quarta-feira, 30 de abril de 2014

O Soldo do Diabo

Título no Brasil: O Soldo do Diabo
Título Original: Man in the Shadow
Ano de Produção: 1957
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Jack Arnold
Roteiro: Gene L. Coon
Elenco: Jeff Chandler, Orson Welles, Colleen Miller, Ben Alexander
  
Sinopse:
Ben Sadler (Jeff Chandler) é o xerife de uma pequena cidade do oeste americano. Por lá não costumam ocorrer muitos crimes, na maioria das vezes são apenas bebedeiras e pequenos incidentes que acontecem no saloon da rua principal. Não há nada mesmo de muito  grave para se fazer na vida de um homem da lei. As coisas mudam quando um trabalhador mexicano vai até a delegacia de Ben e lhe denuncia um assassinato ocorrido justamente no maior rancho da região, o Império Dourado. Um jovem capataz teria sido brutalmente espancado e morto após ficar muito próximo da filha do patrão, o poderoso rancheiro Virgil Renchler (Orson Welles). Agora Ben precisará investigar o suposto crime ao mesmo tempo em que sofrerá todo tipo de pressão para não seguir em frente com seu trabalho.

Comentários:
"Man in the Shadow" se passa no moderno oeste americano. Em certos momentos me lembrou muito do clássico "Matar ou Morrer", memorável filme de western dirigido por Fred Zinnemann e estrelado por Gary Cooper. As semelhanças existem porque ambos os enredos mostram um honesto xerife precisando lidar praticamente sozinho com a aplicação da lei e da ordem numa cidadezinha perdida no oeste. Para o protagonista interpretado por Jeff Chandler a situação é ainda mais delicada porque o alvo de suas investigações é justamente o homem mais rico e poderoso da região, Virgil Renchler (Orson Welles). Arrogante e se considerando acima da lei, ele não aceita que suas imensas terras se tornem o palco das investigações do xerife. Para piorar o homem da lei não consegue encontrar maiores pistas a não ser o testemunho de uma velho empregado do rancho que teria visto tudo. Depois que ele também é encontrado morto não existem mais dúvidas que um grande plano de acobertamento está mesmo sendo feito, tudo para que os verdadeiros assassinos não sejam punidos. Gostei bastante de "O Soldo do Diabo " pois é um filme de curta duração (com pouco mais de 70 minutos) que consegue contar muito bem sua história. O elenco tem dois grandes destaques. O primeiro é o galã de cabelos grisalhos Jeff Chandler. O xerife que interpreta é um homem honesto e íntegro que precisa lidar até mesmo com a hipocrisia da sociedade na cidade onde trabalha. Mesmo todos sabendo que algo muito errado aconteceu no rancho eles não querem que nada seja investigado, uma vez que a maioria deles dependem economicamente de seu proprietário. O outro grande destaque vem com a presença do grande Orson Welles. Consagrado como cineasta de grande talento sempre achei seu trabalho como ator muito subestimado. Seu personagem nesse filme é um achado. Ele é um sujeito que acredita que sua riqueza e poder o deixam completamente imune a qualquer tipo de lei. Violento com as pessoas se mostra particularmente vulnerável quando se trata de sua única filha. Esse excesso de proteção em relação a ela acaba sendo seu grande erro pois seus capangas acabam cometendo um erro fatal. Em suma, bom faroeste que vai fundo sobre a culpa coletiva que muitas vezes surge dentro de uma sociedade assolada pelo crime e pela morte.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 29 de abril de 2014

Manhã de Glória

Título no Brasil: Manhã de Glória
Título Original: Morning Glory
Ano de Produção: 1933
País: Estados Unidos
Estúdio: RKO Pictures
Direção: Lowell Sherman
Roteiro: Howard J. Green, Zoe Akins
Elenco: Katharine Hepburn, Douglas Fairbanks Jr., Adolphe Menjou

Sinopse:
Eva Lovelace (Katharine Hepburn) é uma jovem atriz que deseja vencer no concorrido meio teatral de Nova Iorque. Otimista, extrovertida e muito positiva sobre seu futuro no teatro, ela tenta lidar com uma série de personagens que circulam pelos bastidores, entre eles um ator com ares paternais, um produtor mulherengo, uma atriz invejosa e um dramaturgo sério, muito empenhado em tornar sua própria peça um sucesso na Broadway. Será que Eva vencerá todos os obstáculos para se tornar uma grande estrela?

Comentários:
Essa ótima produção que enfoca o mundo teatral nova-iorquino acabou trazendo pela primeira vez o Oscar de Melhor Atriz para a grande Katharine Hepburn. Embora fosse ainda bastante jovem ela já demonstrava em cena que talento não tem realmente idade. Sua ótima presença domina da primeira à última cena. O curioso é que embora Katharine Hepburn tivesse plena consciência de seu belo trabalho no filme, não acreditou muito que venceria quando foi indicada ao prêmio. Para Hepburn aquilo seria apenas uma forma da Academia lhe dar as boas vindas ao mundo do cinema. Imagine sua alegria e espanto ao saber que havia vencido o cobiçado prêmio (ela ouviu a cerimônia pelo rádio e não compareceu na grande noite). No caso temos que reconhecer que além de Hepburn todo o elenco está excepcionalmente bem, o que era de se esperar, pois o roteiro foi adaptado de uma famosa peça de teatro que mostrava justamente os bastidores de montagem de uma peça teatral! Assim o ponto forte vem justamente dos ótimos diálogos e situações criadas, que exigem de fato uma ótimo entrosamento de todos os atores e atrizes. Para falar a verdade foi um presente para Katharine Hepburn pois material dessa qualidade nem sempre era tão fácil de se achar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Desfiladeiro da Morte

Título no Brasil: Desfiladeiro da Morte
Título Original: Last of the Wild Horses
Ano de Produção: 1948
País: Estados Unidos
Estúdio: Screen Guild Productions
Direção: Robert L. Lippert, Paul Landres
Roteiro: Jack Harvey
Elenco: James Ellison, Mary Beth Hughes, Jane Frazee

Sinopse:
Duke Barnum (James Ellison) está tentando reconstruir sua vida. Famoso pistoleiro no passado ele passou alguns anos preso em uma penitenciária do Alabama. Agora livre, após cumprir sua pena, ele pretende ir adiante, sem olha para trás, para quem sabe ter um rancho próprio e viver de seu trabalho. Pretende criar cavalos. Para isso ele vai embora para uma distante cidade do oeste. Para seu azar um homem aparece morto justamente na semana em que ele chega na região. Como era um pistoleiro famoso no passado logo todos pensam que ele é o culpado do crime, embora seja totalmente inocente. Agora terá que provar que não teve nada a ver com a morte.

Comentários:
Faroeste B muito interessante dos anos 40. O roteiro não traz maiores novidades e está na média do que se fazia naquela época mas tem nuances muito bem boladas. O personagem de James Ellison alega inocência do assassinato misterioso que é cometido na cidade mas como o espectador não presencia a verdade identidade do assassino sempre paira a dúvida sobre se Duke é de fato inocente, como alega, ou culpado. Uma espécie de Dom Casmurro do velho oeste americano. A produção embora modesta tem bonitas cenas externas, capturando toda a beleza natural de uma região muito bela (o filme foi rodado em Jacksonville, Oregon). Para quem gosta de cavalos há ainda excelentes tomadas de bandos de cavalos selvagens, soltos na natureza, algo que hoje em dia já não existe mais nos Estados Unidos. O título original do filme "Last of the Wild Horses" ("O Último dos Cavalos Selvagens" em tradução literal) é um trocadilho pois tanto se refere aos animais soltos na natureza que vemos aos bandos no filme como também ao personagem Duke Barnum (James Ellison) que se considera o último dos grandes pistoleiros do velho oeste. Assim temos um faroeste B que agradará certamente aos fãs das lendas de pistoleiros famosos cujo passado sempre lhes perseguem.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 28 de abril de 2014

Jerry Lee Lewis - Great Balls of Fire

Foi o maior sucesso da carreira de Jerry Lee Lewis. Chegou ao primeiro lugar da Billboard e consagrou o jovem cantor e pianista. Para muitos Lewis seria naquele momento o sucessor natural de Elvis Presley nas paradas, já que Presley estava deixando sua carreira de lado para ir servir o exército americano na Alemanha. Embora tenham tido trajetórias parecidas - Lewis despontou na mesma Sun Records que descobriu Elvis - a verdade era que ambos eram bem diferentes entre si. O maior problema de Lewis era sua impulsividade, suas decisões tomadas sem medir as consequências. No palco Lewis gostava de colocar fogo em seu piano e isso fazia parte do jogo mas na vida pessoal ele também tocou fogo em sua imagem. Casou-se com uma prima adolescente muito jovem - que para piorar parecia uma garotinha - e quando foi para a Inglaterra fazer sua turnê entrou em atrito com a imprensa britânica. Depois disso e da revelação que estava casado com uma menininha sua carreira foi ladeira abaixo.

O pico de sucesso de Jerry Lee Lewis foi muito breve. Praticamente durou apenas três singles! O primeiro com "Crazy Arms / Whole Lotta Shakin' Goin' On", seu primeiro compacto, vendeu muito bem, se destacando nas paradas. Então logo após veio esse "Great Balls of Fire" com "You Win Again" no lado B. Foi seu auge. O terceiro e último sucesso de Jerry foi a ótima Breathless" (com "Down the Line" no lado B) que chegou na sétima posição. Quando "High School Confidential" chegou nas lojas ele já estava sentindo os efeitos da maré baixa. Ninguém tira os méritos de Jerry Lee Lewis como cantor e intérprete, ele de fato foi grande mas não soube administrar os aspectos mais importantes de sua carreira. De uma forma ou outra conseguiu à duras penas sobreviver no meio country nos duros anos que viriam pela frente. Foi um sobrevivente realmente. Já em termos de "Great Balls of Fire" não há muito o que dizer pois é realmente um dos melhores rocks de todos os tempos. Gravação perfeita em ótima melodia. Na verdade foi a música que definiu toda a sua história e aquela pela qual será lembrado no futuro.


Great Balls of Fire (Otis Blackwell - Jack Hammer) - You shake my nerves and you rattle my brain / Too much love drives a man insane / You broke my will, but what a thrill / Goodness, gracious, great balls of fire / I laughed at love 'cause I thought it was funny / You came along and moved me honey /  I've changed my mind, love is fine / Goodness, gracious, great balls of fire / Kiss me baby, woo feels good / Hold me baby / Girl you let me love you like a lover should / You're fine, so kind / I want to tell this world that your mine mine mine mine / I chew my nails and I twiddle my thumbs / I'm real nervous, but it sure is fun / Come on baby, drive me crazy / Goodness, gracious, great balls of fire!! / Kiss me baby, woo feels good / Hold me baby / I want to love you like a lover should / You're fine, so kind / I've got tell this world that your mine mine mine mine.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

Depois da Terra (2013)

Título no Brasil: Depois da Terra
Título Original: After Earth
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: M. Night Shyamalan
Roteiro: Gary Whitta, M. Night Shyamalan
Elenco: Will Smith, Jaden Smith, David Denman

Sinopse:
Mil anos no futuro o planeta Terra se tornou um lugar inabitável, destruído por anos e anos de abuso da humanidade. Os que sobreviveram agora habitam Nova Prime. Cypher Raige (Will Smith) é um general respeitado e condecorado que passa muito tempo longe de sua família. Após retornar de uma missão resolve fortalecer os laços com seu filho. Ao saírem juntos numa nave são surpreendidos por uma chuva de asteróides que os jogam em direção ao planeta Terra. Após caírem numa selva fechada terão que sobreviver para retornar ao seu lar novamente.

Comentários:
Foi bastante massacrado pela crítica americana em seu lançamento. Para se ter uma idéia foi indicado a pior filme do ano pelo Framboesa de Ouro, "vencendo" ainda nas categorias de pior ator (Jaden Smith) e pior ator coadjuvante (Will Smith). Na realidade não consegui achar tão ruim como dizem por aí. Certamente não traz maiores novidades no gênero Sci-fi e tampouco pode ser considerado original mas diverte, apenas isso. Os efeitos especiais são bem realizados e pontuais, discretos e não tomam o primeiro plano. O interessante é que o aspecto humano do roteiro, onde se desenvolve a relação entre pai e filho, não consegue marcar muito. Assim o que salva mesmo o filme "After Earth" do desastre completo é sua vocação para a aventura. Aliás o roteiro pode ser qualificado exatamente assim, não é uma ficção com ares ou pretensões de discutir questões existenciais (como "Blade Runner", por exemplo) e nem um drama familiar como quis passar o paizão Will Smith. É uma aventura, passada no futuro, em clima Sci-fi. Se você encarar dessa forma certamente irá ao menos se divertir por duas horas. Já está de bom tamanho não é mesmo?

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Con Air - A Rota da Fuga

Título no Brasil: Con Air - A Rota da Fuga
Título Original: Con Air
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Simon West
Roteiro: Scott Rosenberg
Elenco: Nicolas Cage, John Cusack, John Malkovich, Ving Rhames, Steve Buscemi 

Sinopse:
Grupo de prisioneiros da mais alta periculosidade são transferidos para um novo presídio de segurança máxima em um vôo especial. Entre os criminosos está o serial killer Cyrus Grissom (John Malkovich). Dotado de um QI fora do normal ele pretende liderar uma rebelião em pleno vôo, para sequestrar o avião em direção a outro país, onde pretende finalmente recuperar sua liberdade. Cameron Poe (Nicolas Cage), outro prisioneiro condenado por um crime menor, deseja apenas cumprir sua sentença para ir embora dali sem maiores problemas e por isso se torna um empencilho para os planos de Cyrus, assim como o obstinado agente do FBI interpretado por John Cusack.

Comentários:
Em seu lançamento foi um grande sucesso de bilheteria esse "Con Air - A Rota da Fuga". É o típico filme da linha de produção de Jerry Bruckheimer. Trocando em miúdos, muita pirotecnia, cenas espetaculares de ação e ritmo alucinado. Eu me recordo bem que uma das sensações do filme foi o pouso espetacular da aeronave em plena rua principal de Las Vegas - onde o avião saia arrastando tudo por onde passava. Já era uma mudança nos efeitos especiais que agora eram feitos (com muita competência técnica) por computadores, nascendo os tais efeitos digitais que iriam dominar o cinema pipoca dali em diante. Outro ponto forte dessa produção é seu elenco, acima da média. Além de Nicolas Cage, com longos cabelos, ainda tínhamos John Cusack, como um agente federal que andava de sandálias havaianas e no grupo dos vilões dois ótimos atores, o psicótico John Malkovich e o estranho Steve Buscemi (sempre muito bom mas também sempre subestimado). Nos anos 90 "Con Air" foi um dos mais populares filmes de ação lançados. Hoje é uma boa oportunidade para rever a produção e matar as saudades.   

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 27 de abril de 2014

Honra Sem Fronteiras

Título no Brasil: Honra Sem Fronteiras
Título Original: Powder River
Ano de Produção: 1953
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Louis King
Roteiro: Sam Hellman, Stuart N. Lake
Elenco: Rory Calhoun, Corinne Calvet, Cameron Mitchell

Sinopse:
Depois de anos trabalhando como xerife numa cidade de fronteira no oeste americano, Chino Bullock (Rory Calhoun) decide que chegou a sua hora de se aposentar. Ele pretende agora se dedicar um rancho na região, um sonho que cultivou por longos anos. Assim que decide se retirar um grupo de foras-da-lei chega em sua cidade e mata seu antigo parceiro, um jovem que ele próprio treinara para ser o novo xerife. Revoltado com o acontecimento Bullock decide voltar para acertar as contas com a quadrilha de bandidos e assassinos. Ele deseja vingança e justiça e as terá!

Comentários:
Bom faroeste estrelado por Rory Calhoun (1922 - 1999). Sempre gostei muito do trabalho desse ator. Ao longo de mais de 120 filmes ele sempre procurou dar o melhor de si, principalmente em westerns que sempre foi o gênero americano por excelência. Não era um grande ator, mas era esforçado. Aqui temos novamente um enredo girando em torno da mitologia do xerife do velho oeste, sempre à beira da morte, tendo que lidar com bandidos selvagens e cruéis em uma terra que era dita como sem lei e sem ordem. Há um componente interessante aqui que é o desenvolvimento psicológico do personagem de Calhoun que fica em um dilema sobre vingar a morte de seu pupilo, restabelecendo a lei na cidade, ou virar as costas e abraçar a tranquilidade de seu rancho, afinal de contas como um sujeito aposentado ele não tinha mais a obrigação legal de ostentar a estrela de prata para voltar mais uma vez à ativa. Essa produção que também é conhecida como "O Rio da Pólvora" foi dirigida por Louis King, um cineasta interessante que era especializado em filmes de matinê - chegou a dirigir vários filmes com o personagem Charlie Chan. Assim ele também trouxe ao roteiro detalhes técnicos que deram à fita maior agilidade, com sabor de aventura. Enfim, mais um belo exemplar do cinema de western dos anos 1950 que merece um lugar em sua coleção.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Sangue, Suor e Lágrimas

Título no Brasil: Sangue, Suor e Lágrimas
Título Original: Fighter Squadron
Ano de Produção: 1948
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Raoul Walsh
Roteiro: Seton I. Miller, Martin Rackin
Elenco: Edmond O'Brien, Robert Stack, John Rodney, Rock Hudson

Sinopse:
Numa base aérea americana na Inglaterra, durante a segunda guerra mundial, dois oficiais lutam pelo controle dos homens de uma esquadrilha de caças. O objetivo é treinar todos os membros da equipe para um momento chave dentro da guerra, a invasão do norte da França, na Normandia, numa das maiores operações militares da história que passaria a ser conhecida pelo codinome código de "Dia D". A invasão se tornaria o momento da virada na guerra, marcando o começo da vitória aliada no conflito.

Comentários:
Esse filme seria como qualquer outro feito para louvar o heroísmo dos que lutaram na segunda guerra mundial se não fosse por um detalhe importante: foi o primeiro filme da carreira do futuro astro Rock Hudson. Na época Rock ainda era um novato em Hollywood procurando por um lugar ao sol. Ele tinha acabado de assinar um contrato com o agente Henry Wilson e havia caído nas graças do diretor Raoul Walsh que resolveu lhe dar uma oportunidade, pequena é verdade, mas que significou bastante para o ator naquele momento de sua carreira. O papel de Rock é insignificante, ele interpreta um tenente com apenas uma linha de diálogo em cena. Isso porém foi o bastante para chamar a atenção dos produtores que viram potencial ali. Claro, Rock não era um grande ator, mas tinha um visual impecável, era bonito, alto, o estilo galã perfeito para os filmes românticos. A Universal saiu na frente e contratou Rock Hudson. Imediatamente o colocou no programa de treinamento de atores do estúdio (o melhor que havia na cidade) e começou a lapidar seu futuro como grande astro. "Sangue, Suor e Lágrimas" recebeu esse título por causa do famoso discurso do primeiro ministro Winston Churchill que logo no começo da segunda guerra mundial discursou pelo rádio ao povo inglês afirmando que não prometia nada a não ser sangue, suor e lágrimas! No geral o que temos aqui é uma eficiente fita de guerra, com alguns bons momentos de tensão e ação. Não chega a se destacar como outros que eram lançados no mesmo período mas cumpre bem suas pretensões (modestas) do ponto de vista cinematográfico. Além disso só pelo simples fato de ter sido a estreia de Rock Hudson no cinema já vale a sua atenção. Um filme mediano mas certamente histórico dentro da sétima arte. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

P.S. Eu Te Amo

Título no Brasil: P.S. Eu Te Amo
Título Original: P.S. I Love You
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Alcon Entertainment, Grosvenor Park Productions
Direção: Richard LaGravenese
Roteiro: Richard LaGravenese, Steven Rogers
Elenco: Hilary Swank, Gerard Butler, Harry Connick Jr.

Sinopse:
Holly Kennedy (Hilary Swank) é uma mulher feliz, casada com um irlandês muito carismático chamado Gerry (Gerard Butler). Seus dias ao seu lado são de muito amor e afeto. Sua felicidade porém não dura muito. O marido acaba sendo vítima de uma doença fatal. Falecido precocemente a vida de Holly parece também finalmente ter chegado numa encruzilhada. Tudo parece perdido quando ela finalmente descobre que ele deixou uma série de cartas para guiá-la em sua vida. Isso irá lhe trazer um sentimento de presença do marido morto que lhe ajudará a passar pelas adversidades da vida.

Comentários:
Talvez as mulheres venham a gostar - eu achei um pouco piegas e chatinho além do normal. O casal não teve química em cena suficiente para sustentar um amor dessa magnitude. Tudo soa fake, até mesmo as tais cartas. Hilary Swank é uma atriz talentosa mas ela sempre desenvolve melhores trabalhos quando interpreta personagens femininas fortes, em dramas pesados. Sua personagem aqui é levemente destituída de maior interesse pois no fundo não passa de uma heroína romântica de livros açucarados de romance, daquelas bem exageradas, cuja paixão sobrevive por longos anos até mesmo à morte do marido. Gerard Butler também me pareceu mal escalado para seu papel. Não encaixou bem sua atuação. Se o personagem principal do livro que originou o filme era um irlândes cheio de vida, extrovertido e alegre, aqui temos um Butler apenas pagando mico, exagerado também, beirando à simples bobeira. Em conclusão é um romance que parece ter tido uma escolha de elenco equivocada. Mesmo assim se você é uma romântica inveterada, arrisque, possa ser que venha a gostar, quem sabe.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Quero-te Como És

Título no Brasil: Quero-te Como És
Título Original: Honky Tonk
Ano de Produção: 1941
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer
Direção: Jack Conway
Roteiro: Marguerite Roberts, John Sanford
Elenco: Clark Gable, Lana Turner, Frank Morgan

Sinopse:
'Candy' Johnson (Gable) é um sujeito durão que não foge de um duelo ou de um acerto de contas. Ele se orgulha de nunca ter dado para trás em uma briga em sua vida. Depois de algum tempo ele decide rumar em direção ao oeste em busca de novas oportunidades e lá conhece a bela, mas também geniosa, Elizabeth Cotton (Lana Turner). O choque de personalidades entre eles acaba fazendo brotar um grande amor! Agora o durão terá que se render aos caprichos de sua amada loira!

Comentários:
Lana Turner (1921 - 1995) foi uma das maiores divas da história do cinema americano. Extremamente popular e carismática ela conseguiu romper várias barreiras, inclusive salariais, quando exigiu um tratamento igual aos grandes ídolos masculinos da época. Na Metro-Goldwyn-Mayer Lana Turner teve uma fase de ouro, colecionando sucessos em produções brilhantes e que geravam milhões de dólares em bilheteria. Ela aqui teve a oportunidade de contracenar com um dos grandes galãs da época, Clark Gable, que não se furtava em arrombar uma porta para ir correr em direção aos braços de sua amada (uma cena com alto teor erótico para aqueles tempos, é bom frisar). Por falar em sensualidade o diretor Jack Conway não se fez de rogado, explorando as imagens sensuais de sua dupla central de atores. Clark Gable surge sem camisa, suado e mostrando muita excitação em relação à sua garota! Já Lana Turner, por exemplo, tem várias cenas sensuais em sua cama, usando e abusando de sua sensualidade ao mexer em sua meia-calça a todo tempo (um velho fetiche muito popular entre os americanos). No geral é uma boa fita de romance e sensualidade, com alguns momentos mais agitados (Gable participa de alguns duelos, dá alguns tiros, mas nada demais). Um filme para entender melhor a estrela da bela e provocante Lana Turner em seus dias de glória no cinema.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Django Desafia Sartana

Título no Brasil: Django Desafia Sartana 
Título Original: Django sfida Sartana
Ano de Produção: 1970
País: Itália
Estúdio: BCR Produzioni Cinematografiche
Direção: Pasquale Squitieri
Roteiro: Pasquale Squitieri
Elenco: George Ardisson, Tony Kendall, José Torres

Sinopse:
Um novo xerife chega na poeirenta e perdida cidade de Black City no velho oeste americano. O escritório do xerife anterior está completamente destruído, cadeiras e mesas com vários buracos de bala, um retrato do que aconteceu com os homens da lei que ali trabalhavam. Todos foram mortos sem piedade. A região é dominada por uma quadrilha de mexicanos renegados que atravessam a fronteira para impor medo e terror nos moradores. Será que o novo xerife conseguirá colocar ordem novamente naquele lugar esquecido por Deus?

Comentários:
Um dos problemas do cinema italiano foi a picaretagem de certas produções, mal feitas e de baixo orçamento, que se utilizavam de nomes de personagens famosos mesmo que nem eles estivessem em cena. Acredite, mesmo se chamando "Django Desafia Sartana", pouco (ou praticamente nada) se vê dos dois famosos pistoleiros do Western Spaguetti nesse filme! Isso mesmo! É incrível mas o roteiro se desenvolve mesmo ao contar a estoria do jovem xerife recém chegado e sua luta para vencer a bandidagem da região (e isso não tem nada a ver nem com Sartana e nem com Django!). Em termos de produção o filme é uma lástima, tudo precário (cenários, figurinos e atuação). Se trata de mais uma daquelas películas feitas a toque de caixa para aproveitar o momento, torcendo para ganhar alguns trocados em cinemas de periferia. Curiosamente, apesar de ser uma produção Z, o filme tem seus admiradores, a ponto inclusive de ter sido lançado em DVD lá fora! Bom, é a maior prova que os fãs de trash também encontram suas "preciosidades" no gênero western e não apenas nas produções sci-fi. Melhor esquecer.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 26 de abril de 2014

Procura-se um Amor que Goste de Cachorros

Título no Brasil: Procura-se um Amor que Goste de Cachorros
Título Original: Must Love Dogs
Ano de Produção: 2005
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Gary David Goldberg
Roteiro: Claire Cook, Gary David Goldberg
Elenco: Diane Lane, John Cusack, Elizabeth Perkins

Sinopse:
Sarah Nolan (Diane Lane) é uma mulher de trinta e tantos anos de idade, recém-divorciada, que tem uma família que está seguindo seus próprios rumos sem se importar necessariamente com a sua vida afetiva e emocional. Como Sarah acaba se tornando uma solitária sua irmã coloca um anúncio em um site de encontros na internet para ela. Uma das poucas exigências é que o eventual parceiro goste da companhia de cães, como ela. O anúncio acaba chamando a atenção de um jovem professor que também está em busca de um novo romance. Será que dará certo?

Comentários:
"Must Love Dogs" é uma desses filmes românticos bem leves com clima indie que certamente agradará ao público feminino acima dos trinta anos. Esse tive inclusive a oportunidade de assistir no cinema com uma grande amiga que não vejo há anos. O interesse para cinéfilos em geral virá certamente do bom elenco e da direção mais caprichada. John Cusack está muito adequado em seu papel. Ele sempre fica muito bem nesse tipo de personagem, a do bom sujeito, levemente tímido mas cheio de boas intenções que geralmente acaba ficando sozinho por se envolver demais com as mulheres erradas para seu perfil. Diane Lane, sempre elegante, acrescenta um charme a mais nessa equação. Assim indico o filme para quem gosta de romances na maturidade, sem aquelas bobagens típicas de namoricos adolescentes, afinal de contas duas pessoas na faixa dos trinta e tanto já sabem muito bem o que querem na vida e o relacionamento entre elas é sempre muito mais rico e consistente do que as bobocas paixões entre jovenzinhos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Exorcista - O Início (2004)

Título no Brasil: Exorcista - O Início
Título Original: Exorcist - The Beginning
Ano de Produção: 2004
País: Estados Unidos
Estúdio: Morgan Creek Productions, Dominion Productions
Direção: Renny Harlin
Roteiro: William Wisher Jr, baseado na obra de William Peter Blatty
Elenco: Stellan Skarsgård, Izabella Scorupco, James D'Arcy

Sinopse:
Uma igreja católica é encontrada nas areias do deserto de uma região inóspita e desconhecida da África. A construção datada do século V intriga os pesquisadores. O Vaticano então envia o jovem Padre Francis para a região e lá ele acaba encontrando Merrin, um outro sacerdote católico que passa por uma profunda crise de fé e que agora se dedica a pesquisas arqueológicas. O que inicialmente parece ser um templo dedicado ao anjo Gabriel acaba se revelando algo mais, um lugar misterioso, de passado tenebroso, que parece esconder sua verdadeira origem diabólica.

Comentários:
Alguns filmes merecem uma segunda chance. Esse "Exorcista - O Início" foi tão malhado! Não merecia, pois acho um grande filme, sim, isso mesmo, filmaço! Além de contar os primórdios do diabo de "O Exorcista" o filme ainda conta uma bela história de perda e recuperação da fé em Deus. O padre Merrin perdeu sua fé em Deus por causa de um massacre promovido por nazistas no qual ele foi colocado na péssima posição de escolher quem iria morrer e quem iria viver entre aquelas pessoas inocentes. A crueldade, tão típica do regime nazista, deixa perplexo o religioso que clama pela presença de Deus ali. O oficial nazista então lhe diz uma frase marcante que irá abalar sua fé: "Padre, Deus não está aqui!". Depois disso Merrin vagou pelo mundo em busca de algum sentido para sua vida. Os anos passam. A arqueologia lhe trouxe algumas respostas pois era algo concreto. Então ele acaba aceitando a oferta de ir até um lugar distante na África onde uma Igreja católica de 1.500 anos foi encontrada. Dedicada ao Anjo Gabriel o lugar é completamente sinistro, sem altar, com apenas quatro estátuas enormes de anjos que parecem apontar suas lanças para um lugar central logo abaixo do tomo. É lá que Merrin irá encontrar respostas não apenas para o real significado da construção daquele local, mas também sobre a crise de fé pelo qual passa.

Achei ótimo o uso da lenda dos anjos decaídos (Lúcifer e seus comparsas) nesse roteiro. Foi um fio da meada perspicaz que acabou ligando tudo. A amostragem do passado, com cavaleiros cruzados em grandes massacres também foi muito bem inserida no roteiro. Os dois padres representam os dois lados opostos do sacerdócio, colocando em relevo a figura de um padre jovem e idealista, enviado pelo Vaticano, e a de um veterano, o próprio Merrin que está em uma crise de fé tão profunda que sequer quer mais ser chamado de padre! O filme perde um pouquinho o charme quando Sarah é finalmente possuída pelo demo mas temos que dar um desconto pois como esse foi uma produção comercial era necessário manter o interesse do público jovem. Mesmo assim as cenas do exorcismo propriamente ditas são boas e o final, com o Padre Merrin com a sua fé renovada, se dirigindo aos portões do Vaticano é muito simbólica. Fechou com chave de ouro um filme que merece ser assistido novamente. Já os críticos profissionais, aqueles mesmos que esculhambaram o filme, ora o que eles sabem? São uns bobocas com camisas pretas de bandas de rock capengas. São apenas uns bobocas pop petulantes. Ignore toda essa corja e vá assistir esse "Exorcist: The Beginning" com a mente aberta, sem preconceitos. Garanto que você vai gostar.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

O Pai da Noiva 2

Título no Brasil: O Pai da Noiva 2
Título Original: Father of the Bride Part II
Ano de Produção: 1995
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures
Direção: Charles Shyer
Roteiro: Albert Hackett, Frances Goodrich
Elenco: Steve Martin, Diane Keaton, Martin Short

Sinopse:
O Pai da noiva do primeiro filme, o Sr. Banks (Martin), descobre para sua grande surpresa que será pai novamente pois sua esposa está grávida! A paternidade tardia certamente virará sua vida de cabeça para baixo!

Comentários:
O primeiro filme com Steve Martin, "O Pai da Noiva", nada mais era do que um simpático remake de um filme clássico estrelado por Spencer Tracy. Mostrava as confusões e sentimentos conflitantes que se abatia sobre um pai nas vésperas de casamento de sua única filha. Além dos enormes gastos havia ainda a triste constatação por parte do pai de que sua amada garotinha havia crescido, se casaria com um homem e sairia de casa para sempre. O filme original sempre foi considerado uma das mais cativantes produções da era de ouro de Hollywood. Embora inferior o remake com Steve Martin também era muito bom, acima da média. Tinha uma mistura de ternura e comédia que funcionava muito bem. Como fez grande sucesso o estúdio, obviamente visando lucro fácil, resolveu investir em uma sequência. Péssima decisão...

Esse "O Pai da Noiva 2" é um prato requentado que tenta contar a mesma estória duas vezes. O pior é que não contente em ser oportunista ainda exagera no tom, quebrando uma das coisas que era um dos maiores méritos do filme anterior, a sutileza e a fina elegância. Nessa continuação tudo parece bem fora do convencional, os roteiristas sem rumo a tomar resolveram até mesmo criar uma absurda história em que o sr. George Banks (Martin) se descobriria pai naquela altura de sua vida! Que grande bobagem! Até o personagem Franck Eggelhoffer (Martin Short) que tanto sucesso fez no filme anterior retorna, de forma bem gratuita aliás. O equívoco é tão claro que até mesmo a fina e elegante Diane Keaton se perde no meio de muitas caras e bocas. Em suma, não adiante perder tempo com essa continuação. Se o enredo lhe atrair de alguma forma prefira ver o clássico original com Spencer Tracy ou então o próprio filme com Steve Martin, que ainda pode ser considerado bom, acima de tudo. Esse aqui é obviamente desnecessário e equivocado. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Colheita do Mal

Título no Brasil: A Colheita do Mal
Título Original: The Reaping
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros, Dark Castle Entertainment
Direção: Stephen Hopkins
Roteiro: Carey Hayes, Chad Hayes
Elenco: Hilary Swank, David Morrissey, AnnaSophia Robb
        
Sinopse:
Katherine Winter (Hilary Swank) foi, durante anos, uma engajada missionária da fé cristã. Sua postura em relação à religião mudou dramaticamente após uma tragédia familiar. Revoltada com o acontecimento deixou de acreditar em Deus. Agora ela ganha a vida desmascarando charlatões de todos os tipos, procurando explicar os fenômenos paranormais com a visão da ciência. Sua forma de analisar esses acontecimentos a leva até uma cidadezinha da Louisiana onde coisas completamente fora do normal estão acontecendo. Será que ela poderá também explicar o que se passa por lá?

Comentários:
Gostei bastante dessa produção. Em um primeiro momento fiquei com receio de assistir porque afinal de contas foi produzido pela Dark Castle que já colocou no mercado grandes bobagens no gênero terror mas como havia a talentosa Hilary Swank no elenco resolvi arriscar. Não me arrependi. O roteiro é muito bem escrito e mostra o duelo entre uma mente racional e científica perante fatos sobrenaturais inexplicáveis. A religião explica o que está acontecendo mas a pesquisadora se recusa a todo custo acreditar nesse ponto de vista. Assim que a personagem de Swank chega na região pantanosa onde fica a cidade ela começa a testemunhar o surgimento de eventos que remetem imediatamente às pragas bíblicas. Nuvens de insetos, sapos, mortes sem explicação e trevas. Os efeitos especiais são extremamente bem inseridos e estão à serviço da trama - bem ao contrário do que estamos acostumados a ver por aí. O elenco é todo mundo bom - bem acima da média para produções desse tipo - e a direção se mostra precisa. Um filme realmente muito bom, aliás surpreendemente bom.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Lenda do Tesouro Perdido

Título no Brasil: A Lenda do Tesouro Perdido
Título Original: National Treasure
Ano de Produção: 2004
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Pictures
Direção: Jon Turteltaub
Roteiro: Jim Kouf, Cormac Wibberley
Elenco: Nicolas Cage, Diane Kruger, Justin Bartha

Sinopse:
Ben Gates (Nicolas Cage) é um persistente caçador de tesouros perdidos. Através de pesquisas históricas ele procura encontrar preciosidades que há muito foram enterradas pelas areias do tempo. Agora ele segue a pista de uma verdadeira fortuna em ouro e jóias que está escondido há séculos. Sua melhor pista pode estar na Declaração de Independência dos Estados Unidos, só que ter acesso ao documento original não será nada fácil.

Comentários:
Velhas fórmulas parecem ainda dar certo comercialmente quando se coloca toda uma nova roupagem para se passar por algo novo. Esse "National Treasure" tem elementos de vários outros filmes, especialmente os da série "Indiana Jones" e das tramas de livros ao estilo "Código da Vinci", mas jogados em um caldeirão até podem surgir como algo novo para os marinheiros de primeira viagem. Infelizmente como se pode notar logo nas primeiras cenas o fator originalidade não é o forte por aqui. Além disso essa coisa de teorias da conspiração envolvendo aspectos do passado já deu o que tinha que dar. Se já era forçado demais nos livros de Dan Brown imagine aqui, que é uma cópia da cópia. Cage, desesperado por algum sucesso de bilheteria, pelo menos no aspecto comercial acertou uma. Sim, apesar de não trazer nada de novo o filme fez sucesso comercial, impulsionado por uma agressiva campanha de marketing! Mas após o filme acabar não há propaganda que consiga convencer o espectador mais consciente de que ele não acabou de ver um pastel de vento, pois cinematograficamente é justamente isso que esse filme é. Os anos passam mas o produtor Jerry Bruckheimer não toma jeito mesmo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 25 de abril de 2014

Amanhecer Violento

Título no Brasil: Amanhecer Violento
Título Original: Red Dawn
Ano de Produção: 2012
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Dan Bradley
Roteiro: Carl Ellsworth, Jeremy Passmore
Elenco: Chris Hemsworth, Isabel Lucas, Josh Hutcherson

Sinopse:
Um grupo de jovens decide enfrentar ele mesmo uma invasão estrangeira em sua cidade natal nos Estados Unidos. Com a galera armada até os dentes eles esperam pelas tropas inimigas para um confronto final e sanguinário. Remake do famoso filme da década de 1980. Vencedor do People's Choice Awards na categoria "Melhor Filme de Ação do Ano". Indicado ao Framboesa de Ouro na categoria "Pior Remake". Indicado ao Teen Choice Awards na categoria Melhor Ator (Chris Hemsworth).

Comentários:
Quem viveu os anos 80 certamente se lembra de "Amanhecer Violento", filme bem meia boca que procurava tirar partido de um elenco jovem e popular entre os adolescentes para faturar uma grana fácil. Pois bem, era aquele típico filme que passava anos pegando poeira nas locadoras da vida. Tudo bem, era fruto de uma época certamente, então quando você pensa que a crise de criatividade em Hollywood chegou ao fundo do poço eles te surpreendem retirando do esquecimento até mesmo as mais banais fitas do passado. A ideia de reunir atores jovens e bonitões enfrentando estrangeiros malvados parece que ainda atrai a atenção dos produtores. Eis então esse remake, feito em cima do mesmo argumento de antes. Tudo bem, na Guerra Fria isso ainda tinha algum sentido (não muita, mas vá lá) mas se deparar com algo assim nos dias de hoje?! Ficou sem noção nenhuma. Ok, tem algumas boas cenas de ação - até bem realizadas - mas no geral segue a sina do filme original, bem meia boca e completamente descartável. Só agradará mesmo as adolescentes na faixa de 13 a 15 anos que ainda acreditam em príncipes encantados.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Os Beneditinos

Durante a Idade Média prosperou uma nova religiosidade na Europa. Era baseada em uma busca espiritual interior, procurando encontrar Deus através de uma vida de austeridade, trabalho e ajuda ao próximo. Com certa inspiração nas religiões orientais surgiu por essa época o estilo de vida dos mosteiros. Essas eram construções isoladas - geralmente no alto de montanhas - em que viviam monges em profundo silêncio e disciplina. Todos trabalhavam pela auto suficiência do mosteiro e lá eles próprios plantavam sua alimentação em pequenas hortas dentro dos muros das abadias ou então em propriedades cedidas pela Igreja Católica ao redor dos próprios mosteiros. Em uma época com muitas guerras, pestes e fome, viver em um mosteiro não era uma má ideia. Lá os religiosos se encontravam seguros enquanto o mundo romano desabava sob pesadas invasões bárbaras.

Um dos nomes mais destacados desse período foi um monge católico chamado Bento que iria fundar uma nova ordem dentro da igreja que seria conhecida como a ordem dos Beneditinos. Não se sabe com precisão dados históricos sobre Bento mas documentos seculares encontrados na biblioteca do Vaticano informam que ele buscou pela autorização do Papa para a fundação de inúmeros mosteiros, habitações com no máximo dez ou doze monges que deveriam viver da terra, prestar auxílio e assistência de viajantes e ajuda médica e hospitalar às vilas vizinhas. Os monges deveriam viver sob uma estrita regra de organização interna. Atendiam às chamadas regras que impunham uma rígida organização em suas vidas. O trabalho era dividido entre os monges - alguns plantavam, outros se especializavam em tratamentos de doenças e outros exerciam funções intelectuais, como os importantes monges copistas de obras antigas (graças ao trabalho desses religiosos é que a grande parte dos livros clássicos da cultura grego-romana sobreviveram até os nossos dias).

Os monges católicos também davam grande importância ao estudo de línguas, sendo que muitos deles aprendiam grego para ler e ensinar as escrituras no idioma em que os primeiros evangelhos foram escritos. Também fundaram grandes centros e os mosteiros acabaram dando origem à muitas cidades modernas pois o homem medieval, em busca de educação ou assistência médica acabava fundando vilas nos arredores desses mesmos mosteiros. O moderno direito que ainda hoje disciplina nossas vidas foi preservado por mosteiros beneditinos que copiavam através dos séculos os grandes tratados de direito romano, que acabou dando origem ao direito continental europeu do qual somos herdeiros. 

O sucesso da ordem beneditina logo prosperou em vários países europeus. Fundada inicialmente em cidades próximas à Roma a ideia de fundar mosteiros com religiosos se expandiu. Os monarcas da época deram apoio e ajuda financeira para que mosteiros fossem fundados em praticamente todos os reinos europeus. Em pouco tempo vários mosteiros foram criados na França, Alemanha, Inglaterra e Holanda. Os beneditinos começaram também a fundar escolas que, com os séculos, se transformariam nas primeiras universidades da Europa. Grandes catedrais também foram erguidas pela disciplina beneditina, inclusive as conhecidas igrejas milenares de Canterbury (ou Cantuária) e Winchester. A ordem também construiu a famosa Abadia de Westminster, onde os monarcas ingleses eram coroados e enterrados (tradição que segue até os dias atuais).

Assim dentro da milenar história da Igreja Católica a ordem dos monges beneditinos foi de vital importância. Disseminaram cultura e ajudaram os povos desamparados da época medieval. Em um tempo onde a maioria das pessoas era analfabeta por causa da inexistência de redes públicas de ensino, os beneditinos escolarizaram e ensinaram os primeiros europeus letrados. Também disponibilizaram ajuda e assistência médica aos mais pobres e humildes. Um grande exemplo de vida cristã que ecoa até os dias de hoje.

Pablo Aluísio.

Reino de Fogo

Título no Brasil: Reino de Fogo
Título Original: Reign of Fire
Ano de Produção: 2002               
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Spyglass Entertainment, Touchstone Pictures
Direção: Rob Bowman
Roteiro: Gregg Chabot, Kevin Peterka
Elenco: Matthew McConaughey, Christian Bale, Izabella Scorupco

Sinopse:
O mundo está devastado desde que um lendário dragão foi acordado de seu sonho milenar. Agora, de volta aos céus, o monstro destrói tudo por onde anda. Dois homens, Quinn Abercromby (Bale) e Denton Van Zan (McConaughey), resolvem se unir para destruir a terrível ameaça. Filme indicado na categoria "Melhor Filme de Fantasia" da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films e vencedor na categoria "Melhores Efeitos Especiais" no prêmio Sitges.

Comentários:
Dragões e lobisomens não estão tendo ultimamente muita sorte no universo Sci-fi. Fitinhas B de baixo orçamento, verdadeiras porcarias estão sendo lançadas todos os anos com esses dois monstros. O que nos leva a ir atrás no passado em busca de filmes realmente bons sobre o tema. Aqui temos aquele que talvez seja o melhor filme com dragões já realizado. "Reign of Fire" é um achado, uma grande mistura de referências de vários filmes que juntos acabaram dando muito certo. Ótimos efeitos especiais, muita ação e uma trilha sonora pesada garantem grande diversão ao espectador. Some-se a isso um elenco realmente classe A e você terá de fato um filme imperdível. Esse tive a oportunidade de assistir no cinema e digo que com a potência do Dolby Stereo a coisa fica ainda mais impactante. De qualquer maneira, mesmo na telinha, funciona excepcionalmente bem. Uma grande dica para conferir hoje na sua TV a cabo. Não vá perder!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Mulheres Perfeitas

Título no Brasil: Mulheres Perfeitas
Título Original: The Stepford Wives
Ano de Produção: 2004
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures, DreamWorks SKG
Direção: Frank Oz
Roteiro: Ira Levin, Paul Rudnick
Elenco: Nicole Kidman, Bette Midler, Matthew Broderick

Sinopse:
Imagine uma cidade onde todas as mulheres parecem perfeitas. Donas de casa impecáveis, resolvidas emocionalmente, felizes, bem cuidadas, com o cabelo arrumado e a maquiagem sempre maravilhosa. Nada de reclamações ou bobagens feministas. É nesse mundo completamente nos eixos que de repente uma nova garota chega. Todas as esposas são exemplares, todas se encaixam naquele modelo que todo homem sonha para si, que almeja um dia encontrar. Em Stepford todas as mulheres são exemplares. Lindas, bonitas, grandes donas de casa e nem um pouco feministas ou descontentes. Mas afinal, o que estaria acontecendo de errado por lá?

Comentários:
Esse filme "Mulheres Perfeitas" passou em branco quando foi lançado nos cinemas mas revisto hoje em dia soa bem curioso. Classificar o filme como uma ficção não seria muito correto, embora seu desfecho mostre claros sinais de tratar-se de uma produção com sabor Sci-fi. No fundo é uma crítica ao próprio machismo, que sempre espera um ser perfeito na companheira que escolheu como esposa. Como pessoas perfeitas não existem, o tom surreal da produção serve como denúncia e sátira ao mesmo tempo. O filme foi estrelado pela atriz Nicole Kidman que está mais bonita do que nunca. Usando uma maquiagem e um figurino que imita o estilo das pin-ups americanas dos anos 50 ela se destaca por sua beleza impressionante (ela fica muito bem nesse estilo retrô). "The Stepford Wives" foi dirigido por Frank Oz. Muitos certamente não se lembrarão assim de nome, mas os fãs de "Star Wars" não esquecem o fato dele ter sido a voz do mestre Jedi Yoda em cinco dos seis filmes da franquia. O que poucos sabem é que ele, além de ser um ator e animador bem produtivo (mais de 100 filmes no currículo), também sempre se revelou um diretor talentoso, bastando lembrar de "A Pequena Loja dos Horrores" (remake em tom de musical com a famosa planta carnívora) e "A Cartada Final" (o último filme da carreira de Marlon Brando). Infelizmente "Mulheres Perfeitas" não fez sucesso. O público americano não gostou da proposta do filme, isso porém não o impede de ser revisto com outros olhos hoje em dia. É uma produção curiosa, diria até ousada, que vale a pena ser redescoberta.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

The Temptations - My Girl

É uma das mais bonitas, belas e bem gravadas canções dos anos 60, mas curiosamente inicialmente ninguém a queria gravar. Ela foi escrita pelo talentoso compositor e músico Smokey Robinson. Sua intenção original era gravar a música com sua própria banda na Motown Records mas o chefão Berry Gordy achou a canção uma verdadeira porcaria, repleta de clichês por todos os lados. Assim Smokey desistiu de gravá-la com seu grupo vocal mas ainda tinha esperanças que alguém se interessasse por ela. Durante uma festa em Detroit ele encontrou casualmente o vocalista David Ruffin do grupo The Temptations. Smokey achava que Ruffin era um dos melhores cantores da Motown naquela época, embora fosse completamente subestimado pelos donos do selo, e pediu que ele a cantasse informalmente no quintal de sua casa. A interpretação de Ruffin encheu os olhos de Smokey de lágrimas pois ele era um daqueles artistas que cantavam com o coração. Ruffin por sua vez achou aquela melodia maravilhosa, embora a letra era, ainda em sua opinião, muito pueril e derivativa. De qualquer forma ele queria arriscar e gravar a canção com os Temptations.

Como eles eram do segundo escalão da Motown e não haveria maiores riscos ou pressão financeira sobre o grupo o produtor Berry Gordy finalmente deu carta branca para que fosse finalmente gravada. O resultado? O single lançado no natal de 1964 explodiu em vendas! Bastou apenas poucos dias para virar um dos maiores sucessos da gravadora em todos os tempos. O compacto que não tinha nenhum luxo, com capa em preto e branco feita de material barato, e que para falar a verdade nem tinha sido trabalhado direito pela gravadora, adentrou as paradas musicais com fúria, chegando ao primeiro lugar da Billboard Hot 100 em apenas uma semana do seu lançamento - um feito que surpreendeu a todos, inclusive Smokey Robinson que tinha escrito um hit que havia sido rejeitado por todos, inclusive por seus companheiros mais chegados. Quando o single chegou na marca de um milhão de cópias vendidas, Smokey pensou seriamente em  largar a Motown e se aventurar em Nova Iorque em busca de algum espaço, afinal de contas ele tomou consciência de que seu trabalho como compositor não estava sendo devidamente reconhecido em Detroit. Imagine, um dos maiores sucessos dos anos 60 havia sido qualificado como "porcaria" por Berry Gordy e seus asseclas. Como diria o ditado, nada melhor do que um dia após o outro.


My Girl (Smokey Robinson / Ronald White) - I've got sunshine on a cloudy day / When it's cold outside / I've got the month of May / I guess you'll say / What can make me feel this way / My girl (my girl, my girl) / Talking about my girl (my girl) / I've got so much honey / The bees envy me / I've got a sweeter song / Than the birds in the trees / Well I guess you'll say / What can make me feel this way / My girl (my girl, my girl) / Talking about my girl (my girl) / Ooooh, Hooooo / Hey, hey, hey / Hey, hey, hey / Ooooooooo yeah / I don't need no money fortune or fame / I've got all the riches baby / One man can claim / Well, I guess you'll say / What can make me feel this way / My girl (my girl, my girl) / Talking about my girl (my girl) / Talking about my girl / I've got sunshine on a cloudy day / With my girl / I've even got the month of may / With my girl.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

quinta-feira, 24 de abril de 2014

Ao Pé do Cadafalso

Título no Brasil: Ao Pé do Cadafalso
Título Original: The Beggar's Opera
Ano de Produção: 1953
País: Inglaterra
Estúdio: Herbert Wilcox Productions
Direção: Peter Brook
Roteiro: Denis Cannan, Laurence Olivier, baseados na obra de John Gay
Elenco: Laurence Olivier, Hugh Griffith, George Rose

Sinopse:
Adaptação da famosa ópera escrita no século 18 pelo renomado autor John Gay. Na trama conhecemos o capitão MacHeath (Laurence Olivier), um galante aventureiro e salteador que coleciona mulheres e problemas na mesma proporção. Traído por um grupo de falsos amigos ele acaba sendo preso e é condenado à morte. Enquanto espera para ser enforcado o capitão acaba encontrando um improvável amigo, um mendigo com muito talento musical que resolve contar a estória do salteador de uma forma diferente, onde ao invés de um condenado ao cadafalso ele é um herói.

Comentários:
Como levar o mundo da ópera ao grande público que frequentava o cinema? O grande ator, diretor e produtor Laurence Olivier resolveu tentar arriscar e colocar em prática esse tipo de ousadia! Para tornar popular algo tão elevado do ponto de vista cultural, Olivier resolveu escrever um roteiro bem interessante, com uma linha narrativa convencional intercalada com números musicais da famosa ópera. Ele próprio assumiu o personagem principal - o capitão MacHeath - e soltou o vozeirão em cena! Para surpresa de muitos não se saiu nada mal. Na verdade o ator tinha uma voz muito polida, pois era um barítono muito elegante e disciplinado, que não desafinava em nenhum momento. O filme também tem uma produção muito bonita e bem realizada. O figurino é luxuoso e bem colorido, que acaba explodindo em um Technicolor muito impactante na tela. Um belo momento na carreira de um artista que tinha tanto amor pelo mundo do teatro que queria fundir as duas linguagens em apenas um produto cultural. O resultado faz jus à esse seu amor incondicional pela arte. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Pagaram com o Próprio Sangue

Título no Brasil: Pagaram com o Próprio Sangue
Título Original: Dragoon Wells Massacre
Ano de Produção: 1957
País: Estados Unidos
Estúdio: Allied Artists Pictures
Direção: Harold D. Schuster
Roteiro: Warren Douglas, Oliver Drake
Elenco: Barry Sullivan, Dennis O'Keefe, Mona Freeman

Sinopse:
A sexta cavalaria do exército americano é emboscada por guerreiros nativos selvagens em um despenhadeiro no meio do deserto do Arizona. Acuados, os soldados lutam pela própria sobrevivência mas apenas o Capitão Matt Riordan (Dennis O'Keefe) consegue escapar da chacina. Depois de recuperado é enviado novamente para a mesma região só que com uma missão muito mais perigosa: atravessar o território Apache escoltando um grupo de prisioneiros perigosos formado por assassinos e pistoleiros.

Comentários:
Costumo dizer que filmes sobre cavalaria sempre são no mínimo bons! E se foram realizados nos anos 1950 a coisa só tende a melhorar. Esse "Dragoon Wells Massacre" é de fato um dos mais realistas já feitos. Na época chegou a ser acusado de ser forte e violento demais. Revisto hoje em dia se mostra muito bem realizado e até mesmo atual. É brutal? Sim, mas aquela época era de brutalidade extrema! Os soldados da cavalaria não se apresentam como galãs com cabelos impecáveis mas ao contrário, surgem sujos, maltrapilhos e no limite de sua tolerância com tudo o que acontece ao redor. Os Apaches também se revelam como assassinos sem nenhum senso de misericórdia - uma visão que se apresenta muito mais adequada aos fatos históricos, fugindo da armadilha da imagem do "bom selvagem" que iria imperar no cinema americano nos anos que viriam. Os Apaches desse faroeste roubam, matam e estupram suas vítimas. Depois promovem rituais de sangue, tirando seus escalpos. Uma verdadeira barbaridade! E como na época da colonização rumo ao oeste americano não havia outra maneira de lidar com esses guerreiros os soldados da cavalaria nem pensam duas vezes e passam chumbo quente em quem aparecer com pele vermelha pela frente! O resultado é um western com muitas cenas de batalhas e conflitos no meio de um deserto empoeirado e hostil. Um programão para os fãs de faroeste, sem dúvida.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Morro dos Ventos Uivantes

Título no Brasil: O Morro dos Ventos Uivantes
Título Original: Wuthering Heighs
Ano de Produção: 1992
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Peter Kosminsky
Roteiro: Anne Devlin, baseado em livro de Emily Brontë
Elenco: Juliette Binoche, Ralph Fiennes, Janet McTeer, Sophie Ward, Simon Sheperd

Sinopse:
O enredo se passa no apagar das luzes do século XVIII em uma região rural e isolada da Inglaterra. É lá que vivem Catherine Earnshaw (Juliette Binoche) e Heathcliff (Ralph Fiennes). São irmãos adotivos. Embora tenham sido criados juntos um sentimento maior cresce entre eles. Os sentimentos porém não irão aflorar sem antes que eles passem por inúmeras experiências de vida.

Comentários:
Mais uma adaptação do famoso livro "O Morro dos Ventos Uivantes". São mais de vinte filmes explorando o universo dessa grande obra romântica. A primeira versão foi realizado em 1920 e a última há pouco, em 2011. Ao que tudo indica a estória de um amor que resiste a tudo e a todos bateu fundo no lado mais sentimental das pessoas. E curiosamente não importa a  geração pois o enredo de fato parece eterno. Essa versão dos anos 90 sempre é lembrada, embora não possa ser comparada ao clássico de 1939 que tinha no elenco atores maravilhosos como Laurence Olivier. Para se ter uma ideia até mesmo Charlton Heston interpretou o papel de Heathcliff na TV durante a década de 1950. Ainda prefiro a versão clássica de 1939. Via de regra eu sempre prefiro os clássicos. Não sei exatamente a razão mas me parece que o romantismo puro soava melhor há décadas atrás. Hoje em dia tem muito cinismo no ar, vira e mexe cai no piegas mas nos tempos dourados de Hollywood isso não acontecia. Aqui os destaques vão para a bela fotografia, pelo casal principal que realmente passa muita paixão na tela e principalmente pela inspirada trilha sonora. Não é a melhor versão do livro mas satisfaz plenamente quem ainda não viu nenhum dos filmes baseados no texto original. Fica então a dica desse romântico "O Morro dos Ventos Uivantes", cuja estória de amor é de fato atemporal.

Pablo Aluísio e Jùlio Abreu.

A Última Sessão de Cinema

Título no Brasil: A Última Sessão de Cinema
Título Original: The Last Picture Show
Ano de Produção: 1971
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Peter Bogdanovich
Roteiro: Larry McMurtry, Peter Bogdanovich
Elenco: Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Ben Johnson, Ellen Burstin, Cloris Leachman

Sinopse:
Entre a 2ª Guerra Mundial e a Guerra da Coréia, dois jovens, Duane Jackson e Sonny Crawford, vivem em Anarene, uma pequena cidade no Texas. Eles se parecem fisicamente, mas mentalmente e emocionalmente vivem em diferentes planos, sendo que enquanto Duane é agressivo, Sonny é bem mais sensível. Boa parte do tempo deles é passado no pequeno cinema da cidade e no salão de sinuca. Enquanto Duane tenta se firmar freqüentando festas de embalo, Sonny é iniciado no sexo por Ruth Popper, a frustrada esposa do seu treinador. Porém, independente do que aconteça, a cidade está morrendo silenciosamente e lentamente enquanto a vida deles tomam rumos inesperados.

Comentários:
Bastante elogiado por ter inovado em sua narrativa que é bem mais baseada em episódios esporádicos do que numa linha de narração mais tradicional. Os jovens do filme aos poucos vão entendendo que fazem parte de um círculo sem fim, que se repete de geração em geração. O clima de melancolia está em todas as cenas, trazendo uma sensação de tédio e desespero ao espectador. É uma produção que revista hoje em dia soa bem desconfortável, seca, sem qualquer tipo de facilitação para aquele que se atreve a ver a obra. Até hoje é considerada a obra prima do diretor Peter Bogdanovich - e com toda a razão. É em essência um filme fundamentado em ótimas atuações e diálogos precisos. Nâo é para menos que seus dois Oscars foram pelo trabalho do elenco. Ben Johnson venceu o prêmio de melhor ator coadjuvante e Cloris Leachman de melhor atriz coadjuvante. Além deles brilha também a intensidade da atuação de Jeff Bridges (ainda bem jovem mas já demonstrando que tinha muito talento) e é claro Cybill Shepherd, que está linda, também muito jovem e carismática (curiosamente ela só se tornaria uma verdadeira estrela com a série "A Gata e o Rato" na TV americana durante os anos 80). Enfim, um verdadeiro clássico cult, muito rico em desenvolver as nuances e complexidades psicológicas de seus personagens. Para ver e entender melhor os rumos do cinema independente americano durante os anos 1970.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

 

O Cavaleiro Alado

Título no Brasil: O Cavaleiro Alado
Título Original: The Miracle Rider
Ano de Produção: 1935
País: Estados Unidos
Estúdio: Mascot Pictures
Direção: B. Reeves Eason, Armand Schaefer
Roteiro: Barney A. Sarecky, Wellyn Totman
Elenco: Tom Mix, Charles Middleton, Joan Gale

Sinopse:
Após ver seu próprio pai ser morto de forma covarde por foras-da-lei e bandidos sanguinários, o veterano cowboy Tom Morgan (Tom Mix) decide dedicar sua vida ao combate ao crime. Ele entra para o famoso grupo Texas Rangers e começa a enfrentar a bandidagem que se alastra em sua região. Sua primeira missão é encontrar e prender a temida gangue de criminosos liderados por Zaroff (Charles Middleton) que está contrabandeando minerais preciosos roubados de uma mina localizada em terras indígenas.

Comentários:
Mais um sucesso com o astro Tom Mix. Por essa época Mix já pensava em abandonar as telas, afinal de contas já estava milionário e, considerado um veterano, não conseguia mais manter o velho vigor físico nas cenas mais perigosas (Mix sempre dispensava dublês e dizia que em respeito ao seu público ele mesmo realizava as tomadas mais perigosas). Na época de realização dessa produção Tom Mix recebeu um dos maiores cachês da história de Hollywood mas deixou claro que isso seria uma exceção pois ele estava de fato pendurando as esporas (algo que realmente se cumpriu pois só faria mais um filme de despedida e mesmo assim apenas cinco anos depois). O set de filmagens foi conturbado. Mix brigou com o diretor B. Reeves Eason e esse foi demitido. O cineasta queria modificar aspectos do roteiro e Tom Mix não aceitou. Da desavença surgiu sua demissão. Em seu lugar o ator colocou um amigo pessoal, Armand Schaefer, que terminou o filme tal como ele queria. O filme foi sucesso assim que chegou nas telas mostrando que a velha estrela do astro ainda brilhava. Revisto hoje em dia, com Mix e seu famoso enorme chapéu branco, o que temos é um bang bang da velha escola. Não há espaço para ambiguidades, os mocinhos são 100% íntegros, honestos e puros e os vilões são pessoas sem um pingo de bondade em suas almas. Como se pode perceber o desenvolvimento melhor dos aspectos psicológicos dos personagens ainda demoraria a chegar nas telas. Reflexos de um tempo, certamente. No geral tudo ainda soa bem divertido e ágil. Tom Mix sabia que não fazia arte mas entretenimento em sua mais pura concepção. Melhor para o público que sempre se divertia bastante nas matinês. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 23 de abril de 2014

Medo da Verdade

Título no Brasil: Medo da Verdade
Título Original: Gone Baby Gone
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax Films
Direção: Ben Affleck
Roteiro: Aaron Stockard, Ben Affleck
Elenco: Casey Affleck, Morgan Freeman, Ed Harris, Amy Ryan, John Ashton

Sinopse:
A garota Amanda McCready (Madeline O'Brien) desaparece misteriosamente. Para investigar o caso a fundo dois detetives começam a procurar por pistas mas descobrem que há muito mais sob a mera aparência de um desaparecimento comum. A solução do mistério custará caro para todos os envolvidos. Filme indicado ao Oscar na categoria Melhor Atriz Coadjuvante (Amy Ryan). Também indicado na mesma categoria (Atriz Coadjuvante - Amy Ryan) no Globo de Ouro.

Comentários:
Baseado na obra de Dennis Lehane, esse filme foi a estréia do ator Ben Affleck na direção. Na época de lançamento do filme ninguém deu muita bola para esse fato até porque Affleck nunca foi considerado um grande ator, então a desconfiança sobre sua capacidade de dirigir era mais do que natural. Para surpresa de muitos porém Ben se superou e mostrou jeito para a coisa - a tal ponto que hoje em dia ele é reconhecidamente um bom cineasta, embora como ator continue bem canastrão. Além de ser bem dirigido o filme também tem um bom roteiro, com trama instigante (e pasmem mais uma vez, pois o script foi escrito pelo próprio Ben Affleck!). Talvez o único ponto realmente fraco dessa produção venha do elenco.  Casey Affleck não consegue empolgar em nenhum momento e parece até mesmo sonolento em cena! Se o filme tivesse alguém mais talentoso no quesito atuação certamente teríamos uma pequena obra prima, mas não tem jeito, essa coisa de atuar não parece ser o forte da família Affleck! Mesmo assim é aquele tipo de produção que vale a recomendação, nem que seja para apreciar as belas tomadas de cena captadas na bonita - mas também cinza - Boston em Massachusetts.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Adrenalina 2

Título no Brasil: Adrenalina 2
Título Original: Crank - High Voltage
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: Lionsgate, Lakeshore Entertainment
Direção: Mark Neveldine, Brian Taylor
Roteiro: Mark Neveldine, Brian Taylor
Elenco: Jason Statham, Amy Smart, Clifton Collins Jr.

Sinopse:
Chev Chelios (Jason Statham) é um assassino profissional que acaba mexendo com as pessoas erradas. Após entrar em confronto com os interesses da violenta máfia chinesa ele acaba caindo numa armadilha. Um chefe criminoso resolve roubar seu coração, colocando no lugar uma máquina movida a adrenalina. Isso coloca Chev numa busca alucinada por situações perigosas para não morrer do coração. Agora, no meio de uma fuga alucinada ele vai atrás de quem o colocou nessa delicada situação de vida ou morte.

Comentários:
Com esse filme "Crank: High Voltage" o cinema de ação atinge outro nível, mais intenso, mais exagerado e muito mais alucinado. Ao longo dos anos os filmes de ação entraram em uma competição para ver quem realizava a cena mais espetacular, as mais ousadas tomadas de violência e velocidade. Pois bem "Adrenalina" se propõe a romper todos esses limites. Em vista disso coisas como roteiro, atuação e direção ficam para trás. O que importa é imprimir um ritmo tão louco ao filme que o espectador por pouco não fica tonto. Vale a pena chamar a atenção também para o fato de que quando se exagera demais na dose a tendência é tudo acabar virando uma paródia. E é justamente isso que ocorre aqui. "Adrenalina 2" é tão over, tão exagerado, que acabou virando uma espécie de chanchada dos actions movies. As cenas parecem que foram escritas por alguém chapado de ácido, tamanho o absurdo das situações. O ator Jason Statham parece ter entendido bem isso e ultimamente tem optado por filmes de ação bem mais sóbrios. Bom para ele. De nossa parte fica a dica mas também o aviso: "Crank - High Voltage" é uma verdadeira loucura!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

10.000 A.C.

Título no Brasil: 10.000 A.C.
Título Original: 10,000 BC
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros, Legendary Pictures
Direção: Roland Emmerich
Roteiro: Roland Emmerich, Harald Kloser
Elenco: Steven Strait, Camilla Belle, Marco Khan

Sinopse:
D'Leh (Steven Strait) vive no ano dez mil antes de Cristo. A civilização humana ainda é muito prmitiva mas alguns grupos já desenvolvem a consciência de que a união faz a força. Ao lado de um exército de guerreiros como ele, atravessa uma região selvagem repleta de feras e predadores tais como os enormes tigres dente-de-sabre. Apaixonado, luta para salvar a mulher que ama das mãos de um temido senhor da guerra.

Comentários:
O advento dos efeitos digitais de última geração abriram portas que antes seriam impossíveis de adentrar no cinema. De repente os diretores tiveram em suas mãos a oportunidade de recriarem todo um universo próprio, há muito perdido. O problema acontece quando os avanços tecnológicos não são acompanhados de criatividade e originalidade. Um exemplo temos aqui com esse "Dez Mil Anos Antes de Cristo". Sinceramente, o cineasta Roland Emmerich não consegue mudar seus cacoetes mais insuportáveis. Ele não consegue desenvolver nem minimamente qualquer personagem e se resume a ser um diretor de efeitos especiais pois seus filmes não passam disso. Ora, melhor entregar logo a direção a um programador de computador já que a função de diretor já ficou provado que ele nunca exerceu. O filme é tão vazio quanto seu argumento. O roteiro escrito pelo próprio Emmerich traz erros históricos brutais, largamente apontados em seu lançamento. Como se isso fosse importar a ele, já que realizar blockbusters sem conteúdo algum parece ter definitivamente se tornado seu estilo pessoal. Assim melhor esquecer de fato esse filme extremamente bem realizado do ponto de vista técnico mas pessimamente desenvolvido em suas ideias.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Apóstolo Pedro e a Última Ceia

Título no Brasil: Apóstolo Pedro e a Última Ceia
Título Original: Apostle Peter and the Last Supper
Ano de Produção:
País: Estados Unidos
Estúdio: Scott White Productions
Direção: Gabriel Sabloff
Roteiro: Timothy Ratajczak, Gabriel Sabloff
Elenco: Robert Loggia, Bruce Marchiano, Laurence Fuller

Sinopse:
Durante o império de César Nero (54 – 68) o apóstolo de Jesus Cristo e um dos seus principais seguidores, aquele conhecido como Pedro (1 a.C – 67 d.C), chega ao coração do império, Roma. Pregando a palavra de um judeu morto por autoridades romanas na Judéia, ele afirma estar espalhando a boa nova, o evangelho. Sua atitude logo desperta a reação das autoridades. Levado a uma masmorra ele chama a atenção de um dos soldados que fazem a vigília em sua cela. Condenado, sua execução é marcada para acontecer em apenas três dias.

Mesmo com a iminência de sua morte na cruz o apóstolo não se desespera e nem suplica por perdão, pelo contrário, mantém a serenidade, dizendo-se feliz por reencontrar seu mestre Jesus. Intrigado o legionário de Roma lhe pede explicações sobre Jesus, cuja doutrina religiosa está se espalhando cada vez mais na cidade eterna e berço do grande império. De forma humilde e ponderada então Pedro começa a lembrar de seu messias, de suas histórias, suas pregações e milagres, causando uma profunda comoção no soldado que começa a enxergar uma nova realidade, uma nova filosofia de vida baseada na paz e no amor – algo completamente diferente do que lhe foi ensinado nas fileiras do exército de Roma.

Comentários:
Assistir a esse filme foi uma bela surpresa. Não pela produção que é bem modesta mas sim pelo seu texto, muito rico e bem escrito. Usando de fatos históricos permeados com pura dramaturgia o filme consegue manter o interesse baseado apenas no impacto da conversa de Pedro na prisão com um romano legionário que começa sua conversão nos últimos momentos de vida do apóstolo. Entre os principais aspectos positivos que vi aqui estão a sua estrutura teatral (que só conta pontos a favor) e a forma como Jesus é retratado nas memórias de Pedro. O Cristo que surge em cena é um figura radiante, sorridente, feliz, em boa interpretação do ator Bruce Marchiano. Na cena da última ceia outro recurso dramático de que gostei muito foi a apresentação da personalidade de cada um dos apóstolos em pensamentos íntimos, após Jesus revelar que um deles o trairia ainda naquela noite. Robert Loggia que interpreta Pedro é outro achado. Seu olhar, ora melancólico, ora contemplativo e glorioso traz muito significado ao grande homem da história do cristianismo. Embora nem tudo que apareça no filme esteja de acordo com as escrituras vale a pena ao cristão conhecer mais a fundo essa figura tão importante, aquele onde Cristo fundou as bases de sua igreja. Não é nada parecido com aqueles antigos épicos milionários do passado em Hollywood, mas sim uma produção muito simples e modesta que é salva pela grandeza de seu texto e sua mensagem. Um pequeno e belo filme que merece ser conhecido. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Van Helsing - O Caçador de Monstros (2004)

Título no Brasil: Van Helsing - O Caçador de Monstros
Título Original: Van Helsing
Ano de Produção: 2004
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Stephen Sommers
Roteiro: Stephen Sommers
Elenco: Hugh Jackman, Kate Beckinsale, Richard Roxburgh

Sinopse:
Van Helsing (Hugh Jackman) é um especialista do Vaticano que trabalha com eventos e manifestações paranormais. Assim a Igreja Católica envia o caçador de monstros e seu aliado, Carl, para a Transilvânia. Seu objetivo é localizar e destruir o Conde Drácula que, ao que tudo indica, é uma criatura das trevas, um vampiro que se alimenta de sangue humano para continuar sua existência terrena. Chegando na região, Helsing acaba se aliando a uma princesa cigana chamada Anna Valerious (Beckinsale), que está determinada a acabar com uma antiga maldição em sua família, sendo que para isso deverá destruir o milenar vampiro.

Comentários:
Muitos detonam essa produção, chamam de porcaria cheia de efeitos digitais e oportunismo cinematográfico. Bom, talvez seja, porém não há como negar que há filmes que mesmo em sua ruindade conseguem divertir caso sejam encarados como meras diversões descompromissadas. "Van Helsing" vai bem por esse caminho. Ninguém em sã consciência vai assisti-lo pensando em encontrar alguma obra prima do cinema. Na época de seu lançamento foi criada uma expectativa tola sobre suas qualidades cinematográficas e isso gerou decepção no público. Já hoje em dia revendo em exibições nas TVs a Cabo e no PC a coisa já não aparenta mais ser tão desastrosa. Pra falar a verdade revi recentemente e olha que me diverti pra valer. Primeiro porque achei aquelas vampiras gostosonas aladas uma boa pedida, segundo porque em nenhum momento o filme em si se leva à sério. É aquele tipo de fita que você sabe que não foi realizada para ser dissecada, analisada em profundidade, nada disso, é um popcorn por excelência, para ver com os amigos da escola numa tarde sem nada pra fazer. Olhando sob esse ponto de vista (que é o certo, afinal de contas) posso dizer que "Van Helsing" diverte pacas! Pode assistir sem receio algum.

Erick Steve.

Perigo Mortal

Título no Brasil: Perigo Mortal
Título Original: Hellbound
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: Cannon Group, Warner Bros
Direção: Aaron Norris
Roteiro: Ian Rabin, Anthony Ridio
Elenco: Chuck Norris, Calvin Levels, Christopher Neame

Sinopse:
Dois policiais de Chicago estão investigando o assassinato brutal de um rabino e acabam descobrindo que sua morte não se trata de um crime comum mas sim movido por obscuras razões religiosas. Para surpresa de ambos as investigações também acabam mostrando que eles não estão atrás de um assassino como outro qualquer, mas sim uma entidade sobrenatural de complicada definição!

Comentários:
Em determinado momento da carreira de Chuck Norris seus personagens foram ficando tão indestrutíveis que meros vilões humanos se tornaram banais. A solução então foi apelar para o paranormal. Dessa maneira, baseado nesse tipo de premissa, foi produzido esse curioso "Hellbound" onde Norris enfrentava nada mais, nada menos, do que o próprio diabo! Talvez por isso o filme ainda seja tão interessante. Veja, não espere uma produção classe A em uma fita como essa - tudo é muito precário, até mesmo a pequena introdução baseada na Idade Média soa falsa e mal realizada - mas sim muita diversão escapista com Norris mais uma vez encarnando um personagem que não leva desaforos para casa, nem mesmo de um encarnado do inferno! Curiosamente o filme, que não fez sucesso nenhum nos cinemas, foi bancado em Home Vídeo pela poderosa Warner que passou a ver o invocado Norris como uma boa opção de lucros no mercado de VHS. Afinal, ver Chuck Norris dando uns sopapos no próprio demo se tornava algo quase irresistível dentro de uma videolocadora! (lembra delas?).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 22 de abril de 2014

Uma Equipe Muito Especial

Título no Brasil: Uma Equipe Muito Especial
Título Original: A League of Their Own
Ano de Produção: 1992
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Penny Marshall
Roteiro: Kim Wilson, Kelly Candaele
Elenco: Tom Hanks, Geena Davis, Madonna, Rosie O'Donnell, Bill Pullman

Sinopse:
Durante a II Guerra Mundial a liga de beisebol cria um campeonato disputado apenas por mulheres, uma vez que os homens estavam  lutando na Europa, no esforço de Guerra. Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias Melhor Atriz (Geena Davis) e Melhor Canção Original ("This Used To Be My Playground" de Madonna e Shep Pettibone). Indicado ao Grammy na categoria Melhor Canção Original ("Now and Forever" de Carole King).

Comentários:
Durante a Segunda Guerra Mundial a liga americana de beisebol ficou suspensa por causa do esforço de guerra. Com os homens lutando na Europa e no Pacífico não sobraram jogadores suficientes para compor os quadros das equipes. Sem alternativas tentou-se criar uma liga feminina de beisebol para substituir a ala masculina do esporte. Eu nunca tinha assistido a esse filme na íntegra, só cenas avulsas, uma parte aqui, outra acolá. Finalmente agora resolvi assistir de forma completa. Dentro da proposta do cinema convencional e familiar de Penny Marshall até que não é um filme ruim ou chato, muito pelo contrário. Muita gente torce o nariz ao tema, principalmente no Brasil, por causa do esporte retratado, o beisebol. Como os brasileiros não entendem bulhufas dele o filme naufragou nas bilheterias em nosso país. Devo dizer que isso não é empecilho para gostar ou não de "Uma Equipe Muito Especial", pois o roteiro centra muito mais na história das duas irmãs, que são as personagens principais, do que no esporte em si.

O elenco de apoio é muito bom, contando com Madonna (ainda com um visual que me lembrou muito sua carreira nos anos 80) e Rosie O'Donnell (antes de assumir publicamente que era lésbica, o que de certa forma afundaria sua carreira anos depois). A grandalhona Geena Davis, que hoje anda sumida, era um nome badalado no comecinho dos anos 90. Por fim temos ainda uma atuação um pouco destemperada e exagerada de Tom Hanks. Super premiado na época, ele aqui relaxa um pouco, chegando inclusive a lembrar seus personagens mais escrachados da década de 80. Seu personagem é a de um treinador beberrão e rabugento que no fim da carreira se vê na complicada missão de treinar um time de garotas! Outro ponto positivo dessa produção é saber que tudo foi baseado em fatos reais, como se pode ver nas cenas finais do filme, onde as verdadeiras jogadoras são homenageadas. Enfim, é uma boa diversão, tem seus problemas mas no final diverte. mesmo que você não entenda nada do que está acontecendo nos jogos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.