sábado, 23 de junho de 2018

James Dean - Hollywood Boulevard - Parte 3

Assim que as filmagens de "Vidas Amargas" iam avançando, Dean e Kazan começaram a ter atritos. O que começou com uma simbiose de ideias interessantes para o filme logo desandaram para pequenos mal entendidos que cresceram ao ponto de Kazan falar mal do ator para a imprensa. Para o diretor as filmagens começaram muito bem, mas conforme foram avançando surgiram problemas envolvendo James Dean com praticamente todos os membros do elenco.

Durante uma cena com o ator Raymond Massey (que interpretava seu pai no filme) Dean começou a recitar pequenas obscenidades e palavras de baixo nível para seu colega, enquanto ele tentava se concentrar em declamar seu rebuscado texto. Para Dean tudo não passou de uma brincadeira, mas para Massey aquilo era o ápice da falta de profissionalismo. Com sua estrela Julie Harris as coisas não fluíram melhor. Dean começou a debochar de seu jeito tímido e calado. Julie tentava levar na brincadeira, mas depois aquilo começou a aborrecer a tal ponto que Kazan disse literalmente que "ela era realmente uma santa em aguentar aquele James Dean no set sem perder a paciência"!

Depois de morar um tempo com Richard Davalos em um apartamento cedido pela Warner, James Dean resolveu tomar uma decisão radical. Largou o apartamento, pegou sua velha mochila com os poucos pertences pessoais e resolveu que iria morar dentro de seu camarim no estúdio. Kazan achou aquilo uma maluquice, mas Dean explicou que o camarim no final das contas era mais espaçoso que seu pequeno quarto e além do mais o deixaria mais perto do trabalho (na verdade o deixaria sempre "dentro" de seu trabalho). Os produtores não fizeram questão, mas lhe informaram que assim que as filmagens terminassem ele teria que sair de lá, pois outro filme seria feito e os camarins seriam disponibilizados para o elenco que chegaria para trabalhar no novo filme. Dean deu de ombros, afinal de contas por mais estranho que fosse seu comportamento ele certamente não estaria disposto a viver indefinidamente dentro de um camarim de estúdio de cinema.

Enquanto estava de folga das filmagens, James Dean resolveu visitar os sets de outros filmes, entre eles "O Cálice Sagrado" que estava sendo filmado perto de seu camarim. Foi lá, visitando Paul Newman, que Dean viu pela primeira vez a atriz Pier Angeli. Foi amor à primeira vista! Embora Dean tivesse tido vários casos amorosos com homens em sua vida, ele tinha uma  certa tendência em alimentar paixões amorosas em relação a garotas que conhecia e admirava. Angeli era uma delas. De família católica italiana tradicional, a atriz era o extremo oposto de James Dean, na época considerado um ator largado de Nova Iorque, um sujeito conhecido por sua rebeldia e comportamento fora dos padrões. De qualquer maneira, como diz o ditado, os opostos se atraem. E assim James Dean ficou gamado por ela! Nem bem a viu pela primeira vez comentou depois com Paul Newman: "Puxa, ela não parece ser desse mundo!". Discretamente James Dean convidou Angeli para se sentar com ele no refeitório da Warner durante o almoço. Não demorou muito e surgiram de mãos dadas, confirmando que estavam namorando. A mãe de Pier Angeli não gostou nada de saber da novidade por causa da fama de rebelde e selvagem do ator e tentou acabar com o precoce namoro, mas foi em vão.

Enquanto isso as filmagens de "Vidas Amargas" iam chegando ao fim. Elia Kazan desabafou e disse que Dean não se deu bem com ninguém, nem com o elenco e nem com a equipe técnica. Também reclamou de suas atitudes insuportáveis, como por exemplo, sempre tentar estragar as cenas de Julie Harris. Outro aspecto que incomodou Kazan foi a forma como Dean lidava com o trabalho pois na opinião do diretor "Ele perdia muito tempo tirando fotos de si mesmo". Um egocêntrico? Para Kazan não restava a menor dúvida. Durante as filmagens, Dean resolveu comprar uma nova moto, da marca Triumph, ideal para corridas. Assim que descobriu isso Kazan chamou Dean de lado e lhe avisou: "Não tenho nada a ver com sua vida pessoal, mas enquanto o filme não ficar pronto você não participará de nenhuma corrida". Dean contestou e disse que nunca se machucara antes! Mesmo assim, como ainda era seu primeiro filme, resolveu acatar as ordens do cineasta. Na festa final de confraternização das filmagens James Dean não apareceu. Preferiu pegar sua mochila, colocar nas costas e ir embora de moto até o litoral. Haveria uma corrida para amadores e Dean não queria perder a chance de correr com sua possante moto pela primeira vez.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 22 de junho de 2018

Deadpool 2

Dizem os leitores de quadrinhos que o Deadpool tem os piores gibis da Marvel. São péssimos. Já no cinema o personagem parece ter encontrado seu espaço. Esse segundo filme confirma isso. O estúdio investiu 110 milhões de dólares em uma produção que está indo bem nas bilheterias. Basicamente o enredo segue em frente o que vimos no primeiro filme. Agora o herói tem planos de se casar e ter filhos, mas tudo acaba em segundos quando seu apartamento é invadido por vilões que matam sua noiva com um tiro certeiro. A partir daí o Deadpool que sempre foi insano vai ficando cada vez mais maluco, tentando inclusive se matar, quase sempre sem sucesso.

Confesso que é um pouco complicado gostar desse Deadpool. Ele não é um herói Marvel convencional. Embora seja praticamente indestrutível, sua principal característica é ser uma metralhadora verbal de bobagens. O sujeito não cala a boca nunca, sempre com uma piadinha na ponta da língua. Algumas vezes funciona, mas no geral se torna algo até cansativo. Para ajudar a passar o tempo há pelo menos alguns coadjuvantes interessantes, como o vilão Fanático (muito popular nos quadrinhos) e o X-Men Colossus. Aliás a tentativa desse último em recrutar o Deadpool para o grupo liderado pelo professor Xavier rende algumas das melhores piadas do filme.

Fora isso nada de muito relevante. A chamada quarta parede é quebrada várias vezes, com Deadpool criticando o próprio filme, zoando o roteiro, dizendo que é fraco demais. Boa opção. Nos créditos finais o ator Ryan Reynolds aparece abrindo um roteiro do Lanterna Verde. Como se sabe esse foi um dos maiores fracassos dos quadrinhos no cinema. Assim o Deadpool acaba dando um tiro em sua cabeça para que ele deixe de lado essa má ideia. No geral essa acaba sendo a melhor piada de todo o filme, que se passa longe de ser um dos melhores da Marvel, mas que pelo menos entretém dentro de suas possibilidades. Diante disso até que não foi uma perda de tempo conferir esse Deadpool 2. Até que vale a pena assistir.

Deadpool 2 (Idem, Estados Unidos, 2018) Direção: David Leitch / Roteiro: Rhett Reese, Paul Wernick  / Elenco: Ryan Reynolds, Josh Brolin, Morena Baccarin / Sinopse: Após a morte da amada, o Deadpool decide tocar o terror em si mesmo, adotando um comportamento suicida. As coisas vão acontecendo até o surgimento de um jovem mutante, que consegue produzir chamas em suas mãos. Com a chegada de um enviado do futuro para matar o garoto, caberá a Deadpool solucionar todos os problemas, mas claro, sem deixar o seu conhecido humor ácido de lado.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 21 de junho de 2018

Jurassic World: Reino Ameaçado

Quando o filme começa descobrimos que a ilha que abrigou o Jurassic Park está com os dias contados. Uma erupção vulcânica vai destruir tudo, matando inclusive os dinossauros que nela habitam. Então surge uma questão a ser discutida dentro da sociedade: os dinos devem ser resgatados ou não? Alguns defendem que isso é a vontade de Deus, promover uma segunda extinção desses animais, enquanto outros, os protetores dos animais, defendem que eles devem ser salvos da destruição. O congresso americano debate a questão e decide que o governo não fará nada pelos bichos. Assim um magnata decide promover uma grande expedição de resgate na ilha. Algumas espécies serão tiradas do lugar antes que ele some de mapa. As intenções dessa grande corporação porém nunca ficam muito claras. Eles dizem publicamente que o resgate será feito para salvar a vida dos bichos, mas será verdade? Quanto custaria um dinossauro desses no mercado negro? Trinta milhões? Cinquenta milhões de dólares? Tudo vai sendo desvendando aos poucos para o espectador.

Pois bem, esse é mais um filme da bem sucedida franquia inaugurada há muitos anos por Steven Spielberg quando ele dirigiu o primeiro filme que foi um sucesso estrondoso. Embora mantenha o controle dos filmes hoje em dia, através de sua companhia cinematográfica (a Amblin Entertainment), Spielberg não mais dirige os filmes. Geralmente ele passa a bola para algum diretor mais jovem e promissor. No caso aqui o escolhido foi J.A. Bayona, de "O Orfanato", "Sete Minutos Depois da Meia-Noite" e da série "Penny Dreadful". O cineasta espanhol fez um bom trabalho. "Jurassic World: Reino Ameaçado" é um filme eficiente, com roteiro redondinho e que mantém a chama acessa desse universo bem acessa.

Claro que não se pode comparar esse filme ao original. Aqui a intenção é apenas abrir as portas para outros futuros filmes que certamente virão por aí. Spielberg é além de um grande diretor, um grande produtor que sabe o que faz. Essa produção aqui custou meros 170 milhões de dólares, bem menos do que "Han Solo" seu principal concorrente nas bilheterias. Acabou faturando mais e sendo mais bem sucedido do que o concorrente da Disney. Bem conduzido, esse novo filme da saga Jurasssic Park só tem um probleminha em minha opinião. As cenas finais foram rodadas em uma fotografia muito escura. Qual é o sentido de desenvolver dinossauros super realistas para escondê-los em sombras e penumbra? E se você for assistir tudo em 3D as coisas vão ficar ainda mais escuras! Fora isso, tudo bem OK. O parque dos dinossauros pelo visto ficou mesmo pequeno para esses monstros. Agora o mundo pertence a eles (assista ao filme e entenda bem o que eu quis dizer nessa frase final).

Jurassic World: Reino Ameaçado (Jurassic World: Fallen Kingdom, Estados Unidos, 2018) Direção: J.A. Bayona / Roteiro: Derek Connolly, Colin Trevorrow / Elenco: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Rafe Spall, Toby Jones, Jeff Goldblum / Sinopse: Após o colapso da ilha onde um dia funcionou o Jurassic Park, um magnata decide resgatar algumas espécies de uma segunda extinção. Sua intenção oficial seria a preservação dos dinossauros, mas parece haver algo a mais, uma forma lucrativa de lidar com todos esses répteis maravilhosos.

Pablo Aluísio. 

 

quarta-feira, 20 de junho de 2018

Han Solo

Depois que a Disney comprou a marca "Star Wars" estamos tendo lançamentos regulares dessa franquia. Essa produção foi uma das mais problemáticas do estúdio até esse momento. Custou 300 milhões de dólares, teve problemas no set de filmagens e não conseguiu ter o retorno de bilheteria que os produtores queriam. Também foi bem criticada nos Estados Unidos. Para muitos se trata de um filme inútil que conta um enredo vazio. O protagonista, como não poderia deixar de ser, é o bom e velho Han Solo, mas sem sinal de Harrison Ford, que se aposentou. Em seu lugar entrou o quase desconhecido Alden Ehrenreich que obviamente não tem nem um por cento do carisma de Ford. Mesmo assim até que consegue se sair bem em um filme que realmente peca por ter um roteiro genérico demais para nos importamos com ele.

A ideia é contar as origens de Han Solo, suas aventuras na juventude, bem antes dele se unir aos rebeldes, algo que só iria acontecer no episódio 4, que é o primeiro filme "Guerra nas Estrelas" de 1977. Assim acompanhamos Han Solo se envolvendo em confusões no pequeno planeta de onde veio. Com tanta gente querendo seu pescoço (ele é uma espécie de trambiqueiro de bom coração), só resta fugir. E ele vai embora, acabando, vejam só, como soldado do império. Depois disso ele conhece um fora-da-lei, um assaltante de trens chamado Beckett (Woody Harrelson). Junto a Han Solo ele parte para um roubo de um mineral importante para o chefão criminoso Dryden Vos (Paul Bettany). A ação não cessa, porque como já expliquei, o roteiro é genérico. Uma cena de ação atrás da outra. O alívio romântico vem com a personagem Qi'ra (Emilia Clarke), pela qual Solo é apaixonado.

A atriz Emilia Clarke aliás é um dos bons motivos para ver esse filme. Sua personagem tem mais camadas do que os demais. Ela apresenta um comportamento dúbio, ora se aliando aos interesses de Solo, ora o traindo quando lhe convém. O diretor Ron Howard acabou fazendo um filme morno. Há vários pontos em aberto, mostrando que a intenção do roteiro era abrir brechas para novos filmes apenas com as aventuras de Han Solo. Será que vai acontecer? Tenho minhas dúvidas. Acho que provavelmente a Disney vai arquivar esse spin-off, uma vez que ele acabou não agradando nem ao público e nem à crítica. É esperar para ver.

Han Solo: Uma História Star Wars (Solo: A Star Wars Story, Estados Unidos, 2018) Direção: Ron Howard / Roteiro: Jonathan Kasdan, Lawrence Kasdan / Elenco: Alden Ehrenreich, Woody Harrelson, Emilia Clarke, Donald Glover, Paul Bettany / Sinopse: Após tentar passar a perna em uma figura do submundo de seu planeta de origem, o jovem Han Solo decide que é hora de ir embora. Ele consegue atingir esse objetivo, entra em uma nave e acaba parando nas fileiras do exército imperial, em plena guerra pelo controle da galáxia.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 19 de junho de 2018

A Última Fortaleza

Um filme de prisão com alguns elementos que o diferenciam do lugar comum. Antes de tudo não se trata de uma prisão comum, mas sim de uma prisão militar de segurança máxima. Lá dentro cumpre pena o ex-General Irwin (Robert Redford). Condenado por um crime que nunca cometeu, ele começa a travar um jogo psicológico com o diretor do estabelecimento, o Coronel Winter (James Gandolfini). Além de ser menos preparado intelectualmente que seu principal prisioneiro, Winter esconde seu complexo de inferioridade abusando de sua posição, criando um clima de tensão entre os prisioneiros, após decidir administrar tudo com punhos de ferro.

Um filme com excelente elenco, um roteiro até bem inspirado, mas que no final consegue ser apenas OK. Provavelmente se tivesse sido produzido dez anos antes tivesse maior impacto. O destaque vai mesmo para o duelo que se trava entre Robert Redford e James Gandolfini. Dois grandes atores que só trabalharam uma vez, justamente nessa produção. Em minha opinião, apesar da experiência de Redford, quem se sai melhor é Gandolfini, pois seu personagem tem uma personalidade mais complexa do ponto de vista psicológico. O terceiro elemento do elenco, Mark Ruffalo, acaba sendo engolido pelos dois. Se limitando a fazer expressões de amuado (sua "especialidade") ele termina passando vergonha no meio de dois grandes atores em cena, ambos dando o melhor de si. Enfim deixo aqui a dica desse filme muito razoável que pouca gente viu ou se lembra de ter visto.

A Última Fortaleza (The Last Castle, Estados Unidos, 2001) Direção: Rod Lurie / Roteiro: David Scarpa / Elenco: Robert Redford, James Gandolfini, Mark Ruffalo / Sinopse: Um ex-General condecorado, condenado injustamente, enfrente um Coronel, diretor de uma prisão militar. Em jogo o controle do estabelecimento prisional e o destino de todos aqueles homens encarcerados, dispostos a iniciarem uma grande e violenta rebelião.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 18 de junho de 2018

As Cartas de Grace Kelly - Parte 3

O tio de Grace Kelly, o ator George Kelly, foi o grande incentivador em sua vida para se tornar uma atriz. Ele era o membro excêntrico da aristocrática família Kelly, sempre se tornando o assunto principal nos jantares familiares refinados dos parentes. Era considerado um sonhador com alma de poeta. Os familiares de Grace eram todos grandes profissionais, médicos, advogados, engenheiros de sucesso. Ter um ator no meio de toda aquela gente era realmente uma excentricidade. Todos se perguntavam quem iria herdar a vocação artística de George. Imagine a surpresa dos pais de Grace quando descobriram que a própria filha era a herdeira artística de George Kelly.

Assim que terminou o colegial, Grace decidiu que queria ser atriz. Conversando com seu tio esse lhe aconselhou a ir morar em Nova Iorque onde havia as melhores escolas de teatro, além de um mercado promissor para jovens atores e atrizes. Havia a Broadway, a Off-Broadway e inúmeros teatros independentes espalhados pela cidade. Além disso Grace poderia estudar com os melhores professores de arte dramática do país (e do mundo). Assim, com apenas 19 anos de idade, ela arrumou as malas e foi embora. Seus pais ficaram desconcertados com sua decisão, mas resolveram apoiar na última hora. O tio George deu todos os conselhos para Grace. Ela deveria estudar para ser atriz, mas também deveria procurar por algum trabalho para se sustentar na cidade. Enquanto os papéis não aparecessem, seria bom procurar algo para sobreviver.

Embora fosse filha de uma rica e tradicional família da Pennsylvania, Grace topou o desafio de tentar sobreviver em Nova Iorque com seus próprios esforços. Ela passou a dividir um pequeno apartamento com outras jovens garotas e começou a procurar por trabalho na cidade. Com 1.75m de altura, corpo esbelto, loira e beleza natural, ela começou a visitar agências de modelo. Não demorou muito e seu jeito aristocrático de ser logo chamou a atenção de estilistas que a contrataram. Grace começou a trabalhar como modelo em desfiles e sessões fotográficas. O salário era muito bom e os horários de trabalho eram flexíveis, o que abria margem para ela frequentar o curso de teatro a cinco quadras de seu apartamento.

Anos depois Grace relembraria que em certo momento poderia ter decidido a se tornar apenas modelo em Nova Iorque. Ela conseguia contratos facilmente e ganhava bem. Em algumas sessões para revistas de moda ela chegava a ganhar sete vezes mais do que uma atriz na Broadway. Ser modelo para ela porém era apenas um modo de ganhar a vida. O que ela desejava mesmo era se tornar atriz. Por isso topou o desafio de também fazer inúmeros testes, quase sempre levando um "não" para casa. A sorte mudou quando conseguiu seu primeiro papel em uma peça chamada "O Pai". Ela seria encenada em um dos mais belos e bem frequentados teatros de Nova Iorque. Era um grande passo estar no elenco. Para sua felicidade a peça foi muito bem de crítica e público. Embora bem jovem ainda Grace recebeu uma linha de elogio na crítica que foi publicada no New York Times. Isso poderia fazer toda a diferença do mundo, pois poderia lhe trazer convites para atuar em outras peças teatrais. Dito e feito. Após nove semanas em cartaz Grace começou a ser procurada por produtores. Sua carreira de atriz, pelo jeito, estava começando a decolar.

Pablo Aluísio.

sábado, 16 de junho de 2018

O Que te Faz Mais Forte

O filme conta a história real do jovem Jeff Bauman (Jake Gyllenhaal). Tentando reatar o namoro com sua antiga namorada ele descobre que ela estará correndo na maratona de Boston. Então resolve ir até lá, levando um cartaz de incentivo para a garota. Por um trágico evento do destino ele fica bem ao lado do lugar onde o terrorista plantou uma das bombas naquele atentado que ficou famoso na época. Quando a bomba explodiu Jeff acabou severamente ferido, perdendo as duas pernas. Imagine um rapaz como ele, com toda a vida pela frente, agora ter que encarar um destino desses! O roteiro assim vai se desenvolvendo, mostrando as lutas do dia a dia após perder suas pernas, as dificuldades de adaptação, além do conturbado relacionamento com a ex-namorada.

O curioso é que Jeff também acabou virando um símbolo da força da cidade de Boston em superar os atentados. Chamado de "A força de Boston" ele acabou sendo considerado um herói, sempre convocado para abrir grandes eventos, mostrando que Boston jamais iria sucumbir ao terror. Em termos narrativos o filme é bem convencional. Penso até que não poderia ser diferente. Há uma história edificante para contar e não haveria outro modo de fazê-lo. Cinematograficamente falando é o filme mais convencional da filmografia do ator Jake Gyllenhaal, logo ele que sempre procurou por filmes mais ousados e fora dos padrões. O seu Jeff é uma homenagem ao protagonista da vida real, uma pessoa que precisou superar muitos obstáculos para seguir sua vida em frente. Pela bonita mensagem a produção como um todo já está justificada por seus próprios méritos.

O Que te Faz Mais Forte (Stronger, Estados Unidos, 2017) Direção: David Gordon Green / Roteiro: John Pollono, baseado no livro "Stronger", escrito por Jeff Bauman / Elenco: Jake Gyllenhaal, Tatiana Maslany, Miranda Richardson / Sinopse: O filme conta a história real de Jeff Bauman (Jake Gyllenhaal), uma das vítimas do atentado da maratona de Boston. Ao ir para a maratona, com a intenção de incentivar a ex-namorada, acaba sendo atingido em cheio pela bomba plantada pelos terroristas, perdendo as duas pernas com a explosão.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 15 de junho de 2018

A Morte de Stalin

Historicamente as coisas não aconteceram exatamente da forma que o filme mostra, mas esse tipo de licença poética foi necessária para que o roteiro inserisse muito humor negro em sua narrativa. O importante é que a essência de tudo o que aconteceu foi preservada. E olha que o resultado final ficou muito bom. Como o título já deixa claro o filme mostra os últimos dias do ditador soviético Stálin e o caos que se criou após sua morte. Tirano sanguinário que matou mais do que Hitler, Stálin era uma cria da ilusão do comunismo. Assim que tomou o poder absoluto começou a matar todos os opositores ao seu regime, fossem eles reais ou apenas imaginários. Claro que em um sistema de pura violência como esse, onde a vida não valia nada, todos ao seu redor agiam com extrema paranoia, pois a qualquer momento eles poderiam entrar para as listas dos inimigos "do povo", sendo executados sumariamente.

Quando o filme começa vemos a corte de puxa-sacos e parasitas que orbitavam o líder assassino. Todos querendo ganhar a simpatia de Stálin, todos morrendo de medo de serem mandados para a morte certa. Diante de uma situação tão absurdamente bizarra o roteiro aproveita para fazer humor com os comunistas. Quando Stálin sofre um derrame cerebral e cai no chão de seu gabinete ninguém consegue tomar uma decisão. Fica complicado até mesmo achar um médico em Moscou pois muitos já tinham sido mortos pelo regime. E assim ficam aqueles ministros e assessores discutindo coisas óbvias, enquanto Stálin jaz no chão, morrendo a cada minuto. Uma metáfora de seu estúpido sistema de governo. Depois que finalmente ele morre começa a disputa pelo poder, onde cada um tenta puxar o tapete do outro para tentar ser o novo líder supremo da nação. O filme, apesar de seu humor negro, tem muito a mostrar sobre a estupidez do socialismo, seus heróis fabricados e a mediocridade daqueles que estão no poder. Uma baita lição de história.

A Morte de Stalin (The Death of Stalin, Inglaterra, França, Bélgica, Canadá, 2017) Direção: Armando Iannucci / Roteiro: Armando Iannucci, David Schneider / Elenco: Steve Buscemi, Simon Russell Beale, Jeffrey Tambor / Sinopse: Quando o grande líder Stálin é encontrado morto em seu gabinete, começa uma insana luta pelo poder por seus homens mais próximos, ao mesmo tempo em que todos tentam tomar alguma decisão sobre seu funeral e enterro. Uma alegoria bem humorada, com muito humor negro, sobre os últimos dias do sanguinário e psicopata ditador da União Soviética. "Tripliquem, quadrupliquem a guarda na tumba do camarada Stálin para que ele nunca mais volte de lá", já dizia o poeta russo.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 14 de junho de 2018

Gringo

Filme bem mais ou menos que usa uma sucessão de erros em seu roteiro para fazer humor. O filme não é tecnicamente uma comédia, mas aposta bastante no cinismo de seus personagens, quase todos meras caricaturas de pessoas reais. E do que se trata o enredo? Basicamente temos esse jovem gerente negro chamado Harold (David Oyelowo). Ele trabalha numa empresa do ramo farmacêutico. Tem uma bela esposa e a vida está nos eixos. Tudo muda porém quando ele precisa fazer uma viagem ao México com os patrões. Richard Rusk (Joel Edgerton) e Elaine Markinson (Charlize Theron) são os executivos dessa empresa que precisam encerrar uma parceria comercial com um cartel de drogas além da fronteira, antes que eles vendam a companhia numa lucrativa fusão com uma empresa maior. Harold não sabe dessa aliança com o mundo do crime e se dá mal.

O cartel de drogas claro não aceita o fim da "sociedade" e isso dá origem a uma série de problemas para o pobre do Harold. Ele sabe que mais cedo ou mais tarde vai perder o emprego e decide forjar um sequestro, mas tudo dá errado, porque afinal os traficantes vão acabar sequestrando ele de verdade. É um filme que cansa um pouco por ser longo demais. Deveria ter sido mais ágil na edição. As situações vão se sucedendo e isso cria um certo cansaço no espectador. O humor também não me pareceu muito bem encaixado, pois o roteiro tenta tirar graça até mesmo das situações mais violentas, como sessões de tortura, etc. No geral achei apenas razoável. Provavelmente o maior pecado dessa produção tenha sido desperdiçar a presença da atriz Charlize Theron no elenco. Ela interpreta uma mulher vulgar e ambiciosa que no final das contas nem faz muita diferença. Assim não dá!

Gringo: Vivo ou Morto (Gringo, Estados Unidos, 2018) Direção: Nash Edgerton / Roteiro: Anthony Tambakis, Matthew Stone / Elenco: Joel Edgerton, Charlize Theron, David Oyelowo / Sinopse: Harold (David Oyelowo) é um jovem gerente de uma empresa do ramo de remédios que vê sua vida virar de cabeça para baixo durante uma confusa negociação além da fronteira do México. Ele de repente se vê alvo de membros de um violento cartel de drogas, de agentes do DEA e até mesmo de mercenários contratados para localizá-lo.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 13 de junho de 2018

15h17: Trem para Paris

Parece que o diretor Clint Eastwood nessa fase de sua carreira quer contar a história de heróis americanos, ou melhor dizendo, de improváveis heróis americanos. Esse tema já havia sido explorado no filme anterior dele, "Sully: O Herói do Rio Hudson". Agora Clint volta ao mesmo conceito. O enredo é simples. O diretor foca suas lentes para a amizade de três amigos, desde os tempos da infância, quando brincavam de guerra nos bosques da Califórnia, até a fase adulta, quando dois deles resolvem entrar para as forças armadas. Um vai para a Força Aérea e o outro para o Exército. Durante uma folga eles resolvem se encontrar na Europa, para conhecer novos países, novas culturas. Férias merecidas. Primeiro vão para Roma, onde conhecem o Vaticano, etc. Depois partem para a Holanda.

Após curtir bastante Amsterdã, eles decidem ir para Paris onde vão acabar seus dias de curtição. Hora de voltar ao trabalho. Na viagem para a cidade francesa acontece o inesperado. Um terrorista armado de fuzil surge no meio do trem, para executar o maior número possível de ocidentais infiéis. Loucuras do fanatismo islâmico. No meio do caos que acontece, os três jovens americanos acabam virando heróis. E nisso basicamente se resume o filme. Clint realizou uma obra cinematográfica bem enxuta, com pouco mais de 90 minutos de duração. É um exemplo da sua conhecida eficiência atrás das câmeras. Mesmo assim acabei gostando do resultado final. É um filme que procura resgatar e registrar para a história a bravura de seus personagens, sem se importar muito com aspectos periféricos. Como pura narrativa o filme, nesse quesito, se sai muito bem. Além disso traz à tona essa história que segue até bem pouco conhecida.

15h17: Trem para Paris (The 15:17 to Paris, Estados Unidos, 2018) Direção: Clint Eastwood / Roteiro: Dorothy Blyskal, baseado no livro escrito por Anthony Sadler / Elenco: Alek Skarlatos, Anthony Sadler, Spencer Stone / Sinopse: Durante férias na Europa três jovens americanos descobrem que estão numa situação de extremo risco, quando um terrorista islâmico resolve cometer um atentando em um trem que sai da Holanda rumo a Paris. Armado de um potente fuzil ele quer matar o maior número de ocidentais infiéis em nome de Alah! Filme baseado em fatos reais.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 12 de junho de 2018

Elvis Presley & Frank Sinatra

São considerados os maiores cantores do século XX. Sinatra conhecido como “The Voice” gravou álbuns maravilhosos, alguns deles entre os melhores da história da música americana. Presley surgiu com o Rock em meados dos anos 50. Era considerado um artista único, revolucionário, que ajudou a quebrar certas estruturas que amarravam a musicalidade americana até aquele momento. Curiosamente, embora fossem grandes astros, jamais se deram muito bem. Frank Sinatra surgiu bem antes, quando estourou em Nova Iorque, levando suas fãs à loucura no Teatro Paramount. Também fez parte de grandes orquestras e se tornou de certa forma o primeiro grande popstar dos EUA. Ultrapassou a linha de mero cantor para se tornar uma celebridade. Por essa época Elvis era apenas um garotinho. Apenas nos anos 50 surgiu no mundo musical o jovem Presley. Com dança e performances desafiadoras era a antítese do que Sinatra representava. Provavelmente isso tenha levado Frank a soltar farpas contra Elvis e toda aquela nova geração de roqueiros. Para quem interpretava grandes obras escritas por Cole Porter e cia, aquelas músicas estridentes realmente soavam como “tambores na selva tocados por selvagens”.

Em 1960 quando Elvis voltou do exército, Sinatra finalmente deu o braço a torcer, pagando uma pequena fortuna para Presley cantar algumas poucas músicas em seu programa televisivo. Foi uma aproximação um pouco problemática, afinal Elvis definitivamente não gostava de Sinatra, mas no final tudo deu certo. A verdade é que embora não fossem rivais diretos (Sinatra tinha um outro estilo musical e um outro público, bem diferente do de Elvis), eles nunca conseguiram se entrosar. Frank Sinatra fazia mais o estilo do sujeito criado nas ruas das grandes cidades, filho de italianos pobres, tinha criado todo aquele estilo meio malandro de quem sempre está querendo tirar proveito dos outros. Elvis Presley teve uma origem bem diferente, criado em pequenas cidades do sul rural, cresceu sob a proteção de uma mãe que certamente não o deixou vivenciar as coisas que Sinatra aprendeu desde cedo em sua vida. O mais discrepante de tudo era que Elvis era profundamente religioso enquanto Sinatra fazia piadinhas com a Bíblia. Pessoas tão diferentes assim certamente nunca seriam amigas.

Isso talvez explique o fato de ambos terem trabalhado somente uma vez na vida, justamente nesse programa de TV. Ao longo dos anos 60 Sinatra bem que tentou outras parcerias. Entrou em contato várias vezes com o Coronel Parker sugerindo que queria trabalhar ao lado de Elvis no cinema. Ofertas foram feitas mas jamais se concretizaram. Sinatra confidenciou a amigos que desconfiava que Parker nem sequer passava suas propostas para Elvis e por isso resolveu procurar Presley pessoalmente no set de filmagens de “Frankie e Johnny”. Elvis como sempre foi muito educado e polido e ouviu as sugestões de Sinatra para estrelar um filme ao seu lado. Prometeu pensar mas nunca deu uma resposta direta, aceitando ou recusando a idéia. Só a partir desse encontro Sinatra teve certeza que o problema não era o Coronel mas o próprio Elvis, que definitivamente não ia com sua cara. De qualquer modo de um jeito ou outro Elvis abriu as portas não para Sinatra mas para sua filha, Nancy, no filme “Speedway”. Provavelmente fez isso para Frank parar de mandar novas propostas de trabalho juntos.

O curioso é que na década de 70 Elvis foi para Las Vegas, o verdadeiro QG de Sinatra e o Rat Pack. Mesmo assim não houve novamente uma boa aproximação entre ambos. Pra falar a verdade Elvis gostava bem mais de Dean Martin, cantor que admirava e que tinha uma boa amizade. Durante as filmagens de “Saudades de um Pracinha” (G.I. Blues, 1960) Dean Martin havia promovido uma festa surpresa para Elvis e desde então eles se tornaram bons colegas. Em 1977 após a morte de Elvis, Sinatra declarou que “Havia perdido um grande amigo”. Curioso, já que Elvis definitivamente nunca realmente quis ser amigo de Sinatra.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

segunda-feira, 11 de junho de 2018

Os Curados

Cada vez mais complicado achar um filme de terror dessa nova safra que seja realmente bom. A maioria dos novos filmes são decepcionantes. Esse "Os Curados" é outra bobagem. Com um roteiro sobre zumbis (o tipo de monstro mais chato que existe), ele tenta inovar um pouco, sem grandes resultados. Bom, o ponto de partido é o de praxe. Um vírus desconhecido se espalha na humanidade. Os infectados viram zumbis, com todo aquele background que já conhecemos bem, aqueles maltrapilhos correndo atrás de cérebros para devorar. Pura rotina. Pois bem, uma cura é encontrada e consegue trazer de volta 75% dos doentes com o vírus. Essas pessoas que ficam boas são chamadas de "os curados". Poderia ser algo bom, mas não, pois eles começam a sofrer preconceito dentro da sociedade. Ninguém consegue confiar neles plenamente. Seria uma metáfora sobre a situação dos imigrantes na Europa atualmente? Penso que sim...

A Ellen Page é uma jovem viúva cujo marido morreu na grande contaminação. Ela recebe seu cunhado, um dos curados. O problema é que ele tem algo a esconder, pois quando infectado participou da morte do próprio irmão, justamente o marido da Page. E assim segue o filme, nesse draminha que pouco convence. A produção é fraca, pobre e sem efeitos visuais. Aliás fazer filme nesse estilo sem os recursos adequados é uma verdadeira cilada, um apocalipse zumbi, porque vai mesmo resultar em um filme ruim. Eu particularmente odeio filmes de zumbis, perdi a paciência sobre esse tipo de produção. A única coisa que me fez assistir a esse filme foi mesmo a presença da atriz Ellen Page cujo trabalho aprecio desde os tempos de "Juno". Bom, se for o seu caso também desista. A Page está apática, sem graça, sem vida. Achei inclusive que ela está envelhecida precocemente. Em um filme fraco como esse, em que nada ajuda, sua presença no elenco se torna apenas um detalhe constrangedor.

Os Curados (The Cured, Irlanda, 2017) Direção: David Freyne / Roteiro: David Freyne / Elenco: Ellen Page, Sam Keeley, Tom Vaughan-Lawlor / Sinopse: Após a proliferação de um vírus que transforma as pessoas infectadas em zumbis, um dos curados pelas novas drogas, volta para casa, para morar com a cunhada e a sobrinha. O problema é que dentro da sociedade surge um preconceito contra esses curados, pois para muitos eles não são de confiança. Haveria uma base de verdade nesse tipo de pensamento?

Pablo Aluísio.

sábado, 9 de junho de 2018

The Beatles - With The Beatles - Parte 2

Desde o primeiro álbum os Beatles sempre deixavam uma música, geralmente a mais simples, para o baterista Ringo Starr cantar. Viroi uma tradição que foi sendo seguida até o último disco. Embora Ringo não tivesse um grande talento vocal, seu timbre de voz era interessante, ideal para rocks mais agitados ou então músicas com sabor country and western. No caso do "With The Beatles" Paul e John reservaram para ele a agitada "I Wanna Be Your Man" que inclusive acabou virando um ponto alto também nos concertos ao vivo do grupo.

Ringo sempre muito animado criava um verdadeiro frisson entre as fãs quando mandava ver na apresentação dessa canção. O interessante é que os Beatles não foram os primeiros a gravarem a canção. John Lennon havia dado de presente aos Rolling Stones a música. Eles a gravaram e a lançaram em fins de 1963. O single com "Not Fade Away" no Lado A foi um dos primeiros sucessos do grupo de Mick Jagger. Talvez esse sucesso todo tenha incomodado um pouco John que resolveu que os Beatles iriam colocá-la em seu novo álbum, algo que os Stones não esperavam. Em entrevistas feitas anos depois John Lennon deixou escapar um certo ressentimento pelo fato dos Rolling Stones terem feito sucesso com uma canção escrita por ele. Chegou até mesmo a desmerecer a música, dizendo que nunca daria algo realmente bom para os Stones gravarem. Foi algo meio rude de sua parte.

"Roll Over Beethoven" era um cover dos Beatles para um velho sucesso de Chuck Berry. Não era surpresa para ninguém que os Beatles adoravam a primeira geração do rock americano, com destaque para Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly e claro o próprio Chuck Berry. A letra era uma gozação de Berry para com os críticos da época que diziam que o Rock ´n´ Roll era um tipo de música muito simples, com letras fracas e melodias primárias. Tudo isso era compensado com a vibração da canção. O interessante é que os Beatles poderiam ter incluído nas faixas do disco dois dos maiores sucessos da banda na época como "She Loves You" e "I Want To Hold Your Hand". O problema é que as gravadoras não incluíam músicas lançadas em singles nos álbuns, nos LPs. Um erro que atingiu a discografia não apenas dos Beatles, mas de outros grandes artistas do rock também. Uma forma de pensar equivocada. Sem ter músicas originais inéditas para tantos lançamentos o jeito foi mesmo gravar esse cover, que aliás ficou excelente, recebendo elogios do próprio Chuck Berry.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 8 de junho de 2018

Paulo, Apóstolo de Cristo

Filme que procura contar a história de Paulo de Tarso, um dos mais importantes seguidores da mensagem de Jesus. A ideia é boa, bem-vinda, mas a execução deixa a desejar. Tudo surge como algo bem superficial. O centro do roteiro se concentra na amizade entre Lucas e Paulo. Lucas, para quem não sabe, foi um dos escritores do novo testamento, um médico amigo, muito próximo de Paulo, que consegue receber autorização para visitar Tarso na prisão romana. Dessas visitas surgem os primeiros escritos, algo que iria dar origem a um dos primeiros evangelhos. Já estando preso, Paulo vai assim recordando o passado, com passagens importantes em sua vida, quando caiu na estrada de Damasco e teve uma visão do próprio Jesus, que lhe perguntava porque ele o perseguia.

Paulo, um judeu violento e fanatizado, havia perseguido cristãos no advento do nascimento da nova religião. Após a crise em Damasco, ele finalmente mudou os rumos de sua vida, se tornando assim um dos mais comprometidos com a nova causa, se tornando uma figura essencial na difusão da nova crença. Infelizmente, como eu escrevi no começo desse texto, tudo soa um tanto superficial. O surgimento do cristianismo foi algo historicamente marcante, turbulento, cheio de nuances importantes que o roteiro ora ignora, ora trata com extrema superficialidade. A única boa novidade é que o filme serve, pelo menos, como porta de entrada para os que tiveram curiosidade para se aprofundar na obra de Paulo. Só que nesse caso não haverá outro jeito, pois apenas com a leitura das obras certas você terá uma consciência maior sobre esse homem que foi um dos mais importantes no nascimento do cristianismo tal como o conhecemos.

Paulo, Apóstolo de Cristo (Paul, Apostle of Christ, Estados Unidos, 2018) Direção: Andrew Hyatt / Roteiro: Terence Berden, Andrew Hyatt / Elenco: Jim Caviezel, James Faulkner, Olivier Martinez / Sinopse: O filme conta a história de Paulo de Tarso, um judeu convertido ao cristianismo, antigo perseguidor de cristãos que abraça a nova fé, fazendo da mensagem de Jesus de Nazaré o seu objetivo de vida.  Filme baseado em fatos históricos reais, no nascimento dos primeiros escritos que dariam origem ao Novo Testamento.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 7 de junho de 2018

Histórias de Rock Hudson - Parte 2

Enquanto Rock Hudson ia se firmando dentro da Universal, ele começou a desenvolver duas paixões que jamais o abandonariam até o fim de sua vida: colecionar discos e viajar. Rock gastava um valor enorme de seu salário na compra de discos, de todos os gêneros, que colecionou com grande dedicação até sua morte. Era um aficcionado por música. Certa vez declarou: "Não consigo viver sem música. É como o ar que respiro. Mal chego do estúdio depois de um dia de trabalho duro e a primeira coisa que faço é ligar meu toca-discos". De fato Rock não curtia um novo invento que estava chegando em todos os lares durante os anos 1950, a TV, mas se esbaldava nos fins de semana, comprando todos os vinis que encontrava pela frente. Era de fato um colecionador voraz, desses que pagam pequenas fortunas por discos raros, com selos diferentes ou edições limitadas. Esse hobby encontrou alguns contratempos ao longo da vida. Quando estava no complicado processo de divórcio de sua primeira e única esposa, ela em um acesso de fúria começou a quebrar os raros exemplares que Rock havia movido montanhas para comprar.  Suas cópias raras de Ella Fitzgerald e Duke Ellington ficaram em pedacinhos em questões de minutos. Talvez por isso Rock tenha jurado aos amigos mais próximos que jamais se casaria novamente, promessa que aliás cumpriu com afinco.

Além de colecionar vinis, Rock adorava viajar pelo mundo. Assim que virou um astro em Hollywood ele começou a cruzar os céus e os mares para conhecer outras culturas, outros países. A primeira viagem que fez e o encantou foi na Itália. Rock voltaria para lá várias vezes, inclusive algumas a trabalho quando filmou filmes na região, mas nada superaria o prazer de conhecer velhos castelos e vilas medievais. Rock não era um turista tradicional, desses que compram pacotes fechados de viagem. Ele queria também sentir a emoção da aventura. Assim não raro alugava um carro em algum país europeu e saía viajando pelas estradas, sem rumo certo. Rock certa vez realizou uma longa viagem de automóvel que começou em Portugal, atravessou a Espanha, França e terminou quase nas fronteiras da cortina de ferro, a barreira erguida pela União Soviética separando os países socialistas do resto da Europa. Ele até tentou aprender algumas línguas, mas depois de várias tentativas de aprender francês reconheceu que não era sua praia. Rock se considerava velho demais para se tornar um bom aluno de língua estrangeira.

Obviamente que sua vida pessoal e privada continuava fechada a sete chaves. Nas entrevistas promocionais Rock se mostrava simpático, alegre, e diplomaticamente fechado. Como se soube muitos anos depois Rock escondeu por décadas suas verdadeiras preferências sexuais, afinal ele era gay. Aos poucos porém isso foi deixando de ser um problema para ele, do ponto de vista estritamente pessoal. A publicação do livro "Sexual Behavior in the Human Male" de Alfred C. Kinsey, foi o ponto chave na aceitação de sua homossexualidade. Por anos Rock viveu com culpa e vergonha, se sentindo inferior ou uma aberração. O livro do professor Kinsey colocava muitos mitos ao chão. Assim o fato de ser gay não poderia ser mais considerado uma doença ou um desvio de caráter. O cientista havia concluído com suas pesquisas que a homossexualidade era algo natural na natureza. Muitos animais seguiam essa tendência e não havia nada de errado nisso. Para completar, ele afirmava em seus estudos que praticamente todos os seres humanos tinham uma tendência natural para gostar de outros humanos do mesmo gênero. Poucos eram absolutamente heterossexuais. Havia uma escala que ia da homossexualidade absoluta até a heterossexualidade completa. Os seres humanos geralmente ficavam no meio dessa escala, indo para um lado ou para o outro. Rock e a comunidade gay da Califórnia receberam com alívio essas conclusões. Afinal naquela época ser gay era algo completamente condenável, tanto do ponto de vista legal, social e até científico. Kinsey deu uma nova visão sobre o tema. Claro que Rock não iria se assumir publicamente, afinal ele interpretava galãs nos filmes e se o fato de ser gay viesse a público ele seria ridicularizado. Dentro de sua alma porém ele se sentia aliviado.

Já profissionalmente as coisas caminhavam bem. Todo fim de ano a Universal publicava uma lista de atores demitidos, dos quais ela não tinha mais interesse em continuar sob contrato. Era um momento de tensão para os jovens aspirantes a astro do estúdio. Rock temia ser demitido, mas para sua felicidade continuou dentro do cast da empresa. Outro de sua mesma turma que ganhou novo contrato foi o futuro astro Tony Curtis. Agora Rock poderia respirar mais aliviado. Como era um tipo grande, alto e forte, lembrando os pioneiros que foram para o oeste em busca de uma nova vida, Rock foi imediatamente escalado para contracenar com James Stewart e Shelley Winters no faroeste "Winchester '73". A direção seria do grande diretor do gênero Anthony Mann. O papel de Rock não era muito significante, mas tinha o espaço suficiente para que ele se mostrasse bem na tela, além disso havia bons diálogos para declamar. Era o começo de uma nova virada profissional em sua vida no cinema.

Pablo Aluísio.