quarta-feira, 31 de dezembro de 2014

Tim Maia

Título no Brasil: Tim Maia
Título Original: Tim Maia
Ano de Produção: 2014
País: Brasil
Estúdio: Globo Filmes
Direção: Mauro Lima
Roteiro: Mauro Lima, Antônia Pellegrino
Elenco: Robson Nunes, Babu Santana, Alinne Moraes

Sinopse:
Cinebiografia do cantor brasileiro Tim Maia. Nascido numa humilde família da zona norte do Rio de Janeiro ele sonhava desde muito jovem em se tornar um cantor de rock. No final dos anos 1950 decide ir embora para os Estados Unidos, onde passa por inúmeras dificuldades financeiras. O lado bom e positivo vem do fato de ter tido contato direto com a soul music negra daquele país. De volta ao Brasil vai atrás de seu antigo parceiro de banda, o cantor Roberto Carlos, que estava se tornando o ídolo musical mais popular das paradas de sucesso. Com a ajuda de Roberto, Tim finalmente encontra o caminho da fama, do sucesso e da fortuna.

Comentários:
Como li o livro "Vale Tudo" escrito por Nelson Motta fico bem à vontade para analisar esse filme. Obviamente que toda cinebiografia se torna superficial pois é impossível retratar em um filme toda uma vida, principalmente de artistas. Geralmente um aspecto ou outro se torna o principal foco desse tipo de filme. Aqui o diretor e seu roteirista optaram por mostrar o lado doidão de Tim Maia. Assim o espectador encontrará um sujeito completamente obsessivo pela frente, uma pessoa que parecia cheirar, fumar e consumir todos os tipos de drogas, com muito excesso! Tudo bem que o Tim Maia de fato era usuário de drogas, o problema é que o filme não parece sair disso. Ele certamente tinha esse lado em sua vida, mas não era o único. O verdadeiro Tim Maia também era uma pessoa generosa, que levava crianças órfãs para passarem o domingo em sua mansão, brincando na piscina. Também ajudava outros artistas com problemas financeiros. Nada disso surge na tela. Essa coisa meio infantilóide de se focar apenas em um lado louco da vida do cantor algumas vezes se torna cansativa. O livro do Nelson Motta é muito bem escrito, fazendo com que o leitor não queira largar suas páginas e mostra esse lado das drogas também, mas igualmente mostra outras facetas de Tim, como seu jeito bem humorado de ser e outros aspectos de sua personalidade. O filme porém se mostra muito obcecado em mostrar apenas um lado mais sensacionalista e o menos lisonjeiro, diga-se de passagem. Além disso por questões dramáticas o roteiro cortou várias mulheres da vida de Tim, procurando concentrar aspectos de várias delas em apenas uma figura, a da Janaína (Alinne Moraes). No saldo geral porém "Tim Maia" ainda se mostra um bom filme, meio unilateral, é verdade, mas mesmo assim um bom programa. Deveria haver um cuidado melhor, principalmente na apresentação de suas melhores canções, mas ainda que se deixe levar por esses pequenos defeitos, vale a pena assistir e conhecer.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 30 de dezembro de 2014

John Lennon - Contradições de um Mito

John Lennon - Contradições de um Mito
John Lennon nunca foi um cara muito amável. Ele mesmo não queria e nem tinha interesse de passar a imagem errada. Fruto de um relacionamento complicado de seus pais, John só veio a desfrutar de uma vida estável quando foi morar com sua tia. A mãe morreu jovem, vítima de um motorista embriagado. O pai sumiu, marinheiro não queria problemas e nem responsabilidades. Assim John foi meio que criado solto, sem muitos exemplos familiares positivos a seguir. Essa sua personalidade complicada acabou também sendo passada para seus filhos. Não faz muito tempo vazou na internet um longo e revelador depoimento de seu filho, Julian. Nele o filho de John resolveu falar de alguns aspectos nada lisonjeiros de seu pai. Lennon é retratado como um pai distante, insensível e nas poucas vezes que conviveu com o filho, muito áspero e até mesmo raivoso. Nada parecido com a imagem de paz e amor que tantos se acostumaram a associar a ele. Na verdade John Lennon nunca foi uma pessoa muito fácil de conviver. Segundo as próprias palavras de Paul McCartney: "John Lennon era um gênio, mas não um santo!"

Dentro dos Beatles John também não foi de convivência muito fácil. O fato é que inegavelmente a fama lhe subiu à cabeça, o que fez com que John começasse a uma competição de falar bobagem. Mal lhe colocavam um microfone em sua frente John começava a opinar sobre tudo e todos, muito embora não tivesse preparo intelectual e técnico para emitir esse tipo de opinião sobre os mais variados assuntos. Por isso também acabou ficando em maus lençóis, principalmente quando desandava a falar de religião. Sua frase mais infame nesse aspecto foi "Os Beatles são mais populares do que Jesus Cristo". Isso irritou meio mundo e causou tamanho problema que o próprio John depois teve que vir a público pedir desculpas, afirmando que havia sido mal interpretado.

Sim, John era um ser humano e como tal tinha defeitos e muitos. A despeito de tudo isso também se tornou um artista genial. Muitas vezes a personalidade contraditória e cheia de complexidades acaba dando origem a manifestações culturais e artísticas maravilhosas. Seres humanos torturados acabam se tornando artistas geniais. John tinha traumas pela morte precoce da mãe, rancor pelo abandono de seu pai e indiferença com seu filho. Isso tudo porém gerou o caldeirão de sinceridade na qual Lennon iria escrever algumas de suas melhores canções, algumas realmente imortais. Certamente John Lennon não era bem um exemplo de pessoa, gostava de brigar em bares e boates, fumava, bebia e usava drogas. Mesmo assim, com tanta coisa contra, jamais deixou de ser um artista genial. Afinal de contas como ele mesmo dizia a "genialidade é uma espécie de loucura". É mesmo John, concordo plenamente.

Pablo Aluísio. 

Ele Disse, Ela Disse

Título no Brasil: Ele Disse, Ela Disse
Título Original: He Said, She Said
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Ken Kwapis, Marisa Silver
Roteiro: Brian Hohlfeld
Elenco: Kevin Bacon, Elizabeth Perkins, Nathan Lane

Sinopse:
Um conhecido casal de jornalistas decide romper seu relacionamento de longos anos publicamente. O rompimento acaba chamando bastante atenção da mídia e cada um deles então procura seu expor seus motivos, procurando demonstrar a culpa do outro no fracasso de seu próprio casamento. Filme baseado no romance escrito por Brian Hohlfeld (que também assina o roteiro da produção).

Comentários:
Gosto bastante do roteiro desse filme. Ele tem realmente ótimos diálogos e a proposta do argumento mostrando o ponto de vista de cada um dentro de um relacionamento conturbado, deu margem para comprovar aquele famoso ditado que diz: "Para cada fato existem três versões, a de cada um e a verdade". Assim o espectador é levado para dois lados opostos, procurando descobrir quem estaria mesmo contando a verdade. O divertido é que isso abre espaço também para expor as diferenças existentes entre as visões do homem e da mulher dentro de um caso amoroso. Provavelmente você se identificará com o que acontece na tela, principalmente quando descobre que a forma de enxergar seu relacionamento é completamente diverso da de sua companheira, aliás algo bem comum de acontecer no mundo real. No mais, temos que admitir que o público alvo desse filme é realmente o feminino. É fato notório que elas adoram dissecar seus casos, procurando sentido nos menores detalhes, no mais singelos gestos e atitudes, enquanto que para os homens isso se torna um aspecto meramente secundário (para não dizer muitas vezes chato). Mesmo assim indico a produção para ambos os sexos e de preferência que seja assistido em casal, afinal de contas o enredo poderá abrir espaço para se debater o seu próprio envolvimento com a mulher amada. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 29 de dezembro de 2014

Homens de Honra

Título no Brasil: Homens de Honra
Título Original: Men of Honor
Ano de Produção: 2000
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: George Tillman Jr.
Roteiro: Scott Marshall Smith
Elenco: Cuba Gooding Jr., Robert De Niro, Charlize Theron, Powers Boothe
 
Sinopse:
O enredo gira em torno da história de Carl Brashear (Cuba Gooding Jr), um marinheiro que está determinado a se tornar o primeiro negro a entrar no esquadrão de elite da Marinha americana, algo que será muito complicado de alcançar por causa do inegável racismo reinante entre os oficiais e demais companheiros de farda. Billy Sunday (Robert De Niro), seu instrutor, irá modificar até mesmo sua mentalidade  retrógrada diante da força de vontade de seu subordinado. Filme indicado ao Grammy Awards na categoria de Melhor Trilha Sonora incidental.

Comentários:
Considero um filme apenas razoável, com roteiro sem grandes novidades trazendo um claro e óbvio tom de ufanismo no que diz respeito aos valores sacrossantos do militarismo americano. Provavelmente o maior problema do filme provenha de seu elenco. Como se sabe o ator Cuba Gooding Jr venceu um Oscar muito cedo em sua carreira. Por essa razão todos esperavam muito por parte dele, mas sinceramente falando ele até hoje só deu mancada na escolha dos filmes que realizou. Nesse "Men of Honor" seus maiores defeitos ficam extremamente evidentes. O rapaz é esforçado, mas lhe falta talento mesmo. Em filmes mais leves, comédias ou fitas de ação, ele até segura bem a onda, porém quando é exigido em tramas mais densamente tramáticas a coisa toda desanda, ganhando ares de tragicomédia. Aqui isso fica muito claro. Quando seu personagem precisa enfrentar momentos dramáticos tudo o que Cuba consegue é fitar o horizonte tentando passar alguma profundidade ao espectador! Lamentável, até porque tudo se torna em vão pois a sensação de vazio é direta e óbvia demais para ignorar. Ele passa a impressão de que simplesmente não sabe o que fazer em cena. Para falar a verdade em determinadas momentos temos mesmo que segurar o riso por causa de seus limitadíssimos dotes dramáticos, uma vergonha! Robert De Niro poderia até mesmo salvar o filme no quesito atuação, mas seu personagem é muito coadjuvante para fazer alguma diferença. Nem a beleza da maravilhosa Charlize Theron escapa da mediocridade reinante. Assim o que sobra no final é uma mera patriotada com carência enorme de boas atuações.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Homem Sem Face

Título no Brasil: O Homem Sem Face
Título Original: The Man Without a Face
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Icon Entertainment International
Direção: Mel Gibson
Roteiro: Isabelle Holland, Malcolm MacRury
Elenco: Mel Gibson, Nick Stahl, Margaret Whitton, Fay Masterson
 
Sinopse:
Desde que teve seu rosto desfigurado em um grave acidente automobilístico o ex-professor Justin McLeod (Mel Gibson) tem se tornado recluso e distante da pessoas da comunidade onde vive. Sua vida se torna muito sofrida pois além do estigma estético ele ainda tem que enfrentar o estigma social pois todos o culpam pelo acidente. Sua vida muda quando ele se aproxima de Charles E. 'Chuck' Norstadt (Nick Stahl) que poderá lhe trazer uma nova perspectiva existencial.

Comentários:
Depois de estrelar o blockbuster "Máquina Mortífera 3" Mel Gibson entendeu que havia chegado o momento de dar um tempo nos tiros e explosões para se dedicar a roteiros melhores e bem mais trabalhados. Afinal de contas ele sempre almejou algo a mais em sua profissão e não se contentava em apenas ser um astro de filmes de ação. Inicialmente rodou "Eternamente Jovem", um pequeno e lírico filme sobre um homem deslocado no tempo e espaço. A crítica simpatizou com o resultado. Depois surpreendeu mais uma vez com essa produção muito pessoal, dirigido por ele mesmo, realizado por sua própria produtora de cinema, a Icon. Foi o primeiro filme pra valer nessa sua nova carreira como cineasta (antes disso ele havia rodado um pequeno documentário para a TV denominado "Mel Gibson Goes Back to School"). Agora ele surgia na direção para o circuito comercial, brigando entre os grandes por fartas bilheterias, entrando de vez nessa nova fase de sua vida. Inicialmente muitos viram com ceticismo esse seu impulso de dirigir filmes. Mal sabiam que ele se consagraria em pouco tempo com "Coração Valente" que levaria vários Oscars. Aqui em "The Man Without a Face" Gibson já demonstra muito talento para dirigir, explorando as nuances do roteiro com raro brilhantismo. Também evita com sucesso que a trama se torne cansativa e enfadonha, dando o devido destaque a cada personagem. Considero um belo drama dos anos 90, com Gibson extraindo muito bem a riqueza de detalhes do romance escrito por Isabelle Holland. Revisto hoje em dia fiquei com a sensação que o ator deveria voltar para pequenos e sentimentais projetos como esse, pois ele mostrou ter mão para esse tipo de filme.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - How Great Thou Art - Parte 5

Crying In The Chapel (Artie Glenn) - Essa canção foi incluída no álbum por sugestão de Tom Parker. Na verdade era uma gravação antiga de Elvis Presley gravada sete anos antes e que seguia inédita em LPs do cantor. Só havia sido lançada em single em 1965 com "I Believe in the Man in the Sky" no Lado B. Como havia sido muito bem sucedida Parker entendeu que seria uma adição importante ao disco pois seria uma faixa conhecida que poderia puxar as vendas do álbum como um todo. O compositor Artie Glenn escreveu a música em 1953 com a intenção de ser gravada por seu próprio irmão, o cantor Darrell Glenn. Curiosamente as editoras musicais não acreditaram muito na canção. Os editores da Hill and Range Songs e da Acuff-Rose Music recusaram a música, afirmando que não tinha chances de virar um sucesso nas rádios. Mal sabiam o erro que estavam cometendo. A música logo se tornou uma campeã de vendas, sendo depois sucessivamente gravada por grandes nomes como Rex Allen, Ella Fitzgerald, June Valli e The Wailers. Assim quando Elvis a gravou ela já era considerada um standard da história da música norte-americana. Sob a voz de Presley "Crying In The Chapel" chegou no disco de platina vendendo mais de um milhão de cópias, um dos grandes êxitos comerciais de sua discografia.

How Great Thou Art - Elvis Presley (1967): Elvis Presley (vocal, piano e violão) / Scotty Moore (guitarra) / Chip Young (guitarra) / Bob Moore (baixo) / Henry Strzelecky (baixo) / Charlie McCoy (baixo e gaita) / D.J. Fontana (bateria) / Buddy Harman (bateria e timba) / Floyd Cramer (piano) / Henry Slaugter (piano) / David Briggs (orgão) / Pete Drake (steel guitar) / Boots Randolph (sax) / Rufus Long (sax) / Ray Stevens (piston) / The Jordanaires (vocais) / Millie Kirkham, June Page, Dolores Edgin & Sandy Posey (vocais) / The Imperials (vocais) / Produzido por Felton Jarvis / Arranjado por Felton Jarvis & Elvis Presley / Local de gravação: RCA Studios B, Nashville / Data de gravação: 25 a 28 de maio de 1966 / Lançado em fevereiro de 1967 / Melhor posição nas charts: #18 (EUA) e #11 (UK).

Pablo Aluísio e Erick Steve.

domingo, 28 de dezembro de 2014

O Imperador

Título no Brasil: O Imperador
Título Original: Outcast
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos, China, França
Estúdio: Notorious Films, Golden Village Pictures
Direção: Nick Powell
Roteiro: James Dormer
Elenco: Hayden Christensen, Nicolas Cage, Yifei Liu, Andy On
 
Sinopse:
Oriente Médio. Século XII. Jacob (Hayden Christensen) é um cavaleiro cristão lutando nas cruzadas que acaba se decepcionando com a causa. Desiludido e em crise de fé, ele decide ir embora para terras longínquas, indo parar no extremo oriente, na China. Lá acaba se viciando em ópio e entra numa disputa sucessória entre dois jovens príncipes após a morte do chefe do clã da região. Tentando manter todos salvos, Jacob acaba se envolvendo em inúmeras aventuras onde poderá contar apenas com sua habilidade com a espada.

Comentários:
Tentei muito gostar desse filme. O tema me chamou logo a atenção, numa aventura explorando cruzadas, disputas pelo trono no período medieval chinês e tudo mais. Não adiantou minha boa vontade porque realmente é uma fitinha muito fraca, derivativa e sem novidades. Os clichês obviamente estão por todos os lados e as cenas de ação dão sono, cheguei até mesmo a bocejar (um péssimo sinal). O resultado ruim só veio confirmar a maré baixa que atinge as carreiras de Hayden Christensen e Nicolas Cage. Em relação ao Christensen devo dizer que ele nunca me convenceu. Já o considerava medíocre na segunda trilogia de "Star Wars" e até hoje ele não conseguiu mudar minha opinião com suas atuações ridículas em filmes igualmente ruins. Para piorar seu personagem é chato até dizer chega. Na metade do tempo surge gemendo de dor e na outra se apresenta chapado de ópio! Como torcer por alguém assim? Já Cage segue seu purgatório cinematográfico. Se você (ainda) consegue gostar de seu trabalho depois de tantos abacaxis vai um aviso: sua participação no filme é mínima e insignificante. Ele surge apenas em momentos pontuais, declama meia dúzia de palavras e some de uma vez. Péssimo. No final "Outcast" não funciona como filme histórico e nem muito menos como película de ação. Lamento dizer, mas é de fato uma tremenda perda de tempo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

John Adams

John Adams foi uma figura importante na luta pela independência americana e segundo presidente dos Estados Unidos. Durante a sua presidência, Washington se tornou a capital americana. John Adams nasceu em 19 de outubro de 1735 em Braintree (agora Quincy), Massachusetts, filho de um fazendeiro. Adams se formou pela Universidade de Harvard em 1755 e tornou-se advogado. Em 1764 casou-se com Abigail Smith, uma mulher inteligente e independente que forneceu o marido um apoio considerável ao longo de sua carreira. A partir de meados da década de 1760, Adams começou cada vez mais a opor-se a legislação britânica em sua colônia americana, começando com a Lei do Selo. Apesar de sua hostilidade para com o governo britânico, em 1770, ele defendeu os soldados britânicos envolvidos no massacre de Boston. Isto tornou-o impopular, mas marcou-o como um homem de princípios elevados.

No primeiro e segundo Congresso continental, onde representou Massachusetts, Adams usou sua elegante escrita e habilidades de oratória para persuadir outros colonos sobre a necessidade de oposição a Grã-Bretanha, e a luta da causa pela independência da América. Ele trabalhou no comitê que posteriormente iria redigir a Declaração de Independência dos Estados Unidos. Durante a Guerra Revolucionária, ele acabou tomando parte no Conselho de Guerra, ajudando a levantar fundos com o objetivo de equipar o exército americano. Também colaborou ativamente na criação da marinha dos Estados Unidos. Em 1778 Adams foi enviado para Paris em uma missão diplomática. Ele voltou para lá em 1780 e, em 1783, foi um dos três norte-americanos a assinarem o Tratado de Paris, colocando fim da Guerra da Independência Americana. Entre 1785 e 1788, Adams atuou como o primeiro embaixador americano na Grã-Bretanha.

Em seu retorno à América, ele foi eleito o primeiro vice-presidente na chapa de George Washington e serviu por dois mandatos. Na campanha presidencial de 1796 acabou enfrentando forte oposição à sua candidatura dentro de seu próprio partido. Assim Adams acabou se filiando ao Partido Federalista onde foi eleito presidente. A deterioração das relações com a França levou a uma guerra naval não declarada entre os antigos aliados. Em 1798, Adams assinou o controverso ato que limitavam os direitos à liberdade de expressão. Isso praticamente destruiu sua popularidade, criando atos de repúdio e oposição em todo o país. Ao mesmo tempo, Adams enfrentou a oposição entre seus próprios aliados políticos. Ele resistiu às exigências de uma guerra declarada contra a França e esse foi um dos principais fatores que o fizeram perder a eleição de 1800 para Thomas Jefferson. Depois da derrota John Adams decidiu se aposentar da política, se estabelecendo definitivamente em sua cidade natal de Quincy. Ele faleceu em 04 de julho de 1826, depois de ter sobrevivido para ver a eleição de seu filho mais velho, John Quincy Adams, como sexto presidente dos Estados Unidos.

Erick Steve.

Um Segredo entre Nós

Título no Brasil: Um Segredo entre Nós
Título Original: Fireflies in the Garden
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Senator Entertainment Co
Direção: Dennis Lee
Roteiro: Robert Frost, Dennis Lee
Elenco: Ryan Reynolds, Willem Dafoe, Julia Roberts, Emily Watson, Carrie-Anne Moss, Hayden Panettiere

Sinopse:
Michael Taylor (Ryan Reynolds) é um escritor de romances que retorna para casa após um longo tempo para participar das festividades de graduação de sua irmã. Sua volta porém não será fácil, pois além das memórias de traumas passados (como o pai abusivo e uma mãe com problemas de relacionamento) ele ainda terá que lidar com uma morte dolorosa dentro de sua família, uma tragédia que precisa ser superada por todos. Filme indicado ao Young Artist Awards na categoria Melhor Atriz Coadjuvante (Chase Ellison).

Comentários:
Nem sempre há como realizar dramas sobre temas pesados de forma pueril ou superficial demais. Sou da opinião de que certos temas, principalmente relacionados à morte ou perda de pessoas queridas precisam ser enfrentados de frente, sem paliativos. O problema dessa produção foi que a atriz Julia Roberts impôs mudanças impertinentes e inoportunas no roteiro para que o filme não ficasse tão barra pesada. Nesse processo de estrelismo ela acabou mesmo foi destruindo as possibilidades de termos uma pequena obra prima em mãos. Esse aliás é o lado mais danoso de certas estrelas de Hollywood. Ao invés de se limitarem a atuar, se metem em aspectos cinematográficos que não entendem ou que simplesmente não possuem qualificações para se envolverem. A insuportabilidade do modo de ser de Julia Roberts já é bem conhecida pelos estúdios, mas aqui ela rompeu todos os limites do bom senso, estragando um roteiro que poderia render muito, muito mais. O resto do elenco também não melhora muito a situação. Ryan Reynolds não tem talento e a profundidade necessária para encarar um papel desses. Emily Watson parece perdida sem encontrar um bom termo com os demais membros do elenco. O único que escapa mesmo é o sempre correto Willem Dafoe que acaba sendo a única peça desse xadrez bagunçado que parece fazer algum sentido. Não é um filme ruim, mas sim equivocado por suas escolhas. De certa maneira o que temos aqui é realmente uma trama excelente que foi simplesmente desperdiçada. Mesmo assim, com um pouco de boa vontade, pode vir a funcionar em uma noite sem mais nada de interessante para fazer. Só não espere encontrar pela frente um filme maravilhoso, algo que ele definitivamente não é.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Diário de um Pároco de Aldeia

Título no Brasil: Diário de um Pároco de Aldeia
Título Original: Journal d'un Curé de Campagne
Ano de Produção: 1951
País: França
Estúdio: Union Générale Cinématographique (UGC)
Direção: Robert Bresson
Roteiro: Georges Bernanos, Robert Bresson
Elenco: Claude Laydu, Nicole Ladmiral, Jean Riveyre

Sinopse:
Após se formar no seminário um jovem padre é enviado pela Igreja Católica para assumir a pequena e distante paróquia de Ambricourt, no interior rural da França. Lá acaba encontrando um rebanho disperso, desinteressado e pouco religioso. Sua situação é agravada por uma crise existencial que coloca em dúvida até mesmo sua vocação para o sacerdócio. Filme indicado ao BAFTA Awards na categoria de Melhor Ator Estrangeiro (Claude Laydu). Filme vencedor do Festival de Veneza nas categorias de Melhor Direção (Robert Bresson) e Melhor Roteiro Adaptado.

Comentários:
Um drama delicado e muito bem escrito baseado na prestigiada novela escrita por Georges Bernanos. O local é uma região pobre e distante na França rural do começo do século XX. É justamente para lá que é enviado um padre recém formado no seminário. Assim que chega ele logo percebe que as coisas não serão simples ou fáceis. O povo local anda apático, sem esperanças. A igreja vive vazia e nem mesmo as crianças parecem interessadas em fazer o catecismo. Some-se a isso a precariedade da paróquia que sequer tem energia elétrica. Sem dinheiro ou meios adequados, o jovem sacerdote precisa se deslocar numa velha bicicleta em vielas cheias de lama e buracos. Um dos momentos mais interessantes acontece quando o padre encontra seu superior, um homem já muito vivido pelo tempo que lhe dá uma grande lição de vida ao lhe explicar que bons padres nem sempre são amados por seus fiéis, mas sim respeitados. No fundo, na essência desse enredo, o mais relevante é presenciar o cotidiano de um padre francês que luta contra todas as adversidades possíveis e imagináveis para reafirmar sua fé católica em um mundo melhor. Através de uma narração em off, onde ele escreve suas memórias em um diário o espectador vai conhecendo seus pensamentos e sua visão de mundo. O ator Claude Laydu enriquece o filme ao disponibilizar uma atuação de introspecção, onde ele tenta passar ao espectador todo o conflito interno pelo qual passa em sua mente. Enfim, temos aqui um belo drama com todos os ingredientes que já conhecemos tão bem do prestigiado e intelectualizado cinema franco.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 27 de dezembro de 2014

Henrique V - O Rei Guerreiro

Henry V foi um dos grandes reis guerreiros de Inglaterra medieval, famoso por sua vitória contra os franceses na batalha de Agincourt.

Henry nasceu em 1386 ou 1387, filho do futuro Henry IV. Ele recebeu o título de príncipe de Gales na coroação de seu pai, em 1399. Desde muito cedo mostrou suas habilidades militares como um capitão de infantaria, tomando parte na batalha de Shrewsbury em 1403. Ele então passou os próximos cinco anos lutando contra a rebelião de Owen Glendower no País de Gales. Ele também fez questão de ter um papel no governo do país, ao contrário do que fazia os nobres da época, levando a desentendimentos com seu pai pela quebra da tradição.

Henry tornou-se rei em 1413. Em 1415, ele esmagou com sucesso uma conspiração que tencionava colocar o rebelde Edmund Mortimer no trono. Pouco tempo depois ele partiu para a França, que iria se tornar o foco principal de suas atenções até o fim de seu reinado. Henry estava determinado a recuperar as terras localizadas no norte da França que tradicionalmente pertenciam aos seus antepassados, mas que agora se encontravam sob posse e domínio do trono francês. Ele capturou o porto de Harfleur e em 25 outubro de 1415 conseguiu finalmente derrotar os franceses na batalha de Agincourt, uma das mais sangrentas da história.

Entre 1417 e 1419 Henry seguiu com sucesso sua campanha de conquista da Normandia. Rouen rendeu-se em janeiro de 1419 e suas sucessivas vitórias no campo de batalha obrigaram o rei francês a assinar o Tratado de Troyes em maio de 1420. Henry foi além, sendo reconhecido como herdeiro e sucessor do trono francês, casando-se pouco depois com Catherine, a filha do monarca francês. Em fevereiro de 1421, Henry voltou para a Inglaterra pela primeira vez em três anos e meio, por causa da guerra que parecia sem fim com o trono da França. Ao lado de sua nova rainha Catherine tentou restabelecer as bases de seu reinado em seu país natal. Henry previa um longo período de paz e prosperidade com a coroa de sua nação, mas seus planos foram interrompidos bruscamente. Em junho, ele retornou para a França e morreu subitamente dois meses depois, provavelmente de disenteria, em 31 de agosto 1422. Até hoje a causa verdadeira de sua morte é um mistério, sendo que alguns autores defendem a tese que teria sido envenenado por alguém de sua própria corte (talvez por sua própria esposa francesa). Seu filho de nove meses de idade, o sucedeu.

Erick Steve.

Guardiões da Galáxia

Título no Brasil: Guardiões da Galáxia
Título Original: Guardians of the Galaxy
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Marvel Studios, Columbia Pictures
Direção: James Gunn
Roteiro: James Gunn, Nicole Perlman
Elenco: Chris Pratt, Vin Diesel, Bradley Cooper, Josh Brolin, Glenn Close, John C. Reilly

Sinopse:
Um grupo formado por seres de diversos planetas da galáxia se une contra o terrível Ronan (Lee Pace) que está em busca de uma poderosa partícula que fez parte da origem do universo. Adaptação para o cinema dos personagem criados em quadrinhos por Stan Lee. Filme indicado aos prêmios Annie Awards e Black Reel Awards.

Comentários:
Não achei tão excepcional como muitos diziam. Na verdade temos aqui uma adaptação correta dos quadrinhos e nada muito além disso. É fato que de uma forma ou outra está ocorrendo uma certa saturação em filmes adaptados de HQs, então quando o espectador se depara com um filme que seja pelo menos bem realizado, tentando ser o mais fiel possível ao material original, se cria um certo exagero em relação aos méritos cinematográficos do mesmo. O roteiro é bem centrado, porém não foge muito da velha fórmula de heróis tentando salvar o mundo (no caso aqui a galáxia). Para a Marvel sem dúvida é um excelente investimento já que esses personagens não são tão populares do público em geral como um Homem-Aranha ou um Thor. Na verdade esse grupo de estranhos seres só é mais conhecido mesmo dentro do universo dos fãs de quadrinhos. A sorte para os roteiristas do filme é que Stan Lee (sempre ele, o maior criador de heróis da Marvel), deu personalidades marcantes para todos os membros do grupo. Peter Quill (Chris Pratt) é o único terráqueo da trupe. Sequestrado quando ainda garoto em plenos anos 80, logo após a morte de sua mãe, ele passa seus dias enfrentando vilões enquanto ouve música oitentista em seu velho walkman (quem se lembra dessa velharia?). Rocket Raccoon (Bradley Cooper) é um mercenário durão que tem um inegável talento com máquinas, porém como é apenas um guaxinim precisa de alguém com força bruta ao seu lado, função desempenhada por Groot, que mais parece uma árvore ambulante. Os vilões também são bacanas, com destaque para Ronan e Thanos (tão conhecido vilão do universo Marvel). O filme tem um excelente elenco, mas infelizmente a imensa maioria dos atores está desperdiçada. Josh Brolin, Glenn Close e John C. Reilly praticamente não servem para nada. Para ser bem sincero nem deveriam estar aqui. Fora isso muitos efeitos especiais e uma direção de arte que se não chega a ser brilhante pelo menos se mostra certeira. Pelas expectativas criadas fiquei com um leve sabor de decepção após o fim da exibição. De fato "Guardiões da Galáxia" é uma boa aventura, divertida, porém passa muito longe de ser uma obra prima.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Star Wars Episódio II - Ataque dos Clones (2002)

Título no Brasil: Star Wars Episódio II - Ataque dos Clones
Título Original: Star Wars Episode II - Attack of the Clones
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: Lucasfilm, Twentieth Century Fox
Direção: George Lucas
Roteiro: George Lucas
Elenco: Hayden Christensen, Natalie Portman, Ewan McGregor, Christopher Lee, Samuel L. Jackson, Frank Oz, Rose Byrne

Sinopse:
Dez anos depois dos eventos do primeiro episódio, Anakin Skywalker (Hayden Christensen) compartilha um romance proibido com Padmé (Natalie Portman), enquanto Obi-Wan (Ewan McGregor) investiga uma tentativa de assassinato contra um importante senador, descobrindo a existência de um exército de clones. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais. Filme vencedor do Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Figurino e Melhores Efeitos Especiais.

Comentários:
Não chega a ser tão ruim como o episódio I, mas também não é nenhuma maravilha. Na verdade colocando as cartas na mesa temos que admitir que essa segunda trilogia "Star Wars" no cinema deixou bastante a desejar. Talvez as expectativas tenham chegado nas alturas ou talvez George Lucas tenha mesmo esquecido de escrever boas estórias se confiando apenas nas maravilhas da tecnologia digital. O que podemos afirmar com certeza é que esses novos filmes muitas vezes caíram na mais pura e simples bobagem. Até mesmo personagens cativantes e marcantes como o mestre Yoda perderam a graça. Se na trilogia original ele era um velhinho sábio e cheio de boas lições, aqui ele dá saltos e rodopios no ar enquanto enfrenta seus inimigos (em cenas que muitas vezes se tornam cômicas, tamanho o absurdo das situações sem noção). De bom mesmo apenas momentos proporcionados pelo elenco que de fato é muito bom. Curiosamente muitos atores se queixaram depois da falta de uma boa direção nesse quesito por parte de Lucas. Realmente ele nunca foi um bom diretor de atuação, preferindo se dedicar apenas na sala de montagem e efeitos especiais. Mesmo sendo um omisso no set o elenco conseguiu ainda arrancar alguns dos momentos realmente bons desse filme, com destaque para a bela Natalie Portman e do esforçado Ewan McGregor que conseguiu transformar seu Obi-Wan Kenobi em um personagem mais marcante do que da trilogia original. Péssimo mesmo apenas o medíocre Hayden Christensen como Anakin Skywalker. É de se admirar que com um ator tão fraco se conseguiu levar em frente essa série. De qualquer forma a saga "Star Wars" seguirá em frente breve, esperamos que com melhores resultados.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 26 de dezembro de 2014

Godzilla

Título no Brasil: Godzilla
Título Original: Godzilla
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos, Japão
Estúdio: Warner Bros., Legendary Pictures
Direção: Gareth Edwards
Roteiro: Max Borenstein, Dave Callaham
Elenco: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston, Ken Watanabe
 
Sinopse:
Um acidente nuclear numa usina japonesa desencadeia uma série de eventos literalmente monstruosos quando uma estranha criatura desperta de seu sono milenar, alimentado pela radiação emitida pela explosão dos reatores. Agora a humanidade precisa lutar para sobreviver a um verdadeiro desastre de proporções épicas! Filme indicado aos prêmios da Teen Choice Awards, Golden Trailer Awards e World Soundtrack Awards.

Comentários:
Se há algo a elogiar nessa segunda tentativa de levar Godzilla para Hollywood foi a opção dos roteiristas em seguir os passos dos filmes originais do monstro no Japão. Assim temos não apenas uma criatura gigantesca destruindo as cidades, mas três deles, sendo dois formando um casal que deseja infestar o planeta com suas crias. Outro fato curioso é a forma como o próprio Godzilla é encarado, não como um destruidor de mundos, mas sim como uma resposta da natureza para manter seu equilíbrio. Isso porém não salva o filme de apresentar muitos problemas, sendo o pior deles justamente aquilo que todos esperavam ser o maior mérito da produção: seus efeitos especiais. As cenas em que Godzilla enfrenta os dois MUTOS são de certa forma bem decepcionantes. No meio de uma fotografia excessivamente escura pouco se vê da luta, atrapalhada ainda mais por um jogo exagerado de sombras e fumaças. De que adianta gastar 160 milhões de dólares em um filme de monstros se o espectador tem que fazer uma força incrível para ver os bichanos? Além disso o design dos inimigos de Godzilla é bem desengonçado e mal feito. O roteiro é dos mais simples e curiosamente o protagonista (interpretado pelo ator Aaron Taylor-Johnson) não faz a menor diferença dentro da trama. O único nome digno de nota no elenco é Bryan Cranston, mas o ator que realizou um maravilhoso trabalho no papel de Walter White na série "Breaking Bad" tem pouco a fazer a não ser se tornar um mero coadjuvante de luxo. Pior se sai Ken Watanabe que passa o filme inteiro com a mesma expressão facial (de boca aberta, espantado com o tamanho do Godzilla). Dessa maneira, com tantos problemas, não há outra conclusão a se chegar pois definitivamente não foi dessa vez que o mais famoso monstro Made in Japan conseguiu um filme à altura em Hollywood.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Godzilla (1998)

Título no Brasil: Godzilla
Título Original: Godzilla
Ano de Produção: 1998
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures, Columbia Pictures
Direção: Roland Emmerich
Roteiro: Dean Devlln, Roland Emmerich
Elenco: Matthew Broderick, Jean Reno, Maria Pitillo, Kevin Dunn

Sinopse:
O cientista Dr. Niko Tatopoulos (Matthew Broderick) precisa lidar com uma nova criatura radioativa completamente desconhecida da ciência até então. Uma espécie de dinossauro monstruoso (muitas vezes maior e mais poderoso do que os dinossauros originais da pré-história) que ameaça a civilização humana. Filme vencedor da categoria de Melhores Efeitos Especiais da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films. Também indicado nas categorias de Melhor Filme - Fantasia e Melhor Direção.

Comentários:
Definitivamente não dá mais para encarar os filmes assinados por Roland Emmerich. Ele faz parte de uma escola (formada ainda por Michael Bay e James Cameron) onde tudo o que parece importar são efeitos especiais de última geração. Não há preocupação em desenvolver nenhum personagem e nem elaborar um roteiro mais decente. Tudo bem que no caso de Godzilla o que se esperava mesmo é ver o gigante monstruoso colocando abaixo uma cidade inteira de papelão, mas convenhamos que por se tratar de um filme americano com orçamento generoso era de se esperar um pouco mais. Outro aspecto complicado de entender é esse elenco. Tanto Matthew Broderick como Jean Reno são atores que precisam de bom material para apresentar um melhor trabalho. Não que eles sejam ruins para um filme como esse, na verdade é justamente o contrário, são bons demais para um script tão raso como o que vemos aqui. Assim o que sobra são apenas os efeitos digitais e nesse aspecto temos que dar o braço a torcer e elogiar. Aliás não apenas as cenas recriadas em computador, mas também os efeitos sonoros, são de fato realmente excelentes. Quando Godzilla adentra a cidade, destruindo prédios inteiros com apenas o rastro de sua cauda ficamos com aquela sensação de que, bem, o dinheiro que pagamos pela entrada de cinema não foi totalmente jogado fora. Mesmo assim por ser uma releitura americana do famoso monstro era de se esperar mais, muito mais. Do jeito que está temos apenas uma primeira e mal sucedida tentativa de trazer a criatura japonesa para os cinemas ocidentais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - How Great Thou Art - Parte 4

By and By (Charles B. Tindley) - Canção antiquíssima! Para certos autores a música teria sido composta no século XIX durante a Guerra Civil Americana. As partituras originais porém se perderam no tempo. O que chegou até nós foi essa versão escrita pelo pastor metodista Charles Albert Tindley. Aqui chamo a atenção para um fato importante: Tindley era um ministro negro cujo pai tinha sido escravo, ou seja, ele fazia parte da primeira geração a ganhar o direito de ser livre nos Estados Unidos. Obviamente que por sua experiência pessoal havia muito clamor e emoção em suas palavras. Talvez por essa razão a canção tenha essa puxada para cima, um sentimento efervescente de quem deseja recomeçar de novo, ir adiante e vencer. Impossível ficar parado ouvindo esse hino gospel. Elvis provavelmente a conheceu através da gravação de Bill Monroe, um cantor e compositor que ele aprendeu a adorar desde muito cedo em sua vida.

If The Lord Wasn´t Walking By My Side (Henry Slaughter) - O autor Slaughter nasceu em uma fazenda de tabaco perto de Roxboro, Carolina do Norte. Ele provavelmente teria trilhado o mesmo destino de miséria e privações de muitos que nasceram nessas regiões rurais atrasadas do sul dos Estados Unidos se não fosse salvo pela música. Depois de servir o exército americano ele decidiu que iria dedicar sua vida compondo canções religiosas. Além de ser bom escritor de letras era também excelente cantando, por isso fez parte de vários quartetos gospel ao longo da vida, entre eles os mais famosos foram o Selo-Ozark Quartet, seguido do The Weatherford Quartet (1958-1961), finalmente integrando o The Imperials (1964-1966), que era um dos preferidos de Elvis Presley.

Run On (Tradicional) - Outra cujas origens se perderam no tempo. Era um dos hinos religiosos mais populares em igrejas negras no começo do século XX. Dito isso é importante salientar que "How Great Thou Art" é isso mesmo que você está pensando, praticamente um disco gospel negro, para surpresa de muitos. Como isso aconteceu? Ora, Elvis provavelmente não frequentava as igrejas de comunidades negras em Tupelo e nem no Tennessee pois a sociedade ainda era fortemente segregada naquela época. Elvis certamente tomou conhecimento desse tipo de som ouvindo rádio, mais especificadamente estações direcionadas ao povo negro de Memphis. Como ele era apenas um garoto não havia em sua mente esse estado de coisas, essa separação entre brancos e negros. Para ele o que importava era que se tratava de uma música ótima, que mexia com ele. Como bem resumiria Sam Phillips muitos anos depois: "Para Elvis não havia música negra ou música branca, havia simplesmente música!".

Where No One Stands Alone (Mosie Lister) - Você sabe quem foi Mosie Lister? Thomas Mosie Lister nasceu na pequenina cidade sulista de Cochran, Georgia em 1921. Desde cedo se mostrou um garoto muito religioso e por isso sonhava um dia se tornar pastor protestante. Já adulto entrou no ministério se tornando ministro Batista na década de 1940. Embora fosse branco ele logo compreendeu que a ginga e o barulho do gospel negro poderia se tornar uma ótima ferramenta de evangelização. Como tinha excelente voz começou a cantar nos cultos e depois de dois anos sentiu-se suficientemente seguro para apresentar suas próprias composições no altar. Escreveu grandes sucessos, entre eles “Till the Storm Passes By”, “Then I Met the Master” e “How Long Has It Been?”. Ao longo de sua vida fez parte também de vários grupos vocais entre eles Melody Masters Quartet, porém acabou se consagrando mesmo alguns anos depois no maravilhoso Statesmen Quartet, outro grupo que Elvis amava e que não perdia nenhum lançamento. Presley levou sua paixão para seus próprios discos pois além de "Where No One Stands Alone" ainda gravou "He Knows Just What I Need" e "His Hand in Mine", do mesmo autor. Maior prova de sua admiração não poderia existir.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

quinta-feira, 25 de dezembro de 2014

Ele Não Está Tão a Fim de Você

Título no Brasil: Ele Não Está Tão a Fim de Você
Título Original: He's Just Not That Into You
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Ken Kwapis
Roteiro: Abby Kohn, Marc Silverstein
Elenco: Jennifer Aniston, Jennifer Connelly, Morgan Lily

Sinopse:
Gigi Haim está começando a ficar desesperada pois os anos passaram e ela ainda não encontrou seu príncipe encantado. Seu último relacionamento foi com o agente imobiliário Conor Barry. O problema é que ela ficou esperando por seu telefonema seguinte e nada aconteceu! Ele simplesmente não ligou mais. Sem pensar direito Gigi decide então partir para o tudo ou nada em sua vida amorosa, mas será que isso realmente valerá a pena? Filme indicado aos prêmios People's Choice Awards e Teen Choice Awards.

Comentários:
Comédia romântica bem mediana (estou sendo gentil e generoso, entenda bem) que foi produzida pela atriz Drew Barrymore. Eu certamente não tinha planos de ir conferir esse filme no cinema, mas me recordo que a programação estava tão ruim na ocasião que acabei conferindo na telona (para depois pintar aquele leve sentimento de arrependimento e dinheiro perdido). O problema das comédias românticas americanas é que elas deixaram de surpreender. Como tem um público certo e cativo os roteiristas nem se importam em arriscar muito, apostando cada vez mais em fórmulas já testadas antes (e que hoje em dia soam completamente saturadas). Assim as personagens que vão surgindo na tela são estereótipos e clichês de mulheres: a desesperada que morre de medo de não casar, a gostosona que faz de gato e sapato os homens, a insegura, a romântica e por aí vai. Tudo bem chato e repetitivo.Talvez traga algum interesse para a mulherada, já para os homens será mesmo uma má ideia, afinal comédias românticas já são complicadas de suportar, imagine as sem originalidade ou imaginação.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Zumbi tinha escravos?

Essa é uma pergunta que incomoda, incomoda muito! Na realidade longe da história oficial existe o mundo real, onde os personagens históricos nem sempre foram tão politicamente corretos. Se formos pensar em termos reais o fato é que um homem como Zumbi deixou inúmeras lacunas sobre sua verdadeira identidade. As informações são esparsas, dispersas, pois infelizmente havia poucos negros letrados naqueles tempos e isso causou um problema histórico gigantesco pois eles não escreveram sua própria história. O que temos são registros de pessoas da época que não conviveram dentro de Palmares, tendo que se contentar muitas vezes com a palavra de pessoas que supostamente teriam feito parte do quilombo. O que se pode dizer com uma certeza é que havia escravidão dentro da própria sociedade negra africana. Veja, muitos escravos que eram vendidos no litoral para os traficantes brancos tinham sido capturados por outros negros. Dentro do continente africano valia a lei da força bruta. Uma tribo em busca de riquezas invadia as terras de outra tribo e caso se tornassem vencedores na guerra transformavam todos os membros da aldeia conquistada em escravos. Mulheres, idosos e crianças eram vendidos pelo melhor preço. Em determinado momento o branco europeu não mais adentrava o continente em busca da tão valiosa mão de obra escrava pois grupos negros levavam escravos para os portos e os vendiam aos donos de navios negreiros.

Sim, a verdade histórica é politicamente incorreta. Não há hoje como negar que havia muitos negros no longo elo do tráfico de escravos negros para as Américas. Pois bem, dentro dos quilombos também havia uma sociedade estratificada, onde os poderosos tinham poder de vida e morte sobre os subordinados. Zumbi estava no topo da escala social de seu povo, era um monarca, um rei. E como todo rei negro africano também tinha seus escravos. Olhando sob esse prisma chegamos numa conclusão curiosa: Zumbi ao fundar seu quilombo não tinha em mente destruir o sistema de escravidão reinante na colônia, mas sim deixar de ser um escravo, subir na hierarquia social da sociedade e não acabar com a escravidão, até porque se até ele mesmo tinha escravos porque iria se auto prejudicar em sua propriedade? A visão de abolir a escravidão é um ponto de vista universal, amplo, objetivo. A visão que Zumbi tinha era puramente subjetiva pois o que queria mesmo era deixar de ser escravo de alguém, acima de tudo.

O escravo negro não era considerado uma pessoa do ponto de vista jurídico, mas um bem, uma coisa. E como coisa ele fazia parte do direito de propriedade de seu dono. Se Zumbi tinha escravos obviamente que eles também faziam parte de sua riqueza pessoal. Para ostentar seu domínio dentro do quilombo ele também tinha que ter poder político e poder econômico, e para isso não iria se desfazer de parte de sua propriedade, defendendo uma ideologia que lhe era desconhecida até então. Parece espantoso, mas a verdade pura e simples é que os pensamentos iluministas e abolicionistas não tinham chegado a Zumbi e ao seu povo. Era necessário haver um sistema cultural erudito para isso, entender de filosofia e até mesmo de teologia, algo que escapava para a realidade daquelas pessoas. Assim Zumbi é um símbolo controverso para o movimento negro. Certamente ele representa hoje em dia algo, mas em seu tempo isso era ainda uma abstração que não fazia parte da mentalidade da sociedade quilombola da qual fazia parte.

Pablo Aluísio.

Uma Cilada Para Roger Rabbit

Título no Brasil: Uma Cilada Para Roger Rabbit
Título Original: Who Framed Roger Rabbit
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures, Amblin Entertainment
Direção: Robert Zemeckis
Roteiro: Gary K. Wolf, Jeffrey Price
Elenco: Bob Hoskins, Christopher Lloyd, Kathleen Turner, Charles Fleischer, Joanna Cassidy

Sinopse:
Anos 1940. Embora Roger Rabbit (Charles Fleischer) seja um dos grandes astros de seu estúdio de animação, ele não se sente feliz. Ultimamente anda depressivo e triste por causa de seu conturbado relacionamento com Jessica Rabbit (Kathleen Turner). Para contornar toda essa situação o estúdio resolve contratar os serviços de um detetive particular, Eddie Valiant (Bob Hoskins), o que dará origem a inúmeras confusões. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhores Efeitos Especiais, Melhores Efeitos Sonoros e Melhor Edição.

Comentários:
Hoje em dia pode até ser visto apenas como uma divertida mistura de animação com atores reais, mas o fato é que esse filme foi um marco e tanto em termos de avanços tecnológicos na época. Nunca, em nenhum período histórico do cinema, havia se conseguido chegar em tamanha perfeição técnica, fruto da entrada da tecnologia digital na produção de filmes. Outro fato que chama bastante a atenção foi a união - pela primeira e única vez na história - de praticamente todos os grandes estúdios de animação de Hollywood para a realização de apenas um filme. Todos eles cederam os direitos de seus personagens e assim o espectador é presenteado com uma vasta galeria de personagens da Disney, da Warner, da MGM clássica e tantos outros que desfilam pela tela. A supervisão foi dada ao genial cartunista Richard Williams, o criador da Pantera cor de rosa. A Academia inclusive lhe concedeu um prêmio especial por esse trabalho e pelo conjunto de sua obra que é realmente maravilhosa. Curiosamente o enredo procura explorar uma estória de detetives numa Hollywood dos anos 1940, onde havia charme e glamour em abundância diante das telas e muita decadência e crime por trás delas. Um exemplo perfeito disso pode ser encontrado na personagem de Jessica Rabbit, tão sensual e perigosa como uma mulher fatal dos filmes noir daquela década. A personagem dublada com sensualidade á flor da pele pela atriz Kathleen Turner acabou fazendo mais sucesso que o próprio coelho protagonista. Inicialmente a animação seria dirigida pelo próprio Steven Spielberg, mas no último momento ele resolveu deixar a direção a cargo de seu pupilo Robert Zemeckis. Com ótimo elenco, primazia técnica e um roteiro saborosamente nostálgico, "Who Framed Roger Rabbit" é realmente uma das melhores animações de todos os tempos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Garota Que Eu Quero

Título no Brasil: A Garota Que Eu Quero
Título Original: The Petty Girl
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Henry Levin
Roteiro: Nat Perrin, Mary McCarthy
Elenco: Robert Cummings, Joan Caulfield, Elsa Lanchester, Melville Cooper

Sinopse:
George Petty (Robert Cummings) é um artista famoso por seus retratos de calendário, onde procura mostrar toda a extensão da beleza de mulheres lindas e sensuais. Durante uma visita à escola local acaba ficando fascinado pela senhorita Victoria Braymore (Joan Caulfield), uma professora que mais parece uma modelo. Sua beleza chama a atenção de todos. Obviamente Petty tenta convencê-la a posar em seu estúdio de fotografia, mas em vão. Em sua visão Victoria é a mulher ideal, com o qual ganhará milhões de dólares, explorando sua beleza incrível em revistas e em desfiles de moda. Ela porém recusa a oferta! Petty porém está determinado a não aceitar um "não" como resposta.

Comentários:
Ah, os anos 1950! Em uma época muito moralista e fechada os produtores de cinema faziam o que era possível para trazer um pouco de sensualidade para as telas. Só o simples fato de termos um enorme número de belas pin-ups desfilando em cena em trajes de banho já era garantia de uma certa bilheteria naqueles tempos reprimidos. Nesse filme garotas bonitas não faltam. Para contrabalancear o lado de mais humorístico e bem humorado do roteiro, os produtores também resolveram acrescentar pequenos e pontuais números musicais que hoje em dia vão soar ora nostálgicos, ora datados, dependendo de cada espectador. O interesse é que o rock como gênero musical ainda não havia nascido nos Estados Unidos, mas já havia todo um clima bem propício para seu surgimento, como bem prova essa película, pois ela foi realizada obviamente focando no público mais jovem, adolescente, demonstrando que já havia um mercado consumidor para esse tipo de produto. A atriz Joan Caulfield era modelo antes de virar atriz, inicialmente em peças da Broadway, para depois ir para a costa oeste onde Hollywood começou a apostar seus dotes físicos e dramáticos. Uma típica loira dos anos 1950, não conseguiu abalar o reinado de Marilyn Monroe, mas conseguiu transmitir simpatia e carisma com seus filmes, provando que nem só de Norma Jean vivia os estúdios de cinema da época.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Justiceiro Cego

Título no Brasil: O Justiceiro Cego
Título Original: Blindman
Ano de Produção: 1971
País: Estados Unidos, Itália
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Ferdinando Baldi
Roteiro: Tony Anthony, Vincenzo Cerami
Elenco: Tony Anthony, Lloyd Battista, Ringo Starr

Sinopse:
Blindman (Tony Anthony) é um pistoleiro cego, mas mortal, que é contratado para escoltar cinqüenta noivas arranjadas por correspondência até seus futuros maridos, mineiros da corrida do ouro. Durante a travessia seu parceiro de negócios resolve mudar de ideia, vendendo as mulheres para um famigerado bandido, Domingo (Lloyd Battista). Caberá a Blindman salvar as mulheres, cumprindo o que havia contratado.

Comentários:
Western Spaghetti que contou com dinheiro americano do estúdio Fox para sua finalização. A premissa é obviamente bem absurda (como convinha ao estilo) e conta com um interesse a mais para os fãs dos Beatles, a presença do baterista Ringo Starr interpretando um personagem chamado Candy. O músico há anos tencionava se tornar ator de cinema e com o fim de seu famoso grupo resolveu investir na nova carreira, com resultados irregulares, pois mesmo tendo participado de bons filmes também não escapou de fazer parte de bombas cinematográficas constrangedoras. A estrela do filme porém é o ator americano Tony Anthony (de "O Forasteiro Silencioso", "O Pistoleiro e os Bárbaros", "Um Homem, um Cavalo, uma Pistola" e "Um Dólar Entre Os Dentes") que dá vida ao personagem principal, Blindman, o justiceiro cego. Curioso que esse papel tem certas semelhanças com o herói dos quadrinhos Demolidor, pois sua deficiência visual não o impede de ser um atirador impecável pois apesar de não ver seus alvos ele desenvolveu um sexto sentido que lhe dá a exata posição e distância de seus inimigos em duelos mortais. Em suma, um faroeste ítalo-americano bem divertido que até hoje é lembrado pelos amantes do gênero. Vale a pena rever e caso ainda não tenho assistido, corra atrás.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 23 de dezembro de 2014

Família e Honra

Título no Brasil: Família e Honra
Título Original: The Timber
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos
Estúdio: MediaPro Studios
Direção: Anthony O'Brien
Roteiro: Steve Allrich, Anthony O'Brien
Elenco: James Ransone, Elisa Lasowski, Mark Caven
  
Sinopse:
Dois jovens, que vivem no rancho deixado pelo pai que há muito desapareceu, são informados que a hipoteca de sua propriedade em breve será executada e eles perderão tudo. Só há um meio de evitar isso: pagando o que devem para o banco. Desesperados, sem ter o dinheiro necessário para pagar as dívidas, eles decidem sair em caçada do próprio pai, um homem que é foragido da lei cuja recompensa foi estimada em mais de vinte mil dólares, um valor que serviria para que eles pagassem ao banco, mantendo seu rancho na família. Refugiado há muitos anos no alto de uma montanha distante e isolada a busca por ele será uma verdadeira jornada de vida ou morte.

Comentários:
Infelizmente não se fazem mais bons filmes de faroeste como antigamente. Veja o caso dessa produção. Lançada diretamente no mercado de venda direta ao consumidor nos Estados Unidos a fita apresenta vários problemas. O enredo é dos mais simples, o que me fez até mesmo lembrar de alguns westerns do passado. O problema central é que o diretor Anthony O'Brien não parece ter tido a habilidade necessária para contar sua história, o que é de se admirar pois não há muito o que contar. Basicamente é a busca de dois jovens ao pai, um sujeito foragido e com a cabeça a prêmio, com vinte mil dólares de recompensa. Passada a apresentação da história eles partem em busca dele em uma montanha nevada. Sinceramente não haveria maiores problemas em se contar algo tão básico. A direção porém consegue complicar até mesmo um enredo simples como esse. Em determinado momento a edição fica confusa, truncada demais. A sensação que temos é que houve um corte brutal nos acontecimentos (provavelmente houve mesmo por causa da pouca duração dessa versão, com pouco mais de oitenta minutos de duração). Assim os fatos do enredo vão surgindo de forma atropelada, muitas vezes sem maiores explicações. Só para se ter uma ideia do que estou escrevendo em determinado momento eles entram numa caverna para se alojar do clima hostil e lá encontram uma espécie de "homem-urso" que surge do nada e desaparece sem maiores explicações! Depois quando chegam a um acampamento de mineradores no alto da montanha são aprisionados e torturados por um homem que cita passagens bíblicas enquanto os tortura! Por quê? O roteiro não explica! Curiosamente as personagens femininas (as duas mulheres que ficam no rancho) parecem ser mais interessantes do que os dois irmãos em sua caçada, mas o diretor erra novamente ao não desenvolver nenhuma delas de forma minimamente satisfatória. Como o filme em si é mal desenvolvido o espectador começa rapidamente a perder o interesse. O bocejo assim se torna inevitável. Em suma, um filme fraco que se salva apenas pelas bonitas paisagens onde foi filmado, uma região de neve espessa e eterna no arredores de Bucareste, na Romênia. Fora isso "The Timber" deixa muito a desejar em termos de roteiro e edição, sendo essa simplesmente desastrosa.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Abutre

Título no Brasil: O Abutre
Título Original: Nightcrawler
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Dan Gilroy
Roteiro: Dan Gilroy
Elenco: Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Bill Paxton

Sinopse:
Louis Bloom (Jake Gyllenhaal) é um ladrãozinho pé de chinelo que vive de roubar cobre pelas ruas de Los Angeles. Casualmente descobre que existe uma forma relativamente mais fácil de ganhar a vida: filmando tragédias, chegando aos locais assim que os sinistros acontecem. Depois de filmar tudo, o material passa a ser negociado com redes de TV que estão dispostas a pagar bem pelas imagens exclusivas dos acontecimentos mais chocantes. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator (Jake Gyllenhaal).

Comentários:
O roteiro de "O Abutre" enfoca a vida de um tipo de sujeito que anda cada vez mais comum nos Estados Unidos: a do cinegrafista freelancer que está sempre em busca das imagens do próximo furo de reportagem dos noticiários televisivos. O título de abutre é bem adequado uma vez que ele literalmente vive da desgraça alheia, aparecendo em momentos trágicos, apenas para captar imagens desses eventos. O personagem interpretado por Jake Gyllenhaal é um ser moralmente repulsivo que não está atrás de posturas éticas ou nada do tipo, pois para ele o importante é filmar tudo in loco, o mais rapidamente possível. Assim seu serviço consiste em capturar o momento exato da morte de alguém, a cena do crime em seus mais sórdidos detalhes. Curiosamente ele é apenas reflexo da avidez por audiência das emissoras de TV, pois para essas o que mais importa é a divulgação da cena mais sangrenta, da mais chocante, tudo para elevar o número de telespectadores. A ética jornalística é jogada para debaixo do tapete em prol de uma concorrência feroz com outros canais de TV. Outro aspecto curioso no personagem principal é que ele passa de um ladrão ordinário a uma fonte importante para uma emissora local, afinal de contas as cenas que filma acabam sendo o grande atrativo para o público. Em determinado momento porém ele chega na conclusão que precisa ir além, não apenas captando a tragédia no momento em que ela ocorre, mas também influindo diretamente sobre ela. Um excelente argumento que levanta muitas questões pertinentes sobre o circo da mídia atual, mostrando que a decadência moral da TV não é fruto ou culpa apenas de um setor envolvido, mas vários, onde Bloom representa apenas o elo mais sórdido e grotesco.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - Os Anos Finais - Parte 40

Joe Esposito continua a relembrar os acontecimentos: "Então finalmente os paramédicos chegaram. Logo perceberam que Elvis tinha que ser levado às pressas ao hospital. Seus sinais de vida eram mínimos. Charlie Hodge e eu ajudamos os paramédicos a levantar o pesado corpo de Elvis. O colocamos numa maca e descemos as escadas, duas pessoas de cada lado. A confusão era enorme, pessoas chorando, gritando por Elvis. O colocamos na ambulância e fomos com ele ao hospital. Estávamos apreensivos, no caminho não conseguíamos pensar em nada, falar em nada. O Dr. Nick chegou bem a tempo e entrou na ambulância. O caminho em direção ao hospital pareceu durar uma eternidade. Eles o retiraram rapidamente quando chegamos ao centro de emergência. Fomos então escoltados por um oficial para fora do local onde iriam tentar ressuscitar Elvis. Aquilo parecia não ter mais fim, porém só durou trinta minutos. Finalmente os médicos reuniram todos, os familiares e amigos que tinham chegado junto com Elvis, numa sala do lado e comunicaram que ele havia falecido e que não haveria mais nada do que se pudesse fazer!"

Esposito relembra aquela hora terrível, quando finalmente todos souberam que não havia mais esperanças para Elvis pois ele estava clinicamente morto: "Numa hora dessas você fica rezando para que tudo fique bem mas sabe que acabou. Ele estava morto há um bom tempo. Não foi como se ele ainda estivesse quente ou algo assim. Ele estava frio e o tremor da morte já se manifestava. Mas você sempre tem aquela pequena centelha de esperança, mas infelizmente eu já sabia que ele estava morto. Nós ficamos pálidos, rezando para que tudo ficasse bem. Não posso dizer a você o que se passava na minha mente naquele momento. Realmente é algo difícil até mesmo para relembrar. Eu não sabia o que fazer. Após saber de sua morte fiquei desorientado. Então eu disse: 'Esta é a apresentação final de Elvis, vamos nos certificar de que seja feito direito. Não sei de onde tirei essa força. Voltei a Graceland e falei com seu pai sobre a organização do funeral de Elvis. Apenas entrei na organização do seu funeral e me certifiquei de que tudo seria feito de forma certa, com a segurança e outras coisas, para que tudo fosse muito respeitoso. É complicado dizer isso agora mas acho que se Linda ainda estivesse com Elvis as coisas teriam sido diferentes. Ginger simplesmente não sabia. Ela era muito jovem e imatura. Não sabia muito sobre a vida. Acho que Linda teria notado sua falta bem antes de Ginger e teria ido atrás de Elvis e assim teríamos salvo sua vida. Mas Linda não estava lá. Ginger adormeceu e Elvis muito provavelmente ficou horas sem socorro. Quando chegamos já era tarde demais."

Elvis Aaron Presley foi declarado oficialmente morto às 15:30 hs do dia 16 de agosto de 1977. Talvez quem melhor tenha feito um balanço final da morte de Elvis tenha sido sua ex esposa Priscilla Presley em seu livro autobiográfico: "A morte de Elvis tornou-me muito mais consciente de minha própria mortalidade e das pessoas que eu amava. Compreendi que era melhor começar a partilhar mais com as pessoas com quem me importava, cada momento que tinha com minha filha ou meus pais se tornou mais precioso. Aprendi com Elvis, muitas vezes – lamentavelmente – com seus erros. Aprendi que ter muitas pessoas ao redor pode minar suas energias. Aprendi o preço de tentar fazer todos felizes. Elvis dava presentes a alguns e deixava outros ciumentos, freqüentemente criando rivalidades e ansiedades no grupo. Aprendi a confrontar as pessoas e os problemas – duas coisas que Elvis sempre evitara."

Fazendo uma avaliação sobre os problemas que levaram Elvis para seu triste fim, sua esposa, ainda procurando por explicações, concluiu: "Aprendi a assumir o controle da minha vida. Elvis era tão jovem quando se tornara um astro que nunca fora capaz de manipular o poder e o dinheiro que acompanhavam a fama. Sob muitos aspectos, ele foi uma vítima, destruído pelas próprias pessoas que atendiam a todos os seus desejos e necessidades. Foi também uma vítima de sua imagem. O público queria que ele fosse perfeito, enquanto a imprensa implacavelmente exagerava os seus defeitos. Nunca teve a oportunidade de ser humano, de crescer para se tornar um adulto amadurecido, experimentar o mundo além de seu casulo artificial. Quando Elvis Presley morreu, um pouco de nossas próprias vidas nos foi tirado, de todos que conheciam e amavam Elvis Presley, que partilharam suas Músicas e filmes, que acompanharam sua carreira. Sua paixão era divertir os amigos e os fãs. O público era seu verdadeiro amor. E o amor que Elvis e eu partilhamos foi profundo e permanente. Elvis foi uma alma gentil, que emocionou e proporcionou felicidade a milhões de pessoas no mundo inteiro e continua a ser respeitado por seus semelhantes. Ele era um homem, um homem muito especial..."

- Fim -

Pablo Aluísio e Erick Steve.

segunda-feira, 22 de dezembro de 2014

Caravana do Ouro

Título no Brasil: Caravana do Ouro
Título Original: Virginia City
Ano de Produção: 1940
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Michael Curtiz
Roteiro: Robert Buckner
Elenco: Errol Flynn, Randolph Scott, Humphrey Bogart, Miriam Hopkins

Sinopse:
Na fase final da Guerra Civil Americana, os confederados sofrem pela falta de recursos, dinheiro e equipamentos. A única solução é encontrar de forma urgente uma nova fonte de ouro. Ela existe em Virginia City, Nevada, porém a região está dominada pelas tropas da União. O alto comando do exército sulista decide então enviar o Capitão Vance Irby (Randolph Scott) para liderar uma caravana que traga o ouro até Richmond. A União por sua vez envia o Major Kerry Bradford (Errol Flynn) para deter os planos dos rebeldes. Começa a partir daí um jogo de traições, falsas pistas e acobertamentos envolvendo o valioso carregamento.

Comentários:
"Virginia City" é uma obra pouco lembrada do mestre Michael Curtiz. Com roteiro mais bem elaborado do que o habitual, envolvendo uma curiosa trama de espionagem protagonizada por dois militares se fazendo passar por espiões e agentes infiltrados, o filme acabou sendo considerado complexo demais para o público ao qual se destinava. Hoje em dia ganha muito em novas revisões, justamente por causa da bem arquitetada estória. Outro ponto que chama logo a atenção é o elenco, com três grandes mitos da história de Hollywood. O primeiro é Errol Flynn, eterna estrela das produções dirigidas por Michael Curtiz na Warner. Seu personagem tem ares de Robin Hood, a perícia de um Capitão Blood e a valentia do General Custer. De maneira em geral apesar de ser o protagonista do enredo é o personagem menos interessantes do filme, apenas uma mistura pouco criativa de vários outros papéis desempenhados por Flynn ao longo de sua carreira. Já o Capitão confederado Vance Irby, interpretado por Randolph Scott, é muito mais bem desenvolvido. Comandante de uma prisão militar no começo do filme, ele é enviado pessoalmente pelo presidente Jeff Davis para trazer o ouro para os cofres sulistas numa última e desesperada tentativa de vencer uma guerra que naquela altura já parecia estar perdida, pois como bem explica um dos generais rebeldes: "Guerras são vencidas com dinheiro e não apenas com bravura e honra". Randolph Scott está completamente à vontade, até porque o western sempre foi o seu gênero preferido no cinema. Humphrey Bogart surge em cena como John Murrell, líder de um grupo de bandoleiros que está de olho no ouro. É muito divertido assistir Bogart nesse papel porque ele é muito sui generis em sua carreira. Com um bigodinho bem estranho, ele mal pôde ser reconhecido por causa de sua caracterização. Além disso é um personagem bem coadjuvante, o único vilão verdadeiro da trama, que só foi aceito pelo ator por causa de sua amizade e gratidão para com Curtiz, cineasta a quem tinha enorme respeito. Então é isso, "Caravana do Ouro" é de fato um ótimo faroeste que merece ser desempoeirado após ficar tantos anos esquecido embaixo das areias do tempo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

As vidas de Marilyn Monroe - Parte 4

Marilyn nunca foi uma garota convencional. Mesmo quando jovem, ela não se furtava em experimentar uma nova aventura amorosa, mesmo se estivesse tendo um caso sério com alguém. Na realidade olhando para sua biografia de relacionamentos podemos definir a atriz como uma mulher de espírito livre, que nunca dizia "não" se estivesse interessada romanticamente por alguém. Durante sua trajetória Marilyn namorou e teve casos com inúmeros homens que de uma forma ou outra refletiam suas ambições pessoas em determinadas fases de sua vida. Assim Marilyn acabou tendo casos com homens mais velhos, pessoas influentes e poderosas na indústria cinematográfica já que nessa época ela almejava ter bons papéis em filmes importantes. Jamais negou que fez o "teste do sofá" com executivos de cinema, algo que lhe trazia bons filmes, mas também confusões. Embora tivesses casos com esse tipo de gente isso não impedia Marilyn de também sair ao mesmo tempo com homens mais jovens que não tinham nada a lhe oferecer em termos profissionais. Marilyn usava os velhotes ricaços donos de estúdios para subir na vida, mas se apaixonava mesmo pelos bonitões, muitas vezes tão pobres como ela. Certa vez Marilyn Monroe marcou um encontro com o chefão da Columbia Pictures, Harry Cohn, em um hotel de Los Angeles. Como era muito desorganizada acabou marcando para o mesmo dia e na mesma hora um outro encontro com um fotógrafo desempregado que ela havia conhecido há poucas semanas. De repente Marilyn se viu na embaraçosa situação de ter dois homens em sua porta, ambos com flores, um olhando para o outro, sem entender o que estava acontecendo. Cohn ficou tão furioso que acabou demitindo a atriz da Columbia depois daquela tarde confusa!

Os maridos de Marilyn também sofreram nas mãos da atriz. Enquanto estava casada com Joe DiMaggio ela se apaixonou por um jovem italiano que era conhecido da família de DiMaggio. Joe queria que Marilyn se comportasse como as matronas italianas, que passasse sua roupa enquanto assistia filmes de faroeste na TV, tomando cerveja com seus amigos barrigudos. Claro que isso jamais daria certo. Logo cedo Marilyn entendeu que aquela vida de casada não era para ela. Marilyn queria conquistar o mundo, não ficar lavando roupas para Joe DiMaggio. Sufocada pelo tédio de seu relacionamento italiano tradicional ao velho estilo ela logo arranjou um amante mais jovem na vizinhança. Era algo proibido, sedutor e travesso, tudo que Marilyn tanto amava! E engana-se quem pensa que esse era o único amante de Marilyn na época. Ela também deu suas saídas em Hollywood, inclusive com outro mito do cinema, Marlon Brando. Marilyn adorava a fama de rebelde do ator e quando surgiu a primeira oportunidade saiu com ele para uma noite de loucuras ao seu lado em um hotel da Sunset Strip. Brando achava Joe DiMaggio um idiota cheio de si, um estúpido, e por isso decidiu que iria seduzir Marilyn. Em sua autobiografia ele diz que não precisou fazer muito esforço para isso. Apenas ligou para Marilyn e marcou um encontro furtivo. Foi uma paixão fugaz em sua vida, mas muito gratificante.

Marilyn era tão fora dos padrões que ela chegou a fugir com um namoradinho para o México, onde numa noite de loucuras e bebedeiras acabou se casando com ele em uma capelinha local! Uma loucura completa que quase enlouqueceu os agentes e executivos da Fox, que imediatamente a forçaram voltar àquele país para pedir anulação do enlace por estar "bêbada demais" para entender que estava se casando. Alguns desses relacionamentos rápidos de Marilyn podiam ser bem destrutivos também. Seu caso amoroso com o cantor Frank Sinatra foi complicado. Sinatra logo percebeu que Marilyn tinha muitos problemas com drogas e comprimidos. Ela estava sempre carregando uma bolsa cheia deles para onde ia. Quando Monroe misturava as drogas que tomava com bebidas ela ficava fora de si. Se já era louquinha sóbria, imagine alcoolizada! Talvez por isso tenha surgido um boato (até hoje não se sabe se foi verdade) de que Marilyn, completamente embriagada, teria sido abusada por Sinatra e seu grupo de amigos em uma noite de orgias em Las Vegas. Ela teria sido usada por todos aqueles caras porcalhões em uma suíte privativa de Frank Sinatra. Se era mentira ou não, o fato foi que Joe DiMaggio ficou sabendo da fofoca e imediatamente baniu Sinatra de seu círculo de amigos (ambos eram muito próximos, mas depois disso DiMaggio se recusou a falar com Sinatra novamente e o impediu de ir até no enterro de Marilyn).

Arthur Miller, o famoso dramaturgo que se tornou o último marido de Marilyn, também logo descobriu esse lado pouco fiel de sua esposa. No começo de seu namoro Marilyn ficou perdidamente apaixonada por Miller, mas depois que se casou foi perdendo o interesse. Começou a considerar o marido intelectual um "chato" que ficava o tempo todo em casa escrevendo suas peças de teatro e seus romances. Essa vida era uma chatice sem tamanho para ela e quando isso acontecia Marilyn aprontava. Arranjou não apenas um amante, mas dois. Eles eram famosos, figurões da política. Eram irmãos! Como se isso fosse pouco um era o presidente dos Estados Unidos, JFK. O outro era seu irmão, o procurador geral Robert Kennedy! Segundo alguns autores Marilyn pagaria muito caro por essa última aventura de sua vida, mas essa é realmente uma outra história.

Pablo Aluísio.

sábado, 20 de dezembro de 2014

Echoes of War

Título Original: Echoes of War
Título no Brasil: Ainda Não Definido
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos
Estúdio: American Film Productions
Direção: Kane Senes
Roteiro: John Chriss, Kane Senes
Elenco: James Badge Dale, Ethan Embry, William Forsythe
  
Sinopse:
Com o fim da guerra civil americana o ex-soldado confederado Jimmy Wade (James Badge Dale) resolve voltar para a antiga casa de sua mãe. Há muito ela está morta, mas sua irmã ainda vive no lugar ao lado do marido e de seu filho, um garoto. A propriedade rural deles é vizinha com a de Randolph McCluskey (William Forsythe), um ex-criador de gado arruinado pela guerra. Quando um de seus filhos rouba uma caça do cunhado de Wade começa uma verdadeira guerra entre os dois clãs, ambos assolados pela miséria e desolação.

Comentários:
Gostei bastante desse filme. O enredo se passa nas primeiras semanas após o fim da guerra civil. O sul, derrotado nos campos de batalha, está praticamente destruído. As antigas fazendas ricas e prósperas estão abandonadas. Os que ficaram para trás passam por sérias dificuldades, inclusive fome, pois as plantações estão queimadas e o rebanho há muito foi levado pelas tropas da União. Nesse cenário de desespero e miséria extremas todo alimento é valioso. Para sobreviver o cunhado de Wade, o jovem confederado que retorna ao lar depois de ter vivido a desgraça da guerra, caça pequenos animais da região como porcos selvagens, coelhos e esquilos. É o que os salva da falta de alimentos naquelas terras arrasadas pela guerra. É uma verdadeira luta pela sobrevivência. Com poucos dias de seu retorno ao antigo lar Wade descobre que o filho do fazendeiro vizinho está roubando as caças presas nas armadilhas de sua família. O que começa com um simples desentendimento logo desanda para um verdadeiro banho de sangue. Justiça, ódio e vingança se misturam. O roteiro desse filme é muito bem desenvolvido. Ele não está preocupado em contar sua história com pressa, pelo contrário, tudo vai sendo desenrolado aos poucos. Isso abre espaço para termos uma visão de como era dura a vida no sul após sua derrota para os exércitos do norte. Uma verdadeira calamidade. É um bom faroeste, valorizado e muito por sua temática interessante. A vida no velho oeste definitivamente não era nada fácil.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Pata do Macaco

Título no Brasil: A Pata do Macaco
Título Original: The Monkey's Paw
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Chiller Films
Direção: Brett Simmons
Roteiro: Macon Blair, W.W. Jacobs
Elenco: C.J. Thomason, Stephen Lang, Michelle Pierce

Sinopse:
Um artefato misterioso e de origem desconhecida, uma pata de macaco empalhada, vai parar nas mãos de Jake Tilton (C.J. Thomason). Afirma a lenda que o estranho objeto dá direito a realização de três desejos de seu dono. Assim Jake, ainda não acreditando, pede um carro novinho em folha, o que acaba dando certo! Depois deseja que seu amigo, que sofreu um sério acidente de carro, não morra. Pedido feito e aceito. O que Jake não desconfia é que todos os desejos possuem um alto preço a se pagar! E agora, fará o terceiro e último desejo?

Comentários:
Há uma crise no cinema de terror. A falta de originalidade se mescla com a ausência de qualidade cinematográfica e tudo o que resta são filme intragáveis. Esse "A Pata do Macaco" é um exemplo dessa mistura indigesta. O enredo é tão batido que nem vale a pena comentar (aliás curiosamente essa coisa de pata de macaco já tinha visto há muitos anos em um programa de suspense - isso mesmo, suspense - produzido pela Rede Globo!). Pois bem, em um argumento desprezível que copia a velha ladainha dos três desejos, um grupo de atores desconhecidos e fracos tentam trazer alguma qualidade a essa fitinha B. Não deu muito certo. É aquele tipo de produção que você faz uma baita força para chegar ao seu final de tão ruim que é! Melhor esquecer a pata, o macaco e todo o resto. Faça algo melhor com o seu tempo. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - Os Anos Finais - Parte 39

Olhando para trás Rick Stanley, como uma das últimas pessoas que viram Elvis com vida, tem sua própria teoria sobre os últimos momentos do cantor. Ele relembra: "Muitas vezes eu tinha visto Elvis fora de si quando ia ao banheiro, ficava sentado e caía. Eu tinha que levantá-lo quando aquilo acontecia. Muitas vezes. E esta é a minha teoria sobre a morte de Elvis. Veja, aquele tapete grosso amarfanhado. Grande, grosso. Naquela noite, quando ele caiu para frente, sendo tão pesado, e estando fora de si, não conseguiu levantar-se com suas próprias forças. E sufocou no tapete. Se voltasse lá eu o teria encontrado e salvo sua vida. Mas ele estava abusando muito das drogas. Eu penso que posso dizer que tinha comigo Demerol suficiente para topar Whitehaven (um subúrbio de Memphis) inteiro. Mas em vez de voltar eu fui para meu quarto e afundei. Daí em diante fiquei meio entorpecido. Para o meu padrasto, quando Elvis morreu, era o fim de nosso relacionamento. Bem depressa eu recebi um pedido para deixar a mansão. "Nós não precisamos mais de você!" foi o que Vernon disse. Ele avisou que me daria o salário de duas semanas e que eu podia ir embora de uma vez. Alguém disse uma vez que as três palavras que ele mais ouviu no mundo civilizado eram Jesus, Elvis e Coca-cola. Hoje dou palestras para jovens que sofrem de problema de dependência química e lhes conto a história de Elvis. Quando você pára e pensa em usar toda a fama de Elvis para algo nesse sentido, bem aí está um final feliz. Eu penso que ele gostaria disso".

Voltemos no tempo. Manhã de 16 de agosto de 1977. O sol do amanhecer já está alto, a luz solar entra pela pequena fresta da janela do banheiro e desliza suavemente sobre um corpo que jaz no chão do pequeno ambiente. O corpo está retorcido, em posição fetal. O rosto está congestionado de sangue, a expressão é de intensa dor, com o semblante registrando o exato momento em que seu organismo sofreu o ataque fulminante, o instante final congelado no tempo em sua hora fatídica. Não há reação aparente, não há som, nada se ouve, apenas a doce e suave vibração do último suspiro. O último grito abafado de socorro não foi ouvido. Tragicamente e ironicamente o ambiente luxuoso em que aquele homem sempre viveu abafou o barulho de sua queda ao sofrer o colapso cardíaco. Nenhum som fora do normal foi notado, ninguém percebeu, ninguém saiu de seus afazeres cotidianos para lhe socorrer, sua queda final passou despercebida. Assim como muitos de sua idade o sujeito caído no chão encontrou sua hora final ao sofrer um ataque do coração fulminante, que sequer lhe deu a chance de lutar por sua vida. Em questão de segundos ele perdeu a consciência e foi ao chão, retorcido de dor. A língua trincada entre os dentes é apenas a manifestação física de um colapso do qual quase nunca se volta. O último segundo de vida lhe fugiu de forma fugaz, efêmera. O Tempo deixa de existir e não tem mais sentido. Era o fim.

Tudo seria banal se aquele homem que acabara de sofrer um ataque não fosse uma das pessoas mais famosas do século XX: Elvis Presley. Sim, aquele corpo que lutava pela sobrevivência e que agora sentia o último sopro de vida lhe escapar em questão de segundos era o do outrora afamado Rei do Rock. O silêncio reinante só foi quebrado quando a namorada de Elvis na ocasião, Ginger Alden, bateu levemente na porta do banheiro. "Elvis?" - perguntou ela. Sem resposta abriu a porta e se deparou com a cena adversa. Em um primeiro momento ela não entrou em pânico. Apesar de Elvis estar estendido no chão Ginger teve uma reação típica de quem já havia passado por essa situação antes. Para aqueles que conviveram com Elvis em seus anos finais, o fato dele perder a consciência em razão do uso abusivo de remédios já não significava nenhuma novidade. Apesar de ser uma situação aflitiva e fora do normal, para Elvis em sua última etapa de dependência química, isso havia virado uma macabra rotina. "Será que bateu com a cabeça?" - perguntou a si mesma Ginger enquanto tentava virar o corpo inerte do cantor. Quando finalmente ela conseguiu visualizar seu rosto congestionado, roxo, sem nenhuma reação ou sinal de vida, percebeu finalmente a gravidade da situação e saiu em busca de socorro.

A partir daí a confusão foi generalizada como bem relembra Joe Esposito: "Estava em Graceland naquele dia 16 de agosto de 1977. Me lembro perfeitamente quando Ginger nos chamou no andar de cima. Eu entrei imediatamente na suíte e encontrei Ginger já bastante abalada. Entrei no banheiro e me deparei com Elvis no chão, caído. A posição sugeria que ele havia perdido a consciência e caíra pra frente de onde estava sentado. Quando o toquei senti um frio percorrer minha espinha. Percebi que não havia mais o que fazer, a impressão que tive foi que Elvis já estava morto por um bom tempo. Mesmo assim resolvi agir imediatamente. A primeira providência foi chamar uma ambulância a Graceland, urgentemente!". Quando a ligação chegou ao conhecimento dos paramédicos eles pensaram seriamente que Vernon, o pai de Elvis, sofrera mais um ataque cardíaco.

Um dos motoristas ao saber que se tratava de Graceland comentou com seu amigo ao lado: "Deve ser o pai de Elvis!". Enquanto o socorro médico não chegava em Graceland Esposito tentava em vão prestar os primeiros socorros em Elvis, como ele mesmo relembra: "Em poucos segundos as pessoas começaram a chegar no quarto de Elvis. Seu pai veio correndo, subindo as escadas e chegou ao quarto ofegante. 'Onde está meu filho?' - gritou o pobre Vernon. Nesse momento pedi para que dessem espaço pois estava tentando fazer algo por Elvis. Vi que Lisa entrava no quarto e pedi que Ginger a tirasse de lá imediatamente, para que assim ela não visse seu pai estendido no chão de seu banheiro. A confusão era muito grande, pessoas indo e vindo, tive que tirar muitos de dentro do local, precisava ajudar Elvis. Eu tentei dar alguns CPR no coração de Elvis, porque eu não conseguia abrir sua boca e fazer um procedimento de respiração boca a boca, pois ela estava fechada e congelada. Então resolvi girar o corpo de Elvis, o vesti e continuei trabalhando nele até a ambulância chegar. Apesar de lutar muito logo percebi que era tarde demais."

Pablo Aluísio e Erick Steve.

Um Rosto Sem Passado

Título no Brasil: Um Rosto Sem Passado
Título Original: Johnny Handsome
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: Carolco Pictures
Direção: Walter Hill
Roteiro: John Godey, Ken Friedman
Elenco: Mickey Rourke, Ellen Barkin, Elizabeth McGovern, Morgan Freeman, Forest Whitaker, Lance Henriksen

Sinopse:
Johnny Handsome (Mickey Rourke) é um gangster deformado que planeja um assalto com sua quadrilha nos arredores de Los Angeles. Durante a execução do crime porém ele descobre que foi traído por dois de seus comparsas. Preso, é condenado a uma pesada pena. Atrás das grades é escolhido para fazer parte de um inovador programa de reabilitação, onde o Dr. Steven Fischer (Forest Whitaker) resolve reconstruir sua face. Depois finalmente ganha a liberdade das ruas. Com nova aparência e uma nova oportunidade de trabalho tudo caminha para que Johnny finalmente trilhe o caminho de uma nova vida, mas a pura verdade é que a mente de Johnny ainda está consumida pelo desejo de vingança. Filme indicado aos prêmios da Chicago Film Critics Association Awards e Los Angeles Film Critics Association Awards.

Comentários:
Nunca entendi porque "Johnny Handsome" não conseguiu ser um sucesso de bilheteria. Talvez o fato da Carolco estar indo à falência justamente naquele ano explique parte de seu fracasso comercial, mas nem isso resolve inteiramente a equação. Com um elenco simplesmente fantástico (leia a ficha técnica acima para conferir), direção correta e precisa de Walter Hill, outro ícone dos anos 80, o filme tinha tudo para dar certo. Na verdade foi extremamente mal lançado (no Brasil então nem se fala, indo diretamente para o mercado de vídeo VHS), caindo inexoravelmente no esquecimento (quase) completo. Uma injustiça pois ainda o considero um pequeno cult movie daquela década. Estrelado pelo mito Mickey Rourke, o filme explorava um personagem que passava por uma radical mudança em seu rosto - algo que me lembrou imediatamente de "O Segundo Rosto", aquele clássico injustiçado com Rock Hudson. Some-se a isso o fato do roteiro ter um paralelo com eventos pessoais da própria vida de Mickey Rourke na época, o que supostamente aumentaria o interesse pela fita. Foi justamente por aqui que todos começaram a perceber estranhas mudanças em sua fisionomia causadas por cirurgias plásticas desastrosas. De galã underground ele passou a ter um semblante esquisito, com bochechas de silicone! Uma mudança que veio para pior. Tudo isso porém não ajudou o filme em praticamente nada. Entre as atrizes destaco o furacão sensual Ellen Barkin, cuja química em cena curiosamente não funcionou muito bem com Rourke. Elizabeth McGovern, uma das estrelas jovens mais bonitas daqueles anos também está no filme. Ela inclusive vem em um momento muito bom na carreira, fazendo sucesso na série "Downton Abbey" onde interpreta a Condessa de Grantham, Cora Crawley. Assim no final de tudo temos que dar o braço a torcer. "Johnny Handsome", infelizmente, é aquele tipo de filme de que você sempre gostou, mas que jamais aconteceu, caindo nas sombras do esquecimento após todos esses anos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.