Mostrando postagens com marcador Faye Dunaway. Mostrar todas as postagens
Mostrando postagens com marcador Faye Dunaway. Mostrar todas as postagens

sábado, 8 de abril de 2023

Arizona Dream

Título no Brasil: Arizona Dream: Um Sonho Americano
Título Original: Arizona Dream
Ano de Lançamento: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Emir Kusturica
Roteiro: David Atkins, Emir Kusturica
Elenco: Johnny Depp, Jerry Lewis, Faye Dunaway, Lili Taylor, Vincent Gallo, Paulina Porizkova

Sinopse:
Um jovem nova-iorquino vai para o Arizona, onde encontra liberdade para amar e sonhar. E nessa viagem de auto descoberta e busca interior pelas entranhas dos Estados Unidos ele acaba encontrando os tipos mais bizarros e estranhos que poderia imaginar. 

Comentários:
Antes de virar ator de filmes blockbusters como a longa franquia "Piratas do Caribe", o ator Johnny Depp era uma das figuras mais interessantes do cinema americano. Ele que havia começado como ídolo adolescente em séries de TV, deu uma guinada na carreira e começou a atuar em filmes pequenos, alternativos, cults e independentes. Essa fase de sua carreira sempre foi a mais interessante para mim, como cinéfilo de longa data que sou. Esse filme aqui é dessa fase em que ele realmente procurava por material mais substancial, que fugia do lugar comum. O interessante é que contracenou com atores e atrizes da velha escola, entre eles Jerry Lewis, em um papel bem interessante e fora do comum, nada parecido com os tipos malucos que interpretou no auge de sua carreira. Enfim, um filme diferente de um jovem ator que na época procurava impressionar. 

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 19 de dezembro de 2022

Três Dias do Condor

Nesse clássico filme de espionagem, o ator Robert Redford interpreta um escritor que vai trabalhar como pesquisador na CIA, a agência de inteligência do governo dos Estados Unidos. Sua principal função é ler livros, jornais e revistas para descobrir se existe algum vazamento sobre operações da agência. Depois de captar algo nessas publicações, ele precisa enviar suas conclusões em relatórios para seus superiores. Só que algo dá muito errado. Toda a equipe que trabalha acaba sendo assassinada por agentes da própria CIA. O único que sobrevive é justamente ele, com o codinome de Condor. Depois dessa série de mortes, ele precisa sobreviver de alguma forma enquanto tenta entender o que está acontecendo, porque nem mesmo ele sabe o motivo de tantas mortes. A CIA parece disposta a ir em frente executando todos os envolvidos. Para isso, ela contrata até mesmo assassinos profissionais como o personagem interpretado pelo ótimo ator Max Von Sydow. 

Filme muito bom, escrito, dirigido e produzido na década de 1970, tempo de grandes obras cinematográficas. Por essa época, a CIA foi perdendo sua áurea de grande órgão governamental por causa das inúmeros missões ilegais em que se envolvia. Não raro aconteciam supostos assassinatos e mortes misteriosas envolvendo a agência. E nada era muito bem esclarecido para o povo americano. Jogo sujo. O filme tem uma excelente trama baseada em um romance popular da época. A única crítica maior que eu teria a essa boa produção  vem do romance que surge entre os personagens de Robert Redford e Faye Dunaway. Essa tentativa de ganhar simpatia do público feminino, aproveitando a fama de galã do ator Robert Redford, me soou completamente fora do padrão do resto da história. É forçado o romance e pouco verossímil. Tirando isso, não teria mais nada de mal de falar do filme. É realmente uma excepcional história sobre o mundo subterrâneo da espionagem e seus bastidores sujos. Um filme para se ter na coleção.

Três Dias do Condor (Three Days of the Condor, Estados Unidos, 1975) Direção: Sydney Pollack / Roteiro: David Rayfiel, James Grady / Elenco: Robert Redford, Faye Dunaway, Max Von Sydow, Cliff Robertson / Sinopse: Pesquisador da agência de inteligência dos Estados Unidos, passa a ser caçado por agentes do governo sem saber exatamente a razão disso acontecer. O pior de tudo é que todos os membros da equipe em que trabalhava foram mortos de forma misteriosa.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 16 de novembro de 2022

Em Defesa de Cristo

Um jornalista ateu descobre surpreso que sua esposa se converteu ao cristianismo. Por essa razão, ele resolve pesquisar mais a fundo a história da própria religião. Ele quer provar que tudo não passa de uma grande fraude perpetuada ao longo dos séculos. Só que, conforme vai pesquisando e descobrindo argumentos de livros novos, ele vai se convencendo justamente do contrário. Ele começa a acreditar que pode ter havido algo espetacular na história daquele judeu que viveu do século I. A história do Nazareno pobre que acabou se tornando o personagem mais conhecido e falado de toda a nossa era. E tudo isso o deixa estupefato, uma vez que ele tinha plena certeza que não existiria nada, nem Deus, nem Jesus, nem absolutamente nada. 

Esse filme, como se pode perceber, tem um lado. O lado das pessoas que nutrem alguma fé. O protagonista ateu é apenas um instrumento narrativo para convencer o espectador de que ele estaria completamente errado em suas convicções. Temos assim um roteiro evangelizador acima de tudo. Uma produção feita para o público evangélico americano. Eu gostei do filme. O fato dele ser ambientado na década de 70 traz um aspecto mais interessante em termos de produção. Agora, o que achei frágil mesmo foi o conjunto de argumentos usados para provar a existência de Deus no filme. Eu conheço pelo menos uns dez argumentos bem melhores do que os que são apresentados no filme. Faltou a esse roteiro uma pesquisa melhor em busca de argumentos mais convincentes sobre essa questão. Não acredito que o filme vá converter nenhum ateu, mas pelo menos vai acalentar a crença daqueles que já a possuem.

Em Defesa de Cristo (The Case for Christ, Estados Unidos, 2017) Direção: Jon Gunn / Roteiro: Brian Bird / Elenco: Mike Vogel, Erika Christensen, Faye Dunaway / Sinopse: Jornalista ateu tenta convencer a esposa de que o cristianismo é uma grande farsa histórica. Para trazer bons argumentos, ele começa uma longa pesquisa. E nem tudo acaba saindo como ele queria.

Pablo Aluísio.

domingo, 20 de junho de 2021

A Vingança de Milady

Título no Brasil: A Vingança de Milady
Título Original: The Four Musketeers
Ano de Produção: 1974
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Richard Lester
Roteiro: George MacDonald Fraser
Elenco: Michael York, Raquel Welch, Oliver Reed, Christopher Lee, Geraldine Chaplin, Faye Dunaway

Sinopse:
Após D'Artagnan (York) finalmente se tornar um mosqueteiro, ele se junta aos seus amigos mosqueteiros Athos, Aramis e Porthos para defender a nova rainha dos planos de dominação do maquiavélico Cardeal Richelieum, que cobiça o trono real ao lado da Milady de Winter. Filme indicado ao Oscar na categoria de melhor figurino (Yvonne Blake e  Ron Talsky).

Comentários:
Em um tempo em que Hollywood não produzia muitas sequências (elas eram bem raras para dizer a verdade), o filme "Os Três Mosqueteiros" ganhou essa continuação, que foi lançada exatamente um ano depois do primeiro filme entrar em cartaz. Toda a equipe técnico e o elenco foi reunido novamente para esse novo filme. O tom é bem mais leve do que o primeiro, inclusive com a opção do roteiro em apostar muitas vezes no humor. Claro que não é melhor do que o filme original, mas até que tem seus méritos cinematográficos, entre eles a valorização maior das personagens femininas da história. Outro aspecto interessante é que essa mesma equipe de filmagem seria reunida novamente, alguns anos depois, para a produção de "Superman II", também com direção de Richard Lester. Era uma continuação, para muitos melhor até mesmo que o primeiro filme "Superman" de 1978. O Richard Lester era craque nesse tipo de filme.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 20 de outubro de 2020

O Massacre dos Pistoleiros

Mais um filme de western que explora o famoso duelo no O.K. Curral em Tombstone. Essa é certamente uma das histórias mais exploradas no cinema sobre o velho oeste. Só para se ter uma ideia, estima-se que já foram feitos mais de 50 filmes sobre o xerife de Tombstone, Wyatt Earp e seu amigo, o dentista, pistoleiro e jogador de cartas inveterado Doc Holliday. Geralmente em quase todos os faroestes o personagem central, como não poderia deixar de ser, era Earp, mas aqui nessa produção da década de 1970 temos uma novidade pois o filme enfoca em primeiro plano a figura de Doc Holliday e seu romance com Katie Elder, uma prostituta que o amava, apesar de todos os seus problemas. Isso fica bem claro logo nas primeiras cenas quando Doc literalmente “ganha” a companhia da jovem em um jogo de pôquer! Depois disso ela não larga mais de seu pé. Como vivia de cidade em cidade, atrás de jogos e um clima mais ameno para sua tuberculose, acaba chegando em Tombstone, uma cidade isolada do Arizona. Para sua surpresa o homem da lei no local é justamente o seu velho amigo Earp. O reencontro de velhos amigos acaba sendo uma das melhores cenas do filme, que aliás apresenta um roteiro que procura ser fiel aos acontecimentos históricos reais.

A partir daí não convém mais contar nada, embora todo fã de western saiba muito bem o que vai acontecer, culminando tudo no famoso tiroteio contra os irmãos Clanton em um pequeno curral conhecido apenas como OK. O duelo real inclusive durou poucos minutos, foi uma troca de balas cara a cara, face a face, onde um pouco de sorte também contou a favor dos sobreviventes. O que impressiona até hoje foi o sangue frio desses homens que duelaram sem medo da morte. Eram outros tempos, outra mentalidade que imperava nesses pioneiros do velho oeste americano. O tom desse filme é de pura sobriedade. Achei inclusive o filme bem seco, com um tom realista, duro, como convém a uma produção dos anos 70. Doc Holliday, na pele do bom ator Stacy Keach, é uma figura até mesmo um pouco sombria, quase uma sombra do homem que poderia ter se tornado se não tivesse contraído tuberculose, uma doença terrível na época, sem cura, praticamente um atestado de morte iminente.

Muitos historiadores inclusive atribuem a isso a grande valentia e frieza que Doc demonstrava em momentos cruciais, afinal de contas ele não temia pela morte já que ela poderia acontecer a qualquer momento. Praticamente não tinha instinto de preservação. No O.K. Curral isso ficou bem nítido pois Doc estava bem no centro do fogo cruzado, mas não recuou nem um passo sequer do confronto. Era um ótimo pistoleiro e por isso virou uma lenda do oeste americano. Por fim, um último ponto importante: o roteiro de “O Massacre dos Pistoleiros” valoriza bastante a presença de Kate, aqui interpretada por uma jovem e bonita Faye Dunaway. Se você tem especial interesse nela e em sua carreira, o filme vai parecer uma ótima escolha.

O Massacre dos Pistoleiros (Doc, Estados Unidos, 1971) Direção: Frank Perry / Roteiro: Pete Hamill / Elenco: Stacy Keach, Faye Dunaway, Harris Yulin / Sinopse: Doc Holliday (Stacy Keach) vaga pelo velho oeste em busca de torneios de pôquer, mulheres, desafios e dinheiro, não necessariamente nessa ordem. Ao chegar em Tombstone encontra seu velho amigo, o xerife Wyatt Earp (Harris Yulin). Juntos enfrentarão a terrível gangue dos Clantons.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 12 de maio de 2020

Gia, Fama e Destruição

Título no Brasil: Gia, Fama e Destruição
Título Original: Gia
Ano de Produção: 1998
País: Estados Unidos
Estúdio: HBO Films
Direção: Michael Cristofer
Roteiro: Jay McInerney, Michael Cristofer
Elenco: Angelina Jolie, Faye Dunaway, Elizabeth Mitchell, Eric Michael Cole, Kylie Travis, Louis Giambalvo

Sinopse:
Filme baseado em fatos reais. A jovem e bonita Gia Marie Carangi (Angelina Jolie) decide mudar sua vida. Desempregada, decide fazer algumas sessões de fotos para tentar se tornar modelo. Logo sua carreira decola e ela acaba se tornando a primeira grande top model do mundo da moda. Porém sua vida acaba indo para o rumo da tragédia pessoal.

Comentários:
Assisti a esse filme sem esperar muita coisa. O principal motivo que me fez conhecer essa produção foi o fato de ter sido estrelado pela atriz Angelina Jolie. Não conhecia a fundo a história da modelo Gia Carangi, mas sabia que ela tinha sido uma modelo de grande sucesso durante a década de 1980. E sua história realmente impressiona, pela subida rápida ao sucesso internacional e pela queda vertiginosa que sofreu. O filme é excepcionalmente bom em contar a história de uma moça bonita, elegante, que sucumbiu ao mundo das drogas, se viciando rapidamente em heroína e cocaína. Algo que era até bem comum no mundo da moda em seu momento de maior sucesso profissional. O problema é que ela também acabou contraindo o vírus HIV. O interessante é que naqueles tempos havia um forte preconceito e uma visão equivocada que afirmava que a AIDS era uma doença que atingia exclusivamente os gays. A repercussão da doença atingindo uma top model como a Gia ajudou a demolir essa visão preconceituosa da doença, porque ela era heterossexual e mulher. Além da história mais do que interessante o filme também se destaca pela ótima interpretação da Angelina Jolie. Ela era bem jovem quando fez o filme e em termos de beleza nada ficava a dever para a modelo que interpretava. Enfim, deixo a dica desse muito bom filme que escancara o lado menos glamoroso do mundo da alta moda internacional.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 24 de dezembro de 2019

Pequeno Grande Homem

"Pequeno Grande Homem" é um western diferente. Baseado no livro de sucesso de Thomas Berger, lançado em 1964, o filme gira em torno da trajetória de vida de um homem comum que acaba presenciando momentos marcantes da história do velho oeste americano. O tom não é de seriedade, o próprio personagem principal é essencialmente o protagonista de uma comédia picaresca. A tônica também é de revisionismo, dando novas versões para as antigas lendas do faroeste. Misturando fatos reais com mera ficção, a fórmula seria copiada anos depois em "Forrest Gump". E tal como no filme de Tom Hanks aqui também funcionou bem.

E o que é real e o que é ficção nesse filme? O personagem principal chamado pelos nativos de "Little Big Man" (O pequeno grande homem do título original) foi um personagem real. Ele foi um dos chefes Lakotas que participaram da batalha em que foram massacrados o General Custer e a sétima cavalaria. A questão é que as semelhanças entre a realidade e a ficção param por aí. Embora "Little Big Man" realmente tenha existido ele não era um branco criado por Cheyennes como mostrado no filme. Era um guerreiro do bando de "Cavalo Louco" e dizem ter sido o chefe que tirou o escalpo do famoso general americano após ele ter sido morto. Assim temos uma adaptação importante no enredo histórico. Sai o guerreiro índio e entra um branco, que acabou caindo no meio das guerras indígenas.

Já a visão de Custer no filme é, apesar da sátira, bem mais fiel do que o mostrado em filmes como "O Intrépido General Custer" com Errol Flynn, por exemplo. Se nos antigos filmes Custer era mostrado como um oficial valente e honrado, aqui ele é retratado como um assassino e genocida de crianças e velhos (algo que realmente ocorreu de fato na história). O filme também mostra Buffalo Bill e Wild Bill Hancock, grandes ícones do velho oeste, mas esses personagens, no final das contas, não possuem maior importância dentro desse roteiro de uma forma em geral. Muitas vezes eles acabam servindo apenas como alívios cômicos, o que destoa um pouco do que seria esperado.

O grande destaque do filme em si é a atuação de Dustin Hoffman. Ator extremamente talentoso, ele literalmente segura a produção nas costas, sendo sua atuação muito adequada ao feeling de humor do roteiro. Curiosamente ele não recebeu nenhuma indicação ao Oscar, sendo o ator nativo Chief Dan George lembrado em seu lugar. Uma forma da Academia se redimir um pouco com os índios dos Estados Unidos, que por anos foram retratados pelo cinema apenas como vilões sanguinários. Enfim, não é um filme historicamente correto. Passa longe disso, até porque essa aliás nunca foi a intenção nem do autor do livro original e nem dos produtores do filme. Porém esse faroeste pode certamente ser encarado como um divertido jogo onde realidade e ficção se misturam. O resultado disso não deixou de ser muito bom.

Pequeno Grande Homem (Little Big Man, Estados Unidos, 1970) Direção: Arthur Penn / Roteiro: Calder Willingham baseado no livro de Thomas Berger / Elenco: Dustin Hoffman, Faye Dunaway, Chief Dan George, Martin Balsam, Richard Mulligan, Jeff Corey / Sinopse: "Pequeno Grande Homem" (Dustin Hoffman) é um branco criado por tribos indígenas que ao longo de sua vida acaba presenciando vários eventos importantes na história do velho oeste americano. Filme indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator Coadjuvante (Chief Dan George).

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 6 de setembro de 2019

Chinatown

Título no Brasil: Chinatown
Título Original: Chinatown
Ano de Produção: 1974
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Roman Polanski
Roteiro: Robert Towne
Elenco: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Perry Lopez, John Hillerman, Darrell Zwerling

Sinopse:

Década de 1940. O detetive particular J.J. Gittes (Jack Nicholson) é contratado para resolver mais um caso de rotina em sua profissão, mas que na verdade esconde uma imensa rede de crimes, mortes e corrupção entre as altas esferas do poder. Filme premiado com o Oscar na categoria de Melhor Roteiro Original (Robert Towne).

Comentários:
Recentemente um grupo de renomados críticos de cinema dos Estados Unidos elegeu esse filme como o segundo melhor dos anos 70, ficando atrás apenas de "O Poderoso Chefão". De fato é um clássico do cinema, um dos melhores trabalhos da carreira de Jack Nicholson, aqui sendo dirigido pelo mestre Roman Polanski. O interessante é que a ideia do diretor era apenas homenagear os antigos filmes de detetives dos anos 40. Aqueles com roteiros intrigados, mulheres fatais e protagonistas que eram acima de tudo anti-heróis. O cinema noir foi uma grande fonte de inspiração para Polanski. Assim temos um filme dos anos 70 com todo o estilo dos velhos filmes de Humphrey Bogart. O roteirista Robert Towne foi muito feliz nesse aspecto porque esses filmes sempre tinham um ponto de partida banal que aos poucos ia se tornando cada vez mais complexos até que o personagem principal (geralmente um detetive particular decadente) se via envolvido numa teia enorme de crimes e corrupção, envolvendo até mesmo altas figuras da política. Jack Nicholson está perfeito como J.J. Gittes. Poderia ser um papel para Bogart, mas com o bom e velho Jack tudo fica muito bem caracterizado. Enfim, se ainda não assistiu a essa joia cinematográfica não vá mais perder seu tempo. Corra atrás que é um filme essencial e obrigatório para cinéfilos em geral. Uma verdadeira obra prima cinematográfica.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 26 de outubro de 2018

Crown, o Magnífico

Título no Brasil: Crown, o Magnífico
Título Original: The Thomas Crown Affair
Ano de Produção: 1968
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: Norman Jewison
Roteiro: Alan Trustman
Elenco: Steve McQueen, Faye Dunaway, Paul Burke

Sinopse:
Thomas Crown (Steve McQueen) é um milionário executivo do mundo financeiro que sob uma fachada de respeito e prestígio organiza bem planejados roubos a banco. A polícia não consegue unir pistas sólidas para chegar até ele, o que faz com que o inspetor resolva contratar os serviços de Vicki Anderson (Faye Dunaway), uma especialista em crimes desse tipo. Filme vencedor do Oscar na categoria Melhor Canção Original ("The Windmills of Your Mind"). Também vencedor do Globo de Ouro na mesma categoria.  

Comentários:
Steve McQueen se notabilizou em sua carreira ao interpretar homens de ação, sujeitos durões que colocavam a mão na massa sempre que fosse necessário. Nesse "The Thomas Crown Affair" houve uma mudança de paradigma nos personagens interpretados pelo ator. Aqui ele dá vida a um criminoso cerebral que organiza e planeja roubos a banco, mas não participa diretamente de sua execução. De forma muito inteligente move as peças de seu plano sem que ninguém chegue até ele diretamente ou saiba sobre sua verdadeira identidade, assim mesmo que alguém do seu grupo venha a cair ou ser preso jamais se conseguirá chegar até ele, o mentor de tudo. O filme também tem uma narrativa singular, com farto uso de multi-telas, mostrando todos os menores detalhes dos momentos mais importantes da trama. Esse tipo de estética foi muito popular entre o fim dos anos 1960 e começo da década de 1970. A sensação é muito completa, dando um panorama amplo para o espectador de tudo o que está acontecendo, mas que por outro lado também exigia um trabalho extra do diretor e sua equipe, o que contribui para que fosse gradualmente deixado de lado. Assim o filme de certa forma privilegia as tomadas mais impactantes, procurando captar todos os mínimos detalhes. Em termos de trilha sonora se encontra outro diferencial, com farto uso de jazz e canções mais sofisticadas, tudo para acompanhar a suposta finesse do personagem principal. Por fim e não menos importante, temos a tensão sexual entre Thomas Crown (Steve McQueen) e Vicki Anderson (Faye Dunaway) que o diretor Norman Jewison soube muito bem explorar, em especial na famosa cena do jogo de xadrez onde as conotações sexuais se tornam óbvias. Em suma, um momento diferente na carreira de Steve McQueen, que aqui demonstra que também poderia interpretar personagens sofisticados, finos e elegantes, sem o menor problema.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 13 de agosto de 2018

Vivendo na América

Esse filme foi produzido pelo mestre Francis Ford Coppola. Foi basicamente por essa razão que acabei assistindo. Na verdade o filme quase foi dirigido por ele, mas nas vésperas do começo das filmagens ele decidiu apenas produzir por causa de problemas de saúde. O próprio Coppola então passou a bola para o cineasta belga Dominique Deruddere que acabou fazendo um bom trabalho. Claro, se o filme tivesse sido dirigido por Coppola provavelmente teríamos outra obra prima em mãos, porém do jeito que ficou não está mal, muito pelo contrário.

É um filme nostálgico, com história passada na década de 1920. Sob os olhos de um garoto vamos acompanhando a vida de um casal de imigrantes italianos recém chegado nos Estados Unidos. A adaptação de imigrantes em uma outra cultura, outra nação, é muitas vezes o tema central do enredo, mas também há espaço para o pueril e o bucólico. O pai tem problemas com bebidas e jogatina, os demais membros da família também não escapam de problemas pessoais e familiares. Em suma, basicamente um pequeno retrato da própria sociedade. O resultado final é muito bom, valorizado pelo ótimo elenco. Só faltou mesmo, para falar a verdade, a direção do velho Coppola, mas aí já seria esperar demais.

Vivendo na América (Wait Until Spring, Bandini, Estados Unidos, Bélgica, 1989) Direção: Dominique Deruddere / Roteiro: Dominique Deruddere, baseado na novela escrita por John Fante / Elenco: Joe Mantegna, Ornella Muti, Faye Dunaway. Burt Young / Sinopse: A história de uma família de imigrantes italianos nos Estados Unidos no começo do século XX, tudo visto sob os olhos de um garoto que tenta se adaptar à nova vida.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 9 de setembro de 2016

Ciladas da Sorte

Título no Brasil: Ciladas da Sorte
Título Original: Albino Alligator
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax
Direção: Kevin Spacey
Roteiro: Christian Forte
Elenco: Matt Dillon, Faye Dunaway, Gary Sinise, William Fichtner, Viggo Mortensen, M. Emmet Walsh, Joe Mantegna
  
Sinopse:
Após cometerem crimes pela noite adentro, três ladrões são caçados pela força policial. Tentando escapar do cerco eles acabam em um modesto bar, localizado em um porão. Lá acabam fazendo cinco reféns, entre clientes e empregados do pequeno estabelecimento. O lugar é uma verdadeira arapuca, com apenas uma saída. Como eles poderiam sair vivos de um bar como aquele? Assim nasce a ideia desesperada de se utilizar um plano ao estilo "Albino Alligator", onde uma pessoa é sacrificada para atrair a atenção dos policiais, enquanto os outros fogem do cerco dos tiras.

Comentários:
Bom, que Kevin Spacey é um dos mais talentosos atores de sua geração isso praticamente todo mundo já sabe. Agora, como ele se saiu atrás das câmeras, como diretor de cinema? Quem estiver procurando por uma resposta a encontrará em apenas dois filmes (os dois únicos que ele dirigiu até hoje). Um deles é "Uma Vida Sem Limites" de 2004, uma bela homenagem do ator para com o cantor Bobby Darin. Nostálgico e com ótima trilha sonora é realmente um belo musical biográfico. Antes disso porém Spacey se aventurou na direção com esse "Albino Alligator". Aqui temos um thriller policial com toques teatrais em sua concepção que acabou funcionando muito bem. Como era de se esperar Spacey filmou pensando em seus atores. Tudo é direcionado para valorizar cada diálogo, cada detalhe de atuação. Para isso ele reuniu realmente um excelente elenco onde se destacaram os veteranos Joe Mantegna e Faye Dunaway. Outro destaque vem com o belo trabalho de Gary Sinise, que sempre teve um estilo de interpretação bem próximo do próprio Kevin Spacey. Seria o alter ego do diretor no filme? É possível. Em suma, deixamos aqui a dica desse bom filme policial dos 90s. Uma bela produção, um roteiro bem escrito e um elenco afiado marcam um filme que fez jus ao talento de Spacey e todo o seu elenco.

Pablo Aluísio.

domingo, 20 de março de 2016

Don Juan DeMarco

Título no Brasil: Don Juan DeMarco
Título Original: Don Juan DeMarco
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Jeremy Leven
Roteiro: Jeremy Leven
Elenco: Johnny Depp, Marlon Brando, Faye Dunaway
  
Sinopse:
Baseado no famoso personagem criado por Lord Byron, o filme Don Juan DeMarco conta a história de um jovem que está convencido de que é na realidade o mítico Don Juan, conquistador de centenas de corações femininos em um passado distante. Para tratar essa verdadeira obsessão ele é enviado para sessões de psicanálise no consultório do renomado Dr. Jack Mickler (Marlon Brando, soberbo). Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Trilha Sonora Original ("Have You Ever Really Loved" a "Woman" de Bryan Adams). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Música Original e Melhor Trilha Sonora Incidental. 

Comentários:
Da fase final da carreira de Marlon Brando é certamente um dos seus filmes mais cativantes. O roteiro conseguiu pegar uma estorinha relativamente simples e a partir daí se construiu um dos filmes românticos mais interessantes dos últimos tempos. Palmas para Brando, sempre excepcional e seu pupilo mais constante, Johnny Depp, que anos depois diria que faria de tudo para trabalhar ao lado de um dos atores mais icônicos de todos os tempos. O resultado desse encontro de gerações resultou um filme deliciosamente leve a romântico, onde sonho, fantasia e realidade se mesclaram com raro talento. Brando, sempre tão expansivo, resolveu trilhar o caminho oposto e se conteve para dar vida ao seu personagem o Dr. Jack Mickler, um psicanalista de Los Angeles. Esse papel lhe serviu muito bem pois o próprio Brando conhecia muito bem esse mundo. Por décadas ele fez psicanálise e como confessou em sua autobiografia era fascinado por esse tipo de profissional. Johnny Depp também caiu como uma luva na pele do jovem atormentado que está convencido que é o próprio Don Juan, preferindo viver em um mundo de fantasia do que encarar a dura realidade da vida real. Charmoso, com ótima trilha sonora, esse é um daqueles filmes que valem a pena ter em sua coleção para ver e rever sempre que possível.

Pablo Aluísio.

sábado, 24 de outubro de 2015

O Segredo

Baseado no romance escrito por John Grisham, especialista em tramas jurídicos, o filme narra a luta de um jovem advogado, Adam Hall (Chris O'Donnell), em defender seu velho avô, Sam Cayhall (Gene Hackman), das acusações de ter assassinado um negro no passado, tudo fruto de um aparente crime de ódio racial. Conhecido por ser uma pessoa racista e intolerante, Sam não parece disposto a abrir mão de suas opiniões, nem que para isso acabe pagando um preço muito caro nos tribunais, com risco até mesmo de ser condenado a pena capital. O roteiro assim explora o conflito interior que nasce em Adam, tendo que defender alguém que no fundo acredita em tudo aquilo que ele mesmo despreza. Como se pode perceber o argumento é mesmo dos mais interessantes.

Com um tema tão relevante era de se supor que o filme virasse uma pequena obra prima, mas infelizmente isso não aconteceu. O problema aqui é até fácil de encontrar. Embora conte com as presenças maravilhosas de dois veteranos talentosos, o grande Gene Hackman e a preciosa Faye Dunaway, o filme acaba afundando no quesito interpretação por causa de Chris O'Donnell. Naquela época Hollywood estava disposta a transformar o jovem ator em um astro do porte de um novo Tom Cruise. Não deu certo. Tudo o que O'Donnell conseguiu em muitos filmes foi ser apenas inexpressivo. Quando era uma produção sem importância, ao estilo pipoca de verão, isso não chegava a incomodar, mas quando começou a estragar bons roteiros como esse, a coisa toda começou a ficar irritante e constrangedora. Assim "O Segredo" acabou sendo prejudicado pela falta de talento dramático do rapaz. Se houvesse um ator melhor em seu papel tenho certeza que o filme teria se tornado uma das melhores preciosidades do cinema americano nos anos 1990. Só que isso definitivamente não aconteceu.

O Segredo (The Chamber, Estados Unidos, 1990) Direção: James Foley / Roteiro: William Goldman / Elenco: Chris O'Donnell, Gene Hackman, Faye Dunaway / Sinopse: Jovem advogado tenta livrar seu avô do corredor da morte. Ele foi condenado por racismo e outros crimes de ódio.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 19 de abril de 2013

Don Juan DeMarco

Por falar em Johnny Depp não há como esquecer de um de seus filmes mais curiosos, “Don Juan DeMarco”. Na trama ele interpreta um sujeito que está convencido que é o próprio Don Juan dos livros ultra românticos de Lord Byron. Levado ao consultório de um analista (interpretado pelo mito Marlon Brando) ele começa a contar as estórias de sua vida, o que acaba mudando os rumos e o modo de pensar do próprio psiquiatra que começa a ter arroubos de romantismo e sedução com sua companheira. Eu credito a esse “Don Juan deMarco” o título de ser um dos últimos filmes realmente bons da carreira de Marlon Brando. O ator interpreta seu personagem com doce frescor, muita suavidade e carinho, fruto obviamente da longa experiência que ele próprio teve em sua vida com esse tipo de profissional. Em sua autobiografia Brando narra várias experiências com analistas com quem se tratou por décadas. Alguns, como ele mesmo brinca, “eram mais malucos que seus próprios pacientes” mas de maneira em geral o ator prezava por esse tipo de tratamento.
   
O primeiro analista que Brando procurou foi ainda na década de 50. Ele estava esgotado emocionalmente e teve uma crise nervosa. Aconselhado por um amigo entrou no ciclo de análises que jamais abandonou, nem mesmo sem seus últimos dias. A parceria com o ator Johnny Depp também chama a atenção. Brando se afeiçoou ao jovem ator e viu nele um tipo de postura ousada e independente que o fez lembrar de si próprio no começo da carreira. Johnny era inclusive um dos poucos profissionais que eram constantemente convidados a visitar a mansão do ator situada em uma colina escondida nos arredores de Los Angeles. Brando até mesmo aceitou participar de outro filme ao lado de Depp, um drama sobre as duras condições em que viviam índios pobres nos EUA. Já aqui em “Don Juan DeMarco” não há nada parecido. O filme, apesar de bem dirigido e atuado, não passa de um agradável passatempo. Com trilha sonora de sucesso, puxada pela canção de Bryan Adams (o canadense de baladas românticas e pegajosas) e muito romantismo “Don Juan de Marco” é uma boa pedida para se assistir a dois. Um filme que no final das contas cumpriu bem seu papel.

Don Juan DeMarco (Idem, Estados Unidos, 1994) Direção: Jeremy Leven / Roteiro: Jeremy Leven inspirado no personagem Don Juan de Lord Byron / Elenco: Marlon Brando, Johnny Depp, Faye Dunaway / Sinopse: Analista recebe um curioso paciente em seu consultório. Um jovem que está plenamente convencido que é o próprio Don Juan dos livros românticos.

Pablo Aluísio.

sábado, 17 de março de 2012

Barfly

"Barfly" (literalmente "mosca de bar") foi baseado nos escritos do autor maldito Charles Bukowski. Seu foco se concentra nos chamados "losers" da sociedade americana, os pobres, os marginalizados, os alcoólatras, as prostitutas e os moradores de rua. Ele própria definiu Barfly como uma crônica de muitas de suas noites de bebedeiras na juventude. Aqui Mickey Rourke encarna o próprio alter ego de Bukowski em uma caracterização brilhante que injustamente não foi indicada ao Oscar! Ele se despe de qualquer inibição e surge em cena barbado, gordo, decadente, bêbado. Contracenando com ele a grande atriz Faye Dunaway em delicada atuação. O filme tem um clima de melancolia e falta de esperanças que incomoda mas ao mesmo tempo consegue criar lirismo e afeição do espectador com os personagens, por mais complicados que eles sejam. 

Mickey Rourke para melhor atuar passou a frequentar o submundo de Los Angeles bem antes do começo das filmagens. Também procurou conhecer o autor. Em entrevista Mickey explicou que teve um certo receio em encontrar-se pessoalmente com Bukowski pois podia não ir com sua cara e isso prejudicaria sua atuação e o filme em si. Mas depois ponderou e decidiu que seria melhor o encontrar cara a cara. Depois de apresentações formais Rourke então o chamou para tomar todas num boteco perto do set de filmagens e assim acabaram se aproximando. Não demorou para que uma simpatia mútua surgisse entre eles. O filme foi dirigido pelo mestre Barbet Schroeder que já havia mostrado seu grande talento em vários filmes de grande sensibilidade emocional. Sua direção é concisa mas marcante. "Barfly" é uma produção indispensável para quem admira o trabalho de Mickey Rourke, um filme que é uma das maiores obras primas de sua filmografia. Imperdível.  

Barfly (Barfly, Estados Unidos, 1987) Direção: Barbet Schroeder / Roteiro: Charles Bukowski / Elenco: Mickey Rourke, Faye Dunaway, Alice Krige, Jack Nance, J.C. Quinn / Sinopse: Henry Chinaski (Mickey Rourke) é um alcoólatra que passeia pela noite de Los Angeles frequentando os lugares mais obscuros do submundo da cidade. Lá conhece e se apaixona por Wanda Wilcox ( Faye Dunaway) que tem um estilo de vida que se parece demais com seu próprio jeito de ser.  

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 17 de maio de 2007

Mamãezinha Querida

Título no Brasil: Mamãezinha Querida
Título Original: Mommie Dearest
Ano de Produção: 1981
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Frank Perry
Roteiro: Robert Getchell, Tracy Hotchner, baseados na obra de Christina Crawford 
Elenco: Faye Dunaway, Diana Scarwid Christina, Steve Forrest, Howard Da Silva

Sinopse:
O filme narra as lembranças de Christina Crawford sobre sua mãe, a estrela de Hollywood Joan Crawford. Cultivando em sua imagem pública a figura de uma mulher bondosa e caridosa, ela tinha um lado secreto dentro de casa, se revelando uma pessoa completamente desequilibrada, dada a acessos de fúria e raiva, que descontava suas frustrações pessoais e profissionais em seus dois filhos adotivos. Um cruel e triste retrato de uma estrela decadente que não se importava com seu comportamento violento e sádico para com seus filhos.

Comentários:
Joan Crawford foi uma das grandes estrelas de Hollywood durante os anos clássicos do cinema americano. Para seus fãs era um símbolo do que havia de mais charmoso do star system dos grandes estúdios. Na vida privada porém, de acordo com as memórias de sua filha Christina Crawford, era uma triste figura, violenta, fisicamente e mentalmente abusiva, descontrolada e irascível. Um dos destaques dessa produção é a ótima interpretação de Faye Dunaway no papel de Joan Crawford. É triste porque a realidade da vida dessa atriz é devastadora (a mulher era uma sádica louca). Como gosto de biografias (e mais ainda de atores e atrizes de cinema) o filme me agradou bastante mas percebo que atualmente é uma obra complicada de se achar. Nunca mais vi sendo exibido na TV e não tenho conhecimento se saiu alguma vez em DVD (acredito que permaneça inédito ainda nos dias atuais). Certamente não é uma história bonita de se ver, já que o clima opressor e insano acaba dando nos nervos do espectador, mas no saldo geral é um ótimo filme que inclusive continua mais atual do que nunca haja visto o crescente aumento do número de casos envolvendo violência doméstica (tanto física como psicológica). Um filme essencial para entender a mente perturbada de certos mitos do cinema que na tela se mostram divinos mas que na vida real são seres muitas vezes bem desprezíveis. 

Pablo Aluísio.