quinta-feira, 27 de julho de 2017

Victoria - Primeira temporada

A TV britânica traz todos os anos novas séries, todas caracterizadas por desfilar uma elegância e sofisticação que não se encontra nas séries americanas. Esse canal ITV é um dos melhores, realçando ainda mais esse tipo de característica. Depois do grande sucesso de "Downton Abbey" temos mais uma série produzida na mesma linha, só que ao invés de mostrar uma família aristocrática aqui o destaque vai para a história de uma das grandes rainhas da Inglaterra, Victoria. Ela deu nome a todo um período da história britânica (que passou a ser conhecida como Era Vitoriana), mas na série o que vemos é uma jovem de 18 anos, muito inexperiente, que se vê de repente na linha de sucessão do trono inglês.

Após a morte de seu tio ("O Rei está morto, viva o Rei!") a jovem Alexandrina assume a coroa. Ela assume o nome dinástico Victoria e começa seu reinado. No começa sua inexperiência e pouca idade começam a atrapalhar, como era previsível. Pequenas intrigas palacianas, principalmente uma fofoca envolvendo seu padrasto, acabam minando de certa maneira a sua popularidade entre os súditos. Os próprios nobres não estão muito convencidos que aquela jovenzinha pode um dia se tornar uma grande rainha. A monarquia entra assim em um momento delicado de sua história.

A rainha é interpretada pela atriz Jenna Coleman, nascida em Blackpool. No começo das filmagens os produtores até mesmo cogitaram escalar uma americana para o papel, mas seria demais para a cabeça dos ingleses ver uma ianque interpretando uma das mais queridas monarcas de sua história. Sabiamente voltaram atrás e escolheram uma atriz carismática, de nacionalidade certa, para dar vida à Victoria. Bonita, até parecida fisicamente com a rainha em seus anos de juventude, gostei muito de seu trabalho de atuação. Quem rouba as atenções porém no quesito atuação é o ator Rufus Sewell. Ele interpreta o primeiro ministro, Lord Melbourne, um político experiente, mais velho, que acaba se tornando o braço direito da jovem rainha (ela inclusive chega a nutrir uma paixão disfarçada por ele!). Enfim, desde o primeiro episódio já percebemos que essa série é realmente acima da média, para acompanhar com a devida atenção.

Victoria (Inglaterra, 2016) Direção: Oliver Blackburn, Sandra Goldbacher, Lisa James Larsson / Roteiro: Daisy Goodwin, A.N. Wilson, Guy Andrews / Elenco: Jenna Coleman, Rufus Sewell, Daniela Holtz, Adrian Schiller / Sinopse: O filme mostra os primeiros anos de reinado da Rainha Victoria (Coleman). Após a morte de seu tio, o Rei, ela se torna a nova Rainha da Inglaterra, com apenas 18 anos de idade. No começo nem seus próprios súditos, nobres em geral, conseguem confiar em seu sucesso como a nova monarca, mas aos poucos Victoria vai demonstrando seu valor no trono do império britânico.

Episódios Comentados:

Victoria 1.02 - Ladies in Waiting
Segundo episódio dessa ótima série que conta a história da Rainha Victoria da Inglaterra. Aqui temos uma aula de como funcionava o sistema de monarquia constitucional do Reino Unido. O primeiro ministro Lord Melbourne (Rufus Sewell) perde o apoio do parlamento. Com isso deve ser substituído por um novo gabinete, um novo governo. O problema é que a jovem rainha tem em Lord M um verdadeiro amigo. Ela ainda é muito inexperiente (com apenas 18 anos de idade) para compreender bem como o jogo político funciona. Isso acaba criando um impasse, onde a rainha não parece muito disposta a ceder às decisões do parlamento. Um fato curioso é que assim como acontece na série "Downton Abbey", os roteiros procuram explorar a vida dos personagens da alta nobreza e também dos empregados do palácio. Curiosamente descobrimos aqui que o Palácio real tinha um sério problema com ratos, o que colocava a própria monarca numa situação de perigo. Seus gritos quando vê um rato acaba sendo usado por conspiradores para tentar derrubá-la, uma vez que tentam ligar o comportamento exagerado de Victoria com seu avô, que morreu louco! Puro jogo sujo de bastidores. Enfim, mais um ótimo episódio. A série foi confirmada recentemente para uma segunda temporada na Inglaterra e esse é uma excelente notícia, uma vez que o programa é realmente dos melhores. Além disso o longo reinado dessa rainha renderia facilmente várias temporadas. / Victoria 1.02 - Ladies in Waiting (Inglaterra, 2016) Direção: Tom Vaughan / Roteiro: Daisy Goodwin / Elenco: Jenna Coleman, Rufus Sewell, Peter Firth, Peter Bowles.

Victoria 1.03 - Brocket Hall
Domingo é um bom momento para colocar as séries em dia (ou pelo menos tentar isso!). Assisti ao terceiro episódio da primeira temporada de Victoria chamado "Brocket Hall". A jovem rainha (que subiu ao trono com apenas 18 anos de idade) segue sendo apaixonada por seu primeiro ministro, um homem bem mais velho e divorciado. Um escândalo na corte. O coração porém tem suas próprias razões e ela se declara ao Lord M, só para ser elegantemente rejeitada! Poucas vezes vi um "fora" tão elegante como aquele, com muita sutileza e metáforas ao mundo natural. Ter classe é para poucos mesmo! Outro bom momento desse episódio ocorre quando a Rainha Victoria precisa enfrentar sua primeira rebelião. Um grupo autodenominado cartista exige direitos, inclusive o direito ao voto. Nos tempos de Elizabeth I todos seriam presos, decapitados e esquartejados, mas a nova monarca acredita que isso é brutal demais e nada civilizado. Assim os deportam para a distante Austrália onde possam cumprir suas penas. Essa série segue sendo uma das melhores coisas da TV britânica, Impossível não se encantar também com o carisma da atriz Jenna Coleman. / Victoria 1.03 - Brocket Hall (Inglaterra, 2016) Direção: Tom Vaughan / Roteiro: Daisy Goodwin / Elenco: Jenna Coleman, Rufus Sewell, Peter Firth, Peter Bowles.

Victoria 1.04 - The Clockwork Prince
Nesse fim de semana assisti a mais dois episódios da série "Victoria" do canal ITV. Os dois episódios mostram a aproximação da Rainha com seu primo, o Príncipe Albert, e a consumação desse relacionamento. Em "The Clockwork Prince" Victoria ainda está muito fixada na ideia de ter um caso com seu primeiro ministro, que ela ama em segredo. Ele porém era bem mais velho do que ela, divorciado, quarentão. Um consorte nada apropriado. Assim, como era de praxe, ela acabou sendo levada a um casamento de conveniência, mais de acordo com as regras da nobreza.  No começo ela não gosta muito de Albert. Ele é um pouco rude, meio afetado, nada simpático. Victoria chega mesmo a dizer que eles jamais dariam certo. Incompatíveis... O mais estranho é que aos pouquinhos ela vai se chegando, criando uma certa simpatia por ele. Além disso o seu amado Lord M a rejeita, por várias razões. Então só sobra mesmo partir para outra. Já que Albert estava por perto não seria má ideia tentar algo. Quem sabe daria certo... / Victoria 1.04 - The Clockwork Prince (Inglaterra, 2017) Direção: Sandra Goldbacher / Roteiro: Daisy Goodwin / Elenco: Jenna Coleman, Tom Hughes, David Oakes / Estúdio: Mammoth Screen, Independent Television (ITV)

Victoria 1.05 - An Ordinary Woman
O quinto episódio chamado "An Ordinary Woman" já mostra o casamento real. Os preparativos, a recepção, a cerimônia... É interessante que ficamos sabendo que o príncipe Albert acabou criando caso, já que ele queria que ficasse acertado sobre uma "mesada" que receberia da coroa. Além disso exigia um título de nobreza adequado para ele. Só que surgem outros problemas também no parlamento. Alguns membros desse poder passam a questionar a nacionalidade alemã do príncipe! Afinal a rainha da Inglaterra ter um marido alemão poderia trazer problemas futuros, inclusive diplomáticos. Pior é que não se sabe se Albert seria anglicano, como exigia a lei. Alguns parlamentares chegam inclusive a considerar a hipótese dele ser um católico! Pois é, um casamento real naqueles tempos não era apenas uma questão de amor e paixão. Havia muita política, religião e tradição envolvidos. É de se admirar que no meio de tanta coisa ainda houvesse espaço para a paixão, pura e simples. / Victoria 1.05 - An Ordinary Woman (Inglaterra, 2017) Direção: Sandra Goldbacher / Roteiro: Daisy Goodwin / Elenco: Jenna Coleman, Tom Hughes, David Oakes / Estúdio: Mammoth Screen, Independent Television (ITV).

Victoria 2.02 - The Green-Eyed Monster
Mais um excelente episódio da série inglesa "Victoria" que conta a história da rainha que marcou toda uma era dentro do império britânico. Aqui encontramos a monarca com problemas bem comuns a qualquer casamento, mesmo entre os plebeus do reino. Procurando por um lugar na corte, o príncipe consorte Albert (Tom Hughes) acaba se envolvendo ainda mais com determinadas organizações reais, entre elas o instituto de estatística de Londres que acaba desenvolvendo uma espécie de máquina de fazer cálculos complexos (um antepassado do moderno computador que conhecemos hoje em dia). Sentindo-se deixada de lado a rainha começa a ter ciúmes disso (o tal monstro de olhos verdes que dá nome ao episódio). Numa cena muito curiosa a rainha Victoria (Jenna Coleman) acaba confundindo o número pi com a palavra pie (torta, em inglês). A cena ficou muito divertida, porém obviamente será apreciada mais por quem domina os nuances da língua inglesa. Outro fato marcante desse episódio é a volta do Lord Melbourne à corte. A série desde o começo investiu nesse amor platônica da monarca em relação ao seu primeiro ministro, mas esse é um fato histórico em aberto. Ainda não há como comprovar que ela realmente o tenha amado. A filha de Victoria editou seus diários após seu falecimento, fazendo com que seus sentimentos escritos fossem apagados da história. Uma enorme pena, sem dúvida! / Victoria 2.02 - The Green-Eyed Monster (Inglaterra, 2017) Direção: Lisa James Larsson / Roteiro: Daisy Goodwin, A.N. Wilson / Elenco: Jenna Coleman, Tom Hughes, Andrew Bicknell.

Victoria 2.09 - Comfort and Joy
Esse é o último episódio da segunda temporada. É um especial de natal com uma hora e meia de duração. Obviamente para aproveitar os festejos natalinos o enredo mostra o primeiro natal de Victoria e Albert em que o princípe alemão resolveu trazer o estilo tradicional da festa de sua terra natal para a Inglaterra. Esse é um detalhe histórico real e importante. De fato foi mesmo o casal real que tornou popular o natal tal como conhecemos hoje, com árvores de natal, presentes, etc. Essa forma de celebrar o Natal era completamente desconhecida pelos ingleses, embora já fosse tradicional nos ducados germânicos. Antes de Victoria e Albert o Natal era uma festa tradicionalmente religiosa, celebrada nas igrejas. Essa cultura natalina hoje tão disseminada deve-se mesmo a esse casal imperial, inclusive no episódio vemos a consternação dos empregados e demais membros da família real com os "devaneios" de Albert - imagine colocar uma árvore dentro de casa! Jenna Coleman continua uma gracinha e um dos principais motivos para acompanhar a série. Carismática e boa atriz ela realiza, com sucesso, essa repaginação de uma das monarcas mais marcantes da história britânica. / Victoria 2.09 - Comfort and Joy (EUA, 2017) Estúdio: Mammoth Screen / Direção: Jim Loach / Roteiro: Daisy Goodwin, A.N. Wilson / Elenco: Jenna Coleman, Tom Hughes, Zaris-Angel Hator, Derek Ezenagu, Leon Stewart, Catherine Steadman.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 26 de julho de 2017

Taboo

Taboo 1.01 - Episode #1.1 Nova série, uma parceria entre o canal inglês BBC e a Scott Free Productions, a produtora do diretor Ridley Scott. A estória se passa nos tempos da guerra de independência dos Estados Unidos. Depois de ser dado como morto durante uma expedição na África, o explorador e aventureiro James Keziah Delaney (Tom Hardy) ressurge em Londres para o funeral de seu pai. O velho trabalhou por anos para a Companhia das Índias orientais e numa dessas viagens ele acabou comprando um vasto território nas colônias americanas, um pedaço de terra que agora ganha especial importância por causa da guerra entre os revolucionários do novo mundo e o império britânico. 

Acontece que com a morte de seu pai, James Delaney acaba herdando tudo. Isso o coloca na mira da companhia que precisa ter em mãos o controle sobre aquela propriedade de qualquer jeito. Essa nova série "Taboo" já me causou boa impressão desde esse primeiro episódio. A reconstituição de época é muito boa e o clima é de puro realismo. O personagem de Tom Hardy é um sujeito que carrega um certo mistério sobre si mesmo. Ninguém sabe ao certo como ele sobreviveu ao naufrágio de seu barco anos atrás, uma tragédia que custou a vida de todos os marinheiros. O que se sabe porém com certeza é que ele é um sujeito durão, casca grossa, que não está nada disposto a abrir mão de sua herança em prol da companhia pelo qual seu pai trabalhou. A Londres que surge nesse episódio também foi muito bem recriada, escura, suja, lotada da pior escória da sociedade. Apenas sujeitos como Delaney conseguiriam sobreviver em tamanha podridão. É sórdido, é cruel, é Taboo, uma nova série para acompanhar com olhos de lince./ Taboo 1.01 - Episode #1.1 (Estados Unidos, Inglaterra, 2017) Estúdio: British Broadcasting Corporation (BBC) / Direção: Kristoffer Nyholm / Roteiro: Steven Knight, Tom Hardy / Elenco: Tom Hardy, Leo Bill, Oona Chaplin, Richard Dixon, Edward Fox, Jonathan Pryce, Nicholas Woodeson.

Taboo 1.02 - Episode #1.2
Por fim assisti também a mais um episódio de "Taboo". Essa série se passa na época da guerra de independência dos Estados Unidos. Ingleses e colonos brigam pelas terras da América. James Keziah Delaney (Tom Hardy) herda terras importantes de seu pai. Uma propriedade na fronteira que a Companhia das Índias Ocidentais cobiça. Já que ele não quer vender aquele lugar a solução encontrada é a velha execução na calada da noite. Na última cena Delaney é atacado por um desconhecido e leva uma facada, mas antes consegue também cortar a garganta de seu opositor. O sangue acaba jorrando. Eram tempos bem brutais...  / Taboo 1.02 - Episode #1.2 (Estados Unidos, 2017) Direção: Kristoffer Nyholm / Roteiro: Steven Knight, Tom Hardy / Elenco: Tom Hardy, Leo Bill, Jessie Buckley.

Taboo 1.06 - Episode #1.6
A série "Taboo" vai ficando cada vez mais violenta a cada novo episódio. Como se viu nos episódios anteriores o quase insano James Keziah Delaney (Tom Hardy) resolveu fabricar pólvora numa velha propriedade nos arredores de Londres. Isso era algo proibido pela coroa na época. Delaney porém não quer saber disso. Ele quer levantar dinheiro, vendendo a pólvora para os republicanos, ao mesmo tempo em que lucra para investir na sua nova expedição com seu barco recentemente comprado em um leilão. A Londres vitoriana que surge em "Taboo" passa longe dos cartões postais. Tudo é muito sórdido, sujo, escuro pela poluição das primeiras fábricas ao redor da cidade. Além disso há muita violência e morte pelos becos e ruelas miseráveis da cidade grande. Tom Hardy, que produz e atua na série parece adorar seu personagem, principalmente pelo seu lado místico e sombrio. Nesse episódio inclusive há uma curiosa cena quando ele tem visões de sua própria mãe morta - uma espécie de alma enviada do inferno que tenta afogá-lo nas águas sujas do pântano. Não é definitivamente algo para os mais fracos! / Taboo 1.06 - Episode #1.6 (Inglaterra, 2016)  Direção: Anders Engström / Roteiro: Steven Knight, Tom Hardy / Elenco:  Tom Hardy, Leo Bill, Jessie Buckley.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 25 de julho de 2017

Rainha Christina

Título no Brasil: Rainha Christina
Título Original: Queen Christina
Ano de Produção: 1933
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Rouben Mamoulian
Roteiro: H.M. Harwood, Salka Viertel
Elenco: Greta Garbo, John Gilbert, Ian Keith, Lewis Stone, Elizabeth Young, C. Aubrey Smith

Sinopse:
Após a morte de seu pai em um campo de batalha, a jovem Rainha Christina (Greta Garbo) sobe ao trono. Amante da literatura, da cultura e das ciências, ela deseja mudar radicalmente a Suécia, trazendo um programa de educação em massa para seu povo, algo inédito na época. Ela também tenta negociar uma paz entre católicos e protestantes na Europa.  Enquanto tenta colocar seus projetos em prática acaba se apaixonando por um nobre espanhol. Filme indicado ao Venice Film Festival na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.

Comentários:
A Rainha Kristina da Suécia (1626 - 1689) ficou notabilizada nos livros de história por duas coisas básicas. A primeira foi que ela implantou um dos primeiros sistemas educacionais mantidos pelo Estado, o que trouxe uma mudança radical em seu país. A Suécia que era uma nação de iletrados e camponeses, se tornou uma potência cultural e educacional após seu reinado. O outro fato marcante que iria caracterizar o reinado dessa monarca foi sua conversão ao catolicismo, isso em uma época em que a Suécia era uma das principais potências militares protestantes lutando na guerra dos trinta anos, um conflito de natureza política e religiosa. O roteiro desse filme porém está mais preocupado com o lado romântico da monarca, explorando a paixão que a rainha teria tido por um nobre espanhol. O curioso é que historicamente a Rainha Kristina nunca quis se casar, provavelmente por ser lésbica. Isso iria cair muito bem em relação a Greta Garbo, que também era avessa a ter relacionamentos com homens. Reclusa no final da vida, muitos biógrafos da vida da atriz defenderam a tese de que ela era lésbica também, tal como Cristina. Trazer uma personagem com outra orientação sexual porém era um pouco demais na Hollywood dos anos 1930, então o que temos na tela é uma visão bem romanceada da vida da Rainha sueca. Nada muito polêmico e também nada muito fiel aos fatos históricos. De qualquer maneira, esse filme que foi um dos maiores sucessos da carreira de Greta Garbo, é seguramente também um dos seus melhores momentos no cinema. Com ótima produção, figurinos de luxo e cenários bem elaborados, o filme custou mais de um milhão de dólares, o que na época era um orçamento fabuloso! Todo o requinte passa para a tela, se materializando assim mais um momento memorável do mito Greta Garbo.

Pablo Aluísio. 

O Vale dos Reis

Foi denominado de "vale dos reis" a região no Egito onde os faraós começaram a ser enterrados. Isso se deu pelo grande número de roubos que aconteceram na antiguidade nas grandes pirâmides. Para fugir da ganância dos ladrões de tumbas os faraós começaram a construir suas tumbas nas areias do deserto, em regiões de complicado acesso. A grande maioria dessas tumbas estão localizadas justamente nesse vale dos reis. Infelizmente para os monarcas do antigo Egito essa mudança de estratégia não deu muito certo, porque os roubos continuaram ao longo dos séculos Passados milênios é nesse vale dos reis que ganha a vida o explorador Mark Brandon (Robert Taylor). Ele sabe que essas tumbas antigas possuem tesouros fabulosos. Durante uma de suas escavações ele recebe a visita da americana Ann Barclay Mercedes (Eleanor Parker). Filha de um grande pesquisador falecido, ela quer descobrir vestígios arqueológicos que provem a existência histórica de José, um patriarca judeu que viveu no antigo Egito. Assim convida Mark para se juntar a ela nessa pesquisa. O principal ponto seria descobrir a tumba de um faraó chamado Ra Hotep, que teria reinado exatamente na época de José, se tornando o primeiro imperador do antigo Egito a acreditar apenas em um só Deus! Seria ele assim um dos pilares do monoteísmo que iria se espalhar pelo mundo nos séculos seguintes.

Esse é um bom filme de aventuras ao velho estilo. Pode ser considerado até mesmo um antepassado remoto dos filmes de Indiana Jones. Certamente Steven Spielberg e George Lucas tiraram elementos desse "O Vale dos Reis" para criar seu famoso personagem. O interessante é que esse tema era até bem explorado por seriados de aventuras da época, mas não com a pretensa seriedade dessa produção. Tudo é levado muito à sério, embora o roteiro tenha sim alguns deslizes históricos em nome da diversão. No elenco temos o galã Robert Taylor. Ele não era um grande ator, mas até que saiu muito bem aqui. A mocinha interpretada por Eleanor Parker dá mais elementos para dramaticidade, já que seu próprio marido é o vilão da história, um contrabandista de artefatos históricos. Por fim o grande destaque de "O Vale dos Reis" é a sua bonita fotografia (assinada por Robert Surtees), com tomadas filmadas no próprio Egito, no Cairo e nos templos de Luxor. Visualmente o filme é muito bonito, com excelentes sequências, inclusive uma de luta no topo das estátuas de Ramsés II que são de tirar o fôlego, mesmo para os padrões atuais.

O Vale dos Reis (Valley of the Kings, Estados Unidos, 1954) Direção: Robert Pirosh / Roteiro: Robert Pirosh, com informações históricas retiradas do livro "Gods, Graves and Scholars" de  C.W. Ceram / Elenco: Robert Taylor, Eleanor Parker, Carlos Thompson / Sinopse: Ann Barclay Mercedes (Eleanor Parker) é a filha de um renomado pesquisador do antigo Egito, já falecido, que contrata os serviços do escavador de tumbas Mark Brandon (Robert Taylor). Ela quer encontrar a tumba do faraó que reinou durante a vida de José, um judeu citado nas escrituras, no velho testamento. Para alcançar seus objetivos porém ela terá que enfrentar criminosos, contrabandistas e ladrões de tumbas, incluindo seu próprio marido, Philip Mercedes (Carlos Thompson), que só pensa em ganhar dinheiro com os tesouros que vierem a ser descobertos.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 24 de julho de 2017

Acorrentados

Depois de um acidente em um caminhão de transporte de prisioneiros, dois condenados, um branco e outro negro, conseguem fugir. Eles correm por suas vidas, tentando de todas as formas ganhar a tão almejada liberdade. Só há um problema nessa fuga: eles estão acorrentados um ao outro. Assim embora tenham muitas diferenças pessoais entre si, eles terão que superar tudo, em prol da sobrevivência mútua! Atrás deles vão os policiais, com cães farejadores e armamento pesado. O próprio governador quer, por questão de honra pessoal, que eles sejam recapturados o mais rapidamente possível, mortos ou vivos! Esse filme "Acorrentados" é sempre muito lembrado, tanto por fãs do trabalho de Tony Curtis, como de Sidney Poitier. Os dois atores dominam a cena, em um trabalho de atuação bem físico, mas que em nenhum momento compromete a dramaticidade do filme como um todo. O personagem de Tony Curtis é um branco com claras tendências racistas. Antes mesmo do acidente eles já se desentendem no caminhão que os transportava de uma penitenciária a outra. O branco chega ao ponto de chamar o personagem de Sidney Poitier de "nigger", uma palavra de óbvia conotação racista nos anos 50.

Assim o diretor Stanley Kramer aproveita a situação para também explorar o tema dos direitos civis em seu filme. No fundo a situação de um branco acorrentado a um negro representava a própria América naquele período histórico. Apesar do racismo, ambos deveriam trabalhar juntos em prol do desenvolvimento daquela nação tão dividida. Com isso o que temos aqui é na realidade uma metáfora, um espelho da própria sociedade americana. Dividida entre brancos e negros, mas ao mesmo tempo acorrentados uns aos outros, tendo que viver juntos. A própria maneira como ambos os prisioneiros são encarados pelas pessoas que encontram em sua fuga demonstra bem isso. Tony Curtis, o branco com pinta de galã, sempre tem o benefício da dúvida em seu favor. O encontro com o garotinho no meio da estrada e depois quando ele conhece a mãe dele, demonstram bem isso. Já o negro de Poitier sempre é encarado como o marginal sem salvação, o que deve ser temido, mesmo que no fundo ele tenha uma personalidade mais branda do que o branco aprisionado a ele em correntes. Em suma, "Acorrentados" é um filme que permite várias leituras e interpretações. Assista e tire suas próprias conclusões.

Acorrentados (The Defiant Ones, Estados Unidos, 1958) Direção: Stanley Kramer / Roteiro: Nedrick Young, Harold Jacob Smith / Elenco: Tony Curtis, Sidney Poitier, Theodore Bikel, Cara Williams / Sinopse: Dois prisioneiros acorrentados conseguem fugir durante um acidente e precisam sobreviver enquanto os policiais literalmente o caçam pelos bosques e pântanos da região. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Roteiro Original (Nedrick Young e Harold Jacob Smith) e Melhor Fotografia (Sam Leavitt). Também indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Ator (Tony Curtis e Sidney Poitier), Melhor Ator Coadjuvante (Theodore Bikel), Melhor Atriz Coadjuvante (Cara Williams), Melhor Direção (Stanley Kramer), Melhor Edição (Frederic Knudtson) e Melhor Filme. Vencedor do Globo de Ouro na categoria Melhor Filme - Drama. Também vencedor do BAFTA Awards na categoria de Melhor Ator (Sidney Poitier).

Pablo Aluísio.

Que Papai não Saiba

Título no Brasil: Que Papai não Saiba
Título Original: Vivacious Lady
Ano de Produção: 1938
País: Estados Unidos
Estúdio: RKO Radio Pictures
Direção: George Stevens
Roteiro: P.J. Wolfson, Ernest Pagano
Elenco: Ginger Rogers, James Stewart, James Ellison, Beulah Bondi, Charles Coburn, Frances Mercer

Sinopse:
Peter Morgan, Jr (James Stewart) é um sujeito todo certinho, professor universitário, que se prepara para seguir os passos de seu avô e seu pai, para um dia se tornar reitor da universidade. Durante uma visita a Nova Iorque ele conhece, se apaixona e se casa com Francey Morgan (Ginger Rogers), uma cantora de night clubs. De volta ao lar ele agora terá que encontrar um jeito de contar isso ao seu pai, um sujeito conservador, linha dura e de mente atrasada, que provavelmente terá um choque e uma explosão de raiva quando souber das novidades.

Comentários:
Esse filme foi lançado um ano antes do começo da II Guerra Mundial. Isso significa que a inocência desse tipo de enredo em breve iria desaparecer diante das atrocidades dos campos de batalha (o próprio James Stewart iria para a guerra). É um roteiro romântico, diria até bem bobinho. Toda a estória gira em torno do medo de um jovem nerd em contar para seu pai (um sujeito dominador e prepotente) que havia se casado com uma dançarina de boates! Tudo o que o velho mais abominaria. Diante do pavor da situação ele retorna para sua velha cidade com sua esposa, mas esconde dos pais que ela é casada com ele. Ao invés disso fica o tempo todo mantendo uma mentira, a de que a garota seria na verdade a namorada de seu primo! Como se pode perceber é uma comédia de costumes ao velho estilo. Tudo baseado numa peça teatral. James Stewart era muito jovem quando atuou nessa produção. Ele ainda estava um pouco distante dos clássicos do cinema que iria estrelar. Imaturo, até com um pouco de falta de jeito, seu estilo mais matuto acabou combinando muito bem com seu personagem. Já Ginger Rogers, que se tornaria imortal na história de Hollywood por causa de seus musicais inesquecíveis ao lado de Fred Astaire, estava mais bonita do que nunca! Ela tinha um excelente timing para a comédia e aqui demonstra bem isso. O filme chegou a ser indicado a dois prêmios técnicos no Oscar, o de Melhor Fotografia (Robert De Grasse) e o de Melhor Som (James Wilkinson). O diretor George Stevens, um dos grandes cineastas de Hollywood durante a fase de ouro do cinema clássico americano, aqui dirigiu um de seus trabalhos mais leves e descompromissados, e mesmo assim acabou sendo premiado no Venice Film Festival como melhor diretor estrangeiro. Não tem jeito, mesmo com produções românticas, leves e ingênuas, esses gênios da sétima arte conseguiam realmente se sobressair.

Pablo Aluísio.

domingo, 23 de julho de 2017

Drácula - O Perfil do Diabo

Título no Brasil: Drácula - O Perfil do Diabo
Título Original: Dracula Has Risen from the Grave
Ano de Produção: 1968
País: Inglaterra
Estúdio: Hammer Films
Direção: Freddie Francis
Roteiro: Anthony Hinds
Elenco: Christopher Lee, Rupert Davies, Veronica Carlson, Barbara Ewing, Ewan Hooper, Barry Andrews
  
Sinopse:
Durante uma visita à Transilvânia um Monsenhor católico (Rupert Davies) descobre que o povo daquela região ainda vive apavorado, mesmo após a morte de Drácula (Lee). Ele então decide subir as montanhas, onde está o castelo do conde vampiro, para realizar um rito de exorcismo e purificação no lugar. Após suas orações e rituais finca uma grande cruz nos portões do castelo amaldiçoado. De volta à existência, Drácula fica furioso com isso e decide seguir o sacerdote até sua terra natal, na Alemanha, para acertar contas com ele. Durante a viagem transforma um padre em seu escravo pessoal e começa a procurar obsessivamente por Maria (Carlson), a sobrinha do Monsenhor, para seduzi-la. O confronto assim se torna inevitável entre o bem e o mal. 

Comentários:
Dez anos depois de interpretar Drácula pela primeira vez em "O Vampiro da Noite" o ator Christopher Lee voltou para a Hammer para rodar mais esse novo filme de terror com o personagem. Um aspecto que chama a atenção é que de uma maneira em geral o roteiro do primeiro filme acabou servindo de base para essa nova produção. Claro que há diferenças substanciais, mas de um modo em geral ambos os filmes são bem semelhantes. O grande rival que agora enfrenta o mitológico vampiro não é mais Van Helsing, como era de se esperar, mas sim um Monsenhor que vê sua própria sobrinha cair nas garras do conde sanguinário. Por falar nessa personagem, a da indefesa jovem Maria, temos que chamar a atenção para o fato dela ter sido interpretada pela atriz inglesa Veronica Carlson, uma beldade que acabou se tornado musa dos filmes da Hammer. Modelo na juventude, ela era certamente uma boa razão para se conferir filmes como esse, até mesmo por causa das ousadas cenas de quase nudez em que aparecia. Seu namorado no filme é um rapaz que não acredita em Deus e que precisará, mesmo sem fé nenhuma, enfrentar o vampiro. Tempos difíceis.

Por fim e não menos importante, temos que sempre valorizar a presença do veterano Christopher Lee em cena. Seu Drácula aqui surge um pouco mais sedutor, com mais diálogos do que nos filmes anteriores. Nota-se, mesmo de forma bem tímida, uma pequena mudança no personagem. Ao invés de ser apenas um monstro feroz como era retratado nos primeiros filmes, aqui já há uma certa sedução no ar, principalmente nas cenas em que ele encontra a jovem Maria em seu quarto. Esse tipo de característica pessoal de Drácula só iria aumentar nos anos que viriam a ponto do conde ter se transformado quase em um personagem puramente romântico, sempre atrás do grande amor de sua vida, como no filme de 1979 onde seria interpretado por Frank Langella, em uma das melhores adaptações já feitos do imortal vampiro criado por Bram Stoker para as telas. Então é basicamente isso. Um boa produção, valorizada ainda mais pela atuação de Christopher Lee, um ator cuja a simples presença sempre valia a sessão de cinema. Em suma, uma pequena obra, um pouco esquecida, do cinema de horror inglês. Vale conferir.

Pablo Aluísio.

A Maldição de Frankenstein

Título no Brasil: A Maldição de Frankenstein
Título Original: The Curse of Frankenstein
Ano de Produção: 1957
País: Inglaterra
Estúdio: Hammer Films
Direção: Terence Fisher
Roteiro: Jimmy Sangster
Elenco: Peter Cushing, Christopher Lee, Hazel Court, Robert Urquhart, Melvyn Hayes, Paul Hardtmuth

Sinopse:
Considerado por muitos como um louco, o Dr. Victor Frankenstein (Peter Cushing) decide realizar a maior de suas experiências. Usando de energia elétrica colhida por raios, ele acredita que dará vida a uma criatura composta de vários pedaços de corpos humanos roubados de cemitérios e necrotérios de Londres. Sua ambição é demonstrar que há possibilidade científica de gerar vida em cadáveres! 

Comentários:

Mais um filme baseado na obra imortal de Mary Shelley. Essa versão da Hammer Films, produzida no auge criativo do estúdio britânico, segue bem fiel ao texto original de Shelley. Seu enredo é bem de acordo com o livro clássico. Um dos aspectos mais curiosos dessa produção é a atuação do ator Christopher Lee como a criatura criada em laboratório pelo lunático cientista Victor Frankenstein. A maquiagem que Lee usou foge dos padrões clássicos dos filmes da Universal nos Estados Unidos. Ao invés de ter parafusos e um topo quadrado em sua cabeça, como no visual antigo, aqui os diretores da Hammer preferiram algo menos cartunesco, com Lee usando algo mais discreto, mais humano, vamos colocar assim. Ele tem um rosto deformado, porém mais de acordo com o visual de um corpo humano após sua morte. Ficou muito bom para dizer a verdade. Já Cushing surpreende ao não tentar fazer o estereótipo do cientista maluco e cruel. Ele procurou ser menos exagerado, procurando até mesmo por uma interpretação mais cuidadosa do que seria um pesquisador e cientista da era vitoriana. Então é basicamente isso. Mais um belo trabalho de direção e atuação da Hammer, um estúdio que realmente marcou história no universo da cultura pop cinematográfica mundial. Esse é aquele tipo de filme que já nasce clássico, desde seu lançamento original. Imperdível.

Pablo Aluísio.

sábado, 22 de julho de 2017

Fuga de Sobibor

Título no Brasil: Fuga de Sobibor
Título Original: Escape from Sobibor
Ano de Produção: 1987
País: Inglaterra
Estúdio: Zenith Entertainment
Direção: Jack Gold
Roteiro: Thomas 'Toivi' Blatt
Elenco: Alan Arkin, Rutger Hauer, Joanna Pacula, Hartmut Becker, Jack Shepherd, Kurt Raab
  
Sinopse:
II Guerra Mundial. No campo de extermínio nazista de Sobibor, milhares de judeus são mortos em câmeras de gás. Os que possuem alguma profissão são usados como mão de obra escrava. Mulheres, crianças e idosos são mortos imediatamente. Tudo muda quando um novo grupo de prisioneiros chega. Ele é formado por soldados russos presos na invasão nazista na União Soviética. Liderados pelo tenente Alexander 'Sasha' Pechersky (Rutger Hauer) eles começam a planejar um plano de fuga em massa daquele campo da morte. Filme premiado pelo Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Rutger Hauer) e Melhor Minissérie.

Comentários:
Embora não seja um filme tão antigo assim, "Fuga de Sobibor" possui todos os elementos dos grandes clássicos de guerra do passado. A história é das mais relevantes, tudo baseado em fatos históricos reais. Sobibor foi um dos mais conhecidos campos de concentração da Alemanha nazista. Situada na fronteira da Polônia esse lugar tinha uma peculiaridade própria. Ao invés de servir como um verdadeiro depósito de prisioneiros (como acontecia em Auschwitz), em Sobibor os judeus eram exterminados imediatamente, assim que chegavam no local. Quando desciam dos trens de carga eles eram selecionados, sendo poupados homens com capacidade de trabalho (para servirem de mão de obra escrava) e o resto enviado para a morte instantânea em câmeras de gás. Esse foi seguramente o crime mais bárbaro já cometido na história. Um crime contra a humanidade. O filme tem o grande mérito de mostrar tudo isso, ao mesmo tempo em que conta a aliança formada entre os prisioneiros judeus e um grupo de soldados russos que planejam uma fuga em massa do campo. Historicamente aliás Sobibor foi a primeira (e última) fuga bem sucedida em campos de concentração dominados pelos famigerados SS (a tropa de elite do III Reich). 

O roteiro por essa razão se torna empolgante porque somos apresentados ao martírio insano daquelas pessoas e passamos a acompanhar sua luta para fugir daquele inferno. Rutger Hauer, como o tenente russo Sasha, nunca esteve tão bem em cena! Talvez só mesmo em "Blade Runner" ele tenha atuado tão bem como aqui - e acabou sendo merecidamente premiado com um Globo de Ouro por seu trabalho. Mesmo com Hauer em ótimo momento quem acaba mesmo roubando a cena é o ator Alan Arkin. Ele interpreta um homem comum, um judeu que viu toda a sua família ser exterminada nas câmaras de gás e que só sobreviveu por ser sapateiro. E é justamente esse simples trabalhador que se torna o pilar de sustentação moral dos prisioneiros. Dessa maneira temos duas grandes qualidades nessa produção. A primeira é sua função histórica importante, ao resgatar mais esse momento do holocausto, revivendo toda a monstruosidade nazista, como o assassinato a sangue frio de mulheres indefesas e seus bebês. A outra é o fato de ser um dos melhores filmes de guerra já produzidos, com ótimos momentos de ação e suspense. Assim não há outra conclusão. "Fuga de Sobibor" é de fato um grande filme, simplesmente imperdível.

Pablo Aluísio.

A Última Batalha de um Jogador

Título no Brasil: A Última Batalha de um Jogador
Título Original: Bang the Drum Slowly
Ano de Produção: 1973
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: John D. Hancock
Roteiro: Mark Harris
Elenco: Robert De Niro, Vincent Gardenia, Michael Moriarty, Phil Foster, Ann Wedgeworth, Heather MacRae
  
Sinopse:
Dois jogadores de beisebol, Henry Wiggen (Michael Moriarty) e Bruce Pearson (Robert De Niro), se tornam bem amigos enquanto jogam em uma equipe de Nova Iorque. Essa amizade é colocada à prova quando Henry é diagnosticado com uma doença grave, que muito provavelmente colocará fim em sua carreira e em seus sonhos. Bruce acaba se tornando assim seu grande amigo nesse momento extremamente crucial em sua vida.

Comentários:
Filmes sobre esportes só se tornam importantes quando retratam dramas da vida real. Esse "Bang the Drum Slowly" é sem dúvida um dos bons dramas esportivos do cinema americano, colocando em primeiro plano a amizade entre dois jogadores quando um deles descobre que muito provavelmente não terá mais uma promissora carreira desportiva pela frente, isso porque está com uma doença grave. O protagonista do filme é o ator Michael Moriarty, mas obviamente hoje em dia quem mais chama a atenção nesse elenco é o ator Robert De Niro, na época ainda bem jovem e prestes a se tornar um dos mais celebrados atores dos anos 70. Atualmente a carreira de De Niro está em franca decadência (há muitos anos aliás), mas nas décadas de 70 e 80 ele viveu o auge de sua filmografia, com uma sucessão incrível de grandes clássicos, obras primas cinematográficas, em sua trajetória. Curiosamente nem Moriarty e nem De Niro foram lembrados pela Academia por suas respectivas atuações, mas sim o menos conhecido Vincent Gardenia, que acabou arrancando uma indicação ao Oscar por sua participação nesse filme. Coisas de Hollywood.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 21 de julho de 2017

Alvarez Kelly

Uma guerra não se vence apenas com tropas e armas. É preciso provisões, alimentos, para os soldados que vão lutar nela. Essa história se passa durante a guerra civil americana. Alvarez Kelly (William Holden) é um comerciante de gado, que atravessa grandes distâncias para vender os animais como alimento para o exército da União. Ele é um sujeito pragmático, disposto a vender seu produto a qualquer lado do conflito, desde que seja bem pago. Durante a entrega de mais um rebanho, Kelly é raptado por soldados da Confederação liderados pelo Coronel Tom Rossiter (Richard Widmark). A ideia é fazer com que Kelly ajude aos rebeldes do sul no roubo de todo aquele gado, o levando para Richmond, cidade confederada sitiada por tropas do general da União Grant. Com o rebanho servindo de provisão, o exército sulista poderia aguentar por mais tempo.

O filme tem várias reviravoltas, sempre com Kelly nas mãos dos confederados. Ele é um velho cowboy experiente, nascido no México, filho de pais irlandeses, que na verdade pouco está se importando com quem vencerá a guerra. A estrutura do roteiro tem alguns problemas, principalmente com quebras de ritmo, causadas principalmente por idas e vindas da história. Não consegui localizar a informação se a história contada no filme é de fato real. Pelos letreiros finais dá-se a entender que sim, porém pessoalmente acho pouco provável que de fato tenha acontecido. Roubar gado de tropas da União para levar até o front confederado soa mesmo como mera ficção.

De qualquer forma o filme vale a pena. Afinal temos aqui dois grandes atores em cena. O ator William Holden já não era o grande galã do passado. Problemas de alcoolismo crônico o debilitaram bastante. O curioso é que seu personagem fica o tempo todo em busca de bebida (de preferência whisky escocês!), numa incômoda referência com aspectos de sua vida pessoal. Melhor se sai Richard Widmark. Você não sentirá qualquer simpatia por seu personagem, um Coronel confederado com sinais de psicopatia e crueldade. Isso é sinal que Widmark fez bem seu trabalho, afinal vilões são criados para isso mesmo, causar repulsa no público. Por fim uma curiosidade interessante: o filme foi lançado nos cinemas brasileiros com o equivocado título de "Tenente Kelly" (um absurdo pois o personagem não era um tenente!). Com os anos acabou ficando conhecido apenas como "Alvarez Kelly", o que convenhamos era o mais adequado.

Tenente Kelly (Alvarez Kelly 1966) Direção: Edward Dmytryk / Roteiro: Franklin Coen / Elenco: William Holden, Richard Widmark, Janice Rule / Sinopse: Alvarez Kelly (William Holden) é um comerciante de gado que vende rebanhos para as tropas da União. Durante a entrega de mais um lote de animais ele é capturado pelo exército confederado inimigo. Sob julgo do Coronel rebelde sulista Tom Rossiter (Richard Widmark) ele é forçado a participar de um plano de roubo do gado para ser levado até Richmond, cidade sob controle da confederação que está sofrendo ataque dos ianques.

Pablo Aluísio.

A Última Carroça

Título no Brasil: A Última Carroça
Título Original: The Last Wagon
Ano de Produção: 1956
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Delmer Daves
Roteiro: James Edward Grant, Delmer Daves
Elenco: Richard Widmark, Nick Adams, Felicia Farr, Susan Kohner, Stephanie Griffin, George Mathews

Sinopse:
Durante a colonização do velho oeste americano, um grupo de pioneiros são atacados por selvagens das tribos Apaches que vivem na região. Eles conseguem sobreviver, mas ficam perdidos no meio do deserto. Sua única chance aparece quando um homem branco chamado Todd (Richard Widmark), que viveu entre os comanches, surge para ajudá-los a sair dali com vida.

Comentários:
Bom faroeste, bem valorizado por ter um elenco muito bom e um roteiro eficiente, que não perde tempo com bobagens. O diretor Delmer Daves era um especialista em fitas de western e aqui resolveu não perder muito tempo, usando como estrutura de roteiro um enredo ágil, rápido, mas muito bem escrito. O filme é estrelado pelo ator Richard Widmark que interpreta um personagem bem dúbio, que ora pode ser a salvação de toda aquela gente, ora pode se tornar sua ruína final. Ele é conhecido como Comanche Todd, pois apesar de ser branco, sempre conviveu com as tribos comanches do deserto do Arizona. Ele é procurado pela lei, pela morte de três homens, em situações que nunca ficaram muito bem esclarecidas. Assim os colonos aceitam sua ajuda, mas ficam sempre com um pé atrás, pois ele pode guiar a caravana para um lugar seguro ou levá-los para uma emboscada, onde serão mortos pelos guerreiros apaches. O roteiro joga o tempo todo com essa situação de suspense, trazendo no final ótimo resultado em termos de suspense e roteiro. Como escrevi, um bom filme, muito bem orquestrado por causa de seu inteligente argumento.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 20 de julho de 2017

Coração Selvagem

A história desse filme se passa em 1886, no território Sioux. A primeira cena já mostra uma tentativa de se assinar um tratado de paz com os indígenas. Infelizmente o cacique descobre que o homem branco já construiu um forte militar em terras Sioux e tudo vai por água abaixo. Os índios se retiram das negociações. Em pé de guerra tudo o que se precisa para se começar uma grande batalha é a morte de algum membro da tribo. Durante uma viagem o arrogante tenente Rob Dancy (Alex Nicol) acaba matando um jovem Sioux, dando começo a uma guerra violenta entre soldados da cavalaria e os nativos da região. O protagonista desse roteiro é um caçador de peles chamado John Bridger (Van Heflin). Durante anos ele viveu nas terras da nação Sioux, tendo se integrado completamente com os índios. Ele chegou a inclusive formar uma família com uma jovem Cheyenne. Só que tudo foi destruído após um ataque da cavalaria, liderada pelo mesmo tenente Dancy, que agora ele reencontra. Afinal todos perguntam: De que lado ele está? Do lado do homem branco, da cavalaria americana, ou do lado dos guerreiros Sioux, a quem tem muito respeito e amizade?

Esse é um faroeste B da Universal Pictures que traz algumas curiosidades interessantes. Uma delas é o fato de tentar mostrar o outro lado das guerras indígenas. Ao invés do mostrar a figura do nativo americano como apenas a do inimigo, do vilão, o roteiro procura mostrar as razões e as injustiças do homem branco que fizeram com que os chefes tribais entrassem em guerra. Além disso procura explorar um protagonista que viveu ao lado dos índios e que tem suas razões para odiar a política de ataques e mortes da cavalaria. Outro ponto que chama a atenção é a presença do ator Rock Hudson, ainda em começo de carreira, interpretando o cabo Hannah. Ele tem poucas cenas, mas duas são particularmente boas: Quando sai com uma tropa de soldados e é atacado pelos Sioux e quando é encurralado pelos guerreiros, perto de um riacho, onde todos acabam morrendo (numa óbvia referência ao que aconteceu com a sétima cavalaria do general Custer). Com boa produção (ergueram um forte de verdade no Arizona) e bom roteiro, esse "Coração Selvagem" é uma boa dica para se ter em sua coleção de filmes de western.

Coração Selvagem (Tomahawk, Estados Unidos,1951) Direção: George Sherman / Roteiro:Silvia Richards, Maurice Geraghty  / Elenco: Van Heflin, Yvonne De Carlo, Alex Nicol, Rock Hudson / Sinopse: Cavalaria americana decide construir um forte bem no meio do território da nação Sioux, criando uma grande tensão e clima de guerra com os nativos. No meio do conflito que está prestes a explodir, um caçador de peles que viveu muitos anos ao lado dos indígenas tenta costurar um tratado de paz entre os militares brancos e os guerreiros Sioux.

Pablo Aluísio.

O Retorno de Clint, O Estranho

Título no Brasil: O Retorno de Clint, O Estranho
Título Original: Il Ritorno di Clint il Solitario
Ano de Produção: 1972
País: Itália, Espanha
Estúdio: Doria G. Film
Direção: Alfonso Balcázar (George Martin)
Roteiro: Alfonso Balcázar, Giovanni Simonelli
Elenco: George Martin, Marina Malfatti, Klaus Kinski, Daniel Martín, Augusto Pescarini, Francisco José Huetos
                   
Sinopse:
Após vingar a morte de seu irmão, o pistoleiro conhecido como "Clint, O Solitário" resolve retornar para sua cidade natal. Ele reencontra sua esposa e seus dois filhos menores vivendo em um rancho. Há muito o que superar pois ele os abandonou seis anos atrás. Enquanto tenta convencer sua esposa a voltar, Clint precisa lidar com outra situação perigosa: um caçador de recompensas chamado Scott (Klaus Kinski) está decidido a capturá-lo vivo ou morto!

Comentários:

Esse western spaghetti também é conhecido como "Trinity... Alguém Te Espera!", pois foi com esse título que ele foi lançado em alguns cinemas brasileiros nos anos 70. Claro que é um título oportunista pois não traz o personagem Trinity, mas sim Clint, o pistoleiro criado pelo ator e diretor George Martin (cujo nome real era Alfonso Balcázar). Essa produção é obviamente a sequência de "Clint, O Solitário" e segue os mesmos passos do filme anterior. Martin tem a mesma linha de Django, ou seja, um personagem de poucas palavras e bom de mira! Ele também abusa dos closes, principalmente nos segundos que antecedem um duelo ou um tiroteio. Outro ponto a se destacar é a trilha sonora, assinada por Ennio Morricone, o maestro e mestre dos filmes italianos de faroeste. No elenco além de Martin se destaca a presença de Klaus Kinski como o caçador de recompensas. Com cabelos longos, um eterno charuto na boca e cara de maluco, ele rouba as cenas diversas vezes. Poucos cinéfilos se lembram disso, mas Klaus Kinski fez muitos filmes de bang bang spaghetti, geralmente interpretando vilões e assassinos psicóticos, um tipo de papel que, diga-se de passagem, lhe caía muito bem.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 19 de julho de 2017

A Estrada dos Homens sem Lei

Numa cidade infestada de gângsters e políticos corruptos, um novo capitão é designado para comandar um dos distritos mais violentos da metrópole. Seu nome é Thomas McQuigg (Robert Mitchum). Assim que assume seu posto ele precisa desvendar o assassinato de um mafioso que se colocou no caminho do violento gângster Nick Scanlon (Robert Ryan). Ele é encontrado morto, no meio de uma das avenidas mais movimentadas da cidade. McQuigg é velho conhecido de Scanlon. No passado ambos se enfrentaram, mas o policial se deu mal pois o criminoso tinha contatos com políticos importantes que o transferiram para outros distritos. Agora chegou a sua vez de se vingar de Scanlon. Para isso porém precisará superar o próprio sistema corrupto em que vive. O promotor está na folha de pagamento do chefão do crime organizado na cidade e Scanlon tem grandes contatos na prefeitura, inclusive o principal candidato ao posto de novo magistrado é um sujeito que recebe ordens dele. Para reunir provas o veterano tira McQuigg começa então a se utilizar de métodos nada tradicionais, como prisões arbitrárias, chantagens e provas plantadas. Vale tudo para prender Scanlon, tirando das ruas um criminoso perigoso e sociopata.

"A Estrada dos Homens sem Lei" é um filme policial noir, produzido pelo excêntrico milionário Howard Hughes (aquele mesmo que foi interpretado por Leonardo DiCaprio no filme de Martin Scorsese, "O Aviador"). Ele adorava um antigo filme mudo de 1928 e resolveu produzir esse remake para os estúdios RKO. Para estrelar seu filme Hughes contratou o ator Robert Mitchum (que curiosamente sempre se saía melhor no papel do gângster, mas que aqui acabou interpretando o policial honesto e íntegro). Uma velha conhecida do milionário, a atriz Lizabeth Scott, também foi contratada. Scott foi uma das primeiras atrizes de Hollywood na história a assumir sua condição de homossexual, algo que praticamente destruiu sua carreira. Como o roteiro foi baseado na peça teatral original o espectador vai sentir algumas características bem próprias do estilo teatro filmado, porém isso só ficará mais claro aos mais atentos. No geral é um bom filme policial, com cenas de ação, perseguições, tiroteios e aquele bem conhecido clima de decadência e cinismo que marcou muitos dos filmes noir. Há inclusive uma ótima cena quando Mitchum persegue um dos membros da gang em uma escada cheia de sombras e luzes, bem característico desse estilo cinematográfico. Com duração enxuta e roteiro objetivo, esse noir sem dúvida fez jus ao cinema clássico da época. 
 
A Estrada dos Homens sem Lei (The Racket, Estados Unidos, 1951) Direção: John Cromwell / Roteiro: William Wister Haines, W.R. Burnett / Elenco: Robert Mitchum, Lizabeth Scott, Robert Ryan / Sinopse: Policial honesto tenta limpar as ruas de sua cidade de uma quadrilha de criminosos que possui ramificações dentro do próprio governo, com políticos corruptos fazendo parte da folha de pagamentos do grande chefão conhecido apenas como "O Velho".

Pablo Aluísio.

O Reverendo do Colt 45

Título no Brasil: O Reverendo do Colt 45
Título Original: Reverendo Colt
Ano de Produção: 1970
País: Espanha, Itália
Estúdio: Oceania Internazionali Cinematografiche
Direção: León Klimovsky
Roteiro: Tito Carpi, Manuel Martínez Remís
Elenco: Guy Madison, Richard Harrison, Ennio Girolami, María Martín, Ignazio Spalla, Perla Cristal
  
Sinopse:
O Reverendo Miller (Guy Madison) chega em Tucson, no Texas, para inaugurar uma nova igreja. No mesmo dia de sua chegada uma quadrilha de bandoleiros invade a cidade. Os criminosos estão lá para roubar o banco local, trazendo terror e desespero para todos os moradores. O que esses foras da lei não sabem é que o novo reverendo foi um habilidoso pistoleiro no passado.

Comentários:
Pois é, nos filmes de western spaghetti nem mesmo os religiosos escapavam. Quando era necessário eles não pensavam duas vezes antes de empunhar o colt 45 para expulsar os bandidos de suas cidades, protegendo assim o seu rebanho. "O Reverendo do Colt 45" vai justamente por esse caminho. O roteiro mostra um homem convertido que deseja deixar o passado para trás. Ele era um pistoleiro bom de mira que havia tirado a vida de muitos homens. Agora só deseja pregar o evangelho. O problema é que uma quadrilha perigosa invade sua cidade e ele, sem alternativas, parte para limpar a região da infestação daqueles vermes. Afinal está disposto a trazer paz para aquela cidade de todas as formas. Embora o filme seja uma produção italiana temos aqui um ator americano estrelando o filme. O californiano Guy Madison empresta seu carisma para a produção. Ele era um veterano no gênero western. Quando o estilo entrou em decadência nos Estados Unidos ele nem pensou duas vezes e foi para a Europa onde estrelou diversos filmes spaghetti. Esse aqui é um dos mais lembrados. Fez sucesso e foi inclusive lançado no Brasil, fazendo carreira nos cinemas de bairro que eram muito comuns em nosso país durante os anos 70. Assim temos aqui uma boa oportunidade para relembrar aqueles bons e velhos tempos.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 18 de julho de 2017

O Duelo dos Fora da Lei

"O duelo dos fora da lei" conta a história de um caçador de recompensas que chega numa pequena cidade do velho oeste. Em cima de seus cavalos dois bandidos procurados. Ele obviamente entrega os corpos pensando justamente no dinheiro que irá receber por eles. O xerife da cidadezinha fica impressionado pela captura daqueles criminosos pois eram pistoleiros perigosos, procurados há anos. Assim oferece um emprego de delegado para o caçador de recompensas, que porém tem outros planos. A questão é que a cidade é dominada por um sujeito inescrupuloso, cafetão e pistoleiro, que extorque dinheiro dos comerciantes locais em troca de "segurança". É uma extorsão velada já que o único perigo que existe no lugar vem dele mesmo. Há pouco tempo o facínora matou um honesto homem de negócios da cidade, um dono de saloon, que se recusou a pagar por seus "serviços". Será que o exímio atirador, que vive de capturar criminosos vai finalmente ceder, se tornando o novo delegado daquela cidade?

"O duelo dos fora da lei" é uma produção B, com orçamento modesto. Isso deixa transparecer para a tela. Você fica com a impressão de estar assistindo a um telefilme ou então uma produção feita para ser lançada diretamente em DVD, em venda direta ao consumidor. Em qualquer hipótese não é um filme para ser lançado nos cinemas. O roteiro é bem tradicional, alguns vão dizer que é repleto de clichês, mas devo dizer que tudo funciona bem, apesar dos eventuais problemas. Como escrevi não é um filme com produção suntuosa ou nada do tipo. Em sua falta de recursos até vale uma espiada pelos fãs do western.

O Duelo dos Fora da Lei (The Gundown, Estados Unidos, 2011) Direção: Dustin Rikert / Roteiro: Dustin Rikert, William Shockley / Elenco: Sheree J. Wilson, Andrew W. Walker, Peter Coyote / Sinopse: Caçador de recompensas chega numa cidadezinha poeirenta do velho oeste para receber o dinheiro da captura de dois criminosos procurados e acaba, sem querer, se envolvendo nas disputas locais. Os comerciantes da cidade são extorquidos por um criminoso que oferece "segurança" em troca de dinheiro.

Pablo Aluísio.

Mato Hoje, Morro Amanhã

Depois de passar cinco anos numa cadeia por um crime que não cometeu, o rancheiro Bill Kiowa (Brett Halsey) é finalmente libertado. Cumpriu finalmente toda a sua pena. Na saída da prisão ele é perguntado o que sente nessa hora. Sua resposta: "Eu não sinto nada! Apenas ódio!". E é justamente esse ódio que vai mover suas atitudes dali em diante. Ele quer matar o homem que o colocou atrás das grades, um assassino e assaltante conhecido como "El Fuego". O problema é que esse criminoso não está só. Ele comanda uma grande quadrilha que vive de roubar e matar passageiros de diligências. Apenas com outro grupo de pistoleiros Kiowa conseguirá vencê-lo. Assim ele começa a recrutar seus homens, sujeitos conhecidos por causa de suas habilidades com as armas. Esse western spaghetii chamado "Mato Hoje, Morro Amanhã" sempre foi muito elogiado pela crítica, principalmente por causa de seu bom roteiro. A explicação para isso tem nome: Dario Argento. O mestre dos filmes de terror deu uma pausa em sua carreira e resolveu escrever esse enredo e esse roteiro. Desde as primeiras cenas descobrimos como Argento era habilidoso como escritor. Ele utilizou os clichês do gênero e os manipulou como poucos, em seu proveito e em favor do filme como um todo. Pegando elementos de filmes diversos, inclusive alguns clássicos como "Sete Homens e um Destino" ele criou uma estória redondinha, sem falhas, que se fecha muito bem em si mesma. Para isso não faltaram os elementos que todos já conhecemos como a jornada de vingança, a união em prol de um objetivo comum e o duelo final. Nenhuma novidade para dizer a verdade, mas Argento soube como manter a atenção do espectador até o fim. Coisa de mestre realmente.

O elenco também é muito bom e interessante, a começar por Bud Spencer, um dos atores mais populares no Brasil. Com seu jeito bonachão, em contraste com seu corpanzil imenso, Spencer tinha muito carisma. Nos filmes que fez ao lado de Terence Hill havia muito mais espaço para o humor. Aqui ele ainda existe (como na cena da barbearia), porém seu personagem é um pouquinho mais sério. O astro do filme na verdade nem é Spencer, mas sim Brett Halsey que usou o pseudônimo de Montgomery Ford. Ele era bem parecido com Franco Nero e o uso de um figurino quase completamente semelhante ao de Django reforçou ainda mais essa semelhança. A diferença básica era que Brett era americano, ao contrário de Nero. Por fim uma informação curiosa: O filme no Brasil também é conhecido como "Hoje eu... Amanhã você!". Isso era comum de acontecer nos anos 60 e 70, quando as emissoras de TV mudavam os títulos dos filmes. Nos cinemas eles tinham recebido outro nome. Coisas de Brasil...

Hoje Eu... Amanhã Você / Mato Hoje, Morro Amanhã (Oggi a me... domani a te!, Espanha, Itália, 1968) Direção: Tonino Cervi / Roteiro: Dario Argento, Tonino Cervi / Elenco: Brett Halsey, Bud Spencer, Wayde Preston / Sinopse: Após passar anos na cadeia, Bill Kiowa (Brett Halsey) quer vingança contra o responsável por sua prisão e pela morte e estupro de sua esposa, uma jovem nativa. Para isso ele decide formar um grupo de pistoleiros e homens rápidos no gatilho. Ele quer saciar sua sede de ódio e justiça.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 17 de julho de 2017

Alien Thunder

Esse filme nunca foi lançado oficialmente nos cinemas no Brasil. Uma pena pois é uma produção das mais interessantes que explora a figura dos nativos americanos. Após serem derrotados nas chamadas guerras indígenas (aquelas onde o General Custer foi morto por guerreiros de Cachorro Louco e Touro Sentado), muitas tribos foram tiradas de suas terras e enviadas para desertos hostis onde não existiam caças, plantações e meios de vida. Subjugados, muitos índios, principalmente os mais jovens e fortes, não aceitaram essa situação, entrando em guerra novamente contra o homem branco. Essa produção, também conhecida nos Estados Unidos como "Dan Candy's Law" mostra um desses jovens guerreiros que revoltados com sua situação e de sua gente resolve se insurgir contra os soldados americanos. Ele foge da reserva e começa um reinado de terror, até que um grupo de homens, caçadores de recompensas, é enviado para caçar os nativos revoltosos. O filme é dos anos 70 e apresenta uma boa produção. A direção ficou a cargo de um cineasta canadense, Claude Fournier, que trouxe um certo ritmo mais cadenciado ao filme, como se fosse um western americano dirigido por um francês! Donald Sutherland lidera o elenco. Com seus grandes olhos de peixe morto ele dá muita frieza e crueldade ao seu personagem, algo até bem adequado para a proposta desse faroeste. Então é isso, caso se depare com esse pouco conhecido western não deixe de conferir. Vale a pena.

Alien Thunder (Estados Unidos, Canadá, 1974) Direção: Claude Fournier / Roteiro: George Malko / Elenco: Donald Sutherland, Gordon Tootoosis, Chief Dan George / Sinopse: O ex-caçador de recompensas e agora sargento da cavalaria Dan Candy (Donald Sutherland) é designado para caçar e matar índios fugitivos. Ele está disposto a matar todo pele vermelha que encontrar em seu caminho. Filme baseado em fatos históricos reais.

Pablo Aluísio.

O Filho da Estrela Nascente

Título no Brasil: O Filho da Estrela Nascente
Título Original: Son of the Morning Star
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: Republic Television, The Mount Company
Direção: Mike Robe
Roteiro: Evan S. Connell, Melissa Mathison
Elenco: Gary Cole, Rosanna Arquette, Stanley Anderson, George Dickerson, Terry O'Quinn, Dean Stockwell

Sinopse:
Enviado pelo governo americano para combater guerreiros rebeldes das nações Sioux e Apache, o General George Armstrong Custer (Gary Cole) acaba caindo em uma emboscada numa região conhecida como Little Bighorn. O dia é 25 de junho de 1876 e a chacina da Sétima Cavalaria dos Estados Unidos entraria para a história. Filme vencedor do Primetime Emmy Awards nas categorias de Melhor Som, Figurino e Edição. 

Comentários:
Essa é uma minissérie que foi lançada no Brasil, no mercado de vídeo VHS, em edição dupla. A intenção dos produtores foi contar de forma isenta e historicamente correta a verdadeira história do General Custer e a Sétima Cavalaria. Como se sabe esse foi um dos eventos mais famosos da história do velho oeste americano, quando Custer e seus homens foram derrotados e mortos por nativos liderados por Cachorro Louco e Touro Sentado. A morte dos soldados e seu general traumatizou os americanos na época, a tal ponto que o exército entrou definitivamente na chamada guerra indígena, onde centenas de milhares de índios foram mortos em batalhas sangrentas e brutais. Outros foram despachados para territórios desertos, hostis, onde muitos morreram de fome ou pela exaustão de se viver em lugares tão impróprios para a vida humana. Assim o roteiro procura responder a pergunta que perdurou por todos esses séculos: Custer era um verdadeiro herói ou um carniceiro que foi fazer o serviço sujo do governo americano, matando homens, mulheres, idosos e crianças sem distinção? No meio da barbárie se destacam as boas cenas de luta e a reconstituição histórica perfeita que fez esse filme ser premiado pelo Emmy, o Oscar da TV americana. Hoje em dia essa produção anda meio esquecida. Pessoalmente nunca vi uma reprise nos canais de TV a cabo. Seria uma boa ideia resgatar esse bom momento televisivo sobre um dos generais mais controversos da história dos Estados Unidos e sua colonização rumo ao oeste selvagem. 

Pablo Aluísio.

domingo, 16 de julho de 2017

Filmes no Cinema - Edição XV

Uma semana fraca em termos de novos filmes nos cinemas. Os grandes filmes do Oscar ainda não foram lançados e não há nenhum blockbuster no cardápio. O filme mais interessante da lista é "The Post - A Guerra Secreta", nova direção assinada por Steven Spielberg. O elenco traz Meryl Streep e Tom Hanks. A história, baseada em fatos reais, mostra a luta entre o jornal The Post e o governo do presidente Richard Nixon. O editor  Ben Bradlee (Tom Hanks) e a dona do Post, Kat Graham (Meryl Streep), descobrem uma série de informações comprometedoras do envolvimento do governo americano na Guerra do Vietnã e precisam brigar muito - inclusive juridicamente - para que tudo seja divulgado para o povo. Essa produção está concorrendo ao Oscar nas categorias de Melhor Filme e Melhor Atriz (Meryl Streep, de novo!). É a tal coisa, se tiver que ver apenas um filme essa semana nos cinemas, esse é o indicado.

"Artista do Desastre" é a segunda melhor opção entre os novos filmes em cartaz. A história conta a trajetória de Tommy Wiseau (James Franco), um sujeito que sonha em se tornar um grande diretor de cinema em Hollywood, mas que acaba se tornando o pior de todos os tempos, segundo muitos críticos. Mesmo assim, com tudo contra, ele não deixa se abater e segue fazendo seus filmes ruins em série! Essa produção, bem pessoal de James Franco, que atuou e dirigiu, deu a ele um Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator. O filme também está indicado ao Oscar na categoria de Melhor Roteiro Adaptado. Tudo seria uma ótima notícia para Franco se ele também não tivesse sido atingindo em cheio na onda de acusações de assédio sexual que avassala Hollywood. Com isso o nome do ator virou tóxico e ele muito provavelmente não verá seu filme se sagrando vencedor na noite máxima do cinema americano. Também não se espera que seja um sucesso de bilheteria, justamente por causa das acusações.

E se você é um adolescente em busca de um filme pipoca nos cinemas, a dica é "Maze Runner: A Cura Mortal". Esse é mais um dessa série que já virou uma franquia de segunda linha no nicho de público jovem. É uma espécie de primo pobre de "Jogos Vorazes". O roteiro, básico, explora as aventuras de Thomas (Dylan O' Brien). Contaminado por um novo vírus mortal ele parte em busca da cura e descobre no processo que toda a humanidade está em perigo! Bobagem, enfim, mas que provavelmente vai agradar ao público na pré-adolescência, ali na faixa dos 13, 14 anos de idade. Se for o seu caso, aproveite!

Finalizando deixa a dica de uma produção para quem curte cinema europeu. É uma produção francesa chamada "Visages, Villages". Em tom de documentário somos apresentados a dois artistas Agnès Varda e JR, que juntos ganham a vida promovendo exposições de fotografias e imagens em lugares públicos. O destaque vai para a aparição no filme do consagrado Jean-Luc Godard, dando alguns depoimentos. Vale a pena conhecer.

Pablo Aluísio.

sábado, 15 de julho de 2017

60 Segundos

Título no Brasil: 60 Segundos
Título Original: Gone in Sixty Seconds
Ano de Produção: 2000
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Dominic Sena
Roteiro: H.B. Halicki, Scott Rosenberg
Elenco: Nicolas Cage, Angelina Jolie, Robert Duvall, Giovanni Ribisi, Scott Caan, Timothy Olyphant

Sinopse:
Ex-piloto de corridas, Randall "Memphis" Raines (Nicolas Cage) se torna ladrão de carros. Ele é bem sucedido em seus roubos por implantar um método impecável, onde consegue roubar um veículo em apenas 60 segundos. Quando seu irmão resolve entrar também no "ramo", Memphis decide fazer de tudo para salvá-lo do mundo do crime.

Comentários:
Mais um filme com a marca, a assinatura do produtor Jerry Bruckheimer. Quem conhece seus filmes já sabe mais ou menos o que vai encontrar pela frente: ação frenética, cenas absolutamente inverossímeis, roteiro e atuação dispensadas e muitas explosões. Em determinado momento Bruckheimer chegou na conclusão de que sabia exatamente o que o público jovem queria encontrar nos cinemas. Subestimando completamente a inteligência de seu público ele mandou ver, produzindo dezenas de filmes praticamente iguaizinhos. Esse "Gone in Sixty Seconds" pelo menos ainda tem alguns atrativos como, por exemplo, o elenco que conta com Robert Duvall (o que ele está fazendo aqui?), Angelina Jolie (ainda bem jovem, no começo da carreira e fama) e  Nicolas Cage (em mais uma tentativa de levantar sua carreira do ponto de vista comercial). Já o diretor Dominic Sena não passava de um garoto de recados de Jerry Bruckheimer. Seu único bom filme foi justamente o primeiro que dirigiu, "Kalifornia - Uma Viagem ao Inferno", depois disso nada de muito relevante. Para quem havia despontado dirigindo clips de Janet Jackson na MTV já estava de bom tamanho. Filme indicado no MTV Movie Awards na categoria Melhor Sequência de Ação.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 14 de julho de 2017

Colossal

Filme maluco, estranho mesmo, mas que ainda assim não deixa de ser curioso e interessante. Começa como draminha romântico quando Gloria (Anne Hathaway) chega mais uma vez de ressaca no apartamento do namorado. Ela tem problemas com alcoolismo, está desempregada e pelo visto não se importa muito em arranjar um emprego. Ao invés disso vai para a farra todas as noites. O namorado, claro, perde a paciência e coloca um fim no romance. Pior do que isso, a coloca para fora do apartamento. Sem grana, sem emprego e sem ter onde morar, ela acaba voltando para a antiga casa dos pais, no interior. Arranja um emprego de garçonete no bar de um velho conhecido de infância e aí... começa a acontecer algo pra lá de esquisito! Um monstro surge em Seul, destruindo toda a cidade e Gloria percebe que ele repete tudo o que ela faz, inclusive os mais simples gestos! Que maluquice é essa? Que tipo de ligação ela teria com aquela criatura? Bom, já para sentir que temos aqui um roteiro totalmente fora dos padrões, diria até mesmo bizarro ao extremo.

O curioso de tudo é que essa mistura de filme trash oriental com drama romântico americano acaba funcionado! Ok, a maioria das pessoas em determinado momento vão se levantar da sala de cinema e ir embora, isso é meio óbvio. Porém quem comprar a estranha ideia desse roteiro vai acabar no mínimo se divertindo, apesar das esquisitices que encontrará pela frente. Esse diretor espanhol, o Nacho Vigalondo, não tem muitos trabalhos na direção, sendo mais conhecido em seu país como roteirista (dos bons!). Acredito que apesar da presença da estrelinha americana Anne Hathaway pouca gente vai acabar embarcando nesse filme surreal. De qualquer forma vale a dica se você estiver em busca de algo diferente, bem diferente...

Colossal (idem, Estados Unidos, Espanha, Coreia do Sul, 2016) Direção: Nacho Vigalondo / Roteiro: Nacho Vigalondo / Elenco: Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Austin Stowell / Sinopse: Gloria (Anne Hathaway) é uma garçonete americana que descobre ter uma bizarra e estranha ligação com um monstro que está destruindo a cidade de Seul, na Coreia do Sul! Filme premiado no Austin Fantastic Fest na categoria de Melhor Direção (Nacho Vigalondo).

Pablo Aluísio.

Perdidos em Nova York

Título no Brasil: Perdidos em Nova York
Título Original: The Out-of-Towners
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Sam Weisman
Roteiro: Neil Simon, Marc Lawrence
Elenco: Steve Martin, Goldie Hawn, John Cleese, Mark McKinney, Oliver Hudson, Valerie Perri

Sinopse:
O casal Henry (Steve Martin) e Nancy (Goldie Hawn) decide ir para Nova iorque, para passear e se divertir um pouco. O filho deles foi para a universidade e agora, com tempo livre, eles acreditam que precisam de férias e descanso, só que a viagem que deveria ser de lazer logo se torna uma grande confusão!

Comentários:
Esse filme é um remake de uma antiga comédia com Jack Lemmon. Eu adoro os roteiros escritos por Neil Simon. Ele já havia escrito um roteiro antes para o ator e comediante Steve Martin que resultou no muito bom "O Rapaz Solitário", um filme com um excelente humor melancólico, que fazia graça das situações mais tristes que se possa imaginar. Aqui Simon voltou a trabalhar ao lado de Martin, mas o resultado se mostrou bem pior, diria menos inspirado. Talvez a presença de Goldie Hawn, com seus grandes olhos azuis e estilo mais espalhafatoso tenha levado Simon a amenizar essa nova adaptação. O resultado acabou saindo pior do que o esperado. Assim grande parte de sua sutileza se perdeu. É um filme fraquinho, que rende algumas poucas boas piadas durante o filme inteiro. Cai no velho problema do roteiro de uma piada só! A viagem para Nova Iorque e os inúmeros problemas que vão surgindo. Nada mais. O filme não foi bem de bilheteria, sendo considerado um dos grandes fracassos comerciais daquela temporada, o que colocou o próprio Steve Martin na geladeira por algum tempo, uma vez que em Hollywood fracassos sucessivos de bilheteria não são perdoados!

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 13 de julho de 2017

O Último Concerto

Título no Brasil: O Último Concerto
Título Original: A Late Quartet
Ano de Produção: 2012
País: Estados Unidos
Estúdio: RKO Pictures
Direção: Yaron Zilberman
Roteiro: Seth Grossman (screenplay), Yaron Zilberman
Elenco: Philip Seymour Hoffman, Christopher Walken, Catherine Keener, Imogen Poots, Mark Ivanir, Liraz Charhi

Sinopse:
Um quarteto de música clássica entra em crise quando um dos membros, Peter Mitchell (Christopher Walken), é diagnosticado com Mal de Parkinson. Ele quer deixar o grupo, o que acaba levando todos a uma série de brigas, mágoas e desentendimentos que tinham ficado escondidos por anos.

Comentários:
Bom filme. O cenário é o mundo erudito da música clássica. Um quarteto de câmara vai se esfacelando após anos tocando juntos. São bem sucedidos no meio, mas os conflitos vão se mostrando cada vez mais insuperáveis. Robert (Hoffman) e Juliette (Keener) são casados. O que um dia foi paixão, se acabou. Ela não quer mais continuar com ele, que procura se consolar nos braços de uma dançarina espanhola de música flamenca. Assim que Juliette descobre a traição tudo desmorona. O pior é que eles precisam superar isso, pois trabalham juntos, no quarteto de cordas. Para piorar o clima de tensão, o veterano Daniel (Mark Ivanir), que toca o primeiro violino, se envolve com a filha deles, uma jovem estudante de violino. Claro que isso acaba criando muitas brigas, algumas inclusive violentas. E para estragar o que já anda mais do que ruim, Peter (Walken), o grande elo de ligação entre todos os músicos, acaba sendo diagnosticado com Mal de Parkinson, o que o impedirá de continuar tocando dentro de um meio tão concorrido e elitista, que não aceita falhas no palco. Esse roteiro revela que mesmo nos meios musicais mais eruditos ainda há muitos problemas de relacionamento para se manter um grupo unido, tal como se fosse uma bandinha de rock qualquer. Além da excelente trilha sonora (com destaque para as peças de Ludwig van Beethoven que ouvimos durante todo o filme) o grande destaque vai para o elenco. Todos estão maravilhosamente inspirados, com Philip Seymour Hoffman e Christopher Walken "duelando" muito bem em cena. Walken inclusive, sempre tão lembrado pelos exageros e maneirismos, finalmente se contém. É uma pena que Hoffman tenha falecido tão jovem ainda, vítima de uma overdose de drogas. Ao se assistir filmes como esse percebemos claramente como sua ausência faz muita falta no cinema de hoje em dia.

Pablo Aluísio.

Shrek Terceiro

Título no Brasil: Shrek Terceiro
Título Original: Shrek the Third
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: DreamWorks Animation
Direção: Chris Miller, Raman Hui
Roteiro: William Steig, Andrew Adamson
Elenco: Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy, Antonio Banderas, Julie Andrews, Justin Timberlake, John Cleese                                                    
Sinopse:
Com a morte do Rei, pai de Fiona, Shrek deve assumir o trono e se tornar o novo Rei, só que ele não quer ser coroado, pois jamais pensou em sentar no trono real. Assim ele parte ao lado do burro e do Gato de Botas em busca de alguém para ser o novo Rei daquelas terras...

Comentários:
Essa franquia de animação do ogro verde Shrek rendeu um filme até bacaninha (o original) e uma sequência bem fraca. Essa terceira parte só existe mesmo por motivos comerciais pois os filmes anteriores renderam muita bilheteria. A DreamWorks não iria perder mais uma chance de faturar bem nos cinemas pela terceira vez. O problema é que não havia mais estorinha para contar, pois o livro original já tinha sido explorado ao máximo. Assim o estúdio criou essa estorinha praticamente do nada, apelando mesmo por razões financeiras. O filme é claro bem feito, bem realizado do ponto de vista técnico. Só não tem mesmo um roteiro muito convincente. Obviamente as crianças que adoram o Shrek não queriam nem saber disso, só se divertir nos cinemas. Com custo de 160 milhões de dólares essa terceira parte rendeu incríveis 440 milhões de dólares no mercado americano e internacional! Uma cifra incrível para uma animação tão fraquinha. É no final das contas a força do personagem entre a criançada, nada mais do que isso. Já os adultos vão mesmo torcer o nariz, uma vez que não há muito o que curtir aqui. Para os negócios em Hollywood porém o filme foi maravilhoso, enchendo os cofres mais uma vez dos estúdios de Spielberg. Business is business! Filme indicado ao BAFTA Awards na categoria de Melhor Animação. Também indicado ao Annie Awards na categoria de Melhor Direção.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 12 de julho de 2017

McLaren

Título no Brasil: McLaren
Título Original: McLaren
Ano de Produção: 2017
País: Inglaterra, Nova Zelândia
Estúdio: FB Pictures, General Film Corporation
Direção: Roger Donaldson
Roteiro: James Brown, Matthew Metcalfe
Elenco: Bruce McLaren, Jack Brabham, Mario Andretti, Alastair Caldwell, Dwayne Cameron, Emerson Fittipaldi

Sinopse:
Documentário sobre a vida e carreira do piloto de Fórmula 1 Bruce McLaren. Nascido na distante Nova Zelândia ele teve uma carreira magistral nas pistas ao se mudar para a Inglaterra. Campeão em diversas categorias do automobilismo, acabou fundando sua própria equipe, igualmente vencedora nas pistas.

Comentários:
Bom, se você gosta de Fórmula 1 certamente precisa assistir a esse filme. O nome McLaren é um dos mais conhecidos do automobilismo. A equipe é especialmente conhecida dos brasileiros porque foi nessa equipe de automobilismo que o piloto Ayrton Senna venceu seus principais títulos. Assim esse documentário conta a história do fundador da equipe, Bruce McLaren. Sua história é das mais interessantes. Na infância ele teve uma doença que o deixou paralisado por dois anos, preso na cama. Ao se recuperar ele começou a correr na pequena equipe fundada por seu pai. Campeão nas pistas de seu país acabou chamando atenção de uma equipe de Fórmula 1 inglesa, a Cooper, que o contratou. A partir daí Bruce McLaren não parou mais, se tornando um vencedor não apenas nessa categoria, mas em diversas outras. Foi uma vida dedicada às competições esportivas, ficando firme no volante mesmo após sofrer um acidente que quase o matou. Naqueles tempos a Fórmula 1 era bem menos profissional, mais romântica e também mais perigosa. Os carros tinham um design de tubo, o que aumentava ainda mais os riscos. Um aspecto histórico interessante é saber que o piloto Jack Brabham (que também seria o fundador de outra escuderia famosa da F1) foi uma espécie de mentor de McLaren. O brasileiro Emerson Fittipaldi também dá o seu depoimento. O documentário está cheio de imagens reais, corridas da época, tiradas do acervo pessoal de McLaren. Para quem é fã dessa modalidade esportiva o filme se torna assim simplesmente obrigatório. Muito bom em termos cinematográficos, recomendo bastante.

Pablo Aluísio.

O Retorno da Múmia

Título no Brasil: O Retorno da Múmia
Título Original: The Mummy Returns
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Stephen Sommers
Roteiro: Stephen Sommers
Elenco: Brendan Fraser, Rachel Weisz, Dwayne Johnson, John Hannah, Aharon Ipalé, Alun Armstrong

Sinopse:
A múmia do antigo faraó Imhotep é levada do Egito para Londres. Exposto no museu, o velho corpo do monarca novamente se levanta de seu leito de morte milenar, começando uma nova onda de violência e terror. Caberá ao explorador e aventureiro Rick O'Connell (Fraser) eliminar essa nova ameaça.

Comentários:
Sequência de "A Múmia". Antes de qualquer coisa é importante explicar que esse não é obviamente o novo filme de Tom Cruise e nem tampouco o filme original, clássico do terror. Essa era uma outra franquia dos anos 90, uma tentativa da Universal em revitalizar os seus antigos monstros do passado (algo que a Universal quer fazer de novo agora, provando que o estúdio está há anos sofrendo de falta de novas ideias!). Pois bem, eu sempre vi esses filmes do Brendan Fraser como paródias ou galhofas que juntava tudo em um só pacote, com os antigos filmes servindo de inspiração para esse novo modelo, que tinha também uma nova roupagem tirada da série Indiana Jones. Claro que se no filme de Spielberg tudo era levado mais à sério, aqui logo se opta pelo humor. O personagem de Fraser é basicamente um bobão, embora com momentos de herói. Essa mistura sempre me incomodou. É tudo muito chatinho. Os efeitos especiais são ótimos, excelentes, mas também gratuitos. Vale como uma Sessão da Tarde muito, muito descompromissada. É um filme pipoca Made in Hollywood, com tudo de ruim e bom que isso venha a significar. Só lamento mesmo a presença da talentosa Rachel Weisz. Ela sempre foi uma ótima atriz... e aqui fica perdida em um filme com péssimo roteiro. Uma pena. Então é isso. No geral é um filme para se assistir e jogar fora, como um fast food qualquer, um copo de refrigerante ou o saco de pipoca que no final da sessão você deixa na lata de lixo.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 11 de julho de 2017

John Wick - Um Novo Dia para Matar

Título no Brasil: John Wick - Um Novo Dia para Matar
Título Original: John Wick - Chapter 2
Ano de Produção: 2017
País: Estados Unidos
Estúdio: Summit Entertainment
Direção: Chad Stahelski
Roteiro: Derek Kolstad
Elenco: Keanu Reeves, Common, Laurence Fishburne, John Leguizamo, Riccardo Scamarcio, Ian McShane

Sinopse:
John Wick (Keanu Reeves) é um assassino profissional que é contratado pelo mafioso italiano Santino D'Antonio (Riccardo Scamarci). Sua missão é matar a própria irmã de Santino, que subiu na hierarquia da organização Camorra. Wick não queria fazer o "serviço", mas precisa cumprir o que lhe foi determinado para não quebrar as regras do crime organizado.

Comentários:
Esse filme é a continuação de "De Volta ao Jogo" de 2014. O ator Keanu Reeves volta assim a interpretar o assassino profissional John Wick. Como o filme anterior deu certo nas bilheterias era mesmo previsível que Hollywood voltaria a explorar essa estória. Aliás o final em aberto desse segundo filme deixa claro que haverá um terceiro filme. Pois é, Reeves emplaca assim mais uma franquia de sucesso em sua carreira. Como em time que se está ganhando não se mexe, manteve-se basicamente a estrutura do filme original. Há uma trama bem simples que dá sustentação a uma série de cenas de ação, grande parte delas bem exageradas. Em defesa do filme é bom deixar claro que ele é feito para quem gosta de filmes de ação ao estilo anos 80. Logo na cena inicial vemos como se dará o restante, com uma cena ultra violenta (onde Wick mata duas dezenas de inimigos). O protagonista invade um bunker da máfia russa para buscar seu carro roubado. Depois ele é contratado (a contragosto) por um membro da Camorra. a máfia italiana, para matar sua própria irmã, que está no topo da hierarquia criminosa. Isso porém é o que menos importa. O que vale mesmo são as inúmeras cenas de lutas, tiroteios, perseguições de carros, etc. Nesse aspecto não há o que reclamar pois tudo é bem realizado. As cenas de pancadaria são bem coreografadas e conforme vimos em várias cenas de making off que vazaram na internet, foram feitas pelo próprio Reeves, que dispensou dublês. Em suma, tudo o que você precisa para gostar desse filme é responder a seguinte pergunta: você gosta desse tipo de filme de ação? Se a resposta for positiva, pode ter certeza que vai se divertir com esse John Wick 2.

Pablo Aluísio.