sábado, 28 de fevereiro de 2015

Marilyn Monroe: The Final Days

Agosto foi mês de relembrar a morte da estrela e mito Marilyn Monroe. Um dos documentários mais bem realizados sobre sua vida é esse "Marilyn Monroe: The Final Days". Usando diversas imagens da época o filme procura trazer uma luz sobre a biografia e os últimos dias de vida de Marilyn Monroe. Tudo muito bem realizado, editado e montado. O aspecto histórico é muito rico pois os realizadores do documentário fizeram ampla pesquisa em jornais, revistas e livros da época, tudo acompanhado de farto material filmado da atriz, seja em estúdio, seja por emissoras de TV ou então através de imagens amadoras capturadas pela atriz em suas aparições públicas. Um dos pontos altos é o resgate das imagens que sobreviveram do último filme inacabado de Marilyn, "Something's Got To Give".

Como se sabe Marilyn estava realizando mais essa comédia romântica ao lado do cantor e ator Dean Martin quando foi demitida pela Fox. A justificativa foi que ela mal comparecia ao estúdio para filmar suas cenas, e quando o fazia se mostrava pouco focada, sem saber nem suas falas. Além disso ela abandonou as filmagens para ir até o outro lado dos EUA para cantar o famoso "Happy Birthday" para o presidente JFK. Os registros resgatam tudo isso. A diretora do documentário, Patty Ivins Specht, resolveu então usar esse farto material para montar, como se fosse um filme mesmo, o não finalizado "Something's Got To Give". O espectador acaba tendo dessa forma uma ideia de como seria a última comédia de Marilyn. Infelizmente poucas são as cenas com a atriz pois ela, como  já foi dito, quase não compareceu para trabalhar nos estúdios da Fox. O que sobraram são várias tentativas do ator Dean Martin e do diretor George Cukor em tentar levar em frente um projeto que parecia condenado desde o começo.

Mas não é apenas nisso que o documentário se ocupa. Há toda uma preocupação em mostrar aspectos da vida profissional e pessoal da atriz. Desde seus grandes sucessos no cinema até os diversos e problemáticos casos amorosos em que se envolveu, inclusive seus ex-maridos e amantes, entre eles os irmãos Kennedy. Esse último affair foi particularmente fatal para ela. Para muitos Marilyn estava completamente fora de si em seus últimos dias, desesperada, ameaçando o presidente de revelar seu escandaloso caso amoroso se ele não lhe desse mais atenção (especula-se que Kennedy não mais atendia suas chamadas telefônicas, tentando se manter o mais longe possível da instável personalidade explosiva de Monroe). Verdade ou pura especulação? Nunca saberemos ao certo sobre os motivos que levaram Marilyn a um suicídio acidental ao misturar várias pílulas para dormir e bebida alcoólica naquela noite. No final das contas o grande mérito desse documentário é mostrar para as novas gerações o grande carisma e magnetismo pessoal que Marilyn tinha, o que talvez justifique até hoje seu mito, que segue inabalável mesmo depois de tantos anos passados de sua morte.

Marilyn Monroe: The Final Days (Idem, EUA, 2001) Direção: Patty Ivins Specht / Roteiro: Monica Bider / Narrado por James Coburn / Sinopse: Documentário que explora farto material sobre os últimos dias de vida da atriz Marilyn Monroe.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

O Exorcista

Título no Brasil: O Exorcista
Título Original: The Exorcist
Ano de Produção: 1973
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: William Friedkin
Roteiro: William Peter Blatty
Elenco: Linda Blair, Jason Miller, Max von Sydow, Ellen Burstyn
  
Sinopse:
Regan (Linda Blair) é uma garota normal, como qualquer outra de sua idade, até que poderosas manifestações começam a agir sobre seu corpo e sua alma. Desesperada, a mãe procura ajuda em médicos e psicólogos, mas nada parece surtir algum efeito. A única saída então é buscar por ajuda de uma dupla de padres católicos exorcistas que estão prontos para ajudar, usando para isso rituais milenares de exorcismo. A luta entre o bem o mal está apenas começando. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Som.

Comentários:
"O Exorcista" é mais do que um mero filme de terror. É um marco do cinema cuja influência e relevância continua tão forte nos dias de hoje como há mais de quarenta anos quando foi lançado pela primeira vez nas telas. Em termos de perenidade poucos filmes conseguiram ter uma longevidade tão duradoura e presente. De fato, sem receios, pode-se até mesmo dizer que é um dos cinco filmes de terror mais importantes da história e o único até hoje que conseguiu ser indicado ao Oscar de Melhor Filme na Academia. Some-se a isso o fato de ser baseado em um caso real que foi romantizado pelo excelente escritor William Friedkin (que gentilmente aceitou o convite do estúdio para escrever o roteiro) e você terá um clássico realmente imortal. A maquiagem e a direção de fotografia conseguem ser ao mesmo tempo profundamente aterrorizadoras e minimalistas. O roteiro não tem como ponto focal a possessão de uma garotinha como parece tudo à primeira vista, mas sim a crise de fé pela qual passa um padre católico, que começa a internamente a ter profundas dúvidas até mesmo sobre a existência de Deus, resultando em uma crise existencial terrível. Uma obra prima imortal que jamais parece envelhecer. Infelizmente Hollywood sucumbiu à tentação da ganância e promoveu várias sequências - algumas medianas e outras péssimas. Não importa, esse filme original é de fato um dos filmes de terror mais perturbadores de todos os tempos. Uma obra visceral que você jamais conseguirá esquecer após assistir.

Pablo Aluísio.

Com a palavra, os cowboys...

"Eu acredito na sorte. As coisas simplesmente acontecem, caso você queira ou não" (Randolph Scott)

"Eu me aposentei por causa da Televisão. Quando vi todos os meus filmes passando na TV pensei comigo mesmo: É isso! Não haveria mais volta. Por que alguém pagaria para ver um filme meu no cinema se poderia ver de graça na TV?"  (Randolph Scott)

"Francamente, eu não gosto da fama!" (Randolph Scott)

"Faroestes sempre farão sucesso! É o tipo de filme que todos podem ver e apreciar. E sempre haverá novas estrelas do Western!"(Randolph Scott)

"Eu sempre fui muito fatalista em relação a minha carreira! Eu sempre pensei que seria demitido na semana seguinte ou no mês seguinte e isso já faz anos" (Randolph Scott)



"O amanhã sempre é o mais importante. O hoje não importa muito, embora espera-se que você tenha aprendido o suficiente com o Ontem" (John Wayne)

"A verdadeira coragem surge quando você enfrente os seus maiores medos" (John Wayne)

"A Vida é dura, mas será mais dura ainda se você for um estúpido" (John Wayne)

"As pessoas reclamam quando digo que a vida é branco e preto! Não existe o cinza para mim" (John Wayne)

"Fale pouco, fale baixo e não diga muito!" (John Wayne)

"A maior virtude de um homem é a sinceridade. Seja sincero sempre, mesmo que isso vá magoar algumas pessoas" (John Wayne)



"Há um rebelde no fundo da minha alma!" (Clint Eastwood)

"A única forma de ser feliz no casamento é sabendo que um dia ele vai acabar" (Clint Eastwood)

"Eu não acredito em pessimismo. Você deve seguir sempre em frente com seus objetivos" (Clint Eastwood)

"A última geração de grandes homens da história lutou na II Guerra Mundial. Hoje o que temos é uma geração de adolescentes chorões" (Clint Eastwood)

"Na vida você tem que ser confiante caso contrário, se ficar sempre na defensiva, não conseguirá chegar a lugar nenhum"  (Clint Eastwood)

Maria Antonieta

Título no Brasil: Maria Antonieta
Título Original: Marie Antoinette
Ano de Produção: 1938
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: W.S. Van Dyke
Roteiro: Claudine West, Donald Ogden Stewart
Elenco: Norma Shearer, Tyrone Power, John Barrymore
  
Sinopse:
Marie Antoinette (1755-1793) é uma jovem princesa austríaca que é enviada para a França para se casar com o herdeiro do trono, Louis XVI. O casamento arranjado pelas duas monarquias logo se revela problemático por causa da personalidade infantil e boba do jovem príncipe francês. Para Marie Antoinette porém tudo é válido, até porque ela se tornará em breve a nova rainha da França, um dos títulos de nobreza mais cobiçados da Europa de seu tempo. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Norma Shearer), Melhor Ator Coadjuvante (Robert Morley), Melhor Direção de Arte e Melhor Música (Herbert Stothart).

Comentários:
Drama histórico que foca a atenção na rainha Maria Antonieta (interpretada aqui pela bonita e talentosa atriz Norma Shearer, que inclusive foi indicada ao Oscar). A produção é luxuosa, com lindo figurino e filmagens realizadas no próprio Chateau de Versailles. Se tecnicamente se trata de um filme irrepreensível, o mesmo não se pode dizer de seu roteiro. Houve aqui uma clara manipulação da verdade histórica com o objetivo de tornar tudo mais interessante em termos dramáticos. A Marie Antoinette que surge na tela tem pouco em comum com a verdadeira rainha. No filme ela é apresentada como uma jovem e esfuziante princesa, de bom coração e muita alegria de viver - a ponto de romper com os rígidos protocolos de comportamento e etiqueta da época. Na verdade Antoinette era uma nobre austríaca muito fria, contida, reservada e calculista, como convinha com sua educação e casa nobiliárquica de origem. Pouco da personalidade dela se vê nessa romantização dos fatos históricos. O rei Luís XVI, que foi decapitado pelos revolucionários franceses, também não era tão boboca e infantil como se vê nesse roteiro. Exageraram certamente nas tintas. Curiosamente o elenco não traz nenhuma grande estrela de Hollywood, com exceção talvez do galã Tyrone Power no papel do conde Axel de Fersen. John Barrymore e sua figura imponente como o monarca Louis XV também ajudam bastante no resultado final. Então é isso, um filme bonito, bem produzido mas modesto em termos de fidelidade histórica. Vale como entretenimento com ares românticos, acima de tudo.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 27 de fevereiro de 2015

Leonard Nimoy


Leonard Nimoy - É com imenso pesar e tristeza que anunciamos a morte de Leonard Nimoy, ator, diretor e roteirista que se imortalizou na pele do Dr. Spock, o vulcano da série original "Jornada nas Estrelas". O ator nascido em 1931 se notabilizou não apenas na nobre arte de atuar, mas também como diretor de sucesso e roteirista talentoso. No total participou de 134 filmes, mostrando que era muito mais do que Spock - chegou inclusive a escrever uma autobiografia chamada justamente de "Eu Não Sou Spock". Também foi produtor e compositor, tendo assinado três trilhas sonoras ao longo de sua longa e produtiva carreira. De traços marcantes e muito carismático o ator faleceu na manhã dessa sexta-feira em Los Angeles, vitimado de uma grave doença pulmonar decorrente de seu tabagismo. Nimoy marcou gerações de fãs de cinema e TV e jamais será esquecido. Vida longa e próspera! Descanse em Paz.

quarta-feira, 25 de fevereiro de 2015

Procura-se Amy

Título no Brasil: Procura-se Amy
Título Original: Chasing Amy
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax
Direção: Kevin Smith
Roteiro: Kevin Smith
Elenco: Ben Affleck, Joey Lauren Adams, Ethan Suplee
  
Sinopse:
Holden McNeil (Ben Affleck) e seu amigo Banky Edwards (Jason Lee) tentam ganhar a vida escrevendo histórias em quadrinhos. Eles moram em New Jersey e são amigos desde a infância. Ambos na verdade se consideram até mesmo irmãos, mas esse sentimento de camaradagem acaba ficando abalado quando surge na vida deles a bela jovem Alyssa Jones (Joey Lauren Adams). Holden fica completamente apaixonado por ela e imediatamente começa a ter ciúmes da aproximação de Banky com a garota. O que ele não sabe é que ela tem um segredo que poucos conhecem. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz - Comédia ou Musical (Joey Lauren Adams). Também indicado ao Boston Society of Film Critics Awards na categoria de Melhor Roteiro. 

Comentários:
Kevin Smith realizou dois bons filmes tentando retratar a realidade de sua juventude. Um deles, provavelmente o melhor, foi "O Balconista", explorando o niilismo da vida dos jovens americanos da época. Depois sofisticou melhor seu roteiro e escreveu essa bela história de amor platônico, "Procura-se Amy". Em seu lançamento o filme causou uma boa repercussão entre os cinéfilos mais jovens e cults, que procuravam por algo com que se identificar. Não havia como negar que os jovens dos anos 1990 não tinham ainda sido bem retratados na telas até aquele momento. A personagem central, fruto do desejo de todos os marmanjões do roteiro, é na verdade lésbica e por essa razão está pouco interessada no assédio dos caras da região em que vive. Essa forma cool de ser, deixa os seus pretendentes ainda mais loucos por ela. O interessante é que apesar de ser gay ela não apresenta os clichês mais ofensivos que se poderia pensar. Ela é linda, sofisticada, educada, delicada e muito feminina. Isso de certa maneira quebrou muito dos estereótipos que algumas lésbicas tinham sofrido no passado em filmes, principalmente naqueles que as retratavam como pessoas grosseiras e masculinizadas. No mais é aquela coisa, o fruto proibido é sempre mais saboroso, não importa de que gênero ele pertença.

Pablo Aluísio.

A Viúva Negra

Título no Brasil: A Viúva Negra
Título Original: Black Widow
Ano de Produção: 1954
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Nunnally Johnson
Roteiro: Nunnally Johnson, Hugh Wheeler
Elenco: Ginger Rogers, Van Heflin, Gene Tierney, Peggy Ann Garner
  
Sinopse:
Nancy 'Nanny' Ordway (Peggy Ann Garner) é uma garota do interior que decide se mudar para Nova Iorque com o sonho de se tornar escritora de sucesso. Os primeiros meses na grande cidade porém não parecem muito animadores. Sem dinheiro ela acaba aceitando a oferta de se tornar garçonete. Sua ambição porém continua intacta. Durante um jantar ela acaba conhecendo casualmente o produtor de teatro Peter Denver (Van Heflin). O que começa como uma simples amizade para ele acaba se revestindo de tragédia em seu próprio apartamento.

Comentários:
Bom filme que explora o lado mais sórdido e ambicioso de seus personagens. O enredo se desenvolve basicamente em cima da suposta amizade entre um homem mais velho, veterano produtor da Broadway, e uma garota muitos anos mais jovem do que ele que sonha se tornar escritora. Depois de uma aproximação casual ambos se tornam amigos e Peter Denver (Heflin) lhe concede uma gentileza. Ela reclama que mora em um pequeno cafofo sem qualquer luxo, o que de certa forma inibe sua inspiração ao escrever. Como Peter passa o dia todo fora trabalhando ele lhe oferece seu maravilhoso apartamento para que ela possa escrever seus livros durante à tarde, fitando pela janela o arborizado Central Park e toda a beleza da cidade de Nova Iorque. Como sua esposa está em outra cidade, cuidando de sua mãe, Peter não vê maiores problemas sobre isso. O problema é que tragicamente a garota é encontrada enforcada em seu próprio quarto! Depois desse evento sinistro sua vida vira do avesso pois a polícia começa a formar a convicção de que ele estaria envolvido romanticamente com a jovem e que a teria assassinado após sofrer algum tipo de chantagem! Teria Peter alguma coisa mesmo a ver com a tragédia? O roteiro é muito bem armado e aos poucos a solução do caso vai sendo tecendo na tela. Curiosamente apesar de lidar com morte, traição e interesse, os personagens estão sempre impecavelmente bem vestidos, com toda a elegância típica dos moradores da cidade. A estrela Ginger Rogers lidera o elenco, mas seu personagem é coadjuvante, uma atriz veterana que se diverte soltando farpas de maldades para todos os seus convidados. Para apreciadores de moda em geral a produção também chama a atenção por causa dos luxuosos figurinos em cena. Com direção enxuta, eficiente e segura e boa trama de mistério, o filme realmente é uma boa pedida para os fãs de cinema que gostam de desvendar intrigados casos policiais. 

Pablo Aluísio.

terça-feira, 24 de fevereiro de 2015

E as Chuvas Chegaram

Título no Brasil: E as Chuvas Chegaram
Título Original: The Rains Came
Ano de Produção: 1939
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Clarence Brown
Roteiro: Philip Dunne, Julien Josephson
Elenco: Myrna Loy, Tyrone Power, George Brent
  
Sinopse:
Lady Edwina Esketh (Myrna Loy) e seu marido Lord Albert Esketh (Nigel Bruce) decidem viajar até a distante Ranchipur, na Índia, para comprar maravilhosos cavalos de raça do marajá. Lá acabam reencontrando um velho amigo, Tom Ransome (George Brent), um pintor inglês muito conhecido por ser um aventureiro que viaja o mundo em busca de diversão e emoções exóticas. Também conhecem o Major Rama Safti (Tyrone Power), um médico do exército que dedica sua vida a ajudar os mais humildes e necessitados. A aproximação com Safti acaba abalando Edwina que acaba se descobrindo apaixonada por ele, mesmo sendo casada. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais.

Comentários:
Por essa época Hollywood ficou muito interessada em produzir filmes românticos passados em lugares exóticos do mundo. Esse tipo de romance estava muito popular, atiçando a imaginação das mulheres americanas que sentiam-se massacradas pelo cotidiano duro do dia a dia e de seus relacionamentos convencionais e entediantes. Já que seus casamentos eram chatos e enfadonhos nada melhor que fantasiar, nem que fosse em breves momentos, por belas histórias de amor. Para isso era necessário apenas comprar uma entrada de cinema. Assim nada mais atraente do que vivenciar (mesmo que apenas nas telas) um romance de folhetim em regiões distantes e isoladas do chamado mundo civilizado. E se o galã fosse Tyrone Power então as coisas ficariam ainda mais atraentes para o público feminino. Não é de se admirar que esse tipo de filme rendesse ótimas bilheterias. "The Rains Came" ainda conta em seu enredo com esse fator picante envolvendo uma mulher casada que acaba sentindo uma surpreendente paixão por um médico idealista que dedica sua vida a ajudar os mais pobres. Para completar some-se a isso eventos incontroláveis da natureza, como uma tempestade que une a todos em volta da luta pela sobrevivência e você terá todos os ingredientes que fazem um grande épico de aventura e romance. O filme é tecnicamente muito bem realizado (e por essa razão acabou sendo indicado a vários prêmios técnicos na Academia como edição, som e direção de arte). A fotografia também é outro destaque (o que lhe valeu também outra importante indicação ao Oscar para o diretor de fotografia Arthur C. Miller). Em suma, paixão e aventura em um belo momento épico do cinema clássico americano na década de 1930, em um tempo distante em que ser romântico não era visto como algo ultrapassado e fora de moda.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 23 de fevereiro de 2015

Birdman

Título no Brasil: Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância)
Título Original: Birdman
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Alejandro González Iñárritu
Roteiro: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone
Elenco: Michael Keaton, Edward Norton, Zach Galifianakis, Emma Stone, Naomi Watts, Amy Ryan
  
Sinopse:
Riggan (Michael Keaton) é um velho ator que no passado fez muito sucesso com a adaptação de um personagem em quadrinhos chamado Birdman no cinema. Agora, decadente e sem propostas, ele decide arriscar seus últimos recursos para montar uma peça dramática na Broadway em Nova Iorque. Com uma produção complicada, repleta de atores temperamentais e com problemas de relacionamento, aliado a uma crítica abertamente hostil ao seu trabalho, Riggan precisa vencer nos palcos para continuar vivo e isso não apenas do ponto de vista profissional. Filme vencedor do Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Michael Keaton) e Melhor Roteiro. Indicado a onze Oscars, inclusive nas categorias de Melhor Filme, Roteiro, Fotografia, Ator (Michael Keaton), Ator Coadjuvante (Edward Norton) e Atriz Coadjuvante (Emma Stone). Filme vencedor do Oscar 2015 nas categorias de Melhor Filme, Melhor Direção (Alejandro González Iñarritu), Melhor Roteiro Original (Alejandro G. Iñarritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Jr. e Armando Bo) e Melhor Direção de Fotografia (Emmanuel Lubezki).

Comentários:
A grande quantidade de indicações e prêmios ao redor do mundo é plenamente justificada. "Birdman" é de fato um grande filme. Inicialmente você fica meio surpreso como a forma em que tudo se desenvolve. Temos esse ator de meia idade, já decadente, jogando suas últimas fichas em uma peça teatral a ser encenada na Broadway. Sua última ambição é ser levado à sério, algo complicado já que as pessoas não conseguem dissociar sua imagem de um filme de sucesso do passado onde ele interpretou um personagem de quadrinhos chamado "Birdman". Após aqueles anos iniciais gloriosos a idade finalmente chegou, os convites de Hollywood sumiram e tudo o que sobrou foi uma velha celebridade deprimida, angustiada, com problemas emocionais e crises psicológicas. Tentar algo no teatro e logo no berço sagrado da Broadway se revela realmente algo muito ambicioso e para muitos pretensioso demais. Para piorar os bastidores da peça são completamente caóticos. Há problemas em arranjar dinheiro, os atores são pessoas emocionalmente instáveis e uma arrogante crítica da cidade acha um absurdo e um disparate um ator de cinema, vindo de adaptações de quadrinhos de Hollywood, ter a petulância de tentar vencer nos mesmos palcos que um dia viram desfilar alguns dos maiores talentos dramáticos dos Estados Unidos. Eu apreciei cada momento desse roteiro. Ele é muito bem escrito e tenta desvendar a alma desse personagem cativante, um velho ator, que sabe que o tempo passou e ele ficou para trás. O paralelo que se cria com a própria carreira de Michael Keaton se torna muito forte, até porque ele também se notabilizou por interpretar um herói de quadrinhos no cinema, o Batman. É certamente de se louvar a coragem de Keaton em encarar esse tipo de papel de frente, de peito aberto e sem receios. Tenho certeza que no mundo dos egos inflados da indústria cinematográfica americana poucos se arriscariam a viver tal personagem. O interessante é que seu papel também me lembrou muito de outros astros que tiveram uma existência profissional marcada por um personagem forte demais que jamais o abandonaram, por mais talentosos que fossem, como Christopher Reeve, por exemplo. Edward Norton, mais uma vez, também se destaca, principalmente ao dar vida a esse atorzinho cretino que está mais interessado em sair com as mulheres que encontra pela frente do que com o sucesso efetivo da peça. Outra coisa que me deixou realmente gratificado foi acompanhar a linha narrativa, ora em uma visão objetiva do que se passa, ora de forma subjetiva, nos fazendo entrar na mente do personagem de Keaton, ouvindo o que ele ouve, vendo suas alucinações e sentindo suas emoções. Uma grande aula de cinema que também presta uma bela homenagem ao mundo do teatro. Um filme realmente completo, sob todos os pontos de vista. Obra prima.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Grande Hotel Budapeste

Título no Brasil: O Grande Hotel Budapeste
Título Original: The Grand Budapest Hotel
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Wes Anderson
Roteiro: Stefan Zweig, Wes Anderson
Elenco: Ralph Fiennes, F. Murray Abraham, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Harvey Keitel, Jude Law, Bill Murray, Edward Norton

Sinopse:
Em um hotel decadente, que já fora um dos mais luxuosos e requintados do passado, o Sr. Moustafa (F. Murray Abraham) relembra a um escritor como se tornou dono do estabelecimento, desde os anos 1930, quando pisou pela primeira vez no local para um de seus primeiros empregos, de mensageiro. Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Direção, Melhor Ator - Comédia ou Musical (Ralph Fiennes) e Melhor Roteiro. Vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme - Comédia ou Musical. Filme vencedor do Oscar 2015 nas categorias de Melhor Trilha Sonora Original (Alexandre Desplat), Melhor Figurino, Melhor Maquiagem e Penteado e Melhor Direção de Arte.

Comentários:
Quem conhece o estilo do diretor Wes Anderson certamente não vai se surpreender muito. Ele tem uma estética toda própria e a utiliza para contar suas histórias incomuns. Por outro lado considerei esse um de seus filmes mais simpáticos e bem realizados. Longe de seus conhecidos exageros o cineasta conseguiu ser fiel à sua forma sui generis de fazer cinema ao mesmo tempo em que conseguiu tornar seu filme bem mais acessível ao grande público. Não há como negar que é um trabalho honesto e muito íntegro em seus objetivos. A direção de arte é um show à parte, com soluções visuais de muito bom gosto. O roteiro também me deixou extremamente satisfeito pois tem ótimos diálogos, principalmente os provenientes do personagem Mr. Gustave (Ralph Fiennes). Um tipo tão pedante que faz rir. Aqui abro um pequeno parêntese para elogiar o surpreendente feeling para comédias por parte de Ralph Fiennes. Ator talentoso que sempre se destacou por dramas pesados em produções requintadas e de estilo, mostra completa desenvoltura com o humor, um lado de sua personalidade que eu ainda desconhecia. Aqui ele dá vida a um grã-fino mordomo que nem pensa duas vezes antes de seduzir senhoras idosas e... ricas! Um canastrão, levemente mal caráter, que acaba ganhando a simpatia do espectador por causa de seu jeito um tanto quanto distante do mundo real. Outro fato que considero digno de elogios vem da estrutura narrativa de seu enredo. São três saldos temporais, o primeiro mostrando um velho autor ditando suas lembranças de como escreveu o grande livro de sua vida. O segundo, décadas antes, quando esse mesmo escritor conheceu a história do misterioso dono do hotel Budapeste e por fim um novo recuo no tempo explorando os anos 1930 quando esse mesmo homem rico chegou pela primeira vez no grande hotel para trabalhar como um mero mensageiro. Nem preciso dizer que as três linhas narrativas se completam maravilhosamente bem. Por fim e não menos importante temos que elogiar praticamente todo o elenco - e por falar nisso que elenco é esse?! Grandes astros, atores de primeiro time, todos empenhados em fazer o filme dar certo. Alguns só aparecem em breves momentos e outros mal possuem duas linhas de diálogo para falar. Mesmo assim cada um tem sua importância na trama. Enfim, provavelmente seja uma das comédias mais bem produzidas que assisti em minha vida. Wes Anderson não é um diretor para todos os gostos, mas aqui temos que reconhecer que ele chegou muito perto de realizar a sua grande obra prima. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Jogo da Imitação

Título no Brasil: O Jogo da Imitação
Título Original: The Imitation Game
Ano de Produção: 2014
País: Inglaterra, Estados Unidos
Estúdio: The Weinstein Company, Black Bear Pictures
Direção: Morten Tyldum
Roteiro: Andrew Hodges, Graham Moore
Elenco: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Matthew Goode
  
Sinopse:
Durante a Segunda Guerra Mundial se torna vital ao governo inglês decifrar os códigos criptografados de comunicação das forças armadas alemãs. Para isso se resolve formar um grupo de alto nível, com cientistas e matemáticos renomados. Um deles, Alan Turing (Benedict Cumberbatch), logo se destaca ao propor a construção de uma enorme máquina de descodificação denominada de "Christopher". Mesmo contando com a desconfiança dos militares e o ceticismo de seus próprios companheiros de pesquisas ele segue em frente, numa das mais importantes missões de toda a história da guerra. Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Ator (Benedict Cumberbatch), Melhor Atriz (Keira Knightley), Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Som. Filme vencedor do Oscar 2015 na categoria de Melhor Roteiro Adaptado (Graham Moore)

Comentários:
Um excelente filme que procura enfocar em um dos momentos mais cruciais de toda a guerra. Para os ingleses o conflito vinha sendo desenvolvido de forma desastrosa, com muitas baixas e perdas nos campos de batalha. Apenas um serviço de espionagem eficaz poderia reverter o quadro desalentador. Assim foi criado um grupo de gênios em suas áreas de conhecimento que tinha como principal objetivo quebrar o código alemão de comunicação conhecido como Enigma. Não era uma tarefa fácil. Havia milhões de combinações possíveis e nenhuma pista sólida para se chegar a uma solução para o quebra cabeças. Foi então que se destacou o matemático Alan Turing (Benedict Cumberbatch). Pessoalmente era um sujeito bem estranho e esquisito, cheio de manias e com pouco talento no trato social. Extremamente lógico e direto, ele certamente não seria reconhecido por ser um homem amável ou simpático, porém possuía uma dessas mentes raras, com imenso talento para decifrar códigos e mensagens secretas. Seu modo de pensar de forma abstrata, bem à frente de seu tempo, daria origem a uma enorme máquina, quase do tamanho de uma sala, apenas para fazer cálculos que seriam impossíveis para a mente de um ser humano comum. Bom, se a figura de um computador primitivo veio em sua mente você está certo! De certa maneira foi isso mesmo que Turing construiu, um dos primeiros computadores da história. Ele inclusive foi um dos pioneiros na ideia inovadora de se criar um computador digital provido de inteligência artificial! Era realmente um privilegiado. Curiosamente também tinha um complicado segredo para guardar de foro íntimo, que poderia o levar até mesmo para a prisão de acordo com as leis inglesas da época. Em suma, um belo resgate histórico desse sujeito que hoje em dia poucos conhecem, mas que foi tão crucial na vitória contra os nazistas quanto qualquer soldado no campo de batalha. No final de tudo a grande mensagem que o filme passa é simples de se resumir: uma guerra não se vence apenas com armas, mas com inteligência também!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Para Sempre Alice

Título no Brasil: Para Sempre Alice
Título Original: Still Alice
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: BSM Studio
Direção: Richard Glatzer, Wash Westmoreland
Roteiro: Lisa Genova, Richard Glatzer
Elenco: Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth

Sinopse:
A Dra. Alice Howland (Julianne Moore) está vivendo um dos melhores momentos de sua carreira. Pesquisadora e professora aclamada pela Academia, ela finalmente é contratada pela prestigiada Universidade de Columbia. Infelizmente para Alice pequenos esquecimentos e lapsos de memória começam a lhe prejudicar na profissão. Preocupada com esses pequenos eventos recorrentes em seu cotidiano, ela resolve consultar um neurologista. Após vários exames vem a terrível notícia: ela está com Mal de Alzheimer. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Julianne Moore). Filme vencedor do Oscar 2015 na categoria Melhor Atriz (Julianne Moore).

Comentários:
Todos os anos cresce o número de pessoas diagnosticadas com o Mal de Alzheimer. Essa é uma doença devastadora que atinge a capacidade dos doentes em reter memórias, novas e antigas, além de prejudicar as funções de cognição e comunicação do cérebro. Agora imagine uma brilhante professora atingida em cheio por essa síndrome. A personagem de Julianne Moore é uma autora de livros, uma professora muito respeitada no meio acadêmico, que sempre se destacou por sua inteligência e capacidade intelectual. Assim que a doença começa a se manifestar ela vai perdendo gradualmente não apenas sua saúde, mas também sua carreira, pois fica incapacitada de trabalhar, de dar aulas. Sua família então se une para enfrentar essa batalha terrível. O filme é muito bem dirigido e conta com um roteiro muito sutil que procura tocar o tema sem sensacionalismos ou exageros, obviamente adotando uma postura de grande respeito para com os doentes. O tom discreto e elegante também é seguido por todo o elenco, em especial Julianne Moore, que desde já é uma das mais fortes candidatas ao Oscar. Alec Baldwin também encontrou o tom ideal, não procurando ofuscar sua parceira em cena, interpretando o marido compreensivo e presente no definhamento do estado de saúde da esposa. Para os mais jovens o grande atrativo virá da presença da atriz Kristen Stewart (a Bella Swan da Saga Crepúsculo). Ela dá vida à caçula de Alice, uma garota que quer ser atriz, mesmo contra a vontade de sua mãe, que deseja que ela vá para a universidade cursar algo mais tradicional como Medicina ou Direito. No final das contas "Still Alice" se destaca por tratar de um tema muito triste e trágico de uma maneira muito delicada e adequada.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

domingo, 22 de fevereiro de 2015

Será Que?

Título no Brasil: Será Que?
Título Original: What If
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: CBS Films
Direção: Michael Dowse
Roteiro: Elan Mastai, T.J. Dawe
Elenco: Daniel Radcliffe, Zoe Kazan, Megan Park
  
Sinopse:
Depois de ter sido traído por sua namorada o jovem estudante de medicina Wallace (Daniel Radcliffe) decide mudar completamente de vida. Larga a faculdade e entra uma depressão que dura todo um ano. Para curtir sua melancolia ele passa as noites no teto de seu apartamento, fitando a lua ao longe. Ainda machucado e ferido decide aceitar o convite de um amigo para ir numa festa em sua casa. Lá acaba conhecendo casualmente a doce e interessante Chantry (Zoe Kazan). Ele fica imediatamente interessado nela, mas como o mundo não é perfeito ela já tem um namorado. Assim Wallace resolve ficar na complicada situação de se tornar amigo dela - mas até quando conseguirá esconder o que realmente sente por ela?

Comentários:
Amor platônico é aquele tipo de sentimento que nasce quando você se apaixona por alguém e não é correspondido ou então não cria coragem para se declarar para sua pessoa amada. Claro que isso acaba causando uma grande angústia e sofrimento. Para piorar é uma situação que pode durar por anos e anos, persistindo mesmo quando se chega a namorar ou se casar com outra pessoa. O amor platônico é duradouro porque para muitos especialistas é o mais puro amor que existe, e o mais idealizado também. Um sentimento muito forte que bate firme no peito e pode ficar escondidinho no coração por décadas! Agora imagine duas pessoas se amando platonicamente mutuamente sem que nenhuma delas tenha coragem de assumir para o outra seus sentimentos. É basicamente isso que temos aqui nesse bom romance intitulado "What If". Daniel Radcliffe interpreta esse jovem que deseja ter uma segunda chance no amor. Ele foi destroçado pela noiva que ele considerava ser o grande amor de sua vida. Agora vai atrás de outra oportunidade, mas acaba se apaixonando por uma garota que já tem namorado e está seriamente comprometida. Curiosamente ela também começa a nutrir um amor platônico por ele, já que seu noivo é definitivamente um sujeito chato e enfadonho (um daqueles caras tão certinhos como xaropes). Entre idas e vindas, encontros e desencontros, Wallace e Chantry acabam descobrindo que se amam, mesmo contra todas as convenções sociais. Por fim, e não menos importante, o elo que acaba ligando os apaixonados é um exótico pão chamado "Ouro de Tolo", que aliás era o preferido de Elvis Presley (o enredo inclusive explora muito bem esse detalhe e os fãs do cantor vão curtir as referências). Assim o que temos aqui é uma bela história de amor para se assistir a dois, abraçadinhos debaixo do cobertor. Se algum dia você se apaixonou platonicamente por alguém certamente irá se identificar. Afinal de contas o amor sempre será lindo!

Pablo Aluísio e Thaís Albuquerque.

sábado, 21 de fevereiro de 2015

Cinzas da Guerra

Título no Brasil: Cinzas da Guerra
Título Original: The Grey Zone
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Lions Gate Entertainment
Direção: Tim Blake Nelson
Roteiro: Tim Blake Nelson
Elenco: David Arquette, Harvey Keitel, Steve Buscemi, Allan Corduner, David Chandler
  
Sinopse:
O filme narra a história real do Dr. Miklos Nyiszli (Allan Corduner), um judeu húngaro enviado para Auschwitz. Uma vez lá acaba sendo escolhido por Josef Mengele para lhe auxiliar no setor de patologia do campo de concentração mais infame da história. Em troca de mais algum tempo de vida ele acabou aceitando participar do que os nazistas chamavam de Sonderkommandos - judeus prisioneiros usados pelos nazistas na execução de outros judeus nos campos de execução. Filme indicado ao National Board of Review, Political Film Society e San Sebastián International Film Festival.

Comentários:
Mais um bom filme que explora os horrores que aconteceram nos campos de concentração da Alemanha Nazista. Historicamente é muito interessante porque explora o cotidiano macabro que acontecia em Auschwitz durante o holocausto. Um médico judeu é enviado para lá, mas por suas qualificações profissionais é poupado pelo próprio Mengele de morrer nas câmaras de gás. Assim acaba presenciando em primeira mão a morte de milhares de judeus como ele, nessa verdadeira indústria da morte do Terceiro Reich. Inicialmente fica feliz em pelo menos sobreviver, mas depois a indignação e o dilema moral se tornam tão pesados que resolve se tornar um dos membros de uma conspiração de prisioneiros para tentar fugir daquele verdadeiro inferno na Terra. O filme tem excelente reconstituição histórica e momentos realmente tocantes como na cena em que uma jovem garota de apenas 14 anos consegue sobreviver ao gaseamento de uma das câmaras de gás do campo. Todo o roteiro foi escrito em cima do livro de memórias do próprio Miklos Nyiszli intitulado "Auschwitz - testemunho de um médico" (uma leitura mais do que recomendada). Um triste retrato de um dos períodos históricos mais lamentáveis da humanidade.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 20 de fevereiro de 2015

Magia ao Luar

Título no Brasil: Magia ao Luar
Título Original: Magic in the Moonlight
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures
Direção: Woody Allen
Roteiro: Woody Allen
Elenco: Colin Firth, Emma Stone, Marcia Gay Harden, Eileen Atkins
  
Sinopse:
Stanley (Colin Firth) é um mágico inglês que ganha a vida interpretando um mago oriental nos palcos do mundo. Procurado por um amigo, ele é convidado a desmascarar uma suposta charlatã chamada Sophie (Emma Stone). Usando de seus supostos poderes mediúnicos ela acabou encantando uma família de ricaços americanos que vivem no Sul da França. Stanley porém está determinado a revelar todos os seus truques. O que ele não esperava era se apaixonar por ela após a conhecer melhor. Filme indicado ao Lumiere Awards.

Comentários:
Esperava bem menos desse novo filme de Woody Allen. A produção nem foi tão badalada ou comentada entre os cinéfilos, passando até despercebida por muita gente boa. A verdade porém é que consegue ser tão boa quanto seus filmes mais celebrados. O enredo é simples e ao mesmo tempo cativante. Um romance ao velho estilo, passado nos anos 1920, onde a máxima de que os opostos se atraem funciona novamente. Eu sinceramente aprecio muito esse tipo de enredo mais lírico e sentimental. Coisas de um romântico incurável que não está disposto a ceder seu modo de ser ao mundo cínico em que vivemos. Stanley é um ateu, cético e materialista que não acredita em um mundo espiritual. Para ele apenas o que vemos de fato existe. Por essa razão Sophie (Stone) é logo encarada como uma impostora que vive de enganar ricos fingindo ser uma garota com poderes especiais, como o de entrar em contato com pessoas mortas. Para Stanley (Firth) tudo não passaria de um golpe grotesco. Ele já havia desmascarado inúmeros falsos médiuns ao longo de sua carreira no passado e Sophie parece apenas ser mais uma de sua lista. O problema é que ela realmente parece ter uma espiritualidade realmente especial, praticamente desconcertante. Da admiração para o amor é apenas um passo. A própria Sophie parece, com seus atos, desacreditar as posições de Stanley. Ela é cortejada por um ricaço, mas acaba gostando mesmo do mágico que está ali para desmascará-la, provando mais uma vez que o amor verdadeiro não se compra e nem se vende. Afinal de contas o que o dinheiro tem a ver com a verdadeira paixão e romance? Nada, e essa é uma verdade universal. Com bonita produção e fotografia, além da bela história de amor, "Magic in the Moonlight" é desde já um dos mais carismáticos filmes da carreira do genial Woody Allen. Coisa fina.

Pablo Aluísio.

Santidade e sua Fundamentação Biblica

É curioso que dentro da doutrinação evangélica se recuse de forma veemente a figura do santo. Muitos evangélicos inclusive afirmam que os católicos estão errados ao reconhecerem santos - pessoas que por sua vida dedicada ao evangelho se tornam objetos de admiração entre os cristãos da Igreja Católica. É um ponto de vista bem equivocado, só entendido sob uma ótica de puro desconhecimento das escrituras sagradas. Não é verdade que apenas teria havido um santo ao longo da história e esse seria Jesus. Na verdade a santidade é desejada por Deus para todas as suas criaturas. O homem nasce para a santidade, apenas os desvios de uma vida repleta de pecados e iniquidades poderia justificar seu desvirtuamento do caminho. Duvida? Vamos aos pontos expressos na própria Bíblia. Veja esse trecho escrito por Pedro, um dos apóstolos mais próximos de Jesus Cristo: "Mas, assim como é santo aquele que os chamou, sejam santos vocês também em tudo o que fizerem" (1 Pedro 1:15). Pedro, fundador do catolicismo sob orientação direta de Jesus, deixa bem claro que o seu mestre certamente era santo, mas que desejava de coração que todos aqueles que seguissem sua palavra também se tornassem santos, levando uma vida de santidade.

Outro trecho bíblico que não abre margens para dúvidas: "Diga o seguinte a toda comunidade de Israel: Sejam santos porque eu, o Senhor, o Deus de vocês, sou santo." (Levítico 19:2). Aqui temos exatamente o que escrevi na primeira parte de meu texto. Deus chama todos para a santidade. Sejam santos, povo de Deus, pois Deus já é santo e esse é o seu desejo, expresso em vários versículos da Bíblia. Não haveria razão para a existência das escrituras se o próprio Deus não quisesse que todos os homens também trilhassem o caminho da santidade. A salvação virá como premiação de uma vida honesta, íntegra e justa. Assim todos os que seguirem essa trilha também serão santos e terão uma vida plena ao lado de Deus após nossa existência terrena. A santidade não é em absoluto privilégio apenas de Deus. É vontade Dele que todos caminhem pela estrada que leva à salvação. Tudo muito simples e de fácil entendimento. Se você ainda não se convenceu dessa fundamentação que tal ler esse outro trecho extremamente relevante da Bíblia: "Pois eu sou o Senhor, o Deus de vocês; consagrem-se e sejam santos, porque eu sou santo. Não se tornem impuros com qualquer animal que se move rente ao chão." (Levítico 11:44). Mais uma vez a ordem, o desejo de Deus: Sejam santos também!

Um dos problemas focais da ideologia protestante é que ela tenciona convencer o cristão de que haveria um certo paganismo no reconhecimento de santos dentro da Igreja Católica. Os santos seriam a nova versão para a galeria de deuses das religiões romanas e gregas antigas. Esse argumento é uma bobagem. Santos católicos não são deuses do paganismo. Quando a igreja Católica canoniza um cristão ela apenas está reconhecendo de forma oficial que aquela pessoa foi virtuosa em sua vida, que não se dobrou às tentações do mundo e que andou fiel aos ensinamentos de Cristo ao longo de sua existência. Um modelo a ser seguido pelas fileiras católicas ao redor do mundo. Isso encaixa perfeitamente com o texto bíblico, com o pensamento dos antigos religiosos que a escreveram. Essas pessoas consideradas santas pela Igreja nada mais fizeram do que viver de acordo com o desejo de Deus.

Para reforçar ainda mais a verdade de fé que estamos defendendo aqui vão mais alguns trechos bíblicos que são claros como as águas da glória eterna, leia com atenção: "Porque Deus não nos chamou para a impureza, mas para a santidade." (Tessalonicenses 4:7). "Esforcem-se para viver em paz com todos e para serem santos; sem santidade ninguém verá o Senhor." (Hebreus 12:14). São apenas mais dois exemplos que demonstram que sim, as escrituras confirmam sem sombra de dúvidas a santidade de pessoas comuns, como eu e você. Basta querer e caminhar no lado bom e justo da vida, na palavra de Jesus. Igualmente Deus quer que todos sejamos santos. Ao se afirmar que apenas Jesus seria santo o próprio crente está se colocando fora da possibilidade de também almejar sua própria santidade. Ao agir assim também está perdendo a oportunidade de ir ao encontro dos desejos de Deus. De forma indireta renega até mesmo aos próprios anseios de Deus para nossa existência.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 18 de fevereiro de 2015

Nunca Deixei de Te Amar

Título no Brasil: Nunca Deixei de Te Amar
Título Original: Never Say Goodbye
Ano de Produção: 1956
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal International Pictures
Direção: Jerry Hopper, Douglas Sirk
Roteiro: Luigi Pirandello, Bruce Manning
Elenco: Rock Hudson, Cornell Borchers, George Sanders
  
Sinopse:
O Dr. Michael Parker (Rock Hudson) é um bem sucedido cirurgião que enfrenta uma grave situação em sua vida pessoal, envolvendo sua esposa e um misterioso assassinato. Encurralado por algo que não mais consegue controlar, ele começa então a relembrar como conheceu sua amada e doce mulher, ainda durante a Segunda Guerra Mundial, na bucólica e linda Áustria. Filme baseado na peça teatral escrita pelo autor Luigi Pirandello intitulada originalmente como "Come prima, meglio di prima".

Comentários:
A carreira do ator Rock Hudson pode ser dividido em duas fases. Na primeira ele desempenhava heróis românticos em dramas sofridos e tristes na Universal. Era a época em que Rock virou um dos mais populares astros de Hollywood, geralmente em personagens galãs que procuravam por algum tipo de redenção pessoal após uma grande tragédia acontecer em suas vidas. Depois dessa fase inicial Rock finalmente descobriu a força das comédias românticas e ao lado da atriz e amiga Doris Doy começou a estrelar simpáticos e divertidos filmes cujos roteiros brincavam com as diferenças de agir, pensar e amar entre homens e mulheres. Rock trocou a estampa de galã de romances trágicos para comédias românticas bem humoradas. Esse "Never Say Goodbye" pertence ainda à primeira fase da carreira de Rock. São dramas pesados, complexos e sofridos. Os personagens vivem algum tipo de situação extrema, que os levam ao limite completo de suas forças emocionais, amorosas e psicológicas. O grande cineasta Douglas Sirk dirigiu parte do filme, mas ao final deixou que fosse creditado inteiramente ao diretor Jerry Hopper e por essa razão seu nome não aparece nos créditos. Um ato de generosidade com o colega de estúdio. Considero um dos melhores dramas da carreira de Rock, transitando muito bem entre o amor impossível e a força de uma paixão que supera a tudo e a todos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 17 de fevereiro de 2015

1492 - A Conquista do Paraíso

Título no Brasil: 1492 - A Conquista do Paraíso
Título Original: 1492 - Conquest of Paradise
Ano de Produção: 1992
País: França, Espanha
Estúdio: Gaumont, Légende Entreprises, France 3 Cinéma
Direção: Ridley Scott
Roteiro: Rose Bosch
Elenco: Gérard Depardieu, Armand Assante, Sigourney Weaver, Frank Langella
  
Sinopse:
Cristovão Colombo (Gérard Depardieu) é um aventureiro e navegador que tem uma ideia que ele considera genial. Para atingir as cobiçadas Índias orientais bastaria navegar na direção oposta, ou seja para o ocidente, pois Colombo tinha plena certeza e convicção que a Terra seria na realidade redonda e não plana como era acreditado em sua época. Para dar suporte a sua ousada expedição porém Colombo precisa antes convencer o casal de monarcas Isabel e Fernando para financiar sua volta ao mundo pelos oceanos.

Comentários:
Em 1992 o mundo celebrou os 500 anos da chegada de Cristovão Colombo no Novo Mundo. Sua visão à frente de seu tempo, sua coragem e determinação pessoal, certamente daria origem a um grande filme. "1492 - Conquest of Paradise" porém se mostra apenas razoável, o que me deixou realmente perplexo na época que o assisti pela primeira vez, uma vez que a direção havia sido entregue para o genial Ridley Scott. Mas afinal de contas o que deu errado? Olhando-se para trás podemos compreender que nem sempre um grande evento histórico dá origem a grandes filmes. O maior problema desse épico é justamente sua falta de vocação para ser um filme épico ao velho estilo, com cenas deslumbrantes e momentos impactantes. Scott não soube muito bem posicionar sua história. O clímax do enredo deveria ter sido a chegada de Colombo na América, ao colocar seus pés triunfantes numa praia selvagem de águas cristalinas, porém o cineasta perdeu uma boa oportunidade de ser conciso e eficiente e acabou se alongando demais na história, indo um pouco longe demais. Detalhes históricos demais envolvendo política e intrigas palacianas também prejudicaram o impacto que a obra deveria ter. Claro que Ridley Scott continuou com seu talento para realizar grandes imagens, porém até isso acabou sendo pulverizado por um texto que explora aspectos demais para apenas um filme (talvez se fosse uma série a coisa seria melhor digerida e desenvolvida). Do jeito que ficou a fita se tornou em muitos momentos entediante, o que é simplesmente inadmissível de acontecer em um enredo de aventuras como esse. Talvez em uma próxima ocasião acertem a mão, fazendo jus ao legado histórico dessa grande figura chamada Cristovão Colombo.

Pablo Aluísio.

A Loja da Esquina

Título no Brasil: A Loja da Esquina
Título Original: The Shop Around the Corner
Ano de Produção: 1940
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Ernst Lubitsch
Roteiro: Samson Raphaelson, Miklós László
Elenco: Margaret Sullavan, James Stewart, Frank Morgan
  
Sinopse:
Alfred Kralik (James Stewart) é o melhor vendedor de uma loja de variedades em Budapeste, na Hungria. Quando Klara Novak (Margaret Sullavan) é contratada para trabalhar no mesmo estabelecimento começam os atritos. Eles não se dão muito bem e em pouco tempo a convivência começa a se tornar intolerável. O que eles nem desconfiam é que trocam cartas apaixonadas entre eles, em um programa de encontros anônimos. Apaixonados na escrita, mas implicantes no trato pessoal, eles terão uma surpresa e tanto quando suas verdadeiras identidades são reveladas depois de um longo período de troca de correspondências.

Comentários:
Pauline Kael foi uma das mais famosas críticas de cinema da história do jornalismo americano. Ela manteve uma coluna periódica na publicação "The New Yorker" por longos anos. Seus textos eram extremamente influentes e poderia levar um filme ao fracasso completo caso escrevesse uma crítica negativa. Ela era conhecida por sua aspereza e forma ácida com que destruía filmes que não lhe agradassem. Mesmo sendo considerada implacável em suas avaliações ela acabou se rendendo ao charme desse charmoso "The Shop Around the Corner". Na verdade ela se encantou tanto com essa produção que chegou ao ponto de escrever que era uma das melhores comédias românticas da história do cinema americano! Um elogio e tanto partindo de alguém que era conhecida por ser tão pouco generosa na distribuição de elogios cinematográficos. A boa notícia é que ela tinha toda a razão. Esse filme é de fato uma delícia em todos os aspectos. O roteiro é cativante e emociona o espectador não apenas pela singeleza de seu enredo, mas também pelas excelentes atuações da dupla central de atores. James Stewart sempre foi o tipo ideal para dar vida a personagens de uma honestidade de sentimentos fora do comum. Com poucos minutos você já sabe que ele é uma pessoa em que se pode confiar. Margaret Sullavan era outra preciosidade das telas. Simpática, mas também passando a sensação de ser uma mulher dos novos tempos, ela se deu muito bem ao contracenar com Stewart, dando credibilidade à dúbia situação pela qual passa sua personagem. Em suma, um dos clássicos mais charmosos da década de 1940. Uma verdadeira jóia do cinema clássico americano. Simplesmente imperdível para cinéfilos de estilo.

Pablo Aluísio.

Forte Massacre

Título no Brasil: Forte Massacre
Título Original: Fort Massacre
Ano de Produção: 1958
País: Estados Unidos
Estúdio: Mirisch Corporation
Direção: Joseph M. Newman
Roteiro: Martin Goldsmith
Elenco: Joel McCrea, Forrest Tucker, Susan Cabot
  
Sinopse:
Durante as chamadas guerras indígenas no velho oeste americano, uma tropa da cavalaria é cercada por um grupo de selvagens Apaches. Após um violento confronto o tenente-comandante da guarnição é fatalmente ferido numa encosta desértica. Seguindo a hierarquia militar o comando então passa para o sargento John Vinson (Joel McCrea) que precisará manter seus homens vivos no meio do deserto, embaixo de forte cerco dos índios e com escassez completa de água potável.

Comentários:
Muito bom esse western que foca sua atenção na guerra de sobrevivência que era travada durante as intervenções militares do exército americano em territórios hostis e dominados por hordas guerreiras inimigas. O sol escaldante, a falta de água e suprimentos e o cerco implacável de Apaches, loucos para matarem todos os homens brancos que encontrassem pela frente, formam o caldeirão infernal ao qual aqueles nobres soldados eram submetidos. Um verdadeiro jogo de vida ou morte que mostra muito bem como era dura a vida de um soldado americano da cavalaria no oeste americano durante aquele período histórico. A fita é estrelada pelo astro Joel McCrea, novamente perfeito em sua caracterização do verdadeiro homem do oeste. Ele é o sargento durão e íntegro que precisa manter seus subordinados vivos após a morte do tenente-comandante. Curiosamente McCrea sofreu um sério acidente durante as filmagens quando seu cavalo caiu de um barranco de solo arenoso. O ator teve que ser levado às pressas para Los Angeles onde descobriu-se que tinha uma fratura na perna. Assim as filmagens ficaram paradas por 45 dias. Percalços esperados para quem revivia a luta daqueles bravos homens da cavalaria americana.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 16 de fevereiro de 2015

Guardiões da Honra

Título no Brasil: Guardiões da Honra
Título Original: The Lords of Discipline
Ano de Produção: 1983
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Franc Roddam
Roteiro: Pat Conroy, Thomas Pope
Elenco: David Keith, Robert Prosky, G.D. Spradlin
  
Sinopse:
Durante a década de 1960, em uma academia militar americana localizada no sul do país, um jovem negro chamado Tom Pearce (Mark Breland) precisa enfrentar o racismo velado de seus colegas de farda. Ele sofre humilhações e até agressões físicas para desistir da escola. Para piorar o cadete Will McLean (David Keith) descobre que o comportamento lamentável dos demais alunos é incentivado pelo alto escalão militar, inclusive contando com o apoio oculto das maiores patentes, entre eles um coronel e um general cinco estrelas.

Comentários:
Bom filme que mostra uma realidade que ainda vive nos porões dos Estados Unidos (não se engane sobre isso). Pelo visto as feridas da guerra civil americana ainda se encontram abertas principalmente em relação à questão racial. É o que o roteiro desse filme procura explorar. Historicamente, durante a luta pelos direitos civis no governo JFK, houve forte resistência contra negros serem matriculados em escolas e universidades que até então eram exclusivas para brancos. Em uma sociedade fortemente segregada não havia espaço para que ambos convivessem em um mesmo lugar. Até os bebedouros, lugares nos cinemas e em transportes públicos seguiam esse tipo de demarcação racial bem delimitada. E apesar dos esforços do presidente Kennedy em derrubar essas barreiras havia ainda forte resistência para que isso efetivamente nunca acontecesse de fato. Aqui temos como cenário o Carolina Military Institute. Situado em um dos estados mais segregados da América o lugar se tornou um verdadeiro campo de batalha surdo depois que recebeu o primeiro jovem negro em suas fileiras de alunos. Um retrato triste de uma época que se recusa a ser enterrada pela história.

Pablo Aluísio.

Acima das Nuvens

Título no Brasil: Acima das Nuvens
Título Original: Clouds of Sils Maria
Ano de Produção: 2014
País: França, Suíça, Alemanha
Estúdio: CG Cinéma, Pallas Film, CAB Productions
Direção: Olivier Assayas
Roteiro: Olivier Assayas
Elenco: Juliette Binoche, Kristen Stewart, Chloë Grace Moretz, Lars Eidinger
  
Sinopse:
Maria Enders (Juliette Binoche) é uma atriz veterana que vai até a Suíça participar das homenagens ao escritor Wilhelm Melchior, o autor que lhe deu uma chance logo no começo de sua carreira ao lhe escalar para uma das personagens centrais de sua peça de sucesso. Ao chegar em Zurique ela descobre que ele está morto. Ao lado de sua assistente pessoal, a jovem Valentine (Kristen Stewart), ela terá agora que lidar com velhos fantasmas de seu passado ao mesmo tempo em que decide se aceita ou não voltar à peça que a consagrou. Filme indicado à Palma de Ouro em Cannes.

Comentários:
Fugindo do cinema mais comercial de Hollywood hoje trago essa boa dica de cinema europeu. Se trata de um drama existencial muito bem escrito mostrando os bastidores da vida de uma consagrada atriz veterana interpretada pela ótima Juliette Binoche. No passado ela se consagrou interpretando uma jovem ousada de 20 anos na famosa peça de Wilhelm Melchior. No texto ela tinha um complicado relacionamento com sua chefe em uma empresa prestes a falir. O subtexto explorava a estranha atração lésbica que surgia entre a mulher mais velha e frustrada com sua subordinada jovial e ambiciosa. Agora, envelhecida, um diretor alemão lhe oferece a chance de retornar ao mesmo texto só que ao invés de interpretar o papel da jovem que a levou à fama ela teria que fazer a personagem mais velha, amarga, lésbica e rejeitada pela jovem impetuosa. O roteiro joga muito bem com a dualidade existente entre o texto da peça teatral e a própria vida real da atriz vivida por Binoche, caminhando de forma inteligente entre os dois enredos que se entrecruzam. No elenco outro fato chama a atenção: a diferença de escolas de atuação envolvendo uma atriz francesa, com toda a sua sofisticação com suas duas colegas  americanas (Kristen Stewart e Chloë Grace Moretz). Kristen é sua assistente pessoal, uma garota que curte filmes de super-heróis (o máximo da falta de cultura cinematográfica na opinião de Maria) que parece perturbada com a finesse de sua patroa. Fumando um cigarro atrás do outro, com óculos de grau, ela está muito distante de sua personagem mais famosa, a Bella Swan da Saga Crepúsculo, sem classe ou charme algum, porém demonstrando muita força de vontade para procurar por novos rumos na carreira. Já Chloë Grace Moretz surge como uma atriz americana teen, cheia de escândalos pessoais explorados pela indústria de fofocas de celebridades dos Estados Unidos. Mimada e com uma vida pessoal caótica ela se torna o extremo oposto do tipo de profissional retratada por Binoche. Um filme de contrastes, com excelente roteiro e uma direção de fotografia de encher os olhos, com direito a maravilhosas paisagens suíças! Quer algo mais sofisticado do que isso?

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Arma Divina

Título no Brasil: A Arma Divina
Título Original: Diamante Lobo
Ano de Produção: 1976
País: Itália, Israel
Estúdio: Golan-Globus Productions, Dunamis Cinematografica
Direção: Gianfranco Parolini
Roteiro: John Fonseca, Gianfranco Parolini
Elenco: Lee Van Cleef, Jack Palance, Richard Boone
  
Sinopse:
Bandoleiro cruel e assassino chega em uma pequena vila do velho oeste e massacra a população civil. Indefesos, os sobreviventes pedem ajuda ao padre local que resolve corajosamente enfrentar o bandido. Infelizmente ele também acaba sendo morto de forma covarde. O que o facínora não contava é que o jovem sacerdote tinha um irmão, um homem perigoso e temido na região. Ao saber que seu irmão padre foi assassinado ele não perde tempo, monta em seu cavalo e vai em direção da vila para um acerto de contas final com o assassino.

Comentários:
Um spaghetti italiano (em co-produção israelense com a dupla de produtores Golan-Globus que anos depois iriam fundar a produtora Cannon, que se tornaria bem conhecida dos fãs de filmes de ação nos anos 1980). O faroeste ficou muito famoso e rendeu excelente bilheteria, inclusive no Brasil, por trazer dois atores bem populares, Lee Van Cleef e Jack Palance. Cleef acabou interpretando dois personagens bem diferentes entre si, mas ligados por laços de sangue. Ele dá vida ao bondoso Padre John e a Lewis, seu irmão gêmeo pistoleiro e sanguinário. Palance interpreta o bandoleiro sem escrúpulos que mata todos aqueles que se atrevem a desafiar seus atos de terror. Intenso do começo ao fim, com excelentes sequências de ação e duelos, "Diamante Lobo" é uma excelente pedida para os admiradores dos faroestes europeus antigos.  

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 15 de fevereiro de 2015

A Fuga

Título no Brasil: A Fuga
Título Original: The Getaway
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Roger Donaldson
Roteiro: Jim Thompson, Walter Hill
Elenco: Alec Baldwin, Kim Basinger, James Woods, Michael Madsen
  
Sinopse:
"Doc" McCoy (Alec Baldwin) é um criminoso especializado em roubo a bancos. Depois de um assalto mal sucedido ele acaba sendo preso. Lá fora, sua esposa, Carol McCoy (Kim Basinger), resolve articular sua saída da prisão com a ajuda de um chefão de uma organização criminosa que usa uma fachada de empresário respeitado. Jack Benyon (James Wods) deseja trazer Doc de volta às ruas para que ele coloque em prática um novo e ousado plano de roubo envolvendo milhões de dólares.

Comentários:
Segundo meus registros pessoais assisti a esse filme em janeiro de 1995. Acabou levando uma nota *** (bom). Na verdade é um filme policial de rotina que investe no casal Alec Baldwin e Kim Basinger. Casados na vida real resolveram levar a união também para as telas. O problema é que eles cultivavam um relacionamento mercurial (entenda-se brigas e mais brigas, muitas delas destemperadas e na frente da equipe de filmagem). Nem precisa dizer que para o cineasta Roger Donaldson as filmagens se mostraram bem complicadas por essa razão. Assim o barraco pessoal deles acabou prejudicando de certa maneira o resultado final. A avaliação que fiz há mais de 20 anos porém se mostra correta. Mesmo com problemas a fita pode ser considerada boa. Nada maravilhosamente memorável, mas passável. Revisto partes hoje em dia a impressão que fica foi que o tempo certamente não foi bom para ambos. Como era de se esperar Baldwin ficou mais gordo, mais chato e mais irritado. Já Kim perdeu grande parte de sua beleza. O tempo passa.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

10 Erros Históricos Sobre a Igreja Católica

1. Católicos adoram imagens e santos?
Não. Cátólicos não adoram imagens e nem santos. Os santos católicos são apenas símbolos, exemplos de vida cristã. Os santos católicos nada mais são do que exemplos de vida, de bondade, de vivência do evangelho. Sua base teológica está na própria bíblia em diversos versículos, sendo um dos mais representativos o seguinte: "Esforcem-se para viver em paz com todos e para serem santos; sem santidade ninguém verá o Senhor". (Hebreus 12:14). Esse é um erro histórico e teológico que vem sendo repetido há séculos e não importa o quanto a Igreja tenha explicado, sempre retorna, muito por causa da ideologia protestante, sempre direcionada a ganhar mais e mais adeptos.

2. O Papa Bento XVI era nazista?
Pobre Bento XVI - Todo jovem era obrigado a entrar na juventude hitlerista na época. A recusa era encarada como traição à pátria e a punição era o fuzilamento. Quem não entrasse era morto. Joseph Aloisius Ratzinger era apenas um garoto quando entrou para as fileiras da juventude nazista. Assim que teve a oportunidade porém entrou para um seminário que era o seu sonho desde a tenra idade. Lá começou sua longa e produtiva vida religiosa. As acusações de que Bento XVI era nazista ignoram propositalmente o contexto histórico com o claro objetivo de atacar a Igreja Católica como instituição.

3. Pio XII e a Igreja Católica ajudaram os nazistas?
Outra calúnia sempre repetida contra a Igreja Católica. Na verdade Pio XII salvou mais judeus do que você possa imaginar. Ele hoje é reverenciado inclusive no jardim dos justos em Israel por ter dado a ordem para a Igreja abrir suas portas para judeus perseguidos. Recentemente foi publicado um livro chamado "Espiões no Vaticano. Os Papas na mira dos serviços secretos" de autoria de Werner Kaltefleiter e Hans Peter Oschwald que revelam os planos do alto comando alemão em mandar sequestrar e matar o Papa Pio XII. O próprio Hitler teria ficado furioso com a ordem que Pio XII teria dado para que todas as igrejas, seminários, escolas, hospitais e conventos católicos espalhados pelo mundo dessem apoio irrestrito a refugiados judeus da perseguição nazista. Isso desmitifica uma das grandes calúnias da história recente.

4. Qual é o significado das imagens católicas? São instrumentos de idolatria?
Claro que não. As imagens católicas apenas representam as pessoas que foram exemplo de vida e virtude. Em um exemplo bem fácil de entender elas equivalem a fotografias. Como na antiguidade não existiam fotografias se usavam as estátuas, as imagens. O que a Bíblia condena é o uso de uma imagem como se fosse uma divindade. Os antigos acreditavam que a própria imagem era um Deus. Os católicos sabem muito bem que é apenas uma estátua de gesso. O símbolo vem do exemplo e não da imagem em si. É apenas uma ferramenta de fé e não um objeto de adoração em si mesmo.

5. Se não é idolatria porque os católicos ficaram ofendidos quando um pastor chutou uma imagem de Nossa Senhora? Deve-se haver respeito mútuo entre religiões. O chute da imagem é um ato de violência contra a fé alheia. Aquele não foi apenas um chute em uma estátua de gesso, mas um chute na fé católica. Chutar uma imagem como aquela equivale a, por exemplo, uma pessoa cuspir na imagem de um ente querido seu, cuspir na foto de sua mãe, só para citar uma analogia adequada. Isso é uma ofensa. Mas repito: nenhuma imagem católica é adorada. Está no catecismo. Essa é uma velha falácia protestante. Uma jogada de puro marketing para angariar fieis e dízimos. Nada mais do que isso.

6. Quem afinal de contas é Aparecida? O que ela significa?
Aparecida é Nossa Senhora. Maria, mãe de Jesus. Aparecida é uma pequena estátua que foi encontrada por pescadores. Vários milagres foram atribuídos a Maria e depois disso ela virou a padroeira do Brasil. Algumas representações mostram Aparecida como uma Nossa Senhora negra, o que também representa a diversidade étnica do nosso povo. Por essa razão em muitas reproduções temos uma Nossa Senhora de cor afro. A própria estátua de Aparecida foi confeccionada em material escuro, por isso a associação.

7. O catolicismo foi criado pelo Imperador Constantino?
Um velho erro histórico muito repetido pelas ideologias protestantes nos últimos cinco séculos. É outra falácia sem base na história real. O catolicismo não foi criado pelo imperador Constantino. O Imperador romano na realidade se curvou perante a proliferação da fé católica que havia se difundido tanto em Roma que não havia mais como parar seus avanços. Como era um político logo entendeu que não conseguiria se manter no poder sem o apoio dos cristãos. Assim não só oficializou a nova religião, como também ele próprio se converteu ao cristianismo, sendo o primeiro imperador romano da história a ser cristão. Definitivamente Constantino não criou o catolicismo, apenas foi convertido por ele.

8. E de onde vem o catolicismo?
De Pedro, apóstolo de Jesus. O momento de criação da Igreja Católica está no próprio evangelho. Nele Jesus se dirige a Pedro e diz: ""Tu és Pedro, e sobre esta pedra edificarei minha Igreja" (Mt 16,18). Depois afirmou que os portões do inferno jamais iriam prevalecer sobre a sua Igreja, algo que se revelou verdadeiro pois há dois mil anos a Igreja Católica está de pé, firme e forte. A Igreja Católica também foi a única por quinze séculos. Durante mil e quinhentos anos havia apenas a Igreja Católica até que um um monge agostiniano católico chamado Lutero resolveu expor toda as suas críticas contra a doutrina católica. Inicialmente Lutero queria apenas reformar a Igreja por dentro, mas depois que entendeu ser isso impossível resolveu fundar sua própria Igreja que em sua opinião também deveria ser una! Quando as igrejas protestantes começaram a proliferar, sem unidade alguma, inclusive com visões antagônicas entre si, Lutero se arrependeu do que fez. Alguns historiadores afirmam que cometeu suicídio após uma noite de bebedeiras numa taverna local, muito conhecido por ser um ponto de prostituição em sua cidade.

9. Historicamente o que são os protestantes?
Historicamente protestantes são apenas dissidentes católicos. E como todos os dissidentes odeiam de onde vieram. Depois que Lutero deu a ideia as igrejas protestantes se multiplicarem, também se multiplicaram as brigas entre os próprios protestantes. Dando razão ao ditado "cada cabeça uma sentença" as seitas protestantes começaram a divergir não apenas da Igreja Católica de onde vieram, mas entre si também. Com visões teológicas bem diferentes entre si eles logo entraram em conflitos, muitas vezes sangrentos, na história. Como bem observou um analista político da Idade Média, "Pouco do "Ame ao próximo como a si mesmo" será encontrado no meio evangélico, isso porque eles são fruto da discórdia e da briga e continuarão brigando até o fim dos tempos." Como se vê a centralização religiosa e a hierarquia clerical possui muito mais vantagens em termos de organização do que desvantagens.

10. A Inquisição foi puramente católica ou existiu uma inquisição protestante também?
Vários historiadores renomados afirmam que a Inquisição protestante foi mais brutal do que a inquisição católica ao longo dos séculos. Havia requintes de tortura e fanatismo extremos. O próprio Calvino, um dos criadores da doutrina protestante, foi acusado por homens de sua época de ser um sádico que adorava torturar seus opositores. Ficou bastante conhecida a história de que teria mando derramar chumbo derretido na cabeça de pensadores católicos que eram contrários às suas ideias. A inquisição protestante inclusive atravessou os mares, indo parar na América do Norte. Na colônia britânica que mais tarde se tornaria os Estados Unidos houve inúmeros casos de queima de bruxas e de hereges. Um dos casos mais conhecidos foi das bruxas de Salem, quando um pastor local da cidade de Salem enviou dezenas de pessoas inocentes para a fogueira. Do lado católico o Papa João Paulo II pediu perdão pelos erros históricos cometidos. Do lado evangélico até hoje não se conhece nenhum pedido de perdão oficial.

Pablo Aluísio.

A Outra Face da Raiva

Título no Brasil: A Outra Face da Raiva
Título Original: The Upside of Anger
Ano de Produção: 2005
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Mike Binder
Roteiro: Mike Binder
Elenco: Joan Allen, Kevin Costner, Erika Christensen, Keri Russell, Evan Rache Wood, Alicia Witt
  
Sinopse:
A vida parece desmoronar para Terry Ann Wolfmeyer (Joan Allen). Esposa e mãe de quatro filhas rebeldes, ela vê tudo ruir após seu marido simplesmente decidir ir embora, sem mais, nem menos. Ele nem ao menos se deu o trabalho de explicar a ela porque decidiu abandonar sua própria casa, deixando sua mulher e filhas completamente desamparadas. Precisando lidar com a dor da perda e da estigma social de ter sido abandonada assim, ela acaba encontrando algum apoio em seu próprio vizinho, Denny (Kevin Costner), um sujeito charmoso e simpático, que logo lhe desperta atenção. Filme indicado ao Chicago Film Critics Association Awards e ao Satellite Awards.

Comentários:
Depois da queda, a redenção. Essa frase pode ser aplicada tanto à personagem principal desse drama romântico como ao próprio Kevin Costner. Depois de seguir seu próprio ego descontrolado e fracassar de forma estrondosa com a bomba "Waterworld" ele teve que aprender a ser humilde novamente em Hollywood. Aceitou pequenos papéis em filmes menores e topou servir de coadjuvante em bons roteiros que lhe trouxessem de volta parte do prestígio que havia perdido poucos anos antes. É o que faz aqui em relação a Joan Allen. A trama gira em torno dessa dona de casa comum, suburbana, que vê seu mundo ficar de cabeça para baixo após ser abandonada pelo marido. Alguns homens infelizmente agem assim, abandonam o casamento por não aguentarem mais a pressão de cuidar de uma casa, filhos e os inúmeros problemas que surgem dessa situação. Abandonada, ela acaba encontrando algum refúgio na bebida e para sua sorte (ou azar, dependendo do ponto de vista), descobre que seu vizinho bonitão também é bom de copo. Juntando o útil ao agradável ela vai se recuperando emocionalmente ao se envolver com ele, ao mesmo tempo em que precisa lidar com novos problemas, principalmente vindos de suas filhas, nem sempre pacíficas e compreensivas (você bem sabe como são as adolescentes). No geral um bom drama familiar, com Costner lambendo suas feridas após cair do Olimpo dos grandes astros de Hollywood.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Amor Feito de Ódio

Título no Brasil: Amor Feito de Ódio
Título Original: The Man Who Loved Cat Dancing
Ano de Produção: 1973
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Richard C. Sarafian
Roteiro: Marilyn Durham, Eleanor Perry
Elenco: Burt Reynolds, Sarah Miles, Lee J. Cobb
  
Sinopse:
Catherine Crocker (Sarah Miles) é uma jovem esposa que após uma briga com o marido decide viajar sozinha pelo deserto. Má ideia. Logo ela acaba sequestrada por um grupo de bandoleiros e assaltantes de trens e bancos comandados por Jay Grobart (Burt Reynolds), ex-tenente da cavalaria que agora ganha a vida praticando crimes no velho oeste americano. A convivência entre ambos acabará criando uma relação de amor e ódio entre eles.

Comentários:
Um bom western que anda meio esquecido. Foi lançado em um dos momentos mais bem sucedidos da carreira de Burt Reynolds, que nos anos seguintes conseguiria se tornar um dos atores mais bem pagos de Hollywood, colecionando sucessos de bilheteria. Aqui ele contracena com a atriz inglesa Sarah Miles (que havia sido indicada ao Oscar dois anos antes por "A Filha de Ryan"). A diferença cultural entre um fora-da-lei do oeste selvagem, seus modos rudes e diretos e uma dama britânica de modos finos e elegantes mantém o interesse do filme até o fim. Se os opostos se atraem ou não, no final não importa muito, pois o roteiro procurava se desenvolver justamente em cima desse verdadeiro choque cultural existente entre o casal. Bem produzido, contando com um elenco de apoio muito bom - incluindo aí o sempre competente Lee J. Cobb - o filme marca uma época em que os faroestes procuravam por outros caminhos, não se apoiando apenas em tiroteios e cenas de ação, mas também no desenvolvimento maior dos personagens em cena, valorizando cada menor detalhe do lado mais humano de suas personalidades. E isso certamente ajuda muito no resultado final. Enfim, temos aqui um bom western que inclusive chegou a ser lançado no Brasil no mercado de vídeo VHS durante os anos 1980 pelo selo Video Arte.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Crime não Compensa

Título no Brasil: O Crime não Compensa
Título Original: Knock on Any Door
Ano de Produção: 1949
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Nicholas Ray
Roteiro: Daniel Taradash, John Monks Jr
Elenco: Humphrey Bogart, John Derek, George Macready
  
Sinopse:
Andrew Morton (Humphrey Bogart) é um advogado criminalista que decide defender o jovem Nick Romano (John Derek) nos tribunais. Ele está sendo acusado de ter matado um policial durante uma fuga, após um assalto frustrado. Morton conhece Romano há muitos anos, desde que defendeu seu pai no passado, também acusado de crimes no bairro onde morava. Para o advogado, Romano seria inocente e seu passado de pequenos crimes seria apenas fruto de uma vida complicada, pois perdeu seu pai muito cedo, ainda em sua adolescência.

Comentários:
"Viva rápido, morra jovem e se torne um belo cadáver" - Esse é o lema do jovem criminoso Nick Romano (Derek) nesse filme. Criado nas ruas, tendo logo cedo contato com a criminalidade, ele acaba se envolvendo numa acusação de homicídio de um tira, logo após um assalto mal sucedido. O advogado Morton (Bogart) acredita em sua inocência e resolve lutar para provar sua inocência. O problema básico é que o jovem tem uma longa ficha policial em seu passado, pois desde a morte do pai não deixou mais de praticar pequenos crimes pelas redondezas onde mora. Esse filme é mais um da safra do excelente cineasta Nicholas Ray que enfoca a delinquência juvenil, um problema considerado muito sério na sociedade americana da época. Sua grande obra prima, explorando esse mesmo tema, viria alguns anos depois com o clássico jovem "Juventude Transviada" com o mito James Dean. Aqui ele já ensaia passos que iria usar em seu grande filme. Nicholas Ray tenta provar algumas teses com esse roteiro. A mais importante delas seria a de que muitos criminosos, principalmente os jovens, seriam na verdade vítimas da própria sociedade. É a velha teoria da justificativa social do crime. Uma maneira mais humana de entender as causas da criminalidade dentro da vida de alguns excluídos do sistema. Claro que hoje em dia essa visão está bem desacreditada, principalmente no momento atual que vivemos em nosso país. De qualquer maneira, olhando-se puramente pelo ponto de vista cinematográfico, temos aqui um bom filme, valorizado pelo uso inteligente de flashbacks e pela sempre bem-vinda presença de Humphrey Bogart que tem um longo monólogo no tribunal na cena final do filme.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 14 de fevereiro de 2015

Garota do Interior

Título no Brasil: Garota do Interior
Título Original: Small Town Girl
Ano de Produção: 1936
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: William A. Wellman, Robert Z. Leonard
Roteiro: Ben Ames Williams, John Lee Mahin
Elenco: Janet Gaynor, Robert Taylor, Binnie Barnes, James Stewart
  
Sinopse:
Katherine 'Kay' Brannan (Janet Gaynor) é uma garota nascida no interior, bem no meio rural. Ela acha a vidinha de interiorana muito maçante e complicada de suportar. Certa noite, casualmente, ela conhece o jovem, bonito e rico, Bob Dakin (Robert Taylor). Eles se dão muito bem, mas Bob acaba exagerando na bebida. Sem saber o que está fazendo pede a mão da garota em casamento. No dia seguinte, finalmente sóbrio, descobre que acabou se casando mesmo com ela numa capela local na noite anterior! Seus pais conservadores porém não admitem nem a hipótese de haver uma separação entre eles.

Comentários:
Comédia romântica que hoje em dia vai certamente soar muito pueril. Mesmo assim conseguiu manter o charme mesmo após tantos anos de seu lançamento original. O grande atrativo vem do elenco. Janet Gaynor e Robert Taylor formam o improvável casal de namorados ocasionais que acabam se casando numa noite de bebedeiras e loucuras (o enredo inclusive se parece muito com um fato real que aconteceu na vida de Marilyn Monroe, quando ela se casou bêbada com um amante que mal conhecia no México, para desespero dos executivos do estúdio Fox). Como se pode perceber pela sinopse se trata de uma comédia de erros, brincando o tempo todo com os costumes da época. A atriz Janet Gaynor funcionava muito bem nesse tipo de papel, a da garota espevitada dos anos 20 e 30. Com seus modos nada convencionais ela chocava o público que ia ao cinema oitenta anos atrás, exatamente por fugir daqueles rígidos padrões de comportamento aos quais as mulheres estavam submetidas. Já Robert Taylor era o galã que toda garota sonhava namorar (o que garantia a bilheteria do filme nos cinemas). Por fim e não menos importante é importante salientar a presença do ator James Stewart, ainda dando os primeiros passos em sua carreira, no elenco de apoio. Grande e desengonçado, ele não trazia nenhuma pista de que um dia iria virar um dos maiores nomes da história de Hollywood em sua era de ouro, clássica.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

As Tartarugas Ninja (2014)

Título no Brasil: As Tartarugas Ninja
Título Original: Teenage Mutant Ninja Turtles
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures, Nickelodeon Movies
Direção: Jonathan Liebesman
Roteiro: Josh Appelbaum, André Nemec
Elenco: Megan Fox, Will Arnett, William Fichtner
  
Sinopse:
Nova Iorque está sob sombras. Um novo clã criminoso ameaça os moradores da cidade. No meio dessa situação perigosa surge dos bueiros da cidade um grupo de lutadores com extrema habilidade. Eles saem dos esgotos para defender os pobres e oprimidos, se auto intitulando como Teenage Mutant Ninja Turtles, ou tartarugas adolescentes, mutantes e ninjas. Ao encontrarem a destemida repórter April O'Neil e seu cameraman Vern Fenwick, descobrem que podem ter um poderoso aliado no mundo das pessoas ditas normais.

Comentários:
Eu sempre considerei as Tartarugas Ninjas tão anos 80, tão anos 80, que nunca pensei que elas teriam uma sobrevida nas telas de cinema. Os filmes originais já são bem conhecidos do público em geral. São filmes bem realizados, que contaram com a preciosa colaboração de Jim Henson e tinham roteiros divertidos e bem fechadinhos em si. Agora Hollywood resolveu remexer no velho baú de personagens pops descartáveis dos anos 80 para trazer as velhas tartarugas de volta. Sendo bem sincero gostei menos desse filme do que dos antigos. Não sei se a idade tem alguma influência sobre isso, ou se essa coisa de ver tartarugas com habilidades de ninjas já não tem mais a mesma graça de antes, mas a verdade é que fiquei mesmo entediado no decorrer do filme. Para piorar não gostei do design mais realista das tartarugas ninjas, preferindo o estilo mais cartunesco dos filmes anteriores. Gente, essa coisa de transformar toda adaptação de quadrinhos em algo mais sombrio só deu certo com o Batman e ninguém mais. Além disso esses personagens não são para serem levados tão à sério. Era melhor ter feito um filme divertido, leve e despretensioso com a tartaruga Touché!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.