terça-feira, 31 de maio de 2016

Errol Flynn - The Sea Hawk

Errol Flynn tinha todos os defeitos do mundo que você possa imaginar. Era canalha, frívolo, mentiroso, crápula, viciado em drogas, bebum, até espião nazista durante a II Guerra Mundial. Um lixo de pessoa. Agora, como ator ele teve muita sorte na carreira. Flynn foi o maior astro da Warner Bros em um tempo em que esse estúdio resolveu apostar alto em grandes superproduções e filmes de aventura. Ao lado de Michael Curtiz, grande diretor da era de ouro do cinema americano, Flynn estrelou uma sucessão de grandes filmes e enormes sucessos de bilheteria, até porque ele era o tipo ideal para esse tipo de produção.

Jovem, atlético, Flynn era um aventureiro na vida real. Sua desenvoltura em cenas de barcos não era gratuita. Ele viajou da Austrália aos Estados Unidos em um velho veleiro, tal como seus personagens de seus filmes como em "O Gavião do Mar", um de seus grandes hits de bilheteria. Curiosamente ao mesmo tempo em que ia fazendo uma extremamente bem sucedida parceria com o diretor Curtiz, também ia tecendo sua armadilha de canalhice em relação ao cineasta. Enquanto posava de amigo de Curtiz nos estúdios, nos bastidores ia seduzindo a esposa dele. A tal ponto que ela se apaixonou por Flynn, largou Curtiz e foi viver ao seu lado por um breve tempo, já que Flynn não era homem de se amarrar a mulher nenhuma. Em pouco tempo a dispensou também. Era da natureza dele, ser um canalha, fazer o quê?

No fim da vida Errol Flynn se tornou alcoólatra e uma sombra do galã que havia sido no passado. Começou a elogiar publicamente ditaduras como a de Cuba (ele nunca escondeu sua preferência por regimes autoritários) e chegou até mesmo a ir na ilha caribenha para rodar um filme trash com atores locais. Tudo mera desculpa para encher a cara nas piores bodegas da Ilha de Fidel Castro. Esse por sua vez usou o que restou da fama de Flynn para promover seu sistema de governo que segundo a propaganda socialista era o melhor do mundo. Uma piada sem graça que nem o próprio Flynn acreditava. Depois de muitos excessos o grande aventureiro dos mares morreu precocemente. Ele havia cometido todos os excessos possíveis. Foi um sujeito que não admitia nenhum limite em sua vida. Pagou o preço devido.

Pablo Aluísio.

Enterrem Meu Coração na Curva do Rio

Título no Brasil: Enterrem Meu Coração na Curva do Rio
Título Original: Bury My Heart at Wounded Knee
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: HBO Films
Direção: Yves Simoneau
Roteiro: Daniel Giat, baseado na obra de Dee Brown
Elenco: August Schellenberg, Anna Paquin, Chevez Ezaneh, Aidan Quinn

Sinopse: 
Após o massacre da sétima cavalaria pelas tribos comandadas por Touro Sentado (August Schellenberg) o governo americano consegue finalmente celebrar um tratado de paz com a nação Sioux. Os guerreiros são desarmados e povo indígena enviado para reservas no Arizona, Colorado e outros estados do oeste. Nesse processo também começa a mudança cultural entre os índios. Siouxs como Ohiyesa (Chevez Ezaneh) ganham nomes cristãos e são enviados para estudar nas grandes cidades do leste. Era o começo do fim da identidade cultural do nativo americano.

Comentários:
Baseado em fatos reais esse filme foi inspirado no best seller escrito por Dee Brown que desde seu lançamento já vendeu mais de quatro milhões de cópias. A obra pertence a um grande movimento de revisionismo que foi muito forte dentro do meio acadêmico americano durante os anos 1970. Basicamente o livro mostrava o processo de destruição da cultura nativa dos povos indígenas americanos, em especial os Sioux, povo guerreiro e orgulhoso que foi de fato o último a se render ao exército da União no século XIX. Subjugados, os últimos guerreiros e suas famílias foram enviados para distantes e secas reservas em regiões onde não havia caça e nem condição de se viver da terra. Chefes tribais como o glorioso Touro Sentado que venceu as tropas do General Custer foram humilhados, vivendo sob vigilância do governo americano que os colocou numa situação de viver às custas das rações distribuídas pelos agentes federais.

Todo esse clima de tensão acabou favorecendo ao renascimento de um novo sentimento contra o homem branco, o que gerou mais mortes e destruição, culminando com o desaparecimento dos últimos grandes chefes tribais. Esse filme da HBO tenta passar parte da riqueza da obra original mas se concentra em apenas duas linhas narrativas. Na primeira acompanhamos o fim da vida de Touro Sentado. As humilhações que lhe foram impostas e a complicada convivência com os brancos, sempre rompendo seus tratados anteriores em busca de mais subjugação por parte dos nativos. Já na segunda linha narrativa o roteiro explora a história de um jovem Sioux que, levado para o centro da civilização branca, troca de nome e se forma em Medicina. Sua crise de identidade porém logo se impõe e ele tenta superar essa complicada e delicada situação. É um ótimo filme, muito consciente do ponto de vista histórico e social, que certamente agradará aos que gostam de conhecer mais sobre a história do velho oeste americano.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Mar de Fogo

Para se fazer um grande épico é necessário mais do que uma bela fotografia e cenas de impacto passadas em lugares exóticos e distantes. É justamente isso que prova "Mar de Fogo", produção de 2004. A história é baseada em fatos reais. Em 1890 um rico e poderoso líder árabe ofereceu um grande prêmio ao vencedor de uma corrida de cavalos de três mil milhas pelas regiões mais hostis do deserto da Arábia Saudita. Entre os concorrentes um cowboy americano, Frank T. Hopkins (Viggo Mortensen), se destacou por sua audácia, coragem e fibra de campeão. Cavalgando um animal da raça Mustang chamado Hidalgo ele entrou para a história por participar dessa competição. Sua proeza ficou tão conhecida dentro dos Estados Unidos que ele e seu cavalo viraram atração fixa no famoso show de Buffalo Bill no Oeste Selvagem.

"Mar de Fogo" foi dirigido pelo jovem cineasta texano Joe Johnston de "Jurassic Park III" e "Jumanji". Considerado um protegido de Steven Spielberg sua intenção se mostra bem nítida desde o começo do filme. Seu objetivo é alcançar a mesma classe e opulência do grande clássico "Lawrence da Arábia", algo pra lá de pretensioso. O problema é que tudo ficou apenas na intenção. Nem a presença do grande Omar Sharif (um dos atores preferidos do genial David Lean) melhora esse aspecto. Apesar da excelente produção, da bonita fotografia (temos que admitir) o filme não consegue convencer ou agradar. Muitas vezes na ânsia de realizar grandes tomadas abertas no deserto tudo o que o diretor consegue no final das contas é passar tédio para a película. Esse aliás é um dos grandes problemas de "Hidalgo" pois seu ritmo se torna irregular, ora acelerado demais, ora completamente parado, ficando por isso muitas vezes chato. Não foi um filme que me agradou, apesar das expectativas e boas intenções que rondaram sua chegada aos cinemas. Pode ser dispensado sem maiores problemas.

 
Mar de Fogo (Hidalgo, EUA, 2004) Direção: Joe Johnston / Roteiro: John Fusco / Elenco: Viggo Mortensen, Omar Sharif, Zuleikha Robinson / Sinopse: Cowboy americano (Mortensen) participa de uma corrida de cavalos no meio do deserto da Arábia Saudita. Filme vencedor do Western Writers of America na categoria de Melhor Roteiro.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Inferno no Faroeste

Título no Brasil: Inferno no Faroeste
Título Original: Dead in Tombstone
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal
Direção: Roel Reiné
Roteiro: Brendan Cowles, Shane Kuhn
Elenco: Danny Trejo, Mickey Rourke, Anthony Michael Hall

Sinopse: 
Após libertar seu meio irmão da forca o bandoleiro Guerrero (Danny Trejo) e seu grupo de bandidos resolvem ir até uma cidadezinha no Colorado para roubar um banco que está abarrotado de ouro das minas da região. Para sua surpresa ele é traído justamente por seu irmão que acabou de salvar da morte certa. Executado a tiros de forma covarde por seus antigos capangas ele é enviado para o inferno por causa de seus inúmeros crimes cometidos ao longo de sua vida. Torturado a ferro e fogo nas profundezas infernais resolve fazer um pacto com o próprio Lúcifer (Mickey Rourke): voltar ao mundo dos vivos por apenas 24 horas para matar um a um seus comparsas em troca de sua alma eterna.

Comentários:
Faroeste com toques sobrenaturais que certamente agradará a alguns, embora também desagradará aos mais tradicionalistas. O enfoque é de realismo fantástico onde um bandido assassinado volta à vida para acertar contas com quem lhe matou. O roteiro está recheado de clichês mas duas coisas salvam o filme da mediocridade. A primeira é a presença de Mickey Rourke como Lúcifer em pessoa. A dublagem da versão nacional estragou parte de sua interpretação, atrapalhando o bom trabalho do ator (por isso prefira a versão original, legendada). O outro ponto positivo é a tentativa de transformar Danny Trejo em astro de seus próprios filmes. Quem o conhece de "Machete" e "Sons of Anarchy" vai gostar de vê-lo aqui no velho oeste dando tiros, recriando de certo modo os antigos personagens que um dia foram interpretados por Charles Bronson (o estilo de ambos é bem parecido). Por fim os roteiristas também tentaram pegar carona com antigos clássicos contando a suposta história do surgimento do nome da cidade de Tombstone mas sem grande inspiração. No geral o que temos aqui é um western de produção digna mas nada espetacular, com roteiro derivativo compensado por um elenco de bons atores. Foi lançado diretamente em DVD e vale a pena ser ao menos conhecido.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

John Lennon - Imagine

Certa vez Paul McCartney disse que John Lennon era um gênio, mas não um santo. Ele tinha toda a razão do mundo. John Lennon sabia como poucos escrever e compor grandes músicas, realmente maravilhosas, mas passava longe de ser uma alma pura, santificada. Em muitos momentos ele poderia soar completamente hipócrita. Veja o caso de "Imagine" considerada por muitos como a sua grande música na carreira após o fim dos Beatles. Em frases muito bem escritas John propõe um mundo sem fronteiras, sem propriedades e até mesmo sem religiões. Em determinado trecho John canta a frase "Imagine não existir posses, sem necessidade de ganância, Imagine todas as pessoas compartilhando...". Ok, nada de errado, tudo muito bonito a não ser pelo fato de que Lennon era proprietário de fazendas enormes nos Estados Unidos com centenas de milhares de cabeças de gado, onde o acesso de pessoas estranhas era completamente proibido. E o que dizer de seus vários apartamentos de luxo na parte mais cara de Nova Iorque? Não há nenhum sinal de que ele um dia os tenha compartilhado com ninguém, a não ser Yoko Ono e seu filho.

"Imagine não existir nenhuma religião", afirma a letra em outro trecho. Ora, John foi fiel seguidor do Hinduísmo, depois se aproximou bastante do Budismo a ponto de se auto declarar Zen Budista em uma de suas últimas entrevistas. Suas frases contra o cristianismo também lhe trouxe muitos problemas, demonstrando que o próprio John Lennon tinha alguns problemas com as religiões dos outros. Assim soa mais do que uma hipocrisia em falar algo nesse sentido e ao mesmo tempo usar do sentimento religioso das demais pessoas para atacá-las de alguma maneira. Além de contraditório é certamente uma grande hipocrisia. Mesmo assim a canção "Imagine" ainda é um belo momento de sua carreira. Embora em muitos aspectos ele fosse realmente um grande hipócrita o fato é que John continuava muito talentoso para compor letras e melodias maravilhosas. Como disse Paul ele poderia não ser um santo (e não era mesmo), mas pelo menos continuava a ser um gênio musical.

Imagine (John Lennon) Album: Imagine / Data de gravação: Fevereiro de 1971 / Local de gravação: Record Plant Studios, Nova Iorque / Produtores: John Lennon, Yoko Ono, Phil Spector / Músicos: John Lennon (vocal e piano), Phil Spector (Backing Vocals), Andy Davis (guitarra), Ted Turner (guitarra), Jim Keltner (bateria), George Harrison (guitarra), Klaus Voorman (baixo).

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - Elvis in Person at the International Hotel - Parte 6

Houve um claro divisor de águas na carreira de Elvis a partir do momento em que ele retornou aos shows ao vivo em 1969. Durante toda a década de 60 Elvis havia se enfurnado dentro do estúdio produzindo um material que lhe era imposto pela gravadora RCA Victor e demais companhias de cinema. Esses álbuns produzidos do tipo Made in Hollywood tinham pouca coisa a ver com o que acontecia lá fora, no mundo real. A maioria das músicas só faziam sentido dentro do contexto das cenas dos filmes. Os arranjos tinham parado no tempo e qualquer polêmica envolvendo as letras era sumariamente eliminada pelos produtores. Elvis vivia em uma espécie de bolha. Não é de se admirar que conforme o tempo foi passando seus discos deixaram de vender bem. Pois bem, quando voltou aos concertos ele precisou se atualizar, cantar um repertório que criasse uma ligação com o gosto popular novamente. Não haveria mais câmeras e nem cenas enlatadas. Elvis tinha que encarar seu público face a face e fazer com que eles voltassem a gostar dele. Por isso o repertório mudou tanto. Elvis tinha que catar os sucessos das paradas para agradar as pessoas que tinham comprado um ingresso para vê-lo ao vivo.

"Words" do Bee Gees vai justamente nessa direção. Elvis tinha pouca coisa a ver com musicalidade desse grupo que era muito bom e tudo, mas que não seguia uma linha que pudesse ser associada ao trabalho que ele próprio havia realizado em sua carreira artística em todos aqueles anos. Então por que Elvis resolveu apresentar sua própria versão desse hit do grupo Bee Gees? Simplesmente porque era sucesso nas rádios, tocando o tempo todo. Elvis queria acima de tudo demonstrar que estava novamente se religando ao que estava no topo do gosto popular, mesmo que ele próprio não fosse lá muito fã desse grupo. Em minha concepção penso que a versão de Elvis para "Words" ficou muito boa. Tal como outras canções desse álbum, Elvis também não a gravou oficialmente em estúdio. É uma versão rápida, não muito bem trabalhada, mas que conta com uma boa performance de Elvis, além dos elogios sempre merecidos para a banda de apoio, com ênfase para os tecladistas (Glen Hardin, em especial). Além da boa sonoridade "Words" também é uma raridade já que em pouco tempo Elvis a descartaria do repertório de seus concertos. Pelo visto o cantor não se empolgou muito com a canção como um todo. Ossos do ofício.

Words (Robin Gibb / Barry Gibb / Maurice Gibb) / Álbum: Elvis in Person at the International Hotel, Las Vegas, Nevada / Data de Gravação: 25 de agosto de 1969 / Local de Gravação: Las Vegas, Nevada / Produtor: Felton Jarvis, Glen D. Hardin, Glenn Spreen, Bergen White, Elvis Presley / Músicos: Elvis Presley (vocais, violão), James Burton (guitarra), Jerry Scheff (baixo), John Wilkinson (guitarra), Bob Lanning (bateria), Ronnie Tutt (bateria), Charlie Hodge (violão), Glen Hardin (piano), Larry Muhoberac (Piano, órgão), The Imperials (vocais), The Sweet Inspirations (vocais), Millie Kirkham (vocais), Bobby Morris e Orquestra.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 30 de maio de 2016

Elvis Presley - Elvis in Person at the International Hotel - Parte 5

O que aconteceu com "Blue Suede Shoes" acabou acontecendo também com "Hound Dog". Aliás algo semelhante foi ocorrendo com todos os rocks clássicos de Elvis dos anos 50, ou seja, ele foi perdendo o interesse nessas músicas conforme os anos foram passando. Em determinado momento as execuções de Presley foram ficando medíocres, uma mera sombra de um passado glorioso. Nessa primeira temporada de 1969 o cantor ainda dava energia nas apresentações dessas canções, mas depois realmente a perda de seu interesse foi ficando óbvia. Uma pena porque "Hound Dog" foi um símbolo de uma era. Basta lembrar de suas históricas apresentações na TV americana nos anos 50 para entender bem isso.

Claro que em Las Vegas "Hound Dog" não poderia mais surgir no palco como foi gravada nos anos 50. O rock puro, com apenas quatro instrumentos, foi modificado. Havia uma orquestra inteira com Elvis no palco e por essa razão um arranjo com muitos metais foi escrito. Além disso a guitarra foi colocada em primeiro plano, com James Burton em destaque, algo que não existia na versão original com Scotty Moore. É interessante que esse rock de Leiber e Stoller foi também um dos que mais receberam arranjos diferentes ao longo do tempo. Nos anos 70 iríamos ouvir nos concertos de Elvis além daquelas mini versões irrisórias - que duravam menos de um minuto - outras bem diferenciadas, com um certo molejo, outras vezes um pouquinho jazz e até mesmo - pasmem! - uma versão com ritmo de discoteca! Não sei como essa última foi feita pois Elvis simplesmente odiava discoteca. Enfim, muito provavelmente ele estava tão desinteressado por "Hound Dog" que simplesmente deixou pra lá, sem ligar para o que estavam fazendo com ela.

Hound Dog (Leiber / Stoller) / Álbum: Elvis in Person at the International Hotel, Las Vegas, Nevada / Data de Gravação: 24 de agosto de 1969 / Local de Gravação: Las Vegas, Nevada / Produtor: Felton Jarvis, Glen D. Hardin, Glenn Spreen, Bergen White, Elvis Presley / Músicos: Elvis Presley (vocais, violão), James Burton (guitarra), Jerry Scheff (baixo), John Wilkinson (guitarra), Bob Lanning (bateria), Ronnie Tutt (bateria), Charlie Hodge (violão), Glen Hardin (piano), Larry Muhoberac (Piano, órgão), The Imperials (vocais), The Sweet Inspirations (vocais), Millie Kirkham (vocais), Bobby Morris e Orquestra.

Pablo Aluísio.

Yul Brynner

Poucos sabem, mas o ator Yul Brynner era na verdade russo de nascimento. Ele nasceu em distantes ilhas localizadas na costa de Vladivostok (no extremo oriente do país) em julho de 1920. Sua família era tradicionalmente nômade, o que fez com que Yul tenha morado em vários países até a adolescência. Com poucos anos de vida seus pais resolveram ir embora da Rússia, passando alguns anos na China. Lá Brynner aprenderia a língua local (no final da vida ele falaria fluentemente russo, mandarim, francês e inglês). Foi um período bastante rico em termos culturais para o jovem russo Yuli Borisovich (seu nome real).

Depois de cinco anos nova mudança, dessa vez para a França. Em Paris Yuli se interessou no mundo das artes. Ele começou como artista de circo, músico, pintor e depois encontrou um bom emprego como radialista numa estação francesa que passava um programa apenas com músicas russas e eslavas. Era uma programação voltada exclusivamente para imigrantes russos. Sua boa voz e postura o fez ser convidado para fazer o programa da Voz da América em russo na cidade de Nova Iorque. Ir para os Estados Unidos lhe pareceu uma boa ideia e assim ele resolveu embarcar nessa aventura. Mal sabia que uma nova vida lhe esperava na América.

Trabalhando como locutor ele tinha muito tempo livre que aproveitou para aprender uma nova profissão: a de ator de teatro. Nova Iorque tinha um cenário teatral muito rico, principalmente na Broadway, e Yuli percebeu que poderia vencer nesse meio. Trocou o nome para Yul Brynner e foi à luta em busca de papéis na cidade. Tirou a sorte grande ao estrelar a peça "O Rei e Eu", grande sucesso na Broadway. Como artista nato convenceu plenamente e arrancou elogios por sua atuação como o Rei Mongkut de Sião.

A partir daí as portas de Hollywood lhe foram abertas. Embora tenha atuado em algumas séries e teleteatros, sua estreia nas telas de cinema foi considerada arrebatadora. Uma versão de "O Rei e Eu", dirigida por Walter Lang, com Deborah Kerr no elenco, se tornou também um grande sucesso de público e crítica. O filme foi premiado em cinco categorias no Oscar, inclusive a de Melhor Ator para Brynner, o que o transformou em astro precocemente. Mal atuava em seu primeiro filme e já se firmara entre os grandes nomes da capital do cinema americano.

Por causa de seu tipo físico, bem oriental e exótico, além do domínio de várias línguas, o astro viu sua carreira decolar, principalmente estrelando épicos históricos e bíblicos. Interpretou o grande faraó Ramsés II em "Os Dez Mandamentos", o General Sergei Pavlovich Bounine em "Anastácia, A Princesa Esquecida" e Dmitri Karamazov em "Os Irmãos Karamazov". Como se isso não bastasse brilhou ainda como o Rei Salomão no clássico "Salomão e a Rainha de Sabá". Hollywood parecia aos seus pés nessa fase de grande sucesso comercial e artístico.

Seu grande sucesso de bilheteria porém viria em um faroeste. Interpretando o pistoleiro vestido de negro Chris Larabee Adams em "Sete Homens e um Destino", Brynner viu seu cachê ficar entre os 10 mais caros de Hollywood. Depois vieram novos filmes, de gêneros bem variados, passando por aventuras de capa e espada, dramas sensíveis e até mesmo uma estranha ficção onde interpretava um cowboy robô chamada "Westworld - Onde Ninguém Tem Alma". No total atuou em mais de 45 filmes ao longo da carreira.

Fumante inveterado acabou contraindo um agressivo câncer de pulmão. Para conscientizar a geração mais jovem resolveu gravar um depoimento nos últimos dias de vida em que declamava o seguinte texto: "Quando vocês estiverem assistindo a essa fita já terei partido desse mundo. Poderia ter vivido com saúde ainda por muito anos pela frente não fosse o maldito vício que tive ao longo da minha vida pelo fumo. O cigarro me trouxe um câncer do qual não conseguirei sobreviver. Por isso aconselho aos mais jovens que nunca fumem. Aos que fumam aconselho que parem imediatamente. Digo isso porque eu não desejaria ao meu pior inimigo as dores que estou sofrendo. Não quero que ninguém passe por aquilo que estou passando". Ele morreria dez dias depois de gravar esse depoimento, em outubro de 1985, aos 65 anos de idade.

Pablo Aluísio.

Sangue de Heróis (1948)

Sangue de Heróis (Fort Apache, EUA, 1948) é considerado um dos grandes filmes de cavalaria da história do cinema americano. Estrelado pelos astros John Wayne e Henry Fonda e dirigido pelo mestre John Ford, a fita é considerada um patrimônio cultural dos Estados Unidos pelo congresso. Aqui vão algumas curiosidades sobre esse clássico absoluto do western:

1. John Ford não se deu bem com a estrelinha Shirley Temple. Na época em que o filme foi realizado ela já tinha 19 anos de idade. Acontece que Temple foi a maior estrela mirim da história de Hollywood. Conforme foi ficando mais velha seus filmes foram fazendo menos sucesso a cada ano. Ela foi imposta pelo estúdio a Ford que se aborreceu com isso.

2. John Ford usou descendentes nativos Navajos para interpretar Apaches. Em sua visão esses indígenas eram mais profissionais para se trabalhar. Ele também descartou completamente a possibilidade de usar figurantes brancos pintados como índios. Para Ford isso era absurdo e não parecia convincente nas telas. Mais de 200 Navajos foram contratados para trabalharem como guerreiros e outro 100 para atuarem como crianças e mulheres da tribo.

3. Henry Fonda trabalhou nove vezes ao lado de John Ford durante sua carreira. Apesar disso jamais se acostumou com a maneira truculenta do diretor que muitas vezes usava de linguagem rude para dirigir seus atores. Isso se mostrava adequado para John Wayne que costumava responder de forma igualmente rude às provocações e xingamentos de Ford, mas para Fonda, que tinha uma educação mais elegante e refinada, tudo gerava apenas mal estar. Segundo algumas testemunhas Fonda chegava a tecer lágrimas após mais uma sessão de desaforos de Ford durante as filmagens.

4. John Ford mandou que o roteiro fosse o mais fiel possível aos fatos históricos. O enredo girava em torno dos erros cometidos pelo General Custer que levou ao massacre da Sétima Cavalaria do exército americano que estava sob seu comando. Inicialmente Ford queria filmar tudo na mesma região onde os fatos aconteceram - um lugar conhecido como Little Big Horn, mas depois foi convencido pelo estúdio que essa não seria uma boa ideia.

5. O forte construído para o filme ficou de pé por anos. Ele foi inclusive reutilizado para a série de TV "As Aventuras de Rin Tin Tin". Localizado na cidade de Simi Valley na Califórnia o local atrai turistas até os dias de hoje.

6. John Ford proibia a presença de filhos e esposas dos atores durante as filmagens, mas acabou deixando John Wayne trazer seu filho Michael Wayne para o set de filmagens no Monument Valley. Anos depois Michael lembraria como era duro trabalhar naquele lugar onde só havia deserto. Para ele não havia outra opção no lugar a não ser o trabalho e isso deixava Ford muito satisfeito.

Pablo Aluísio.

domingo, 29 de maio de 2016

Os Anjos Caídos

Em todas as religiões antigas existiram deuses do mal. No Zoroastrismo, por exemplo, havia um deus representando o bem e o outro o mal absoluto. O antagonista e o protagonista. Dentro da religião cristã não é o que acontece. Embora muitos pensem que a figura de Satanás ou Lúcifer ocupe esse papel isso não é absolutamente uma verdade. O diabo não é um deus e tampouco está na mesma esfera do que o Deus único do cristianismo e do judaísmo. Na verdade Satanás não é um Deus, um criador, mas sim uma criatura, um anjo que caiu em desgraça.

Tanto no velho testamento como no livro do Apocalipse essa figura do mal é associada a um anjo, um anjo caído. Apenas isso. E o que seria um anjo caído? Afirma a teologia cristã que um grupo de anjos se rebelou contra Deus. Liderados pelo arrogante e vaidoso Lúcifer (o anjo da luz) eles foram banidos do céu para todo o sempre. Caíram nas fossas infernais e lá permanecerão pela eternidade sem fim. Assim Lúcifer e seus demônios não podem competir com o poder e a glória de Deus pois esse é o grande criador do universo enquanto as legiões do inferno são formadas por criaturas imperfeitas, pecadoras e imundas, os anjos que caíram do céu.

O Velho testamento não fala muito sobre Satã. Ele é mencionado poucas vezes e a tradição o associou à serpente que deu a maçã proibida a Eva no Gênesis. Depois disso ele é citado em passagens esporádicas, geralmente assumindo a função de tentador, um ser que tem como objetivo levar o homem a perder a salvação. Como todo anjo esse não tem o poder de dominar a humanidade, mas apenas tentar os humanos. Outro aspecto interessante é que depois do velho testamento há uma verdadeira explosão de menções ao nome de Satã no novo testamento, inclusive envolvidos em possessões demoníacas.

Jesus não perde muito tempo explicando ou dialogando com esses anjos caídos. Em um trecho apenas afirma que o diabo teria sido homicida desde o começo, desde o início dos tempos. Também qualifica esses seres de imundos e outras denominações equivalentes. Quando Jesus nas escrituras encontra um anjo caído possuindo alguma pessoa ele simplesmente a expulsa em nome de Deus. Assim foi com Maria Madalena que se tornaria a partir daí uma das mais fiéis seguidores de Jesus Cristo em sua caminhada no meio da humanidade. Por fim, no Apocalipse, o destino desses anjos é traçado. Eles serão varridos do universo pelo poder de Deus. A justiça divina se firmará entre todos os que forem salvos pela glória de Deus e seu divino amor irá reger todas as coisas para todo o sempre, amém.

Pablo Aluísio.

Angel Heart

Um dos melhores filmes de terror e suspense que já assisti em minha vida também foi um dos mais subestimados. Estou me referindo a "Angel Heart" que no Brasil recebeu o título de "Coração Satânico". Lançado em 1987, com direção do talentoso Alan Parker, o filme tinha um roteiro maravilhoso escrito baseado a partir do ótimo romance gótico de William Hjortsberg. A velha batalha entre o bem e o mal, entre Deus e Satã, ganhava ares mais mundanos, mais próximos de cada um.

No enredo um detetive particular chamado Harry Angel (interpretado por Mickey Rourke no auge de sua carreira) era contratado pelo misterioso Louis Cyphre (Robert De Niro) para encontrar um antigo cantor de jazz conhecido como Johnny Favorite. No passado esse tal de Favorite teria ficado em dívida com o senhor Louis, que agora surgia para cobrar sua parte no trato. Angel sai em busca do sujeito, passando pelos lugares mais sórdidos e obscuros de uma New Orleans cheia de magia negra, feitiços e vodu. O sangue vermelho parece lhe acompanhar em toda parte e curiosamente o mal parece estar sempre presente em seu caminho de investigação.

Na época de lançamento do filme o ator Mickey Rourke era considerado o legítimo sucessor de Marlon Brando e James Dean. Um dos últimos a se formar no Actors Studio de Nova Iorque (a mesma escola de interpretação dos dois mitos citados), tudo parecia caminhar para transformar Rourke em um dos grandes astros rebeldes do cinema. Infelizmente não foi bem isso que aconteceu.

De qualquer maneira o filme "Angel Heart" (no original "Coração de Anjo") tinha outro grande ator em cena. Era Robert De Niro. Antes de afundar em várias comédias constrangedoras, De Niro brilhava em um papel bem diferente. Um sujeito que na fachada parecia ser muito fino e elegante, quase um lord. No fundo ele seria a personificação do puro mal diabólico. O roteiro já deixava pistas sobre isso durante todo o desenrolar da trama - basta ver que seu nome, Louis Cyphre, lembra bastante o nome de Lúcifer, o anjo caído. Por isso a grande lição que esse excelente filme deixava era mais simples que se pensava: Nunca faça promessas com o diabo, um dia ele irá certamente cobrar sua parte.

Pablo Aluísio.

Raiders of the Lost Ark

No começo da década de 80 o diretor Steven Spielberg quase foi contratado para assumir a franquia de James Bond, o agente 007. Infelizmente as negociações não deram certo. Frustrado, Spielberg viajou em férias para as Bahamas ao lado do amigo e também diretor George Lucas. Nessas férias Lucas mostrou a Spielberg um roteiro que havia acabado de escrever. Era uma aventura ao velho estilo, que lembrava até mesmo os antigos seriados cinematográficos do passado. Algo como Flash Gordon, Buck Rogers, Tarzan, mas em um contexto diferente. Um professor respeitado, arqueólogo, que se envolvia nas maiores aventuras na busca por artefatos históricos cobiçados.

Seu nome? Indiana Jones. Desde o começo Spielberg adorou a ideia. Ele sabia que havia ali potencial para mais uma franquia de grande sucesso comercial. E foi justamente o que aconteceu. Com filmagens programadas em várias países tudo estava certo a não ser um problema crucial: quem iria interpretar Indiana? No começo tanto Spielberg como Lucas queriam o ator Tom Selleck para o papel, mas esse estava comprometido com a série de TV Magnum, grande sucesso de audiência na época. Assim eles foram atrás de outro ator para estrelar o filme.

A solução acabou sendo mais simples do que se imaginava. Lucas sugeriu a Spielberg que o papel de Indiana Jones fosse entregue a Harrison Ford, que já tinha se dado muito bem como o mercenário das estrelas Han Solo em "Star Wars". Acertos feitos, começaram as filmagens. "Os Caçadores da Arca Perdida" logo se tornou um fenômeno de bilheteria. Era um filme de aventura com claro sabor nostálgico, mas com uma roupagem mais adequada aos novos tempos. Com ótimo timing o filme era realmente perfeito, tanto tecnicamente como em termos de produção e roteiro.

Por falar em roteiro a estória criada por George Lucas era realmente um primor de inventividade. Nela um grupo de pesquisadores nazistas saíam em busca da Arca da Aliança, o artefato citado na Bíblia. A lenda e a tradição afirmavam que aquele que possuísse a Arca se tornava invencível no campo de batalha. Exatamente o que almejava Hitler e seus homens. Curiosamente havia um fundo de verdade no enredo pois era bem conhecido o misticismo e a atração que os nazistas tinham nesse tipo de relíquia religiosa. O filme acabou fazendo tanto sucesso que de fato acabou virando uma série cinematográfica, tal como aquelas que o inspiraram. Haveria filmes bons e outros nem tanto, mas inegavelmente Indiana Jones se tornaria um dos grandes personagens da história do cinema americano.

Pablo Aluísio.

Full Metal Jacket

Na segunda metade dos anos 80 houve todo um ciclo de filmes tratando sobre a Guerra do Vietnã. Além do premiado Platoon tivemos também outro grande filme sobre o tema: Nascido Para Matar. Dirigido pelo mestre Stanley Kubrick e baseado no livro de Gustav Hasford o filme era na verdade uma denúncia ao militarismo americano.

O roteiro tinha dois atos básicos. O primeiro seria focado no treinamento de um grupo de fuzileiros militares (marines). Numa base militar um sargento durão (interpretado pelo ótimo R. Lee Ermey) levava seus homens ao limite, até o momento em que um deles perdia completamente o controle, indo para as raias da loucura e da insanidade. É interessante essa parte inicial do filme pois explorava como os militares procuravam suprimir completamente as individualidades e a personalidade de cada soldado. Uma maneira de transformá-los em máquinas de guerra, sem remorso, consciência ou senso crítico.

Depois daquela tragédia aqueles mesmos jovens eram então levados para o inferno do Vietnã. A linha de ligação entre os dois atos vinha na presença do praça Joker' Davis (Matthew Modine). Ele almeja ser correspondente de guerra, mas precisa também colocar a mão na massa no front, enfrentando todos os tipos de desafios, inclusive uma sniper vietcongue.

Nesse segundo ato o diretor Kubrick coloca uma desesperança, um clima sórdido e até mesmo mesmo desesperador, investindo em uma fotografia escura, vermelha, como se estivesse fazendo uma alegoria com o sangue daqueles homens que seguem sendo abatidos como gado no matadouro. De todos os dramas de guerra que foram lançados nesse período, "Nascido Para Matar" foi um dos mais festejados. Um filme cru e áspero que não abria margem a concessões ou meias verdades. A intensidade de Kubrick fez toda a diferença do mundo. Brilhante.

Pablo Aluísio. 

sábado, 28 de maio de 2016

O Exorcismo na Igreja Católica

Ao contrário do exorcismo em outras vertentes religiosas cristãs, que é praticado quase diariamente em cultos protestantes, dando origem muitas vezes a acusações de encenações e falsidade, o exorcismo católico é extremamente protegido e resguardado do sensacionalismo público. Um padre católico só pode realizar um exorcismo em uma pessoa após a autorização de seu bispo e isso apenas após serem tentadas todas as outras maneiras de entender a crise pela qual passa a pessoa supostamente possuída por um demônio.

Mesmo com tantas cautelas (deve ser provado, por exemplo, que a pessoa possuída não esteja com algum problema mental), a possessão demoníaca é considerada um fato pela Igreja e seu catecismo. Sobre isso se manifestou o cardeal Jorge Arturo Medina Estevez ao declarar: "Apesar de poucas pessoas realmente serem possuídas pelo demônio (provavelmente apenas uma a cada cinco mil que apresentam sintomas) a questão é que o diabo existe e está agindo no mundo, como bem observou o Papa João Paulo II". O exorcismo católico deve ser realizado em ambiente privado, longe dos olhares de curiosos ou pessoas que só estejam lá para presenciar a extrema agonia de quem passa por esse tipo de experiência. A privacidade é essencial.

Em um texto escrito em latim chamado "De Exorcismis et Supplicationibus Quibusdam" (Do exorcismo e certos suplícios) o Vaticano tratou sobre o tema. Esse trouxe várias recomendações para padres diante de casos supostamente decorrentes de possessão. Vários aspectos devem ser procurados em pessoas que apresentem características de possessão, entre elas o uso de línguas desconhecidas, antigas e extintas, a apresentação de força descomunal e irracional, a aversão completa à palavra de Deus, à presença da Virgem Maria, à objetos sagrados, à imagens de santos e à cruz.

O Cardeal Estevez explica: ""O exorcismo se baseia na fé da Igreja que sustenta que Satã e outros espíritos malignos existem e que sua atividade consiste em desviar os seres humanos do caminho da salvação. A doutrina católica nos ensina que os demônios são anjos que caíram por causa do pecado, que eles são seres espirituais de grande força e inteligência, mas eu gostaria de ressaltar que a influência maligna do diabo e seus seguidores normalmente é exercida pelo engano e confusão. Assim como Jesus é a Verdade, o diabo é o mentiroso por excelência. Ele engana os seres humanos fazendo-os acreditar que a felicidade está no dinheiro, no poder ou no desejo carnal. Ele os engana fazendo-os pensar que não precisam de Deus, que a graça e a salvação são desnecessárias. Ele os engana inclusive diminuindo o sentimento de pecado ou suprimindo-o completamente, substituindo a lei de Deus como critério de moralidade pelos hábitos ou convenções da maioria"

O Catecismo também é claro nessa questão: “Jesus realizou exorcismos e dele a Igreja recebeu o poder e o ofício de exorcizar. De uma forma simples, o exorcismo é realizado na celebração do batismo. O exorcismo solene, chamado ‘o grande exorcismo’, só pode ser realizado por um padre e com a permissão do bispo. O padre deve agir com prudência, observando estritamente as regras estabelecidas pela Igreja. O exorcismo visa à expulsão dos demônios ou à libertação da possessão demoníaca ‘por meio da autoridade espiritual que Jesus confiou à sua Igreja’”

São Paulo também explica em Efésios 6:12-13: “Porque nossa luta não é contra a carne e o sangue, mas contra os principados e potestades, contra os governantes das trevas do mundo, contra os espíritos de malícia espalhados nas alturas. Portanto, tomai a armadura de Deus, para que possais resistir ao dia maligno, e havendo feito tudo, permanecer firmes”.

Pablo Aluísio.

A-ha - East of the Sun, West of the Moon

Não cheguei a comprar na época de seu lançamento, só alguns anos depois. Claro que apesar disso foi impossível escapar de ouvir nas rádios o maior hit do grupo nesse disco, uma nova versão do clássico "Crying in the Rain", composição de Howard Greenfield e Carole King. Já achava essa canção extremamente linda, desde que a ouvira pela primeira vez na interpretação do grupo The Everly Brothers, um dos melhores da história nesse tipo de canção. A versão dos Brothers foi lançada em 1962 e até hoje é considerada a melhor, mesmo assim não vou tirar os méritos do A-ha. Eles fizeram uma bela gravação do standart. Aliás uma das maiores qualidades do A-ha vem justamente dessa sutileza. Eles jamais inventam em músicas que precisam ficar na sua simplicidade original para não perderem sua essência melódica. Nesse ponto acertaram em cheio.

Além dessa excelente faixa inicial o disco ainda traz outros atrativos, como por exemplo, a simpática "Early Morning". Ela foi lançada como single e seu clip foi gravado em pleno Rock in Rio II. A música fez sucesso nas rádios, o que acabou impulsionando suas vendas (no total o álbum conseguiu vender mais de três milhões de cópias ao redor do mundo desde seu lançamento original, um número digamos de respeito). Pois bem, depois dessas duas faixas mais conhecidas o álbum segue em frente com uma coleção de boas canções, todas agradáveis. O A-ha também sempre se mostrou muito bom em álbuns justamente por essa capacidade de os preencher com um bom repertório aos ouvidos. Certo, não existem obras primas, mas todas valem ao menos uma audição descompromissada e relaxante. Curiosamente no meio desse retalho sonoro bem ok, a única que nunca me agradou muito foi justamente a canção título do disco, "East of the Sun". Apesar do bom arranjo de voz e violão (e quarteto de cordas ao fundo) nunca consegui realmente gostar de seu refrão. Já "Cold River" se sobressai por causa de seu ritmo mais voltado a um jazz sofisticado. Só peca por ser curta demais. Então basicamente é isso. Não é o meu disco preferido do A-ha, mas certamente vale a pena ter em sua coleção.

A-ha - East of the Sun, West of the Moon (1990)
Crying in the Rain
Early Morning
I Call Your Name
Slender Frame
East of the Sun
Sycamore Leaves
Waiting for Her
Cold River
The Way We Talk
Rolling Thunder
(Seemingly) Non-stop July

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - On Stage February 1970 - Parte 4

A canção "Yesterday" dos Beatles foi um dos maiores sucessos dos anos 60. Lançada originalmente no álbum "Help!" em 1965 ela acabou virando um verdadeiro fenômeno de vendas e popularidade naquela década inesquecível. Durante anos se especulou se Elvis algum dia iria lançar sua própria versão, já que praticamente todos os outros grandes cantores americanos, como Frank Sinatra e Dean Martin,  acabaram fazendo as suas. Em estúdio isso jamais aconteceria. Embora Elvis gostasse de vários discos e canções dos Beatles, ele nunca se interessou em gravar suas próprias versões do repertório do quarteto inglês, pelo menos até 1969. Isso mudou com sua volta aos palcos. Como artista de concertos ao vivo Elvis sentiu a necessidade de incluir algumas canções dos Beatles em seu repertório. "Yesterday", a imortal criação de Paul McCartney, foi a primeira delas a sair em um disco oficial de Elvis Presley. Ela veio não numa versão de estúdio, como era esperado, mas ao vivo, no palco.

Um fato curioso envolve a inclusão dessa faixa nesse álbum. Como sabemos o disco foi intitulado "On Stage - February, 1970" (Em bom português: "No Palco - Fevereiro de 1970"). Isso levava o ouvinte a pensar que todas as gravações tinham sido realizadas nesse período, justamente a da segunda temporada de Elvis em Las Vegas. Isso era apenas parcialmente verdadeiro. "Yesterday" na verdade havia sido gravada em agosto do ano anterior, na primeira temporada de Elvis em Las Vegas. Para ser mais exato no dia 25 de agosto de 1969, algo que nunca foi informado ao fã que comprou o disco uma vez que não havia ficha técnica e nem maiores detalhes na edição original desse disco. Apesar disso a boa seleção acabou deixando tudo com um aspecto bem imperceptível ao fã menos atento. Na realidade o consumidor menos detalhista poderia até mesmo jurar estar ouvindo a uma única apresentação de Elvis, realizada na mesma ocasião. Deixando isso um pouco de lado temos que admitir que essa versão live de "Yesterday" é muito boa, embora não seja tecnicamente perfeita. Se Elvis a tivesse gravada em estúdio, com todo o aparato e cuidado técnico que esse tipo de gravação traz, o resultado teria sido inegavelmente muito superior.

Yesterday (John Lennon / Paul McCartney) / Álbum: On Stage - February 1970 / Data de Gravação:  25 de agosto de 1969 / Local de Gravação: Las Vegas, Nevada / Produtor: Felton Jarvis, Glen D. Hardin, Glenn Spreen, Bergen White, Elvis Presley / Músicos: Elvis Presley (vocais, violão), James Burton (guitarra), Jerry Scheff (baixo), John Wilkinson (guitarra), Bob Lanning (bateria), Ronnie Tutt (bateria), Charlie Hodge (violão), Glen Hardin (piano), Larry Muhoberac (Piano, órgão), The Imperials (vocais), The Sweet Inspirations (vocais), Millie Kirkham (vocais), Bobby Morris e Orquestra.

Pablo Aluísio.

Crimes Ocultos

Na União Soviética, sob o brutal regime comunista de Stálin, um oficial da polícia política, Leo Demidov (Tom Hardy), cai em desgraça junto ao Estado após se negar a entregar sua própria esposa, Raisa (Noomi Rapace), acusada injustamente de ser inimiga da revolução. Por ser uma herói de guerra acaba sendo poupado da execução, afinal foi ele o soldado que levantou a bandeira soviética no alto de um prédio em Berlim, no fim da II Guerra Mundial, dando origem a uma foto que se tornou histórica e símbolo da vitória russa sobre a Alemanha de Hitler. Sua punição vem então na forma de uma transferência para uma região remota da Rússia chamada Rostov. Ao chegar em seu novo posto ele acaba ficando sob o comando do implacável General Mikhail Nesterov (Gary Oldman). Eles precisam resolver juntos um mistério macabro. Várias crianças são encontradas mortas perto de ferrovias e estações de trem por todo o país. Certamente há um serial killer à solta, mas as investigações se tornam duplamente perigosas pois o regime de Stálin negava existir psicopatas na sociedade soviética, considerada perfeita sob o comunismo. Para os altos escalões desse Estado a figura do psicopata era exclusiva de sociedades capitalistas decadentes ocidentais como os Estados Unidos. Como investigar um assassino em série lutando contra a própria política de acobertamento do Estado Soviético?

Gostei bastante desse filme. Embora seja baseado em um livro de suspense escrito por Tom Rob Smith, a trama foi inspirada em fatos históricos reais. Nos anos 1950 a polícia soviética precisou organizar uma grande operação para descobrir e prender um serial killer de crianças que atuava na região de Rostov. Ele era Andrei Chikatilo, um burocrata que viajava de cidade em cidade resolvendo seus negócios e no caminho aproveitava para aliciar e matar crianças indefesas que encontrava em estações de trem e pequenas vilas. A maioria delas eram órfãs e abandonadas, vivendo de esmolas nesses lugares. As investigações confirmariam ao menos 53 assassinatos (muito embora hoje saiba-se que foi muito mais do que isso, já que ele matava suas vítimas no meio de florestas remotas, onde muitas vezes os corpos sequer eram encontrados por policiais). Além do excelente roteiro o filme ainda tem outros atrativos. Em termos de elenco não há o que reclamar. O filme tem três ótimos atores nos papéis principais, além de Oldman e Hardy se destaca também Joel Kinnaman (o ator que interpretou RoboCop na nova versão, também conhecido pela ótima série "The Killing"). Ele interpreta um agente político cruel e manipulador, velho desafeto do personagem de Tom Hardy, que faz de tudo para prejudicá-lo sempre que possível. A reconstituição histórica também é excelente, perfeita. Enfim, ótimo filme sobre um dos mais infames assassinos da história, cuja história se passou sob um dos regimes comunistas mais ferrenhos que já se teve notícia.

Crimes Ocultos (Child 44, Estados Unidos, Rússia, Inglaterra, República Tcheca, Romênia, 2015) Direção: Daniel Espinosa / Roteiro: Richard Price, baseado no livro de Tom Rob Smith / Elenco: Tom Hardy, Gary Oldman, Joel Kinnaman, Noomi Rapace / Sinopse: União Soviética. 1953. Leo Demidov (Tom Hardy) e o General Mikhail Nesterov (Gary Oldman) são dois investigadores que precisam desvendar uma série de mortes de crianças, perto de estações de trem por todo o país. Suas tentativas de solucionar os crimes esbarram no próprio Estado que não quer admitir que existam psicopatas dentro uma sociedade comunista supostamente perfeita como aquela. O lema de Stálin afirmava que "Não existiriam psicopatas no paraíso", algo que iria se revelar completamente sem sentido e mentiroso com o avanço das investigações.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 27 de maio de 2016

Platoon 1987

O grande vencedor do Oscar no ano de 1987 foi "Platoon", drama de guerra dirigido por Oliver Stone. Na época o filme foi recebido com grande entusiasmo por público e crítica porque supostamente o cinema americano finalmente havia encarado o desafio de contar parte da derrota americana na Guerra do Vietnã de uma forma sincera e corajosa. Antes disso filmes como "Rambo" ou "O Franco Atirador" já tinham colocado o dedo na ferida do orgulho nacional americano machucado, mas "Platoon" tinha um diferencial a seu favor. Era um drama sério, bem escrito e não um filme de ação ou existencialista. O público estava pronto para ver a queda do exército de seu país nas florestas tropicais do Vietnã.

Acontece que o próprio diretor Oliver Stone era um veterano de guerra. O que ele sabia do Vietnã não lhe havia sido contado e nem lido, mas vivenciado. Quando a guerra chegou ao seu ápice o jovem Oliver resolveu se alistar nas forças armadas. Voluntário, foi enviado para o front no sudeste asiático. Como era ainda muito jovem tinha uma visão patriótica e um tanto boba do que representava um conflito como aquele. Quando chegou no Vietnã compreendeu a enorme besteira que havia cometido. Stone era um dos poucos soldados brancos no exército. Apenas negros e pobres estavam naquele inferno. O velho sentimento de patriotismo lhe trouxe vergonha profunda do que estava vendo.

Um aspecto interessante sobre o roteiro é que na época foi divulgado que tudo o que se via na tela havia acontecido de fato, era uma espécie de biografia de Oliver Stone. Não era verdade, a informação não procedia. Anos depois o próprio Stone tratou de explicar. Na realidade o roteiro do filme era uma mistura de acontecimentos reais com ficção. Os dois personagens mais importantes eram os sargentos Elias (Willem Dafoe) e Barnes (Tom Berenger). Um representava o bem e o outro o mal. Um claro mecanismo dramático, para se contar esse enredo. Stone afirmou que ambos representavam na verdade vários oficiais e suboficiais que conheceu no Vietnã. Era uma representação e não algo real.

O saldo, apesar de tudo, foi dos melhores. O filme foi premiado com o Oscar de Melhor Filme, Direção, Som e Edição. O ator Charlie Sheen que interpretava o alter ego de Stone no filme foi considerado um dos prováveis astros do futuro, mas essa previsão não se concretizou. Sheen se envolveu com drogas e prostituição e viu sua carreira afundar no cinema (ela foi salva em parte quando resolveu se dedicar à TV). Recentemente ele confessou ser viciado em crack e ter AIDS. Nem Oliver Stone em seus momentos mais barra pesada pensaria em algo tão hardcore como isso.

Pablo Aluísio.

Busca Sem Limites

Título no Brasil: Busca Sem Limites
Título Original: Never Let Go
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos, México, Espanha
Estúdio: Latitude Films
Direção: Howard J. Ford
Roteiro: Howard J. Ford
Elenco: Angela Dixon, Nigel Whitmey, Lisa Eichhorn, Velibor Topic
  
Sinopse:
Lisa Brennan (Angela Dixon) é uma agente especial do governo americano que decide tirar férias no exótico Marrocos. Uma vez lá é surpreendida pelo sequestro de seu filho, um bebezinho. Tomada de fúria ela resolve para o acerto de contas com os sequestradores, um grupo internacional de tráfico de drogas.

Comentários:
Produção B sem maiores atrativos. A trama é clichê e as cenas de ação não empolgam. Na verdade esse filme mal conseguiu espaço nos cinemas americanos, sendo lançado diretamente no mercado de TV a cabo. O roteiro cai no lugar comum, tentando transformar uma mãe em heroína de filmes de ação. Para isso ela sai na mão com os vilões (todos caricaturais), faz acrobacias, mostra grande perícia em uso de armas de fogo e lutas marciais. Tudo isso para quê? Certamente para encher de orgulho as feministas, quem sabe... Do ponto de vista puramente cinematográfico porém essa produção não se sustenta. É rasa, fraca e derivativa. Não há nenhuma originalidade ou criatividades, se ainda fosse nos anos 80 quem sabe ainda se justificaria. Hoje em dia soa como coisa velha e ultrapassada. Se você gosta de ação não perca seu tempo, há coisas bem melhores por ai, basta procurar.

Pablo Aluísio.

Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado

Título no Brasil: Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado
Título Original: 4 - Rise of the Silver Surfer
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Tim Story
Roteiro: Don Payne, Mark Frost
Elenco: Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans, Michael Chiklis, Laurence Fishburne, Julian McMahon
  
Sinopse:
O Sr. Fantástico Reed Richards (Ioan Gruffudd) e a Mulher Invisível Susan Storm (Alba) planejam finalmente se casar. Afinal o mundo passa por um momento de paz e tranquilidade. Seus planos de núpcias porém são interrompidos quando surge nos céus de Nova Iorque um estranho ser, o Surfista Prateado (dublado pelo ator Laurence Fishburne). Ao lado do Tocha Humana (Evans) e da Coisa (Chiklis) eles partem para combater essa nova ameaça. Filme indicado ao prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria de Melhor filme de Ficção do ano.

Comentários:
Sinceramente eu gostei dessa primeira franquia do Quarteto Fantástico que chegou ao fim justamente nessa fita. Durante muito tempo alguns fãs de quadrinhos (sempre eles!) reclamaram muito dessa primeira série de filmes, mas agora devem estar arrependidos depois que foi lançado o novo filme (que foi considerado ruim pela maioria da crítica e público). Pois bem, nessa primeira franquia nada disso havia acontecido. A pura verdade é que o Quarteto Fantástico é um produto pop dos anos 60 com tudo de bom (e ruim também) que isso possa significar. Os heróis desse grupo são datados realmente, porque era parte da mentalidade da época. Os efeitos especiais são bons, isso é inegável e o roteiro conta com a presença desse personagem bem interessante do universo Marvel, o Surfista Prateado. Certa vez assisti a uma entrevista do criador Stan Lee explicando que usava o "The Silver Surfer" para dar voz aos seus pensamentos mais, digamos assim, existencialistas. Faz todo o sentido. No fim, quando chegamos na conclusão que o personagem roubou o filme para si, ficamos com a pergunta na cabeça: será que algum dia haverá uma franquia apenas com ele? Bom, tantos filmes já foram feitos com personagens bem menos relevantes que essa é uma possibilidade bem plausível. Só nos resta aguardar. Enquanto não vem fique com a dica dessa boa produção (caso você ainda não tenha visto). Boa diversão.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Marcas da Possessão

Título no Brasil: Marcas da Possessão
Título Original: Ava's Possessions
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos
Estúdio: Off Hollywood Pictures, Ravenous Films
Direção: Jordan Galland
Roteiro: Jordan Galland
Elenco: Louisa Krause, Carol Kane, Jemima Kirke, William Sadler
  
Sinopse:
Após ser exorcizada por um padre, a jovem Ava (Louisa Krause) tenta retomar sua vida, algo que não se mostra nada fácil pois enquanto esteve possuída cometeu alguns atos de extrema violência contra familiares e pessoas amigas. Agora ela tenta reconstruir suas relações pessoais frequentando um grupo de apoio formado por pessoas que passaram pelo mesmo problema que ela. O problema é que em pouco tempo ela começa a ter novas visões e sensações de que o mal ainda não a deixou completamente. Filme indicado ao Neuchâtel International Fantastic Film Festival.

Comentários:
"Ava's Possessions" tenta fugir um pouco do que estamos acostumados a ver nesse tipo de filme sobre exorcismos e possessões demoníacas. Ao invés de mostrar o "durante" desse processo ele se concentra no "depois", ou seja, o que acontece na vida de uma pessoa após ela passar por esse tipo de experiência traumática. Pena que o diretor Jordan Galland cometeu dois erros básicos nessa ideia inicialmente tão promissora. O primeiro equívoco foi tentar trazer um tipo de humor negro que simplesmente não funciona em nenhum momento do filme. O outro foi escalar o filho de John Lennon, Sean, para compor a trilha sonora incidental da produção. Ele criou um som do tipo nada a ver com filmes de terror. Aquela sonoridade eletrônica fora do contexto só serviu para estragar qualquer tipo de clima de terror que poderia ser aproveitado. Com excessos a trilha me convenceu que Sean Lennon não puxou ao pai, mas sim à mãe, a menos talentosa Yoko Ono. Mostra de forma muito clara como uma boa trilha é importante na composição de um filme de terror, pois quando ela não se mostra adequada tudo vem abaixo. Fora isso a atriz Louisa Krause ainda se esforça para melhorar um pouco o filme, mas é tudo em vão. "Marcas da Possessão" é muito moderninho para causar medo em alguém. No final tudo o que ele consegue passar ao espectador é aquela sensação de tempo perdido. Não vale a pena.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 26 de maio de 2016

Marley & Eu (2008)

Título no Brasil: Marley & Eu
Título Original: Marley & Me
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Fox 2000 Pictures, Regency Enterprises
Direção: David Frankel
Roteiro: Scott Frank, Don Roos
Elenco: Owen Wilson, Jennifer Aniston, Eric Dane
  
Sinopse:
Baseado numa história real o filme mostra a vida de um jovem casal, John (Owen Wilson) e Jenny (Jennifer Aniston), e seu cãozinho de estimação, o bagunceiro e divertido Marley ao qual seu dono considera o pior animal de estimação do mundo. Para sua surpresa Marley acaba sendo o grande amigo e protagonista de suas próprias vidas. Filme premiado pelo BMI Film & TV Awards, Kids' Choice Awards e Teen Choice Awards.

Comentários:
Quem já teve um animalzinho de estimação e sofreu com sua perda certamente vai acabar chorando nesse filme! Digo por experiência própria pois "Marley & Me" consegue nos atingir lá no fundo do peito nesse aspecto. Penso que ter um animal do qual cuidamos tantos anos e depois perdê-lo é realmente algo que nos marca profundamente. Dito isso, o roteiro não poderia ser mais propenso a emocionar. É basicamente a estória de um sujeito comum que certo dia leva para casa aquele que ele considera "o pior cachorro do mundo", mas que nos anos que virão o acompanhará nos momentos mais marcantes de sua vida. Um aspecto interessante desse filme é que o comediante Owen Wilson nunca esteve tão bem. Ele é ótimo para interpretar sujeitos de bem com a vida, meio avoados e de boa. Aqui ele trouxe uma leveza tão grande ao filme que só melhorou ainda mais o clima geral. Chegou até mesmo a ofuscar Jennifer Aniston, que não faz nada muito além do que desfilar sua imagem de "namoradinha da América" pela tela. Mesmo com dois bons atores no elenco quem acaba roubando mesmo as atenções (não poderia ser diferente) é o cãozinho Marley (na verdade uma série de animais foram usados ao longo do filme). Sua estória inclusive levou a uma explosão de procura pela raça do bichinho nas lojas de pets por todo o mundo. Ah e antes que me pergunte: O Marley é um cão da raça Labrador, um ótimo companheiro nessa viagem chamada vida. Se ainda não assistiu não deixe de conferir (e não esqueça de levar um lencinho junto pois as lágrimas serão certas). 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Soldado Universal

Título no Brasil: Soldado Universal
Título Original: Universal Soldier
Ano de Produção: 1992
País: Estados Unidos
Estúdio: StudioCanal, Carolco Pictures
Direção: Roland Emmerich
Roteiro: Richard Rothstein, Christopher Leitch
Elenco: Jean-Claude Van Damme, Dolph Lundgren, Ally Walker
  
Sinopse:
Dois militares, Luc Devereaux (Jean-Claude Van Damme) e Andrew Scott (Dolph Lundgren), são submetidos a um novo projeto governamental que visa criar o soldado perfeito. Usando de tecnologia cibernética o objetivo seria criar um combatente insensível à dor, altamente eficiente no campo de batalha, mas sem os sentimentos inerentes aos seres humanos. No começo tudo vai bem até que algo começa a sair errado, fazendo com que Luc e Andrew comecem a recuperar sua humanidade.

Comentários:
Eu nunca fui muito fã desse filme que misturava o universo Sci-fi com a pegada dos filmes de ação que eram extremamente populares na época de seu lançamento. E olha que quando o filme fez sucesso eu ainda era bastante jovem, propenso a gostar desse tipo de fita. Por falar em fita estamos aqui falando dos tempos das locadoras de fitas VHS. Veja, filmes como "Universal Soldier" não lotavam cinemas na década de 90, pelo contrário, seus lançamentos em salas de exibição eram até modestos. O sucesso mesmo vinha nas locadoras de vídeo. Aí o filme fazia a festa, lucrando muito para os donos desses estabelecimentos comerciais (hoje em dia em franca extinção). Bastava conferir o ranking dos filmes mais locados do mês (havia muitos deles em revistas de cinema, também hoje em dia praticamente extintas) para perceber que qualquer filme estrelado por Jean-Claude Van Damme era sucesso imediato nas prateleiras brasileiras. Esse aqui tinha dois diferencias além de ser uma ficção: trazia no elenco o grandalhão Dolph Lundgren e era dirigido por Roland Emmerich em comecinho de carreira. Quem poderia imaginar naquela altura que esse diretor alemão iria nos anos seguintes dirigir vários blockbusters comerciais como "Godzilla", "Stargate" e "Independence Day" nos anos que viriam? Pois é, o mundo realmente dá voltas.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro

O serviço secreto inglês descobre que seu agente James Bond (Roger Moore) está na mira de um assassino profissional conhecido como Francisco Scaramanga (Christopher Lee). Suas intenções de liquidar 007 ficam óbvias após ser encontrado uma bala de ouro com o código de Bond impresso nela. Há suspeitas que o mesmo assassino tenha matado friamente o agente 002 numa missão. Para evitar maiores problemas a agência de espionagem resolve assim afastar Bond de seus serviços por um tempo. Livre de cumprir uma agenda de missões, Bond resolve então ir atrás por conta própria de Scaramanga. Como pista usa a própria bala que foi dirigido a ele. Em pouco tempo James Bond segue seu rastro em lugares tão distantes como Beirute, Hong Kong e Macau. O infame assassino profissional usa uma arma de ouro, com calibre próprio. Para Bond essa seria uma pista segura para se chegar até ele.

Esse foi o segundo filme de Roger Moore como James Bond. O primeiro, "Com 007 Viva e Deixe Morrer", foi sucesso de público e crítica. Uma alívio para os produtores que temiam que a franquia chegasse ao fim com a saída de Sean Connery. Esse segundo filme não é tão bom quanto o anterior, mas inegavelmente tem seus méritos. O maior deles talvez seja a presença do ótimo ator Christopher Lee como o vilão Scaramanga. Ele é um tipo bizarro, com uma característica física incomum (tem três mamilos!) e um assistente anão tão perverso quanto o próprio. Esse papel foi interpretado pelo ator Hervé Villechaize (que ficou muito conhecido no Brasil interpretando o personagem Tatu na série "A Ilha da Fantasia", que fez bastante sucesso na TV brasileira durante os anos 70). O roteiro não tem muitos mistérios ou tramas internacionais a se revelar, se resumindo muitas vezes a ser apenas uma disputa de vida ou morte entre Bond e Scaramanga. Esse porém não é um problema exclusivo do filme em si. O livro escrito por Ian Fleming em 1965 também foi criticado por essa razão. Enfim, um bom filme da safra com Roger Moore que com ele se estabeleceria definitivamente como Bond, só deixando a série em meados da década seguinte.

007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro (The Man with the Golden Gun, Inglaterra, 1974) Direção: Guy Hamilton / Roteiro: Richard Maibaum, Tom Mankiewicz, baseados no livro escrito por Ian Fleming / Elenco: Roger Moore, Christopher Lee, Hervé Villechaize, Britt Ekland / Sinopse: O agente inglês James Bond (Roger Moore) passa a ser caçado pelo assassino profissional Francisco Scaramanga (Christopher Lee), dando início a uma disputa de vida e morte entre eles. Filme premiado pelo Saturn Award na categoria Best DVD / Blu-Ray Collection.

Pablo Aluísio. 

Os Rifles de Batasi

Em pleno declínio do sistema colonial inglês, numa distante colônia africana, um pequeno regimento do exército britânico acaba ficando sitiado bem no meio de uma enorme e incontrolável revolta popular. O povo daquela nação sai às ruas pedindo independência, deixando cercados um pequeno grupo de oficiais ingleses. Para piorar ainda mais uma situação que já parecia bastante crítica membros do próprio pelotão, africanos recrutados pelos britânicos, também resolvem aderir ao movimento popular, promovendo um verdadeiro motim dentro do quartel. Apenas o Sargento Major Lauderdale (Richard Attenborough) e seus homens resolvem resistir. O plano é tomar o paiol de armas da corporação para evitar que caia nas mãos dos revoltosos, algo que exigirá muita coragem e bravura dos militares à serviço de sua majestade, a Rainha da Inglaterra.

Há duas leituras possíveis desse bom filme de guerra. A primeira é que seria uma homenagem aos membros de um quartel sitiado por uma revolução popular numa colônia africana. A outra seria que usando de fino humor negro tipicamente inglês se estaria na verdade criticando aquela ocupação colonial. O roteiro é tão bem escrito que embora antagônicas as duas visões acabam sendo complementares no caso desse filme. O personagem interpretado pelo ator Richard Attenborough (que depois se tornaria um consagrado diretor) é um exemplo disso. Pomposo, exagerado, quase patético em suas convicções e modo de agir, ele acaba se tornando o grande "herói" dessa resistência. Ao se ver cercado por revolucionários africanos não aceita se submeter, mantendo erguida a bandeira inglesa até o fim. E por falar em final, o desfecho dessa produção guarda algumas surpresas, caindo em um tom inesperadamente cômico. Em suma, belo filme inglês, retratando de uma forma bem inteligente a mentalidade e as contradições do sistema colonial europeu que predominou em relação às suas dominações na África selvagem durante o século XIX.

Os Rifles de Batasi (Guns at Batas, Inglaterra, 1964) Direção: John Guillermin / Roteiro: Robert Holles, baseado na novela escrita por Robert Holles / Elenco: Richard Attenborough, Jack Hawkins, Flora Robson, Mia Farrow / Sinopse: Pequeno regimento de oficiais ingleses fica cercado após a eclosão de uma grande revolta popular em um país africano durante o período colonial. Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria Revelação Feminina (Mia Farrow). Também vencedor do BAFTA Awards na categoria de Melhor Ator Britânico (Richard Attenborough).

Pablo Aluísio.

A Volta dos Sete Homens

Esse faroeste é na realidade a continuação do grande clássico "Sete Homens e um Destino" lançado em 1960. Seis anos depois a United Artists resolveu produzir essa sequência. Obviamente o estúdio estava em busca de um novo sucesso de bilheteria, mas dessa vez o tiro foi em vão. A realidade pura e simples é que não é um bom western e isso se deve muito em razão do fato de que tudo não passa de um remake disfarçado. O enredo é praticamente o mesmo do primeiro filme, sem colocar ou tirar quase nada. O elenco também ficou completamente desfalcado, sobrando apenas Yul Brynner, Nada de Charles Bronson ou Steve McQueen. Outra ausência sentida é a do diretor John Sturges. Em seu lugar a produtora colocou o menos talentoso Burt Kennedy que se resumiu a copiar o filme original.

Para quem não lembra esse filme conta o retorno do pistoleiro Chris Larabee Adams (Yul Brynner) para o mesmo vilarejo onde esteve defendendo a população em "Sete Homens e Um Destino". Depois de tantos anos o lugar volta a ser palco de uma quadrilha de bandoleiros mexicanos que invade as comunidades humildes da região para levar a população masculina como mão de obra escrava para a construção de uma nova vila para o vilão e bandido Lorca (Emilio Fernández). O povo pacato e pacífico daquela cidadezinha fica apavorada e corre para pedir ajuda a quem lhe salvou no passado, o próprio Larabee. Acontece que os sete pistoleiros originais se dispersaram e ele precisa formar um novo grupo. Onde procurar? Além de conhecidos habituais, outros pistoleiros rápidos no gatilho, ele também resolve ir na prisão de uma cidade do México para subornar o carcereiro, contratando alguns criminosos da pesada. E é isso. Com a ajuda desses demais homens (sete ao total, como no primeiro filme) ele volta a enfrentar o bando de mexicanos que aterrorizam os moradores. Apesar de ter a sempre emocionante trilha sonora composta por Elmer Bernstein o filme como um todo nunca justifica sua existência. É mais do mesmo e... pior.

A Volta dos Sete Homens (Return of the Seven, Estados Unidos, 1966) Direção: Burt Kennedy / Roteiro: Larry Cohen / Elenco: Yul Brynner, Robert Fuller, Julián Mateos, Warren Oates, Fernando Rey, Emilio Fernández / Sinopse: Após um ataque de bandoleiros mexicanos violentos, um jovem de uma comunidade atacada consegue fugir para pedir ajuda ao pistoleiro Chris Larabee (Brynner) que resolve reunir um novo grupo de homens destemidos para proteger todas aquelas pessoas indefesas. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Música (Elmer Bernstein).

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 25 de maio de 2016

Elvis Presley - Elvis in Person at the International Hotel - Parte 4

A versão de "Blue Suede Shoes" desse álbum foi a terceira a ser lançada na discografia oficial de Elvis. Recordando: a primeira vez que esse clássico rock surgiu na voz de Elvis foi em seu primeiro LP na RCA Victor, logo após ele assinar com a gravadora, em 1956, o grande ano de sua fase como roqueiro. Ela abria o lado A do disco e havia sido gravada nas primeiras sessões do cantor na nova empresa. Essa gravação é considerada uma das melhores já realizadas pelo então chamado Rei do Rock. Quatro anos depois Elvis gravou "Blue Suede Shoes" novamente, dessa vez para a trilha sonora do filme "Saudades de um Pracinha" (GI Blues, 1960). Eu sempre gostei muito dessa segunda versão principalmente pelo fato de ser extremamente bem gravada, com ótimo arranjo. Não tem o mesmo feeling roqueiro da primeira versão, mas supera essa em termos de performance e execução. Não resta dúvida que foi muito bem trabalhada em estúdio. Por isso a considero um verdadeiro primor de Elvis durante os anos 60. Embora "Blue Suede Shoes" seja uma criação de outro astro da Sun Records, o grande Carl Perkins, ela sempre foi muito associada a Elvis e por essa razão era de se esperar que mais cedo ou mais tarde voltasse à sua discografia oficial.

E foi o que de fato aconteceu. Em 1969 ela ressurgiu aqui, dessa vez gravada nos palcos de Las Vegas. Devo dizer que é uma excelente gravação, com Elvis e sua TCB Band extremamente empenhados em dar o melhor de si. Há uma introdução musical que fazia parte dos primeiros concertos de Elvis em Vegas, pois na época ele ainda não usava a conhecida "Also Sprach Zarathustra", composição clássica de Richard Strauss. Pois bem, essa abertura que ouvimos nesse álbum foi gravada justamente no concerto do dia 25 de agosto, quando a RCA montou seu equipamento de gravação no showroom do International Hotel justamente para aproveitá-la naquele que seria o primeiro disco ao vivo de Elvis em Las Vegas. Infelizmente temos que reconhecer também que logo Elvis perderia o interesse por "Blue Suede Shoes" nos shows que viriam. Seria notório que a execução desse clássico iria se tornar, com o passar dos anos, mais displicente e negligente por parte de Elvis. Não raro ele a cantava em medíocres versões com menos de um minuto de duração! O que teria acontecido? Penso que o repertório de Elvis ficou tão sofisticado e pessoal a partir de determinado momento de sua carreira ao vivo que "Blue Suede Shoes" acabou ficando ofuscada, diria até mesmo obsoleta. Quando Elvis a gravou pela primeira vez ele era apenas um jovem de vinte e poucos anos. O tempo passou e o velho rock foi perdendo o sentido para o cantor. Algo normal de acontecer. Na maioria das vezes só servia mesmo como um lembrete de que aquele cantor que estava no palco na frente de seu público havia sido um dos nomes mais importantes da história do rock e seu surgimento. Nada muito além disso.

Blue Suede Shoes (Carl Perkins) / Álbum: Elvis in Person at the International Hotel, Las Vegas, Nevada / Data de Gravação: 25 de agosto de 1969 / Local de Gravação: Las Vegas, Nevada / Produtor: Felton Jarvis, Glen D. Hardin, Glenn Spreen, Bergen White, Elvis Presley / Músicos: Elvis Presley (vocais, violão), James Burton (guitarra), Jerry Scheff (baixo), John Wilkinson (guitarra), Bob Lanning (bateria), Ronnie Tutt (bateria), Charlie Hodge (violão), Glen Hardin (piano), Larry Muhoberac (Piano, órgão), The Imperials (vocais), The Sweet Inspirations (vocais), Millie Kirkham (vocais), Bobby Morris e Orquestra.

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - Always On My Mind

Com a chegada do CD no mercado a gravadora de Elvis Presley começou a lançar novas coletâneas turbinadas para os novos tempos. Capas foram criadas - algumas bem exageradas - e novas seleções de repertório foram elaboradas pelos executivos. A despeito da nova roupagem o fato é que não havia nada de novo uma vez que Elvis estava morto e pelo menos até aquele momento a gravadora se limitava a apenas lançar uma coletânea atrás da outra, sem grande atrativos para os fãs mais veteranos.

Esse "Always On My Mind" aproveitava o sucesso mundial tardio da música título que na época da carreira de Elvis não havia se destacado, sendo lançada como mero lado B de um single com "Separate Ways". A RCA apenas aproveitou a capa do álbum "Elvis" de 1973 e criou essa direção de arte bem new wave, vamos colocar dessa forma. O repertório é todo baseado entre o final dos anos 60 e a década de 70. Da fase final da carreira de Elvis pincelaram as canções "Unchained Melody" (do álbum Moody Blue), "Bitter They Are, Harder They Fall". "Solitaire" e "Hurt" (do disco "From Elvis Boulevard"). Depois preencheram tudo com músicas de discos diversos da carreira do cantor como "I've Lost You" (do That´s The Way It Is) e "My Boy" (de 1974, do "Good Times"). Nada mais do que isso. Mesmo na época de lançamento desse CD no Brasil, quando o Compact Disc ainda era uma grande novidade tecnológica, ele não chegou a me interessar. Como um fã de Elvis que estava interessado em sua discografia oficial ele não me chamou maior atenção. Para admiradores ocasionais e marinheiros de primeira viagem porém pode até servir como cartão de visitas do tipo de som que Elvis fazia em seus momentos finais. Se esse for o seu caso, bem, arrisque!

Elvis Presley - Always On My Mind
1. Separate Ways
2. Don't Cry Daddy
3. My Boy
4. Solitaire
5. Bitter They Are, Harder They Fall
6. Hurt
7. Pieces Of My Life
8. I Miss You
9. It's Midnight
10. I've Lost You
11. You Gave Me A Mountain
12. Unchained Melody
13. Always On My Mind

Pablo Aluísio.

terça-feira, 24 de maio de 2016

Dr. Terror's House of Horrors

Uma boa dica para quem gosta de filmes antigos é rever (ou ver pela primeira vez, conforme o caso) velhas produções inglesas de terror. A minha indicação de hoje vai para o clássico "As Profecias do Dr. Terror" (Dr. Terror's House of Horrors, Inglaterra, 1965). Veja bem, havia uma sofisticação nessas produções que não se via em lugar nenhum do mundo naquela época. Enquanto Hollywood produzia faroestes e dramas em ritmo industrial, os ingleses se especializaram em filmes de terror, alguns hoje em dia considerados verdadeiras obras primas do gênero.

Nessa fita temos um atrativo a mais, a presença de dois ícones em cena, Christopher Lee e Peter Cushing. Enquanto Lee interpreta um cético, um arrogante homem que vive como crítico de arte em Londres, Cushing dá vida (ou morte, dependendo do ponto de vista) ao protagonista. Ele se apresenta como o Dr. W. R. Schreck aos demais passageiros de um trem durante uma viagem noturna partindo de Londres. Ao cochilar acaba deixando cair ao chão sua bagagem que revela um baralho de cartas de tarot. Quem conhece esse tipo de filme sabe que nada acontece ao acaso. As cartas despertam a curiosidade dos demais passageiros que pedem ao sinistro doutor que leia o futuro de cada um deles.

Esse gancho narrativo assim abre a oportunidade do roteiro contar cinco contos de terror, cada um deles explorando algum tipo de estória clássica de horror. Há espaço para todos os gostos nesse menu. No primeiro conto um jovem arquiteto é contratado para ir até uma velha casa nos arredores da cidade. Sua dona deseja fazer reformas nela. Para verificar se isso seria possível ele desce até o porão e lá encontra uma velha tumba que reza a lenda pertenceu ao antigo morador que nas noites de lua cheia se transformava em uma criatura, metade homem, metade lobo (o nosso conhecido lobisomem dos filmes clássicos). Não é por outra razão que esse primeiro conto se chama "Werewolf".

Os dois seguintes são os mais fracos. O segundo, intitulado "Creeping Vine", é certamente o mais sem graça. Chegou a me lembrar de "A Pequena Loja de Horrores". Nele uma planta desconhecida começa a aterrorizar uma família quando começa a atacar todos os moradores (e até o cachorrinho de estimação) da região. Fraquinho realmente. O terceiro é um pouco melhor. Em "Voodoo" um trombonista inglês paga caro quando em turnê com sua banda numa ilha do Caribe resolve fazer chacota de uma velha divindade da religião vodu local. O quarto conto de terror se sobressai pois tem o excelente Christopher Lee no elenco. Ele é um crítico de arte boçal que paga caro por sua arrogância. Por fim em "Vampire" um jovem Donald Sutherland acaba descobrindo que seu casamento não é a maravilha que ele pensava já que sua própria esposa é uma vampira.

Pelas resenhas dos contos já deu para perceber que há muito humor negro inglês envolvido. O filme foi produzido pela Amicus Productions que concorria com a Hammer por esse mercado de produções de terror. Ambas se notabilizaram pela sofisticação, bom gosto e bons filmes. Certamente uma época de ouro para quem era fã de filmes desse estilo.

Pablo Aluísio. 

George Lucas

Em 1999 o diretor e roteirista George Lucas deu uma rara entrevista a uma revista americana onde falou com extrema sinceridade sobre sua vida e obra. Lucas sempre foi considerado um cineasta que não dava entrevistas à imprensa e só havia aberto espaço naquele ano por causa do lançamento de "Star Wars - Episódio I - A Ameaça Fantasma", um filme muito aguardado, mas que de certa maneira frustrou as expectativas dos fãs da saga.

Perguntado porque havia se passado tanto tempo entre "O Retorno de Jedi" (lançado em 1983) e esse novo filme Lucas explicou que ainda não existia tecnologia necessária para colocar suas ideias na tela. Ele queria filmar o começo de toda a estória, o primeiro episódio, que havia escrito ainda nos anos 70. Como se sabe o primeiro filme "Guerra nas Estrelas" era na verdade o quarto episódio de uma saga escrita por Lucas ainda na universidade. Alguns personagens foram suprimidos e outros criados pois para Lucas aquele enredo era o mais acessível para o público na época. O filme se tornou uma das grandes bilheterias da história do cinema, rompeu marcos históricos de vendas de ingressos e virou um fenômeno, gerando muito dinheiro em licenciamento de brinquedos, bonecos, produtos, etc. Isso era algo inédito até então. Depois vieram mais dois blockbusters, "O Império Contra-Ataca" e "O Retorno de Jedi" e então Lucas parou tudo.

Nessa mesma entrevista, em um momento de sinceridade, Lucas ainda admitiu que a falta de tecnologia em efeitos especiais não foi o único motivo de ter se afastado de "Star Wars" e sua saga. Havia um elemento em sua vida pessoal também. Sua primeira esposa o abandonou por um homem dez anos mais jovem, o que Lucas disse ser "uma história clássica de traição" e isso o devastou por anos e anos. Veio em seguida uma depressão profunda que o paralisou como artista e cineasta. Depois disso Lucas colocou todo o material de "Star Wars" de lado para tentar organizar novamente sua vida pessoal.

O fato é que "Star Wars" poderia ter se encerrado definitivamente na trilogia original. Lucas já não tinha mais interesse até que a Fox resolveu lhe fazer uma proposta absurda em termos de dinheiro para que ele retomasse uma nova trilogia. Essa segunda trilogia não seria tão bem sucedida em termos de crítica como a primeira. Os filmes tinham roteiros ruins e pasmem, nem os efeitos especiais ficaram tão bons como era esperado. Some-se a isso a avalanche de críticas que Lucas teve que aguentar dos próprios fãs da saga e você entenderá porque há alguns anos ele resolveu finalmente se livrar de tudo, vendendo todos os direitos para a Disney. Milionário e renascido com uma nova paixão (uma jornalista negra), Lucas não parece disposto a se envolver novamente com o universo que criou. Esse tempo acabou em sua vida, segundo sua própria opinião.

Pablo Aluísio.

Stallone Cobra 1986

Na década de 80 o ator Sylvester Stallone estava na crista da onda, colecionando sucessos em Hollywood. Ele tinha conseguido emplacar duas séries de bilheteria: Rocky e Rambo e era o astro mais bem pago da indústria cinematográfica. Depois de mais um êxito comercial, "Rocky IV" onde enfrentava uma máquina de lutar soviética (o grande inimigo dos americanos na época da guerra fria), o próprio Stallone escreveu o roteiro de um novo personagem, um filme policial e violento com toques de "Dirty Harry", o ícone durão que havia sido interpretado por Clint Eastwood numa série de filmes de sucesso entre as décadas de 70 e 80. Aquela fórmula parecia ser uma ótima ideia para Stallone escrever seu novo roteiro e assim ele o fez.

O personagem de Stallone era um tenente ítalo americano da polícia chamado Marion 'Cobra' Cobretti. É curioso que a marca registrada dele tenha sido a violência insana. Na época Stallone estava sendo acusado de estrelar filmes muito violentos, sem roteiros convincentes e sem conteúdos relevantes. Por essa razão não é de se admirar que ele tenha escrito um personagem que representava justamente isso, um tira violento que não estava nem aí para os direitos humanos dos bandidos que encontrava pela frente. Sim, era uma "releitura" de Dirty Harry, isso era inegável, mas Stallone soube também colocar elementos novos.

Era óbvio desde seu lançamento que "Stallone Cobra" não primava por um bom roteiro. A trama era das mais simples. Na verdade Stallone caprichou mesmo na criação de cenas bem marcantes, principalmente de ação. Ele não estava interessado em criar um grande perfil psicológico de seu tira, mas sim rechear a produção de muitas cenas violentas, como a do mercadinho e a cena final, que na época de lançamento do filme trouxe problemas, principalmente no Brasil onde o filme acabou ganhando uma classificação absurda de 18 anos, algo que só era usado em filmes pornográficos. A molecada fã do ator reclamou e muito.

O jeito foi a distribuidora nacional criar cortes, o que era outro descalabro. Para ganhar uma classificação de 16 anos o filme foi todo picotado, chegando assim ao grande público. Quem lembra do Paulo Brossard, ministro, comprando briga com a produtora do filme? Tempos absurdos aqueles. De uma forma ou outra "Stallone Cobra" fez grande sucesso, mas Stallone deixou o personagem de lado, isso quando todos esperavam por uma continuação tal como havia acontecido com "Rocky" e "Rambo". Pior do que isso em uma entrevista há alguns anos o próprio ator deixou claro que esse "Stallone Cobra" era um filme que não havia lhe agradado muito, apesar de ser sua criação. Pelo visto o policial violento de Stallone nunca mais retornará para as telas.

Pablo Aluísio.