domingo, 30 de novembro de 2014

Drácula - A História Nunca Contada

Título no Brasil: Drácula - A História Nunca Contada
Título Original: Dracula Untold
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Gary Shore
Roteiro: Matt Sazama, Burk Sharpless
Elenco: Luke Evans, Dominic Cooper, Sarah Gadon

Sinopse:
Vlad (Luke Evans) passou longos anos como escravo das tropas do sultão. Agora livre e reinando em seu feudo ele é novamente coagido a entregar mil de seus mais sadios jovens para lutar nas tropas do filho do mesmo sultão que o escravizou no passado. Até seu próprio filho deve ser enviado. Desesperado, ele começa a pensar numa forma de enfrentar os muçulmanos no campo de batalha e acha a solução em uma criatura da noite, um vampiro, que habita uma caverna numa montanha isolada da região. Para vencer o califado ele está disposto até mesmo a vender sua alma ao diabo.

Comentários:
Logo quando eu tomei contato com a ideia desse roteiro fiquei empolgado. Como se sabe o personagem Drácula foi inspirado na figura real de Vlad III, Príncipe da Valáquia, ou Vlad Tepes, o empalador. Nobre cristão que deteve os avanços das tropas muçulmanas em direção à Europa. Ele ficou historicamente célebre por causa do tratamento cruel e desumano que aplicava aos inimigos no campo de batalha. Vlad empalava os soldados que ousassem lhe enfrentar. No século XIX o escritor Bram Stoker acabou usando sua biografia como uma das fontes de inspiração para seu famoso livro, "Drácula". É justamente nessa fusão de personagem da história e da literatura que esse roteiro foi escrito. Pena que nada foi aproveitado desse rico manancial de ideias. Ao invés de contar uma história que unisse aspectos da vida real com as ideias de Stoker, o filme simplesmente optou por ser o mais comercialmente possível, fazendo todos os tipos de concessões ao chamado cinemão pipoca americano. Em vista disso se perdeu completamente seu potencial. Para piorar o ator que interpreta Drácula, Luke Evans, é fraco e sem expressão. Some-se a isso o enredo que tenta o tempo todo criar vínculos com a saga de "O Senhor dos Anéis" e você terá uma amostra de como tudo soa equivocado e desperdiçado. Pelo visto a história das origens de Drácula continuará a não ser contada, pelo menos do jeito certo que todos esperam.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Hudson Hawk - O Falcão Está à Solta

Título no Brasil: Hudson Hawk - O Falcão Está à Solta
Título Original: Hudson Hawk
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures, Silver Pictures
Direção: Michael Lehmann
Roteiro: Bruce Willis, Robert Kraft
Elenco: Bruce Willis, Danny Aiello, Andie MacDowell, James Coburn

Sinopse:
Após passar dez anos na prisão, Hudson Hawk (Bruce Willis) está disposto a endireitar sua vida. Quer arranjar um trabalho honesto para viver em paz. Sua fama porém o persegue e ele começa a ser chantageado por um casal de milionários, que deseja que ele roube algumas das obras de arte do gênio da renascença italiana Leonardo da Vinci. Filme "vencedor" de três "prêmios" do Framboesa de Ouro: Pior Roteiro, Pior Direção e Pior Filme.

Comentários:
Astros de cinema muitas vezes se tornam vítimas de seu próprio ego. Que o diga Bruce Willis que no começo de sua carreira teve a péssima ideia de filmar uma história que ele mesmo havia bolado. Claro que na época ele tinha muita moral nos estúdios e por isso não houve problemas para levantar dinheiro para a realização do filme, o problema é que o enredo era confuso, sem foco e muito fraco. Isso passou claramente para a tela e se tornou bem fácil de perceber para o espectador. A produção não é ruim, longe disso, há até efeitos especiais bem bacanas, além disso a direção de arte é realmente de encher os olhos. O problema é que não se tem uma boa estória para contar - culpa do estrelismo de Bruce Willis. Em vista disso o filme logo se tornou um tremendo fracasso de bilheteria, merecidamente aliás. De bom mesmo, além da produção classe A, temos a presença do veterano James Coburn, ator de tantos westerns do passado. Ele sozinho não consegue salvar a fita do desastre, mas funciona como um paliativo interessante.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Profissão: Ladrão


Título no Brasil: Profissão: Ladrão
Título Original: Thief
Ano de Produção: 1981
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: Michael Mann
Roteiro: Frank Hohimer, Michael Mann
Elenco: James Caan, Tuesday Weld, Willie Nelson, James Belushi 

Sinopse:
Frank (James Caan) é um talentoso arrombador de cofres que deseja parar com a vida criminosa. A máfia de Nova Iorque porém precisa que ele faça um último trabalho, algo que dará origem a uma complexa rede de traições, violência e acerto de contas. Filme indicado à Palma de Ouro em Cannes.

Comentários:
Essa fita foi produzida pelo próprio ator James Caan. O roteiro foi oferecido pelo veterano cineasta Michael Mann e como nenhum grande estúdio de Hollywood queria bancar o projeto, Caan resolveu que ele próprio iria financiar o filme. Foi uma decisão mais do que acertada pois ao lado de Mann ele acabaria realizando uma verdadeira obra prima. Embora tenha sido produzido na década de 1980, "Thief" herdou toda a estética realista e barra pesada da década anterior e isso é um mérito e tanto para o filme, isso porque nos anos 1970 nós tivemos alguns dos melhores filmes policiais já realizados. Além disso o ator que se notabilizou interpretando um membro de uma família mafiosa Corleone em "O Poderoso Chefão" ficou perfeitamente à vontade em seu papel. O roteiro (baseado na novela escrita por Frank Hohimer) consegue mesclar ação e violência com uma excelente trama de fundo psicológico. Obra prima que infelizmente anda bem esquecida.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 28 de novembro de 2014

Paul McCartney - Give Ireland Back to the Irish

Paul McCartney nunca foi um artista politicamente engajado! Enquanto John Lennon passava a impressão de estar sempre falando sobre política, Paul seguia compondo suas belas baladas de amor. Esse rótulo de baladeiro começou a incomodar Paul quando John o usou para lhe rebaixar artisticamente. Lennon dizia a jornalistas americanos que Paul só sabia fazer canções de amor vazias, do tipo "Ela ama você, você me ama, todos nós te amamos". Era uma piada, mas uma piada bem ofensiva.

Para rebater esse tipo de ataque de John Lennon, Paul então resolveu também escrever sua própria canção de protesto, "Give Ireland Back to the Irish"! O próprio título já era uma afirmação perigosa para um inglês, pois se colocava ao lado dos irlandeses que naquela época lutavam para se livrar da dominação inglesa em seu país. Paul estava ao lado de sua causa, propondo que a Irlanda fosse devolvida aos irlandeses! Nem John Lennon havia sido tão direto antes!

Paul sabia que a música iria sofrer represálias por parte do governo inglês e assim resolveu lançar a canção em um single, pois se estivesse em um álbum as consequências comerciais poderiam ser bem ruins. O compacto chegou nas lojas em fevereiro de 1972 e causou um impacto maior do que Paul previa. A canção foi simplesmente banida da programação de certas emissoras e Paul foi chamado pelo presidente da EMI, que preocupado, tinha receios que ele e a gravadora fossem processados criminalmente por traição ao império britânico. Paul manteve-se firme e aguentou o tranco. No final das contas Paul achou a experiência de se declarar politicamente sobre algo como válida, apesar dos problemas.

Ele resumiu a questão ao afirmar: "Do nosso ponto de vista foi a primeira vez que as pessoas questionaram sobre o que estávamos fazendo na Irlanda. Era tão chocante pensar sobre isso. Fico feliz que a canção tenha trazido o assunto para dentro dos lares do povo inglês". Assim "Give Ireland Back to the Irish" acabou sendo uma das poucas experiências de Paul nesse campo político, pois ele logo se retiraria de assuntos polêmicos como esse para voltar ao seu velho (e bom) estilo romântico. O mundo já tinha John Lennon para protestar e essa nunca tinha sido mesmo a praia de Paul. Sábia decisão.

Pablo Aluísio.

Duran Duran - Rio

Título Original: Rio
Artista: Duran Duran
Ano de Produção: 1982
País: Inglaterra
Estúdio / Selo: Capitol / EMI
Produção: Colin Thurston
Formato Original: Vinil
Músicos: Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor, Roger Taylor

Faixas: Rio / My Own Way / Lonely In Your Nightmare / Hungry Like the Wolf / Hold Back the Rain / New Religion / Last Chance on the Stairway / Save a Prayer / The Chauffeur.

Comentários: Outro dia lendo uma publicação inglesa vi uma lista que colocava o Duran Duran como um dos mais influentes grupo de rock da Inglaterra! Como é?! Eu sempre me recusei a considerar o Duran Duran uma banda de rock. Em minha opinião esse grupo era uma transição entre o pop mais plástico e uma variação bunda mole de um tipo de rock mais inofensivo (perdão por usar a palavra rock), uma categoria que costumo chamar de rock de FM (quem viveu os anos 1980 e a era de ouro das estações de frequência modulada irá entender de imediato o que estou querendo dizer).

Além de implicar com o som mela cueca do "Duran Duran" ainda nunca fui com a cara do Simon Le Bon! Na boa, nada tenho contra gays em geral; mas o Le Bon sem dúvida foi o astro pop rock mais gay da música inglesa - nem Boy George e nem muito menos George Michael, símbolos da musicalidade GLS British, conseguiram chegar perto. Também foi o músico mais cara de pau que já vi, usando roupinhas pra lá de bregas, mesmo na época. Coisas de oncinha que entregavam completamente o Le Bon. E ainda chamavam o sujeito de charmoso e elegante! Please... Lixo cultural é isso aí, my friend! Tantas primas donas reunidas em um mesmo grupo só poderia dar mesmo em brigas com luvas de pelica e o Duran Duran logo se implodiria, dando origem a outros grupos, igualmente farofas, mas isso é uma outra história que depois contarei por aqui...

Erick Steve.

The Beatles - Beatles VI

Título Original: Beatles VI
Artista: The Beatles
Ano de Produção: 1965
País: Estados Unidos
Estúdio / Selo: Capitol Records
Produção: George Martin
Formato Original: Vinil
Músicos: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr

Faixas: Kansas City / Eight Days A Week / You Like Me Too Much / Bad Boy / I Don't Want To Spoil The Party / Words Of Love /  What You're Doing / Yes It Is / Dizzy Miss Lizzie / Tell Me What You See / Every Little Thing.

Comentários:
Certa vez John Lennon disse que não conseguia entender direito a discografia americana dos Beatles. Como se sabe a Capitol, gravadora que detinha os direitos de lançamento dos discos dos Beatles nos Estados Unidos, criava seus próprios álbuns e esses eram bem diferentes dos discos ingleses (só para situar o leitor é interessante explicar que a discografia inglesa é de fato a oficial dos Beatles). Pois bem, os executivos da Capitol geralmente pincelavam faixas soltas e as misturavam com canções dos álbuns originais ingleses. Para completar o caldeirão fundiam tudo com singles ingleses e europeus. "Beatles VI" vai por esse caminho. Na verdade se trata, muito a grosso modo, de uma fusão dos discos "Beatles For Sale" e "Help!". O curioso é que esses álbuns venderam imensamente mais cópias do que os originais britânicos, uma vez que o mercado inglês não poderia ser comparado com a complexidade e a imensidão do mercado consumidor americano.

Para nós, brasileiros, esse disco soa completamente estranho pois felizmente a Emi Odeon no Brasil resolveu seguir, sabiamente, o catálogo original que foi lançado na Inglaterra e no resto da Europa (com obviamente pequenas exceções como os discos brazucas ao estilo "Beatlemania" e "Beatles Again"). Por fim vale chamar a atenção para o fato de que o disco é basicamente uma seleção de covers, principalmente de cantores e compositores americanos (como Buddy Holly e a dupla Leiber e Stoller). Um tipo de homenagem fabricada Made in USA dos Beatles em relação ao rock feito na América. Uma espécie de "Yankees Go Home" ao avesso!

Pablo Aluísio e Erick Steve.

 

quarta-feira, 26 de novembro de 2014

A Experiência

Título no Brasil: A Experiência
Título Original: Species
Ano de Produção: 1995
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Roger Donaldson
Roteiro: Dennis Feldman
Elenco: Natasha Henstridge, Michael Madsen, Ben Kingsley

Sinopse:
Cientistas manipulam a carga genética de seres extraterrestres e dão origem a um ser híbrido, meio ser humano e meio alien. O experimento dá origem a uma garota que aparentemente seria normal, porém sua presença logo se torna perigosa. Após conseguir fugir ela ganha a liberdade e começa a tentar perpetuar sua espécie em nosso planeta.

Comentários:
Ficou extremamente datado com os anos essa ficção "Species". Também pudera, filmes assim se apoiam bastante em efeitos digitais e quando eles se tornam ultrapassados a tendência é o próprio filme também ficar obsoleto, já que em termos de roteiro não há muito o que apreciar. De certa forma o argumento procurou tirar proveito de um tema que andava muito em voga nos anos 1990, envolvendo as maravilhosas descobertas da tecnologia biológica e sua manipulação. Obviamente que esse tipo de coisa também levava a outra discussão envolvendo bioética e temas semelhantes. Isso porém não é muito explorado pelo roteiro, pelo menos não diretamente. O que sobra é apenas um bom ponto de partida que não consegue alcançar todas as suas promessas e potencialidades. Também é de se chamar atenção para o fato do filme ter sido dirigido pelo cineasta Roger Donaldson. A verdade é que o universo Sci-fi nunca foi sua praia e apesar de ser um diretor de mão cheia, ele não conseguiu transitar nesse gênero de forma muito convincente. Mesmo assim, com o sucesso da fita, tivemos várias sequências, a maioria delas belas porcarias. É a tal coisa, nem sempre sucesso comercial rima com qualidade cinematográfica.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

No Vale das Sombras

Título no Brasil: No Vale das Sombras
Título Original: In the Valley of Elah
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Paul Haggis
Roteiro: Paul Haggis, Mark Boal
Elenco: Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Susan Sarandon, Jason Patric, Josh Brolin, Jonathan Tucker

Sinopse:
Hank Deerfield (Tommy Lee Jones) tem um sério problema a resolver. Seu filho, um veterano do exército na intervenção americana no Iraque, resolve desertar das forças armadas e muito provavelmente para não ser preso e enfrentar uma severa corte marcial resolve fugir, desaparecer, sem deixar rastros. Seu pai Hank então junta todos os esforços ao lado da detetive Emily Sanders (Charlize Theron) e da mulher de Hank, Joan (Susan Sarandon), para descobrir sobre seu verdadeiro paradeiro.

Comentários:
Filme com um tremendo elenco que conseguiu unir mistério, suspense e até mesmo aventura. A trama é por demais interessante e mostra um lado da guerra que nem sempre é muito explorado por Hollywood, a aflição dos pais de jovens que são enviados ao exterior e uma vez lá sofrem danos psicológicos irreversíveis. O grande mérito do filme vem do trabalho do ator Tommy Lee Jones. É incrível como ele consegue mesmo não usando muitas expressões faciais transmitir inúmeras emoções internas aos espectadores. Aqui seu estilo se sobressai como nunca. Enquanto os demais membros do elenco se esforçam ao máximo para impactar em cena, Jones é de uma calma que incomoda. Mesmo assim o cinéfilo mais atento verá que por trás do mar de tranquilidade há um maremoto terrível de sentimentos que poderá explodir a qualquer momento. No geral o filme consegue agradar bastante, tanto que também se consagrou nos principais festivais de cinema, entre eles o Oscar que deu uma justa indicação a Tommy Lee Jones por sua excelente atuação.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

No Vale das Sombras

Título no Brasil: No Vale das Sombras
Título Original: In the Valley of Elah
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Paul Haggis
Roteiro: Paul Haggis, Mark Boal
Elenco: Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Susan Sarandon, Jason Patric, Josh Brolin, Jonathan Tucker

Sinopse:
Hank Deerfield (Tommy Lee Jones) tem um sério problema a resolver. Seu filho, um veterano do exército na intervenção americana no Iraque, resolve desertar das forças armadas e muito provavelmente para não ser preso e enfrentar uma severa corte marcial resolve fugir, desaparecer, sem deixar rastros. Seu pai Hank então junta todos os esforços ao lado da detetive Emily Sanders (Charlize Theron) e da mulher de Hank, Joan (Susan Sarandon), para descobrir sobre seu verdadeiro paradeiro.

Comentários:
Filme com um tremendo elenco que conseguiu unir mistério, suspense e até mesmo aventura. A trama é por demais interessante e mostra um lado da guerra que nem sempre é muito explorado por Hollywood, a aflição dos pais de jovens que são enviados ao exterior e uma vez lá sofrem danos psicológicos irreversíveis. O grande mérito do filme vem do trabalho do ator Tommy Lee Jones. É incrível como ele consegue mesmo não usando muitas expressões faciais transmitir inúmeras emoções internas aos espectadores. Aqui seu estilo se sobressai como nunca. Enquanto os demais membros do elenco se esforçam ao máximo para impactar em cena, Jones é de uma calma que incomoda. Mesmo assim o cinéfilo mais atento verá que por trás do mar de tranquilidade há um maremoto terrível de sentimentos que poderá explodir a qualquer momento. No geral o filme consegue agradar bastante, tanto que também se consagrou nos principais festivais de cinema, entre eles o Oscar que deu uma justa indicação a Tommy Lee Jones por sua excelente atuação.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 25 de novembro de 2014

A Recompensa

Título no Brasil: A Recompensa
Título Original: Dom Hemingway
Ano de Produção: 2013
País: Inglaterra
Estúdio: BBC Films
Direção: Richard Shepard
Roteiro: Richard Shepard
Elenco: Jude Law, Richard E. Grant, Demian Bichir, Madalina Diana Ghenea

Sinopse:
Após ficar por doze longos anos preso, o ladrão de cofres Dom Hemingway (Jude Law) finalmente cumpre sua pena e ganha a liberdade. Apesar dos anos passados ele continua o mesmo, falastrão, furioso e incontrolável. Assim que coloca os pés fora da prisão parte em busca de vingança contra o homem que se aproveitou de sua falecida esposa enquanto ele estava atrás das grades. Depois viaja até o sul da França para acertar contas com o antigo líder de sua quadrilha, o agora milionário e bon vivant Ivan Fontaine (Demian Bichir). Ele quer a recompensa por ter ficado tantos anos calado, sem entregar o nome de ninguém para a polícia.

Comentários:
Uma boa amostra do novo cinema britânico podemos encontrar aqui em "Dom Hemingway". Esse filme tem aquele tipo de roteiro bastante focado em um personagem central, no caso o criminoso interpretado por Jude Law. Ele é um sujeito durão, que fala pelos cotovelos e tem uma personalidade bem irascível e fora de controle. Nem bem ganha a liberdade e  já começa a arranjar confusão. Falando um vocabulário completamente vulgar, cheio de palavrões, ele vai tentando se adaptar aos novos tempos, uma vez que ficou encarcerado por doze anos. Nesse tempo sua esposa morreu de câncer e sua filha se casou com um imigrante africano (e para sua enorme surpresa seu neto é um mestiço de nome esquisito, Jawara!). Um reflexo das mudanças ocorridas dentro da própria sociedade inglesa desde então! Para Dom porém não há saída pois ou ele se adapta ou morre. Após procurar por seu antigo chefe, o russo Ivan Fontaine (interpretado pelo ator Demian Bichir da série "The Bridge") ele tenta reorganizar seus passos, algo que não será fácil. Uma das melhores coisas desse filme é a interpretação de Jude Law. Longe de seus tempos de galã sedutor, ele aqui surge de forma bem diferente, com longas e bregas costeletas, calvície avançada e roupas sem nenhuma sofisticação, tudo para dar vida ao seu personagem. Esse é do tipo "ame ou odeie", assim se o espectador não gostar do Dom Hemingway logo no começo vai ser complicado aguentar o filme até o fim, pois ele está o tempo todo em cena, falando sem parar, em pequenas narrativas com títulos próprios, como por exemplo "O Pai do Ano", quando ele vai finalmente se reencontrar com sua filha. No fim das contas é um bom programa valorizado pelo esforço de Jude Law em desenvolver um convincente trabalho de atuação. Vale a pena conhecer.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Ray Charles - I Got a Woman

Ray Charles tinha tudo contra si no começo de sua vida. Ele nasceu negro em uma família muito humilde em uma das regiões mais segregadas e racistas dos Estados Unidos. Além disso ficou com problemas na visão muito cedo, se tornando deficiente visual. A questão é que ele também tinha um grande talento musical e isso o salvou completamente da vida cheia de privações e miséria de onde veio. No começo da carreira Ray se virou como podia para arranjar trabalho. Assim ele começou a copiar o estilo de Nat King Cole, afinal cantando daquela forma ele sempre arranjava contratos com as boates da região. Obviamente Ray Charles tinha seu próprio estilo, único e maravilhoso, mas por questões puramente comerciais deixava isso um pouco de lado.

O importante era sobreviver. Depois de uma temporada numa pequena gravadora ele foi finalmente contratado pela conhecida e poderosa Atlantic Records. Foi a grande chance de sua vida. As coisas porém não começaram muito bem pois Charles continuava a seguir os passos de Nat King Cole. Após lançar quatro singles e perceber que nenhum havia feito sucesso ele finalmente tomou coragem para assumir seu próprio estilo em seus discos. Assim levou "I Got a Woman" para gravar. Se fizesse sucesso seria ótimo, caso contrário ele voltaria para o estilo anterior.

"I Got a Woman" estourou nas paradas e levou o nome de Ray Charles pela primeira vez ao topo das paradas. A fórmula era mais do que interessante. A melodia era claramente inspirada na Gospel Music Negra, nos hinos religiosos que Ray conhecia tão bem desde criança. A letra porém não tinha nada a ver com religião, era aliás bem ousada, quase escandalosa naqueles tempos moralistas e conservadores. A fusão entre Gospel e uma letra tão profana deu origem a um novo gênero musical, a Soul Music, a música que vem de dentro, do fundo da alma.

Finalmente após tantos anos de luta em busca do sucesso o maravilhoso Ray Charles havia finalmente encontrado seu caminho. Claro que "I Got a Woman" abriu todas as portas para Ray Charles a partir daí. Desse ponto em diante ele não mais deixaria os picos da fama e do sucesso. A canção em si se tornou um marco e para muitos especialistas foi um dos primeiros registros de rock da história! Afinal de contas o que é o Rock em sua essência? Uma mistura talentosa de gêneros musicais diversos. "I Got a Woman" se enquadra perfeitamente nesse conceito. Consagrada por crítica e público a música ainda seria gravada por outros mitos, entre eles Elvis Presley e os Beatles. Maior prova de sua imortalidade não há!


I Got a Woman (Ray Charles) - well / I got a woman way over town that's good to me oh yeah / Say I got a woman way over town good to me oh yeah / She give me money when Im in need / Yeah she's a kind of friend indeed / I got a woman way over town that's good to me oh yeah / She saves her lovin early in the morning just for me oh yeah / She saves her lovin early in the morning just for me oh yeah / She saves her lovin just for me oh she love me so tenderly / I got a woman way over town that's good to me oh yeah / She's there to love me both day and night / Never grumbles or fusses always treats me right / Never runnin in the streets and leavin me alone / She knows a womans place is right there now in her home / I got a woman way over town that's good to me oh yeah / Say I got a woman way over town that's good to me oh yeah / Oh she's my baby now don't you understand / Yeah and I'm her lover man / I got a woman way over town that's good to me oh yeah / A Don't ya know she's alright / A Don't ya know she's alright / she's alright she's alright / Whoa yeah oh yeah oh.

Come Back Baby (Ray Charles) - Oh come back, baby / Oh mama please dont go, yeah / Cause the way I love you / Child you'll never know / Oh come back baby, yeah yeah / Let's talk it over one more time / Oh now now / Well I admit, baby / That I was wrong / Don't you know, baby / Child you been gone too long / Oh come back baby, yeah yeah / Let's talk it over one more time / Oh now now / Say If I could holler / Like a mountain jack / Yeah yeah oh people / I'd call my baby back / Oh come back baby, Woo yeah / Let's talk it over one more time / Oh now now / Now one of these days, baby / And It won't be long, yeah / You gonna look for me child you know / And I'll be gone / So come back baby, yeah yeah / Let's talk it over one more time / Oh now now. 

Pablo Aluísio.

domingo, 23 de novembro de 2014

Eu, Vampiro

Título Original: Eu, Vampiro
Coleção: Os Novos 52
Nome da estória: Quebre Meu Corpo
Ano de Produção: 2014
Editora: DC Comics
Personagem: Andrew Bennett
Autores: Joshua Fialkov
Artista: Clayton Clair

Sinopse e comentários:
Um nobre inglês viaja em sua diligência durante uma noite com forte tempestade. O trajeto está alagado e após sua carruagem bater em uma pedra todos são jogados para fora, no meio da lama. Das sombras surge então um vulto, de alguém imponente, vestido com velhas roupas, dando a impressão de ser uma criatura muito antiga, secular. Após uma breve troca de palavras o homem finalmente descobre estar na presença de um ser sobrenatural, com poderes inclusive de se transformar em outros seres, como um lobo selvagem. A estranha criatura da noite lhe desafia a contar sua história. Talvez se ela for interessante e ele demonstrar que é um ser humano digno de continuar vivendo ele lhe poupe de uma morte lenta e dolorida.


Assim começa a trajetória de um novo personagem dos quadrinhos da DC Comics. Como se sabe a editora deu um reboot completo em seus personagens criando a série "Os Novos 52". Além dos tradicionais heróis (como Batman, Superman, Lanterna Verde e outros), os novos lançamentos da DC também estão trazendo novidades, entre eles o vampiro Andrew Bennett, uma criatura amaldiçoada que luta contra sua nova natureza maligna. Os textos são os mais bem elaborados possíveis e a arte é de alto nível. De fato o leitor é transportado mesmo para um mundo onde os seres noturnos sedentos de sangue dominam. Essa edição é a de número 00, uma tradição americana que procura mostrar as origens dos personagens. Para quem gosta do mundo dos quadrinhos é coisa fina, de muito bom gosto, diria até imperdível.

Júlio Abreu.

Elvis Presley - Indianapolis 1977, o Último Show!

Elvis Presley - Indianapolis 1977, o Último Show!
Data: 26 de junho de 1977 / fonte: "Elvis Presley the final years" / Jumpsuit: Mexican Sundial Suit / Local: Market Square Arena, Indianapolis. Indianapolis, 1977 - fim de jogo - A única coisa que tirava Elvis de sua interminável crise existencial era a necessidade de cumprir seus contratos e voltar à estrada. Dificilmente Elvis parecia ter condições de cumprir uma série de shows pelos Estados Unidos. Tão gordo ele estava que até suas famosas roupas de 10 mil dólares, adornadas com pedras preciosas do Brasil, ficavam apertadas e não lhe serviam mais. De repente o sangue lhe sobe à cabeça e um caríssimo relógio de ouro Piaget, decorado com opalinas e rubis, explode contra a parede do banheiro. Seu pobre pai abaixa-se para catar os pedaços, mas Elvis o impede, murmurando com desdém: "- Deixa pra lá, Daddy...isso é só dinheiro." Trajando um roupão com capuz, óculos escuros, pijama de náilon preto e botas de vaqueiro Vossa Majestade desce lentamente as escadas, degrau por degrau. Dois volumes de cada lado de seu tórax indicam que ele está usando seus revólveres Colt 45 com cabos de marfim, que pertenceram ao general Patton na II Guerra Mundial.

Elvis despede-se de sua querida avó e se dirige para fora de seu palácio, imediatamente Al Strada sai em disparada e abre a porta traseira da limousine escura. Nada mais do que a maior Mercedes já fabricada, feita especialmente para Elvis. Seu valete real toma o volante e segue em direção ao portão musical onde um bando de admiradores esteve de vigília a noite toda. Assim que a limusine sai para a rua, uma fila de carros se põe em seu encalço, só pelo prazer de acompanhar o rei do rock até o aeroporto, criando uma verdadeira procissão atrás do carro real. Assim que o comandante do avião recebe a mensagem, acende as luzes traseiras do jato, iluminando a cauda onde está pintado a sigla "TCB". Vossa Majestade, devidamente escoltado, sobe à bordo e cumprimenta a tripulação. Enquanto o majestoso avião cruza os céus dos Estados Unidos em direção à Indianapolis, os controladores de tráfego aéreo dos aeroportos vão saudando o Rei do Rock: -"Alô oito oitenta eco papa!... Como gostaríamos de estar aí com vocês!... Diga a Elvis que nós o amamos!" No final de sua vida Elvis Presley fora abençoado ainda mais pela fama e acabou se transformando numa espécie de santidade.

Embora o homem estivesse moribundo o mito estava incrivelmente vivo. Elvis poderia morrer pronunciando as mesmas palavras de César em seu momento final: - "Sinto que estou me transformando em um Deus". Uma pequena multidão espera Elvis no aeroporto de Indianapolis; para evitar maiores confusões Presley desce de seu palácio voador pela porta de trás e imediatamente segue em direção ao Market Square Arena, agora totalmente lotado esperando pela visita real. No camarim, com Elvis só de tanga e sentado numa cadeira estofada, Hamburguer James inicia seu trabalho. Primeiro gruda dois grandes band aids em cada um dos joelhos, protegendo-os em seguida com um par de joelheiras elásticas, para amortecer o choque quando Elvis se apoiar em apenas um dos joelhos, durante uma daquelas famosas saudações de sua majestade imperial. Depois James coloca um band aid comum em cada um dos dedos das mãos de Elvis, para proteger sua pele e segurar melhor os anéis que ele pretende distribuir durante o show.

É chegado o grande momento e Elvis veste sua roupa de show, no caso a famosa Jumpsuit Mexican Sundial, que traz a reprodução de um antigo calendário Azteca, não esquecendo de colocar uma pequena pistola em uma das botas; depois de anos sendo ameaçado de morte, Vossa Majestade sempre entra armado no palco durante essa fase de sua vida. Red West relembra: "Elvis nunca seria assassinado como John Lennon, pois ele sempre estava armado, sabia usar uma arma e confiava nelas, tinha servido o exército, ele mataria o cara antes dele tentar fazer alguma coisa, além disso ele era faixa preta oitavo grau em Karatê, sabia desarmar uma pessoa". Finalmente é colocada a capa e depois de alguns retoques no cabelo Elvis está pronto para entrar! Ele se olha no espelho por alguns minutos, conferindo se tudo está certo. A movimentação é intensa fora dos camarins, com uma grande quantidade de seguranças, policiais e até agentes do FBI, amigos do Rei. Todos o acompanham no caminho para o palco, lançando boas vibrações sobre Elvis. Mesmo depois de todos esses anos Presley ainda se sente muito nervoso antes de um show. Ele caminha lentamente e encara a grande cortina, enquanto os acordes da orquestra anunciam sua entrada.

Elvis olha para seus ajudantes, faz um pequeno sinal de ok e vai em direção a milhares de fãs que esperam ver o maior cantor de rock de todos os tempos. Era 20:30hs da noite em Indiana, uma noite mais quente do que o normal, com ginásio lotado. Elvis faz uma apresentação memorável. As pessoas presentes, sem saber, tiveram a última oportunidade de assistir ao superstar ao vivo. No final da apresentação o Rei do Rock fez uma saudação imperial e se dirigiu aos seus leais súditos se despedindo de uma maneira que nunca tinha feito antes: "Adios", foram suas últimas palavras em um palco. Nunca mais Elvis Presley pisaria em um palco novamente e nunca mais uma legião de fãs do cantor ao redor do planeta teria a oportunidade de assistir ao show do maior cantor de rock da história. O fato de ter sido o último local a assistir ao concerto de Elvis Presley ainda é um grande orgulho para os moradores da cidade. Logo na entrada de Indianapolis o visitante se depara com uma grande placa: "Indianapolis, a cidade que disse adeus a Elvis Presley" O conceito de "nunca mais" é algo presente em muitos momentos de nossas vidas, mesmo que seja difícil aceitar essa realidade. Mas grandes pessoas e momentos sempre deixarão saudade, para sempre. E assim fica a saudade de todos mesmo sabendo a grande verdade dita pelo próprio Elvis no crepúsculo de sua vida: "Na vida não voltamos para um bis".

Local do último Show de Elvis Presley é demolido!
O último prédio que Elvis deixou pode ter ficado para trás, mas alguns fãs estão fazendo a sua parte para se certificar que ele não será esquecido. Quando Elvis Presley subiu no palco do Market Square Arena durante o verão de 1977, ninguém sabia que seria seu último show. Em 26 de junho, no dia em que se comemora o 25º aniversário deste concerto, um grupo de fãs vai colocar um marco no local onde existia a arena antes de sua demolição no ano passado. O marco terá uma inscrição em bronze com os dizeres "Senhoras e senhores, Elvis deixou o prédio", no topo de uma coluna de granito. "Nós a fizemos de uma maneira que quando algo for construído no local, esperamos que se possa aproveitar a placa e usá-la como uma pedra fundamental", disse Kay Lipps, presidente da Taking Care of Presley memorial Committee. O marco vai ser colocado na esquina de uma rua, perto do estacionamento onde a arena uma vez existiu. Presley morreu no dia 16 de agosto de 1977. O cantor foi o artista que mais emplacou sucessos na história da música americana e internacional, sendo o maior vendedor de discos da história, cerca de um bilhão de cópias ao redor do mundo!

Hércules

Título no Brasil: Hércules
Título Original: Hercules
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Brett Ratner
Roteiro: Ryan Condal, Evan Spiliotopoulos
Elenco: Dwayne Johnson, John Hurt, Ian McShane

Sinopse:
Depois de ser acusado de ter matado a própria família e ser banido de seu lar, Hércules (Dwayne Johnson) forma uma equipe de guerreiros e se torna um mercenário. Contratado por um velho monarca (John Hurt) que se diz cercado por forças poderosas do mal, ele começa a destruir os inimigos do rei. O problema é que ao que tudo indica ele está na verdade lutando pelo lado errado nessa guerra sangrenta. Filme indicado ao Teen Choice Awards nas categorias de Melhor Filme de Verão e Melhor Ator de Filmes de Verão (Dwayne Johnson).

Comentários:
Tentativa de tornar o personagem épico e mitológico Hércules novamente viável no cinema. Por anos e anos ele foi explorado em filmes de baixo orçamento na Itália, sendo que a má qualidade daquelas produções acabaram queimando o prestígio do herói da Grécia Antiga. A verdade é que a marca "Hércules" acabou virando sinônimo de filmes vagabundos e mal feitos. Aqui há uma clara tentativa de tentar unir um tom mais realista (seguindo os passos de certa forma da franquia do Batman no cinema) sem deixar completamente de lado a fantasia e o clima de fábula. The Rock se sai bem em um papel que definitivamente não exige muito de seu intérprete, a não ser ter muitos músculos e um pouco de carisma - que cai bem em qualquer situação. Outro ponto importante é que as cenas de efeitos digitais são bem colocadas e bem realizadas, demonstrando também uma certa influência da franquia do "Senhor dos Anéis", afinal cenas de batalhas entre dois exércitos geralmente estão seguindo os passos dos filmes assinados por Peter Jackson, não tem jeito. No saldo geral é uma aventura divertida e que não aborrece e nem enche a paciência. Basta embarcar na ideia central de seus realizadores. É cinema pipoca, porém eficiente. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Despertar de uma Paixão

Título no Brasil: O Despertar de uma Paixão
Título Original: The Painted Veil
Ano de Produção: 2006
País: Estados Unidos, China, Canadá
Estúdio: Warner Bros
Direção: John Curran 
Roteiro: Ron Nyswaner
Elenco: Edward Norton, Naomi Watts, Liev Schreiber e Toby Jones

Sinopse:
Walter Fane (Edward Norton) é um jovem médico que decide ir junto com a esposa para a distante, isolada e bastante atrasada China. Uma vez no novo país ele começa seus esforços para combater uma epidemia de cólera na região, tentando curar as pessoas enfermas, enquanto explica para aos chineses as melhores formas de prevenir a terrível doença. Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria Melhor Trilha Original (Alexandre Desplat). 

Comentários:
Filme romântico ao velho estilo, baseado na novela de W. Somerset Maugham. Entre os destaques que podemos chamar a atenção estão a ótima fotografia, capturando belas paisagens da China, que em certos aspectos ainda continua tão selvagem e intocada como nos tempos remotos em que a história se passa, o bom enredo e a excelente atuação dos atores principais. Grande parte do filme foi rodado na província de Guangxi, uma região bem conhecida por causa das belezas naturais. Essa simbiose entre montanhas e rios tranquilos trouxe muita beleza ao filme. O romance também chama a atenção por causa da complexidade de todos os personagens. O médico interpretado por Edward Norton prefere se refugiar na ciência do que ter que encarar os problemas de um relacionamento conturbado com sua mulher. Essa também é outra surpresa, interpretada com convicção pela bela e talentosa Naomi Watts, ela vive um casamento infeliz e sem amor, pois foi pressionada pelos pais para se casar com o médico - afinal que família não gostaria de ver sua filha casada com alguém com esse status? Com o tempo porém a frustração aumenta, levando-a até mesmo a procurar por casos fora do casamento. Enfim, belo filme com sabor à moda antiga. Agradará quem estiver em busca de um bom romance com teor mais complexo e personagens mais bem desenvolvidos do ponto de vista psicológico.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 22 de novembro de 2014

Limite Vertical

Título no Brasil: Limite Vertical
Título Original: Vertical Limit
Ano de Produção: 2000
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Martin Campbell
Roteiro: Robert King
Elenco: Chris O'Donnell, Bill Paxton, Scott Glenn, Robin Tunney

Sinopse:
Peter Garrett (Chris O´Donnell) faz parte de uma longa linhagem de famosos alpinistas em sua família. Após a morte de seu pai em uma montanha mortal ele resolve se afastar desse meio. Para piorar seu relacionamento com a irmã se desgasta com o tempo. Três anos depois ele precisará rever seus conceitos ao saber que sua irmã está em apuros na K2. Para salvá-la da morte ele decide então organizar uma expedição de resgate de último momento. A sorte está lançada novamente. Filme indicado ao BAFTA Awards na categoria de Melhores Efeitos Especiais.

Comentários:
Hollywood geralmente passa por fases de tempos em tempos. Fase de realizar filmes sobre vulcões, fase de realizar filmes sobre terremotos e por aí vai. No ano de 2000 tivemos uma modinha de filmes sobre desastres acontecendo com alpinistas em algumas das montanhas mais mortais do planeta. A maioria desses filmes se enquadravam na categoria junk food, mas alguns até que se salvaram da lata de lixo da lanchonete local do shopping center. Esse "Vertical Limit" não é nenhuma maravilha em termos de roteiro, mas possui uma qualidade técnica digna de elogios, principalmente pela coragem do diretor Martin Campbell e sua equipe em encarar locações perigosas, algumas praticamente mortais, principalmente na infame K-2, a conhecida montanha da morte, onde apenas alpinistas altamente profissionais se arriscam a colocarem os seus pés. Se foi uma ótima experiência para o diretor não se pode dizer o mesmo de seu ator principal. Chris O´Donnell, por essa época, era o queridinho da Columbia, que tinha grandes esperanças em transformar o rapaz em um astro. A carreira dele porém já estava manchada pelo fracasso comercial da bomba "Batman & Robin". Vestir o uniforme do garoto prodígio foi fatal para sua sobrevivência no cinema, o que demonstra que nem sempre interpretar super-heróis pode ser uma boa para a vida profissional de um ator. Se a coisa dançou na telona o jeito foi ir para a telinha. Desde 2009 ele vem estrelando a mediana série "NCIS: Los Angeles". Pelo menos não está desempregado.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Pink Floyd - The Division Bell

Quem acompanha o mundo da música por longos anos acaba descobrindo que certas coisas simplesmente não fazem muito sentido. Recentemente chegou no mercado com grande sucesso de crítica e público o CD "The Endless River" do Pink Floyd. Até aí tudo bem. O problema é que esse álbum é basicamente um resgate do material que foi gravado e deixado de lado na elaboração do disco "The Division Bell" de 1994. Então se as "sobras" andam tão elogiadas era de se esperar que a melhor parte dessas sessões, que foram incorporadas ao disco original há vinte anos, também fossem tratadas como obras primas do Floyd.

Nada mais longe da realidade. Quando "The Division Bell" chegou nas lojas há duas décadas levou pauladas de todos os lados, principalmente da imprensa especializada da Inglaterra. Para muitos o álbum não passava de um trabalho solo de David Gilmour usando o nome mágico da banda por motivos puramente comerciais. As viúvas de Roger Waters nunca vociferaram tão forte como no lançamento de "The Division Bell". Hoje, ironicamente, declamam rios de elogios para o "novo" Pink Floyd que está fazendo bonito nas paradas de sucesso inglesas.

Particularmente confesso, sigo a linha daqueles que nunca tiveram esse CD como referência em termos de sonoridade Floydiana. Algo não me parece bem nessas faixas. Sempre considerei "A Momentary Lapse Of Reason" um trabalho mais enxuto, com mais qualidade e melhor bem conceituado. Foi o melhor disco da banda em sua fase Gilmour. "The Division Bell" sofre por ser excessivo! Talvez por receios ou insegurança o produtor Bob Ezrin acabou criando um monstro musical, exagerado, barroco e cansativo. São onze faixas (muito em termos de Floyd), dezenas de músicos de estúdio contratados, centenas de horas de gravação e muito excesso nos arranjos finais.

O que era simples e altamente eficiente em "A Momentary Lapse Of Reason" aqui se tornou pesado, exaustivo, paquidérmico! As letras também não evocam em nada os grandes momentos do Pink Floyd em seu passado glorioso. E para piorar tudo, quando se pensa que se ouvirá maravilhosos solos de guitarra do mestre David Gilmour, nada surge nos ouvidos que nos faça lembrar o grande instrumentista que ele sempre foi. "The Division Bell" foi um disco que ouvi em meus tempos de universidade, mas que pouco cativou, não deixando marcas na alma. Assim com o tempo foi sendo deixado de lado. É de surpreender agora que todos estejam fazendo louvações aos seus resquícios sonoros deixados pelo chão da sala de edição de Bob Ezrin! Vai entender a cabeça dessa gente...

Pink Floyd - The Division Bell (1994)
Cluster One
What Do You Want from Me
Poles Apart
Marooned
A Great Day for Freedom
Wearing the Inside Out
Take It Back
Coming Back to Life
Keep Talking
Lost for Words
High Hopes

Pablo Aluísio e Erick Steve.

quinta-feira, 20 de novembro de 2014

Drácula - A História Nunca Contada

Título no Brasil: Drácula - A História Nunca Contada
Título Original: Dracula Untold
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Gary Shore
Roteiro: Matt Sazama, Burk Sharpless
Elenco: Luke Evans, Dominic Cooper, Charles Dance, Sarah Gadon

Sinopse:
Vlad (Luke Evans) é um nobre cristão da Transilvânia que precisa decidir entre enviar mil jovens de seu principado para servirem como escravos das forças do sultão Mehmed (Dominic Cooper), entre eles seu próprio filho, ou então enfrentar em campo aberto os poderosos exércitos do inimigo. Desesperado, ele resolve ir atrás de um ser maligno e misterioso que habita uma caverna sombria da região. A lenda local afirma que ele é um vampiro, um filho de Satã, um ser sedento de sangue que vive em escuras e inabitadas partes do reino. Para Vlad porém isso é de menor importância, pois o que ele necessita mesmo nesse momento é defender seu povo das forças do oriente. O pacto que firma irá mudar toda a sua existência dali por diante.

Comentários:
E lá vamos nós de novo... Surge nos cinemas mais um filme explorando o personagem Drácula. Nem vou aqui me repetir muito, afirmando que o filme definitivo sobre Drácula já foi realizado por Francis Ford Coppola em 1992. O fato é que o cinema pelo visto jamais vai deixar de explorar esse que é considerado o maior vampiro de todos os tempos. Pois bem, depois de tantos anos ainda há o que contar sobre o Conde? Pelo visto sim, pelo menos na mente dos executivos da  Universal Pictures. O roteiro se concentra totalmente nas origens do monstro. Usando de ironia o filme poderia até mesmo se chamar "Drácula: Origens" por essa razão. Em praticamente todos os filmes de Vlad há quase sempre uma pequena introdução mostrando como ele surgiu, voltando a um tempo onde ele era apenas um nobre cristão tentando parar os avanços de forças muçulmanas em direção à Europa. Essa aliás é a história real do homem que viveu no século XV (e que obviamente não era um vampiro, mas apenas um guerreiro cruel e sádico). A premissa como se vê não é ruim, o problema desse filme é a forma como ele conta esse enredo. Tudo vai surgindo de forma muito superficial, sem envolvimento maior e o pior de tudo, sem espaço para explorar o complexo quadro psicológico e social que envolvia aquela guerra medieval, onde não estava em jogo apenas a conquista de terras, mas também o avanço de uma religião, o Islã, em direção aos países cristãos da Europa oriental. Ao invés de explorar bem esse rico quadro histórico tudo o que o roteiro faz é partir para o uso exagerado de efeitos digitais, que diga-se de passagem, nem são tão bons assim. Essa coisa de envolver Drácula em nuvens de morcegos é explorado a exaustão durante os curtos 90 minutos de duração. Como a ação é o foco principal do filme, o fator terror é deixado de lado. O único bom momento nesse aspecto surge quando Vlad encontra pela primeira vez uma criatura da noite (muito bem interpretada por Charles Dance) em uma caverna repleta de restos mortais de suas presas. Nesse raro momento de terror e suspense o espectador até cria uma esperança que virá coisa boa pela frente, mas infelizmente o filme se perde mesmo em suas pretensões de ser um mero filme pipoca descartável. Uma pena, não foi dessa vez que o Conde ganhou novamente um filme à altura de seu mito.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 19 de novembro de 2014

Livrai-nos do Mal

Título no Brasil: Livrai-nos do Mal
Título Original: Deliver Us from Evil
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures
Direção: Scott Derrickson
Roteiro: Scott Derrickson, Paul Harris Boardman
Elenco: Eric Bana, Édgar Ramírez, Olivia Munn, Sean Harris

Sinopse:
Livrai-nos do Mal foi baseado nas memórias do detetive e investigador Sarchie (Eric Bana) que começa a investigar uma série de crimes que parecem ter alguma ligação sobrenatural entre si. Eventos inexplicáveis ocorridos no Zoológico da cidade e pessoas que apresentam comportamento incomum, como se tivessem sido possuídas por entidades do mal, parecem confirmar uma ligação entre os crimes horrendos que estão acontecendo.

Comentários:
Os filmes de terror mais bem sucedidos dos últimos tempos têm sido aqueles que andam apostando em fórmulas que deram muito certo no passado, sendo o "O Exorcista" o grande modelo a se seguir. Assim sai de cena o sangue jorrando aos bordões dos filmes do gênero na década de 1980 e entra o suspense, com melhor desenvolvimento de todo um clima de sordidez e suspense no ar e mais cuidado com os personagens em si, criando para eles um background psicológico mais complexo. "Deliver Us from Evil" tenta pegar a onda do sucesso e seguir esse mesmo caminho. O padre jesuíta Mendoza (Édgar Ramírez) é um exemplo disso. Ex-viciado, ele decide abandonar uma vida de sofrimento e decadência para se dedicar à igreja católica. Uma vez lá, se torna um sacerdote exorcista. Seu inimigo obviamente sabe todas as suas fraquezas, mas isso também faz parte de sua redenção pessoal. A fusão de elementos de filmes de terror setentistas e fitas policiais bem mais realistas, acaba sendo o grande trunfo dessa produção, muito embora tenhamos que reconhecer que o filme também apresente pontuais falhas em seu desenvolvimento. O final deixa uma porta aberta para sequências, o que não será uma má ideia, uma vez que essa dupla formada por um policial e um padre pode gerar bons frutos em novos filmes. Se depender de boas cenas, como a do exorcismo que vemos aqui, vale a pena apostar em novas películas no futuro, onde todos os pequenos erros que vemos aqui possam ser contornados.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Gran Torino (2008)

Título no Brasil: Gran Torino
Título Original: Gran Torino
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Nick Schenk, Dave Johannson
Elenco: Clint Eastwood, Bee Vang, Christopher Carley

Sinopse:
Walt Kowalski (Clint Eastwood) é um americano típico. Veterano da guerra da Coréia, ele é um sujeito durão que mesmo com a idade já avançada não aceita levar desaforos para casa. Para seu desapontamento porém ele logo percebe que a América de seus anos de juventude está ficando cada vez mais para trás. A onda de imigrantes que aumenta a cada ano acabou desfigurando seu bairro, onde ninguém mais parece sequer falar inglês! Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria Melhor Trilha Sonora Original.

Comentários:
Da safra mais recente de Clint Eastwood esse é certamente um de seus melhores filmes, apesar de não ter tido o reconhecimento devido. No filme o personagem de Eastwood é um americano da velha escola, um sujeito com valores e princípios pessoais que parecem estar desaparecendo a cada dia. A juventude ao seu redor agora parece formada principalmente por filhos de famílias imigrantes, e eles pouco se importam com coisas como respeito aos mais velhos ou honestidade e ética. A maioria vive de pequenos roubos pelas ruas próximas e há muitas gangues em cada esquina. Como Kowalski já está um pouco envelhecido ele logo se torna alvo desses bandidos das redondezas. O que eles não sabem é que embora esteja com idade avançada ele ainda é durão o suficiente para colocar todos para correrem. Outro ponto muito importante desse roteiro é que ele mostra como a sociedade americana em geral está mudando nesses últimos anos. O personagem de Clint não reconhece mais sua própria vizinhança e nem consegue se comunicar com ela, afinal de contas todos os americanos parecem terem ido embora, sobrando uma vasta comunidade de orientais, latinos e demais grupos étnicos que imigraram em massa para os Estados Unidos nas últimas décadas. No começo isso é obviamente um problema para Kowalski, mas depois ele compreende que deve não lutar contra todas as mudanças, mas sim se adaptar o melhor possível a elas. Um boa mensagem de tolerância e respeito dentro de uma nação que muda em ritmo avançado, mesmo que isso também acabe custando a perda de sua própria identidade cultural e nacional.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 18 de novembro de 2014

Quando Um Homem Ama Uma Mulher

Título no Brasil: Quando Um Homem Ama Uma Mulher
Título Original: When a Man Loves a Woman
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Luis Mandoki
Roteiro: Ronald Bass, Al Franken
Elenco: Andy Garcia, Meg Ryan, Ellen Burstyn, Tina Majorino

Sinopse:
Tudo corria bem com a família Green, até que Alice (Meg Ryan), a esposa, comece a apresentar problemas relacionados ao abuso de bebidas alcoólicas. O que parecia algo comum no começo, com pilequinhos aqui e acolá, começa a tomar dimensões bem maiores após Alice demonstrar que não conseguiria mais viver sem se embriagar todos os dias. Filme indicado ao Screen Actors Guild Awards na categoria de Melhor Atriz (Meg Ryan).

Comentários:
A premissa do roteiro é até muito boa, um enfoque mais centrado no problema do alcoolismo como fator de destruição do núcleo familiar, algo até bem comum de acontecer, principalmente em países como o Brasil. O curioso é que ao invés de mostrar esse problema sendo enfrentado pelo marido - como era de se esperar - no filme o alcoolismo atinge a esposa, no caso a personagem Alice Green interpretada por uma jovem e ainda bonitinha Meg Ryan! O filme aliás foi feito para que ela conquistasse o Oscar, mas não deu, nem uma indicação conseguiu arrancar da academia. Assim Andy Garcia cumpre o papel de escada para que sua parceira de cena brilhe no quesito atuação. Talvez por Ryan ser jovem demais ainda ou pelo fato do filme ter sido produzido pela Disney através de seu estúdio Touchstone Pictures, o fato é que "When a Man Loves a Woman" apesar de ser bom, não consegue ir até as últimas consequências envolvendo o tema. Como todos sabemos o alcoolismo é tudo, menos glamouroso. Não seria a Disney que iria a fundo nessa doença, mostrando o seu pior lado. Assim tudo fica no meio termo mesmo, em uma visão um tanto quanto plastificada sobre esse mal que atinge milhões ao redor do mundo. Quem conhece sabe a barra pesada que é, mas a Disney não quis mostrar as entranhas feias desse tipo de coisa, afinal é um estúdio familiar que até topa explorar o alcoolismo, mas claro sem ir fundo demais na ferida.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Pink Floyd - The Endless River

Já que o Rock está mesmo morto e enterrado de uma vez por todas, nada melhor do que esse "lançamento" do Pink Floyd, que promete ser o último CD de uma das maiores bandas de rock progressivo da história. O título "The Endless River" é mais do que adequado já que se refere a um infinito fluir sonoro, algo bem de acordo com o grupo, já que o Pink Floyd, assim como os Beatles, não tem idade e nem ponto fixo na história, pois a cada geração conquista novos fãs, muitos deles nem nascidos quando o grupo inglês desfrutava de seu auge nos anos 1970. Claro que apesar de ser atemporal, o Pink Floyd hoje leva consigo as marcas do tempo. Com um membro falecido, outro aposentado e dois ex-líderes que se odeiam, o Floyd está mais para uma marca comercial do que para um efetivo grupo de amigos tocando juntos novamente.

Por falar nisso a alcunha de "novo álbum do Pink Floyd" não é muito correta, já que a maioria do material presente aqui data dos anos 1990. Não chegaria a chamar o disco de "restos do The Division Bell" como muitos andam escrevendo por aí, mas também não vou qualificar nada de "The Endless River" como novo ou novidade. Em minha forma de entender o Pink Floyd acabou definitivamente em 2008 com a morte do tecladista Rick Wright. Depois disso não há retorno, algo parecido que ocorre com os Beatles, depois da morte de Lennon e Harrison, simplesmente não há mais retorno possível. A história impôs sua força, acabando com velhos sonhos. O tempo é o senhor de tudo é ninguém pode lutar contra esse fato.

David Gilmour sabe muito bem disso e não tem sido desonesto com o público. O disco que é basicamente instrumental (como nos bons velhos tempos do grupo) foi definido por ele como uma "mera conversa musical" entre seus antigos membros em um tempo passado, perdido na memória. A faixa de abertura, "Things Left Unsaid", dá o tom desse ponto de vista. Os teclados de Wright passeiam pelo ar, enquanto a guitarra melodiosa de Gilmour preenche os espaços vazios. Pura "conversação" realmente, só que ao invés de palavras são usadas notas musicais (maravilhosas, diga-se de passagem). Nick Mason também contribui com seu talento. Hoje ele está completamente aposentado, mais preocupado com sua coleção de carros de luxo do que com música. Os registros porém mostram como ele foi um dos melhores bateras da história do rock. "O rio sem fim" do Pink Floyd é isso, um afago nos ouvidos dos ouvintes de fino trato. Em tempos de lixo pipocando nas rádios o tempo todo, o Pink Floyd prova mais uma vez que talento não se encontra em todo lugar, nem em qualquer época.

Pink Floyd - The Endless River (2014)
Things Left Unsaid     
It's What We Do
Ebb and Flow
Sum
Skins    
Unsung     
Anisina    
The Lost Art of Conversation
On Noodle Street
Night Light
Allons-y (1)     
Autumn '68   
Allons-y   
Talkin Hawkin    
Calling
Eyes to Pearls
Surfacing
Louder Than Words
TBS9
TBS14
Nervana

Pablo Aluísio e Erick Steve.

segunda-feira, 17 de novembro de 2014

A Última Bala

Título no Brasil: A Última Bala
Título Original: One In The Chamber 
Ano de Produção: 2012
País: Estados Unidos
Estúdio: Anchor Bay Films
Direção: William Kaufman
Roteiro: Derek Kolstad, Benjamin Shahrabani
Elenco: Cuba Gooding Jr, Dolph Lundgren, Billy Murray, Louis Mandylor

Sinopse:
Depois de ser perseguido ferozmente pelas autoridades dos Estados Unidos, um grupo de criminosos e mercenários resolve ir para a Europa Oriental, onde o mercado negro oferece excelentes oportunidades de trabalho para esse tipo de gente. Uma vez lá começa um perigoso jogo de gato e rato, onde os caçadores se tornam as presas da noite para o dia. Apenas os fortes continuarão de pé ao fim da caçada.

Comentários:
Se tem um ator que foi atingido em cheio pela chamada "Maldição do Oscar" esse foi certamente Cuba Gooding Jr. Ele era apenas um novato no cinema quando levantou a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante pelo filme "Jerry Maguire" em 1996. Depois disso desceu ladeira abaixo e nunca mais conseguiu chegar nem ao menos perto das glórias conquistadas nesse comecinho de carreira. Para piorar começou a aparecer em um monte de filmes B sem importância, tentando emplacar em praticamente todos os gêneros - da comédia pastelão ao policial - mas jamais conseguiu se firmar em nenhum deles. Agora parte para os filmes de ação. O problema é que simplesmente não convence no papel de um atirador de elite e assassino profissional. Se Dolph Lundgren também não estivesse no elenco seria muito complicado convencer um fã de filmes de ação a encarar essa fita, que inclusive não chegou sequer a ser lançada nos cinemas americanos, indo parar diretamente no mercado de DVD e Blu-Ray. Todo rodado na República Tcheca, onde os custos são bem menores, podemos destacar um ou outro momento mais interessante, porém no geral é realmente um filme bem descartável, desses que não irão fazer muita falta em sua coleção. Melhor mesmo rever a franquia "The Expendables".

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Desaparecidas

Título no Brasil: Desaparecidas
Título Original: The Missing
Ano de Produção: 2003
País: Estados Unidos
Estúdio: Revolution Studios, Imagine Entertainment
Direção: Ron Howard
Roteiro: Thomas Eidson, Ken Kaufman
Elenco: Tommy Lee Jones, Cate Blanchett, Evan Rachel Wood

Sinopse:
Samuel Jones (Tommy Lee Jones) decide retornar para sua antiga casa depois de muitos anos cavalgando e se aventurando pelo oeste. Já velho e cansado da vida, ele pretende reconstruir sua relação familiar com a filha Maggie. O problema é que sua família é surpreendida por um criminoso perigoso que acaba sequestrando sua própria neta. Para Sam Jones esse crime não ficará impune. Ao lado da filha ele parte em busca da garota, ao mesmo tempo em que tenciona mandar o facínora sequestrador para o inferno, sem escalas.

Comentários:
Embora não produza mais filmes de faroeste em ritmo industrial como no passado, Hollywood jamais deixou de realizar filmes desse estilo, afinal de contas é o mais americano de todos os gêneros cinematográficos. Esse "The Missing" volta ao velho oeste para contar uma estória edificante, sobre o desespero de uma mãe após ver sua pequena e indefesa filha ser raptada. Nem é preciso lembrar que Cate Blanchett é de fato uma das mais talentosas atrizes de sua geração. Aqui ela está particularmente inspirada pois seu personagem consegue ir do desespero à fúria em questão de segundos. O mesmo se pode dizer do grande Tommy Lee Jones, que encontra um meio ideal para sua personalidade nas telas. É de se lamentar apenas o fato de que o ator poderia estrelar mais westerns em sua carreira, pois possui todas as características dos grandes ídolos do passado que brilharam nesse tipo de filme. Também merece destaque a boa direção de Ron Howard. Muitos não o consideram um diretor mais ousado, preferindo seguir o caminho mais seguro imposto pelos grandes estúdios. Essa afirmação é apenas parte da verdade. Em "The Missing" ele consegue mesclar tensão e suspense em doses exatas. Um belo filme, sem sombra de dúvidas.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 16 de novembro de 2014

Um Novo Amor

Título no Brasil: Um Novo Amor
Título Original: At Middleton
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Anchor Bay Films
Direção: Adam Rodgers
Roteiro: Glenn German, Adam Rodgers
Elenco: Andy Garcia, Vera Farmiga, Taissa Farmiga, Tom Skerritt, Spencer Lofranco

Sinopse:
O Dr. George Hartman (Andy Garcia) é um médico cirurgião cardíaco que decide tirar um dia de folga para levar seu filho, Conrad (Spencer Lofranco), para conhecer o campus da universidade católica de Middleton. Durante a excursão acaba conhecendo a mãe de outra jovem, uma mulher mais do que interessante chamada Edith (Vera Farmiga). Embora ambos sejam casados, logo surge um flerte casual entre eles. Filme vencedor do Boston Film Festival nas categorias de Melhor Ator (Andy Garcia) e Melhor Atriz (Vera Farmiga).

Comentários:
Mais um filme romântico bem interessante e curtível (principalmente se você estiver acompanhado de sua namorada). O enredo de certa forma é bem simples, todo passado em apenas um dia em que os personagens de Garcia e Farmiga vão conhecer o campus onde seus filhos vão estudar. Embora sejam comprometidos logo surge uma química entre eles. O curioso é que possuem personalidades bem distintas. Ela é expansiva, extrovertida, fala pelos cotovelos e parece ter uma incrível alegria de viver, chegando ao ponto até de se tornar inconveniente em público. Ele, por outro lado, é um sujeito bem mais sério, médico respeitado, que se veste e se comporta de maneira bem conservadora. Obviamente seguindo o velho ditado logo compreendemos que os opostos vão inevitavelmente se atrair. Ela resolve até roubar bicicletas para que eles façam um passeio bem divertido pela universidade (que não existe na vida real, sendo que o filme foi praticamente todo rodado na Washington State University, em Pullman). Não podemos deixar de elogiar os roteiristas que criaram situações para uma trama como essa, passada em poucas horas. O problema é que a partir da terça parte final ocorre uma ligeira queda de qualidade simplesmente por faltar mesmo assunto. Mesmo assim, por ser curtinho, o filme não chega a aborrecer. O ator Andy Garcia está produzindo seus próprios filmes, então para ele o que importa realmente é trabalhar em roteiros que realmente acredite. Além disso não é nada mal passar noventa minutos ao lado da atriz Vera Farmiga que aqui se dá ao luxo de contracenar com a própria filha, Taissa Farmiga (a mocinha é simpática, pena que seu personagem não ajude muito). Então é isso, outro filme de romance que apesar dos pesares não incomoda e nem aborrece, apenas diverte de forma bem descompromissada.

Pablo Aluísio e Thaís Albuquerque.

sábado, 15 de novembro de 2014

Trama Internacional

Título no Brasil: Trama Internacional
Título Original: The International
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures
Direção: Tom Tykwer
Roteiro: Eric Warren Singer
Elenco: Clive Owen, Naomi Watts, Armin Mueller-Stahl

Sinopse:
Um agente da Interpol, Louis Salinger (Clive Owen), resolve se aliar com a promotora Eleanor Whitman (Naomi Watts) para desmascarar um grupo do crime organizado infiltrado dentro de uma das mais ricas instituições bancárias do mundo. Através de uma rede de contas internacionais essa quadrilha lava bilhões de dólares ao redor do mundo e não está disposta a abrir mão de suas atividades criminosas. Para isso se torna essencial eliminar a dupla que almeja revelar tudo ao grande público.

Comentários:
Em tempos de crise era de se esperar que o sistema financeiro internacional virasse o vilão número um do cinema. Até porque poucos duvidam que grandes corporações multinacionais acabem financiando de uma forma ou outra grupos terroristas ou governos corruptos ao redor do mundo. Esse é o mote principal desse "The International". O personagem de Clive Owen acaba seguindo o fio da meada e descobre algo estarrecedor. Bilhões viajam pelo sistema para financiar armas usadas em atentados terroristas e opressão de regimes ditadoriais. O filme tem excelentes cenas de ação e o diretor de fotografia Frank Griebe conseguiu algo muito difícil de alcançar: tirar beleza e impacto dos prédios de puro aço e concreto das frias cidades americanas. Ele tirou dos projetos modernos de arquitetura uma identidade para o próprio filme, ultrapassando no caso até mesmo em importância o diretor Tom Tykwer, pois deu um rosto (e até mesmo uma alma) a uma produção que tinha tudo para se tornar tão fria como a arquitetura dos ambientes onde as principais sequências são realizadas. No mais o roteiro vai se desenvolvendo baseado em muitas tramas e conspirações, tudo aliado a bem realizadas cenas de assassinatos, execuções, duelos e suspense. Apesar de muitos considerarem o resultado final um tanto burocrático, considero certamente uma boa diversão para o fim de noite.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Annabelle

Título no Brasil: Annabelle
Título Original: Annabelle
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: John R. Leonetti
Roteiro: Gary Dauberman
Elenco: Ward Horton, Annabelle Wallis, Alfre Woodard

Sinopse:
Um orgulhoso marido resolve presentear sua jovem esposa, colecionadora de bonecas antigas, com Annabelle, que tem um design que lembra antigos brinquedos do século XIX. O problema é que assim que chega em sua nova casa, eventos sobrenaturais começam a acontecer pelos corredores escuros. Para piorar uma estranha presença é sentida nos cantos mais obscuros da residência. Enredo parcialmente baseado em fatos reais.

Comentários:
A boneca Annabelle existe, não é invenção de roteiristas de cinema. Durante os anos 1970 um casal de pesquisadores começou a investigar casos sobrenaturais nos Estados Unidos. Em vários eventos havia peças, imagens ou artefatos (como a própria Annabelle) envolvidos. Entre dezenas de casos envolvendo seitas de adoradores do diabo e grupos estranhos, o da boneca acabou ganhando destaque por causa das muitas mortes envolvidas. Hoje em dia Annabelle se encontra em exposição, mas para desapontamento dos fãs do filme ela não se parece em nada com a boneca em cena. Na verdade é uma boneca de pano comum, com design que lembra até mesmo a personagem Emília do nosso Sítio do Pica Pau Amarelo! Mesmo com aparência tão singela não são poucos o que afirmam que ela de fato carrega uma carga negativa muito estranha, que impressiona até mesmo pessoas incrédulas que chegam perto dela pela primeira vez. De qualquer maneira a história do casal de pesquisadores de eventos sobrenaturais foi muito mais bem desenvolvido no primeiro filme, "Invocação do Mal". Aqui temos apenas os eventos anteriores ao que vimos no primeiro filme. De maneira em geral tudo o que você verá é mera ficção (ao contrário da fita original). De verdade mesmo temos apenas a presença de Annabelle! O que fez tanta gente gostar desse filme é até fácil de explicar. Ao invés de tentar inventar a roda o diretor John R. Leonetti optou por contar uma história tradicional de terror, com jogos de sombras, suspense e clima. A fita em determinados momentos lembra os filmes de terror dos anos 70. Isso fez toda a diferença do mundo. Só esperamos que a boneca não seja ridicularizada nos próximos anos como aconteceu com outro boneco de terror famoso, o Chucky de "Brinquedo Assassino". Isso seria mais prejudicial a ela do que dez exorcismos!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Kinjite - Desejos Proibidos

Título no Brasil: Kinjite - Desejos Proibidos
Título Original: Kinjite - Forbidden Subjects
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: Golan-Globus Productions
Direção: J. Lee Thompson
Roteiro: Harold Nebenzal
Elenco: Charles Bronson, Juan Fernández, Perry Lopez

Sinopse:
O tenente Crowe (Charles Bronson) do departamento policial de Los Angeles está determinado a desmantelar uma perigosa rede de prostituição organizada por criminosos orientais na cidade. Fortemente armado até os dentes está disposto a fazer justiça de todas as maneiras possíveis.

Comentários:
Último filme da carreira do diretor J. Lee Thompson. Em seus últimos anos ele emplacou uma muito bem sucedida parceria com o ator Charles Bronson. Dessa união no cinema surgiram obras como "Dez Minutos Para Morrer" (o melhor em minha opinião), "O Vingador" e "Desejo de Matar 4 - Operação Crackdown". Todos são filmes focados essencialmente em agitadas cenas de ação, geralmente passadas no caos urbano das grandes cidades americanas, onde o crime parece estar fora de controle e sem rumo. Bronson de certa maneira personificou quase sempre o mesmo personagem, a do justiceiro das ruas, o sujeito de bem e honesto que não conseguia mais aguentar a ineficiência do Estado e que por isso resolvia fazer justiça com as próprias mãos. O inimigo aqui é a máfia oriental, que ganha milhões de dólares com o tráfico de seres humanos, garotas bonitas que são literalmente exportadas para os Estados Unidos para faturarem muito no submundo da prostituição. Uma fita que certamente entrega o que promete. Os fãs de Charles Bronson não terão do que reclamar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

John Lennon - (Just Like) Starting Over

Esse foi o último single da carreira de John Lennon. Em poucas semanas ele seria morto na frente do prédio Dakota onde morava em Nova Iorque. A letra resume tudo muito bem. Depois de ficar cinco anos fora dos estúdios de gravação e da vida pública para se dedicar a criação de seu filho Sean, ele retornou para gravar o disco "Double Fantasy" ao lado de Yoko Ono. A maioria das letras são bucólicas, falando de um sujeito normal que curtia a vida de casado ao lado da esposa e do pequeno filho.

Para Lennon os Beatles tinham sido maravilhosos, mas naquela altura de sua vida ele não tinha mais nada a ver com aquele jovem de vinte e poucos anos de franjinha e terninho que virou um ídolo internacional. E por falar em ídolos, Lennon também afastava esse rótulo sempre que era possível pois ele literalmente achava uma bobagem se espelhar em ídolos, fossem da música, da política ou de qualquer outro setor da vida. A figura do ídolo era sinal de imaturidade e de uma mente pouco desenvolvida, como bem salientou em várias entrevistas. Lennon não queria também mais saber das tietes gritantes dos tempos dos Beatles. Em sua forma de ver ele agora cantava para casais adultos, como ele e Yoko e não mais adolescentes ruidosas. Isso ficara para trás definitivamente.

Para John Lennon o que importava naquela fase de sua vida era ficar o mais distante possível desse tipo de gente louca que cultuava ídolos em geral. Ironicamente e desgraçadamente acabou sendo morto por tudo aquilo que tanto rejeitava. De uma forma ou outra o que importava era mesmo ter uma família e viver feliz. Aqui temos também outra ironia do destino. Os Beatles foram considerados por anos os símbolos de uma mudança de perspectiva, de novos tempos, da ideologia hippie e do amor livre, sem culpas e sem amarras. Era a contracultura a todo vapor. Mas os próprios membros do grupo demonstraram que havia muita bobagem nesse tipo de pensamento, uma vez que assim que se estabeleceram nas carreiras foram atrás de vidas completamente conservadoras e quadradas. John se casou ao velho estilo com Yoko e depois foi levar uma vidinha completamente comum de todo Nova Iorquino, indo em restaurantes e andando pelo Central Park de vez em quando. Nada de loucuras, nada de exageros ou maluquices, como pregava a ideologia do Flower Power. No final das contas a tia Mimi e seus conselhos conservadores prevaleceram em sua vida!

(Just Like) Starting Over (John Lennon) - Our life together is so precious together / We have grown, we have grown /  Although our love is still special / Let's take a chance and fly away somewhere alone / It's been too long since we took the time / No-one's to blame, I know time flies so quickly / But when I see you darling / It's like we both are falling in love again / It'll be just like starting over, starting over / Everyday we used to make it love / Why can't we be making love nice and easy / It's time to spread our wings and fly / Don't let another day go by my love / It'll be just like starting over, starting over / Why don't we take off alone / Take a trip somewhere far, far away / We'll be together all alone again / Like we used to in the early days / Well, well, well darling / It's been too long since we took the time / No-one's to blame, I know time flies so quickly / But when I see you darling / It's like we both are falling in love again / It'll be just like starting over, starting over / Our life together is so precious together / We have grown, we have grown / Although our love is still special / Let's take a chance and fly away somewhere.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

sexta-feira, 14 de novembro de 2014

À Procura do Amor

Título no Brasil: À Procura do Amor
Título Original: Enough Said
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Fox Searchlight Pictures
Direção: Nicole Holofcener
Roteiro: Nicole Holofcener
Elenco: Julia Louis-Dreyfus, James Gandolfini, Catherine Keener, Toni Collette

Sinopse:
Eva (Julia Louis-Dreyfus) está divorciada há mais de dez anos. Ela tem uma filha adolescente e ganha a vida fazendo massagens terapêuticas. Sua vida passa longe de ser fácil, já que ela passa o dia todo atendendo clientes, levando sua pesada mesa de massagem para cima e para baixo. Um certo dia conhece casualmente Albert (James Gandolfini), um sujeito também divorciado como ela, já cinquentão, que deseja reconstruir sua vida amorosa. Mesmo sendo aparentemente tão diferentes começam a ter um relacionamento que não será isento de problemas. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Julia Louis-Dreyfus). Também indicado ao Screen Actors Guild Awards na categoria de Melhor Ator (James Gandolfini).

Comentários:
Esse foi um dos últimos trabalhos da carreira do ator James Gandolfini, falecido em 2013. É um filme romântico que explora um tipo diferente de relacionamento envolvendo duas pessoas já cinquentonas, divorciadas, com filhos adolescentes prestes a irem embora fazer faculdade. Com a síndrome do ninho vazio batendo às portas elas resolvem então se dar uma segunda chance, para quem sabe superar os traumas do passado revivendo um novo amor em suas vidas. Julia Louis-Dreyfus (a Elaine Benes da série "Seinfeld") interpreta essa mãe divorciada, mas bastante trabalhadora, que vai vivendo um dia de cada vez na criação de sua filha. As coisas não são fáceis, mas ela vai superando os desafios. Curiosamente acaba tendo como cliente justamente a ex-esposa de seu atual namorado, Albert. Em conversas amigáveis vai descobrindo os podres dele com a antiga esposa, criando uma situação constrangedora, mas também divertida e reveladora da alma humana. O roteiro apresenta ótimos diálogos, em um enredo que nunca chega a cansar o espectador, pelo contrário, apesar de ser despretensioso em si, o filme acaba prendendo a atenção do começo ao fim. Depois dessa produção James Gandolfini realizou apenas mais um filme, "The Drop", que permanece inédito no Brasil. Uma pena que tenha partido tão cedo sendo dono de um grande talento. Aqui mostra mais uma vez que conseguia se sair tão bem em filmes românticos como em séries mais viscerais como "Os Sopranos". Um bela amostra de seu excelente timing dramático.

Pablo Aluísio e Thaís Albuquerque.

quinta-feira, 13 de novembro de 2014

Como não Esquecer essa Garota

Título no Brasil: Como não Esquecer essa Garota
Título Original: Remember Sunday
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: American Broadcasting Company (ABC)
Direção: Jeff Bleckner
Roteiro: Michael Kase, Barry Morrow
Elenco: Alexis Bledel, Zachary Levi, Merritt Wever, Barry Shabaka Henley
  
Sinopse:
Gus (Zachary Levi) casualmente conhece durante um café da manhã a simpática e bonita Molly (Alexis Bledel), uma jovem estudante que pretende um dia ter maior autonomia em sua vida pessoal. Atualmente ela tenta superar um relacionamento ruim com um ex-namorado problemático, enquanto tenta pagar suas despesas, sempre enrolada em manter suas contas descontroladas em dia. O que começa com um flerte casual acaba ganhando novos contornos quando Gus lhe convida para sair. O que Molly não sabe é que ele tem um importante segredo a esconder.

Comentários:
Bom romance estrelado pela gatinha Alexis Bledel. Talvez alguns não ligarão imediatamente o nome à personagem, mas quem curte seriados a reconhecerá imediatamente pois ela foi a atriz que fez grande sucesso interpretando Rory Gilmore em "Gilmore Girls" da Warner. Pois bem, nesse filme romântico ela tem um desafio e tanto pela frente. Seu novo caso amoroso, o jovem Gus, tem um complicado problema de saúde. Após sofrer um aneurisma cerebral ele perde completamente a chamada memória de curto prazo, fazendo com que ele acorde todas as manhãs sem se lembrar de nada do que aconteceu no dia anterior. Como manter um namoro com alguém nessa situação crítica? Para piorar o namorado esconde essa situação no começo do relacionamento, o que faz com que ele praticamente a veja pela primeira vez todo dia que a reencontra! Para não esquecer de quem ela se trata, ele também precisa anotar tudo o que vivenciou antes ao seu lado, o que traz inúmeros problemas, como por exemplo, pensar que sua melhor amiga é na verdade a sua própria namorada! Imagine a saia justa! Filme simpático, diria até sensível. Esse tema fará você lembrar de uma comédia com a Drew Barrymore chamada "Como se Fosse a Primeira Vez", mas apesar dos argumentos parecidos são filmes bem diferentes, pois aqui tudo é mais focado mesmo no romance improvável dos protagonistas. Não é um roteiro para se fazer rir como o anterior, mas vale bem a pena conhecer.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 11 de novembro de 2014

Jumanji

Título no Brasil: Jumanji
Título Original: Jumanji
Ano de Produção: 1995
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Joe Johnston
Roteiro: Jonathan Hensleigh, Greg Taylor
Elenco: Robin Williams, Kirsten Dunst, Bonnie Hunt, Bradley Pierce
 
Sinopse:
Dois garotinhos encontram um jogo mágico, capaz de alterar as leis do universo em que conhecemos, os jogando no meio de uma grande e inesquecível aventura! Filme vencedor da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Atriz Coadjuvante (Bonnie Hunt) e Melhores Efeitos Especiais. Também indicado nas categorias de Melhor Filme de Fantasia, Melhor Ator (Robin Williams) e Melhor Direção (Joe Johnston).

Comentários:
Segue sendo um dos mais queridos filmes da carreira de Robin Williams. Na época de seu lançamento foi acusado de ser uma produção meramente usada como desculpa para um desfile de avançados efeitos especiais de última geração. Na verdade grande parte do impacto do filme realmente é proveniente de seu visual, mas não é só isso que podemos elogiar. A fita pode ser encarada como uma bela tentativa de resgatar o espírito das antigas matinês, onde filmes de aventuras e muita imaginação faziam a festa da garotada que lotava os cinemas nas décadas de 1940 e 1950. Além disso vamos convir que Robin Williams era de fato muito carismático, conseguindo muitas vezes levar um filme apenas mediano nas costas até o fim. Nesse "Jumanji" o roteiro realmente deixa a desejar em certos aspectos, mas nem isso tira seu charme de puro entretenimento. Para o estúdio também foi uma bela aposta pois a produção acabou enveredando para outros produtos, virando livro, álbum de figurinhas, quadrinhos e até um bem sucedido jogo de videogame (ironicamente a indústria de games iria superar a do cinema em faturamento poucos anos depois). De uma forma ou outra o cineasta Joe Johnston procuraria manter o velho espírito em filmes posteriores dele, em especial os bons "Jurassic Park III" (também com farto uso de animais digitais), "Mar de Fogo" (uma aventura ao velho estilo) e "Capitão América: O Primeiro Vingador" (novamente flertando com o mundo dos quadrinhos). Em suma, "Jumanji" é isso mesmo, pura diversão para todas as idades.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.