quarta-feira, 29 de fevereiro de 2012

Entre Dois Amores

Nunca o continente africano foi tão bem fotografado como nesse filme! Longas cenas em plano aberto me fizeram sentir in loco! Além da belíssima direção de fotografia a maravilhosa trilha sonora de John Barry complementa e embeleza ainda mais as belas tomadas da natureza local. Esse é um filme que apesar de ser relativamente recente (foi produzido nos anos 80) traz a linguagem dos grandes filmes clássicos dos anos 40 e 50. O personagem Denys (interpretado muito bem por Robert Redford) poderia facilmente ser um daqueles inesquecíveis aventureiros interpretados pelos mitos da época dourada de Hollywood como Humphrey Bogart ou Errol Flynn. Não é à toa que toda a história (que foi baseada em fatos reais) se passa logo no auge do colonialismo inglês na África. A baronesa Karen Blixen (Meryl Streep) que vai até lá fundar uma fazenda de plantação de café também me lembrou de várias e várias personagens do passado interpretadas pelo mito Katherine Hepburn. Aqui uma não menos talentosa atriz dá vida e brilho ao papel, a mega oscarizada Meryl Streep.

Completando o clima de nostalgia só mesmo um grande cineasta do porte de Sydney Pollack poderia se sair tão bem com um material como esse. Sua direção me lembrou das técnicas de Howard Hawks ou John Ford. Tanto cuidado em sua produção se refletiu imediatamente na noite do Oscar. O filme venceu nas categorias Melhor Filme, Diretor, Roteiro Adaptado, Fotografia, Trilha Sonora Original, Direção de Arte e Som. Como se não bastasse a fita teve ótimo resultado comercial com uma bilheteria que ultrapassou os 200 milhões de dólares (um excelente número para a década de 1980). "Entre dois Amores" é isso, um filme contemporâneo com o charme e o estilo dos antigos clássicos. O resultado final é não menos do que ótimo.

Entre Dois Amores (Out Of Africa, EUA, 1985) Direção de Sydney Pollack / Roteiro de Kurt Loedtka baseado no livro de memórias de Karen Blixen e Judith Thurman / Elenco: Robert Redford, Meryl Streep, Klaus Maria Brandauer / Sinopse: Karen Blixen (Meryl Streep) vai até a distante África administrar e gerir uma fazenda de café. Para isso terá que enfrentar inúmeras adversidades no local. Lá conhece e se apaixona por Denys (Robert Redford) um aventureiro e caçador que atua próximo de sua plantação.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Albert Nobbs

Imagine ficar órfã pelas ruas de Dublin na Irlanda no século 19, exposta a todo tipo de violência, seja moral ou sexual. A situação piora e muito se for apenas uma garotinha indefesa chegando na puberdade. Por puro instinto de sobrevivência então a pequena órfã troca de nome e de identidade sexual se transformando em um personagem chamado Albert Nobbs. Passando por um garoto as chances de sofrer mais agressões automaticamente diminuem. Essa é a premissa extremamente instigante do novo filme do diretor Rodrigo Garcia, um talentoso cineasta que só agora está despontando para filmes de maior repercussão. Como todos já sabemos, pelas indicações e prêmios, o filme tem uma estrela que o domina da primeira à última cena: Glenn Close. Seu trabalho como o tímido e estranho Nobbs impressiona certamente. Na minha opinião grandes atuações são aquelas em que os intérpretes conseguem sumir dentro de seus personagens. É justamente o que ocorre aqui. Glenn Close desaparece de cena e só conseguimos visualizar o garçom Albert Nobbs. Que grande talento tem essa atriz! Infelizmente não teve o reconhecimento que merecia pois em um ano extremamente competitivo na categoria foi superada por Meryl Streep em "Dama de Ferro", um filme fraco com uma atuação monstruosa da atriz americana fazendo a primeira ministra inglesa Margareth Thatcher.

Se não fosse por essa infeliz coincidência Glenn Close certamente teria levado o prêmio da Academia. Seria mais do que merecido uma vez que o projeto da produção foi fruto de muito empenho pessoal da própria atriz. Lutando por financiamento ela foi à luta para levar esse texto para as telas. Está inclusive creditada como uma das roteiristas. Sua história com Albert Nobbs vem de longe pois há muitos anos Close interpretou o mesmo papel no teatro. Certamente pela riqueza do texto ela sabia que tinha uma potencial obra prima em mãos. Seus esforços são dignos de aplausos. Tudo é de muito bom gosto no filme - figurinos, reconstituição de época, cenários, tudo impecável. O elenco de apoio também está brilhante com destaque para Janet McTeer que também recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor atriz coadjuvante por seu papel de Mr. Page. Em conclusão é isso, "Albert Nobbs" traz excelentes questões sobre identidade sexual, abandono, sonhos, projetos de vida, pobreza e de quebra mostra que a estratificada sociedade britânica pode ser tão cruel como a de qualquer outro país periférico do terceiro mundo. Está mais do que recomendado.

Albert Nobbs (Albert Nobbs, Reino Unido / Irlanda, 2012) Direção: Rodrigo García / Roteiro: Glenn Close, John Banville baseado no conto de George Moore / Elenco: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Janet McTeer / Sinopse: No Século XIX Albert Nobbs (Glenn Close) é um garçom de um hotel na cidade de Dublin. Lá conhece Hubert Page (Janet McTeer), um trabalhador que eventualmente faz serviços no hotel onde trabalha. Para sua surpresa descobre que assim como si próprio o Sr. Page também tem um grande segredo a esconder.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 28 de fevereiro de 2012

Um Método Perigoso

"Um Método Perigoso" lida com a complicada relação entre os famosos Carl Jung (Michael Fassbander) e Sigmund Freud (Vigo Mortensens). O que havia começado como uma relação fraternal, quase de pai para filho, acaba desandando quando Jung ousa colocar em dúvida as bases das teorias de Freud. Para piorar ainda mais o relacionamento entre ambos logo vem à tona o fato de Jung ter se relacionado sexualmente com uma de suas pacientes, Sabina Spielrein (Keira Knightley). Um fato totalmente condenado por Freud. Realizar um filme assim é muito complicado pois se corre o risco do resultado final soar complicado demais para os leigos ou excessivamente superficial para os estudiosos das obras de Freud e Jung. Hoje em dia a própria psicanálise anda no fio da navalha pois o avanço dos remédios contra certos males da mente progrediu tanto que não é raro médicos da área desacreditarem totalmente tudo o que Freud e Jung produziram ao longo da vida. Se não for para debater a validade das teses de Freud e Jung então para que realizar esse tipo de filme?

De qualquer forma com esse material o diretor só tinha dois caminhos mesmo a seguir: ou realizar um filme ao estilo "novelão", sensacionalista, enfocando a vida sexual de Jung ou então algo mais cerebral, focado melhor nas divergências entre os dois pensadores. Infelizmente ao invés de escolher apenas um caminho e investir nele o diretor David Cronenberg tentou seguir os dois caminhos ao mesmo tempo, sem se ater a nenhum deles, transformando o resultado final bem superficial em ambos os lados. Nem desenvolve bem a conturbada relação Jung / Freud e nem muito menos consegue impor maior densidade dramática ao que acontece com as aventuras de alcova de Jung. Desse jeito acabou aborrecendo e decepcionando justamente tanto os especialistas quanto os leigos. Enfim, "Um Método Perigoso" é um filme esquizofrênico no final das contas e o pior dos pecados, bem superficial.

Um Método Perigoso (A Dangerous Method, Reino Unido, 2011) Direção: David Cronenberg / Roteiro: Christopher Hampton baseado no livro de John Kerr / Elenco: Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Vincent Cassel / Sinopse: "Um Método Perigoso" lida com a complicada relação entre os famosos Carl Jung (Michael Fassbander) e Sigmund Freud (Vigo Mortensens). O que havia começado como uma relação fraternal, quase de pai para filho, acaba desandando quando Jung ousa colocar em dúvida as bases das teorias de Freud. Para piorar ainda mais o relacionamento entre ambos logo vem à tona o fato de Jung ter se relacionado sexualmente com uma de suas pacientes, Sabina Spielrein (Keira Knightley). Um fato totalmente condenado por Freud.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 27 de fevereiro de 2012

O Psicólogo

Eu não sei bem o porquê mas ultimamente os filmes do Kevin Spacey estão saindo diretamente para o mercado de DVD no Brasil não tendo chances de serem exibidos nos cinemas. Uma pena já que ele tem apresentado ótimas interpretações como no caso desse "O Psicólogo" (um título estranho embora literal - Shrink é uma gíria para a profissão - e que na minha opinião seria mais adequado "O Psicanalista"). Kevin aqui faz o profissional do título, um sujeito que perdeu sua esposa (o roteiro não entra em maiores detalhes apenas afirma que ela se matou) e que por essa razão literalmente perde a vontade de viver. O curioso é que enquanto ele vive essa crise tem que aconselhar uma fauna de bacanas ricos mais confusos do que ele mesmo (entre eles um Robin Williams em participação especial). O contraste entre uma pessoa que não consegue superar nem suas próprias crises pessoais mas que ao mesmo tempo ganha a vida aconselhando os outros sobre suas vidas é uma das coisas mais irônicas que vi ultimamente no cinema americano. A ironia de "Shrink" é aquela que nasce da acidez, do desconforto, da inadequação. Seu roteiro, extremamente inteligente, nos deixa inquietos durante todo o filme.

Como sempre Kevin Spacey se esbalda em cada cena. Fumando um cigarro de maconha atrás do outro ele acaba se aconselhando, vejam só que ironia, com o seu traficante pessoal, um jovem que lhe vende todas as variedades de ervas possíveis (algumas com nomes hilários). Esse vendedor de drogas é vivido pelo bom ator Jesse Plemons (quem acompanha "Friday Night Lights" o conhece muito bem) e ironicamente se chama "Jesus". Fora isso vamos acompanhando várias estórias paralelas de personagens que acabam se cruzando durante o decorrer do filme. Enfim "Shrink" é muito bem interpretado, tem um roteiro que passeia da ironia à melancolia e certamente vai satisfazer as expectativas de um público mais inteligente e exigente. Recomendo bastante.

O Psicólogo (Shrink, EUA, 2009) Direção: Jonas Pate / Roteiro: Thomas Moffett, Henry Reardon / Elenco: Kevin Spacey, Mark Webber, Keke Palmer / Sinopse: Psicólogo de pessoas extremante ricas não consegue mais lidar com a dor da perda de sua esposa. Deprimido entra em profunda crise existencial.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 26 de fevereiro de 2012

Direito de Amar

Para quem acha que a boa fase do ator Colin Firth se resume à sua ótima atuação em "O Discurso do Rei" precisa assistir a esse bom drama psicológico chamado "Direito de Amar". Basicamente o filme enfoca a depressão suicida que se abate sobre um professor homossexual na década de 1960 após a morte de seu companheiro em um acidente de carro. O papel principal é um presente para todo e qualquer ator. Firth está excepcional na pele do sofrido personagem. Envolto em convenções sociais que o inibem de ser plenamente feliz ele se vê envolto em um momento depressivo e melancólico sem possibilidade de expressar todos esses sentimentos. Gostei bastante do roteiro principalmente por causa de seu ritmo lento, triste, melancólico, pausado, sem pressa, tudo de acordo com o estado depressivo do personagem principal. Além disso o contraste entre a personalidade tímida do professor e sua necessidade de satisfazer aos seus desejos mais ocultos e inconfessáveis criam um clima de tensão que acrescenta muito ao argumento do filme em si.

O elenco todo está particularmente inspirado, principalmente a dupla central. Colin Firth venceu o BAFTA por essa atuação, sendo indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro. Já sua parceira em cena, Julianne Moore, brilha como uma dona de casa infeliz e sem objetivos na vida além de tentar conquistar o amor de sua vida, que nunca será correspondido pois é gay. Sua delicada atuação também foi indicada ao Globo de Ouro. Aliás ambos os atores estão em uma ótima fase em suas respectivas carreiras uma vez que continuaram a participar de excelentes filmes após "Direito de Amar" chegando inclusive a receberem novas indicações e premiações por seus trabalhos posteriores, (Firth por "O Discurso do Rei" e Moore por "Minhas Mães e Meu Pai"). Mais um motivo para conferir esse talentoso encontro. Na direção o filme traz o estreante Tom Ford, o que não deixa de impressionar, uma vez que o filme é muito bem dirigido, sem sinais de falhas, o que seria natural de esperar de alguém que está pela primeira vez dirigindo um filme. Enfim, "Direito de Amar" é sensível, bem conduzido e acima de tudo marcante, seja qual for sua orientação sexual. Recomendo o filme a todos.

Direito de Amar (A Single Man, EUA, 2009) Direção: Tom Ford / Roteiro:Tom Ford baseado no romance de Christopher Isherwood / Elenco: Colin Firth, Julianne Moore, Matthew Goode / Sinopse: George´(Colin Firth) é um professor que passa por uma crise depressiva após seu companheiro de longa data morrer em um acidente de carro. Para superar a terrível fase ele conta com o apoio de Charley (Julianne Moore) que nutre sentimentos por ele, mesmo sabendo que nunca será correspondida.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 25 de fevereiro de 2012

Imortais

Fui assistir a esse filme com o fiasco de "Fúria de Titãs" na cabeça. Por isso não tinha a menor fé em nada - pensei que seria mais um lixo Hollywoodiano. Para minha surpresa acabei achando interessante. Talvez por estar com expectativas quase a zero acabei ao final achando um blockbuster decente. Obviamente não aconselho aos estudiosos de mitologia grega, esses ficarão desapontados. O roteiro toma enormes liberdades com os mitos originais. Teseu, por exemplo, virou um rebeldinho revoltado, sem consistência. Monstros famosos como o Minotauro foram relegados a um simples grandalhão com máscara de touro feito de gravetos e por aí vai. O que salva "Imortais" do desastre é em primeiro lugar a linda direção de arte do filme e em segundo a presença sempre muito bem-vinda do ator Mickey Rourke. O filme é o que gosto de chamar de produção de luxo. Claro que praticamente todo ele foi gerado digitalmente mas mesmo assim achei tudo de muito bom gosto, sua fotografia em tons dourados, as cores gritantes das capas e uniformes. Até mesmo o figurino, que foi tachado de brega e excessivo em algumas resenhas, acabou me agradando.

Já Mickey Rourke é um capítulo à parte. Esse é o tipo de ator forjado no Actors Studio que consegue sobreviver a (quase) tudo. Não escondo de ninguém que sou admirador de carteirinha dele. Aqui temos o típico caso de ator maior que o filme. Seu personagem, o rei Hyperion, não é nem melhor e nem pior que outros vilões que enchem os blockbusters americanos todos os anos, a diferença é que Rourke declama até os mais simples diálogos com cuidado, capricho, e isso é sem dúvida uma grande diferença com os canastrões de hoje em dia. E por falar em canastrão o tal de Henry Cavill (que faz Teseu) é de uma nulidade gritante. Sem carisma, mono facial e sem graça quase leva tudo a perder. Se não fosse Rourke segurando as pontas o quesito atuação do filme seria simplesmente desastroso. Enfim, gostei de Rourke, da direção de arte e do bom gosto. Desgostei do Cavill, dos deuses (medíocres) e dos Titãs (esses últimos parecem zumbis de quinta categoria). Apesar de tudo no fim das contas vale uma espiadinha.

Imortais (Immortals, EUA, 2011) Direção de Tarsem Singh / Roteiro: Charley Parlapanides, Vlas Parlapanides / Elenco: Henry Cavill, Mickey Rourke, John Hurt / Sinopse: Teseu é um mortal que é escolhido por Zeus para liderar uma guerra contra o tirânico rei Hyperion que está em busca de uma arma capaz de destruir toda a humanidade.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 24 de fevereiro de 2012

O Homem Que Mudou o Jogo

Esse é o tipo de filme que está tão enraizado na cultura americana que dificilmente fará a cabeça dos brasileiros. O tema é centrado na história de um gerente de esportes (Brad Pitt) de um time de beisebol que tenta chegar ao sucesso usando das estatísticas de um jovem economista formado em Yale. Juntos, analisando números, eles tentam montar o time ideal: barato mas eficiente. Agindo assim a dupla acaba despertando a ira de velhos conselheiros do clube e até mesmo da imprensa que tem uma visão romântica do esporte e se sente muito incomodada pelo uso de uma ciência exata para chegar ao título do campeonato. O filme é interessante em termos justamente por esse conflito entre o romantismo e o pragmatismo. Afinal números frios vencem partidas ou não?

Claro que na linguagem técnica do esporte o espectador brasileiro que não conhece e nem entende sobre Beisebol vai ficar boiando mas o filme não se resume a isso. Há um desenvolvimento mostrando o lado familiar do personagem do Pitt, sua relação com a filha e as pressões que sofre em razão do esporte. Eu pessoalmente achei que falta um pouco de ritmo ao desenvolvimento da trama. O filme soa muitas vezes arrastado e sem foco. Só em seu terço final realmente cresce mais em emoção mas aí se utiliza do esporte que retrata e por essa razão quem não conhece direito as jogadas e as regras do Beisebol pode até mesmo ficar mais aborrecido ainda. De uma maneira em geral gostei do resultado. Poderiam ter aproveitado melhor a presença do grande ator Philip Seymour Hoffman, que faz o técnico do time, mas tudo bem. Para quem gosta de filmes de superação em esportes pode ser uma boa pedida mesmo que você não fale inglês e nem nunca tenha ouvido falar do Red Sox. Basta fazer uma forcinha a mais para gostar

O Homem Que Mudou o Jogo (Moneyball, EUA, 2011) Direção: Bennett Miller / Roteiro: Steven Zaillian, Aaron Sorkin / Elenco: Brad Pitt, Robin Wright, Jonah Hill / Sinopse: Equipe de beisebol contrata um jovem especializado em estatísticas para ajudar na formação de sua nova equipe.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 23 de fevereiro de 2012

Os Fragmentos de Tracey

Um verdadeiro achado esse "Os Fragmentos de Tracey". O filme não é muito conhecido até por causa de seu formato pouco convencional. Esqueça as narrativas normais que você está acostumado a ver por aí pois não a encontrará aqui. Na realidade a edição é tão dinâmica e desfragmentada que pensamos estar dentro da cabeça da jovem Tracey de quinze anos, com todas as suas inseguranças, sonhos e desejos tão típicos da sua idade. Achei particularmente genial o uso de vários quadros ao mesmo tempo nas cenas. Isso era comum no final dos anos 60 mas aqui o diretor Bruce McDonald resolveu levar tudo às últimas consequências. Assim em uma só cena vemos dois, quatro, seis e até vinte pontos de vista diferentes em um efeito de grande impacto.

Além da linguagem inovadora o roteiro é tão bem feito que ficamos com a impressão de ter sido escrito por uma adolescente mesmo. Lá está Tracey com seu amor platônico da escola, a sensação de ser a "loser", a convicção de que sua família é toda formada por idiotas e por aí vai. O filme lida muito com sensações, assim nada de contar a vida dela de forma banal, pelo contrário, tudo é tão jovial e inovador que fiquei realmente surpreso. O filme lembra em certos momentos "Juno" (o grande filme da carreira da Ellen Page) mas é muito mais radical e cool. Está a fim de assistir algo que fuja do feijão com arroz? Ora, corra para ver "Os Fragmentos de Tracey". Eu recomendo com absoluta certeza.

Os Fragmentos de Tracey (The Tracey Fragments, EUA, 2007) Direção de Bruce McDonald / Elenco: Maureen Medved, baseado na novela de Maureen Medved / Elenco: Ellen Page, Zie Souwand, Maxwell McCabe-Lokos / Sinopse: O filme mostra em narração desfragmentada pequenos momentos da vida de Tracey Berkowitz, uma garota de 15 anos que sai em busca de seu irmão.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 22 de fevereiro de 2012

Pronta Para Amar

Esse filme tem embalagem de comédia romântica, marketing de comédia romântica e jeito de comédia romântica mas na realidade não é nada disso! É o que chamavam antigamente de "filme de doença", ou seja, o espectador vai acompanhando a personagem principal a partir da descoberta da doença fatal (no caso aqui um câncer de intestino) passando pelo desenrolar do difícil tratamento até chegar ao desfecho de tudo (que tenta ser agradável, leve, mas convenhamos disso não tem nada). Eu não recomendaria esse tipo de produção para pessoas que perderam entes queridos recentemente pois é possível que venham a se identificar com a situação mostrada nas telas. Reviver algo assim nem sempre é recomendado. Principalmente para quem passou por esse tipo de coisa há pouco tempo. Além disso algumas situações de vida (ou da morte) não devem ser tratadas como algo leve, soft, pop, tentando criar um clima de falsa felicidade para mostrar uma situação que em si deve ser tratada e mostrada com a devida seriedade.

E os pontos positivos? Sim, há partes que valem a pena no filme. Um das coisas bacanas aqui é o elenco, cheio de atores e atrizes que gosto bastante. Além da Kate Hudson, que não compromete mas que também não surpreende (ela parece ter colocado sua carreira definitivamente em controle remoto), temos ainda Kathy Bates, muito bem em sua caracterização de "mãezona" e uma improvável Whoopi Goldberg em um papel nada comum. Outro ponto positivo é o fato do filme ter sido feito em New Orleans, uma das cidades mais peculiares dos EUA. A grande maioria das grandes cidades americanas não possuem identidade própria, são praticamente todas iguais, com cultura plastificada. Não é o caso de New Orleans que tem uma rica cultura musical, herdada dos colonizadores franceses que estiveram por lá. Além disso impossível ignorar o talento de tantos grandes músicos negros que nasceram na famosa cidade. É o berço do jazz e do soul - precisa dizer mais alguma coisa? A música e a cultura de lá ajudaram muito na suavização da trama. Como é um filme que trata de um tema muito sensível achei adequado que uma mulher exercesse a direção. Aqui a diretora Nicole Kassell tenta a todo custo amenizar o máximo possível a questão, tendo sucesso algumas vezes e outras não. Enfim é isso, "Pronta Para Amar" deveria se chamar realmente de "Pronta Para Morrer" pois é justamente disso do que se trata. Recomendo com restrições por causa do tema e do baixo astral.

Pronta Para Amar (A Little Bit of Heaven, EUA, 2011) Direção: Nicole Kassell / Roteiro: Gren Wells / Elenco: Kate Hudson, Kathy Bates, Peter Dinklage, Gael García Bernal / Sinopse: Jovem profissional (Kate Hudson) descobre que tem uma doença incurável. A partir daí repensa sua vida e seus relacionamentos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 21 de fevereiro de 2012

Capitão América: O Primeiro Vingador

O que posso dizer do "Capitão América"? Que ele foi um personagem criado para levantar a moral das tropas americanas durante a II Guerra Mundial? Acredito que todo mundo já sabe disso. Que depois de cumprir essa sua missão de marketing patriota perdeu o sentido? Também acredito que todos já devem ter percebido. Ele deveria ter cumprido sua missão e desaparecer mas não foi bem isso que aconteceu. O fato é que o Capitão se recusa a pendurar o escudo. Ao invés de sumir do mapa e se tornar apenas uma curiosidade do esforço de guerra americana ele voltou das cinzas e hoje há um renovado interesse no personagem. Como explicar isso? Ainda mais hoje em dia com tanto sentimento antiamericano por aí. Bom, de fato o Capitão América é uma entidade completamente ultrapassada e careta hoje em dia mas Hollywood é Hollywood e não perderia a chance de ganhar em cima de sua notoriedade e fama. Assim desenterraram a velha bandeirona ianque, colocaram uma verniz de politicamente correto em cima do velho soldado e conseguiram vender novamente o (antigo) peixe. E o filme? Dentro do universo dos quadrinhos até que não faz feio, se convertendo em um produto cinematográfico mediano. Não é tão ruim a ponto de estar no mesmo nível que Mulher Gato e Lanterna Verde mas fica longe também de chegar perto do último Batman ou até mesmo de Homem Aranha. Assim fica na média, não surpreende mas também não decepciona. Em termos de direção de arte esperava um pouco mais. Na minha opinião o personagem foi modernizado demais. Além das mudanças em seu vestuário (como a inclusão de um feio capacete), ainda tentaram apagar seu uniforme, pouco se distinguindo dos soldados comuns. Que bobagem! Estariam com vergonha do fato do uniforme do Capitão ser na verdade uma bandeira americana disfarçada? Ora, me poupem. Tragam as estrelas e listras de volta!

Outro ponto a se criticar é a mudança no visual retrô em tudo a que se refere à II Guerra Mundial. As armas - inclusive aviões e tanques - não são nem um pouco compatíveis com às do conflito. Deveriam ter optado por um visual realmente anos 40, até porque até mesmo os fãs dos quadrinhos gostariam de ver algo nesse estilo. Há uma ideologia por trás desse personagem que na minha opinião deve ser mantida (queiram ou não os que não suportam propaganda patriótica norte-americana). O fato é que desvirtuando o personagem se perde sua essência. O filme "Capitão América" tem altos e baixos e duas partes completamente diferentes entre si. O ponto alto do filme acontece em seus primeiros 60 minutos. O personagem não chega a ser muito carismático mas mantém o interesse. O problema do filme é que em seu terço final se rende aos clichês do gênero, se transformando em pirotecnia e correrias descerebradas, tudo mais do mesmo, nada original. Enquanto se mostrou aspectos da origem do herói tudo ia muito bem, depois que partiu para a pancadaria o filme caiu assustadoramente. O vilão também não é grande coisa e cai na velha armadilha de tentar "conquistar o mundo"! Quantas vezes você já viu isso em um filme?! Enfim, Capitão América fica ali no meio termo. Não é ruim mas poderiam ter realizado um produto melhor - e por favor tragam a bandeirona de volta! Assuma a patriotada Tio Sam!

Capitão América: O Primeiro Vingador (Captain America: The First Avenger, EUA, 2011) Direção: Joe Johnston / Roteiro: Christopher Markus, Stephen McFeely / Elenco: Chris Evans, Hugo Weaving, Samuel L. Jackson / Sinopse: Soldado se torna objeto de experiências do exército americano que busca a criação de um combatente ideal para as guerras.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 20 de fevereiro de 2012

Sideways: Entre Umas e Outras

Sideways parte de uma premissa muito simples: dois amigos, Miles (Paul Giamatti) e Jack (Thomas Haden Church), partem para aproveitar a semana que antecede o casamento desse último. Miles planeja uma semana de turismo em vinícolas da região ao lado do amigo, degustando o que de melhor há em termos de vinho. Claro que mais cedo ou mais tarde todos os planos virão abaixo pois Jack está mais interessado nos rabos de saia que encontra pelo caminho do que propriamente em aproveitar de forma sofisticada sua última semana de solteirice. Já Miles tem seus próprios problemas. Divorciado, deprimido, acaba descobrindo que sua ex-esposa se casou novamente! O roteiro é, como se pode ver, bem simplório mas curiosamente em sua simplicidade consegue debater sobre temas importantes ao mesmo tempo em que desenvolve diversas situações de humor com os amigos. Não é uma comédia escrachada, tão em voga hoje em dia, mas sim um drama mesclado com pequenas situações de humor que satirizam os anseios e os dilemas que os homens enfrentam atualmente em seu dia a dia. Miles é o retrato disso - professor de colégio que tem aspirações a se tornar escritor mas que não consegue espaço no meio editorial por causa de "problemas de marketing" das editoras (talvez se ele lançasse um livro sobre vampiros adolescentes certamente seria publicado)!

O elenco do filme é todo bom com destaque para Giamatti que aqui repete seu tipo característico: homem de meia idade que não consegue concretizar seus sonhos e objetivos pessoais.. Já Thomas Haden Church (que lembra bastante Nick Nolte quando era mais jovem) consegue entregar uma boa caracterização de seu personagem: um ator de meia tigela que aproveita o pouquinho da fama que tem para traçar todas as garçonetes e empregadas que lhe cruzam o caminho. Para quem gosta de seriados um pequeno bônus: a presença de Sandra Oh que há muitos anos interpreta a Dra. Cristina Yang na série "Grey´s Anatomy". Enfim, "Sideways" é uma boa pedida. Uma boa direção de Alexander Payne que aqui se sai bem melhor do que em seu último filme, "Os Descendentes". Vale a pena conferir.

Sideways - Entre Umas e Outras (Subways, EUA, 2004) Direção de Alexander Payne / Roteiro de Alexander Payne baseado na novela de Rex Pickett / Elenco: Paul Giamatti, Thomas Haden Church, Virginia Madsen / Sinopse: Dois amigos, Miles (Paul Giamatti) e Jack (Thomas Haden Church), partem para aproveitar a semana que antecede o casamento desse último. Miles planeja uma semana de turismo em vinículas da região ao lado do amigo, degustando o que de melhor há em termos de vinho.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 19 de fevereiro de 2012

Como Esquecer

Professora universitária (Ana Paula Arósio) tenta superar a dor do fim de seu relacionamento com uma mulher. Devastada emocionalmente ela não encontra forças para seguir em frente no trabalho, na vida social e nas amizades. Esse filme "Como Esquecer" é bem interessante. Primeiro ele mostra um relacionamento lésbico sem transformar isso em bandeira do movimento gay. Isso é um ponto positivo pois o roteiro não se torna panfletário, simplesmente mostrando duas pessoas apaixonadas. Outro aspecto a elogiar é a sempre marcante presença de Ana Paula Arósio. Eu conheço seu trabalho há muito tempo e sempre a achei muito digna em suas atuações. Ela tem uma dicção perfeita e sempre consegue se impor, não importa o papel. A Arósio é tão classuda que até mesmo quando interpreta uma prostituta (como em Hilda Furacão) se sai bem. Na realidade confesso que sou fã dela como atriz. O elenco de apoio também é muito bom, bem simpático. O Murilo Rosa aqui faz um amigo gay da personagem da Ana Paula Arósio. Ele inclusive rouba algumas cenas da colega. Isso se deva talvez ao fato de seu personagem ser "pra cima", animado, de bem com a vida.

O filme foi dirigido por uma mulher, Malu de Martino que só tinha feito um longa de repercussão antes: "Mulheres do Brasil" mostrando a realidade de cinco diferentes mulheres em várias regiões de nosso país. Ela é boa diretora como bem demonstra aqui em "Como Esquecer". Tudo é muito sutil, delicado e apesar de mostrar um tema que poderia ser polêmico evita o sensacionalismo disponibilizando um retrato muito humano da vida da professora. Vale a pena conferir. "Como Esquecer" mostra que há lugar no cinema brasileiro também para o bom gosto e a sutileza.

Como Esquecer (Brasil, 2010) / Direção: Malu de Martino / Com Ana Paula Arósio, Murilo Rosa, Natália Lage, Bianca Comparato e Arieta Corrêa / Sinopse: Professora universitária (Ana Paula Arósio) tenta superar a dor do fim de seu relacionamento com uma mulher. Devastada emocionalmente ela não encontra forças para seguir em frente no trabalho, na vida social e nas amizades.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 18 de fevereiro de 2012

A Estrada

Pai e filho vagam por um mundo devastado. Não existe mais civilização e tudo o que restou da humanidade são poucos grupos, geralmente armados, lutando por água, comida e combustível. Em sua luta pela sobrevivência o pai tenta levar o filho até a costa para que ele finalmente conheça o mar. Essa sinopse até pode lembrar os famosos filmes da franquia Mad Max mas há diferença grande entre as produções. Em Mad Max tudo é desculpa para a ação sem freios, com muitas cenas de luta e fúria. Em "A Estrada" só resta a melancolia, a tristeza e a depressão de vidas sem qualquer fio de esperança. Esse clima sombrio e desesperançoso foi o que mais me incomodou no filme. Nada contra obras baixo astral mas "A Estrada" é um das mais acentuadas nesse aspecto que já conferi. Não há qualquer sinal de que as coisas vão melhorar ou eles conseguirão superar as adversidades. Na realidade não passam de meros sobreviventes e como tal esperam chegar vivos ao final de cada jornada, um dia de cada vez, sem maiores sonhos ou objetivos. Não vivem, apenas sobrevivem.

A produção segue o pessimismo do roteiro à risca. A fotografia é toda cinza e neblina, escura. Os diálogos são curtos e grossos. Os atores não passam nenhum sentimento positivo - apenas se deprimem com toda a situação, gerando ainda mais infelicidade. Apesar do final mais ameno (em termos), "A Estrada" é muito seco, muito depressivo. No saldo final provavelmente encontrará seu público mas certamente não atingirá a todos pois nem todo mundo vai comprar a ideia do argumento. Apesar de tudo ainda acredito que vale a pena conhecer - mesmo que depois da exibição você fique meio down.

A Estrada (The Road, EUA, 2009) Direção de John Hillcoat / Roteiro de Joe Penhall baseado na novela de Cormac McCarthy / Elenco: Viggo Mortensen, Charlize Theron, Kodi Smit-McPhee / Sinopse: Pai e filho vagam por um mundo devastado. Não existe mais civilização e tudo o que restou da humanidade são poucos grupos, geralmente armados, lutando por água, comida e combustível. Em sua luta pela sobrevivência o pai tenta levar o filho até a costa para que ele finalmente conheça o mar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 17 de fevereiro de 2012

Homem de Ferro 2

Depois de vários dias hoje finalmente consegui assistir Homem de Ferro 2. Não tive nenhuma surpresa. O filme é praticamente igual ao primeiro com apenas algumas inovações, algumas bem desperdiçadas. O mais gritante foi a falta de aproveitamento de Mickey Rourke no filme. Veja, geralmente em filmes baseados em quadrinhos os vilões acabam roubando o show. Foi assim em Batman e por isso eu esperava que algo parecido acontecesse aqui. Me enganei. Mesmo tendo no elenco um ator de primeira fazendo o vilão nada ou muito pouco foi aproveitado. Mickey tem poucas cenas onde teria oportunidade real de mostrar seu talento. Infelizmente nem mesmo seu confronto com Robert Downey Jr na cena da cela é aproveitada. Enfim, um tremendo desperdício. Se as cenas são tão escassas e vazias não precisava chamar um ator do quilate de Mickey Rourke, qualquer ator comum daria conta do recado. Além disso não gostei de Robert Downey Jr. Esse ator anda extremamente repetitivo em suas atuações, cheio de maneirismos pessoais o que não acrescenta em nada ao filme. Talvez tenha sido os anos de abuso em drogas mas o fato é que Robert não consegue sair do tipo estressadinho, nervosinho, prestes a dar um chilique. Ele já foi bom ator no passado mas depois que saiu a fazer um blockbuster atrás do outro virou um intérprete vazio, repetitivo e o que é pior, muitas vezes ignorando completamente o personagem que está interpretando. No fundo ele só faz um papel sempre, o dele mesmo em cena. Não importa se é o Homem de Ferro ou o Sherlock Holmes, Robert Downey Jr sempre surge como Robert Downey Jr em qualquer filme que faça.

Achei que o filme também não cumpriu as expectativas no quesito Efeitos Especiais. Todas as principais cenas com o Homem de Ferro são mostradas à noite onde pouca ou quase nada se vê (geralmente só se consegue visualizar pontos de luz indo de lá pra cá). Os robôs vilões também são outra decepção. Seu visual é completamente ultrapassado e retrô, nada originais. Em relação ao restante do elenco não há muito o que dizer: Gwyneth Paltrow está patética, dando gritinhos nervosos a todo momento, se tornando aborrecida e irritante e Scarlett Johansson entra muda e sai calada (sua dublê até que luta direitinho). Enfim, o diretor Jon Favreau realizou um filme burocrático, quase uma cópia fiel do primeiro (com efeitos especiais inferiores) De maneira geral achei um filme bem clichê, sem nenhum traço de personalidade.

Homem de Ferro 2 (Iron Man 2, EUA, 2010) Direção de Jon Favreau / Roteiro: Justin Theroux baseado nos personagens criados por Stan Lee / Elenco: Robert Downey Jr., Mickey Rourke, Gwyneth Paltrow / Sinopse: Ivan Vanko (Mickey Rourke) constrói equipamento de última geração para enfrentar o Homem de Ferro (Robert Downey Jr). Seu objetivo é se vingar de uma situação ocorrida com ele no passado.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 16 de fevereiro de 2012

Thor

Eu sempre torci o nariz para filmes de personagens em quadrinhos, todo mundo sabe disso, mas gostei desse Thor e sabem por quê? Porque Thor foi um dos poucos heróis de quadrinhos que não tiveram vergonha de aparecer no cinema como são na verdade - como um personagem de quadrinhos ora! Thor é despudorado, kitsch até o último fio de cabelos loiros e nada envergonhado de sua origem. O seu mundo é um desbunde! Poucas vezes vi uma direção de arte tão desavergonhada como essa! O mundo de Thor não é apenas over, mas totalmente over, pra falar a verdade tudo parece mais uma discoteca gay dos anos 70 do que qualquer outra coisa - a ponte que liga o nosso mundo a Asgard por exemplo mais parece uma pista de dança da época de Dancing Days! E falo isso não para criticar mas para dizer que adorei a exagerada direção artística do filme! É isso mesmo, se tem que ser kitsch, que seja até o fim. Sobrou até para Elvis Presley, sua música "I Can Help" de 1975 está na trilha, imagine você!

No elenco como sempre o grande Anthony Hopkins predomina. Ela não tem muitas cenas, é verdade, mas nas que aparece se impõe. É curioso encontrar esses grandes nomes em filmes como esse. Um personagem como esse nada vai acrescentar a uma carreira brilhante como a de Hopkins mas muitos intérpretes simplesmente não conseguem rejeitar aquela montanha de dinheiro que lhes é oferecido pelos grandes estúdios para encarnar tais tipos nas telas. Obviamente que se torna um tanto decepcionante ver um ícone como Anthony Hopkins em coisas como "Thor" mas enfim, o mundo não é apenas movido pela arte, mas pelo dinheiro também. É uma constatação da realidade. O mesmo acontece com Natalie Portman pois sua personagem é totalmente vazia de conteúdo. No fundo seu nome é apenas um luxo para abrilhantar os cartazes da produção. E o ator que interpreta "Thor"? Bom, o sujeito é dramaticamente nulo, tal como os anabolizados atores que faziam Maciste no passado. Ainda bem que não fala muito e por isso consegue surpreender não estragando o filme. Enfim, "Thor" é isso - é exagerado, é kitsch e é despudorado. Seu grande mérito é que se assume como tal e pela honestidade vale a pena ser assistido, mesmo sendo cinema chiclete que se mastiga e depois se joga fora sem culpa ou remorso.

Thor (Thor, EUA, 2011) Direção: Kenneth Branagh / Roteiro: Ashley Miller, Zack Stentz / Elenco: Chris Hemsworth, Anthony Hopkins, Natalie Portman / Sinopse: Thor (Chris Hemsworth) cai em desgraça no Olimpo dos deuses e tem que ir para a Terra como punição por suas falhas.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 15 de fevereiro de 2012

A Origem

"A Origem" é uma excelente ideia que ficou no meio do caminho. Seu roteiro chama a atenção pela extrema imaginação e originalidade, seu argumento é ótimo com uma ideia central muito rica em possibilidades, com tudo bem costurado, coerente e fechadinho mas que se perde em uma narrativa sofrível que prejudica muito o filme no saldo final. Em poucas palavras: Um roteiro extremamente criativo que afunda numa edição ruim e numa linha narrativa pior ainda. Também falta coragem em se assumir como uma ficção totalmente inteligente e conceitual. No desespero de agradar aos mais jovens que frequentam cinema hoje em dia o diretor Christopher Nolan se acovardou e encheu a produção de correrias, tiroteios ultra exagerados (e bregas) tornando tudo banal, mais do mesmo. Não ousou ir até o fim, até as últimas consequências (como Kubrick fazia em seus filmes). Poucas vezes vi um ponto de partida tão promissor se perder em um emaranhado tão vasto de bobagens de estilo e cenas de ação gratuitas. A ideia central do filme não é complicada de se seguir (embora tenha deixado alguns espectadores sem entender muito bem o que acontece). Basicamente é uma alegoria do inconsciente que aqui deixa de ser meramente individual para se tornar coletivo, em um plano compartilhado por várias pessoas ao mesmo tempo. Falando assim até parece sem sentido, mas não é. Quem assistiu sabe disso. O problema é que o diretor Nolan faz um rocambole dos diabos com isso.

O calcanhar de Aquiles de "A Origem" é essa: as coisas acontecem em um ritmo tão acelerado e desorganizado que deixa o espectador médio aturdido. Faltou ao diretor organizar melhor as ideias e as distribuir na sequência de cenas de uma forma menos caótica. A terça parte final do filme é um verdadeiro abismo em termos de edição. Temos três níveis de sonhos, mais delírios de subconsciente e lembranças tudo misturado em uma quase inexistente linha de narração. A impressão nítida que tive foi que Nolan se perdeu totalmente nessa parte do filme. As coisas são literalmente vomitadas em cima do espectador que fica sem saber direito o que está afinal acontecendo. Alguns se esforçam para seguir o fio da meada mas pelo pude constatar na sala que assisti a maioria simplesmente desistiu de tentar acompanhar. Para esses Nolan distribuiu fartas cenas de ação vazias que permeiam toda a narrativa. Estaria tentando acordar os mais sonolentos? Foi o que me pareceu. Assim em determinado momento a produção se torna muito chata, afundada numa sucessão de sonhos dentro de sonhos que por sua vez estão dentro de outros sonhos. O filme também é muito pretensioso mas não cumpre o que prometia. Em poucas palavras: se torna um filme intragável para grande parte do público. Realmente faltaram foco, organização, ousadia e sensibilidade no resultado final. Espero sinceramente que Nolan não leve todos esses defeitos para o próximo Batman. Pretensão demais pode levar qualquer filme à sua própria ruína.

A Origem (Inception, EUA, 2011) Direção de Christopher Nolan / Roteiro: Christopher Nolan / Elenco: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page / Sinopse: Don Cobb (Leonardo Di Caprio) é um especialista em adentrar sonhos e mentes alheias com objetivos ilegais e ilícitos. Em uma dessas invasões acaba se envolvendo em uma rede de interesses industriais e comerciais do qual não consegue mais ter controle.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 13 de fevereiro de 2012

Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras

Sherlock Holmes (Robert Downey Jr) investiga uma série de atentados a bomba ocorridos em Londres e Paris. Suas investigações acabam levando ao eminente e conceituado Professor James Moriarty (Jared Harris) que ao que tudo indica tem vários interesses comerciais envolvidos nos atos de terrorismo. O novo filme da franquia Sherlock Holmes segue várias premissas do primeiro. Infelizmente esse novo rumo que o personagem Sherlock Holmes tomou no cinema não me agrada. Os livros e filmes baseados em Holmes sempre foram fundados em cima de mistérios, investigações e deduções lógicas. As tramas inteligentes sempre foram seu forte mas nessa nova franquia isso é deixado de lado para dar mais espaço para a ação, correria e pirotecnia. Para falar a verdade Sherlock virou uma espécie de James Bond do século 18, sem consistência e sem a fina inteligência que sempre o caracterizou em livros e filmes. Uma pena. A nova proposta nunca me agradou, nunca me convenceu. Holmes virou um produto pop chiclete para ser consumido em cinemas de Shopping Center. Dito isso, aqui nesse segundo filme pelo menos melhoraram um pouco. Atribuo isso ao uso de várias passagens de livros diversos de Sherlock que os roteiristas pincelaram aqui e acolá. A salada literária até que funciona em alguns momentos (como o jogo de xadrez entre Sherlock e Moriarty) mas deixa novamente a desejar no saldo final.

Outro problema chama a atenção nesse novo filme. Robert Downey Jr continua sem encontrar o tom certo do papel. O sofisticado e elegante Sherlock vira um sujeitinho neurótico, nervoso, com tiques psicóticos na pele de Downey. Aliás tudo isso é característico do ator Robert Downey Jr e não do personagem Holmes. No fundo ele interpreta a si mesmo. Acho sua caracterização bem pobre nesse aspecto. Nesse ponto Jude Law se sai melhor na pele do Dr Watson. Também gostei de Jared Harris como Professor Moriarty. Todo grande personagem tem que ter um vilão à altura. Harris supre muito bem esse vácuo que era muito sentido no primeiro filme. Já o diretor Guy Ritchie continua com seus maneirismos habituais. A edição do filme é esquizofrênica, ágil, tudo de acordo com o pensamento dos executivos da indústria do cinema americano que hoje pensam sinceramente que todo espectador sofre de déficit de atenção e por isso usam uma explosão a cada cinco minutos de filme. Enfim, ainda não foi nessa produção que acertaram o tom do famoso personagem mas há sensíveis melhorias. Não é o ideal mas já melhoraram um pouco. Espero que melhore ainda mais daqui em diante pois sou fã confesso do detetive famoso. Dias melhores virão.

Sherlock Holmes: O Jogo de Sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows, UK, EUA, 2012) Direção: Guy Ritchie / Roteiro : Kieran Mulroney & Michele Mulroney baseado na obra de Sir Arthur Conan Doyle / Elenco: Robert Downey, Jr, Jude Law, Jared Harris, Rachel McAdams, Stephen Fry / Sinopse: Sherlock Holmes (Robert Downey Jr) investiga uma série de atentados a bomba ocorridos em Londres e Paris. Suas investigações acabam levando ao eminente e conceituado Professor James Moriarty (Jared Harris) que ao que tudo indica tem vários interesses comerciais envolvidos nos atos de terrorismo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

domingo, 12 de fevereiro de 2012

Carnage: O Deus da Carnificina

Comeco o texto logo avisando que o filme só é recomendado para quem gosta de teatro. Isso porque em nenhum momento o roteiro nega a origem teatral do texto. E o que isso significa? Significa que o filme inteiro é passado dentro de um apartamento onde dois casais discutem sobre a briga que seus filhos tiveram no pátio do colégio. O que começa com conversas triviais, amenas, acaba terminando de uma maneira completamente fora de controle. A fita é tão curtinha que quase é um média metragem (pouco mais de 60 minutos) o que novamente vem de encontro ao que se vê no meio teatral onde peças geralmente duram isso mesmo. O quarteto de atores em cena é formado por Jodie Foster, John C Reilly, Kate Winslet e Christoph Waltz. Todos estão bem o que não é de se admirar uma vez que esse é um texto totalmente fundado em diálogos. Curiosamente os atores se saem melhores do que as atrizes. Explico. Waltz (dando uma pausa na série de abacaxis que anda fazendo) está no tom certo do papel. Um advogado que não larga o celular em nenhum momento. Reilly, por sua vez, volta com habitual competência no papel do marido de Jodie Foster, amigão e bonachão (ele se dá muito bem nesse tipo de personagem).

Já Jodie Foster está muito histérica em cena. Cheia de tiques nervosos a atriz nunca parece estar à vontade em seu papel, sempre prestes a explodir, mesmo quando o roteiro não pede esse tipo de comportamento. Outra que não me convenceu foi Kate Winslet. Ela vai bem até o momento em que seu personagem fica embriagada, a partir daí o caldo entorna. Uma vez Marlon Brando disse que não havia como atuar com veracidade pessoas embriagadas. Para se fazer um bebum bem deveria se encher a cara antes e entrar de pileque em cena, caso contrário não se torna convincente. É o caso aqui. Winslet não convence. Ela dá chiliques, faz caras e bocas de bebum mas não convence ninguém. Enfim, esperava mais desse novo filme de Roman Polanski, ainda mais porque seu último filme foi tão bom. Talvez os diversos problemas legais o estejam impedindo de apresentar melhores trabalhos. Vamos esperar coisa melhor vir por aí.

O Deus da Carnificina (Carnage, EUA, 2011) Direção : Roman Polanski / Roteiro : Roman Polanski / Elenco: Kate Winslet, Jodie Foster, Christoph Waltz, John C. Reilly / Sinopse: Dois casais se encontram para discutir um caso de violência envolvendo seus filhos. O que começa como uma conversa trivial e educada acaba desandando para uma guerra psicológica entre eles.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 11 de fevereiro de 2012

A Casa dos Sonhos

O roteiro tem ecos de várias produções que eu conheço. Não quero entregar as reviravoltas mas estão lá pedaços de "Terror em Amytiville", "A Ilha do Medo", "Ghost", "Poltergeist" e até "Coração Satânico". Não que esses filmes sejam iguais a "Dream House" mas sim as semelhanças de suas principais reviravoltas psicológicas, interação mundo dos vivos e mortos, trocas de identidade, etc. Não gostei muito da produção em si. A casa que deveria ser um dos pontos altos do filme não assusta, não mete medo. Claro que aqui temos algo mais psicológico mas não custava nada a direção de arte e a equipe de cenografia criarem algo mais assustador, afinal quem já viu filme de casa mal assombrada com casa que não dá medo no espectador? Além disso achei muito mal aproveitadas as cenas com "o homem que ronda a casa na floresta". Perdeu-se muito potencial ali - justamente em cenas de suspense tipicamente de filmes de terror! Uns sustinhos ali caíam bem!

O elenco tem espasmos de esforço. Daniel Craig até tenta, se esforça mas nunca convence. Fiquei imaginando seu papel interpretado por outro ator com mais talento. Ele falha nas cenas de angústia, de terror e de loucura. Como um bom James Bond só funciona nas poucas cenas de ação mesmo! Mas isso convenhamos é muito pouco. Sem dúvida o filme ganharia muito. Eu gosto da Rachel Weisz mas aqui nada de mais. Atua no controle remoto, idem a bonita Naomi Watts. O diretor é Jim Sheridan que teve o auge de sua carreira ao lado de Daniel Day Lewis em vários bons filmes nos anos 80 e 90 como "Meu Pé Esquerdo", "Em Nome do Pai" e "O Lutador". Infelizmente aqui parece que perdeu o controle das filmagens e edição, brigou com o estúdio e não ficou feliz com os resultados. Uma pena, esperava bem mais dele - talvez sua época já tenha passado, quem sabe. Enfim, "A Casa dos Sonhos" ficaria melhor se tomasse outro rumo. A pirotecnia e o final "Ghost" - com direito a adeus e tudo mais - tirou mais impacto ainda do filme. No saldo final posso dizer que é apenas um filme mediano que não cumpre tudo aquilo que promete. Fica para a próxima então.

A Casa dos Sonhos (Dream House, EUA, 2011) Direção: Jim Sheridan / Roteiro : David Loucka / Elenco: Daniel Craig, Rachel Weisz, Naomi Watts, Marton Csokas, Jane Alexander / Sinopse: Uma família se muda para uma nova casa sem saber que o local é cercado de mistérios e um passado tenebroso.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu

sexta-feira, 10 de fevereiro de 2012

Guerreiro

Esse filme é uma grata surpresa. Provavelmente muita gente vai ignorar pensando tratar-se de mais um daqueles especiais de vale tudo que saem diretamente em DVD. Realmente o marketing feito em torno dessa produção deixou a desejar e no Brasil ele sequer conseguiu espaço nas salas de cinema. Uma pena. A premissa é interessante: acompanhamos a estória de dois jovens. Um deles (Tom Hardy) reencontra o pai (Nick Nolte) após anos sem nenhum contato. O outro (Joel Edgerton) é professor de High School que em sérias dificuldades financeiras (o banco está prestes a executar sua casa) resolve voltar para o ringue atrás do prêmio de cinco milhões de dólares de uma nova competição chamada Sparta. Os personagens e a dramaticidade do filme são bem desenvolvidos o que é uma surpresa e tanto tratando-se do tema da produção pois era de supor que tudo se concentrasse apenas na pancadaria irracional, mas não, os atores estão bem e o roteiro é bem escrito, totalmente redondinho. Claro que em um momento ou outro o filme cai no clichê, o que é normal em termos de cinema esportivo mas esses pequenos deslizes não comprometem o resultado final. Tudo é de bom gosto e bem desenvolvido. As lutas também são bem coreografadas e chegam a empolgar.

O diretor Gavin O´Connor também faz parte do elenco do filme interpretando o promotor da luta JJ Riley, um ex figurão de Wall Street que resolve investir pesado na categoria. Gavin é bom diretor embora até agora não tenha feito nada de muito marcante. Seu melhor filme é "Força Policial" que ele dirigiu há três anos. Curiosamente tinha um enredo até mesmo um pouco parecido com esse "Guerreiro". É um cineasta que se preocupa com pequenos detalhes que fazem diferença no resultado final. Enfim, "Guerreiro" é um belo sopro de renovação no gênero cinema esportivo. Em tempos de fim da linha para antigos heróis do estilo como Rocky Balboa nada melhor do que surgir alguém para revitalizar os chamados "filmes de luta". Recomendo.

Guerreiro (Warrior, EUA, 2011) Direção: Gavin O'Connor / Roteiro:Cliff Dorfman, Gavin O'Connor, Peter Anthony Tambakis / Elenco: Joel Edgerton, Tom Hardy, Nick Nolte, Jennifer Morrison / Sinopse: Dois irmãos acabam em lados opostos durante uma competição esportiva de luta.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 9 de fevereiro de 2012

Diário de um Banana

Eu me recordei de imediato dos filmes de John Hughes embora os personagens dele fossem mais velhos (os gatões e gatinhas de Hughes estavam no High School enquanto Banana e seu amigo ainda são garotos recém saídos das fraldas no chamado Junior High). O filme é levinho, divertido e bem bolado. Não é nenhuma obra prima como aqueles ótimos filmes de Hughes dos anos 80 mas tem seus bons momentos. Não conheço os quadrinhos que deram origem ao filme mas achei muito legal o uso deles durante todo o desenrolar da estória. A única falta que senti foi dos chamados amores adolescentes mas isso provavelmente se explique pela pouca idade dos personagens mesmo.

A garotada do elenco é muito boa. O garoto Zachary Gordon que faz o papel principal de Greg (o banana do título) é muito talentoso e competente. Seu amigo gordinho (Robert Capron) também atua bem mas quem eu destaco mesmo é a jovem Chloe Grace Mortez que seguramente é a melhor atriz juvenil em atividade hoje em Hollywood. A primeira vez que ela me chamou atenção foi ao lado de Nicolas Cage em "Kick Ass". Depois continuou brilhante como a vampirinha do remake "Deixe Me Entrar" e finalmente deu show no novo filme de Martin Scorsese "A Invenção de Hugo Cabret". A garota tem toda pinta que vai se tornar uma grande estrela no futuro - espero que consiga passar pela complicada transição para a carreira adulta. Enfim, "Diário de um Banana" parece um filme teen dos anos 80. Apreciei tanto que vou em breve assistir sua continuação. Recomendo.

Diário de um Banana (Diary of a Wimpy Kid, EUA, 2010) / Diretor: Thor Freudenthal / Roteiro: Jackie Filgo, Jeff Filgo, Gabe Sachs, Jeff Judah / Elenco: Zachary Gordon, Robert Capron, Rachael Harris, Steve Zahn, Devon Bostick, Chloe Moretz / Sinopse: Greg Heffley (Zachary Gordon) é um estudante da sexta série, que tem de enfrentar o maior desafio de sua vida: sobreviver ao ensino fundamental. Ele encontra maneiras peculiares de lidar com os valentões do colégio e conquistar sua popularidade.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 8 de fevereiro de 2012

Tudo Pelo Poder

Gostei bastante do filme. Reconheço que ele começa meio lento, disperso e sem foco. Os personagens não são devidamente apresentados e tudo é meio que jogado na cara do espectador. Porém passado esse começo meio complicado o filme engrena. É um roteiro que foca nos bastidores das primárias do partido Democrata. George Clooney faz o candidato que apesar de tentar seguir um caminho ético logo cede ao jogo da política e literalmente faz tudo para alcançar o poder (em raro caso de título nacional que retrata fielmente o que se passa na tela). O que mais me deixou surpreso aqui foi que o liberal Clooney acaba atirando justamente no partido que apoia nos EUA! Seria uma declaração de "mea culpa" após ter se envolvido no mundo político americano? Quem sabe... De fato no filme ele encarna o típico político americano que a despeito de cultivar uma imagem publica impecável tem vários esqueletos em seu armário.

Uma coisa chama a atenção aqui. Embora George Clooney seja obviamente mostrado como o principal no elenco na realidade seu personagem é mero coadjuvante. Os verdadeiros "astros" de "Ides of March" são os coadjuvantes. Escrevo sem medo de errar que esse é o melhor elenco de apoio do ano, senão vejamos: Philip Seymour Hoffman Ryan Gosling Paul Giamatti e Marisa Tomei, ou seja só fera e o melhor, todos ótimos em cena. Em suma, recomendo "Tudo Pelo Poder" sem restrições. É um filme bem roteirizado, interpretado e executado.

Tudo Pelo Poder (The Ides of March, 2011) Diretor: George Clooney / Roteiro: Grant Heslov / Elenco: George Clooney, Ryan Gosling, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Jeffrey Wright / Sinopse: Stephen Myers (Ryan Gosling), um assessor de uma grande campanha presidencial ao governo dos EUA tenta sobreviver no pantanoso mundo político da capital americana.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 7 de fevereiro de 2012

Margin Call: O Dia Antes do Fim

Não é um filme para todos os públicos. Na realidade a trama é bem técnica e por essa razão só vai atingir mesmo plateias especificas, em especial as pessoas que foram lesadas no mercado financeiro em 2008, logo após a derrocada de grandes entidades do setor, fato que desencadeou a crise na economia americana que persiste até os dias atuais. O roteiro também não dá mole ao espectador pois usa e abusa do jargão econômico que envolve esses grandes grupos. Tudo se passa em menos de 24 horas - desde o momento em que um jovem analista descobre o rombo na agência até o momento em que desesperados os altos executivos resolvem liquidar com tudo para venderem os ativos enquanto podem, pois no mercado financeiro grandes fortunas literalmente se pulverizam da noite para o dia.

O elenco é excepcionalmente muito bom. Kevin Spacey novamente dá show ao interpretar um executivo de alto escalão em crise existencial. Os grandes momentos dramáticos do filme ocorrem justamente com ele em cena. Do outro lado da balança temos outra grande interpretação, dessa vez com Jeremy Irons, fazendo o típico “tubarão” do mercado, um sujeito que não se importa em enganar milhões de pessoas desde que não perca dinheiro diante da crise eminente. Para um filme que se sustenta basicamente em interpretações individuais e diálogos a presença desses grandes atores garante o alto nível do programa. Enfim, recomendo o filme mas com certas restrições pois ele é mais adequado para as pessoas que de uma forma ou outra estão envolvidas com o mercado financeiro e tem intimidade com esse universo. Essas certamente gostarão mais do resultado final.

Margin Call - O Dia Antes do Fim (Margin Call, EUA, 2011) Direção de J.C. Chandor / Roteiro: J.C. Chandor / Elenco: Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons, Zachary Quinto, Penn Badgley / Sinopse: O alto escalão de uma grande empresa que administra fundos tenta lidar com a crise financeira que se abateu sobre o setor durante tensas 24 horas em 2008.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 6 de fevereiro de 2012

A Mulher de Preto

A Hammer era uma produtora muito famosa nos anos 50 e 60 por causa de seus filmes de terror. Recentemente assisti alguns clássicos deles, como os filmes de Drácula estrelados por Christopher Lee. Aqui encontramos todos os ingredientes que fizeram a fama do estúdio inglês: muito clima, portas rangendo, sombras e sustos, muitos sustos. A premissa dessa estória inclusive tem muito a ver com o próprio Drácula. Tal como acontece no famoso livro de Bram Stoker, aqui temos um advogado chegando a uma antiga casa isolada para acertar certos problemas jurídicos. Claro que no caso de "A Mulher de Preto" não existem vampiros mas sim fantasmas e assombrações. De qualquer forma a estrutura de ambas as estórias são bem semelhantes. Algumas críticas andam reclamando do ator Daniel Ratcliffe no filme afirmando que ele é muito jovem para interpretar o personagem do advogado mas penso que devemos dar um desconto ao rapaz pois ele já demonstrou que é bastante esforçado e quer criar agora uma carreira independente e longe de Harry Potter (que o consagrou e que seguramente vai lhe assombrar até o fim de seus dias como ator).

O roteiro de "A Mulher de Preto" é bem simples, a maior parte dele se passa numa casa isolada e escura, localizada numa ilha, por isso a direção de arte tinha que ser caprichada - e é. Não é simples recriar com eficiência mansões mal assombradas pois ou ficam mal feitas ou falsas demais. Aqui gostei bastante do resultado pois foi bem convincente a ambientação. Não vou criticar o filme por causa de seus clichês - sim ele tem vários clichês. Isso porque é baseado em uma obra relativamente recente escrita por Susan Hill e o que se vê na tela é de certa forma proposital mesmo, uma homenagem ou uma tentativa de recriar os antigos e tradicionais filmes de terror. Textos assim, feitos com essa intenção, geralmente trazem de volta fórmulas que já foram usadas muitas e muitas vezes no cinema, por isso não importa muito que reapareçam aqui - aliás essa parece ter sido a intenção dos roteiristas. No saldo final, apesar de alguns deslizes, gostei do resultado. É um filme de terror atual com cara de velho e como gosto da cultura vintage esse aqui certamente me agradou. Em tempos de gore levar alguns sustos como os que surgem aqui são mais do que bem vindos. A velha tradição de sombras e sustos caiu muito bem. Recomendo.

A Mulher de Preto (The Woman in Black, Inglaterra, 2012) Direção de James Watkins / Roteiro de Jane Goldman baseado no romance de Susan Hill / Elenco: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Janet McTeer, Lucy May Barker, Emma Shorey / Sinopse: Jovem advogado (Daniel Radcliffe) é enviado para remota cidade com o objetivo de realizar um inventário de uma antiga casa há muito abandonada.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 5 de fevereiro de 2012

Duelo de Ambições (Nas Garras da Ambição)

A trama do filme é simples: dois cowboys são contratados para levar um grande rebanho de gado do Texas até o território selvagem de Montana. Essa era uma travessia que até aquele momento não havia sido feita, uma vez que o caminho era infestado por tribos hostis como os Sioux e ladrões de gado (até o exército americano evitava circular por aquela região). O filme foi dirigido pelo grande Raoul Walsh e prometia, pela sinopse, ser realmente grandioso, como os grandes clássicos do western dos anos 50. Infelizmente a estrutura do roteiro não me agradou muito e posso inclusive apontar o erro dele: a presença de Jane Russell no elenco. Nada contra ela, gosto de suas atuações, além do que sua parceria com Marilyn Monroe em "Os Homens Preferem as Loiras" entrou para história do cinema. O problema é que com Jane em cena o diretor acabou se perdendo. O filme ficou meloso, fora de foco. O que era para ser um exemplo de "filme de macho" com todos aqueles atos de bravura e luta para atravessar o velho oeste acabou virando com Jane um romance banal, sem muitos atrativos.

Analisando bem o problema não se resume a ela. O fato é que com Clark Gable em cena os roteiristas não resistiram e investiram mais uma vez na sua velha imagem de galã (que já estava com prazo de validade vencido na época pois ele inegavelmente surge em cena envelhecido, pouco viril e com claros sinais que a idade finalmente havia chegado). As intensas provocações de Jane para com Gable fazem com que o filme caia no lugar comum, com direito inclusive a músicas cantadas por Russell (algo que na minha opinião não caiu muito bem). Fica naquele joguinho de tensão sexual entre eles sem nunca chegarem aos "finalmente" Além disso tem o inevitável triângulo amoroso envolvendo ainda o personagem do ator Robert Ryan. Pena que Raoul Walsh não preferiu filmar uma produção mais focada na travessia do gado e menos no romance açucarado. De qualquer forma, mesmo com essas restrições, ainda indico esse "Os Homens Altos" (tradução literal do título original) para os fãs de faroeste. No mínimo será curioso assistir. Obs: No Brasil o filme também recebeu o título de "Nas Garras da Ambição". Era comum nos anos 50 os filmes receberem mais de um título (geralmente quando passava na TV depois as emissoras mudavam os títulos ao seu bel prazer).

Duelo de Ambições (The Tall Men, EUA, 1955) Direção de Raoul Walsh / Roteiro: Sidney Boehm, Frank S Nugent / Elenco: Clark Gable, Jane Russel e Robert Ryan / Sinopse: Dois cowboys são contratados para levar um enorme rebanho de gado do Texas até o território de Montana; No caminho enfrentarão vários desafios como bandidos e tribos selvagens hostis, os Sioux.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Os Homens que Não Amavam as Mulheres

O filme é um remake do original sueco. Esse é o tipo de trama que quanto menos se contar melhor. Basicamente se trata de uma investigação feita pelo jornalista Mikael (Daniel Craig) a mando de um rico empresário, Henrik Vanger (Christopher Plummer) que deseja saber o que aconteceu com uma parente de apenas 16 anos que certo dia simplesmente sumiu de vista. Obviamente que esse ponto de partida vai ser apenas a ponta do iceberg pois logo Mikael descobrirá que há algo podre no reino da Dinamarca (ou da Suécia, rs). O filme americano manteve o nome original dos personagens e a ambientação no país escandinavo, o que me surpreendeu pois geralmente remakes americanos acabam levando a estória do filme para dentro dos EUA e "americanizam" todos os personagens. Aqui pelo menos tiveram bom senso de não fazer isso. O filme é longo, duas horas e meia, com muitas investigações, pistas falsas e reviravoltas Basicamente é aquele tipo de situação do tipo "Nada é o que aparenta ser". É o estilo de enredo que vai cair no gosto de quem gosta de tramas à la Agatha Christie, só que aqui, é claro, tudo foi modernizado aos dias atuais, inclusive a assistente de Mikael, a estranha Lisbeth (Rooney Mara) representa bem isso.

Gostei do elenco de uma forma em geral. Daniel Craig continua sem carisma nenhum mas aqui pelo menos se esforça para dar maior credibilidade ao seu personagem jornalista. Curiosamente ao contrário de James Bond ele aqui teve que compor um investigador mais intelectual, sem aquelas correrias do famoso agente britânico. A atriz Rooney Mara também é competente em cena. Interpretando uma personagem andrógina a atriz consegue bons resultados. Christopher Plummer também está bem. Esse é um ator que sempre admirei e ele se mostra mais talentoso do que nunca. Já Stellan Skarsgard não me convenceu muito, principalmente em seu momento mais importante no filme. David Fincher continua com sua regularidade. Um diretor que oscila entre a ousadia ou a burocracia mas sempre mantendo um nível bom. Aqui ele não ousa muito, segue a cartilha sem maiores licenças autorais. De qualquer forma não atrapalha e conta a estória com eficiência (embora poderia ter caprichado um pouco no corte final pois a duração é realmente excessiva). Enfim, no saldo final recomendo a fita. O roteiro envolve, ficamos interessados em saber aonde tudo vai dar e diverte, acima de tudo.

Millennium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres (The Girl with the Dragon Tattoo, EUA, 2011) Direção de David Fincher / Roteiro de Steven Zaillian e Stieg Larsson / Elenco: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer / Sinopse: Basicamente se trata de uma investigação feita pelo jornalista Mikael (Daniel Craig) a mando de um rico empresário, Henrik Vanger (Christopher Plummer) que deseja saber o que aconteceu com uma parente de apenas 16 anos que certo dia simplesmente sumiu de vista.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 4 de fevereiro de 2012

A Sétima Alma

Ufa, depois de muito sacrifício consegui terminar de ver esse "A Sétima Alma". Foi penoso aguentar porque sinceramente o filme é ruim demais. Aliás merece uma medalha quem aguentar os vinte minutos iniciais (uma das introduções mais bizonhas que já tive o desprazer de assistir). Depois desse começo bizarrro de ruim o filme se estabiliza e somos apresentados a sete jovens que seriam a reencarnação do tal estripador da estória (um sujeito ridículo usando uma roupa mais ridícula ainda). Pelo que eu resumi aqui já deu para sentir o absurdo do roteiro não é mesmo? Todos os clichês estão aqui. Um grupo de jovens que sabemos que vão ser trucidados? Confere. Uma floresta assustadora? Confere. Um assassino malvadão? Confere. Muita canastrice em cena? Confere. Uma direção obtusa? Confere. Na verdade é uma das produções mais derivativas que já assisti, isso porque imita todas as fórmulas dos filmes de terror com adolescentes da década de 80, só que sem brilho, talento e impacto.

O pior de tudo é saber que na direção do filme não está um medíocre mas sim um dos mais conceituados realizadores do cinema de horror americano. O que aconteceu afinal Wes Craven? O que será que aconteceu com o sujeito para filmar uma mediocridade dessas? Será que perdeu todo o dinheiro que ganhou? Será que perdeu sua casa nessa crise econômica que atinge a economia americana? Será que o Craven está com medo de virar sem teto? Sei não, só pode ser isso porque tem que ter muita coragem para assinar um lixo desses! Provavelmente algum produtor oportunista colocou o cineasta contra a parede para ele realizar um filme como aqueles que ele fez no passado. Ele tirou aquele velho roteiro empoeirado que tinha na gaveta há 30 anos e resolveu ver no que ia dar. Bom, pelo resultado podemos dizer que não deu em nada. Fraquíssimo momento de um bom diretor. Passe longe.

A Sétima Alma (My Soul to Take, EUA, 2010) Direção: Wes Craven / Roteiro: Wes Craven / Elenco: Max Thieriot, John Magaro, Denzel Whitaker / Sinopse: Um serial killer retorna para sua cidade natal para perseguir e matar sete jovens que completam aniversário na mesma data que o seu.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

[REC]

Jovem repórter e seu cameraman fazem uma reportagem sobre a rotina dos bombeiros quando esses são chamados a um conjunto de apartamentos onde vizinhos ouvem gritos no andar superior. Ao investigar o ocorrido descobrem algo bem mais sinistro. [REC] segue os passos da estética de "A Bruxa de Blair", ou seja, é um falso documentário ou como os americanos gostam de chamar um "Mockumentary". Para quem odiou "Bruxa de Blair" é sofrido saber mas parece que a ideia deu frutos e hoje vários filmes seguem os passos do filme pioneiro. O resultado já sabemos: câmera na mão, gritos, correria, imagens desfocadas ou balançadas e ritmo alucinante. Tudo com cheiro de amadorismo para trazer uma verniz de "realidade". De certa forma os filmes que seguem o estilo "Mockumentary" bebem diretamente da fonte dos chamados reality shows da TV - a idéia é imitar os reality shows na forma de mostrar ou contar ao espectador a estória. [REC] tem um parentesco bem próximo também dos filmes de Romero, até porque deve-se reconhecer que qualquer filme que mostre mortos vivos vai de uma forma ou outra copiar as obras do mestre de terror.

Do ponto de vista originalidade [REC] não traz grandes surpresas. O filme é curtinho - para não saturar - e se concentra basicamente em criar uma situação e explorar ela ao máximo tentando com sua suposta veracidade criar medo no espectador. Nesse aspecto achei que a criação do enredo foi bem melhor do que seu desenvolvimento. A atriz Manuela Velasco que interpreta a jornalista consegue nos passar mesmo a sensação de que é uma quase amadora na profissão. Curiosamente seu cameraman jamais aparece mesmo quando a câmera cai no chão ou ele fica sem controle dela. De resto destaco apenas duas boas cenas na produção: a primeira quando as pessoas que estão em quarentena no prédio descobrem a "velha" no andar de cima e a segunda quando finalmente chegam no apartamento que vai revelar grande parte da trama (embora muita coisa fique mesmo no ar, sem explicação). De maneira em geral [REC] procura inovar de alguma forma no velho tema mortos vivos. Consegue apenas em termos, caindo muitas vezes na banalidade. Vale assistir pelo menos uma vez para conhecer e é só.

[REC] (Espanha, 2007) Direção: Jaume Balagueró, Paco Plaza / Roteiro: Jaume Balagueró, Paco Plaza, / Elenco: Manuela Velasco, Ferran Terraza, Jorge-Yamam Serrano ; Sinopse: Jovem repórter e seu cameraman fazem uma reportagem sobre a rotina dos bombeiros quando esses são chamados a um conjunto de apartamentos onde vizinhos ouvem gritos no andar superior. Ao investigar o ocorrido descobrem algo bem mais sinistro.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

sexta-feira, 3 de fevereiro de 2012

Compramos um Zoológico

Jovem viúvo (Matt Damon) resolve comprar uma nova casa para ele e seus dois filhos, uma garotinha e um pré adolescente. Após pesquisar por vários imóveis escolhe uma bela casa com amplo terreno. O problema é que o local na realidade é um zoológico com tigres, ursos e animais diversos. O novo filme do diretor Cameron Crowe é uma produção família, bem desenvolvido, leve, soft, tipicamente um filme familiar que enobrece os laços de parentesco entre pais e filhos. Há uma pequena tensão entre Damon e seu primogênito mas nada que se torne pesado ou dramático demais. O filme tem dramas familiares contidos, nada que vá preocupar a quem quer apenas um passatempo divertido. Apesar disso também não é uma produção infantil. Nada de bichos falantes ou algo do tipo. Obviamente os animais estão todos lá, mas como meras peças do enredo. Matt Damon está bem adequado ao papel. Ele tem esse estilo boa praça e amigão e facilmente os espectadores criarão empatia com ele. Já Scarlett Johansson é apenas uma coadjuvante de luxo. Não tem uma presença marcante e também não mostra muita química com Damon no namorico que acontece no roteiro.

Esse é o filme mais singular de Cameron Crowe. Não existe nenhum traço mais autoral do diretor (que ficou conhecido em suas obras originais justamente por isso). Crowe apresenta apenas um daqueles chamados "filmes de estúdio" onde tudo já vem devidamente empacotado e pensado pelos executivos engravatados das grandes produtoras cabendo ao diretor apenas entregar o produto pronto e embalado. É uma produção típica para passar nos cinemas de shopping center - divertido sim mas sem maiores pretensões. Pelo menos esse aqui não aborrece no final das contas, dando para assistir sem maiores problemas.

Compramos um Zoológico (We Bought a Zoo, EUA, 2011) / Diretor: Cameron Crowe / Roteiro: Aline Brosh McKenna, Cameron Crowe, baseados na obra de Benjamin Mee / Elenco: Matt Damon, Scarlett Johansson, Elle Fanning, Patrick Fugit, Stephanie Szostak, Thomas Haden Church, Carla Gallo, Desi Lydic, John Michael Higgins / Sinopse: Benjamin Mee (Matt Damon) é um homem que, ao lado de sua família, encontra uma bela casa no interior, mas é surpreendido ao descobrir que o lugar é um zoológico abandonado. Assim, ele aceita o desafio e compra a casa, na esperança de restaurar a antiga glória do local.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 1 de fevereiro de 2012

Amadeus

Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce) é um genial compositor que chega a Viena para compor o quadro de músicos patrocinados pelo Imperador do Sacro Império Romano- Germânico, José II. Na corte conhece e se torna amigo de Antonio Salieri (F. Murray Abraham), o compositor oficial imperial, que começa a ficar incomodado com o extremo talento musical do jovem recém chegado. "Amadeus" pode ser analisado sob dois pontos de vista, o primeiro cinematográfico e o segundo, histórico. Do ponto de vista cinematográfico a produção é belíssima, praticamente perfeita em suas três horas de duração. O roteiro é um primor, as atuações são espetaculares e a direção é de um bom gosto acima de qualquer crítica. O filme foi premiado com oito Oscar (filme, direção, ator, direção de arte, figurino, maquiagem, som e roteiro adaptado) e quatro Globos de Ouro (filme, ator, roteiro e direção). todos merecidíssimos. Há cenas memoráveis e uma das melhores trilhas sonoras da história do cinema, o que era mesmo de se esperar uma vez que traz o maior legado de Mozart, sua música incomparável, que ecoa em cada cena, em cada sequência. Imortal é pouco.

O calcanhar de Aquiles de "Amadeus" porém é quando analisamos o filme sob o ponto de vista histórico. Salieri foi alçado a um vilão sem alma, em conflito com Deus e querendo a todo custo prejudicar o jovem gênio da música, Mozart. Isso não condiz com a verdade dos fatos. Historiadores já derrubaram quase todas as premissas que foram utilizadas no filme, o que é até fácil de entender pois era necessário criar uma dramaticidade maior em torno da vida de Mozart para que o filme se tornasse mais atraente ao grande público. Não haveria como captar a atenção do espectador sem a existência de um antagonista â altura do mito de Wolfgang. Infelizmente esse papel coube a Salieri, em estupenda interpretação de F. Murray Abraham (que inclusive levou o Oscar de melhor ator para casa justamente por esse filme).

Na verdade histórica Salieri era um grande compositor também, tinha um status maior que Mozart em vida e possuía uma reputação de grande artista por onde passava. Não existe qualquer fonte histórica que coloque Salieri como um compositor invejoso da obra de Mozart, muito pelo contrário. Alguns historiadores afirmam que o fato real era justamente o oposto do que foi mostrado no filme pois Mozart teria inveja do cargo e do status que Salieri ostentava na corte imperial. Outra inverdade é a afirmação de que a obra de Salieri estaria esquecida. Seu legado como grande compositor é respeitado e valorizado nos principais centros de ensino musical. Ele é considerado um dos grandes de sua época. Em vista de tudo isso é importante enfatizar que definitivamente ele não era um medíocre como retratado no filme. Para se ter apenas uma pequena ideia de sua importância e talento basta apenas dizer que foi mestre de Beethoven e Liszt. Um maestro dessa envergadura jamais poderia ser considerado um medíocre, vamos convir. Apesar de tudo isso "Amadeus" ainda é uma obra monumental. Mesmo que distorcido do ponto de vista histórico não deixa de ser um filme magnífico onde praticamente tudo funciona. Tão genial quanto o próprio personagem retratado.

Amadeus (Amadeus, EUA, 1984) Direção de Milos Forman / Roteiro: Peter Shaffer / Elenco: Tom Hulce, F. Murray Abraham, Jefrey Jones / Sinopse: Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce) é um genial compositor que chega a Viena para compor o quadro de músicos patrocinados pelo Imperador do Sacro Império Romano- Germânico, José II. Na corte conhece e se torna amigo de Antonio Salieri (F. Murray Abraham), o compositor oficial imperial, que começa a ficar incomodado com o extremo talento musical do jovem recém chegado.

Pablo Aluísio.