terça-feira, 31 de maio de 2016

Errol Flynn - The Sea Hawk

Errol Flynn tinha todos os defeitos do mundo que você possa imaginar. Era canalha, frívolo, mentiroso, crápula, viciado em drogas, bebum, até espião nazista durante a II Guerra Mundial. Um lixo de pessoa. Agora, como ator ele teve muita sorte na carreira. Flynn foi o maior astro da Warner Bros em um tempo em que esse estúdio resolveu apostar alto em grandes superproduções e filmes de aventura. Ao lado de Michael Curtiz, grande diretor da era de ouro do cinema americano, Flynn estrelou uma sucessão de grandes filmes e enormes sucessos de bilheteria, até porque ele era o tipo ideal para esse tipo de produção.

Jovem, atlético, Flynn era um aventureiro na vida real. Sua desenvoltura em cenas de barcos não era gratuita. Ele viajou da Austrália aos Estados Unidos em um velho veleiro, tal como seus personagens de seus filmes como em "O Gavião do Mar", um de seus grandes hits de bilheteria. Curiosamente ao mesmo tempo em que ia fazendo uma extremamente bem sucedida parceria com o diretor Curtiz, também ia tecendo sua armadilha de canalhice em relação ao cineasta. Enquanto posava de amigo de Curtiz nos estúdios, nos bastidores ia seduzindo a esposa dele. A tal ponto que ela se apaixonou por Flynn, largou Curtiz e foi viver ao seu lado por um breve tempo, já que Flynn não era homem de se amarrar a mulher nenhuma. Em pouco tempo a dispensou também. Era da natureza dele, ser um canalha, fazer o quê?

No fim da vida Errol Flynn se tornou alcoólatra e uma sombra do galã que havia sido no passado. Começou a elogiar publicamente ditaduras como a de Cuba (ele nunca escondeu sua preferência por regimes autoritários) e chegou até mesmo a ir na ilha caribenha para rodar um filme trash com atores locais. Tudo mera desculpa para encher a cara nas piores bodegas da Ilha de Fidel Castro. Esse por sua vez usou o que restou da fama de Flynn para promover seu sistema de governo que segundo a propaganda socialista era o melhor do mundo. Uma piada sem graça que nem o próprio Flynn acreditava. Depois de muitos excessos o grande aventureiro dos mares morreu precocemente. Ele havia cometido todos os excessos possíveis. Foi um sujeito que não admitia nenhum limite em sua vida. Pagou o preço devido.

Para ler mais sobre "O Gavião do Mar" clique aqui! 

Pablo Aluísio.

John Lennon - Imagine

Certa vez Paul McCartney disse que John Lennon era um gênio, mas não um santo. Ele tinha toda a razão do mundo. John Lennon sabia como poucos escrever e compor grandes músicas, realmente maravilhosas, mas passava longe de ser uma alma pura, santificada. Em muitos momentos ele poderia soar completamente hipócrita. Veja o caso de "Imagine" considerada por muitos como a sua grande música na carreira após o fim dos Beatles. Em frases muito bem escritas John propõe um mundo sem fronteiras, sem propriedades e até mesmo sem religiões. Em determinado trecho John canta a frase "Imagine não existir posses, sem necessidade de ganância, Imagine todas as pessoas compartilhando...". Ok, nada de errado, tudo muito bonito a não ser pelo fato de que Lennon era proprietário de fazendas enormes nos Estados Unidos com centenas de milhares de cabeças de gado, onde o acesso de pessoas estranhas era completamente proibido. E o que dizer de seus vários apartamentos de luxo na parte mais cara de Nova Iorque? Não há nenhum sinal de que ele um dia os tenha compartilhado com ninguém, a não ser Yoko Ono e seu filho.

"Imagine não existir nenhuma religião", afirma a letra em outro trecho. Ora, John foi fiel seguidor do Hinduísmo, depois se aproximou bastante do Budismo a ponto de se auto declarar Zen Budista em uma de suas últimas entrevistas. Suas frases contra o cristianismo também lhe trouxe muitos problemas, demonstrando que o próprio John Lennon tinha alguns problemas com as religiões dos outros. Assim soa mais do que uma hipocrisia em falar algo nesse sentido e ao mesmo tempo usar do sentimento religioso das demais pessoas para atacá-las de alguma maneira. Além de contraditório é certamente uma grande hipocrisia. Mesmo assim a canção "Imagine" ainda é um belo momento de sua carreira. Embora em muitos aspectos ele fosse realmente um grande hipócrita o fato é que John continuava muito talentoso para compor letras e melodias maravilhosas. Como disse Paul ele poderia não ser um santo (e não era mesmo), mas pelo menos continuava a ser um gênio musical.

Imagine (John Lennon) Album: Imagine / Data de gravação: Fevereiro de 1971 / Local de gravação: Record Plant Studios, Nova Iorque / Produtores: John Lennon, Yoko Ono, Phil Spector / Músicos: John Lennon (vocal e piano), Phil Spector (Backing Vocals), Andy Davis (guitarra), Ted Turner (guitarra), Jim Keltner (bateria), George Harrison (guitarra), Klaus Voorman (baixo).

Pablo Aluísio.

domingo, 29 de maio de 2016

Angel Heart

Um dos melhores filmes de terror e suspense que já assisti em minha vida também foi um dos mais subestimados. Estou me referindo a "Angel Heart" que no Brasil recebeu o título de "Coração Satânico". Lançado em 1987, com direção do talentoso Alan Parker, o filme tinha um roteiro maravilhoso escrito baseado a partir do ótimo romance gótico de William Hjortsberg. A velha batalha entre o bem e o mal, entre Deus e Satã, ganhava ares mais mundanos, mais próximos de cada um.

No enredo um detetive particular chamado Harry Angel (interpretado por Mickey Rourke no auge de sua carreira) era contratado pelo misterioso Louis Cyphre (Robert De Niro) para encontrar um antigo cantor de jazz conhecido como Johnny Favorite. No passado esse tal de Favorite teria ficado em dívida com o senhor Louis, que agora surgia para cobrar sua parte no trato. Angel sai em busca do sujeito, passando pelos lugares mais sórdidos e obscuros de uma New Orleans cheia de magia negra, feitiços e vodu. O sangue vermelho parece lhe acompanhar em toda parte e curiosamente o mal parece estar sempre presente em seu caminho de investigação.

Na época de lançamento do filme o ator Mickey Rourke era considerado o legítimo sucessor de Marlon Brando e James Dean. Um dos últimos a se formar no Actors Studio de Nova Iorque (a mesma escola de interpretação dos dois mitos citados), tudo parecia caminhar para transformar Rourke em um dos grandes astros rebeldes do cinema. Infelizmente não foi bem isso que aconteceu.

De qualquer maneira o filme "Angel Heart" (no original "Coração de Anjo") tinha outro grande ator em cena. Era Robert De Niro. Antes de afundar em várias comédias constrangedoras, De Niro brilhava em um papel bem diferente. Um sujeito que na fachada parecia ser muito fino e elegante, quase um lord. No fundo ele seria a personificação do puro mal diabólico. O roteiro já deixava pistas sobre isso durante todo o desenrolar da trama - basta ver que seu nome, Louis Cyphre, lembra bastante o nome de Lúcifer, o anjo caído. Por isso a grande lição que esse excelente filme deixava era mais simples que se pensava: Nunca faça promessas com o diabo, um dia ele irá certamente cobrar sua parte.

Pablo Aluísio.

Raiders of the Lost Ark

No começo da década de 80 o diretor Steven Spielberg quase foi contratado para assumir a franquia de James Bond, o agente 007. Infelizmente as negociações não deram certo. Frustrado, Spielberg viajou em férias para as Bahamas ao lado do amigo e também diretor George Lucas. Nessas férias Lucas mostrou a Spielberg um roteiro que havia acabado de escrever. Era uma aventura ao velho estilo, que lembrava até mesmo os antigos seriados cinematográficos do passado. Algo como Flash Gordon, Buck Rogers, Tarzan, mas em um contexto diferente. Um professor respeitado, arqueólogo, que se envolvia nas maiores aventuras na busca por artefatos históricos cobiçados.

Seu nome? Indiana Jones. Desde o começo Spielberg adorou a ideia. Ele sabia que havia ali potencial para mais uma franquia de grande sucesso comercial. E foi justamente o que aconteceu. Com filmagens programadas em várias países tudo estava certo a não ser um problema crucial: quem iria interpretar Indiana? No começo tanto Spielberg como Lucas queriam o ator Tom Selleck para o papel, mas esse estava comprometido com a série de TV Magnum, grande sucesso de audiência na época. Assim eles foram atrás de outro ator para estrelar o filme.

A solução acabou sendo mais simples do que se imaginava. Lucas sugeriu a Spielberg que o papel de Indiana Jones fosse entregue a Harrison Ford, que já tinha se dado muito bem como o mercenário das estrelas Han Solo em "Star Wars". Acertos feitos, começaram as filmagens. "Os Caçadores da Arca Perdida" logo se tornou um fenômeno de bilheteria. Era um filme de aventura com claro sabor nostálgico, mas com uma roupagem mais adequada aos novos tempos. Com ótimo timing o filme era realmente perfeito, tanto tecnicamente como em termos de produção e roteiro.

Por falar em roteiro a estória criada por George Lucas era realmente um primor de inventividade. Nela um grupo de pesquisadores nazistas saíam em busca da Arca da Aliança, o artefato citado na Bíblia. A lenda e a tradição afirmavam que aquele que possuísse a Arca se tornava invencível no campo de batalha. Exatamente o que almejava Hitler e seus homens. Curiosamente havia um fundo de verdade no enredo pois era bem conhecido o misticismo e a atração que os nazistas tinham nesse tipo de relíquia religiosa. O filme acabou fazendo tanto sucesso que de fato acabou virando uma série cinematográfica, tal como aquelas que o inspiraram. Haveria filmes bons e outros nem tanto, mas inegavelmente Indiana Jones se tornaria um dos grandes personagens da história do cinema americano.

Pablo Aluísio.

Full Metal Jacket

Na segunda metade dos anos 80 houve todo um ciclo de filmes tratando sobre a Guerra do Vietnã. Além do premiado Platoon tivemos também outro grande filme sobre o tema: Nascido Para Matar. Dirigido pelo mestre Stanley Kubrick e baseado no livro de Gustav Hasford o filme era na verdade uma denúncia ao militarismo americano.

O roteiro tinha dois atos básicos. O primeiro seria focado no treinamento de um grupo de fuzileiros militares (marines). Numa base militar um sargento durão (interpretado pelo ótimo R. Lee Ermey) levava seus homens ao limite, até o momento em que um deles perdia completamente o controle, indo para as raias da loucura e da insanidade. É interessante essa parte inicial do filme pois explorava como os militares procuravam suprimir completamente as individualidades e a personalidade de cada soldado. Uma maneira de transformá-los em máquinas de guerra, sem remorso, consciência ou senso crítico.

Depois daquela tragédia aqueles mesmos jovens eram então levados para o inferno do Vietnã. A linha de ligação entre os dois atos vinha na presença do praça Joker' Davis (Matthew Modine). Ele almeja ser correspondente de guerra, mas precisa também colocar a mão na massa no front, enfrentando todos os tipos de desafios, inclusive uma sniper vietcongue.

Nesse segundo ato o diretor Kubrick coloca uma desesperança, um clima sórdido e até mesmo mesmo desesperador, investindo em uma fotografia escura, vermelha, como se estivesse fazendo uma alegoria com o sangue daqueles homens que seguem sendo abatidos como gado no matadouro. De todos os dramas de guerra que foram lançados nesse período, "Nascido Para Matar" foi um dos mais festejados. Um filme cru e áspero que não abria margem a concessões ou meias verdades. A intensidade de Kubrick fez toda a diferença do mundo. Brilhante.

Pablo Aluísio. 

sábado, 28 de maio de 2016

A-ha - East of the Sun, West of the Moon

Não cheguei a comprar na época de seu lançamento, só alguns anos depois. Claro que apesar disso foi impossível escapar de ouvir nas rádios o maior hit do grupo nesse disco, uma nova versão do clássico "Crying in the Rain", composição de Howard Greenfield e Carole King. Já achava essa canção extremamente linda, desde que a ouvira pela primeira vez na interpretação do grupo The Everly Brothers, um dos melhores da história nesse tipo de canção. A versão dos Brothers foi lançada em 1962 e até hoje é considerada a melhor, mesmo assim não vou tirar os méritos do A-ha. Eles fizeram uma bela gravação do standart. Aliás uma das maiores qualidades do A-ha vem justamente dessa sutileza. Eles jamais inventam em músicas que precisam ficar na sua simplicidade original para não perderem sua essência melódica. Nesse ponto acertaram em cheio.

Além dessa excelente faixa inicial o disco ainda traz outros atrativos, como por exemplo, a simpática "Early Morning". Ela foi lançada como single e seu clip foi gravado em pleno Rock in Rio II. A música fez sucesso nas rádios, o que acabou impulsionando suas vendas (no total o álbum conseguiu vender mais de três milhões de cópias ao redor do mundo desde seu lançamento original, um número digamos de respeito). Pois bem, depois dessas duas faixas mais conhecidas o álbum segue em frente com uma coleção de boas canções, todas agradáveis. O A-ha também sempre se mostrou muito bom em álbuns justamente por essa capacidade de os preencher com um bom repertório aos ouvidos. Certo, não existem obras primas, mas todas valem ao menos uma audição descompromissada e relaxante. Curiosamente no meio desse retalho sonoro bem ok, a única que nunca me agradou muito foi justamente a canção título do disco, "East of the Sun". Apesar do bom arranjo de voz e violão (e quarteto de cordas ao fundo) nunca consegui realmente gostar de seu refrão. Já "Cold River" se sobressai por causa de seu ritmo mais voltado a um jazz sofisticado. Só peca por ser curta demais. Então basicamente é isso. Não é o meu disco preferido do A-ha, mas certamente vale a pena ter em sua coleção.

A-ha - East of the Sun, West of the Moon (1990)
Crying in the Rain
Early Morning
I Call Your Name
Slender Frame
East of the Sun
Sycamore Leaves
Waiting for Her
Cold River
The Way We Talk
Rolling Thunder
(Seemingly) Non-stop July

Pablo Aluísio.

Crimes Ocultos

Na União Soviética, sob o brutal regime comunista de Stálin, um oficial da polícia política, Leo Demidov (Tom Hardy), cai em desgraça junto ao Estado após se negar a entregar sua própria esposa, Raisa (Noomi Rapace), acusada injustamente de ser inimiga da revolução. Por ser uma herói de guerra acaba sendo poupado da execução, afinal foi ele o soldado que levantou a bandeira soviética no alto de um prédio em Berlim, no fim da II Guerra Mundial, dando origem a uma foto que se tornou histórica e símbolo da vitória russa sobre a Alemanha de Hitler. Sua punição vem então na forma de uma transferência para uma região remota da Rússia chamada Rostov. Ao chegar em seu novo posto ele acaba ficando sob o comando do implacável General Mikhail Nesterov (Gary Oldman). Eles precisam resolver juntos um mistério macabro. Várias crianças são encontradas mortas perto de ferrovias e estações de trem por todo o país. Certamente há um serial killer à solta, mas as investigações se tornam duplamente perigosas pois o regime de Stálin negava existir psicopatas na sociedade soviética, considerada perfeita sob o comunismo. Para os altos escalões desse Estado a figura do psicopata era exclusiva de sociedades capitalistas decadentes ocidentais como os Estados Unidos. Como investigar um assassino em série lutando contra a própria política de acobertamento do Estado Soviético?

Gostei bastante desse filme. Embora seja baseado em um livro de suspense escrito por Tom Rob Smith, a trama foi inspirada em fatos históricos reais. Nos anos 1950 a polícia soviética precisou organizar uma grande operação para descobrir e prender um serial killer de crianças que atuava na região de Rostov. Ele era Andrei Chikatilo, um burocrata que viajava de cidade em cidade resolvendo seus negócios e no caminho aproveitava para aliciar e matar crianças indefesas que encontrava em estações de trem e pequenas vilas. A maioria delas eram órfãs e abandonadas, vivendo de esmolas nesses lugares. As investigações confirmariam ao menos 53 assassinatos (muito embora hoje saiba-se que foi muito mais do que isso, já que ele matava suas vítimas no meio de florestas remotas, onde muitas vezes os corpos sequer eram encontrados por policiais). Além do excelente roteiro o filme ainda tem outros atrativos. Em termos de elenco não há o que reclamar. O filme tem três ótimos atores nos papéis principais, além de Oldman e Hardy se destaca também Joel Kinnaman (o ator que interpretou RoboCop na nova versão, também conhecido pela ótima série "The Killing"). Ele interpreta um agente político cruel e manipulador, velho desafeto do personagem de Tom Hardy, que faz de tudo para prejudicá-lo sempre que possível. A reconstituição histórica também é excelente, perfeita. Enfim, ótimo filme sobre um dos mais infames assassinos da história, cuja história se passou sob um dos regimes comunistas mais ferrenhos que já se teve notícia.

Crimes Ocultos (Child 44, Estados Unidos, Rússia, Inglaterra, República Tcheca, Romênia, 2015) Direção: Daniel Espinosa / Roteiro: Richard Price, baseado no livro de Tom Rob Smith / Elenco: Tom Hardy, Gary Oldman, Joel Kinnaman, Noomi Rapace / Sinopse: União Soviética. 1953. Leo Demidov (Tom Hardy) e o General Mikhail Nesterov (Gary Oldman) são dois investigadores que precisam desvendar uma série de mortes de crianças, perto de estações de trem por todo o país. Suas tentativas de solucionar os crimes esbarram no próprio Estado que não quer admitir que existam psicopatas dentro uma sociedade comunista supostamente perfeita como aquela. O lema de Stálin afirmava que "Não existiriam psicopatas no paraíso", algo que iria se revelar completamente sem sentido e mentiroso com o avanço das investigações.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 27 de maio de 2016

Platoon 1987

O grande vencedor do Oscar no ano de 1987 foi "Platoon", drama de guerra dirigido por Oliver Stone. Na época o filme foi recebido com grande entusiasmo por público e crítica porque supostamente o cinema americano finalmente havia encarado o desafio de contar parte da derrota americana na Guerra do Vietnã de uma forma sincera e corajosa. Antes disso filmes como "Rambo" ou "O Franco Atirador" já tinham colocado o dedo na ferida do orgulho nacional americano machucado, mas "Platoon" tinha um diferencial a seu favor. Era um drama sério, bem escrito e não um filme de ação ou existencialista. O público estava pronto para ver a queda do exército de seu país nas florestas tropicais do Vietnã.

Acontece que o próprio diretor Oliver Stone era um veterano de guerra. O que ele sabia do Vietnã não lhe havia sido contado e nem lido, mas vivenciado. Quando a guerra chegou ao seu ápice o jovem Oliver resolveu se alistar nas forças armadas. Voluntário, foi enviado para o front no sudeste asiático. Como era ainda muito jovem tinha uma visão patriótica e um tanto boba do que representava um conflito como aquele. Quando chegou no Vietnã compreendeu a enorme besteira que havia cometido. Stone era um dos poucos soldados brancos no exército. Apenas negros e pobres estavam naquele inferno. O velho sentimento de patriotismo lhe trouxe vergonha profunda do que estava vendo.

Um aspecto interessante sobre o roteiro é que na época foi divulgado que tudo o que se via na tela havia acontecido de fato, era uma espécie de biografia de Oliver Stone. Não era verdade, a informação não procedia. Anos depois o próprio Stone tratou de explicar. Na realidade o roteiro do filme era uma mistura de acontecimentos reais com ficção. Os dois personagens mais importantes eram os sargentos Elias (Willem Dafoe) e Barnes (Tom Berenger). Um representava o bem e o outro o mal. Um claro mecanismo dramático, para se contar esse enredo. Stone afirmou que ambos representavam na verdade vários oficiais e suboficiais que conheceu no Vietnã. Era uma representação e não algo real.

O saldo, apesar de tudo, foi dos melhores. O filme foi premiado com o Oscar de Melhor Filme, Direção, Som e Edição. O ator Charlie Sheen que interpretava o alter ego de Stone no filme foi considerado um dos prováveis astros do futuro, mas essa previsão não se concretizou. Sheen se envolveu com drogas e prostituição e viu sua carreira afundar no cinema (ela foi salva em parte quando resolveu se dedicar à TV). Recentemente ele confessou ser viciado em crack e ter AIDS. Nem Oliver Stone em seus momentos mais barra pesada pensaria em algo tão hardcore como isso.

Pablo Aluísio.

Busca Sem Limites

Título no Brasil: Busca Sem Limites
Título Original: Never Let Go
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos, México, Espanha
Estúdio: Latitude Films
Direção: Howard J. Ford
Roteiro: Howard J. Ford
Elenco: Angela Dixon, Nigel Whitmey, Lisa Eichhorn, Velibor Topic
  
Sinopse:
Lisa Brennan (Angela Dixon) é uma agente especial do governo americano que decide tirar férias no exótico Marrocos. Uma vez lá é surpreendida pelo sequestro de seu filho, um bebezinho. Tomada de fúria ela resolve para o acerto de contas com os sequestradores, um grupo internacional de tráfico de drogas.

Comentários:
Produção B sem maiores atrativos. A trama é clichê e as cenas de ação não empolgam. Na verdade esse filme mal conseguiu espaço nos cinemas americanos, sendo lançado diretamente no mercado de TV a cabo. O roteiro cai no lugar comum, tentando transformar uma mãe em heroína de filmes de ação. Para isso ela sai na mão com os vilões (todos caricaturais), faz acrobacias, mostra grande perícia em uso de armas de fogo e lutas marciais. Tudo isso para quê? Certamente para encher de orgulho as feministas, quem sabe... Do ponto de vista puramente cinematográfico porém essa produção não se sustenta. É rasa, fraca e derivativa. Não há nenhuma originalidade ou criatividades, se ainda fosse nos anos 80 quem sabe ainda se justificaria. Hoje em dia soa como coisa velha e ultrapassada. Se você gosta de ação não perca seu tempo, há coisas bem melhores por ai, basta procurar.

Pablo Aluísio.

Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado

Título no Brasil: Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado
Título Original: 4 - Rise of the Silver Surfer
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Tim Story
Roteiro: Don Payne, Mark Frost
Elenco: Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans, Michael Chiklis, Laurence Fishburne, Julian McMahon
  
Sinopse:
O Sr. Fantástico Reed Richards (Ioan Gruffudd) e a Mulher Invisível Susan Storm (Alba) planejam finalmente se casar. Afinal o mundo passa por um momento de paz e tranquilidade. Seus planos de núpcias porém são interrompidos quando surge nos céus de Nova Iorque um estranho ser, o Surfista Prateado (dublado pelo ator Laurence Fishburne). Ao lado do Tocha Humana (Evans) e da Coisa (Chiklis) eles partem para combater essa nova ameaça. Filme indicado ao prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria de Melhor filme de Ficção do ano.

Comentários:
Sinceramente eu gostei dessa primeira franquia do Quarteto Fantástico que chegou ao fim justamente nessa fita. Durante muito tempo alguns fãs de quadrinhos (sempre eles!) reclamaram muito dessa primeira série de filmes, mas agora devem estar arrependidos depois que foi lançado o novo filme (que foi considerado ruim pela maioria da crítica e público). Pois bem, nessa primeira franquia nada disso havia acontecido. A pura verdade é que o Quarteto Fantástico é um produto pop dos anos 60 com tudo de bom (e ruim também) que isso possa significar. Os heróis desse grupo são datados realmente, porque era parte da mentalidade da época. Os efeitos especiais são bons, isso é inegável e o roteiro conta com a presença desse personagem bem interessante do universo Marvel, o Surfista Prateado. Certa vez assisti a uma entrevista do criador Stan Lee explicando que usava o "The Silver Surfer" para dar voz aos seus pensamentos mais, digamos assim, existencialistas. Faz todo o sentido. No fim, quando chegamos na conclusão que o personagem roubou o filme para si, ficamos com a pergunta na cabeça: será que algum dia haverá uma franquia apenas com ele? Bom, tantos filmes já foram feitos com personagens bem menos relevantes que essa é uma possibilidade bem plausível. Só nos resta aguardar. Enquanto não vem fique com a dica dessa boa produção (caso você ainda não tenha visto). Boa diversão.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Marcas da Possessão

Título no Brasil: Marcas da Possessão
Título Original: Ava's Possessions
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos
Estúdio: Off Hollywood Pictures, Ravenous Films
Direção: Jordan Galland
Roteiro: Jordan Galland
Elenco: Louisa Krause, Carol Kane, Jemima Kirke, William Sadler
  
Sinopse:
Após ser exorcizada por um padre, a jovem Ava (Louisa Krause) tenta retomar sua vida, algo que não se mostra nada fácil pois enquanto esteve possuída cometeu alguns atos de extrema violência contra familiares e pessoas amigas. Agora ela tenta reconstruir suas relações pessoais frequentando um grupo de apoio formado por pessoas que passaram pelo mesmo problema que ela. O problema é que em pouco tempo ela começa a ter novas visões e sensações de que o mal ainda não a deixou completamente. Filme indicado ao Neuchâtel International Fantastic Film Festival.

Comentários:
"Ava's Possessions" tenta fugir um pouco do que estamos acostumados a ver nesse tipo de filme sobre exorcismos e possessões demoníacas. Ao invés de mostrar o "durante" desse processo ele se concentra no "depois", ou seja, o que acontece na vida de uma pessoa após ela passar por esse tipo de experiência traumática. Pena que o diretor Jordan Galland cometeu dois erros básicos nessa ideia inicialmente tão promissora. O primeiro equívoco foi tentar trazer um tipo de humor negro que simplesmente não funciona em nenhum momento do filme. O outro foi escalar o filho de John Lennon, Sean, para compor a trilha sonora incidental da produção. Ele criou um som do tipo nada a ver com filmes de terror. Aquela sonoridade eletrônica fora do contexto só serviu para estragar qualquer tipo de clima de terror que poderia ser aproveitado. Com excessos a trilha me convenceu que Sean Lennon não puxou ao pai, mas sim à mãe, a menos talentosa Yoko Ono. Mostra de forma muito clara como uma boa trilha é importante na composição de um filme de terror, pois quando ela não se mostra adequada tudo vem abaixo. Fora isso a atriz Louisa Krause ainda se esforça para melhorar um pouco o filme, mas é tudo em vão. "Marcas da Possessão" é muito moderninho para causar medo em alguém. No final tudo o que ele consegue passar ao espectador é aquela sensação de tempo perdido. Não vale a pena.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 26 de maio de 2016

Marley & Eu

Título no Brasil: Marley & Eu
Título Original: Marley & Me
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Fox 2000 Pictures, Regency Enterprises
Direção: David Frankel
Roteiro: Scott Frank, Don Roos
Elenco: Owen Wilson, Jennifer Aniston, Eric Dane
  
Sinopse:
Baseado numa história real o filme mostra a vida de um jovem casal, John (Owen Wilson) e Jenny (Jennifer Aniston), e seu cãozinho de estimação, o bagunceiro e divertido Marley ao qual seu dono considera o pior animal de estimação do mundo. Para sua surpresa Marley acaba sendo o grande amigo e protagonista de suas próprias vidas. Filme premiado pelo BMI Film & TV Awards, Kids' Choice Awards e Teen Choice Awards.

Comentários:
Quem já teve um animalzinho de estimação e sofreu com sua perda certamente vai acabar chorando nesse filme! Digo por experiência própria pois "Marley & Me" consegue nos atingir lá no fundo do peito nesse aspecto. Penso que ter um animal do qual cuidamos tantos anos e depois perdê-lo é realmente algo que nos marca profundamente. Dito isso, o roteiro não poderia ser mais propenso a emocionar. É basicamente a estória de um sujeito comum que certo dia leva para casa aquele que ele considera "o pior cachorro do mundo", mas que nos anos que virão o acompanhará nos momentos mais marcantes de sua vida. Um aspecto interessante desse filme é que o comediante Owen Wilson nunca esteve tão bem. Ele é ótimo para interpretar sujeitos de bem com a vida, meio avoados e de boa. Aqui ele trouxe uma leveza tão grande ao filme que só melhorou ainda mais o clima geral. Chegou até mesmo a ofuscar Jennifer Aniston, que não faz nada muito além do que desfilar sua imagem de "namoradinha da América" pela tela. Mesmo com dois bons atores no elenco quem acaba roubando mesmo as atenções (não poderia ser diferente) é o cãozinho Marley (na verdade uma série de animais foram usados ao longo do filme). Sua estória inclusive levou a uma explosão de procura pela raça do bichinho nas lojas de pets por todo o mundo. Ah e antes que me pergunte: O Marley é um cão da raça Labrador, um ótimo companheiro nessa viagem chamada vida. Se ainda não assistiu não deixe de conferir (e não esqueça de levar um lencinho junto pois as lágrimas serão certas). 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Soldado Universal

Título no Brasil: Soldado Universal
Título Original: Universal Soldier
Ano de Produção: 1992
País: Estados Unidos
Estúdio: StudioCanal, Carolco Pictures
Direção: Roland Emmerich
Roteiro: Richard Rothstein, Christopher Leitch
Elenco: Jean-Claude Van Damme, Dolph Lundgren, Ally Walker
  
Sinopse:
Dois militares, Luc Devereaux (Jean-Claude Van Damme) e Andrew Scott (Dolph Lundgren), são submetidos a um novo projeto governamental que visa criar o soldado perfeito. Usando de tecnologia cibernética o objetivo seria criar um combatente insensível à dor, altamente eficiente no campo de batalha, mas sem os sentimentos inerentes aos seres humanos. No começo tudo vai bem até que algo começa a sair errado, fazendo com que Luc e Andrew comecem a recuperar sua humanidade.

Comentários:
Eu nunca fui muito fã desse filme que misturava o universo Sci-fi com a pegada dos filmes de ação que eram extremamente populares na época de seu lançamento. E olha que quando o filme fez sucesso eu ainda era bastante jovem, propenso a gostar desse tipo de fita. Por falar em fita estamos aqui falando dos tempos das locadoras de fitas VHS. Veja, filmes como "Universal Soldier" não lotavam cinemas na década de 90, pelo contrário, seus lançamentos em salas de exibição eram até modestos. O sucesso mesmo vinha nas locadoras de vídeo. Aí o filme fazia a festa, lucrando muito para os donos desses estabelecimentos comerciais (hoje em dia em franca extinção). Bastava conferir o ranking dos filmes mais locados do mês (havia muitos deles em revistas de cinema, também hoje em dia praticamente extintas) para perceber que qualquer filme estrelado por Jean-Claude Van Damme era sucesso imediato nas prateleiras brasileiras. Esse aqui tinha dois diferencias além de ser uma ficção: trazia no elenco o grandalhão Dolph Lundgren e era dirigido por Roland Emmerich em comecinho de carreira. Quem poderia imaginar naquela altura que esse diretor alemão iria nos anos seguintes dirigir vários blockbusters comerciais como "Godzilla", "Stargate" e "Independence Day" nos anos que viriam? Pois é, o mundo realmente dá voltas.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro

O serviço secreto inglês descobre que seu agente James Bond (Roger Moore) está na mira de um assassino profissional conhecido como Francisco Scaramanga (Christopher Lee). Suas intenções de liquidar 007 ficam óbvias após ser encontrado uma bala de ouro com o código de Bond impresso nela. Há suspeitas que o mesmo assassino tenha matado friamente o agente 002 numa missão. Para evitar maiores problemas a agência de espionagem resolve assim afastar Bond de seus serviços por um tempo. Livre de cumprir uma agenda de missões, Bond resolve então ir atrás por conta própria de Scaramanga. Como pista usa a própria bala que foi dirigido a ele. Em pouco tempo James Bond segue seu rastro em lugares tão distantes como Beirute, Hong Kong e Macau. O infame assassino profissional usa uma arma de ouro, com calibre próprio. Para Bond essa seria uma pista segura para se chegar até ele.

Esse foi o segundo filme de Roger Moore como James Bond. O primeiro, "Com 007 Viva e Deixe Morrer", foi sucesso de público e crítica. Uma alívio para os produtores que temiam que a franquia chegasse ao fim com a saída de Sean Connery. Esse segundo filme não é tão bom quanto o anterior, mas inegavelmente tem seus méritos. O maior deles talvez seja a presença do ótimo ator Christopher Lee como o vilão Scaramanga. Ele é um tipo bizarro, com uma característica física incomum (tem três mamilos!) e um assistente anão tão perverso quanto o próprio. Esse papel foi interpretado pelo ator Hervé Villechaize (que ficou muito conhecido no Brasil interpretando o personagem Tatu na série "A Ilha da Fantasia", que fez bastante sucesso na TV brasileira durante os anos 70). O roteiro não tem muitos mistérios ou tramas internacionais a se revelar, se resumindo muitas vezes a ser apenas uma disputa de vida ou morte entre Bond e Scaramanga. Esse porém não é um problema exclusivo do filme em si. O livro escrito por Ian Fleming em 1965 também foi criticado por essa razão. Enfim, um bom filme da safra com Roger Moore que com ele se estabeleceria definitivamente como Bond, só deixando a série em meados da década seguinte.

007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro (The Man with the Golden Gun, Inglaterra, 1974) Direção: Guy Hamilton / Roteiro: Richard Maibaum, Tom Mankiewicz, baseados no livro escrito por Ian Fleming / Elenco: Roger Moore, Christopher Lee, Hervé Villechaize, Britt Ekland / Sinopse: O agente inglês James Bond (Roger Moore) passa a ser caçado pelo assassino profissional Francisco Scaramanga (Christopher Lee), dando início a uma disputa de vida e morte entre eles. Filme premiado pelo Saturn Award na categoria Best DVD / Blu-Ray Collection.

Pablo Aluísio. 

quarta-feira, 25 de maio de 2016

Elvis Presley - Always On My Mind

Com a chegada do CD no mercado a gravadora de Elvis Presley começou a lançar novas coletâneas turbinadas para os novos tempos. Capas foram criadas - algumas bem exageradas - e novas seleções de repertório foram elaboradas pelos executivos. A despeito da nova roupagem o fato é que não havia nada de novo uma vez que Elvis estava morto e pelo menos até aquele momento a gravadora se limitava a apenas lançar uma coletânea atrás da outra, sem grande atrativos para os fãs mais veteranos.

Esse "Always On My Mind" aproveitava o sucesso mundial tardio da música título que na época da carreira de Elvis não havia se destacado, sendo lançada como mero lado B de um single com "Separate Ways". A RCA apenas aproveitou a capa do álbum "Elvis" de 1973 e criou essa direção de arte bem new wave, vamos colocar dessa forma. O repertório é todo baseado entre o final dos anos 60 e a década de 70. Da fase final da carreira de Elvis pincelaram as canções "Unchained Melody" (do álbum Moody Blue), "Bitter They Are, Harder They Fall". "Solitaire" e "Hurt" (do disco "From Elvis Boulevard"). Depois preencheram tudo com músicas de discos diversos da carreira do cantor como "I've Lost You" (do That´s The Way It Is) e "My Boy" (de 1974, do "Good Times"). Nada mais do que isso. Mesmo na época de lançamento desse CD no Brasil, quando o Compact Disc ainda era uma grande novidade tecnológica, ele não chegou a me interessar. Como um fã de Elvis que estava interessado em sua discografia oficial ele não me chamou maior atenção. Para admiradores ocasionais e marinheiros de primeira viagem porém pode até servir como cartão de visitas do tipo de som que Elvis fazia em seus momentos finais. Se esse for o seu caso, bem, arrisque!

Elvis Presley - Always On My Mind
1. Separate Ways
2. Don't Cry Daddy
3. My Boy
4. Solitaire
5. Bitter They Are, Harder They Fall
6. Hurt
7. Pieces Of My Life
8. I Miss You
9. It's Midnight
10. I've Lost You
11. You Gave Me A Mountain
12. Unchained Melody
13. Always On My Mind

Pablo Aluísio.

terça-feira, 24 de maio de 2016

Dr. Terror's House of Horrors

Uma boa dica para quem gosta de filmes antigos é rever (ou ver pela primeira vez, conforme o caso) velhas produções inglesas de terror. A minha indicação de hoje vai para o clássico "As Profecias do Dr. Terror" (Dr. Terror's House of Horrors, Inglaterra, 1965). Veja bem, havia uma sofisticação nessas produções que não se via em lugar nenhum do mundo naquela época. Enquanto Hollywood produzia faroestes e dramas em ritmo industrial, os ingleses se especializaram em filmes de terror, alguns hoje em dia considerados verdadeiras obras primas do gênero.

Nessa fita temos um atrativo a mais, a presença de dois ícones em cena, Christopher Lee e Peter Cushing. Enquanto Lee interpreta um cético, um arrogante homem que vive como crítico de arte em Londres, Cushing dá vida (ou morte, dependendo do ponto de vista) ao protagonista. Ele se apresenta como o Dr. W. R. Schreck aos demais passageiros de um trem durante uma viagem noturna partindo de Londres. Ao cochilar acaba deixando cair ao chão sua bagagem que revela um baralho de cartas de tarot. Quem conhece esse tipo de filme sabe que nada acontece ao acaso. As cartas despertam a curiosidade dos demais passageiros que pedem ao sinistro doutor que leia o futuro de cada um deles.

Esse gancho narrativo assim abre a oportunidade do roteiro contar cinco contos de terror, cada um deles explorando algum tipo de estória clássica de horror. Há espaço para todos os gostos nesse menu. No primeiro conto um jovem arquiteto é contratado para ir até uma velha casa nos arredores da cidade. Sua dona deseja fazer reformas nela. Para verificar se isso seria possível ele desce até o porão e lá encontra uma velha tumba que reza a lenda pertenceu ao antigo morador que nas noites de lua cheia se transformava em uma criatura, metade homem, metade lobo (o nosso conhecido lobisomem dos filmes clássicos). Não é por outra razão que esse primeiro conto se chama "Werewolf".

Os dois seguintes são os mais fracos. O segundo, intitulado "Creeping Vine", é certamente o mais sem graça. Chegou a me lembrar de "A Pequena Loja de Horrores". Nele uma planta desconhecida começa a aterrorizar uma família quando começa a atacar todos os moradores (e até o cachorrinho de estimação) da região. Fraquinho realmente. O terceiro é um pouco melhor. Em "Voodoo" um trombonista inglês paga caro quando em turnê com sua banda numa ilha do Caribe resolve fazer chacota de uma velha divindade da religião vodu local. O quarto conto de terror se sobressai pois tem o excelente Christopher Lee no elenco. Ele é um crítico de arte boçal que paga caro por sua arrogância. Por fim em "Vampire" um jovem Donald Sutherland acaba descobrindo que seu casamento não é a maravilha que ele pensava já que sua própria esposa é uma vampira.

Pelas resenhas dos contos já deu para perceber que há muito humor negro inglês envolvido. O filme foi produzido pela Amicus Productions que concorria com a Hammer por esse mercado de produções de terror. Ambas se notabilizaram pela sofisticação, bom gosto e bons filmes. Certamente uma época de ouro para quem era fã de filmes desse estilo. Para ler mais sobre "As Profecias do Dr. Terror" click aqui e leia uma resenha que escrevi em outro blog.

Pablo Aluísio. 

As Profecias do Dr. Terror

Título no Brasil: As Profecias do Dr. Terror
Título Original: Dr. Terror's House of Horrors
Ano de Produção: 1965
País: Inglaterra
Estúdio: Amicus Productions
Direção: Freddie Francis
Roteiro: Milton Subotsky
Elenco: Christopher Lee, Peter Cushing, Donald Sutherland, Roy Castle
  
Sinopse:
Durante uma viagem, em um vagão de trem, um homem misterioso que se diz chamar Dr. Schreck (Peter Cushing) começa a colocar cartas de tarot para os demais passageiros, mostrando através delas o futuro de cada um deles. Isso dá origem a uma série de contos de terror onde elementos fantásticos cruzam o caminho do destino de todos eles.

Comentários:
Um filme de terror inglês muito bem realizado, com boa produção e um elenco realmente acima da média. São cinco contos de terror, todos eles profetizados pelo Dr. Terror (Cushing), um dos passageiros em uma viagem de trem. No primeiro denominado "Werewolf" um arquiteto é contratado para ir até uma velha casa. Sua proprietária quer reformar o lugar. Ao descer no porão o sujeito descobre por acaso uma tumba que supostamente teria pertencido a um homem que em um passado distante se transformava em lobisomem nas noites de lua cheia. Em "Creeping Vine" uma planta misteriosa parece ter inteligência, matando todos os que cruzam seu caminho. No terceiro conto chamado "Voodoo" um músico inglês em viagem a um país caribenho debocha de uma antiga divindade vodu. Ele resolve copiar a música usada em cultos religiosos a essa divindade e a leva de volta a Londres com consequências terríveis para todos. "Disembodied Hand" mostra um arrogante e petulante crítico de arte, Franklyn Marsh (Christopher Lee), que parece ter imenso prazer em desmoralizar o trabalho de alguns pintores. Ao ser humilhado por um deles, resolve se vingar, passando com seu carro em cima da mão desse artista. Ele morre, mas sua mão resolve voltar do além para acertar contas com o assassino. Por fim, fechando o filme, surge o quinto conto, "Vampire". Um jovem médico, o Dr. Bob Carroll (Donald Sutherland) tem sua vida, que parecia tão perfeita, virada de cabeça para baixo ao descobrir que sua jovem e bela esposa é na verdade uma vampira. Todas as estórias possuem uma fina ironia, típica do humor negro inglês, que melhora ainda mais o resultado final. Como era de se esperar alguns contos são melhores do que os outros, mas de uma maneira em geral tudo é muito divertido, nostálgico e até mesmo saboroso. Um exemplo perfeito do charme do cinema inglês em seu momento de auge criativo no gênero terror. Imperdível realmente.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

George Lucas

Em 1999 o diretor e roteirista George Lucas deu uma rara entrevista a uma revista americana onde falou com extrema sinceridade sobre sua vida e obra. Lucas sempre foi considerado um cineasta que não dava entrevistas à imprensa e só havia aberto espaço naquele ano por causa do lançamento de "Star Wars - Episódio I - A Ameaça Fantasma", um filme muito aguardado, mas que de certa maneira frustrou as expectativas dos fãs da saga.

Perguntado porque havia se passado tanto tempo entre "O Retorno de Jedi" (lançado em 1983) e esse novo filme Lucas explicou que ainda não existia tecnologia necessária para colocar suas ideias na tela. Ele queria filmar o começo de toda a estória, o primeiro episódio, que havia escrito ainda nos anos 70. Como se sabe o primeiro filme "Guerra nas Estrelas" era na verdade o quarto episódio de uma saga escrita por Lucas ainda na universidade. Alguns personagens foram suprimidos e outros criados pois para Lucas aquele enredo era o mais acessível para o público na época. O filme se tornou uma das grandes bilheterias da história do cinema, rompeu marcos históricos de vendas de ingressos e virou um fenômeno, gerando muito dinheiro em licenciamento de brinquedos, bonecos, produtos, etc. Isso era algo inédito até então. Depois vieram mais dois blockbusters, "O Império Contra-Ataca" e "O Retorno de Jedi" e então Lucas parou tudo.

Nessa mesma entrevista, em um momento de sinceridade, Lucas ainda admitiu que a falta de tecnologia em efeitos especiais não foi o único motivo de ter se afastado de "Star Wars" e sua saga. Havia um elemento em sua vida pessoal também. Sua primeira esposa o abandonou por um homem dez anos mais jovem, o que Lucas disse ser "uma história clássica de traição" e isso o devastou por anos e anos. Veio em seguida uma depressão profunda que o paralisou como artista e cineasta. Depois disso Lucas colocou todo o material de "Star Wars" de lado para tentar organizar novamente sua vida pessoal.

O fato é que "Star Wars" poderia ter se encerrado definitivamente na trilogia original. Lucas já não tinha mais interesse até que a Fox resolveu lhe fazer uma proposta absurda em termos de dinheiro para que ele retomasse uma nova trilogia. Essa segunda trilogia não seria tão bem sucedida em termos de crítica como a primeira. Os filmes tinham roteiros ruins e pasmem, nem os efeitos especiais ficaram tão bons como era esperado. Some-se a isso a avalanche de críticas que Lucas teve que aguentar dos próprios fãs da saga e você entenderá porque há alguns anos ele resolveu finalmente se livrar de tudo, vendendo todos os direitos para a Disney. Milionário e renascido com uma nova paixão (uma jornalista negra), Lucas não parece disposto a se envolver novamente com o universo que criou. Esse tempo acabou em sua vida, segundo sua própria opinião.

Pablo Aluísio.

Stallone Cobra 1986

Na década de 80 o ator Sylvester Stallone estava na crista da onda, colecionando sucessos em Hollywood. Ele tinha conseguido emplacar duas séries de bilheteria: Rocky e Rambo e era o astro mais bem pago da indústria cinematográfica. Depois de mais um êxito comercial, "Rocky IV" onde enfrentava uma máquina de lutar soviética (o grande inimigo dos americanos na época da guerra fria), o próprio Stallone escreveu o roteiro de um novo personagem, um filme policial e violento com toques de "Dirty Harry", o ícone durão que havia sido interpretado por Clint Eastwood numa série de filmes de sucesso entre as décadas de 70 e 80. Aquela fórmula parecia ser uma ótima ideia para Stallone escrever seu novo roteiro e assim ele o fez.

O personagem de Stallone era um tenente ítalo americano da polícia chamado Marion 'Cobra' Cobretti. É curioso que a marca registrada dele tenha sido a violência insana. Na época Stallone estava sendo acusado de estrelar filmes muito violentos, sem roteiros convincentes e sem conteúdos relevantes. Por essa razão não é de se admirar que ele tenha escrito um personagem que representava justamente isso, um tira violento que não estava nem aí para os direitos humanos dos bandidos que encontrava pela frente. Sim, era uma "releitura" de Dirty Harry, isso era inegável, mas Stallone soube também colocar elementos novos.

Era óbvio desde seu lançamento que "Stallone Cobra" não primava por um bom roteiro. A trama era das mais simples. Na verdade Stallone caprichou mesmo na criação de cenas bem marcantes, principalmente de ação. Ele não estava interessado em criar um grande perfil psicológico de seu tira, mas sim rechear a produção de muitas cenas violentas, como a do mercadinho e a cena final, que na época de lançamento do filme trouxe problemas, principalmente no Brasil onde o filme acabou ganhando uma classificação absurda de 18 anos, algo que só era usado em filmes pornográficos. A molecada fã do ator reclamou e muito.

O jeito foi a distribuidora nacional criar cortes, o que era outro descalabro. Para ganhar uma classificação de 16 anos o filme foi todo picotado, chegando assim ao grande público. Quem lembra do Paulo Brossard, ministro, comprando briga com a produtora do filme? Tempos absurdos aqueles. De uma forma ou outra "Stallone Cobra" fez grande sucesso, mas Stallone deixou o personagem de lado, isso quando todos esperavam por uma continuação tal como havia acontecido com "Rocky" e "Rambo". Pior do que isso em uma entrevista há alguns anos o próprio ator deixou claro que esse "Stallone Cobra" era um filme que não havia lhe agradado muito, apesar de ser sua criação. Pelo visto o policial violento de Stallone nunca mais retornará para as telas.

Pablo Aluísio.

Schindler's List

Quando "Schindler's List" chegou aos cinemas em 1993 a crítica de todo o mundo disse que Steven Spielberg tinha finalmente crescido e virado um adulto. Era uma metáfora pelo fato de que o diretor que havia se consagrado na carreira com filmes com muita fantasia e imaginação finalmente encarava um drama histórico com tema extremamente pesado. "Schindler's List" deixava o mundo de Peter Pan de lado, pois era real, dolorosamente real.

O roteiro era inspirado na história real do industrial alemão Oskar Schindler. No começo da Segunda Guerra Mundial ele havia usado de toda a sua influência no Partido Nazista para que fosse enviado o máximo de judeus em ritmo de trabalho escravo para trabalharem como mão de obra em sua fábrica. Com o tempo porém algo aconteceu e Schindler começou a pedir mais e mais mão de obra com a clara intenção de salvar todos aqueles judeus dos campos de concentração da Alemanha Nazista. E assim, fazendo listas e mais listas com o nome desses judeus ele salvou gerações de serem mortas pela política de extermínio final do III Reich. Durante anos a figura desse industrial foi controversa, havendo apoiadores e detratores. Spielberg optou por celebrar seus atos. O filme é dessa maneira uma celebração de sua memória. O que Spielberg louva e homenageia é e atitude do industrial em salvar as vidas humanas do povo judeu perseguido.

O diretor resolveu filmar em preto e branco como uma espécie de referência à época em que se passa a história. Apenas trouxe cores para um pequeno momento do filme envolvendo uma garotinha prestes a encarar o horror do holocausto. Nesse ponto acertou, assim como acertou no maravilhoso elenco.

Liam Neeson interpreta o industrial, Ben Kingsley o seu assistente judeu que o ajuda na elaboração da lista e finalmente Ralph Fiennes arrasa como o oficial alemão já enlouquecido pela loucura e insanidade da guerra e da morte de tantas pessoas, todas em ritmo industrial, sem humanidade, sem alma e sem perdão. "A Lista de Schindler" é certamente o mais relevante filme da carreira de Steven Spielberg. Um filme deveras humano de um momento em que faltou justamente humanidade para aquele regime completamente brutal. A mensagem que fica é perene e imortal: holocausto nunca mais!

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 23 de maio de 2016

O Passado Não Perdoa / A Tortura da Suspeita

Esse fim de semana aproveitei o tempo livre para assistir a dois clássicos que seguiam inéditos até o momento. Dois excelentes filmes, é bom frisar. O primeiro foi "A Tortura do Silêncio". É um thriller de suspense com um enredo que me lembrou muito os filmes de Alfred Hitchcock. O mitológico Gary Cooper interpreta um empregado de uma empresa em Londres que acaba supostamente testemunhando um assassinato. Seu próprio patrão é esfaqueado e 60 mil libras são roubadas. Mesmo na escuridão o personagem de Cooper acusa um outro funcionário do crime. O sujeito é preso e condenado à prisão perpétua.

Pouco tempo depois o próprio George (Cooper) surge com dinheiro suficiente para abrir sua própria empresa de navegação. O negócio prospera e ele fica rico. Sua esposa Martha (interpretada pela ótima Debora Kerr) começa a ficar desconfiada de tudo. Afinal o dinheiro roubado na empresa jamais fora encontrado. Teria sido ele o real assassino? O roteiro assim aproveita essa situação limite para desenvolver toda a sua trama. Um aspecto interessante é que até a cena final o espectador fica na dúvida sobre ser o personagem de Cooper inocente ou culpado. Extremamente bem escrito, é um ótimo momento da filmografia do ator. Infelizmente Cooper morreria naquele mesmo ano, sendo esse seu último filme. Para ler a sinopse, ficha técnica e comentários clique aqui!

O outro belo clássico que assisti foi "O Passado Não Perdoa". Esse é um faroeste dirigido por John Huston. Todo cinéfilo sabe que Huston foi um mestre da sétima arte. Ele nunca realizava filmes banais ou que caíssem no lugar comum. Era um cineasta dos mais constantes na realização de obras primas. Esse filme é uma delas. O roteiro começa mostrando o dia a dia de um clã familiar no velho oeste. Eles vivem em um rancho situado no deserto, em pleno território Kiowa. De tempos em temos os nativos guerreiros promovem massacres de colonos brancos na região. O patriarca da família Zachary foi morto em um desses ataques. Agora quem lidera o clã é Ben Zachary (Burt Lancaster), o irmão mais velho. Ele vive de transportar e vender gado pela região. A rotina familiar segue tranquila e feliz até que os Kiowas retornam.

Eles querem que Ben lhes dê a sua própria irmã, a jovem Rachel (interpretada por Audrey Hepburn, maravilhosa como sempre), para que ela seja levada para as montanhas onde vive a tribo. Para os Kiowas ela teria sido raptada de sua aldeia no passado. Um ataque feito pelo próprio patriarca Zachary. Claro que Ben (Lancaster) recusa de forma veemente a possibilidade de Rachel ser entregue de volta aos índios, o que acaba dando origem a uma verdadeira guerra entre brancos e indígenas. Huston mostra maestria na condução do filme. Ele não tem pressa, desenvolvendo cada personagem de forma bem caprichada. O elenco conta ainda com dois outros coadjuvantes bem interessantes para os cinéfilos: a presença da diva do cinema mudo Lilian Gish, como a velha matriarca e Audie Murphy, como o irmão do meio da família Zachary, uma pessoa que ainda não conseguiu superar seus preconceitos de natureza racial. Em suma, um belíssimo trabalho do mestre John Huston, um diretor que jamais me decepcionou. Para ler a resenha completa desse western clique aqui!

Pablo Aluísio.

sábado, 21 de maio de 2016

Natalie Portman - Jane Got a Gun

Natalie Portman havia dado um tempo na carreira pois ela teve um filho, estava se organizando em sua vida pessoal e por essa razão deixou um pouco o cinema de lado. Também convenhamos depois da chuva de prêmios do consagrado "Cisne Negro" era mesmo de se esperar que algo assim viesse a acontecer. Tirando algumas participações (quase) especiais em filmes e até videoclips (ela está em "My Valentine", clip de Paul McCartney, por exemplo) a atriz não fez nada de muito relevante. Parecia estar numa boa, curtindo merecidas férias, aproveitando todo o dinheiro e prestigio de uma carreira bem sucedida.

Agora em 2016 ela ressurge nesse faroeste! Quando estava assistindo a esse filme chamado "Jane Got a Gun" fiquei pensando que ela nunca havia feito nada parecido na carreira. Havia me esquecido que Natalie participou de outro western, em 2003, chamado "Cold Mountain". O esquecimento foi justificado pois ela ainda era bem jovem e seu papel não era de destaque - na verdade duas outras atrizes estrelaram aquele filme, Nicole Kidman e Renée Zellweger. Pois é, o tempo passou, ela ficou muito marcada como a princesa Padmé da segunda trilogia de "Star Wars" (filmes de que sinceramente nunca gostei muito) e depois de 13 anos voltou ao velho oeste.

Mais do que atuar Portman também produziu esse novo filme ao lado dos irmãos Weinstein, antigos fundadores e donos do estúdio Miramax. O resultado é muito bom. É curioso porque assim que vi Portman no elenco logo pensei que viria algo diferente, um faroeste com toques mais inovadores, indo para o lado do cinema de arte, cult. Estava enganado. Esse roteiro é bem tradicional, na verdade poderia até mesmo ser estrelado por John Wayne em seus bons anos. O tema da vingança é um dos mais caros e usados em faroestes dos anos 50 e 60. A única novidade que realmente vale citar é o fato de que o roteiro não traz a estória mastigada para o espectador. A narrativa foge um pouquinho do estilo mais linear, usando como ferramenta de narração o velho e bom flashback (uso de cenas do passado dos personagens).

Outro aspecto que me chamou a atenção é que a personagem de Portman, chamada Jane, não é uma mocinha tradicional de filmes desse tipo. Ela não é uma garota amedrontada, que não consegue se defender. Pelo contrário. Numa das melhores cenas do filme ela é encurralada em um beco por um pistoleiro, antigo desafeto, que não apenas a ameaça como pensa em estuprá-la. Ao invés de gritar ou ficar em desespero Jane saga seu colt e manda o criminoso para o inferno. Aliás a Jane do filme precisa mesmo ser muito forte e decidida. Com o marido baleado, agonizante em seu rancho, e um grupo de bandoleiros indo até lá para matar os dois ela precisa ser uma mulher mais do que forte. É necessário mostrar confiança e personalidade. Assim deixo a dica desse novo faroeste. Tanto os fãs mais tradicionais do gênero como os admiradores de Portman certamente vão gostar do resultado.

Pablo Aluísio.

Para ler mais sobre Jane Got a Gun clique aqui!

The Beatles - Twist and Shout

Durante a carreira dos Beatles a EMI Odeon, a gravadora do grupo na Inglaterra, não exercia qualquer controle sobre os lançamentos da banda nos Estados Unidos e no Canadá. Nesses países os direitos dos Beatles pertenciam à Capitol Records, poderosa companhia fonográfica da costa oeste. Assim os americanos resolveram criar seus próprios discos, misturando faixas da discografia oficial inglesa, dando origem a títulos próprios. O mesmo sucedia no braço canadense da Capitol. No Canadá os discos eram compostos aleatoriamente por executivos locais, de acordo com as músicas que faziam mais sucesso nas rádios de Toronto, Montreal e Ottawa.

Assim foi criado esse álbum, um dos primeiros a serem lançados no Canadá. Você pode até se perguntar qual seria a importância disso para um fã dos Beatles nos dias de hoje? Acontece que esse disco é um dos mais raros atualmente entre colecionadores. Seu lançamento restrito, lançado apenas dentro das fronteiras canadenses, faz com que um original da época, em bom estado, alcançasse boas cifras no mercado. O repertório é basicamente retirado do disco "Please Please Me" com a inserção de canções de sucessos que foram originalmente lançadas em singles ingleses e americanos (como o hit "She Loves You" que fecha o disco). Um bom retrato do que vinha fazendo sucesso na voz do quarteto em sua época de lançamento. A capa é das melhoras. Essa foto dos Beatles pulando virou ícone na Beatlemania e foi aproveitada em discos, singles e compactos ao redor do mundo. Por falar nisso é bom salientar que os Beatles possuem uma das discografias mais variadas da história da música, fruto dessa liberdade que a EMI Odeon dava às gravadores de outros países. Em razão disso praticamente nenhuma discografia nacional dos Beatles é igual a outra, fato que inclusive se repetiu na discografia brasileira. Um gostinho a mais para os colecionadores de álbuns do conjunto.

The Beatles - Twist and Shout (1964)
Anna (Go to Him)
Chains
Boys" 
Ask Me Why
Please Please Me
Love Me Do
From Me to You
P.S. I Love You
Baby It's You
Do You Want to Know a Secret
A Taste of Honey
There's a Place
Twist and Shout
She Loves You

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 20 de maio de 2016

The Offering

Título Original: The Offering
Título no Brasil: Ainda Não Definido
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos, Singapura
Estúdio: Highland Film Group
Direção: Kelvin Tong
Roteiro: Kelvin Tong
Elenco: Elizabeth Rice, Pamelyn Chee, Matthew Settle
  
Sinopse:
Após a morte de sua irmã em Singapura, a jovem americana Jamie Waters (Elizabeth Rice) resolve viajar até aquele distante país asiático para trazer sua sobrinha de volta aos Estados Unidos. Uma vez lá começa a desconfiar das causas da morte de sua irmã, uma vez que o laudo oficial determinava como causa mortis o suicídio. Pesquisando ela descobre que a velha casa onde ela morava teria um passado negro, onde vários membros de uma mesma família teriam sido mortos por um pai enlouquecido, que praticava magia negra. Agora ela precisa salvar a sobrinha das garras do mal absoluto.

Comentários:
Alguns roteiros de filmes de terror possuem muito potencial. Infelizmente nem sempre grandes ideias dão muito certo nas telas. É o que vejo no caso dessa produção. Há várias boas ideias dentro da trama, mas nenhuma delas é bem trabalhada ou desenvolvida. O simbolismo que vai surgindo é um dos pontos mais interessantes que fica pelo meio do caminho. Várias pessoas, de diferentes camadas sociais, cometem suicídio. No lugar onde as mortes ocorrem surge um velho símbolo demoníaco referente a Leviatã, uma velha criatura citada no velho testamento. Isso por si só já daria margem a uma boa estória de terror, mas nada é muito bem realizado nesse aspecto. A atriz Elizabeth Rice é bonita e diria até talentosa, mas não tem muito o que fazer com o material do roteiro. Em termos de efeitos especiais eles são até discretos. Na cena final acontece um grande exorcismo envolvendo um padre traumatizado com rituais desse tipo, pois no passado uma pessoa exorcizada por ele teria morrido em suas mãos. A culpa então se torna esmagadora. Por essa razão sua fé estaria abalada, chegando ao ponto dele duvidar até mesmo da existência de Deus. Agora, frente a frente com o Leviatã, ele precisa voltar a erguer uma muralha de espiritualidade em torno de si mesmo. Outro fato que acabei percebendo foi que as situações criadas pela trama acabam tendo soluções rápidas demais. Fora isso o suspense não é bem desenvolvido. Em suma, tudo pode ser resumido mesmo na seguinte frase: várias boas ideias que não foram bem aproveitadas. Fica para a próxima então.

Pablo Aluísio.

Revólver

Título no Brasil: Revólver
Título Original: Revolver
Ano de Produção: 2005
País: França, Inglaterra
Estúdio: EuropaCorp Films
Direção: Guy Ritchie
Roteiro: Luc Besson, Guy Ritchie
Elenco: Jason Statham, Ray Liotta, Vincent Pastore, Mark Strong
  
Sinopse:
Jake Green (Jason Statham) passa longos anos preso. Ele acabou caindo numa cilada armada por outro criminoso chamado Dorothy Macha (Ray Liotta). Pior do que isso, acaba sendo também diagnosticado com uma rara doença que lhe dá pouco tempo de vida. Assim Jake não tem como esperar para promover sua vingança pessoal contra Macha e é justamente isso o que ele pretende fazer com suas poucas semanas de vida. Filme premiado pelo Golden Trailer Awards na categoria de Melhor Trailer - Filme de ação estrangeiro.

Comentários:
As qualificações desse filme de ação são as melhores possíveis. Primeiro é um filme inglês com Jason Statham. Eu já escrevi várias vezes de que qualquer produção britânica com Jason vale muito a pena. Certo, nos Estados Unidos ele realmente estrelou algumas bobagens, mas dentro da indústria inglesa de cinema ele só acertou. Não sei quais as razões disso acontecer, mas é uma verdade absoluta na filmografia de Statham. O segundo aspecto positivo é que o filme foi dirigido por Guy Ritchie. Esse é um cineasta que sempre procura fugir do lugar comum. Duvida? Basta olhar para a linguagem de Revolver para entender bem isso. Guy não parte de uma narrativa convencional, mas foge disso para não parecer óbvio demais. Assim tudo ganha um clima meio surreal, quase louco. Além disso o roteiro foi escrito a quatro mãos em parceria com Luc Besson. Hoje em dia Besson já não está mais em seus dias mais talentosos, mas pelo menos mantém uma certa postura artística de também fugir do lugar comum. Some-se a isso a pitada final da presença de Ray Liotta (ele sempre está ótimo em filmes de gangsters) e você terá uma fita de ação acima da média, valorizada pela narrativa fora do normal e por uma quantidade de cenas de ação bem realizadas para ninguém colocar defeito. Assim se você estiver a procura de uma boa fita com muita ação e originalidade deixo a dica de "Revolver". Certamente você não se arrependerá da escolha. É um filme pauleira com muito estilo.

Pablo Aluísio.

A Teoria de Tudo

Título no Brasil: A Teoria de Tudo
Título Original: The Theory of Everything
Ano de Produção: 2014
País: Inglaterra
Estúdio: Working Title Films
Direção: James Marsh
Roteiro: Anthony McCarten
Elenco: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Tom Prior
  
Sinopse:
Ao entrar numa das melhores universidades da Inglaterra o jovem Stephen Hawking (Eddie Redmayne) pensa que está indo no caminho certo em sua vida. Ele prevê uma brilhante carreira acadêmica em seu futuro. Para completar seu quadro de felicidade Hawking também encontra o amor na presença de Jane (Felicity Jones). Dono de uma inteligência única Hawking só não contava desenvolver os primeiros sintomas de uma série doença que o deixaria preso a uma cadeira de rodas pelo resto de sua vida. Filme premiado no Oscar e no Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator (Eddie Redmayne).

Comentários:
Esse filme teve seu roteiro escrito a partir do livro de memórias de Jane Hawking, esposa de Stephen. Assim o espectador acaba tendo uma visão muito íntima e familiar da história desse brilhante cientista, o mundialmente conhecido Stephen Hawking. O olhar feminino de tudo o que acontece serve não apenas para mostrar o aspecto mais humano de Hawking como também desvendar sua própria história de superação. Fica óbvio desde o começo do filme que o ator que viesse a interpretar o protagonista teria que ter uma incrível capacidade não apenas dramática, mas também física. Nesse aspecto Eddie Redmayne realmente brilha em cena. Ele está perfeito em sua caracterização. Embora seja cedo ainda para tal afirmação temos que reconhecer que esse seja muito provavelmente o filme de sua vida, aquele pelo qual ficará marcado para sempre. Outro ponto positivo além das atuações vem do próprio roteiro e direção da fita. Não há espaço para sensacionalismo ou exploração da deficiência física que se abateu sobre Hawking. Ao invés disso o filme lida tudo até mesmo com uma fria neutralidade, o que é muito bem-vindo já que o aspecto mais importante da história desse físico nem é tanto sua história pessoal, seus dramas, mas sim sua obra, essa realmente insuperável até os dias atuais. Uma lição de obra e vida para todos.

Pablo Aluísio.

As Neves do Kilimanjaro

Ontem assisti ao clássico "As Neves do Kilimanjaro" (The Snows of Kilimanjaro, EUA, 1952). O filme é uma adaptação para o cinema de um conto escrito por Ernest Hemingway em 1936. Em seus escritos Hemingway quase sempre falava sobre si mesmo. Embora seus livros fossem romances, com personagens de ficção, todos eles traziam um pouco do próprio escritor em suas personalidades. Aqui não foi diferente. O protagonista interpretado por  Gregory Peck também é um escritor. Alguém que almeja viver de seus livros. Ele se vê numa situação limite após ter sua perna infeccionada em pleno safári na África. Em cima desse momento decisivo se desenvolve toda a trama do filme.

Enquanto fica prostrado numa maca, vendo a morte de perto, cercado por animais selvagens como hienas e abutres esperando por sua carcaça, ele começa a fazer um balanço de sua vida. Embora tenha tido relativo sucesso com seus romances isso passa longe de ser considerado um alívio para ele. Muito autocrítico considera-se um fracassado que levou toda a sua vida em vão. O único pensamento que lhe consola é um velho amor do passado, a exuberante Cynthia (Ava Gardner). Eles tiveram um belo romance no passado que resultou inclusive em uma gravidez. Street (Peck) porém não soube dar o devido valor ao que acontecia em sua vida naquele momento. Mais preocupado em fazer sucesso como escritor acabou negligenciando aquela que seria o grande amor de sua vida. Agora, à beira da morte, ele relembra e lamenta. O sucesso com os livros nada significou pois o fracasso na vida pessoal é o que mais pesa nesse momento final.

O roteiro assim se desdobra em duas linhas narrativas básicas. Uma no presente, onde o personagem de Gregory Peck agoniza em um acampamento aos pés da montanha do Kilimanjaro (a mais alta da África) e outra em diferentes passagens de seu passado, focando principalmente em amores que não deram certo. O uso de flashback situa assim o espectador sobre tudo o que aconteceu nos anos anteriores da vida do protagonista. Além de Cynthia (Gardner), o grande amor de sua vida, ainda há lembranças referentes à Condessa Liz (Hildegard Knef), uma bonita, mas frívola, nobre europeia com quem ele passou bons momentos no começo de sua carreira. É justamente o tio de Liz que resolve deixar uma fortuna para Street com um enigma para decifrar referente inclusive ao Kilimanjaro.

O elenco tem três grandes estrelas. Gregory Peck interpreta o personagem principal. É curioso ver esse trabalho do ator porque ele era muito diferente de Ernest Hemingway (cuja personalidade foi transportada para as páginas da literatura em seu personagem). Enquanto o escritor era uma explosão de sentimentos, fúria e vontade de experimentar todos os aspectos da vida, Peck sempre se caracterizou como um homem fino e elegante, bastante discreto. Mesmo assim ele conseguiu convencer plenamente em cena. Já Ava Gardner era pura sensualidade. Aqui ela curiosamente apresenta um aspecto mais vulnerável, o que a diferencia bem de outros trabalhos no cinema. Por fim há a presença de Susan Hayward como a esposa de Peck. Uma mulher paciente e muito dedicada ao marido, ainda mais agora que ele passa por uma situação extrema no coração do continente africano. Enfim, um belo filme que resgata a obra de Ernest Hemingway, especialmente indicado para neófitos em sua literatura.

Pablo Aluísio.  

Para ler mais sobre As Neves do Kilimanjaro clique Aqui!

quarta-feira, 18 de maio de 2016

Queen - The Works

Queen - The Works
O primeiro LP do Queen que comprei, ainda na década de 1980, foi justamente esse "The Works". Corria o ano de 1983 e o clip de "Radio Ga Ga" não parava de passar na TV. Até hoje considero um dos videoclips mais geniais da história do rock, não pelo resultado em si, mas sim da ideia de se homenagear o clássico Metrópolis de Fritz Lang. Para um jovem que adorava cinema clássico não poderia haver nada melhor pois em um só pacote se misturava com grande bom gosto o universo do rock e dos velhos clássicos da sétima arte. A mistura se revelou irresistível, pelo menos no meu caso particular. Era exatamente essa canção que abria o álbum. Um belo cartão de apresentação.

Confesso que nunca fui fã de carteirinha da banda Queen. Claro que hoje em dia, nessa decadência musical em que vivemos, uma banda dessas faz uma enorme falta no cenário artístico, nas rádios, mas na década de 80 havia tanta coisa boa rolando ao mesmo tempo que o Queen poderia ser visto apenas como mais um grupo talentoso de rock. Talentoso, mas não imprescindível, De qualquer maneira esse tipo de constatação só vem mesmo para demonstrar o tamanho do vazio que vivemos atualmente em termos de música mundial.

Pois bem, a segunda canção do disco é "Tear It Up" do guitarrista Brian May. Esse é aquele tipo de som que você sabe que é do Queen, seja em que lugar você venha a ouvir a música pela primeira vez. Acredito que poucas melodias sejam tão representativas do som do grupo como ela. Essa batida aliás é encontrada em vários hits do Queen. Soa quase como uma marca registrada - o que talvez seja de fato. Muito usada por torcidas de futebol pelo mundo afora, mas em especial dentro do campeonato inglês de futebol. Coisas que apenas os hooligans entenderiam completamente. Como May a compôs a canção fecha com um maravilhoso solo de guitarra. A música que vem a seguir, "It's a Hard Life", foi escrita por Freddie Mercury e não é apenas um dos maiores sucessos do conjunto em sua carreira - é um verdadeiro hino do universo de baladas do rock inglês. De arrepiar realmente. Grande letra, grande melodia e uma excelente interpretação de Mercury (vamos falar a verdade: ele foi sim um dos maiores vocalistas da história do rock, sem favor algum!).

"Man On The Prowl" que vem logo a seguir também foi escrita por Mercury. Dessa já gosto muito. Ela fez um sucesso razoável nas rádios em seu lançamento, mas sempre a considerei muito infestada por clichês por todos os lados. Mesmo assim não deixo de curtir.  Aprecio bastante seu acompanhamento vocal que lembra as velhas canções do estilo rockabilly dos anos 1950. Aliás o feeling da música vai exatamente por esse lado. Mais uma vez Brian May arrasa em um solo de guitarra onde ele usou uma velha Gibson dos 50´s. A tônica é realmente de nostalgia simpática. Um momento simpático do disco. O curioso é que "Machines (or 'Back to Humans')" é o extremo oposto desse sentimento. Aqui o Queen tenta soar futurista, em um clima meio pós apocalipse. Combina muito bem com a proposta de "Radio Ga Ga"e Metropólis. Musicalmente porém a considero fraca, com arranjos que hoje em dia soam totalmente datados. A melodia também não me atrai. Anda, anda e não chega em lugar nenhum.

E então chegamos em "I Want To Break Free". Foi o maior sucesso do álbum e vendeu milhões de cópias de seu single. O clip era verdadeiramente divertido com todo o grupo vestido de donas de casa entediadas. Ver Mercury com seu bigodão em roupas femininas e seios falsos, pilotando um aspirador de pó foi realmente muito engraçado. Tudo a ver com a proposta da letra, afinal pense, o que poderia ser mais contrário ao significado da palavra liberdade do que uma mulher casada, cheia de filhos, levando uma vida chata e suburbana? Todos merecem ser livres! Um sucesso imortal dos anos 80. Ótima canção.

Depois desse hit o disco fecha com três canções que não chegaram nem perto do sucesso de "I Want To Break Free", mas que são boas músicas no final das contas. "Keep Passing The Open Windows" de Mercury é a melhor delas. Lembra de certo modo "It's a Hard Life", porém é mais animadinha, pra cima! Gosto muito do refrão dessa linha melódica. Realmente ótima para levantar o astral. Depois dela Brian May retorna com seus solos furiosos de guitarra em ""Hammer To Fall". Outra que pode ser entoada tranquilamente em um estádio de futebol - embora a letra já não seja tão adequada. O disco enfim termina com "Is This The World We Created?", baladona escrita pela dupla Mercury / May. Bonito arranjo de piano e violão. Sempre considerei o Mercury um tanto subestimado. A verdade era que ele era um cantor com muitos recursos vocais. Pena um talento desses ter partido tão cedo.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 17 de maio de 2016

A Incrível História de Adaline

Achei muito simpático e diria até mesmo docemente romântico esse filme sobre uma mulher que nunca envelhece. Após um acidente em seu carro ela se torne imune ao envelhecimento. Os anos passam, os amigos e amores se vão, mas ela fica, eternamente jovem e bonita. É uma fábula sobre o passar dos anos, o envelhecimento e a busca pela eterna juventude (embora a personagem principal nunca tenha procurado por isso, sendo apenas vítima de uma série de circunstância que fogem ao seu controle). A direção de arte do filme é bela, valorizada pelo fato de que o roteiro se passa em várias épocas históricas, desde a década de 1930 até os nossos dias. Tudo muito elegante, fino e sofisticado. O próprio figurino de Adeline se torna um atrativo e merecia, em minha opinião, ser indicado ao Oscar.

A produção é estrelado pela atriz Blake Lively, muito conhecida pelos fãs de séries. Ela se tornou famosa ao estrelar a série adolescente de grande sucesso "Gossip Girl" onde fazia uma jovem da elite de Nova Iorque que tinha que lidar com um blog de fofocas na net que seguia seus passos e o de suas amigas. Deixando isso um pouco de lado o grande mérito de "A Incrível História de Adaline" vem da união que nasce envolvendo juventude e sabedoria. A protagonista ganha experiência de vida ao longo dos anos vividos, ao mesmo tempo em que mantém sua beleza jovial. Seria o sonho de muita gente, porém de modo indireto e de forma bem inteligente é justamente isso que seu argumento critica. De forma sutil o roteiro traz ainda uma reflexão sobre o fato inexorável da finitude da existência humana: a perda daqueles que amamos e de tudo aquilo que faz parte de nosso universo. Tudo isso um dia chegará ao fim, pois nada é eterno. Esse aliás é o grande drama na vida de Adaline, onde todos estão fadados a passarem pela vida, menos ela. Nesse aspecto sua vida logo se torna uma grande tragédia e um fardo existencial.

A Incrível História de Adaline (The Age of Adaline, Estados Unidos, 2015) Estúdio: Lakeshore Entertainment / Direção: Lee Toland Krieger / Roteiro: J. Mills Goodloe, Salvador Paskowitz  / Elenco: Blake Lively, Michiel Huisman, Harrison Ford / Sinopse: Após um acidente de carro na década de 1930 a jovem Adaline ganha a capacidade inexplicável de ser imune ao passar dos anos, nunca envelhecendo, ficando eternamente jovem e bonita.

Pablo Aluísio.

A Ascensão dos Krays

Filme inglês que conta a história de dois irmãos que se tornam gangsters em Londres durante os anos 1950. Inicialmente eles sobem na hierarquia do submundo do crime extorquindo comerciantes do leste da cidade. Em troca de proteção (deles mesmos, é bom frisar) cobram dinheiro desses pequenos estabelecimentos. Aos poucos vão subindo usando de chantagem, suborno, violência e extorsão. Tudo começa a correr bem para os Krays até que um dos irmãos, Ronnie (Simon Cotton), começa a apresentar problemas mentais. Diagnosticado como esquizofrênico ele se torna uma bomba relógio, cometendo atos de extrema violência gratuita, o que começa a colocar em risco a própria sobrevivência de sua quadrilha. A partir daí rompe-se o suposto equilíbrio entre os próprios irmãos, desencadeando uma verdadeira guerra nas ruas.

Essa produção britânica, até bem realizada, com bom roteiro e boa reconstituição de época poderá agradar aos que gostam de filmes de gangsters. Um dos aspectos que mais me chamou atenção foi a forma como essas gangues inglesas escolhiam para resolver suas diferenças. Enquanto as quadrilhas americanas partiam logo para o uso de metralhadoras e armas de grosso calibre, havia ainda um tabu no uso de armas entre os criminosos ingleses. Tudo era resolvido no punho, em brigas de socos das mais violentas. Essa regra não escrita entre criminosos de Londres só seria quebrada justamente por um dos irmãos Kray, o insano Ronnie, que passou a andar armado, promovendo inclusive torturas em membros de bandos rivais. Nesse aspecto o filme recria o dia em que esse bandido colocou as mãos em um irmão de um de seus inimigos. Não foi certamente algo bonito de se ver. Enfim, bom filme policial, com uma trilha sonora recheada de clássicos do rock inglês em seus primórdios, que no geral cumpre bem seus propósitos.

A Ascensão dos Krays (The Rise of the Krays, Inglaterra, 2015) Direção: Zackary Adler / Roteiro: Ken Brown, Sebastian Brown / Elenco: Matt Vael, Simon Cotton, Kevin Leslie / Sinopse: Dois irmãos se tornam líderes de uma gangue que passa a dominar Londres durante os anos 1950. Para subir no mundo do crime não seguem limites, usando de violência e tortura para subjugar todos aqueles que cruzam seu caminho. Filme vencedor do Marbella Film Festival na categoria de Melhor Ator (Kevin Leslie).

Pablo Aluísio.

domingo, 15 de maio de 2016

A Menina que Roubava Livros

O contexto histórico do filme se passa na Alemanha Nazista. Hitler está no poder e domina toda a sociedade alemã. Nesse cenário a jovem garota Liesel Meminger (Sophie Nélisse) vai morar com um casal alemão numa pequena cidade de interior. Seu irmão mais jovem está morto. Sua mãe é um fugitiva da perseguição política. No novo lar ela aos poucos vai se acostumando com a rotina. Começa a frequentar a escola e faz amizades, entre eles o garoto Rudy (Nico Liersch) que acaba tendo uma quedinha por ela. Para Liesel porém sua grande paixão são os livros. Ela, alfabetizada tardiamente, tem uma grande atração pela leitura, mas sendo uma garota pobre não tem dinheiro para comprá-los. Enquanto vai vivendo precisa conviver também, como todo o povo alemão, com as desgraças e tragédias da guerra que vai aumentando cada vez mais de intensidade. Os bombardeios se tornam diários e a morte começa a ser uma presença cada vez mais próxima.

Excelente filme. Baseado no romance escrito por Markus Zusak a estória tem um grande mérito que é mostrar e dar um rosto bem humano ao povo alemão que foi de certa maneira também uma das maiores vítimas do nazismo. A família de Liesel é um exemplo disso. São pessoas comuns e humildes. Sua mãe adotiva ganha a vida passando roupas. Seu pai (interpretado por um Geoffrey Rush, em nova e inspirada atuação) vive de pequenos serviços pela vizinhança. Nenhum deles é um nazista fanático, são boas pessoas, porém são engolidas por uma ideologia que levaria toda a nação para o caos completo. Um dos aspectos mais interessantes desse filme vem da narração em off da própria morte. Sim, a morte se torna um personagem importante no enredo, narrando com fina ironia e humor negro, sua chegada ao povo alemão, pelas mãos da guerra. No mais é um retrato bem humanista de uma jovem que perde a inocência em um dos momentos mais dramáticos da história. Como é um romance não se baseia em fatos reais, mas bem poderia, pela força de sua mensagem.

A Menina que Roubava Livros (The Book Thief, Estados Unidos, Alemanha, 2013) Direção: Brian Percival / Roteiro: Michael Petroni, baseado no romance de Markus Zusak / Elenco: Sophie Nélisse, Geoffrey Rush, Emily Watson, Ben Schnetzer, Oliver Stokowski / Sinopse: Uma jovem garota vai morar com um casal alemão durante a II Guerra Mundial. Em uma nova escola, conhecendo novas amizades, ela precisa conviver com uma realidade dura, de destruição e morte, enquanto seus pais adotivos escondem no porão um judeu chamado Max (Oliver Stokowski) que procura sobreviver à perseguição nazista contra seu povo. Filme indicado ao Oscar, ao Globo de Ouro e ao BAFTA Awards na categoria de Melhor Trilha Sonora (John Williams). Vencedor do Grammy Awards na mesma categoria.

Pablo Aluísio e Thaís Albuquerque.