em um hotel decadente, que já fora um dos mais luxuosos e requintados do passado, o Sr. Moustafa (F. Murray Abraham) relembra a um escritor como se tornou dono do estabelecimento, desde os anos 1930, quando pisou pela primeira vez no local para um de seus primeiros empregos, de mensageiro. Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Direção, Melhor Ator - Comédia ou Musical (Ralph Fiennes) e Melhor Roteiro. Vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme - Comédia ou Musical. Filme vencedor do Oscar 2015 nas categorias de Melhor Trilha Sonora Original (Alexandre Desplat), Melhor Figurino, Melhor Maquiagem e Penteado e Melhor Direção de Arte.

Comentários:
Quem conhece o estilo do diretor Wes Anderson certamente não vai se surpreender muito. Ele tem uma estética toda própria e a utiliza para contar suas histórias incomuns. Por outro lado considerei esse um de seus filmes mais simpáticos e bem realizados. Longe de seus conhecidos exageros o cineasta conseguiu ser fiel à sua forma sui generis de fazer cinema ao mesmo tempo em que conseguiu tornar seu filme bem mais acessível ao grande público. Não há como negar que é um trabalho honesto e muito íntegro em seus objetivos. A direção de arte é um show à parte, com soluções visuais de muito bom gosto. O roteiro também me deixou extremamente satisfeito pois tem ótimos diálogos, principalmente os provenientes do personagem Mr. Gustave (Ralph Fiennes). Um tipo tão pedante que faz rir. Aqui abro um pequeno parêntese para elogiar o surpreendente feeling para comédias por parte de Ralph Fiennes. Ator talentoso que sempre se destacou por dramas pesados em produções requintadas e de estilo, mostra completa desenvoltura com o humor, um lado de sua personalidade que eu ainda desconhecia. Aqui ele dá vida a um grã-fino mordomo que nem pensa duas vezes antes de seduzir senhoras idosas e... ricas! Um canastrão, levemente mal caráter, que acaba ganhando a simpatia do espectador por causa de seu jeito um tanto quanto distante do mundo real. 

Outro fato que considero digno de elogios vem da estrutura narrativa de seu enredo. São três saldos temporais, o primeiro mostrando um velho autor ditando suas lembranças de como escreveu o grande livro de sua vida. O segundo, décadas antes, quando esse mesmo escritor conheceu a história do misterioso dono do hotel Budapeste e por fim um novo recuo no tempo explorando os anos 1930 quando esse mesmo homem rico chegou pela primeira vez no grande hotel para trabalhar como um mero mensageiro. Nem preciso dizer que as três linhas narrativas se completam maravilhosamente bem. Por fim e não menos importante temos que elogiar praticamente todo o elenco - e por falar nisso que elenco é esse?! Grandes astros, atores de primeiro time, todos empenhados em fazer o filme dar certo. Alguns só aparecem em breves momentos e outros mal possuem duas linhas de diálogo para falar. Mesmo assim cada um tem sua importância na trama. Enfim, provavelmente seja uma das comédias mais bem produzidas que assisti em minha vida. Wes Anderson não é um diretor para todos os gostos, mas aqui temos que reconhecer que ele chegou muito perto de realizar a sua grande obra prima. 

Pablo Aluísio.

O Jogo da Imitação

Título no Brasil: O Jogo da Imitação
Título Original: The Imitation Game
Ano de Produção: 2014
País: Inglaterra, Estados Unidos
Estúdio: The Weinstein Company, Black Bear Pictures
Direção: Morten Tyldum
Roteiro: Andrew Hodges, Graham Moore
Elenco: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Matthew Goode
  
Sinopse:
Durante a Segunda Guerra Mundial se torna vital ao governo inglês decifrar os códigos criptografados de comunicação das forças armadas alemãs. Para isso se resolve formar um grupo de alto nível, com cientistas e matemáticos renomados. Um deles, Alan Turing (Benedict Cumberbatch), logo se destaca ao propor a construção de uma enorme máquina de descodificação denominada de "Christopher". Mesmo contando com a desconfiança dos militares e o ceticismo de seus próprios companheiros de pesquisas ele segue em frente, numa das mais importantes missões de toda a história da guerra. Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Ator (Benedict Cumberbatch), Melhor Atriz (Keira Knightley), Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Som. Filme vencedor do Oscar 2015 na categoria de Melhor Roteiro Adaptado (Graham Moore)

Comentários:
Um excelente filme que procura enfocar em um dos momentos mais cruciais de toda a guerra. Para os ingleses o conflito vinha sendo desenvolvido de forma desastrosa, com muitas baixas e perdas nos campos de batalha. Apenas um serviço de espionagem eficaz poderia reverter o quadro desalentador. Assim foi criado um grupo de gênios em suas áreas de conhecimento que tinha como principal objetivo quebrar o código alemão de comunicação conhecido como Enigma. Não era uma tarefa fácil. Havia milhões de combinações possíveis e nenhuma pista sólida para se chegar a uma solução para o quebra cabeças. Foi então que se destacou o matemático Alan Turing (Benedict Cumberbatch). Pessoalmente era um sujeito bem estranho e esquisito, cheio de manias e com pouco talento no trato social. Extremamente lógico e direto, ele certamente não seria reconhecido por ser um homem amável ou simpático, porém possuía uma dessas mentes raras, com imenso talento para decifrar códigos e mensagens secretas. Seu modo de pensar de forma abstrata, bem à frente de seu tempo, daria origem a uma enorme máquina, quase do tamanho de uma sala, apenas para fazer cálculos que seriam impossíveis para a mente de um ser humano comum. Bom, se a figura de um computador primitivo veio em sua mente você está certo! De certa maneira foi isso mesmo que Turing construiu, um dos primeiros computadores da história. Ele inclusive foi um dos pioneiros na ideia inovadora de se criar um computador digital provido de inteligência artificial! Era realmente um privilegiado. Curiosamente também tinha um complicado segredo para guardar de foro íntimo, que poderia o levar até mesmo para a prisão de acordo com as leis inglesas da época. Em suma, um belo resgate histórico desse sujeito que hoje em dia poucos conhecem, mas que foi tão crucial na vitória contra os nazistas quanto qualquer soldado no campo de batalha. No final de tudo a grande mensagem que o filme passa é simples de se resumir: uma guerra não se vence apenas com armas, mas com inteligência também!

Pablo Aluísio.

domingo, 15 de fevereiro de 2015

Dois é Bom, Três é Demais

Comédia romântica de costumes. Esse estilo de filme era muito popular na década de 1960 e teve seu auge nas produções estreladas pelo casal “modelo” Rock Hudson e Doris Day. Aqui em “Dois é Bom, Três é Demais” temos uma fórmula requentada desses antigos filmes. No enredo um casal de caretinhas, interpretado pela atriz Kate Hudson e pelo ator Matt Dillon, acaba tendo que lidar com uma situação no mínimo constrangedora. Após o casamento o padrinho e grande amigo do marido, o cabeça fria Dupree (Owen Wilson), perde o emprego e sem ter onde morar acaba ficando morando na casa com o casal de pombinhos. No começo Dupree deixa claro que sua estadia ali será temporária, até ele arranjar um novo emprego, mas ele simplesmente não consegue trabalho mais! Na verdade o personagem adota um estilo de vida simplório, sem ligar muito para coisas materiais, o que acaba lhe atrapalhando pois sem formação e sem profissão fica mais do que complicado achar um emprego que se encaixe ao seu perfil. A situação completamente constrangedora então se cria pois a presença de Dupree na casa tira a intimidade do casal que também não pode simplesmente expulsar o sujeito pois ele invariavelmente iria parar na rua.

O roteiro não traz absolutamente nada demais. Como se trata de um texto de costumes as situações engraçadas surgem da complicada convivência de Dupree com o casal. A boa notícia é que o texto surge “limpo” sem as baixarias costumeiras que andam invadindo as comédias americanas nos últimos tempos. Como não poderia deixar de ser o filme se apóia quase que completamente na presença carismática de Owen Wilson, que construiu toda a sua carreira em cima de apenas um tipo de personagem, a do adolescente tardio, um sujeito que passa da idade, se torna trintão, mas segue se comportando como um adolescente qualquer, levando a vida na flauta. Kate Hudson segue também na mesma, fazendo a eterna “namoradinha da América” de sempre. Em termos de curiosidade temos em cena um Michael Douglas completamente deslocado, aqui representando uma espécie de símbolo da ganância do americano médio. Dupree, ao contrário disso, não tem grandes ambições na vida, apenas ser feliz da melhor maneira que puder. Deixando um pouco de lado o filme em si é interessante relembrar o terrível acontecimento que se abateu sobre o ator Owen Wilson nos bastidores. Após seu rompimento com Kate Hudson (eles sempre tiveram um relacionamento amoroso dos mais complicados), Owen parece ter perdido todo o seu bom humor ao tentar se suicidar! Quando soube da notícia fiquei perplexo porque afinal de contas o ator sempre cultivou aquela imagem de sujeito boa praça e cabeça fria nas telas. De repente vê-lo ali no noticiário, entre a vida e a morte, realmente me surpreendeu. Nesse caso a arte não imitou a vida.

Dois é Bom, Três é Demais (You, Me and Dupree, Estados Unidos, 2006) Direção: Anthony Russo, Joe Russo / Roteiro: Mike LeSieur / Elenco: Owen Wilson, Matt Dillon, Kate Hudson, Michael Douglas, Seth Rogen, Amanda Detmer / Sinopse: Após seu casamento um casal se vê numa situação complicada: o amigo e padrinho do noivo, sem emprego e sem dinheiro, começa a morar com eles.

Pablo Aluísio.

Para Sempre Alice

Título no Brasil: Para Sempre Alice
Título Original: Still Alice
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: BSM Studio
Direção: Richard Glatzer, Wash Westmoreland
Roteiro: Lisa Genova, Richard Glatzer
Elenco: Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth

Sinopse:
A Dra. Alice Howland (Julianne Moore) está vivendo um dos melhores momentos de sua carreira. Pesquisadora e professora aclamada pela Academia, ela finalmente é contratada pela prestigiada Universidade de Columbia. Infelizmente para Alice pequenos esquecimentos e lapsos de memória começam a lhe prejudicar na profissão. Preocupada com esses pequenos eventos recorrentes em seu cotidiano, ela resolve consultar um neurologista. Após vários exames vem a terrível notícia: ela está com Mal de Alzheimer. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Julianne Moore). Filme vencedor do Oscar 2015 na categoria Melhor Atriz (Julianne Moore).

Comentários:
Todos os anos cresce o número de pessoas diagnosticadas com o Mal de Alzheimer. Essa é uma doença devastadora que atinge a capacidade dos doentes em reter memórias, novas e antigas, além de prejudicar as funções de cognição e comunicação do cérebro. Agora imagine uma brilhante professora atingida em cheio por essa síndrome. A personagem de Julianne Moore é uma autora de livros, uma professora muito respeitada no meio acadêmico, que sempre se destacou por sua inteligência e capacidade intelectual. Assim que a doença começa a se manifestar ela vai perdendo gradualmente não apenas sua saúde, mas também sua carreira, pois fica incapacitada de trabalhar, de dar aulas. Sua família então se une para enfrentar essa batalha terrível. O filme é muito bem dirigido e conta com um roteiro muito sutil que procura tocar o tema sem sensacionalismos ou exageros, obviamente adotando uma postura de grande respeito para com os doentes. O tom discreto e elegante também é seguido por todo o elenco, em especial Julianne Moore, que desde já é uma das mais fortes candidatas ao Oscar. Alec Baldwin também encontrou o tom ideal, não procurando ofuscar sua parceira em cena, interpretando o marido compreensivo e presente no definhamento do estado de saúde da esposa. Para os mais jovens o grande atrativo virá da presença da atriz Kristen Stewart (a Bella Swan da Saga Crepúsculo). Ela dá vida à caçula de Alice, uma garota que quer ser atriz, mesmo contra a vontade de sua mãe, que deseja que ela vá para a universidade cursar algo mais tradicional como Medicina ou Direito. No final das contas "Still Alice" se destaca por tratar de um tema muito triste e trágico de uma maneira muito delicada e adequada.

Pablo Aluísio.

sábado, 14 de fevereiro de 2015

The Doors

Uma das melhores cinebiografias já feitas sobre um astro de Rock. Além de contar com o genial Oliver Stone na direção o filme traz a melhor interpretação de toda a carreira de Val Kilmer. É impressionante, só quem conhece e assistiu as cenas do verdadeiro Jim Morrison entende como Kilmer foi simplesmente perfeito em sua encarnação do King Lizard, o mais alucinado dos cantores que já pisou na face da terra. Sua entrega ao personagem é comovente e sendo muito sincero Kilmer deveria ter levado o Oscar por sua personificação. O filme só não é nota 10 no quesito atuação por causa de Meg Ryan. O problema principal é que ela continuou fazendo novamente o seu eterno papel de namoradinha da América, caracterização completamente inadequada de Pamela, a namorada de Jim. O que vemos em cena com Ryan é um personagem totalmente diferente da verdadeira namorada de Morrison.. Na vida real ela era uma mulher de sua época, que usava muitas drogas, praticava sexo livre e tinha problemas com sua família. No filme nada disso é mostrado e ela virou uma menininha boazinha. Oliver Stone com medo de ser processado pelos pais da Pamela real suavizou demais a figura. Assim até não culpo muito Oliver Stone. Um processo nos EUA é coisa séria. Quando o filme começou a ser rodado a família dela se reuniu com o estúdio e deixou claro que qualquer "afronta" à memória de sua filha resultaria em um pesado processo judicial. Com receio eles recuaram e Meg Ryan interpretou mais uma de suas inúmeras "garotas boazinhas". O interessante é que Morrison foi retratado com veracidade, mesmo sendo seu pai um militar linha dura da Marinha. A produção não teve problemas nesse aspecto com a família Morrison.

Ray Manzareck, o tecladista dos Doors, também criticou o filme em relação ao próprio Jim Morrison. Ele disse que sua caracterização no filme saiu muito soturna e fechada. Para Manzareck Jim também era uma pessoa bem humorada, divertida e alegre (quando estava sóbrio, é claro). Oliver Stone respondeu a crítica e disse que Manzareck estava apenas chateado pois ele é que gostaria de ter dirigido o filme (o músico também é formado em cinema pela UCLA). O roteiro não se preocupa em avançar além da morte de Jim. Como se sabe existe toda uma teoria da conspiração afirmando que ele não teria realmente morrido como alega a versão oficial. O problema é que Jim morreu em Paris e foi enterrado rapidamente. Em pouco tempo surgiram inúmeros boatos de que ele não teria morrido (pelo jeito não é apenas Elvis que não morreu). Mas analisando bem percebemos que é tudo uma grande bobagem. O cantor era um junkie extremo, usou em excesso todos os tipos de drogas imagináveis. Esse é o grande pecado da geração anos 60: em busca de total liberdade acabaram presos no mundo dos narcóticos e afins.. Jim Morrison realmente morreu no dia 3 de julho de 1971 - em Paris. Sua namorada Pamela morreu três anos depois, também por overdose de drogas. O filme não cita essa última informação. No saldo geral não há como não gostar de The Doors, mesmo com todos esses pequenos deslizes. É um excelente retrato de um dos mais carismáticos artistas da história do rock americano.

The Doors (The Doors, Estados Unidos, 1991) Direção: Oliver Stone / Roteiro: Randall Jahnson, Oliver Stone / Elenco: Val Kilmer, Meg Ryan, Kyle MacLachlan, Frank Whaley e Kevin Dillon / Sinopse: Durante a década de 1960 um grupo de amigos da faculdade resolvem formar uma banda de rock psicodélico. Inspirada na famosa obra sobre as portas da percepção resolvem denominar o novo grupo de "The Doors". Cineobiografia do cantor e compositor Jim Morrison (Val Kilmer), vocalista da banda que mudou a face do rock americano na segunda metade dos anos 60.

Pablo Aluísio.

Será Que?

Título no Brasil: Será Que?
Título Original: What If
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: CBS Films
Direção: Michael Dowse
Roteiro: Elan Mastai, T.J. Dawe
Elenco: Daniel Radcliffe, Zoe Kazan, Megan Park
  
Sinopse:
Depois de ter sido traído por sua namorada o jovem estudante de medicina Wallace (Daniel Radcliffe) decide mudar completamente de vida. Larga a faculdade e entra uma depressão que dura todo um ano. Para curtir sua melancolia ele passa as noites no teto de seu apartamento, fitando a lua ao longe. Ainda machucado e ferido decide aceitar o convite de um amigo para ir numa festa em sua casa. Lá acaba conhecendo casualmente a doce e interessante Chantry (Zoe Kazan). Ele fica imediatamente interessado nela, mas como o mundo não é perfeito ela já tem um namorado. Assim Wallace resolve ficar na complicada situação de se tornar amigo dela - mas até quando conseguirá esconder o que realmente sente por ela?

Comentários:
Amor platônico é aquele tipo de sentimento que nasce quando você se apaixona por alguém e não é correspondido ou então não cria coragem para se declarar para sua pessoa amada. Claro que isso acaba causando uma grande angústia e sofrimento. Para piorar é uma situação que pode durar por anos e anos, persistindo mesmo quando se chega a namorar ou se casar com outra pessoa. O amor platônico é duradouro porque para muitos especialistas é o mais puro amor que existe, e o mais idealizado também. Um sentimento muito forte que bate firme no peito e pode ficar escondidinho no coração por décadas! Agora imagine duas pessoas se amando platonicamente mutuamente sem que nenhuma delas tenha coragem de assumir para o outra seus sentimentos. É basicamente isso que temos aqui nesse bom romance intitulado "What If". 

Daniel Radcliffe interpreta esse jovem que deseja ter uma segunda chance no amor. Ele foi destroçado pela noiva que ele considerava ser o grande amor de sua vida. Agora vai atrás de outra oportunidade, mas acaba se apaixonando por uma garota que já tem namorado e está seriamente comprometida. Curiosamente ela também começa a nutrir um amor platônico por ele, já que seu noivo é definitivamente um sujeito chato e enfadonho (um daqueles caras tão certinhos como xaropes). Entre idas e vindas, encontros e desencontros, Wallace e Chantry acabam descobrindo que se amam, mesmo contra todas as convenções sociais. Por fim, e não menos importante, o elo que acaba ligando os apaixonados é um exótico pão chamado "Ouro de Tolo", que aliás era o preferido de Elvis Presley (o enredo inclusive explora muito bem esse detalhe e os fãs do cantor vão curtir as referências). Assim o que temos aqui é uma bela história de amor para se assistir a dois, abraçadinhos debaixo do cobertor. Se algum dia você se apaixonou platonicamente por alguém certamente irá se identificar. Afinal de contas o amor sempre será lindo!

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 13 de fevereiro de 2015

Sociedade dos Poetas Mortos

Depois de muitos anos tive a oportunidade de rever “Sociedade dos Poetas Mortos”. Esse filme eu tive o privilégio de ver no cinema, ainda na época de seu lançamento, em um dos mais tradicionais cinemas da minha cidade que infelizmente nem existe mais. Na época causou bastante repercussão pois colocava como tema central aquele velho choque de gerações que geralmente acontece na vida de todos nós. Os pais desejam que os filhos sigam por um determinado caminho na vida, abraçando certas profissões, se esquecendo ou ignorando que nesse processo eles estão na verdade soterrando as verdadeiras vocações dos jovens. No filme acompanhamos a rotina de um grupo de estudantes de uma tradicional escola americana. 

A disciplina é rígida e o tempo dos alunos é completamente preenchido com atividades escolares. Quem estudou em instituições de ensino parecidas certamente vai se identificar. No meio de tanto conservadorismo eis que surge um novo professor de inglês e literatura, o nada convencional Sr. Keating (Robin Williams) que logo no primeiro dia de aula incentiva seus alunos a rasgarem as primeiras páginas de um livro de poesia que tenta explicar através de fórmulas tediosas as regras que um bom poeta e escritor deve seguir. O ato extremamente ousado e inovador tenta demonstrar aos estudantes que o mais importante ao se escrever não é seguir velhas fórmulas moribundas mas sim seguir a emoção e o sentimento, acima de tudo. 

A partir desse momento o professor vira uma espécie de mentor de todos aqueles jovens, os incentivando a procurarem por novas experiências, ousarem mais em suas vidas, tanto na escola como fora dela. Um dos alunos, por exemplo, nutre o sonho de se tornar ator, abraçar a carreira de teatro mas isso é completamente reprimido por seus pais que consideram aquilo extremamente indigno de sua família. “Sociedade dos Poetas Mortos” ainda é um belo filme, com mensagem muito relevante e extremamente bem realizada. Provavelmente seja o melhor momento do ator Robin Williams no cinema. Aqui ele deixa o lado mais cômico de lado para abraçar o humanismo, a sensibilidade e o apego às paixões da vida. A expressão “Carpe Diem” (aproveite o dia) acabou virando um lema a ser seguido por todos. Jovens que sonham em realizar seus sonhos, fora do ambiente castrador da escola. Eu me recordo que gostei bastante quando assisti pela primeira vez, ainda na década de 1980 e nessa revisão pude perceber que a produção não envelheceu, ainda continua bastante boa e cativante. No final de tudo a mais importante lição que esse filme deixa é a de que cada um deve seguir seu próprio sonho, sem ligar para a opinião dos outros, até porque sonhos são para serem vividos por quem sonha e não pelos demais. Pais geralmente tentam se realizar através de seus filhos e para isso acabam soterrando os planos de vida dos garotos. Não caia nessa armadilha, trilhe o seu próprio caminho na vida. 

Sociedade dos Poetas Mortos (Dead Poets Society, Estados Unidos, 1989) Direção: Peter Weir / Roteiro: Tom Schulman / Elenco: Robin Williams, Robert Sean Leonard, Ethan Hawke, Josh Charles, Gale Hansen, Dylan Kussman, Allelon Ruggiero, James Waterson, Norman Lloyd, Kurtwood Smith / Sinopse: Numa rígida escola tradicional, um professor de inglês tenta incentivar seus alunos a se auto descobrirem, os encorajando a realizarem seus próprios sonhos e projetos de vida. Não tarda para que os métodos pouco convencionais do mestre sejam colocados em dúvida por pais e demais mestres conservadores da escola. Vencedor do Oscar de Melhor Roteiro Original. Indicado aos Oscars de Mlehor Filme, Direção e Ator (Robin Williams).

Pablo Aluísio.

Cinzas da Guerra

Título no Brasil: Cinzas da Guerra
Título Original: The Grey Zone
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Lions Gate Entertainment
Direção: Tim Blake Nelson
Roteiro: Tim Blake Nelson
Elenco: David Arquette, Harvey Keitel, Steve Buscemi, Allan Corduner, David Chandler
  
Sinopse:
O filme narra a história real do Dr. Miklos Nyiszli (Allan Corduner), um judeu húngaro enviado para Auschwitz. Uma vez lá acaba sendo escolhido por Josef Mengele para lhe auxiliar no setor de patologia do campo de concentração mais infame da história. Em troca de mais algum tempo de vida ele acabou aceitando participar do que os nazistas chamavam de Sonderkommandos - judeus prisioneiros usados pelos nazistas na execução de outros judeus nos campos de execução. Filme indicado ao National Board of Review, Political Film Society e San Sebastián International Film Festival.

Comentários:
Mais um bom filme que explora os horrores que aconteceram nos campos de concentração da Alemanha Nazista. Historicamente é muito interessante porque explora o cotidiano macabro que acontecia em Auschwitz durante o holocausto. Um médico judeu é enviado para lá, mas por suas qualificações profissionais é poupado pelo próprio Mengele de morrer nas câmaras de gás. Assim acaba presenciando em primeira mão a morte de milhares de judeus como ele, nessa verdadeira indústria da morte do Terceiro Reich. Inicialmente fica feliz em pelo menos sobreviver, mas depois a indignação e o dilema moral se tornam tão pesados que resolve se tornar um dos membros de uma conspiração de prisioneiros para tentar fugir daquele verdadeiro inferno na Terra. O filme tem excelente reconstituição histórica e momentos realmente tocantes como na cena em que uma jovem garota de apenas 14 anos consegue sobreviver ao gaseamento de uma das câmaras de gás do campo. Todo o roteiro foi escrito em cima do livro de memórias do próprio Miklos Nyiszli intitulado "Auschwitz - testemunho de um médico" (uma leitura mais do que recomendada). Um triste retrato de um dos períodos históricos mais lamentáveis da humanidade.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 12 de fevereiro de 2015

Magia ao Luar

Título no Brasil: Magia ao Luar
Título Original: Magic in the Moonlight
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures
Direção: Woody Allen
Roteiro: Woody Allen
Elenco: Colin Firth, Emma Stone, Marcia Gay Harden, Eileen Atkins
  
Sinopse:
Stanley (Colin Firth) é um mágico inglês que ganha a vida interpretando um mago oriental nos palcos do mundo. Procurado por um amigo, ele é convidado a desmascarar uma suposta charlatã chamada Sophie (Emma Stone). Usando de seus supostos poderes mediúnicos ela acabou encantando uma família de ricaços americanos que vivem no Sul da França. Stanley porém está determinado a revelar todos os seus truques. O que ele não esperava era se apaixonar por ela após a conhecer melhor. Filme indicado ao Lumiere Awards.

Comentários:
Esperava bem menos desse novo filme de Woody Allen. A produção nem foi tão badalada ou comentada entre os cinéfilos, passando até despercebida por muita gente boa. A verdade porém é que consegue ser tão boa quanto seus filmes mais celebrados. O enredo é simples e ao mesmo tempo cativante. Um romance ao velho estilo, passado nos anos 1920, onde a máxima de que os opostos se atraem funciona novamente. Eu sinceramente aprecio muito esse tipo de enredo mais lírico e sentimental. Coisas de um romântico incurável que não está disposto a ceder seu modo de ser ao mundo cínico em que vivemos. Stanley é um ateu, cético e materialista que não acredita em um mundo espiritual. Para ele apenas o que vemos de fato existe. Por essa razão Sophie (Stone) é logo encarada como uma impostora que vive de enganar ricos fingindo ser uma garota com poderes especiais, como o de entrar em contato com pessoas mortas. Para Stanley (Firth) tudo não passaria de um golpe grotesco. Ele já havia desmascarado inúmeros falsos médiuns ao longo de sua carreira no passado e Sophie parece apenas ser mais uma de sua lista. O problema é que ela realmente parece ter uma espiritualidade realmente especial, praticamente desconcertante. Da admiração para o amor é apenas um passo. A própria Sophie parece, com seus atos, desacreditar as posições de Stanley. Ela é cortejada por um ricaço, mas acaba gostando mesmo do mágico que está ali para desmascará-la, provando mais uma vez que o amor verdadeiro não se compra e nem se vende. Afinal de contas o que o dinheiro tem a ver com a verdadeira paixão e romance? Nada, e essa é uma verdade universal. Com bonita produção e fotografia, além da bela história de amor, "Magic in the Moonlight" é desde já um dos mais carismáticos filmes da carreira do genial Woody Allen. Coisa fina.

Pablo Aluísio.

1492 - A Conquista do Paraíso

Título no Brasil: 1492 - A Conquista do Paraíso
Título Original: 1492 - Conquest of Paradise
Ano de Produção: 1992
País: França, Espanha
Estúdio: Gaumont, Légende Entreprises, France 3 Cinéma
Direção: Ridley Scott
Roteiro: Rose Bosch
Elenco: Gérard Depardieu, Armand Assante, Sigourney Weaver, Frank Langella
  
Sinopse:
Cristovão Colombo (Gérard Depardieu) é um aventureiro e navegador que tem uma ideia que ele considera genial. Para atingir as cobiçadas Índias orientais bastaria navegar na direção oposta, ou seja para o ocidente, pois Colombo tinha plena certeza e convicção que a Terra seria na realidade redonda e não plana como era acreditado em sua época. Para dar suporte a sua ousada expedição porém Colombo precisa antes convencer o casal de monarcas Isabel e Fernando para financiar sua volta ao mundo pelos oceanos.

Comentários:
Em 1992 o mundo celebrou os 500 anos da chegada de Cristovão Colombo no Novo Mundo. Sua visão à frente de seu tempo, sua coragem e determinação pessoal, certamente daria origem a um grande filme. "1492 - Conquest of Paradise" porém se mostra apenas razoável, o que me deixou realmente perplexo na época que o assisti pela primeira vez, uma vez que a direção havia sido entregue para o genial Ridley Scott. Mas afinal de contas o que deu errado? Olhando-se para trás podemos compreender que nem sempre um grande evento histórico dá origem a grandes filmes. O maior problema desse épico é justamente sua falta de vocação para ser um filme épico ao velho estilo, com cenas deslumbrantes e momentos impactantes. Scott não soube muito bem posicionar sua história. O clímax do enredo deveria ter sido a chegada de Colombo na América, ao colocar seus pés triunfantes numa praia selvagem de águas cristalinas, porém o cineasta perdeu uma boa oportunidade de ser conciso e eficiente e acabou se alongando demais na história, indo um pouco longe demais. Detalhes históricos demais envolvendo política e intrigas palacianas também prejudicaram o impacto que a obra deveria ter. Claro que Ridley Scott continuou com seu talento para realizar grandes imagens, porém até isso acabou sendo pulverizado por um texto que explora aspectos demais para apenas um filme (talvez se fosse uma série a coisa seria melhor digerida e desenvolvida). Do jeito que ficou a fita se tornou em muitos momentos entediante, o que é simplesmente inadmissível de acontecer em um enredo de aventuras como esse. Talvez em uma próxima ocasião acertem a mão, fazendo jus ao legado histórico dessa grande figura chamada Cristovão Colombo.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 11 de fevereiro de 2015

Guardiões da Honra

Título no Brasil: Guardiões da Honra
Título Original: The Lords of Discipline
Ano de Produção: 1983
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Franc Roddam
Roteiro: Pat Conroy, Thomas Pope
Elenco: David Keith, Robert Prosky, G.D. Spradlin
  
Sinopse:
Durante a década de 1960, em uma academia militar americana localizada no sul do país, um jovem negro chamado Tom Pearce (Mark Breland) precisa enfrentar o racismo velado de seus colegas de farda. Ele sofre humilhações e até agressões físicas para desistir da escola. Para piorar o cadete Will McLean (David Keith) descobre que o comportamento lamentável dos demais alunos é incentivado pelo alto escalão militar, inclusive contando com o apoio oculto das maiores patentes, entre eles um coronel e um general cinco estrelas.

Comentários:
Bom filme que mostra uma realidade que ainda vive nos porões dos Estados Unidos (não se engane sobre isso). Pelo visto as feridas da guerra civil americana ainda se encontram abertas principalmente em relação à questão racial. É o que o roteiro desse filme procura explorar. Historicamente, durante a luta pelos direitos civis no governo JFK, houve forte resistência contra negros serem matriculados em escolas e universidades que até então eram exclusivas para brancos. Em uma sociedade fortemente segregada não havia espaço para que ambos convivessem em um mesmo lugar. Até os bebedouros, lugares nos cinemas e em transportes públicos seguiam esse tipo de demarcação racial bem delimitada. E apesar dos esforços do presidente Kennedy em derrubar essas barreiras havia ainda forte resistência para que isso efetivamente nunca acontecesse de fato. Aqui temos como cenário o Carolina Military Institute. Situado em um dos estados mais segregados da América o lugar se tornou um verdadeiro campo de batalha surdo depois que recebeu o primeiro jovem negro em suas fileiras de alunos. Um retrato triste de uma época que se recusa a ser enterrada pela história.

Pablo Aluísio.

Acima das Nuvens

Título no Brasil: Acima das Nuvens
Título Original: Clouds of Sils Maria
Ano de Produção: 2014
País: França, Suíça, Alemanha
Estúdio: CG Cinéma, Pallas Film, CAB Productions
Direção: Olivier Assayas
Roteiro: Olivier Assayas
Elenco: Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz, Lars Eidinger
  
Sinopse:
Maria Enders (Juliette Binoche) é uma atriz veterana que vai até a Suíça participar das homenagens ao escritor Wilhelm Melchior, o autor que lhe deu uma chance logo no começo de sua carreira ao lhe escalar para uma das personagens centrais de sua peça de sucesso. Ao chegar em Zurique ela descobre que ele está morto. Ao lado de sua assistente pessoal, a jovem Valentine (Kristen Stewart), ela terá agora que lidar com velhos fantasmas de seu passado ao mesmo tempo em que decide se aceita ou não voltar à peça que a consagrou. Filme indicado à Palma de Ouro em Cannes.

Comentários:
Fugindo do cinema mais comercial de Hollywood hoje trago essa boa dica de cinema europeu. Se trata de um drama existencial muito bem escrito mostrando os bastidores da vida de uma consagrada atriz veterana interpretada pela ótima Juliette Binoche. No passado ela se consagrou interpretando uma jovem ousada de 20 anos na famosa peça de Wilhelm Melchior. No texto ela tinha um complicado relacionamento com sua chefe em uma empresa prestes a falir. O subtexto explorava a estranha atração lésbica que surgia entre a mulher mais velha e frustrada com sua subordinada jovial e ambiciosa. Agora, envelhecida, um diretor alemão lhe oferece a chance de retornar ao mesmo texto só que ao invés de interpretar o papel da jovem que a levou à fama ela teria que fazer a personagem mais velha, amarga, lésbica e rejeitada pela jovem impetuosa. O roteiro joga muito bem com a dualidade existente entre o texto da peça teatral e a própria vida real da atriz vivida por Binoche, caminhando de forma inteligente entre os dois enredos que se entrecruzam. 

No elenco outro fato chama a atenção: a diferença de escolas de atuação envolvendo uma atriz francesa, com toda a sua sofisticação com suas duas colegas  americanas (Kristen Stewart e Chloë Grace Moretz). Kristen é sua assistente pessoal, uma garota que curte filmes de super-heróis (o máximo da falta de cultura cinematográfica na opinião de Maria) que parece perturbada com a finesse de sua patroa. Fumando um cigarro atrás do outro, com óculos de grau, ela está muito distante de sua personagem mais famosa, a Bella Swan da Saga Crepúsculo, sem classe ou charme algum, porém demonstrando muita força de vontade para procurar por novos rumos na carreira. Já Chloë Grace Moretz surge como uma atriz americana teen, cheia de escândalos pessoais explorados pela indústria de fofocas de celebridades dos Estados Unidos. Mimada e com uma vida pessoal caótica ela se torna o extremo oposto do tipo de profissional retratada por Binoche. Um filme de contrastes, com excelente roteiro e uma direção de fotografia de encher os olhos, com direito a maravilhosas paisagens suíças! Quer algo mais sofisticado do que isso?

Pablo Aluísio.

terça-feira, 10 de fevereiro de 2015

A Fuga

Título no Brasil: A Fuga
Título Original: The Getaway
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Roger Donaldson
Roteiro: Jim Thompson, Walter Hill
Elenco: Alec Baldwin, Kim Basinger, James Woods, Michael Madsen
  
Sinopse:
"Doc" McCoy (Alec Baldwin) é um criminoso especializado em roubo a bancos. Depois de um assalto mal sucedido ele acaba sendo preso. Lá fora, sua esposa, Carol McCoy (Kim Basinger), resolve articular sua saída da prisão com a ajuda de um chefão de uma organização criminosa que usa uma fachada de empresário respeitado. Jack Benyon (James Wods) deseja trazer Doc de volta às ruas para que ele coloque em prática um novo e ousado plano de roubo envolvendo milhões de dólares.

Comentários:
Segundo meus registros pessoais assisti a esse filme em janeiro de 1995. Acabou levando uma nota *** (bom). Na verdade é um filme policial de rotina que investe no casal Alec Baldwin e Kim Basinger. Casados na vida real resolveram levar a união também para as telas. O problema é que eles cultivavam um relacionamento mercurial (entenda-se brigas e mais brigas, muitas delas destemperadas e na frente da equipe de filmagem). Nem precisa dizer que para o cineasta Roger Donaldson as filmagens se mostraram bem complicadas por essa razão. Assim o barraco pessoal deles acabou prejudicando de certa maneira o resultado final. A avaliação que fiz há mais de 20 anos porém se mostra correta. Mesmo com problemas a fita pode ser considerada boa. Nada maravilhosamente memorável, mas passável. Revisto partes hoje em dia a impressão que fica foi que o tempo certamente não foi bom para ambos. Como era de se esperar Baldwin ficou mais gordo, mais chato e mais irritado. Já Kim perdeu grande parte de sua beleza. O tempo passa.

Pablo Aluísio.

A Outra Face da Raiva

Título no Brasil: A Outra Face da Raiva
Título Original: The Upside of Anger
Ano de Produção: 2005
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Mike Binder
Roteiro: Mike Binder
Elenco: Joan Allen, Kevin Costner, Erika Christensen, Keri Russell, Evan Rache Wood, Alicia Witt
  
Sinopse:
A vida parece desmoronar para Terry Ann Wolfmeyer (Joan Allen). Esposa e mãe de quatro filhas rebeldes, ela vê tudo ruir após seu marido simplesmente decidir ir embora, sem mais, nem menos. Ele nem ao menos se deu o trabalho de explicar a ela porque decidiu abandonar sua própria casa, deixando sua mulher e filhas completamente desamparadas. Precisando lidar com a dor da perda e da estigma social de ter sido abandonada assim, ela acaba encontrando algum apoio em seu próprio vizinho, Denny (Kevin Costner), um sujeito charmoso e simpático, que logo lhe desperta atenção. Filme indicado ao Chicago Film Critics Association Awards e ao Satellite Awards.

Comentários:
Depois da queda, a redenção. Essa frase pode ser aplicada tanto à personagem principal desse drama romântico como ao próprio Kevin Costner. Depois de seguir seu próprio ego descontrolado e fracassar de forma estrondosa com a bomba "Waterworld" ele teve que aprender a ser humilde novamente em Hollywood. Aceitou pequenos papéis em filmes menores e topou servir de coadjuvante em bons roteiros que lhe trouxessem de volta parte do prestígio que havia perdido poucos anos antes. É o que faz aqui em relação a Joan Allen. A trama gira em torno dessa dona de casa comum, suburbana, que vê seu mundo ficar de cabeça para baixo após ser abandonada pelo marido. Alguns homens infelizmente agem assim, abandonam o casamento por não aguentarem mais a pressão de cuidar de uma casa, filhos e os inúmeros problemas que surgem dessa situação. Abandonada, ela acaba encontrando algum refúgio na bebida e para sua sorte (ou azar, dependendo do ponto de vista), descobre que seu vizinho bonitão também é bom de copo. Juntando o útil ao agradável ela vai se recuperando emocionalmente ao se envolver com ele, ao mesmo tempo em que precisa lidar com novos problemas, principalmente vindos de suas filhas, nem sempre pacíficas e compreensivas (você bem sabe como são as adolescentes). No geral um bom drama familiar, com Costner lambendo suas feridas após cair do Olimpo dos grandes astros de Hollywood.

Pablo Aluísio.