sábado, 30 de junho de 2012

Elvis Presley - Heartbreak Hotel / I Was The One

O primeiro sucesso nacional de Elvis Presley curiosamente não fez parte de seu primeiro álbum pela RCA Victor. "Heartbreak Hotel" só foi lançado mesmo em single, compacto simples, com a baladona "I Was The One" no lado B. Afinal porque isso aconteceu? Muito simples. A lógica comercial da indústria fonográfica nos anos 50 era bem diferente da de hoje. O carro chefe da popularidade dos artistas era justamente o single - pequeno compacto de vinil com duas canções, uma no lado A e outra no lado B. Caso a canção conseguisse fazer sucesso nas rádios a venda desses pequenos discos era garantida, eram baratos, simples e muito acessíveis, sendo vendidos em todos os locais - até em postos de gasolina. "Heartbreak Hotel" foi muito trabalhado pela RCA. Elvis havia custado caro à gravadora e ele tinha que emplacar nas paradas de todo jeito. A música causou perplexidade entre alguns executivos. Era bem estranha, com um ritmo pouco comum, não era um blues, nem um rock autêntico e tampouco era uma balada. O que diabos era "Heartbreak Hotel" então?

A canção foi escrita baseada em uma única frase: "Eu caminho numa rua solitária". Mae Axton havia lido essa frase marcante em um jornal local que noticiava o suicídio de um homem que havia deixado escrito em seu bilhete de despedida apenas isso. Ela então imaginou que no final dessa rua solitária deveria haver um Hotel dos corações partidos. Mais emblemática do que isso impossível. Mae então levou a música para uma convenção de músicos e compositores em Nashville. Ela sabia que Elvis Presley iria estourar nas paradas e isso poderia ser sua grande chance de emplacar um sucesso realmente nacional. Após muita luta conseguiu uma audição com Elvis. Tocou a música para ele numa demo onde o cantor tentava imitar justamente o estilo de Elvis. Presley adorou o que ouviu e disse que gravaria a música. O resto é história.

Durante muitos anos se especulou porque Elvis estava creditado na música se não a tinha composto de fato. Era comum na década de 50 os cantores dividirem a autoria da música para lançamento em suas vozes no mercado. Era uma forma do intérprete ganhar alguns trocados a mais com os direitos autorais. Era praxe na época e Elvis seguiu apenas um costume do mercado fonográfico. Apesar disso sempre que perguntado em entrevistas se tinha realmente composto a música, Elvis logo se punha a explicar que não era o caso, que ele apenas assinava a composição por uma questão de mercado. "Heartbreak Hotel" trouxe bons resultados para Elvis - caiu no gosto popular e atingiu o primeiro lugar na parada Billboard (a principal dos EUA). Além disso trouxe ao cantor seu primeiro disco de ouro. Era o começo de um reinado nas paradas de singles que iria durar até mais ou menos 1962 quando seus singles começaram a derrapar nas paradas mas essa é uma outra história.

Heartbreak Hotel (Mae B. Axton - Tommy Durden - Elvis Presley) - Well, since my baby left me, / I found a new place to dwell. / It's down at the end of lonely street / at Heartbreak Hotel / You make me so lonely baby / I get so lonely, / I get so lonely I could die / And although it's always crowded, / you still can find some room. / Where broken hearted lovers / do cry away their gloom / You make me so lonely baby, / I get so lonely, / I get so lonely I could die / Well, the Bell hop's tears keep flowin', / and the desk clerk's dressed in black. / Well they been so long on lonely street / They ain't ever gonna look back / You make me so lonely baby, / I get so lonely, / I get so lonely I could die / Hey now, if your baby leaves you, / and you got a tale to tell. / Just take a walk down lonely street / to Heartbreak Hotel / You make me so lonely baby, / I get so lonely, / I get so lonely I could die / And although it's always crowded, / you still can find some room. / Where broken hearted lovers / do cry away their gloom / You make me so lonely baby, / I get so lonely, / I get so lonely I could die / (Tree Publishing Co, BMI) 2:08 - Data de gravação: 10 de janeiro de 1956 - Local: RCA Studios, Nashville.

I Was The One (Schroeder - Demetruis - Blair - Peppers) - I was the one who taught her to kiss / The way that she kisses you now / And you know the way she touches your cheek / Well, I taught her how / I was the one who taught her to cry / When she wants you under her spell. / The sight of her tears drives you out of your mind, / I taught her so well. / And then one day / I had my love as perfect as could be. / She lived, she loved, she laughed, she cried, / And it was all for me. / I'll never know who taught her to lie / Now that it's over and done / Who learned the lesson when she broke my heart? / I was the one. / And then one day / I had my love as perfect as could be / She lived, she loved, she laughed, she cried, / And it was all for me. / I'll never know who taught her to lie. / Now that it's over and done, / Who learned the lesson when she broke my heart? / I was the one. / (Cheppel e Co, Inc / Rachel's Own, ASCAP) 2:33 - Data de gravação: 11 de janeiro de 1956 - Local: RCA Studios, Nashville.

Pablo Aluísio.

O Exorcista

"O Exorcista" é apontado por muitos como o melhor filme de terror já feito. A produção causou forte impacto em seu lançamento e até hoje é cultuada. De certa forma é até simples de entender essa repercussão toda que o filme atingiu. A trama da garotinha possuída por um demônio bateu fundo no inconsciente coletivo do público ocidental. Como se sabe em países onde o Cristianismo é considerado a religião predominante o diabo não é apenas um ser de ficção mas uma entidade real, de existência induvidosa. Assim o que se passa nas telas obviamente amedronta as pessoas com essa formação religiosa. Para reforçar ainda mais essa situação não podemos ignorar que embora o filme seja baseado em um livro de William Peter Blatty esse foi escrito em cima de um caso real ocorrido na Itália. A única diferença é que na história real os fatos aconteceram com um garoto e não uma garotinha como vemos nas telas. Até hoje a igreja Católica mantém um sistema de revezamento de orações no local onde ocorreram as manifestações. Não cabe aqui discutir o que causou esses eventos, se era realmente uma possessão ou um mero transtorno psicológico, o que importa é entender que "O Exorcista" levou os fatos para o universo da cultura pop, o marcando para sempre.

Outro fato digno de nota é que mesmo após tantos anos o filme, mesmo visto atualmente, não envelheceu tanto. Claro que em termos narrativos há alguns aspectos que soam datados, mas a força da trama não sofreu o pesar dos anos. Nem suas péssimas continuações atrapalharam nesse quesito. Filmes marcantes assim costumam ser tão imitados que acabam perdendo sua força original. Com "The Exorcist" não sentimos tanto essa perda. O filme continua muito bom, muito impactante e provocando medo aos que o assistem (o que no final das contas é o objetivo de todo filme de terror bom que se preze). Em conclusão "O Exorcista" realmente merece a fama e o status que tem. É um excelente momento do cinema de terror da década de 70 que se mantém firme até os dias de hoje.

O Exorcista (The Exorcist, EUA, 1973) Direção: William Friedkin / Roteiro: William Peter Blatty baseado em seu próprio livro / Elenco: Linda Blair, Max Von Sydow, Ellen Burstyn, Lee J Cobb, Jason Miller, Kitty Winn, Jack MacGowran / Sinopse: Jovem garota (Linda Blair) começa a manifestar sinais de possessão demoníaca. Para ajudá-la a Igreja envia dois padres exorcistas para combater o mal.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Menina de Ouro

Um ano após Charlize Theron ganhar seu Oscar de melhor atriz por "Monster" chegou a vez de Hilary Swank levantar a estatueta por esse drama "Menina de Ouro". Certamente estamos aqui na presença de um dos mais controvertidos filmes de Clint Eastwood. A trama em si e seu desenrolar não foge muito do que estamos acostumados a ver em filmes sobre boxe. A diferença central surge na conclusão do filme que deixou muitas pessoas aborrecidas pelo clímax nada feliz. Certamente "Menina de Ouro" não é uma produção de fácil digestão. Há muito que Clint Eastwood abandonou as soluções fáceis e os epílogos rotineiros. Aqui ele ousou contar uma estória nada edificante, daquelas que os espectadores saem do cinema com a alma lavada. Na verdade o público levou mesmo foi um choque de realidade cruel no desfecho do enredo. A trama para quem ainda não conhece é a seguinte: Frankie Dunn (Clint Eastwood) é um treinador veterano que aceita treinar a jovem Maggie Fitzgerald (Hilary Swank). Ela está disposta a tudo para se tornar uma lutadora de boxe profissional. Frankie, após muita insistência por parte da atleta, resolve acreditar em seu potencial. Ao lado do treinamento também acaba surgindo uma bela amizade entre ambos. Há muito que o velho treinador não vê sua filha. Extremamente fechado no modo de ser, é complicado para ele manter um bom relacionamento com sua própria filha. Assim sua aproximação com Maggie acaba criando um reflexo do tipo de envolvimento que gostaria de ter com sua distante família.

O elenco de apoio é excelente. Morgan Freeman está em cena, com toda aquela dignidade que lhe é peculiar. Hilary Swank também está muito bem mas sua atuação seria mesmo digna de um Oscar? Há uma velha máxima dentro da Academia que diz que todo ator que interprete qualquer personagem com problemas físicos ou mentais tem grande chance na disputa pelo Oscar. Não entrarei em maiores detalhes sobre o destino da personagem de Hilary Swank para não estragar o final de quem ainda não assistiu "Menina de Ouro", mas fica claro que seu papel caiu como uma luva nessa definição. Hilary Swank defende seu trabalho com unhas e dentes mas devo confessar que naquele ano minha favorita era mesmo Catalina Sandino Moreno por "Maria Cheia de Graça", um filme socialmente muito relevante, tocando em um assunto importante. Infelizmente a premiação do Oscar tem muita política envolvida e dessa forma uma atriz latina jamais tiraria o Oscar de Hilary, ainda mais porque "Menina de Ouro" acabou vencendo todos os prêmios importantes da Academia naquele ano. Em suma, temos aqui um filme corajoso realmente, com temática instigante e final surpreendente. Provavelmente muita gente vá torcer o nariz para a ética (ou falta dela) na conclusão do filme mas mesmo assim essa obra é um ótimo representante daquele tipo de produção que nos mostra que nem todos os finais são felizes.

Menina de Ouro  (Million Dollar Baby, EUA, 2004) Direção: Clint Eastwood / Roteiro: Paul Haggis / Elenco: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Jay Baruchel, Mike Colter, Lucia Rijker / Sinopse: Jovem garota é aceita por veterano treinador de boxe. Seu sonho é se tornar uma lutadora profissional do esporte. Seu caminho até lá porém não será feito de flores. Filme vencedor dos Oscars de Melhor Filme, Direção, Melhor Atriz (Hilary Swank) e Ator Coadjuvante (Morgan Freeman).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

Elvis Presley na TV

Muita gente se pergunta como foi possível a Elvis se tornar tão popular em tão pouco tempo. Foram vários os fatores para que em poucos meses o cantor se tornasse tão conhecido mundo afora. Dentro dos EUA Elvis contou com a excelente estrutura de divulgação da RCA Victor. RCA é uma sigla que significa em português Corporação de Rádios da América. Fácil entender então que se tratava de uma rede nacional de rádios interligadas pelo país afora que obviamente promoveria o novo cantor. Assim da noite para o dia Elvis começou a ser ouvido de costa a costa da América, uma vez que a RCA tinha o controle de centenas de rádios espalhadas pelo país.

Outro fator de grande divulgação da música de Elvis foi uma nova invenção que invadia os lares americanos: a Televisão. Embora alguns anos depois o Coronel Parker tenha esnobado a TV e seus programas de auditório, o fato é que nos primeiros anos de Elvis na RCA a TV teve uma função vital para tornar o jovem cantor tão popular quanto se tornou. Logicamente se Elvis não fosse tão talentoso de nada adiantaria todo esse esquema promocional. A questão é que com tantos instrumentos para divulgação aliado ao talento nato do artista não haveria como dar errado. Em pouco mais de um mês Elvis já estava na boca do povo, comentado, debatido e o mais importante conhecido. Afinal ele não apenas se tornava popular por sua música mas também por sua dança e seu estilo de se apresentar, considerado imoral ou selvagem nos moralistas anos 50. Elvis Presley era diferente de tudo, muito além do que se esperava ver na TV daqueles tempos. Um furacão de novidade, excentricidade e explosão sensual.

Nos primeiros meses de 1956 Elvis se apresentou várias vezes na TV americana. Veja a relação de suas aparições na telinha nessa época (com datas e músicas):

JACKIE GLEASON'S STAGE SHOW
Apresentado por Tommy Dorsey e Jimmy Dorsey, CBS TV
a) 28/01/56 - "Heartbreak Hotel" e "Blue Suede Shoes"
b) 04/02/56 - "Tutti Frutti" e "I Was the One"
c) 11/02/56 - "Shake Rattle and Roll", "Flip, Flop and Fly" e "I Got a Woman"
d) 18/02/56 - "Baby, Let's Playhouse" e "Tutti Frutti"
e) 17/03/56 - "Blue Suede Shoes" e "Heartbreak Hotel"
f) 24/03/56 - "Money Honey" e "Heatbreak Hotel"

THE MILTON BERLE SHOW
Apresentado por Milton Berle, NBC TV, Hollywood
a) 3/04/56 - "Heartbreak Hotel", "Money Honey" e "Blue Suede Shoes"
b) 5/06/56 - "Hound Dog" e "I Want you, I need You, I love you"

THE STEVE ALLEN SHOW
Apresentado por Steve Allen, NBC TV, Hollywood
a)1/07/56 - "I Want you, I need you, I love you" e "hound Dog"

TOAST OF TOWN
Apresentado por Ed Sullivan, CBS STUDIOS TV, Hollywood
a) 9/09/56 - "Don't be Cruel", "Love me Tender", "Ready Teddy" e "Hound Dog"
b) 28/10/56 - "Don't be Cruel", "Love me Tender", "Love Me" e "Hound Dog"
c) 06/01/57 - "Don't be Cruel", "Love me Tender", "Heartbreak Hotel", "Hound Dog", "Peace in the valley" e "When my Blue Moon turns to gold again"

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 29 de junho de 2012

Volta Meu Amor!

Nenhum casal fez tanto sucesso nos cinemas durante os anos 1960 do que Rock Hudson e Doris Day. Juntos eles fizeram três comédias românticas que tiveram excelentes bilheterias para a época. A fórmula era infalível e com o sucesso de "Confidências à Meia Noite" a volta do casal era algo considerado certo pelos produtores. A própria Doris Day tinha adorado ter trabalhado ao lado de Rock e ao final das filmagens havia lhe dito que eles deveriam fazer outros filmes juntos. "Volta Meu Amor" foi o segundo filme de Rock e Doris. O roteiro segue basicamente a mesma estrutura do primeiro filme. Um playboy se faz passar por outro homem para conquistar o coração da personagem de Day. Falando sinceramente os dois filmes são praticamente iguais, não mudando quase nada, a não ser o nome e a profissão dos personagens principais. O roteiro é praticamente o mesmo também, a mesma ideia central que havia sido utilizada em "Confidências à Meia Noite". Nem por isso deixa de ser um bom passatempo, dos mais agradáveis, até mesmo nos dias de hoje.

Apesar dos diálogos "ousados" para os anos 60 a produção era divertida, leve e recomendada para todos os públicos, mas principalmente casais. A sociedade americana passava por profundas mudanças sociais e de costumes na época em que esses filmes eram lançados nos cinemas. As mulheres finalmente tinham conquistado seu espaço no mercado de trabalho. Eram agora independentes, profissionais e não usavam mais o casamento como único meio de vida. Ter ou não um companheiro tinha se tornado apenas uma opção e não uma obrigação. Rock Hudson geralmente interpretava homens incorrigíveis, playboys e conquistadores inveterados. Já Doris Day trazia para as telas a nova mulher, dona de seu destino, com pleno controle de sua própria vida. O choque entre esses dois estilos de vida é que criava o fino humor para esse tipo de produção. Quando foi lançado "Volta Meu Amor" se tornou um sucesso de bilheteria ainda maior do que "Confidências à Meia Noite", o que deixou todos surpresos. Por causa do sucesso a dupla voltaria ainda a atuar junto pela terceira e última vez em "Não Me Mandem Flores" que no momento oportuno trataremos aqui em nosso espaço; De qualquer forma fica a dica para os fãs de Rock Hudson e Doris Day. "Volta Meu Amor" é uma delícia de filme. Não envelheceu e mesmo revisto nos dias de hoje ainda é uma ótima diversão.

Volta Meu Amor!
(Lover Come Back, EUA, 1961) Direção: Delbert Mann / Roteiro: Stanley Shapiro, Paul Henning / Elenco: Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall / Sinopse: Jerry Webster (Rock Hudson) é um publicitário que tem que promover um produto novo chamado VIP que se tornará um grande sucesso de vendas para e empresa em que trabalha. O problema é o tal produto simplesmente não existe! Para completar suas dores de cabeça ele ainda tem que lidar com uma outra publicitária rival, Carol Templeton (Doris Day), que luta para que sua licença de publicitário seja cassada. Para vencer Carol, Jerry acaba fazendo se passar por outra pessoa, pelo suposto inventor de VIP.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu. 

Espelho, Espelho Meu

Depois do grande sucesso da versão cinematográfica de Alice dirigido por Tim Burton praticamente todo estúdio em Hollywood anunciou uma nova versão de algum conto de fadas. Esse "Espelho, Espelho Meu" foi apenas mais um deles. O mais curioso é que não é o único a ser feito tentando trazer de volta às telas o conto de fadas "Branca de Neve e os Sete Anões". Há um outro projeto bem mais ambicioso estrelado por Kristen Stewart. Se aquele tem cara de "Branca de Neve invade a Terra Média" por causa da semelhança absurda da produção com a franquia "O Senhor dos Anéis" esse aqui é bem mais modesto em suas pretensões. O projeto é mais um ataque de egolatria de Julia Roberts que há tempos procura reencontrar o caminho do sucesso. Não será com esse "Mirror, Mirror" que ela vai alcançar os seus objetivos. O filme foi lançado na semana em que "Jogos Vorazes" dominava as bilheterias o que fez o filme ser praticamente ignorado - embora não tenha sido o fracasso todo que algumas notícias divulgaram. A tônica aqui é realmente de filme infantil, uma produção feita para as crianças embora tome certas liberdades com o conto original (nem sempre de forma feliz). Os anões foram provavelmente os personagens mais prejudicados. Na versão de Disney - a melhor já feita até hoje - eles eram trabalhadores divertidos, pessoas do bem. Já aqui viram um bando de ladrões, salteadores, infames. Embora o roteiro tente trazer um certo humor e suavidade ao grupo eles surgem em cena mal encarados, antipáticos, nada parecidos com os anões que conhecemos em nossa infância. Também surgem com nomes diferentes, nada simpáticos, um inclusive é chamado de "Açougueiro", imagine você! As pernas de pau que usam é outra coisa totalmente fora de propósito, sem qualquer atrativo.

A atriz que faz Branca de Neve, Lily Collins, foi prejudicada por uma maquiagem muito pesada, nada sutil ou elegante. Com sobrancelhas enormes e pretas tudo soa muito deselegante. O pior é que a moça é bonita, não precisavam estragar seu bonito rosto com tudo aquilo. Será que a Julia Roberts a enfeiou propositalmente com medo dela roubar o filme? Não duvido nada. Se fez isso então ela agiu exatamente como a rainha má que interpreta o que não seria surpresa nenhuma. Ao natural Lily é bela, delicada e lembra em certos momentos Audrey Hepburn mas no filme surge praticamente "escondida" sob a maquiagem fora de tom. A produção do filme também não é melhor. A direção de arte é muito excessiva, não particularmente bonita ou de bom gosto. Tudo é muito kitsch, mesmo sendo um conto de fadas deveriam ter trilhado um caminho mais soft do que é apresentado em cena. O roteiro também não agrada. Tenta contar a velha estória de uma forma inovadora o que é um erro. Contos de fadas foram escritos e passados de gerações em gerações para ensinar valores morais e culturais para a criançada. São simples por natureza e devem permanecer assim. Qualquer tentativa de mudar sua essência é bem condenável sob qualquer ponto de vista. Provavelmente Jacob e Wilhelm Grimm estejam se revirando na tumba com o que fizeram com sua estorinha. Lamentável.

Espelho, Espelho Meu (Mirror, Mirror, EUA, 2012) Direção: Tarsem Singh / Roteiro: Jason Keller, Marc Klein, Melisa Wallack baseado no conto de fadas escrito por Jacob Grimm e Wilhelm Grimm / Elenco: Lily Collins, Julia Roberts, Armie Hammer, Nathan Lane, Sean Bean / Sinopse: Branca de Neve (Lily Collins) fica sob os cuidados da madrasta, a Rainha (Julia Roberts) após seu pai desaparecer na floresta negra.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

El Dorado

Um grande clássico do western. Há uma informação muito difundida afirmando que na realidade "El Dorado" seria apenas o remake de "Onde Começa o Inferno". Realmente ambos os filmes são muito parecidos, com premissas praticamente iguais mas chamar um de simples refilmagem do outro é um erro. O diretor é o mesmo, o grande Howard Hawks, mas há mudanças nele - também não tantas a ponto de torná-los totalmente diversos. De certa forma "El Dorado" é uma releitura do filme anterior. O cineasta Howard Hawks tinha uma verdadeira fascinação pelo enredo e por isso estava sempre em busca de uma forma melhor de contar a mesma estória. Assim sete anos depois do filme original lá estava ele de novo ao set de filmagens, porem não para realizar uma mera refilmagem mas sim para produzir uma nova versão, com mudanças pontuais. Talvez por ter sido um "prato requentado" muitos puristas tenham torcido o nariz para "El Dorado". Eu discordo e considero o filme muito bom, acima da média do gênero western. Além disso como ignorar o fato de que somos presenteados com dois excelentes mitos do faroeste em cena, John Wayne e Robert Mitchum?

Devo inclusive dizer que pessoalmente prefiro o elenco de "El Dorado" ao de "Onde Começa o Inferno". Se lá tínhamos o trio John Wayne, Dean Martin e Ricky Nelson, aqui temos um elenco muito mais eficiente formado por Wayne, Robert Mitchum (sempre ótimo, principalmente interpretando anti-heróis no limite) e James Caan (bem jovem prestes a despontar como grande ator). Todos estão entrosados e bem à vontade em seus papéis. John Wayne, já sessentão, começa a incorporar o papel que iria repetir nos anos que viriam: a do velho pistoleiro, já com idade avançada, meio cansado de tudo e todos tendo que lidar na velhice com sua fama de rápido no gatilho (o que invariavelmente lhe trazia vários transtornos com aspirantes à fama que ousassem lhe desafiar). Wayne inclusive não perde a chance de até mesmo zombar de sua idade, andando de muletas, cansado e disposto a levar à frente seu código de ética do velho oeste. Mitchum por sua vez não precisava de muita coisa para interpretar um velho xerife bêbado, pois em sua carreira fez muitos personagens semelhantes a esse. Era um mestre nesse tipo de papel. "El Dorado" merece seu lugar no panteão dos grandes filmes de faroeste pois desde a direção, interpretações, até o roteiro muito bem escrito, a produção é certamente um excelente representante do gênero em sua época de ouro. Talvez por ser tão bom sempre é lembrado em listas dos melhores faroestes, posição aliás que sempre é mais do que merecida.

El Dorado (El Dorado, EUA, 1966) / Direção: Howard Hawks / Roteiro: Harry Brown e Leigh Brackett / Elenco: John Wayne, Robert Mitchum, James Caan / Sinopse: Um implacável pistoleiro se une a um antigo amigo, um beberrão que atualmente trabalha como xerife em El Dorado, e outros dois companheiros seus para ajudar um rancheiro e sua família a se defenderem de violentos membros de um rancho vizinho.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Vício Frenético

Não é novidade para ninguém que a filmografia de Nicolas Cage nos últimos tempos já saiu da fase de ser apenas ruim para virar anedota entre cinéfilos de tão ruins que são as produções. De fato Cage já virou piada nas rodinhas de pessoas que gostam do dito bom cinema. No meio de tantos filmes obtusos e constrangedores eis que finalmente surgiu uma pérola no meio do lamaçal. Sim, "Vício Frenético" é essa jóia. O filme se comparado com outros recentes do Cage é bem superior. Não é um grande filme, tem problemas de ritmo, roteiro e interpretação mas mesmo com tudo isso é salvo no final pelo fino humor negro que permeia toda a estória. Aqui Cage interpreta um oficial da policia de uma New Orleans devastada. Longe de ser um exemplo o tira é corrupto, viciado em drogas, em jogos e prostituição e tudo o mais de pior que se pode pensar para um policial. Um sujeito totalmente fora de controle e completamente fora da linha. O irônico é que mesmo assim, com todos esses desvios de conduta, sempre acaba sendo promovido (uma crítica óbvia à força policial das grandes cidades americanas).

Não gostei muito da interpretação do Cage. De olhos esbugalhados, olhar vidrado, todo torto e muitas caretas o ator apresenta um esilo caricato de representar. No começo chega a ser até estranho ver Cage tão afetado mas depois que se acostuma com o tipo, fica até divertido. Ainda bem que ele foi salvo pelo bom argumento. O roteiro até consegue sobreviver no meio de um amontoado de eventos que vão se sucedendo no transcorrer da produção. Talvez isso se deva ao fato do filme ser na realidade um remake de um antigo policial dirigido por Abel Ferrara. Como se sabe esse diretor sempre foi bem pouco convencional. A estrutura de seus filmes sempre foi inovadora e nada parecida com o que vemos no cinemão comercial americano. No saldo final o que realmente salva mesmo "Vício Frenético" é a ironia, o cinismo e o humor negro que utiliza para satirizar o sistema. Nesse ponto o filme realmente acerta. Em suma, aqui temos um filme policial que a despeito dos exageros do Cage em cena pode realmente agradar no final das contas.

Vício Frenético (The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans, EUA, 2009) Direção: Werner Herzog / Roteiro: William M. Finkelstein, Victor Argo, Paul Calderon, Abel Ferrara, Zoë Lund / Elenco: Nicolas Cage, Eva Mendes, Val Kilmer, Fairuza Balk / Sinopse: Aqui Nicolas Cage interpreta o Terence McDonagh, um oficial da policia de uma New Orleans devastada. Longe de ser um exemplo o tira é corrupto, viciado em drogas, em jogos e prostituição e tudo o mais de pior se pode pensar para um policial. Um sujeito totalmente fora de controle e completamente fora da linha.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Dupla Implacável

A carreira de John Travolta já morreu e renasceu tantas vezes que fica até complicado de acompanhar. Esse "Dupla Implacável" é mais um tentativa do ator em voltar ao topo. Com visual esquisito, careca e cavanhaque o ex astro de musicais agora quer convencer como um tipo durão, próprio para filmes de ação. Ao seu lado está Jonathan Rhys Meyers que apesar do sucesso na TV com a boa série The Tudors nunca conseguiu emplacar no cinema. E não foi dessa vez que conseguiu. A produção não é toda ruim, tem coisas interessantes mas não conseguiu colocar nem Travolta e nem Meyers no rumo do sucesso nas telas. Na verdade fui assistir esse filme com as expectativas mais baixas possíveis. Pensei que seria apenas um filmeco de ação passado em Paris. Bom, até que me surpreendi pois o filme é um thriller eficiente sobre atentados terroristas. Claro que o roteiro é simples (para não dizer simplório) mas mesmo assim diverte. John Travolta faz mais uma variação do tipo que vem apresentando nos últimos filmes. Aliás ele está totalmente fora de forma o que compromete a veracidade nas cenas que exigem mais vigor físico (como a que ele persegue uma terrorista em um telhado parisiense).

Por falar em Paris, a decisão de fazer o filme por lá foi bem acertada, pois a cidade ainda continua linda (embora tenha sido pouca aproveitada em cena). Jonathan Rhys Meyers está apenas correto e no fundo serve de escada para Travolta. Para quem procura um sucesso para fazer a transição para o mundo do cinema o filme foi uma bola fora, já que não fez sucesso e deu prejuízo financeiro. Muitos culparam o diretor Pierre Morel pelo fracasso comercial mas o que esperavam de um sujeito que foi o roteirista de "Carga Explosiva"? Enfim, o filme não cumpriu sua missão de transformar John Travolta em herói de filmes de ação. Fica para a próxima tentativa então.

Dupla Implacável (From Paris With Love, EUA, 2010) Direção: Pierre Morel / Roteiro: Adi Hassal baseado em estória original de Luc Besson / Elenco: John Travolta, Jonathan Rhys Meyers, Kassia Smutniak / Sinopse: Dois americanos em Paris se envolvem com um grupo de terroristas franceses.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

13 - O Jogador

Vamos aos fatos: quando esse filme foi anunciado eu pensei sinceramente que fosse uma tremenda porcaria. Bom, as aparências enganam. Como fui com expectativas baixas acabei me surpreendendo de forma positiva. Eu pensei de forma equivocada que a simples presença de Jason Statham no elenco já qualificaria o filme como mais uma de suas fitas de pura ação sem cérebro. Estava errado. O filme é um thriller rápido mas envolvente que mostra um tenebroso torneio de roleta russa no submundo de Chicago. Grande parte do filme realmente gira em torno da tal "competição" e por isso muitos bons atores que estão no filme realmente não tem grande coisa a fazer em cena.

Mickey Rourke, por exemplo, pouco acrescenta, não passando de um coadjuvante de luxo. Mais deformado do que o habitual o ator novamente desfila sua coleção de roupas e acessórios bizarros e apesar de seu personagem prometer muitos nas cenas iniciais não se desenvolve, desaparecendo sem alarde no terceiro ato do filme, o que não deixa de ser algo decepcionante do roteiro. Para quem gosta de seriados, duas surpresas: as presenças de David Zayas (de Dexter) e Alexander Skarsgård (o vampiro de True Blood). Ben Gazarra, muito envelhecido, também dá o ar da graça assim como o rapper 50 Cent (que é péssimo ator). Enfim, o filme é bom apesar disso e tem um final realista e cruel que acrescenta muitos pontos em seu saldo final. Vale a pena conferir.

13 - O Jogador (13, EUA, 2010) Direção: Géla Babluani / Roteiro: Géla Babluani, Greg Pruss / Elenco: Jason Statham, Mickey Rourke, Sam Riley, Alice Barrett, Gaby Hoffmann / Sinopse: No submundo de Chicago um grupo de pessoas disputam um torneio de roleta russa ilegal. O vencedor será o sobrevivente, o último a ficar de pé, vivo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Atraídos Pelo Crime

Eddie Dugan (Richard Gere), Tango (Don Cheadle) e Sal (Ethan Hawke) são três policiais que trabalham no violento bairro do Brooklyn em Nova Iorque. Após o cometimento de um crime os três terão que solucionar um complicado caso envolvendo uma rede de criminosos do local. Há tempos eu vinha procurando um bom policial para ver e finalmente encontrei. O filme é uma pedrada: violento, realista, otimamente bem escrito e dirigido e com excelentes atuações de todo o elenco. Mostra o lado mais cruel e sórdido da vida de três policiais no lado mais barra pesada de Nova Iorque, o bairro do Brooklin. Nesse lugar convivem traficantes, gigolos, estelionatários, prostitutas, viciados e toda a fauna que compõe a escória da sociedade americana ou como ironicamente está no título original do filme, o "fino do Brooklin".

Richard Gere está muito bem na pele do policial que só pensa em se aposentar e dar o fora do distrito onde trabalha. Sua vida pessoal é caótica, sem laços familiares, hostilizado por outros policias, tentando ensinar algo aos novatos e para piorar apaixonado por uma prostituta barata. Ethan Hawke interpreta o segundo policial, um sujeito cheio de filhos que precisa desesperadamente de dinheiro. O último elo do distrito é um policial infiltrado entre grupos de bandidos do bairro, que não sabe mais distinguir entre o certo e o errado. O mais interessante desse roteiro é que as três estórias que inicialmente parecem independentes irão se conectar em um final extremamente sangrento. Esse tipo de estrutura narrativa me lembrou bastante os filmes de Robert Altman. Vale a pena assistir. Recomendo bastante.

Atraídos Pelo Crime (Brooklyn's Finest, EUA, 2009) Direção: Antoine Fuqua / Roteiro: Michael C. Martin / Elenco: Richard Gere, Ethan Hawke, Don Cheadle, Wesley Snipes, Jesse Williams, Lili Taylor, Ellen Barkin. / Sinopse: Eddie Dugan (Richard Gere), Tango (Don Cheadle) e Sal (Ethan Hawke) são três policiais que trabalham no violento bairro do Brooklyn em Nova Iorque. Após o cometimento de um crime os três terão que solucionar um complicado caso.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 28 de junho de 2012

Gandhi

Pode todo um império poderoso se curvar apenas ao peso de um ideal? A história de Gandhi prova que sim. De um lado temos o imenso, poderoso e dominador Império Britânico. Na época se dizia que o sol nunca se punha sob os domínios da Grã Bretanha, tamanha a sua extensão nos quatro cantos do mundo. Do outro lado havia esse indiano muito simples, de roupas despojadas, óculos desajeitados, uma pessoa que procurava viver como o mais humilde dos homens. Nesse choque de ideologias os fundamentos do pequeno homem acabaram vencendo os alicerces do majestoso Império de Vossa Majestade. Tudo baseado apenas em suas idéias de liberdade e autonomia. O mais grandioso na figura de Gandhi é que ele não liderou uma revolução armada mas sim um movimento de não violência, fundado apenas na ideologia da não violência, da convivência pacífica e no poder da argumentação lógica e sensata. Não é para menos que hoje em dia o mundo o conhece como Mahatma (grande alma). Ele conseguiu romper as amarras do colonialismo inglês para com seu país apenas pela força de sua mensagem. Uma revolução diferente, não feita de armas de fogo mas sim de pensamento e sensatez.

Em 1982 o corajoso produtor e diretor Richard Attenborough resolveu levar a história de Gandhi para os cinemas. Uma decisão ousada uma vez que a história do líder indiano é muito intimista, teórica. Não haveria cenas de batalhas para encher as telas como nos antigos épicos, nada disso, o roteiro teria que se concentrar apenas na mensagem e na ideologia de Mahatma. Não há momentos extremamente dramáticos e nem grandes guerras ou algo parecido. Diante disso muitos achavam que essa era realmente uma história que não poderia ser levada às telas com êxito. Ledo engano. Gandhi não deixou de ser um filme fenomenal por essas razões, pelo contrário. Em ótima caracterização o ator Ben Kingsley literalmente encarnou o personagem em um dos melhores castings da história do cinema. A transposição da biografia de Gandhi foi tão bem sucedida no final das contas que conseguiu vencer todos os grandes prêmios em seu ano, inclusive vencendo o Oscar nas categorias de melhor filme, melhor diretor, melhor ator (Ben Kingsley), melhor roteiro original, melhor direção de arte, melhor fotografia, melhor figurino e melhor edição. Um grande filme para um grande homem. God Save The Queen.

Gandhi (Gandhi, EUA / UK, 1982) Direção: Richard Attenborough / Roteiro: John Briley, Alyque Padamsee / Elenco: Ben Kingsley, Candice Bergen, Edward Fox, John Gielgud, Trevor Howard, John Mills, Martin Sheen / Sinopse: Cinebiografia do líder indiano Mahatma Gandhi.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

O Ano do Dragão

"O Ano do Dragão" foi um dos grandes sucessos de Mickey Rourke no mercado de vídeo que naquele momento estava invadindo todos os lares aqui no Brasil e lá fora. A fita, um policial movimentado e com ares de filmes de ação, caiu bem em cheio no gosto popular. A produção foi dirigida pelo cineasta Michael Cimino que já havia trabalhado com Mickey Rourke em um dos maiores fracassos de sua carreira: o caro e mal sucedido "O Portal do Paraíso". O roteiro é de Oliver Stone, naquele momento apenas um roteirista de sucesso que iria em breve estourar com o grande êxito de público e crítica "Platoon" que mostrava as vísceras da Guerra do Vietnã. Curiosamente o policial interpretado por Rourke aqui também é veterano do Vietnã e odeia asiáticos em geral. Numa das cenas mais famosas ele desdenha de um oriental que tenta lhe explicar a importância da cultura milenar do oriente. Em um diálogo tipicamente xenófobo ele responde: "Vocês podem ter milhares de anos mas os Estados Unidos só tem duzentos e aqui as coisas são feitas assim!"

Mickey Rourke surge em cena com os cabelos pintados de branco e seu personagem se chama Stanley White (branco) - seria mais uma reafirmação implícita do poder da raça branca sobre a amarela proposta discretamente por Oliver Stone em seu texto? Quem sabe o que se passava afinal na cabeça dele, só podemos mesmo deduzir sobre todas essa mensagens subliminares presentes no roteiro. "O Ano do Dragão" trouxe um sopro de fôlego renovado na carreira de Michael Cimino pois foi comercialmente bem sucedido. Logo após ele tentou novamente emplacar um sucesso com "O Siciliano" com Christopher Lambert mas as coisas não deram certo e o filme foi novamente um fracasso, contribuindo para encerrar a carreira do diretor.

O Ano do Dragão (Year of The Dragon, EUA, 1986) Direção: Michael Cimino / Roteiro: Oliver Stone baseado no livro de Robert Daley / Sinopse: Stanley White (Mickey Rourke) é um policial que investiga uma série de crimes dentro de uma comunidade chinesa em Nova Iorque.

Pablo Aluísio.

Le Mans / 24 Horas de Le Mans

Assisti hoje esse curioso filme da filmografia do Steve McQueen. O fato é que ele era louco por corridas e carros velozes, assim quando estava no auge de seu sucesso resolveu bancar um projeto pessoal: realizar um filme durante as 24 horas de Le Mans (uma das corridas mais famosas da Europa). Embora tenha sido aconselhado a não estrelar o filme Steve bateu o pé e levou uma enorme equipe de Hollywood para filmar o grande evento esportivo. O problema é que em sua ansiedade de fazer o filme McQueen esqueceu de que todo filme tem que ter um roteiro e não basta apenas filmar carros à toda velocidade.

Aí é que está todo o problema de Le Mans: ele não tem roteiro! Não é que o roteiro do filme seja ruim, nada disso, ele simplesmente não existe! Isso mesmo. Tudo se passa nas próprias 24 horas de Le Mans. Tudo o que se vê durante o filme inteiro é a própria corrida e nada mais. É quase um documentário. Para não dizer que McQueen não interpreta nada ele tem duas cenas onde troca diálogos rápidos com outros personagens (que nem mesmo possuem nomes!). Tecnicamente a verdade seja dita: o filme é muito bem editado e tem ótimas sequências de pista... mas também só tem isso. Enfim, o resultado de tudo isso é que o filme foi um tremendo fracasso de bilheteria e o McQueen perdeu uma verdadeira fortuna com isso. Bem feito, só assim ele nunca mais estrelaria um filme sem roteiro.

Le Mans / 24 Horas de Le Mans (Le Mans, EUA, 1971) Direção: Lee H. Katzin / Roteiro: Harry Kleiner / Elenco: Steve McQueen, Siegfried Rauch, Elga Andersen / Sinopse: O filme mostra em tom quase documental um piloto participando da corrida denominada 24 Horas de Le Mans. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Trilha Sonora Original Incidental (Michel Legrand).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Aconteceu em Woodstock

Elliot Tiber (Demetri Martin) é filho do dono de um pequeno hotel localizado perto de uma fazenda chamada Woodstock. Ele tem a idéia de usar o local para organizar um festival de rock. Mal sabia que estava prestes a fazer parte de um dos maiores festivais de rock da história. O filme é muito bom. Tem um bom elenco e um roteiro bem desenvolvido. Os coadjuvantes são destaques e a reconstituição de época foi perfeita (as cenas com a multidão de hippies foi realmente muito bem executada, principalmente para quem já assistiu o documentário original do festival). Bem no clima dos anos 60 acompanhamos como o maior festival de música da história nasceu quase que por acaso, sem pretensão. O que seria um festival de fundo de quintal (literalmente) acabou virando um dos maiores eventos que se tem notícia!

Embora seja um filme bom existem alguns reparos. O roteiro é focado quase que completamente nos bastidores do festival - assim o festival em si, as apresentações e as músicas não aparecem (provavelmente por causa do alto custo dos direitos autorais). Existe um erro histórico ao tocar uma música dos Doors na trilha (o grupo de Jim Morrison não foi aceito no festival por causa dos problemas de Morrison com a lei na época). Assim ficou deslocado e de mal gosto tocar logo a música do grupo que foi esnobado pelos organizadores do festival. A cena de viagem de LSD dentro da Kombi foi bem feita, porém ficou a sensação ruim de que havia uma apologia ao uso de drogas ali. De qualquer maneira o filme vale a pena sim. Não é completo ou perfeito mas serve muito bem ao objetivo de mostrar os personagens que fizeram Woodstock.

Aconteceu em Woodstock (Taking Woodstock, EUA, 2009) Direção: Ang Lee / Roteiro: James Schamus / Elenco: Demetri Martin, Liev Schreiber, Emile Hirsch, Jeffrey Dean Morgan / Sinopse: Elliot Tiber (Demetri Martin) é filho do dono de um pequeno hotel localizado perto de uma fazenda chamada Woodstock. Ele tem a idéia de usar o local para organizar um festival de rock. Mal sabia que estava prestes a fazer parte de um dos maiores festivais de rock da história.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 27 de junho de 2012

O Lutador

O filme que marcou o verdadeiro renascimento artísitco do ator Mickey Rourke. Com roteiro sensível e humano e direção do talentoso cineasta Darren Aronofsky, O Lutador se tornou um dos filmes mais badalados de 2008. Aqui Mickey Rourke interpreta o tocante papel de Randy 'The Ram' Robinson, um decadente lutador de luta livre cuja glória há muito passou em sua vida. Vivendo de empregos medíocres Randy tenta reencontrar a felicidade e o caminho do sucesso de outrora. O diretor tentou imprimir um tom semi-documental que dá uma carga extra de veracidade para a estória. As locações não são estilizadas, pelo contrário, tudo surge em tela de forma bem autêntica, tal como na vida real. A direção é segura e interfere o mínimo possível nos acontecimentos. Darren Aronofsky é um cineasta de filmes inteligentes e bem escritos (tais com Pi, Réquiem Para um Sonho e Cisne Negro) e respeita muito a inteligência do espectador, jamais tomando caminhos fáceis demais em seus filmes. De fato ele não manipula as emoções, apenas as apresenta de forma isenta na tela.

O argumento obviamente trazia muitas semelhanças com a própria vida de Mickey Rourke que conheceu ao longo de sua vida tanto a glória como o fracasso completo. Desprezado ousou manter sua dignidade intacta mesmo quando todos o abandonaram. A interpretação de Mickey Rourke como Randy 'The Ram' Robinson foi realmente fenomenal e valeu a ele indicações aos principais prêmios do cinema. Venceu o Globo de Ouro de Melhor Ator mas perdeu o Oscar para Sean Penn apesar de ter sido apontado como o favorito. Não faz mal, O Lutador é uma obra prima que trouxe de volta ao primeiro time esse ator tão especial.

O Lutador (The Wrestler, EUA, 2008) Direção: Darren Aronofsky / Roteiro: Robert D. Siegel / Elenco: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood / Sinopse: Em "O Lutador" Mickey Rourke interpreta o tocante papel de Randy 'The Ram' Robinson, um decadente lutador de luta livre cuja glória há muito passou em sua vida. Vivendo de empregos medíocres Randy tenta reencontrar a felicidade e o caminho do sucesso de outrora.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Ironclad - Sangue e Honra

"Ironclad - Sangue e Honra" é uma violenta aventura medieval. O filme começa muito bem, todo se baseando no reinado de João Sem Terra, famoso monarca inglês que foi forçado a assinar a chamada Magna Carta (uma das primeiras declarações de direitos individuais da história). Até aí tudo bem. O problema é que o Rei resolve ignorar tudo o que assinou e assim um grupo de rebeldes tenta novamente organizar uma rebelião contra o Rei. Dito assim pode-se pensar que o filme é rico em argumento mas não. Em menos de 30 minutos os rebeldes se entricheiram no castelo de Rochester e o tema do filme, que poderia ser bem amplo, acaba se resumindo nessa situação de castelo sitiado pelas forças reais (que contam com a ajuda de mercenários dinamarqueses).

Como toda situação de cerco somos apresentados a todas as táticas da época para tomar o castelo. Nesse ponto o filme se concentra nessa situação e a violência corre solta. É um dos filmes medievais mais violentos que já vi, beirando o gore. Cavalheiros são decepados, cortados, torturados, queimados, etc, etc. O banho de sangue toma conta da tela. No elenco o ponto alto fica, como era de se esperar, com Paul Giamatti no papel de João Sem Terra. Ele está alucinado em cena (no aspecto positivo do termo). No saldo geral vale a pena assistir, apesar de que saí com a sensação de que poderia ser muito, muito melhor.

Ironclad - Sangue e Honra (Ironclad, EUA, 2011) Direção: Jonathan English / Roteiro: Jonathan English / Elenco: Paul Giamatti, Jason Flemyng, Brian Cox / Sinopse: Um grupo de rebeldes são sitiados durante o reinado de João Sem Terra na Idade Média.

Júlio Abreu.

terça-feira, 26 de junho de 2012

Amor e Outras Drogas

Jamie (Jake Gyllenhaal) é um astuto representante de vendas de uma grande indústria de medicamentos. Em seu cotidiano ele se vê impelido a vender seu produto a todo custo, usando de todos os meios para que os médicos e os hospitais a que visita adotem as drogas que ele vende como padrão. Como recebe por comissão sua vida financeira depende diretamente disso. Numa dessas vendas acaba conhecendo Maggie (Anne Hathaway), uma charmosa jovem que no momento não está interessada em se relacionar com ninguém. Atitude que Jamie tentará mudar. "Amor e Outras Drogas" é uma comédia romântica que passeia por diversos estilos cinematográficos. Começa com um roteiro bem humorado, com doses generosas de cinismo e situações de duplo sentido. Depois vira um soft porn com muitas cenas de nudez, explorando de todas as formas o sex appeal do casal central. Por fim e pela terceira vez o filme tenta mudar novamente virando dessa vez um drama pesado onde os personagem vão ter que lidar com uma terrível situação. Em nenhum desses gêneros o filme chega a acertar direito, o roteiro está sempre fora de foco, procurando se encontrar mas nunca chega a um bom termo.

A produção joga o tempo todo com a indústria farmacêutica. O personagem principal Jamie é no começo do longa um vendedor que só pensa no lado financeiro do mundo das drogas prescritas. Nunca se importa com o outro lado, a dos doentes e das pessoas que necessitam desses remédios para sobreviver. Para ele as drogas são apenas um meio para ganhar muito dinheiro e só. Apenas quando se vê atirado no outro lado é que ele cria real consciência do que efetivamente está lidando. O roteiro parece querer reforçar a crítica contra a indústria e o lado desumano da comercialização de medicamentos mas não desenvolve o tema a contento, se concentrando muito mais no lado romântico do casal. Faltou um pouco mais de trato nesse aspecto. Além disso some-se a isso o fato do filme ser longo além do necessário (para falar a verdade longo demais para uma estória que no fundo é simples). No final provavelmente vai desagradar a quem procura apenas uma comédia romântica leve e também aos que procuravam por algo com mais conteúdo. Esse problema é típico de filmes que atiram para todos os lados como esse "Amor e Outras Drogas".

Amor e Outras Drogas (Love and Other Drugs, EUA, 2010) Direção: Edward Zwick / Roteiro: Edward Zwick, Charles Randolph, Marshall Herskovitz, Jamie Reidy / Elenco: Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway, Oliver Platt, Hank Azaria, Josh Gad, Gabriel Macht / Sinopse: Jamie (Jake Gyllenhaal) é um astuto representante de vendas de uma grande indústria de medicamentos. Em seu cotidiano ele se vê impelido a vender seu produto a todo custo, usando de todos os meios para que os médicos e os hospitais a que visita adotem as drogas que ele vende como padrão. Como recebe por comissão sua vida financeira depende diretamente disso. Numa dessas vendas acaba conhecendo Maggie (Anne Hathaway), uma charmosa jovem que no momento não está interessada em se relacionar com ninguém. Atitude que Jamie tentará mudar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Mistério na Rua 7

Numa Detroit abandonada, onde a população praticamente está desaparecida, um jovem luta para sobreviver com o pouco de luz que lhe resta pois a escuridão significa morte certa. Não adianta pegar apenas uma premissa simples para fazer um filme inteiro em cima dela sem nem ao menos desenvolvê-la. É isso que acontece nesse "Mistério na Rua 7". A tal premissa é a seguinte: todas as pessoas simplesmente começam a sumir após um pane que deixa toda uma cidade na escuridão completa. Essas pessoas que somem nas sombras deixam para trás apenas suas roupas pelo chão e simplesmente desaparecem sem deixar rastros. Só sobram cinco delas para tentar entender o que está acontecendo: um jornalista (o sempre inexpressivo Hayden Christensen), um projetista de cinema (John Leguizamo, péssimo), uma enfermeira, um garoto afro americano e uma garotinha misteriosa.

E é isso. Não existe mais nada no argumento do filme. Nada é explicado, nada é esclarecido, as tais sombras na escuridão fazem sons estranhos mas nunca aparecem, o Christensen corre pra lá e pra cá com lanternas penduradas no pescoço (sim, as sombras não conseguem devorar a luz e pelo que entendi atores canastrões também, o que talvez explique a sobrevivência desse sujeito). Com 40 minutos de filme a paciência acaba e você fica torcendo para que esses chatos morram logo de uma vez para você não ficar mais nessa encheção de salsicha. Enfim, filme fraco, suspense capenga e atuações medíocres. O filme só vale mesmo pela ironia: nele acompanhamos a carreira do Hayden Christensen sendo engolida literalmente pelo buraco negro! Tomara que agora ele suma de uma vez por todas! Amém!

Mistério na Rua 7 (Vanishing on 7th Street, EUA, 2010) Direção: Brad Anderson / Roteiro: Anthony Jaswinski / Elenco: Hayden Christensen, Thandie Newton, John Leguizamo / Sinopse: Numa Detroit abandonada, onde a população praticamente está desaparecida, um jovem luta para sobreviver com o pouco de luz que lhe resta pois a escuridão significa morte certa.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Napoleão - A Última Batalha do Imperador

Após ser derrotado no campo de batalha Napoleão Bonaparte (Philippe Torreton) é enviado ao seu exílio em uma ilha remota. Nesse local, mesmo aprisionado pelos britânicos, ele continua cultivando sua pompa real e seu séqüito de seguidores. Gostei bastante desse filme. A produção mostra os últimos momentos de vida do destronado imperador Napoleão Bonaparte. Exilado na ilha prisão de Santa Helena, Napoleão viveu seus últimos momentos cerceado de guardas ingleses, um governador britânico da ilha preocupado mais com sua morte do que com sua vida e um grupo de franceses que restou de sua antiga corte (no fundo um bando de abutres apenas interessados em sua herança). O filme é muito bem conduzido e conta com um elenco que mantém o interesse, apesar do ator que interpreta o imperador não ter muita semelhança física com ele.

A ruína de um homem que conquistou quase toda a Europa já é por si só um tema interessante. As questões humanas envolvidas já daria um bom filme mas o que mais me chamou a atenção aqui foi a sutil versão "alternativa" do que realmente teria acontecido com seu corpo após sua morte. Não vou estragar mas confesso que não conhecia essa tese histórica que é mostrada no filme. Claro que todo grande nome da história sempre gera inúmeras teorias da conspiração sobre seu destino após sua morte oficial (Isso também aconteceu com Hitler). Com Napoleão não seria diferente. Pode até ser que nada do que é mostrado no filme aconteceu, mas que é simplesmente muito curioso isso é sem dúvidas. Recomendo o filme para quem gosta de história e dos grandes nomes que passaram por ela.

Napoleão - A Ùltima Bataha do Imperador (Monsieur N, França, 2003) Direção: Antoine de Caunes / Roteiro: Pierre Kube / Elenco: Philippe Torreton, Richard E. Grant, Jay Rodan, Elsa Zylberstein, Stéphane Freiss / Sinopse: Após ser derrotado no campo de batalha Napoleão Bonaparte (Philippe Torreton) é enviado ao seu exílio em uma ilha remota. Nesse local, mesmo aprisionado pelos britânicos, ele continua cultivando sua pompa real e seu séqüito de seguidores.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 25 de junho de 2012

Blade Runner - O Caçador de Andróides

Não poderia deixar passa em branco o aniversário de lançamento de Blade Runner. O filme estreou há exatos 30 anos. É assustador como o tempo passa rápido! E é justamente sobre o tempo que Blade Runner lida em seu roteiro. Na trama um grupo de Replicantes (seres artificiais que são criados para os trabalhos pesados que os humanos não querem mais fazer) se revoltam e tentam fugir. Seu tempo de vida (ou existência) é muito curto, eles possuem uma consciência e se ressentem pelo fato de que em breve simplesmente deixarão de existir. Harrison Ford (no auge de sua popularidade) interpreta um Blade Runner, uma espécie de caçador futurista desses seres que ousam se rebelar contra seus mestres (e criadores) humanos. O filme foi um fracasso de bilheteria em sua estréia e aos poucos foi ganhando o status que hoje possui. Na época não tive a oportunidade de assistir Blade Runner nos cinemas (era jovem demais para isso) mas ainda alcancei sua repercussão quando foi lançado com grande pompa no mercado de vídeo (ainda no sistema do antigo VHS). É engraçado porque aluguei o filme mesmo sendo aconselhado a não fazer por amigos que tinham achado o filme "chato" demais. Uma opinião bem normal para um grupo de garotos da década de 80. Mesmo assim assisti e tive uma boa impressão. Claro que por ser muito jovem não consegui na época compreender e captar todas as nuances do roteiro, seu aspecto existencial e sua carga filosófica mas não esqueci do impacto das belas imagens e da estória pouco convencional. Seu clímax também me impressionou bastante. Era algo realmente novo, diferente e aquilo tudo me marcou, ficando em meu inconsciente por anos e anos.

Só muito tempo depois quando revi a produção numa idade mais adulta pude entender o excelente subtexto do filme, sua mensagem intrínseca sobre a efemeridade da vida, do dilema de sabermos sobre a finitude de nossa existência e a passageira experiência que no fundo se resume a nossa vida material. Quando se é muito jovem a questão da brevidade de nossas vidas é algo completamente sem importância. Os jovens realmente possuem essa idéia vaga de que são eternos e indestrutíveis. Isso só vai ganhando maior foco depois com o passar dos anos, quando a morte e sua possibilidade vai ficando cada vez mais presente. O que antes era algo muito remoto começa a rondar, inclusive no cessar de vidas de nossos parentes mais próximos e queridos. E isso é algo que os Replicantes do filme entendem bem pois sua existência é muito curta e eles convivem com isso desde muito cedo. Retratados como vilões os Replicantes de Blade Runner lutam apenas por uma existência digna no pouco tempo que lhes restam. De certo modo eles são mais virtuosos e profundos que os humanos que os perseguem. A proximidade com a finitude de suas existências leva ao enriquecimento interior. E no meio de todas essas questões metafísicas e existenciais está o tempo, implacável. Philip K. Dick, morto antes da finalização do filme, sabia muito bem disso e tentou passar através de seus escritos essa mensagem. Essa é em essência a grande mensagem do filme. A vida é um presente, um singular momento dentro da existência do universo, mas ao mesmo tempo é muito efêmera, passageira, fugaz. Embora cruel o fato é que todos devem aproveitar cada minuto de suas vidas pois ele pode ser o último. Assista Blade Runner e reflita sobre isso.

Blade Runner (Blade Runner, EUA, 1982) Direção: Ridley Scott / Roteiro: Hampton Fancher, David Webb Peoples baseado na novela "Do Androids Dream of Electric Sheep?" de Philip K. Dick / Elenco: Harrison Ford, Rutger Hauer, Daryl Hannah, Sean Young / Sinopse: Rick Deckard (Harrison Ford) é um caçador de andróides que sai no encalco de Roy (Rutger Hauer), um Replicante fugitivo.

Pablo Aluísio.

Arizona Violenta

Mais uma das produções de western de Randolph Scott da década de 1950: "Arizona Violenta". O filme é curioso por alguns motivos interessantes. O primeiro é que ele foi rodado nas mesmas locações em que "Sete Homens e um Destino" seria feito anos depois. Aquela mesma vilazinha ao pé da montanha. Produzido pelo próprio Randolph Scott que inclusive escolheu o local que depois ficaria famoso pelos fãs do gênero. Atuando ao seu lado no filme temos a atriz Jocelyn Brando, irmã de Marlon Brando. Para quem não sabe foi por causa da irmã Jocelyn que Brando resolveu ser ator ao se mudar para Nova Iorque após ser expulso da Academia Militar onde estudava. Jocelyn Brando porém nunca chegou a se tornar uma estrela. Era um atriz mediana, esforçada mas não muito brilhante. Aqui sua atuação soa exagerada, o que contrasta com a tranquilidade e a austeridade de Scott, sempre com boa presença de cena (embora ele modestamente não se considerasse um grande ator).

No filme Randolph Scott interpreta John Stewart, um rancheiro que tem problemas com um proprietário de terras (Richard Boone) que quer a todo custo dominar a região. O roteiro, muito eficiente por sinal, foi escrito por Irving Ravetch, um talentoso escritor que fez roteiros para grandes filmes como "O Mercador de Almas", "O Indomado" e um dos mais curiosos filmes da carreira de John Wayne, "Os Cowboys" onde ele virava um tipo de mestre para vários pupilos, garotos que queriam se tornar cowboys como ele. O diretor H. Bruce Humberstone (1901–1984) era um veterano que conseguiu imprimir ao filme uma excelente dose de aventura e ação. Não é para menos, ele era muito competente nesse aspecto, tanto que depois seria escalado para fazer filmes de Tarzan. A parceria com Scott daria mais frutos e ele voltaria a dirigir o ator no também eficiente faroeste "Colt 45". Enfim, "Arizona Violenta" é um western com cara de matinê - curtinho, divertido e eficiente. Vale a pena assistir.

Arizona Violenta (Ten Wanted Men, EUA, 1955) Direção: H. Bruce Humberstone / Roteiro: Kenneth Gamet, Irving Ravetch / Elenco: Randolph Scott, Jocelyn Brando, Richard Boone / Sinopse: Sinopse: John Stewart (Randolph Scott) é um bem sucedido rancheiro e criador de gado que procura tocar seu negócio com honestidade e honra. Seus problemas começam quando um rancheiro rival começa a criar atritos com ele, o que causará uma séria desavença entre ambos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Confiar

A pedofilia e o aliciamento de menores, inclusive sua exploração sexual está na ordem do dia atualmente. Os jornais diários sempre trazem notícias relacionadas ao tema. É complicado até mesmo entender como no atual estágio de nossa sociedade ainda se encontra espaço para esse tipo de crime tão terrível que atinge todas as camadas sociais. Diante dessa situação o cinema não tardaria a tratar do tema. "Confiar" é um desses filmes que tratam da delicada questão. Adianto que gostei bastante do resultado final. O filme mantém uma postura inteligente, não caindo nem no dramalhão e nem na violência gratuita como solução para toda aquela situação (algo que poderia transformar o argumento em um tipo de "Desejo de Matar contra pedófilos"). Um dos maiores destaques dessa produção ao meu ver foi a forma extremamente realista em que a personagem vítima do pedófilo foi retratada. Definitivamente um dos melhores retratos de adolescentes que já vi no cinema ultimamente pois ela não é mostrada nem como uma garota completamente ingênua e nem como uma pessoa que possa lidar com uma situação barra pesada daquela de forma adulta. Aliás é bom destacar o trabalho da atriz que interpreta Annie, chamada Liana Liberato, pois apesar da pouca idade já demonstra ser muito talentosa e segura de si em cena.

Já Clive Owen finalmente dá uma pausa nos abacaxis que andou fazendo e entrega aqui uma interpretação bem digna, nada canastrona e no tom certo. Parabenizo também o diretor David Schwimmer (ex-astro de Friends) pelas opções que tomou ao rodar o filme. Nenhum personagem em cena é estereotipado ou raso, pelo contrário, todos são mostrados como pessoas inseridas dentro de sua comunidade, pessoas produtivas que desempenham suas funções, mesmo que sejam no fundo e em segredo predadores ou maníacos sexuais (nesse ponto a cena final fecha com chave de ouro o filme). Enfim, recomendo bastante, pois “Confiar” trata um tema sério e delicado de forma adulta e livre de soluções fáceis. É uma produção para assistir e se debater depois.

Confiar (Trust, EUA, 2010) Direção: David Schwimmer / Roteiro: Andy Bellin, Robert Festinger / Elenco: Elenco: Clive Owen, Catherine Keener, Viola Davis, Liana Liberato, Noah Emmerich, Jason Clarke / Sinopse: Will (Clive Owen) e sue esposa Lynn (Catherine Keener) presenteiam sua filha Annie (Liana Liberato) com um novo computador. Navegando pela internet Annie conhece um homem que se diz ser um jovem de apenas 16 anos, tal como ela. Ele se identifica como Charlie e marca um encontro com a garota. O que ela não sabe é que na realidade se trata de uma outra pessoa, com intenções criminosas a seu respeito.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 24 de junho de 2012

(500) Dias Com Ela

Eu nunca descarto o gênero "comédia romântica" antecipadamente como alguns homens. Como se sabe muitos espectadores masculinos simplesmente odeiam comédias românticas pois as consideram chatas, maçantes, açucaradas, etc. É um estilo de filme que de certa forma foge do universo masculino. O fato é que geralmente quando vão ao cinema assistir a esse tipo de filme o estão lá porque são literalmente levados por suas namoradas, esposas, etc. É uma bobagem descartar um filme apenas por seu gênero. Um exemplo é esse "(500) Dias Com Ela". Sim, é uma comédia romântica mas com bom conteúdo, com bom desenvolvimento do relacionamento mostrado e além disso com um roteiro inteligente que pode dar origem a bons debates com sua companheira. Para começar os papéis estão invertidos aqui. A mulher surge na relação como alguém que quer apenas ter alguns momentos de prazer com seu namorado de ocasião ("ficante" seria um termo mais apropriado). Já o homem é que está apaixonado por ela, querendo algo sério. Isso já é um diferencial e tanto em relação a outras comédias românticas não é mesmo?

A estrutura do roteiro também é bem curiosa, com idas e vindas na linha do tempo. O bom é que esse vai e vem na linha narrativa não chega em momento algum a aborrecer o espectador. Curiosamente o filme traz à tona outra questão que poucos param para pensar sobre ela. O fato é que não importa em que época vivemos ou como os costumes mudaram, a psique do homem resiste a maiores mudanças e ainda idealiza aquela mulher romantizada do passado, que só quer casar e ter filhos em um relacionamento sério. O homem ainda pensa como há dois séculos e esquece que a mulher moderna também quer ter direito a passar por romances casuais sem nada sério pela frente. A figura da "Amélia" resiste e muitos homens ficam desconcertados na presença de mulheres livres, donas de si, de seu destino, sem necessidade alguma de dar satisfações a um homem em suas vidas. Mulheres modernas, admiráveis afinal de contas. É isso, assista "(500) Dias Com Ela" e aproveite para pensar sobre esses temas. Vai ser uma reflexão reconfortante, com certeza.

(500) Dias Com Ela (500 Days Of Summer, EUA, 2009) Direção: Marc Webb / Roteiro: Scott Neustadter, Michael H. Weber / Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Zooey Deschanel, Geoffrey Arend, Chloë Grace Moretz, Matthew Gray, Gubler, Clark Gregg, Patricia Belcher, Rachel Boston / Sinopse: Através de uma série de flashbacks conhecemos a estória de Tom (Joseph Gordon-Levitt) e Summer (Zoey Deschanel). Ele é completamente apaixonado por ela e tem um sonho de um dia encatar um romance sério com a garota. Já Summer pensa diferente, quer aproveitar os momentos prazeirosos de sua vida sem o peso de um compromisso sério.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Agonia e Êxtase

Título no Brasil: Agonia e Êxtase
Título Original: The Agony and the Ecstasy
Ano de Produção: 1965
País: Estados Unidos, Itália
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Carol Reed
Roteiro: Philip Dunne, Irving Stone
Elenco: Charlton Heston, Rex Harrison, Diane Cilento, Harry Andrews, Alberto Lupo, Venantino Venantini

Sinopse:
Durante o período da renascença, o Papa Julio II contrata o renomado artista, pintor e escultor Michelangelo (Charlton Heston) para pintar e ornamentar a capela Sistina no Vaticano. O choque de personalidades logo se instala entre ambos. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Fotografia (Leon Shamroy), Melhor Direção de Arte (John DeCuir, Jack Martin Smith), Melhor Figurino (Vittorio Nino Novarese), Melhor Som (James Corcoran) e Melhor Música (Alex North). Indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Charlton Heston) e Melhor Roteiro (Philip Dunne, Irving Stone).

Comentários:
A história é das mais interessantes. O Papa Julio II contrata Michelangelo (Charlton Heston) para pintar e ornamentar a capela Sistina no Vaticano. Como se pode perceber são duas personalidades bem diferentes e obviamente com o tempo se instala um verdadeiro conflito pessoal entre eles. Esse filme é excelente, Mostra a história real entre o artista Michelangelo e o Papa Julio II. O curioso é que ambos eram turrões e brigões e por isso estavam sempre brigando sobre a capela Sistina. Existem diálogos fabulosos aqui, principalmente uma das cenas finais quando Julio e Michelangelo discutem a natureza do homem perante a famosa cena que mostra Deus e Adão fazendo o pacto durante o Gênesis. O filme é pontuado de cenas de extrema beleza, principalmente aquela em que Michelangelo visualiza sua pintura em nuvens que vê acima de uma montanha. Eu adoro arte renascentista e história, então o filme foi feito para pessoas que também tem gostos semelhantes ao meu. Apesar disso, acredito que quem gosta de filmes com roteiros históricos que capricham em diálogos inspirados irá igualmente apreciar. Julio II era um papa diferente, fazia guerras, ia pessoalmente nas batalhas e tinha três fihas. Era rabugento e gostava de uma boa discussão. Michelangelo era egocêntrico, arrogante e muito cioso de sua arte. Um filme que mostrasse personalidades tão ricas só poderia resultar mesmo em um filme tão bom quanto esse. Para cinéfilos que queiram aprender mais sobre a história da arte o filme é obrigatório. Cinema de primeira linha.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Nunca Fui Santa

Título no Brasil: Nunca Fui Santa
Título Original: Bus Stop
Ano de Produção: 1956
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Joshua Logan
Roteiro: George Alverod
Elenco: Marilyn Monroe, Don Murray, Atthur O´Connell, Betty Field, Eileen Heckart, Hope Lange

Sinopse:
Baseado na peça teatral escrita por William Inge, o filme "Nunca Fui Santa" conta a história de Cherie (Marilyn Monroe). Ela é uma cantora de bares e cabarés que conhece o caipira e peão de rodeios Bo (Don Murray). Ele se apaixona imediatamente por ela e deseja que Cherie venha para Montana para viver ao seu lado numa bela fazenda, onde pretende se casar e constituir uma família, mas ela não está tão certa sobre isso. Filme indicado ao Oscar na categoria Melhor Ator Coadjuvante (Don Murray). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Comédia ou Musical e Melhor Atriz (Marilyn Monroe).

Comentários:
Um filme de transição dentro da filmografia de Marilyn Monroe. Assim que voltou de Nova Iorque ela exigiu melhores roteiros e melhores papéis para si. Marilyn havia brigado com a Fox, brigado com os produtores e estava bem insatisfeita com os filmes que a Fox lhe indicava. Assim ela fundou sua própria produtora e disse para a imprensa que não mais faria personagens de loiras burras (as mesmas que a tinham consagrado no passado). Depois disso foi para Nova Iorque e se matriculou no Actors Studio. Obviamente a Fox ficou em pânico com medo de perder sua estrela de maior bilheteria. Negociações foram feitas e Marilyn conseguiu maior controle de seus filmes. Disse para a imprensa que não faria mais comédias bobas. O irônico disso tudo é que depois de toda essa confusão Marilyn acabou estrelando justamente esse "Nunca Fui Santa" onde ela interpretava uma personagem muito parecida com as demais, em mais uma comédia romântica (embora houvesse também pinceladas de drama dentro do roteiro).

Tenho que dar o braço a torcer e dizer que apesar de "Nunca Fui Santa" ser uma comédia até banal, nessa vez pelo menos Marilyn se esforçou muito para dar ao público uma interpretação melhor. Ela faz caras e bocas nas cenas mais "dramáticas". O problema é que seu estilo está em total descompasso com seu parceiro de cena, o ator Don Murray, que parece estar em um filme dos três patetas. Enquanto ele é totalmente caricatural, Marilyn parece estar em um dramalhão de Douglas Sirk! Desnecessário dizer que o resultado final fica mesmo confuso. Apesar disso gostei do filme, pois é o roteiro é bem feito e rápido (pouco mais de 90 minutos), com boas cenas externas e um ato final que lembra bastante a linguagem puramente teatral (quando eles param na tal parada de ônibus que dá nome ao título original). Por fim uma curiosidade: Marilyn parece drogada em várias cenas - mas pelo menos nesse caso o roteiro serve de desculpa (já que ela estaria supostamente com sono por não dormir à noite).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 23 de junho de 2012

Duelo de Bravos

Esse recente western foi lançado há pouco no mercado de DVD e Blu-Ray. A trama é simples: após um assalto mal sucedido dois ladrões conseguem fugir da pequena cidade aonde o crime foi realizado. Caçados pelo grupo do xerife se enfiam no meio da mata para não irem para a forca. Depois de muita perseguição chegam em uma outra cidadezinha próxima e lá realizam novo roubo, só que dessa vez de uma fazenda local. Novamente fugindo, só que agora do fazendeiro, sua família e de um caçador de peles eles acabam se defrontando com um grupo de Comanches selvagens. "The Legend Os Hell´s Gate" é um faroeste curioso. Seu roteiro não é tão simplista quanto parece ao se ler a sinopse acima. De fato há muitos personagens dispersos. Para se ter uma ideia surgem no decorrer do filme em pequenas aparições o famoso Doc Holliday (não muito bem caracterizado) e até o assassino do presidente Lincoln.

A trama central gira em torno dos ladrões em fuga mas muitas situações ocorrem ao redor disso. Talvez por isso o filme perca em intensidade e foco. Não é uma produção ruim, longe disso, mas não tem muita concentração em seu desenvolvimento. Em determinado momento do filme tudo é dirigido para os ladrões em fuga, para logo a seguir o roteiro desviar as atenções para os últimos momentos de vida do assassino de Lincoln. O pior é que não há uma ligação entre os dois eventos mostrados no filme. As estórias seguem independentes até o final. Para quem não gosta de argumentos dispersos realmente o filme não é recomendável. Eu pessoalmente gostei, achei bom entretenimento. Há boas cenas de tiroteio, ação e fugas e o clímax é bem interessante - um selvagem conflito no meio de uma região hostil, em uma encosta rochosa. Para uma produção atual está de bom tamanho. Espero que outras sejam lançadas seguindo esse caminho e que o gênero continue vivo, com novos filmes chegando ao mercado. Isso é o mais importante.

Duelo de Bravos (The Legend of Hell's Gate: An American Conspiracy, EUA, 2011) Direção: Tanner Beard / Roteiro: Tanner Beard / Elenco: Eric Balfour, Lou Taylor Pucci, Henry Thomas / Sinopse: Ladrões em fuga acabam se deparando com Comanches no meio do deserto. Ao mesmo tempo um barman em seu leito de morte confidencia a um rico comerciante local que na verdade é o real assassino do presidente Lincoln.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Larry Crowne - O Amor Está de Volta

Larry Crowne (Tom Hanks) é demitido de seu trabalho de longos anos por não ter curso superior. Sem renda, trabalho e com problemas familiares Larry resolve dar uma guinada em sua vida. Vai para a universidade e lá conhece uma professora (Julia Roberts) com a qual cria um vínculo muito especial. Apesar das boas intenções e da mensagem positiva temos que admitir que "Larry Crowne - O Amor está de Volta" é um filme completamente inofensivo. Ele lida com temas importantes mas tem medo de levar a discussão de forma mais adulta. No meio da crise da economia americana o filme insiste em ter uma abordagem muito boba - para não dizer infanto-juvenil. O roteiro é fofinho, o casalzinho é guti guti e a direção é bobinha, bobinha. Eu já sabia que o Tom Hanks (muito envelhecido e gordo, por sinal) sempre prezou pela sua persona boa praça no cinema mas também não precisava exagerar na sacarina. Senão vejamos: o sujeito se divorciou, se deu mal no divórcio ficando endividado, foi despedido, perdeu a casa para o banco, teve que vender o carro e praticamente tudo de valor da sua vida... e ainda consegue passear pelo filme inteiro despejando simpatia, gentilezas e sorrisos? Well, de que planeta esse Larry Crowne é afinal?

A Julia Roberts quase repete o personagem de Cameron Diaz em "Professora sem Classe". Ela parece odiar a profissão (ultimamente todo professor retratado no cinema parece odiar ser professor) e ainda por cima tem um marido voyeur, viciado em pornografia que não consegue sair da frente do computador (interpretado pelo bom ator Bryan Cranston de Breaking Bad). Aliás o elenco de apoio é bom (vide a boa participação de George Takei) mas não tem muito o que fazer diante de um material tão fraquinho como esse. Basicamente é isso, o filme não passa de um passatempo inofensivo, para não dizer simplório ao extremo. Se você não gosta de comédias românticas saiba que essa é uma das mais bobinhas que já foram lançadas.

Larry Crowne - O Amor Está de Volta (Larry Crowne, EUA, 2011) Direção: Tom Hanks / Roteiro: Tom Hanks, Nia Vardalos / Elenco: Tom Hanks, Julia Roberts, Nia Vardalos, Bryan Cranston, Wilmer Valderrama, Taraji P. Henson, Rami Malek, Pam Grier / Sinopse: Larry Crowne (Tom Hanks) é demitido de seu trabalho de longos anos por não ter curso superior. Sem renda, trabalho e com problemas familiares Larry resolve dar uma guinada em sua vida. Vai para a universidade e lá conhece uma professora (Julia Roberts) com a qual cria um vínculo muito especial.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Moonwalker

"Moonwalker" não é bem um filme. Na realidade é uma coleção de clips que tem como objetivo promover o astro Michael Jackson. É algo parecido com o que acontece com quase todos os filmes de popstars da música. Geralmente são feitos como meros veículos de divulgação para as músicas dos discos. E poucos artistas entenderam tão bem o poder disso do que Michael Jackson. Na verdade podemos dizer até que seu grande sucesso se deu muito por causa dos videoclips que produziu. "Thriller" o maior êxito de toda a carreira de Michael é um exemplo perfeito disso. Dirigido pelo cineasta John Landis, o clip acabou abrindo uma nova era na história da música pop mundial. A patir dele nenhum artista lançaria mais suas músicas sem que fossem acompanhadas de bem produzidos videoclips. O nicho de mercado acabou até mesmo incentivando o surgimento da MTV, um canal feito único e exclusivamente para passar videoclips 24 horas por dia. Pode-se dizer que Jackson foi o primeiro superstar da era MTV que passando seus clips durante todo o dia promoviam indiretamente sua música.

Não contente em dominar a TV, Michael nos anos 80 resolveu participar do mais longo videoclip da história - isso mesmo, o filme "Moonwalker". Era a tentativa do cantor em levar seus clips da TV para a tela grande do cinema. Como eu disse no começo do texto não é bem um filme mas sim um mosaico de momentos do cantor na era do videoclip. Assim todos os seus momentos famosos (Thriller, Billie Jean, Beat It) passeiam pela tela. A única novidade é um curto segmento em que Michael, vestido de gangster da década de 30, enfrenta bandidos caricaturais para salvar um grupo de crianças. Nessa sequência ele canta a famosa canção "Smooth Criminal" de seu álbum "Bad". Fora isso ele se transforma em um robô gigante ao estilo Transformers. Enfim, esqueça de tentar dar um sentido para a coisa toda. "Moonwalker" é um produto feito para fãs do cantor e nada mais. Um meio promocional do mundo do cinema em serviço ao mundo da música.

Moonwalker (Moonwalker, EUA, 1988) Direção: Jerry Kramer, Colin Chilvers / Roteiro: David Newman baseado na estória concebida por Michael Jackson (Smooth Criminal) / Elenco: Michael Jackson, Joe Pesci, Sean Lennon / Sinopse: Clips de Michael Jackson intercalados por um número musical inédito (Smooth Criminal) onde Michael Jackson enfrenta criminosos aliciadores de crianças.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Padre

Ok, terminei de assistir esse "Padre". Eu coloco esse filme na mesma escala ao qual estão listados "Jonah Hex" e "Salomon Kane". Isso porque todos esses filmes tem em comum o fato de serem baseados em personagens não muito conhecidos do grande público. Ao contrário de um Batman ou Spiderman, eles só são lidos mesmo por aqueles que são mais versados no universo dos quadrinhos. Em linguagem popular vamos dizer que são do segundo escalão desse mundo dos gibis. Outra coisa em que são muito parecidos é o fato de todos eles se basearem muito nos efeitos especiais, em roteiros simples e em um elenco não muito conhecido (onde geralmente atores e atrizes mais famosos fazem apenas pontas ou personagens coadjuvantes).

Em "Padre" quem dá o ar da graça é o grande ator Christopher Plummer (embora tenha ainda uma presença digna, seu papel nada oferece para que possamos aproveitar algo em cena); já Paul Bettany repete seu papel de "Legião", ou seja, um sujeito raso, unidimensional, sem nada a acrescentar, apenas bancando o durão que chuta os traseiros dos vilões (Em "Legião" eram anjos, aqui são vampiros lesmas nada carismáticos ou sofisticados). Não conheço a Graphic Novel e nem nunca li mas esse Padre aqui desse filme não tem carisma nenhum, o que torna tudo mais complicado para o espectador. Ao contrário de um "Hellboy" que era cheio de alma, bom humor e carisma, Padre não tem nada disso. É frio, distante, não tem nenhum tipo de empatia e provavelmente os vampiros que o combatem tenham mais alma que ele, pois assim como o personagem o filme também não parece ter qualquer tipo de profundidade em sua realização. Apenas um vácuo no final das contas.

Padre (Priest, EUA, 2010) Direção: Scott Charles Stewart / Roteiro: Cory Goodman / Elenco: Cam Gigandet, Christopher Plummer, Paul Bettany, Karl Urban / Sinopse: Vampiros e humanos lutam pelos séculos afora. Após ter sua sobrinha sequestrada por vampiros um Padre resolveu sair em sua busca enfrentando grandes combates pelo caminho.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Snow Patrol - A Hundred Million Suns

Algumas coisas me irritam profundamente. O Snow Patrol estava prestes a se tornar a minha banda preferida até alguns meses atrás. Seus dois trabalhos anteriores, Final Straw e Eyes Open, eram brilhantes. Ótima instrumentalização, arranjos de extremo bom gosto, melodias para grudar na cabeça. Todo o ABC que uma banda iniciante deve trilhar seguido à risca. Embora não fossem seus primeiros trabalhos - os dois primeiros CDs são extremamente experimentais - o Snow Patrol tinha tudo para se firmar com brilhantismo no cenário do rock britânico. Por essa razão esperei até com certa ansiedade por A Hundred Million Suns. Se estivesse em um jogo de azar diria até que estava com coragem de jogar altas somas no sucesso da nova obra do grupo. Bem, ainda bem que não estamos em Las Vegas, pois perderia uma pequena fortuna se tivesse realmente apostado neles. A Hundred Million Suns é decepcionante. A razão que levou um dos mais promissores grupos a não vingar em seu novo CD tem nome: Coldplay.

Os escoceses do Snow Patrol parecem que esqueceram tudo de interessante que tinham apresentado em seus CDs anteriores para se transformarem numa cópia bastarda da banda mais bunda mole do planeta, o Coldplay. Imitar o Coldplay é realmente o fim da picada. Convenhamos: O Coldplay faz muito mal para o Rock atual. Eles são extremamente chatinhos, deprimidinhos, tristinhos. Nada mais longe do verdadeiro espírito roqueiro que um dia existiu. Infelizmente seu enorme sucesso tem contaminado outros grupos, como o Snow Patrol, que aqui afunda artisticamente em busca do sucesso fácil. Na primeira audição já se mata a charada de A Hundred Million Suns. Pianinho ao estilo bunda mole de ser do Chris Martin, levada fácil para ser digerida pelas fanzocas do Coldplay, refrãos pegajosos para tocar na BBC, entre outras bobagens. Que decepção. Só resta torcer para que um dia o Snow Patrol reencontre o caminho da boa música, coisa complicada de acontecer já que seu A Hundred Million Suns já se converte em sucesso imediato, tocando inclusive na MTV. Por enquanto o Snow Patrol apenas segue seu caminho pelo ralo onde grandes músicos são engolidos pelo sucesso fácil. Maldito Coldplay.

Snow Patrol - A Hundred Million Suns (2008)
1. If There’s a Rocket Tié Me to It
2. Crack The Shutters
3. Take Back The City
4. Lifeboats
5. The Golden Floor
6. Please Just Take These Photos From My Hands
7. Set Down Your Glass
8. The Planets Bend Between Us
9. Engines
10. Disaster Button
11. The Lightning Strike

Pablo Aluísio.

Água Para Elefantes

A crítica especializada torceu o nariz para "Água Para Elefantes", por isso esperava algo bem ruim. Sinceramente fiquei surpreso. Eu pensava seriamente que o filme fosse medíocre. Ledo engano. O filme me agradou bastante, em praticamente tudo. Quem acompanha as minhas resenhas aqui sabe que adoro filmes antigos, clássicos. "Água Para Elefantes" tem isso, um charme e um clima nostálgico que me fisgaram de imediato. Muito bom saber que um blockbuster feito por Hollywood nos dias de hoje consegue manter esse tipo de estilo, da Old School. O roteiro é redondinho e toca em assuntos que pessoalmente gosto bastante, como a questão da denúncia de maltrato de animais em circos e o contexto da grande depressão americana no século passado. Achei tudo tão bem contextualizado. Claro que o filme tem alguns clichês mas é de se perguntar: algum filme de Hollywood hoje em dia não abusa deles? Esse pelo menos tem bom gosto no final das contas.

Do elenco só achei um pouco superficial o Robert Pattinson. Ele realmente tem muito a aprender. Não sabe atuar adequadamente, geralmente suas expressões são fora do lugar (em quase todas as situações ele dá risinhos nervosos, mesmo que a cena não peça algo assim). A Reese não aborrece e o destaque vai mesmo novamente para o Christoph Waltz, aqui interpretando mais um sujeito sádico, cruel e irascível. Na cena em que ele maltrata a elefante eu fiquei particularmente incomodado embora é claro tudo não passe de mera ficção (sinal que seu trabalho foi muito bom aqui). Enfim, um filme acima da média, que prendeu a minha atenção e me surpreendeu positivamente. No meio de tanto filme ruim que anda sendo lançado "Água Para Elefantes" é uma grata surpresa. Recomendo.

Água Para Elefantes (Water for Elephants, EUA, 2011) Direção: Francis Lawrence / Roteiro: Richard LaGravenese / Elenco: Robert Pattinson, Reese Witherspoon, Christoph Waltz, Mark Povinelli, Stephen Taylor, E.E. Bell / Sinopse: Jacob Jankowski (Robert Pattinson) é um jovem vai trabalhar em um circo. Lá acaba se apaixonando por Marlena (Reese Whiterspoon). O problema é que ela é casada com August (Christoph Waltz), o violento e irascível dono da companhia circense.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.