sábado, 29 de junho de 2013

A Identidade Bourne

Esse foi o primeiro filme da franquia Bourne. Com toques de James Bond e muita ação os filmes Bourne fizeram grande sucesso e lançaram o ator indie Matt Damon no rol dos heróis de Action Movies. Não há como negar que todos os três filmes da série são bem realizados, bem roteirizados, com ótimo enfoque na mais pura ação. Como se sabe o gênero ação vive sua fase de ouro desde a década de 80 e segue colecionando ótimas bilheterias todos os anos, sendo que se formos analisar bem praticamente todos os blockbusters de Hollwyood atualmente são de ação (até mesmo os filmes de super-heróis). Praticamente não existem exceções. Mas voltemos a Bourne. Jason Bourne (Matt Damon) acorda de repente no meio do nada, sem memória e sem saber direito quem é. Em posse de um código, que parece ser um número relativo a uma conta bancária na Suíça, ele cruza a Europa e os Estados Unidos em busca de respostas. Como todos já sabemos Bourne é um agente especial de um programa ultra-secreto do governo americano que treina apenas a elite da elite.

Matt Damon se preparou bastante para o papel, afinal esse é o tipo de filme que era uma completa novidade para ele, uma vez que construiu sua carreira em cima de filmes mais alternativos, dramas em essência. Virar um astro de filmes de ação não é para qualquer um. Conforme explicou depois em entrevistas de promoção da fita ele treinou arduamente artes marciais para se sair bem em cena. Em muitas cenas – como a luta dentro do apartamento – literalmente dispensou dublês, realizando ele próprio toda a coreografia do confronto contra seu oponente. A produção de “A Identidade Bourne” foi cara e complicada pois o filme foi filmado em diversas locações, em países diferentes. O diretor Doug Liman também nunca tinha feito nada no gênero ação, sendo seus filmes anteriores pertencentes a outros estilos. Houve um tipo de atrito inicial entre Damon e o estúdio pouco antes do começo das filmagens pois resolveu-se mudar o roteiro da noite para o dia. “Esse não foi o filme que eu topei fazer” – avisou Damon, deixando claro que abandonaria o projeto caso o roteiro fosse modificado de última hora. Depois de muitas negociações ele e o diretor Doug Liman conseguiram então impor a primeira versão do texto, que é justamente essa que o espectador conferiu nos cinemas. Assim deixamos a dica do primeiro filme Bourne – caso você seja jovem demais para conhecer que tal uma maratona nesse fim de semana com toda a trilogia? Pode ser uma boa pedida, sem dúvida.

A Identidade Bourne (The Bourne Identity, EUA, 2002) Direção: Doug Liman / Roteiro: Tony Gilroy, W. Blake Herron / Elenco: Matt Damon, Franka Potente, Chris Cooper / Sinopse: Jason Bourne (Matt Damon) é um super agente da CIA que acorda sem memória. Agora terá que correr contra o tempo para entender a complexa rede de interesses no qual está supostamente envolvido.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 28 de junho de 2013

K-19: The Widowmaker

Apesar de não ter dirigido o filme esse foi um dos projetos mais pessoais de Harrison Ford. Ele entrou depois que o estúdio já havia começado a pré-produção do filme mas assim que aceitou participar do elenco começou também a exigir mudanças. As primeiras foram no roteiro que não agradavam a Ford. O texto original era baseado em um fato real ocorrido com um submarino nuclear soviético perto da costa dos Estados Unidos. Um fato histórico que quase levou as duas nações a um conflito armado. Ford porém não gostou desse enfoque e pediu que alterações fossem feitas. Nessa modificação certamente “K-19” perdeu em realidade e fidelidade histórica mas também ganhou em aventura e agilidade. Outro problema surgiu quando Harrison Ford decidiu que interpretaria seu personagem, um oficial da marinha vermelha, com forte sotaque russo! O estúdio não concordava com a decisão pois isso poderia prejudicar o filme comercialmente, mas Ford não deu ouvidos.

No meio de tantas intervenções do astro principal no filme (ele chegou até mesmo a implicar com o material promocional do filme), o estúdio não teve outra alternativa a não ser aceitar tudo de forma passiva. Afinal Harrison Ford era um dos maiores campeões de bilheteria da história do cinema americano e tinha certamente força para fazer impor sua vontade. Quando o filme finalmente foi lançado porém as expectativas logo se transformaram em decepções. O público não comprou a idéia do filme e “K-19”, assim como o submarino que retratava em seu enredo, afundou de forma desastrosa nas bilheterias. A verdade é que o filme não empolga, não convence. Ford está especialmente ruim em sua caracterização mais parecendo um lunático do que um oficial graduado das forças armadas soviéticas. Junte-se a isso os problemas de ritmo e as forçadas de barra do roteiro. “K-19” também foi alvo de criticas por parte dos familiares dos marinheiros mortos no evento real e dos veteranos da marinha que acharam tudo um grande desrespeito. Definitivamente foi uma película de guerra que não deu muito certo.

K-19: The Widowmaker (Idem, EUA, 2002) Direção: Kathryn Bigelow / Roteiro: Louis Nowra, Christopher Kyle / Elenco: Harrison Ford,  Liam Neeson, Sam Spruell, Peter Stebbings, Christian Camargo / Sinopse: Submarino das forças armadas russas é levado a uma missão onde testará todos os seus limites, colocando EUA e o império vermelho em rota de colisão. Baseado em fatos reais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A-ha – Memorial Beach

Nem sempre os melhores álbuns se tornam necessariamente sucessos de vendas. Um dos maiores exemplos disso é “Memorial Beach”, um dos discos mais bem produzidos e realizados do grupo norueguês A-ha, que a despeito de sua grande qualidade musical literalmente afundou nas paradas. Para se ter uma idéia o álbum não conseguiu se destacar nem nas paradas da Alemanha e Inglaterra, dois fortes redutos de fãs do grupo. Porque isso aconteceu? Muitos atribuem o fato à pouca divulgação que o disco teve em seu lançamento, já outros acreditam que seu resultado comercial pífio foi resultado das próprias músicas presentes no álbum pois tinham pouca vocação comercial, sendo em sua grande maioria faixas mais românticas, ternas, que em pouco lembravam os hits radiofônicos dos discos anteriores do grupo. De uma forma ou outra “Memorial Beach” acabou mesmo sendo ignorado pelo grande público, circulando apenas entre os fãs mais fieis ao A-ha.

Deixando a questão meramente comercial de lado e analisando o trabalho apenas em seu lado artístico não há como negar que “Memorial Beach” é sem dúvida um dos melhores discos do A-ha. As canções, todas extremamente bem escritas e executadas, levam o ouvinte a realmente se sentir numa praia durante um entardecer preguiçoso. Há grandes baladas aqui, todas com melodias inspiradas, sem qualquer pressa de chegarem ao fim. O clima relaxante e romântico dita o tom de todas as demais músicas. Isso porém não quer dizer que haja apenas baladas. “Move to Memphis”, por exemplo, é ótima, ideal para dançar e se divertir. Curiosamente o disco foi gravado em um frio e isolado estúdio localizado nos arredores de Minneapolis, o que deve ter contribuído ainda mais para o clima soturno de “Memorial Beach”. Enfim, fica a dica para quem não conhece e pensa que o A-ha é apenas um grupo vocacionado para sucessos descartáveis de FM. Eles são bem mais do que isso e “Memorial Beach” prova isso muito bem.

A-ha - Memorial Beach (1993)
Dark Is the Night for All
Move to Memphis
Cold as Stone
Angel in the Snow
Locust
Lie Down in Darkness
How Sweet It Was
Lamb to the Slaughter
Between Your Mama and Yourself
Memorial Beach

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 27 de junho de 2013

Encontro às Escuras

Bruce Willis já foi um ator bacana. Muita gente não consegue mais dissociar sua imagem dos filmes de ação mas lá no comecinho de sua carreira Willis era basicamente um ator especializado em personagens de humor, geralmente usando seus maneirismos de sujeito cínico e bonachão. O maior exemplo disso vem do grande papel de sua vida, aquele que efetivamente o tornou conhecido. Foi na série “A Gata e o Rato” que Bruce Willis virou um astro da TV. Na época ele era apenas um ator desconhecido que conseguia participações sem muita importância nas séries de sucesso “Miami Vice” e “Além da Imaginação”, nada de muita relevância ou digno de nota. Para se ter uma idéia Willis teve que vencer centenas de candidatos pelo papel de David Addison em “A Gata e o Rato”. Como na época ele era um desconhecido foi para a fila de testes, debaixo do sol, enfrentando a concorrência de uma multidão, como todo ator desempregado em busca de trabalho em Hollywood. A sorte porém lhe sorriu e após 66 episódios ele estava conhecido do grande público pois o seriado se tornou um grande sucesso de audiência (chegou inclusive a ser exibido por vários anos pela Rede Globo em horário nobre).

Pois bem, depois de todo esse sucesso o caminho natural era realmente tentar fazer a complicada transição para o cinema. E foi justamente esse “Encontro às Escuras” o primeiro passo de Bruce Willis na sétima arte. Eu já era fã dele naquela época por causa de “A Gata e o Rato” e obviamente fui ao cinema para conferir como o ator estava se saindo agora na telona. Tive que reconhecer que o filme em si não teve muita repercussão. Aqui no Brasil foi lançado de forma até muito modesta em poucas salas. Também não era um blockbuster ou um filme de enorme potencial de bilheteria, era em essência apenas uma comédia romântica bem leve estrelado por um ator de TV e pela atriz Kim Basinger, como sempre tentando se livrar de seu marcante papel de “Nove Semanas e Meia de Amor”.  O resultado do que se vê na tela é apenas razoável. Bruce Willis só encontraria o caminho definitivo em sua carreira ao ir para o nicho dos filmes de ação no ano seguinte. Depois de “Duro de Matar” sua vida não seria definitivamente mais a mesma. Mas isso é uma outra história...

Encontro às Escuras (Blind Date, EUA, 1987) Direção: Blake Edwards / Roteiro: Dale Launer / Elenco: Kim Basinger, Bruce Willis, John Larroquette / Sinopse: Walter Davis (Bruce Willis) é um sujeito viciado em trabalho. Essa obsessão em ser o melhor no mundo dos negócios literalmente destruiu sua vida pessoal e sentimental. Agora ele necessitará urgentemente de uma companhia para um importante jantar de negócios. A escolhida acaba sendo Nadia Gates (Kim Basinger). Mal sabe Walter na enrascada em que está se metendo.

Pablo Aluisio.

quarta-feira, 26 de junho de 2013

A.I. Inteligencia Artificial

O projeto nasceu inicialmente como uma parceria entre dois grandes diretores, Steven Spielberg e Stanley Kubrick. Ambos queriam trabalhar juntos, se admiravam e por essa razão desenvolveram a adaptação do famoso conto chamado “Superbrinquedos Duram o Verão Inteiro” de Brian Aldiss. Foi um processo longo e demorado, por dez anos Spielberg e Kubrick trocaram notas, idéias e opiniões até que infelizmente, poucos meses antes do começo das filmagens, Kubrick morreu. Para Spielberg foi um choque pois tudo estava certo para que Stanley dirigisse o filme, com produção executiva do próprio Steven. De inicio o diretor resolveu cancelar tudo mas depois de uma conversa muito franca com a viúva de Kubrick decidiu voltar atrás. Era muita coisa para se jogar fora da noite para o dia. Além disso o projeto estava concluído e era de fato a última visão do mestre Kubrick no cinema. Em honra de sua memória Spielberg resolveu arregaçar as mangas e partir para as filmagens, afinal seria não apenas a concretização de um projeto de dez anos mas também uma homenagem ao seu mentor.

O enredo conta a estória de dois andróides em busca de suas próprias humanidades. O cenário é um futuro caótico, sem esperanças, em um planeta atolado em lixo e caos. Tecnicamente “A.I. Inteligência Artificial” é simplesmente perfeito. Ótimos efeitos especiais, figurinos criativos, cenários inspirados. Seu roteiro também é bem inteligente, tratando de temas intrigantes. O problema é que antes das filmagens começarem Spielberg mexeu mais uma vez no texto e resolveu criar uma extensão na estória adaptada por Kubrick. Por isso o espectador acabou ficando com a impressão de que o filme na realidade tinha dois finais – aquele escrito por Kubrick e um mais adiante escrito por Spielberg. Ninguém duvida que Steven Spielberg é um dos grandes gênios da história do cinema mas aqui ele realmente se equivocou. Deveria ter filmado tal como Stanley Kubrick deixou o roteiro antes de partir. Spielberg errou ao tentar explicar demais ao público, algo que Kubrick não queria, pois seu final deixava tudo em aberto, para a imaginação do espectador. Já Spielberg foi além do necessário tirando nesse processo parte do impacto de A.I. Mesmo assim, com esses problemas, o filme ainda vale a pena. É uma ficção acima da média embora nunca tenha de fato se tornado uma unanimidade.

A.I. Inteligência Artificial (Artificial Intelligence: AI, EUA, 2001) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Steven Spielberg, Ian Watson e Stanley Kubrick (não creditado), baseados no conto "Supertoys Last All Summer Long" de Brian Aldiss / Elenco: Haley Joel Osment, Jude Law, William Hurt, Frances O'Connor, Sam Robards / Sinopse: Dois andróides tentam entender sua existência em um mundo futurista dominado pelo caos e desordem.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 25 de junho de 2013

Miss Simpatia

Eu realmente nunca entendi como a Sandra Bullock virou uma estrela de primeira grandeza, com cachês milionários e destaque no mundo do cinema. Para falar a verdade sempre considerei sua filmografia muito abaixo do razoável. Grande parte de seus filmes são realmente bem bobinhos, alguns até admito que são divertidos, mas nada para se ter o status que ela tem dentro da indústria. Não que eu tenha antipatia por ela, longe disso, mas realmente não há como negar que ela fez sua carreira estrelando uma bobagem atrás da outra. Um exemplo é esse “Miss Simpatia” que fez tanto sucesso que até virou franquia! Mas afinal qual é o segredo dessa moça? Assistindo essa comédia descobrimos algumas pistas. A Bullock nunca fez o gênero das grandes musas do cinema, ela na verdade rema em outra maré. Seu jeito de garota despojada, quase moleca, sem nenhuma sofisticação é o seu grande charme em relação ao público. Muitas mulheres se identificam com ela por essa razão.
   
“Miss Simpatia” aliás investe justamente nisso, no choque que surge entre uma garota durona e o mundo fútil e artificial dos concursos de misses! É a tal coisa, choques de realidades geralmente são divertidos e engraçados e o roteiro do filme foi todo escrito aproveitando essa premissa. Sandra Bullock aqui interpreta uma policial rude e machona que acaba tendo que se disfarçar de miss para desvendar um crime ocorrido em um dos principais concursos de beleza dos EUA. O jeito sulista de Bullock então cai como uma luva para o enredo que explora exatamente a diferença existente entre o seu jeito de ser e as regras que norteiam a vida dessas dondocas e beldades. Não posso dizer que o filme é todo ruim porque há sim seqüências divertidas e engraçadas mas nada que justifique a grande bilheteria que essa comédia teve em seu lançamento. O público simplesmente adorou o jeito cafona e mal educada, além da risada de “porquinha” da personagem de Bullock! Agora uma coisa deve-se reconhecer: nada é mais engraçado no filme inteiro do que ver o eterno Capitão Kirk, o ator William Shatner, pagando mico como apresentador de concurso de misses! É realmente de rolar de rir... Por essa nem o Dr. Spock esperava...

Miss Simpatia (Miss Congeniality, EUA, 2000) Direção: Donald Petrie / Roteiro: Marc Lawrence, Katie Ford / Elenco: Sandra Bullock, Michael Caine, Benjamin Bratt, William Shatner / Sinopse: Gracie Hart (Sandra Bullock) é uma policial que precisa se infiltrar em um fútil e frívolo concurso de miss para solucionar um caso dos mais complicados.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Um Crime Americano

O abuso doméstico é uma realidade cada vez mais comum nas sociedades. Usando do poder de mando dentro das famílias certas pessoas ultrapassam todos os limites da decência e do bom senso. É justamente esse o tema central desse “Um Crime Americano”. O roteiro é baseado em fatos reais e mostra o inferno em que entraram duas jovens que são colocadas por seus pais em um lar provisório enquanto eles tentam ganhar a vida (pois trabalham em feiras itinerantes que não propiciam estabilidade e segurança para as garotas). O problema é que a mulher com quem ficam é literalmente uma louca sádica que não perde a chance de promover espancamentos por qualquer motivo que seja. Em troca de 20 dólares semanais ela se propõe a tomar conta das garotas mas qualquer desvio por parte delas é severamente punido, qualquer mínimo deslize não escapa das piores punições, inclusive físicas e psicológicas. Uma verdadeira sádica sem limites.

O curioso é que certos aspectos da história real foram amenizadas, o que deixa qualquer espectador mais atento impressionado, pois o que é mostrado em cena já parece ser violento o bastante. O filme aposta em um realismo brutal mas sem expor o público a cenas explicitas demais de espancamentos e abusos. O diretor muitas vezes prefere apenas sugerir do que escancarar aos olhos dos que assistem ao filme toda a crueza sórdida da situação enfocada. O grande destaque do elenco vai para a sempre talentosa Ellen Page. Quem acompanha sua carreira tem pleno conhecimento de seu grande carisma e talento. Quando tem bom material em mãos para trabalhar Page se saí realmente bem, algo que se repete aqui pois a humanidade que traz para seu personagem é um dos grandes trunfos da produção. “Um Crime Americano” é um filme bastante relevante, pois mostra um tema importante. Seu roteiro também serve como uma denúncia dos absurdos que podem acontecer dentro de quatro paredes. Um alerta mais do que importante para toda a sociedade.

Um Crime Americano (An American Crime, EUA, 2007) Direção: Tommy O'Haver / Roteiro: Tommy O'Haver, Irene Turner / Elenco: Ellen Page, Hayley McFarland, Nick Searcy / Sinopse: O filme narra a história real de Gertrude Baniszewski, uma dona de casa sádica que promoveu diversos abusos contra uma garota menor de idade durante a década de 1960 em Indiana, Estados Unidos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Fuga à Meia Noite

Nem só de grandes clássicos vivem os grandes atores. Um exemplo é esse policial “Fuga à Meia Noite” estrelado por Robert De Niro. Hoje em dia o ator vive uma fase negligente na carreira, estrelando filmes medíocres, comédias bobas que nada acrescentam a ele, mas na década de 80 De Niro ainda era visto como um dos monstros sagrados da interpretação. Por isso a surpresa quando chegou nos cinemas esse policial sem grandes novidades, praticamente rotineiro, que pensando bem poderia ser estrelado por qualquer outro ator especializado em filmes de ação. Na época De Niro explicou que era necessário fazer de vez em quando filmes assim, mais simples, menos pretensiosos. Sempre interpretei essa postura dele como uma espécie de válvula de escape, afinal não era todo dia que se podia estrelar um “Touro Indomável” ou um “Poderoso Chefão II”. Na verdade temos aqui uma fita descartável, ideal para o mercado de vídeo. Seu nome ajudaria a vender a produção, o espectador se divertiria um pouco em casa e depois esqueceria do que viu.

Como você já deve ter percebido a trama é das mais comuns. Robert De Niro interpreta o ex-policial Jack Walsh. Sua missão é levar um contador especializado em fraudes financeiras, Jonathan "The Duke" Mardukas (Charles Grodin), de Nova Iorque até Los Angeles. Seu objetivo não será nada fácil uma vez que Mardukas tem sua cabeça à prêmio por ter enganado famílias mafiosas poderosas. Isso significa que não será uma viagem das mais tranqüilas. “Fuga à Meia Noite” tem muitos clichês em seu roteiro batido. Robert De Niro, como não poderia deixar de ser, está obviamente no controle remoto. Ele certamente sabia que o material era de rotina e por isso não se esforçou muito. O diretor Martin Brest era especialista em fitas assim, policiais com bastante ação. Seu grande sucesso até aquele momento era “Um Tira da Pesada”. De Niro, por sua vez, certamente estava em procura de algo nessa linha, um filme policial com toques de humor que rendesse bastante bilheteria. Se essa era a sua intenção então não deu muito certo pois “Fuga à Meia Noite” teve um retorno comercial apenas morno.

Fuga à Meia-Noite (Midnight Run, EUA, 1988) Direção: Martin Brest / Roteiro: George Gallo / Elenco: Robert De Niro, Charles Grodin, Yaphet Kotto / Sinopse: Ex-policial tenta levar um contador jurado de morte pela máfia de Nova Iorque até Los Angeles.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Terceiro Tiro

“O Terceiro Tiro” é um filme bem diferente da carreira do grande diretor Alfred Hitchcock. A impressão que o espectador tem ao assistir a essa produção é a de que o cineasta estava acima de tudo se divertindo muito, o que não é de se admirar uma vez que o enredo – em tom de humor negro – brincava o tempo todo com uma situação bem inusitada e bizarra. O título original do filme, “The Trouble with Harry” (O Problema Com Harry), era bem mais explicativo do que o equivocado nome nacional que os distribuidores brasileiros arranjaram. Pois bem, e qual seria o problema com Harry? E afinal, quem diabos era Harry?! Ora, Harry era um cadáver abandonado em um bosque. Isso mesmo que você leu. O roteiro se baseia justamente nisso. Um corpo é encontrado sucessivamente por várias pessoas em ocasiões diferentes e todas elas procuram esconder o fato dos demais. Isso porque nenhum deles tem exatamente certeza sobre as circunstâncias da morte de Harry e algumas até pensam ter alguma culpa no cartório sobre isso. Achou tudo muito bizarro? Estranho? Claro que sim.
  
Harry acaba sendo encontrado por um garotinho, por sua mãe, pela ex-esposa, por uma jovem e até por um capitão. Todos eles agem até com uma certa indiferença ao fato do morto estar ali estendido no chão entre as folhas e o roteiro arma toda uma situação de puro humor negro sobre isso para divertir o espectador. O velho Hitchcock costumava dizer que “O Terceiro Tiro” era um de seus filmes preferidos. Ele atribuía isso ao fato do argumento ser muito diferente de suas outras produções, com acentuado clima de humor negro. Some-se a isso a bela fotografia de Vermont, um dos lugares mais bonitos e pacatos dos EUA. Essa ironia entre uma estória absurdamente sombria e a beleza do lugar acentua ainda mais o ótimo resultado final. Outro ponto a se destacar é o fato da película ser a primeira da carreira de Shirley MacLaine no cinema. Jovem e bonita, ela interpreta Jennifer Rogers, uma das pessoas que também se deparam com Harry na floresta! Enfim, “O Terceiro Tiro” é indicado para os que desejam conhecer um outro lado do mestre do suspense. Seu humor definitivamente não era convencional mas certamente poderia ser considerado de fato genial. Que tal rir um pouco com Alfred Hitchcock?

O Terceiro Tiro (The Trouble with Harry, EUA, 1955) Direção: Alfred Hitchcock / Roteiro: John Michael Hayes, baseado no livro de Jack Trevor Story / Elenco: Shirley MacLaine, Edmund Gwenn, John Forsythe, Mildred Natwick / Sinopse: O corpo de Harry é encontrado em um bosque por várias pessoas. Todas acabam pensando ter algo a ver com sua morte.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 24 de junho de 2013

U-571 - A Batalha do Atlântico

Durante a II Guerra Mundial a marinha alemã se destacou por sua grande e poderosa frota de submarinos. Era de fato a espinha dorsal do reich nos mares. Após inúmeras operações um desses submarinos acaba ficando inoperante no Atlântico após ser severamente atacado por navios ingleses. Suas mensagens de socorro acabaram sendo interceptadas pelos serviços de inteligência dos aliados que imediatamente mandam um submarino americano ao local. A intenção é se fazer passar por alemães com o objetivo de colocar as mãos em uma máquina de códigos extremamente importante para as forças armadas inimigas. De posse da chamada “Enigma” os americanos poderiam a partir daí decifrar todos os códigos de ordem das operações militares envolvendo as forças alemãs, algo vital para vencer as tropas de Hitler nos campos de batalha.

Após assistir a “U-571 - A Batalha do Atlântico” não há outra conclusão. Se trata realmente de um dos melhores filmes de guerra mostrando operações navais de submarinos no cinema. Embora o filme não seja historicamente 100% correto, não há como negar que é uma produção excelente. Na época de seu lançamento houve de fato uma certa controvérsia envolvendo os veteranos ingleses que afirmaram que o papel dos americanos não tinha sido tão vital na operação como vemos no filme mas isso é o que menos importa ao espectador. Para quem procura um bom entretenimento o filme funciona excepcionalmente bem. O elenco é liderado por Matthew McConaughey. Hoje em dia ele estrela uma comédia romântica boba atrás da outra mas na época ainda era considerado um ator promissor. Ao seu lado se saem bem melhor Bill Paxton e Harvey Keitel. Particularmente gosto muito do estilo do diretor Jonathan Mostow. Ele tinha desenvolvido um trabalho maravilhoso com a série “Da Terra à Lua” na TV mas errou ao se envolver com a terceira parte da franquia “O Exterminador do Futuro” em um filme que acabou não agradando a ninguém. De uma forma ou outra fica a recomendação desse ótimo filme naval, que resgata uma das missões mais importantes de toda a segunda grande guerra mundial.

U-571 - A Batalha do Atlântico (U-571, EUA, 2000) Direção: Jonathan Mostow / Roteiro: Jonathan Mostow / Elenco: Matthew McConaughey, Bill Paxton, Harvey Keitel / Sinopse: Após ficar a deriva em alto-mar um submarino alemão vira o alvo de uma importante missão americana que procura colocar as mãos em uma máquina decodificadora de códigos que se encontra dentro dele.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Trilha

Para se realizar um bom filme de suspense psicológico não basta apenas reciclar velhos clichês. Essa é a conclusão que se chega após assistir a esse “A Trilha”. O filme tem no elenco a atriz e modelo Milla Jovovich da franquia “Resident Evil”. Ao seu lado surgem dois astros da TV, o comediante Steve Zahn (que está excelente na serie “Treme” da HBO) e Timothy Olyphant (que interpreta o agente federal durão Raylan Givens da boa série policial “Justified” do canal FX). Apesar dos nomes envolvidos não espere grande coisa de “A Trilha”. No enredo acompanhamos um casal de praticantes de esportes radicais (aventureiros de fim de semana como são chamados) que em lua de mel pelo Havaí acaba descobrindo da pior maneira que seguir trilhas adentro no meio da natureza envolvem muitos riscos, inclusive de segurança, já que bem no meio da aventura se deparam com psicopatas perigosos.

O roteiro usa e abusa de clichês que já conhecemos bem. Nem todos parecem ser o que aparentam e as cenas de tensão e terror se sucedem sem muita inspiração. Há muito apelo para o simples e puro mau gosto sensacionalista (afinal quem levaria a sério alguém que coleciona dentes?) e problemas de interpretação, com destaque para a inexpressiva Milla Jovovich que até hoje nunca convenceu em papel nenhum de sua carreira. E não seria em um filme raso desses que alcançaria sua redenção profissional. De bom se salva apenas o belo cenário do Havaí, que realmente é lindo, de encher os olhos. No mais nada de novo em cena. “A Trilha” foi dirigido por David Twohy, que já havia dado ao público Sci-fi os bons “Eclipse Mortal” e “A Batalha de Riddick” mas que ultimamente não tem acertado muito bem a mão (vide o fraco “Submersos”). Esse certamente é um de seus mais convencionais e decepcionantes filmes. Espero que volte ao bom caminho em sua próxima produção, “Riddick”, que está em fase de conclusão.

A Trilha (A Perfect Getaway, EUA, 2009) Direção: David Twohy / Roteiro: David Twohy / Elenco: Steve Zahn, Timothy Olyphant, Milla Jovovich / Sinopse: Casal em férias no Havaí acaba caindo nas mãos de terríveis psicopatas.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Rocky Balboa

A década de 90 foi bem complicada para Stallone. Ao contrário dos anos 80 quando ele se tornou o astro número 1 do cinema americano, na década seguinte ele enfrentou uma série de incríveis fracassos comerciais, algo que era impensável para um campeão de bilheteria como ele. Assim depois de muitos anos Stallone resolveu apostar novamente no certo e seguro e isso significava voltar aos seus mais populares personagens do passado, entre eles o lutador Rocky Balboa. O último filme havia sido lançado há 16 anos mas Stallone ainda acreditava na força da franquia. Aqui encontramos Rocky Balboa como uma sombra do campeão que um dia foi. Ele tem um pequeno restaurante de comida italiana onde entretém os fregueses contando histórias de sua carreira. Está completamente aposentado e sente falta de sua esposa, Adrian, que morreu de câncer após uma prolongada luta pela vida. O velho campeão sente-se abandonado e esquecido, algo muito comum na vida de esportistas em geral. Uma vez passada a época de glórias sobra apenas o ostracismo dos últimos anos.

A sorte para Rocky muda porém quando o atual campeão de pesos pesados, Mason 'The Line' Dixon (Antonio Tarver) decide lutar contra ele em uma exibição promocional. No fundo Dixon está revoltado por causa de um jogo de simulação em que ele luta contra Rocky e perde. O programa usa as características dos lutadores reais e o resultado se mostra favorável ao antigo campeão Balboa. Para mostrar que isso não tem compatibilidade com o mundo real ele decide subir ao ringue para enfrentar Rocky. Esse como não tem mais nada a perder decide aceitar o desafio. A partir daí não precisa ser vidente para saber o que vai acontecer. Quem já assistiu a algum filme da série Rocky já prevê de antemão que o lutador vai competir até o limite de suas forças físicas, mesmo que o preço a pagar seja muito alto. Não há como negar que “Rocky Balboa” seja um bom filme. Stallone soube muito bem tirar proveito das principais características que fizeram desse personagem um ícone do cinema. Só espero que ele agora deixe o velho Balboa em paz pois essa continuação tardia serve muito bem como uma digna despedida para a franquia. Bem melhor do que o obtuso Rocky V, esse sim um filme bem abaixo do esperado.

Rocky Balboa (Idem, EUA, 2006) Direção: Sylvester Stallone / Roteiro: Sylvester Stallone / Elenco: Sylvester Stallone, Burt Young, Antonio Tarver / Sinopse: Atual campeão de pesos pesados decide subir ao ringue para desafiar um antigo campeão aposentado, Rocky Balboa. Ele quer provar que pode derrotar também a lenda do boxe do passado.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 23 de junho de 2013

Inimigos de Sangue

Logo na primeira cena temos uma idéia do que virá. Um grupo de assaltantes de bancos extremamente armados escapa após uma bem sucedida operação. Em seu encalço vai o tira Max Lewinsky (James McAvoy). Ele está sozinho, pois por um golpe de sorte descobriu os planos da operação mas não houve tempo de chamar reforços, mesmo assim decide seguir em frente para pegar os bandidos, que agora fogem em velozes motocicletas. Após encurralar o grupo ele consegue derrubar da moto o líder do grupo, Jacob Sternwood (Mark Strong), um foragido da justiça. Logo partem para o confronto físico mas o policial Max acaba sendo atingido no joelho por um tiro certeiro. Jacob escapa ileso. Três anos depois Max é praticamente um inválido pois uma sucessão de cirurgias o fez ficar dependente de dolorosas injeções em seu joelho. Mas algo de novo acontece pois Jacob parece estar agindo novamente. Era tudo o que o policial queria pois agora pode caçar novamente seu algoz para acertar de uma vez as contas entre eles.

“Inimigos de Sangue” é um excelente exemplo do bom momento em que o cinema inglês de ação passa atualmente. O roteiro pode até ser considerado simples mas a condução dos acontecimentos fazem toda a diferença do mundo. Movido por vingança, o tira Max (em boa interpretação do subestimado James McAvoy) acaba se tornando aliado de seu principal inimigo, isso porque ambos descobrem que estão na verdade lutando contra um inimigo comum já que o filho de Jacob é morto, assim como a parceira de Max. O filme tem muito estilo e tenta combinar ação com um argumento mostrando os efeitos nocivos que podem ser causados quando policiais corruptos se aliam a políticos inescrupulosos (não, o filme não foi rodado no Brasil, apesar disso!). Os dois principais atores do filme estão muito bem mas destaco Mark Strong como o líder do grupo criminoso Jacob que descobre da pior maneira que as peças do intrigado jogo de xadrez do mundo do crime foram movidas e ele não foi avisado dos novos movimentos! Em suma está mais do que bem recomendado para os fãs de filmes policiais de ação. Pode assistir sem qualquer receio. 

Inimigos de Sangue (Welcome to the Punch, Inglaterra, EUA, 2013) Direção: Eran Creevy / Roteiro: Eran Creevy / Elenco: James McAvoy, Mark Strong, Andrea Riseborough / Sinopse: Dois inimigos, um policial e um assaltante de bancos, acabam tendo que se unir contra um poderoso inimigo em comum. Somente o mais forte sobreviverá. Produzido por Ridley Scott.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 22 de junho de 2013

Terapia de Risco

Após cumprir uma pena de quatro anos de prisão finalmente Martin Taylor (Channing Tatum) é colocado em liberdade. Ao lado de sua jovem esposa, Emily (Rooney Mara), ele pretende reconstruir sua vida. O problema é que ela sofre de uma grave depressão que a faz cometer um ato impensado. Após ficar em crise, Emily decide acabar com tudo e joga seu carro em alta velocidade contra uma parede em um estacionamento. Felizmente sobrevive e passa a ser tratada pelo Dr. Jonathan Banks (Jude Law). Esse começa a fazer parte de um grupo de pesquisas que tenta chegar a uma nova droga particularmente eficaz contra a depressão. De comum acordo então o médico resolve colocar Emily no projeto mas as coisas definitivamente não saem como planejado... Essa é a premissa inicial de “Terapia de Risco”, novo filme que está chegando ao mercado trazendo um elenco de nomes famosos, inclusive com a presença de Catherine Zeta-Jones, que há tempos andava bem discreta em sua carreira. Também conta com o carisma de Jude Law, aqui interpretando um psiquiatra que começa a entender aos poucos que acabou entrando em um beco sem saída.

É talvez esse seja justamente o grande deslize do filme. O roteiro é daquele tipo com várias reviravoltas, algumas nada plausíveis. De repente ninguém é o que aparenta ser e tudo vira de cabeça para baixo (não se preocupem não darei spoiler no texto). A trama também se mostra bem arrastada e para falar a verdade não existem personagens muito interessantes. Talvez, apenas talvez, o enredo desperte algum interesse nos estudantes de psiquiatria mas eles provavelmente também ficarão decepcionados com os furos de lógica e diagnostico que se alastram durante todo o desenrolar da estória. Catherine Zeta-Jones também não convence. Com maquiagem escura, pesada (provavelmente para realçar o lado mais sombrio de sua personagem) a atriz passa o tempo todo falando de forma sussurrada, o que demonstra que não conseguiu encontrar o tom certo para sua interpretação. Os grupos GLS também não ficarão nada contentes com sua caracterização em cena. No final das contas temos que admitir que o filme não passa de outra decepção assinada pelo irregular Steven Soderbergh.

Terapia de Risco (Side Effects, EUA, 2013) Direção: Steven Soderbergh / Roteiro: Scott Z. Burns / Elenco: Rooney Mara, Channing Tatum, Jude Law, Catherine Zeta-Jones / Sinopse: Psiquiatra bem sucedido começa a usar uma nova droga em sua paciente depressiva. O tratamento porém começa a sair perigosamente do que era planejado.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Lenny

Lenny Bruce (1925 -1966) foi um dos mais inteligentes e ácidos humoristas americanos da história. Seu humor nascia da critica áspera e corrosiva da sociedade. Em seus textos literalmente nada escapava, fosse política, religião ou relacionamentos pessoais, não importava, Lenny sempre tinha algo explosivo para falar. Seu estilo fora dos padrões (principalmente nas décadas de 50 e 60, tempos moralistas por si só) obviamente lhe causaram muitos problemas que esse filme tenta resgatar. Claro que por ser tão único Lenny divertiu multidões mas também colecionou inimigos ao longo da carreira. Some-se a isso uma vida atribulada, com muitos problemas pessoais. “Lenny” é a cinebiografia desse comediante diferente, que usava apenas o microfone como arma e instrumento de sua visão de mundo. Um filme bem diferente, inclusive em se tratando de Bob Fosse, que sempre pareceu bem mais inclinado para outros gêneros, em especial, grandes musicais baseados em peças famosas da Broadway.

No papel de Lenny surge o talentoso Dusfin Hoffman. Hoje em dia o ator é apenas uma sombra do que foi em seu auge. É realmente triste ver um trabalho desses, tão brilhante, e depois tomar consciência de que estamos na presença do mesmo Hoffman que agora dubla animações sem qualquer relevância para sua rica filmografia. Uma das melhores coisas desse Lenny é a fotografia inspirada. Geralmente o personagem é mostrado no palco em um brilhante jogo de sombras e luzes que realmente impacta ao espectador. Dustin Hoffman obviamente brilha, tanto na recriação dos textos de Lenny Bruce em suas apresentações como nas conturbadas passagens de sua vida pessoal. Um retrato de um homem perturbado por muitos conflitos internos que mesmo assim ainda conseguiu produzir um humor inteligente e sagaz como poucas vezes foi visto na história do show business americano.

Lenny (Idem, EUA, 1974) Direção: Bob Fosse / Roteiro: Julian Barry, baseado em sua própria peça teatral / Elenco: Dustin Hoffman, Valerie Perrine, Jan Miner / Sinopse: O filme narra a conturbada história de Lenny Bruce, famoso comediante americano que tinha muitos problemas pessoais em sua vida.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 21 de junho de 2013

High School Band

Will (Gaelan Connell) é um típico garoto de high school (o equivalente ao ensino médio no Brasil). Tímido e com poucos amigos ele acaba sendo convidado por Charlotte (Aly Michalka) para ajudar em sua banda. Embora não toque nenhum instrumento ele parece entender bastante de música e por isso acaba virando uma espécie de empresário e conselheiro informal do grupo. O objetivo de todos é ganhar o chamado "Bandslam", um concurso de bandas de garagem de alunos das escolas americanas. Ajudando a formar um bom conjunto musical todos esperam sair vitoriosos nessa nova empreitada. Aqui temos um produto com a cara da Disney estampada. A primeira associação é com a franquia “High School Musical” mas há diferenças. Ao contrário daquele que é sem dúvida um musical, esse se camufla de drama juvenil, tendo a música apenas como um pano de fundo.

Os personagens não fogem também do clichê. Há o nerd com ares de cara legal, a garotinha revoltadinha que não sabe se relacionar direito (interpretada por Vanessa Hudgens, uma estrelinha teen nos EUA), o popular e bonitão cantor da banda rival que pretende ganhar o concurso (feito por Scott Porter, das séries Friday Night Lights e Hart of Dixie) e finalmente a loira e ex-cheerleader, que agora tenta vencer com sua própria banda (a beldade Aly Michalka). Para quem tem mais de 16 anos o elenco vai parecer todo desconhecido com uma única exceção, a presença da veterana Lisa Kudrow, da série Friends, aqui fazendo o papel de mãezona coroa de um dos garotos. No geral “High School Band” traz muito pop e rock farofa com falsa verniz de música indie. Não chega a aborrecer em nada mas obviamente é o tipo de filme feito para um público bem especifico, adolescentes é claro. Se tiver um em casa pode ser uma boa opção de presente.

High School Band (Bandslam, EUA, 2009) Direção: Todd Graff / Roteiro: Josh A. Cagan, Todd Graff / Elenco: Vanessa Hudgens, Gaelan Connell, Aly Michalka, Scott Porter, Lisa Kudrow / Sinopse: um grupo de jovens de high School forma uma banda para ganhar um concurso de música, a chamada Bandslam.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 20 de junho de 2013

Show de Vizinha

Tudo o que Matthew Kidman (Emile Hirsch) deseja é se formar no high school e ganhar uma bolsa de estudos em Georgetown, uma das universidades mais tradicionais dos EUA. Afinal ele sempre foi um cara certinho que nunca deu um passo em falso em sua vida. Sua vida porém começa a mudar quando Danielle (Elisha Cuthbert) se muda para a casa ao lado. Ela é uma linda jovem, loira, muito sensual, representando tudo que um colegial sonharia em conquistar. Depois de um primeiro encontro meio desastrado Matthew consegue finalmente conhecer Danielle melhor e como era de se esperar acaba se apaixonando por ela. Mas como nem tudo são flores o colegial acaba descobrindo que a garota de seus sonhos é na realidade uma atriz pornô. Filmes adolescentes picantes sempre existiram no cinema americano, afinal é uma tradição mas aqui você não vai encontrar nada parecido com os “clássicos” do gênero como “Porky´s” ou “O Último Americano Virgem”.

Tudo é muito mais suave, embora existam cenas de nudez moderada. Na verdade se formos analisar bem esse roteiro chegaremos facilmente na conclusão de que é realmente uma comédia romântica das mais rotineiras, mesmo que a personagem principal seja uma profissional do cinema adulto. Assim credito ao belo casal central o principal motivo de se assistir a esse “Show de Vizinha”. Emile Hirsch é um ator talentoso, basta lembrar do ótimo “Na Natureza Selvagem”. Ainda é um jovem e provavelmente vai realizar muita coisa boa ainda em sua carreira embora tenha dado alguns passos em falso (como o fracasso “Speed Racer”). Já Elisha Cuthbert é uma das atrizes mais lindas já surgidas nas telas nos últimos anos. Ela alterna aparições em séries de TV e filmes para o cinema e ainda não conseguiu virar uma estrela mas diante de sua beleza clássica isso definitivamente vira um mero detalhe. No final das contas temos, como já escrevi, uma produção simpática, diria até descartável, mas que diverte proporcionando um ou dois sorrisos mais sinceros.

Show de Vizinha (The Girl Next Door, EUA, 2004) Direção: Luke Greenfield / Roteiro: David Wagner, Brent Goldberg / Elenco: Emile Hirsch, Elisha Cuthbert, Timothy Olyphant / Sinopse: Jovem adolescente collegial se apaixona pela nova vizinha, uma gatinha loira e sensual que na realidade é uma atriz pornô.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Mais Forte Que o Ódio

Mais um interessante filme da década de 80 que anda meio esquecido, “Mais Forte Que o Ódio” foi a primeira produção de Sean Connery após o grande sucesso de público e crítica de “Os Intocáveis”. No enredo ele interpreta o veteranoTenente-Coronel Alan Caldwell. Sua principal função é desvendar crimes militares. Após um crime de extrema brutalidade ser cometido dentro de um presídio militar ele é designado para a investigação. O problema é que também é designado para o caso o inspetor Jay Austin (Mark Harmon) que já teve sérios problemas com o Coronel no passado. Mesmo odiando um ao outro eles terão que trabalhar juntos para desvendar o crime. E como se isso não fosse ruim o bastante Jay acaba se apaixonando por Donna Caldwell (Meg Ryan) que pelo sobrenome já entrega o jogo, pois é a filha do personagem de Sean Connery.

“Mais Forte Que o Ódio” aposta em um roteiro de rotina, é verdade, mas com alguns aspectos bem curiosos. O ator que contracena com Sean Connery, Mark Harmon, vinha de algumas comédias bem despretensiosas como “Curso de Férias” e encarava pela primeira vez um papel mais sério. O interessante é que encontraria o sucesso finalmente na TV em NCSI onde interpretaria um personagem parecido com o que desempenha aqui, a de um policial investigador especializado em crimes militares. Ao seu lado já dando os primeiros passos para se tornar a “namoradinha da América” surge Meg Ryan, que na época era o protótipo da mocinha do cinema americano. O diretor Peter Hyams já havia trabalhado alguns anos antes com Sean Connery na aventura futurista “Outland - Comando Titânio”. Revisto hoje em dia “Mais Forte Que o Ódio” certamente ainda mantém o interesse. Na época de seu lançamento fez boa carreira nos cinemas por causa de Sean Connery que vivia um novo momento na carreira. Agora merece ser revisto como um bom filme policial de ação dos anos 80. Fica a dica.

Mais Forte Que o Ódio (The Presidio, EUA, 1988) Direção: Peter Hyams / Roteiro: Larry Ferguson / Elenco: Sean Connery, Mark Harmon, Meg Ryan / Sinopse: Após um brutal crime cometido dentro de um presídio militar dois investigadores que se odeiam na vida pessoal terão que superar isso para solucionar o caso.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Jimmy Clanton

Algumas histórias no mundo da música são mais do que divertidas, são na verdade finas ironias do destino. Veja o caso de Jimmy Clanton. Ele surgiu no vácuo deixado por Elvis Presley após ele ser convocado pelo exército americano no final da década de 50. Caindo nas graças do influente DJ Alan Freed, o jovem mal tinha saído do High School e já estava vendo sua carreira decolar rapidamente. Numa conversa informal com um produtor do selo Ace Records, Freed teria dito: “Qualquer garoto bonito pode fazer o mesmo sucesso que Elvis. Eu vou transformar esse garoto em um cantor maior que Presley, espere e verá!”. E no começo as coisas realmente pareciam ir muito bem.

De repente Jimmy Clanton começou a aparecer nas paradas de sucesso, na TV (no popular American Bandstand) e sua gravação "Just a Dream" subiu ao primeiro posto da Billboard (vendendo mais de um milhão de cópias!). Um feito maravilhoso, só comparado a Elvis, é claro! Mas eles queriam mais. Após mais um sucesso, a deliciosamente descerebrada “Go Jimmy Go”, o cantor foi parar nas telas de cinema.

Ele assim surgiu estrelando mais um daqueles típicos filmes de rock ´n´ roll, “Go, Johnny Go!”. Na película ele interpretava o personagem Johnny Melody, uma paródia de si mesmo. Vieram mais sucessos em seguida, "A Letter to an Angel," "Ship on a Stormy Sea," e "Venus in Blue Jeans". A verdade é que enquanto Elvis Presley estava virando picolé no frio da Alemanha, Jimmy Clanton deitava e rolava nas paradas e no cinema até que... bem, a festa certamente não duraria para sempre! Em 1960, bem no exato momento em que Elvis voltava para os EUA com ampla repercussão da mídia, Clanton era convocado pelo exército americano!

Existe ironia mais interessante do que essa no mundo da música americana? Eu acredito que não. Ele acabou sendo vitima do mesmo destino que havia prejudicado Elvis e que em última análise o tinha transformado em um astro!. Clanton acabou ficando dois anos em serviço militar e quando voltou o mundo musical já era bem outro. Os Beatles estavam nas paradas e ninguém mais daria muita bola para um artista que sempre vivera na sombra de Elvis Presley (já naquela época também passando sufoco para competir com a invasão britânica). A moral de toda essa história? Ora, definitivamente o mundo dá voltas meus amigos...

Pablo Aluísio

quarta-feira, 19 de junho de 2013

A morte de James Gandolfini

É com grande pesar que anunciamos a morte do ator James Gandolfini. Ele sofreu um ataque cardíaco fulminante hoje enquanto participava de um festival de cinema na Itália. Tinha 51 anos de idade.  Imortalizado na pele do personagem Tony Soprano da excelente série “Família Soprano” da HBO o interprete foi premiado ao longo da carreira com três prêmios Emmy, o mais importante da TV americana. A série durou de 1999 a 2007 e se tornou um dos maiores sucessos de audiência da história. Com raro brilhantismo James Gandolfini interpretou ao longo de todos esses anos aquele que foi seu papel definitivo, a de um líder mafioso suburbano de New Jersey. Ao lado de uma esposa e filhos que não o compreendiam ele vê sua vida desmoronar e dar uma guinada após sofrer um colapso nervoso. Tratado, passa a fazer análise com uma brilhante terapeuta, algo que obviamente esconde de seus comparsas pois seria completamente incompreendido no mundo brutal em que vivia.

Quem gosta de séries certamente recorda muito bem do impacto que “Família Soprano” teve em sua primeira temporada. Era algo novo, diferente, inovador. Cada episódio era feito com um nível técnico fora do normal para os padrões do que se fazia na época. A série mudou o conceito dos programas americanos. Não havia concessões e a drama se concentrava em mostrar uma realidade pouco comum em filmes de gangsters. Deixou-se a pura violência estilizada de lado para mostrar o lado mais pessoal, humano e cotidiano dessas pessoas. Depois do fim da série o ator começou uma bem sucedida transição para o mundo do cinema aparecendo em excelentes filmes como “A Hora Mais Escura”, “Corações Perdidos” e o recente “O Homem da Máfia”. Vivia uma nova fase em sua carreira. Não restam dúvidas da grande perda que a arte sofreu no dia de hoje. Descanse em paz. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Um Presente Para Helen

Que a Kate Hudson é uma gracinha ninguém duvida. Houve uma época em que ela começou a estrelar dramas para ser levada mais à sério e talvez, quem sabe, um dia ganhar o Oscar. Felizmente ela entendeu que essa não era bem a praia dela e resolveu abraçar o que parecia ser mais adequado ao seu tipo, ou seja, virar realmente uma estrela de comédias românticas despretensiosas, geralmente enfocando algum aspecto da mulher moderna que a despeito de exercer uma nova função na sociedade bem diferente de suas mães ainda não estava disposta a abrir mão de seu romantismo. Aqui Kate Hudson interpreta Helen Harris, uma mulher moderna, bem sucedida e nada disposta a abrir mão de sua vida profissional. Filhos? Nem pensar. Tudo corre de acordo com seus planos até o dia em que... após uma fatalidade ela fica responsável não apenas por uma criança mas por três!!!

O bom de “Um Presente Para Helen” é que o filme, mesmo sendo uma comédia sem grandes pretensões, consegue discutir até razoavelmente bem sobre as responsabilidades das mulheres de hoje que não apenas precisam cuidar da família mas também lidar com seus aspectos profissionais dentro do competitivo mercado de trabalho. Recentemente me lembrei do filme após uma reportagem de capa da revista Veja onde vários casais (e pessoas solteiras) se diziam muito felizes sem filhos. Afinal olhando objetivamente temos que concordar que apesar de ser algo natural na vida das pessoas ter um filho hoje em dia importa em se assumir uma carga pesada, não apenas emocional mas financeira também. Para quem deseja uma vida mais despreocupada e leve a opção é realmente curtir a vida, sem a responsabilidade de cuidar de crianças. Enfim, recomendo esse “Um Presente Para Helen”, um filme que diverte e levanta bons debates ao mesmo tempo.

Um Presente Para Helen (Raising Helen, EUA, 2004) Direção: Garry Marshall / Roteiro: Patrick J. Clifton, Beth Rigazio / Elenco: Kate Hudson, John Corbett, Joan Cusack / Sinopse: Helen Harris (Kate Hudson) é uma mulher bem sucedida, grande profissional que não tem a menor intenção de ter filhos para prejudicar sua ascensão na carreira até que por uma fatalidade acaba ficando responsável por três crianças colocando sua vida de cabeça para baixo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Starsky & Hutch

Por volta de 2004 eu costumava ir muito mais ao cinema, o preço não era tão indecente e a violência não tinha explodido no Brasil, além disso não havia a facilidade da internet. Em visto disso era normal que as salas de exibição se tornassem as únicas alternativas de um cinéfilo como eu. Por essa época me recordo que assistia até a três sessões diárias pois havia sido inaugurado um multiplex perto de minha casa. Assim juntando o útil ao agradável assistia muitos filmes. Um deles foi esse “Starsky & Hutch - Justiça em Dobro”, uma típica produção que não veria no cinema por ser uma comédia sem maior importância. De qualquer maneira como estava gostando de minhas maratonas cinematográficas acabai encaixando ele entre as sessões dos principais filmes.

É um remake de uma antiga série de tv dos anos 70 que fez bastante sucesso. O tom do filme é quase de veneração ao programa de televisão setentista, tanto que alguns atores que participaram dos episódios originais ressurgem aqui em participações especiais. O elenco reúne esse grupo de jovens humoristas que vez ou outra trabalham juntos: Ben Stiller, Owen Wilson e Vince Vaughn. Do trio o que mais gosto é do Vaughn, que sempre interpreta aquele tipo de cara de pau assumido, nunca parecendo levar nada à sério na vida. Wilson segue repetindo seu eterno tipo, a do loiro de praia, meio avoado, que não está muito aí para nada. Já Stiller é o almofadinha da trupe, sempre preocupado com seu cabelo encaracolado, um penteado bem esquisito que fez sucesso naqueles anos da discoteca. Assim deixo a dica, não é obviamente nenhum grande filme mas diverte se você não for exigente demais. É aquele tipo de produção para assistir com muita pipoca e coca-cola.

Starsky & Hutch - Justiça em Dobro (Starsky & Hutch, EUA, 2004) Direção: Todd Phillips / Roteiro: William Blinn, Stevie Long / Elenco: Ben Stiller, Owen Wilson,  Vince Vaughn, Snoop Dogg / Sinopse: Dois policiais, Starsky e Hutch, enfrentam perigosos criminosos e traficantes enquanto se envolvem em diversas confusões.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Caminho do Diabo

Lance Poole (Robert Taylor) volta da guerra civil como oficial condecorado, inclusive com a mais alta honra militar, a medalha do congresso americano. Seu plano é retomar a administração do rancho de seu pai, que se encontra em seus últimos dias de vida. Tudo estaria muito bem se não fosse um detalhe mais do que importante: Lance Poole é na verdade um índio que lutou ao lado das tropas da União contra o exército confederado. Essa situação o coloca numa posição delicada pois existem muitas pessoas na cidade para onde ele retorna que lutaram ao lado da tropas do sul, entre eles um astuto advogado que tentará de tudo para tomar as terras de Lance, uma vez que a região agora faz parte do território do Wyoming, que em nova lei determina que todas as terras devem ser ocupadas por brancos, para colonização e pastoreio, o que retira de Lance, a posse de suas próprias terras. Procurando por uma saída jurídica ele contrata a jovem e idealista advogada Orrie Masters (Paula Raymond), mas uma solução pelas vias judiciais parece cada vez mais distante.

“O Caminho do Diabo” é um western que se propõe a discutir a situação dos índios dentro da sociedade americana durante a colonização do oeste. O preconceito racial ganha destaque uma vez que Lance Poole (Robert Taylor) é um indígena que a despeito de ter sido um herói de guerra tem todos os seus direitos negados. Infelizmente em meu ponto de vista o personagem de Taylor não é completamente defensável pois em determinado momento da trama ele começa a tomar posições radicais demais, mesmo com a possibilidade de entrar em um acordo com os brancos que desejam também desfrutar do vale onde se encontra seu rancho, o único local onde há pasto vasto e água para as criações. A atitude do indígena, negando completamente o acesso aos criadores brancos, acaba sendo o estopim de um grande conflito armado entre bancos e índios, algo que o roteiro deixa claro que poderia ser evitado facilmente. De uma maneira ou outra o argumento se torna bem intrigante. O elenco é liderado por Robert Taylor, o galã, que aqui aparece pintado para parecer um nativo americano. A direção é do grande mestre Anthony Mann, que mais uma vez prova seu grande talento em lidar com temas edificantes e de relevância social. “O Caminho do Diabo” assim se torna bem interessante para o fã de westerns pois mostra que acima de tudo radicalismos só geram mesmo mais violência e conflitos.

O Caminho do Diabo (Devil's Doorway, EUA,1950) Direção: Anthony Mann / Roteiro: Guy Trosper / Elenco: Robert Taylor, Louis Calhern, Paula Raymond / Sinopse: Após voltar da guerra civil um ex-oficial indígena  da cavalaria americana, Lance Poole (Robert Taylor), tem seus direitos de propriedade negados pelo simples fato de ser um índio. A situação acaba gerando um grande conflito com os criadores brancos da região.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Tempestade Sobre Washington

Depois de conferir "Tudo Pelo Poder" procurei por um filme de temática semelhante, mas da era clássica de Hollywood. Acabei me deparando com esse "Tempestade Sobre Washington". Excelente drama que mostra todo o jogo sujo que acontece na capital dos Estados Unidos nos bastidores de sua política. Cartas marcadas, pressões, extorsões, compras de consciências, chantagem, tudo o que rola por debaixo do tapete para que o presidente americano possa nomear para Secretário do Estado um nome que escolheu, o astuto Robert Leffingwell (personagem brilhantemente interpretado pelo grande Henry Fonda). Acontece que no meio da sabatina promovida pelo senado descobre-se que o preferido do presidente tem um passado obscuro, que o liga inclusive a um movimento radical de esquerda! Imaginem o rebuliço dentro do senado quando se descobre que um supostamente comunista de carteirinha está prestes a ser nomeado para um dos mais altos cargos do executivo americano!

O elenco é fantástico. Charles Laughton como o Senador Seabright Cooley está particularmente inspirado. Que grande ator! Merecidamente foi premiado com o prêmio de melhor ator da Academia Britânica. Já Henry Fonda no papel de Robert A. Leffingwell é outro destaque. Um personagem muito dúbio, que ora surge como íntegro e honesto para logo depois se revelar mais sinistro do que se esperava. Pena que como o filme gravita em torno de sua nomeação, seu personagem não apareça muito, geralmente ficando na surdina. Por fim nada mais justo do que a Palma de Ouro em Cannes para premiar o grande diretor Otto Preminger, cineasta sério, inteligente, competente, avesso a sentimentalismos e sensacionalismos baratos. Aqui ele adota um tom perturbadoramente frio e calculista. Assim temos uma grande obra, um filme tecnicamente impecável que mostra as vísceras da democracia americana. Se você se interessa pelo sórdido mundo dos conchavos e acordos políticos não pode perder esse ótimo “Tempestade Sobre Washington”.

Tempestade Sobre Washington (Advise & Consent, EUA, 1962) Direção: Otto Preminger / Roteiro: Wendell Mayes, baseado no livro de Allen Drury / Elenco: Henry Fonda, Charles Laughton, Franchot Tone, Lew Ayres / Sinopse: O filme mostra a luta de bastidores em Washington para a nomeação de um novo Secretário de Estado. Filme premiado com a Palma de Ouro em Cannes.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 18 de junho de 2013

Ironweed

Jack Nicholson certamente é um dos grandes atores da história do cinema. Hoje em dia ele anda semi-aposentado, o que é natural haja vista sua idade e sua pouca disposição de trabalhar muito nessa fase de sua vida. Nada mais justo, a carreira de Jack fala por si e sua filmografia é uma das mais interessantes que existem. Tive o privilégio de acompanhar muitos de seus filmes – inclusive os assistindo no cinema, algo que tenho orgulho de dizer. Antes de estrelar o blockbuster “Batman”, Nicholson estrelou esse pequeno filme chamado “Ironweed”. Dirigido pelo cineasta Hector Babenco e co-estrelado pela sempre excelente Meryl Streep, sempre achei a obra muito subestimada, inclusive no Brasil onde colecionou criticas rabugentas e mal humoradas pela imprensa especializada. Sempre senti nesses textos um certo rancor pessoal de alguns jornalistas contra Hector Babenco, como se quisessem ir à desforra contra o diretor. A razão de tanto ressentimento? Não tenho a menor idéia. Só sei que adorei o filme quando o assisti pela primeira vez, apesar das inúmeras bordoadas que levou aqui no Brasil.

A trama conta a estória de Francis Phelan (Jack Nicholson). Além de sofrer de esquizofrenia ainda tem muitos problemas com a bebida. Um outsider, uma pessoa à margem. Por mero acaso acaba conhecendo Helen Archer (Meryl Streep), uma ex-cantora já um tanto desiludida da vida. Ambos são alcoólatras e entre uma bebedeira e outra começam a desenvolver uma relação muito afetuosa, baseada em apoio mútuo e solidariedade. O filme é baseado no livro de mesmo nome escrito por William Kennedy, que inclusive foi vencedor do maior premio de literatura dos EUA, o Pulitzer. É uma crônica sobre duas pessoas que não se enquadram naquilo que a sociedade dominante entende ser o certo. Sempre digo que nunca é fácil adaptar grandes livros para a tela mas como aqui temos o roteiro escrito pelo próprio autor do livro as coisas ficam mais fáceis. No geral é um drama maravilhoso, interpretado por dois atores simplesmente geniais. Uma daquelas produções que marcam bastante e do qual não se esquece tão cedo.

Ironweed (Idem, EUA, 1987) Direção: Hector Babenco / Roteiro: William Kennedy, baseado em seu próprio livro “Ironweed” / Elenco: Jack Nicholson, Meryl Streep, Carroll Baker, Michael O'Keefe / Sinopse: “Ironweed” narra a estória de uma relação entre duas pessoas que não se enquadram dentro da sociedade. Indicado aos Oscars de Melhor Ator (Jack Nicholson) e Melhor Atriz (Meryl Streep). Indicado ao Globo de Ouro de Melhor Ator – Drama (Jack Nicholson).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 17 de junho de 2013

Dead Man Down

Ainda sem titulo em português esse é o novo filme do ator Colin Farrell. Ele interpreta Victor, um sujeito de poucas palavras que trabalha para Alphonse (Terrence Howard), líder de um grupo de criminosos que vem sem ameaçado através de cartas anônimas e pistas deixadas que no fundo não levam a lugar nenhum. As coisas pioram quando um de seus capangas é encontrado morto dentro de um freezer com mais uma mensagem enigmática para ele. Apesar de ter vários inimigos, que foram surgindo ao longo de muitos anos de atividades criminosas ele sinceramente não tem a menor idéia de quem seja o autor das ameaças. Nervoso e paranóico com a situação acaba matando sem muitas provas um membro de uma gangue rival, sem autorização dos grandes chefes do crime. Enquanto seu chefe entra nesse beco sem saída Victor acaba encontrando o amor numa vizinha de prédio, a delicada Beatrice (Noomi Rapace), uma jovem que teve seu rosto desfigurado em um acidente de carro. Solitário, Victor acaba vendo nela uma possibilidade de redenção pessoal, afinal há muitos anos não se envolve com ninguém.

“Dead Man Down” é interessante porque sua trama vai se desvencilhando aos poucos na tela. Não caberia aqui lançar textos entregando as surpresas dos acontecimentos mas cabe o aviso de que o filme se desenvolve muito além da sinopse exposta acima. De fato nem o personagem do ator Colin Farrell é o que aparenta ser e nem a sua vizinha Beatrice é de fato a doce e sofrida garota que ele pensa que ela é. Também não se trata de um filme em que a ação seja o centro de tudo, há uma preocupação até louvável do roteiro em desenvolver bem todos os personagens em cena, muito embora o seu clímax mais pareça retirado de um action movie da década de 80, com muitos tiros e sangue espalhados para todos os lados. O diretor sueco Niels Arden Oplev é o mesmo do sucesso recente “Os Homens Que Não Amavam as Mulheres” mas esse filme é bem menos sofisticado do que aquele. No fundo “Dead Man Down” é apenas um bom entretenimento com seqüências interessantes e trama que prende a atenção. Se for isso que você estiver procurando então encontrará uma boa opção para seu fim de noite.

Dead Man Down (Idem, EUA, 2013) Direção: Niels Arden Oplev / Roteiro: J.H. Wyman / Elenco: Colin Farrell, Noomi Rapace, Terrence Howard, Dominic Cooper, Isabelle Huppert / Sinopse: Membro de uma quadrilha de criminosos se apaixona por sua vizinha de prédio ao mesmo tempo em que esconde terríveis eventos de seu passado.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Frankie Valli and the Four Seasons

Certa vez li um texto escrito por um jornalista inglês especializado em música pop dizendo, de forma bem irônica e ácida, que o Four Seasons foi “a melhor banda de casamentos da história”. Era um tom de escárnio com a música do grupo, como se quisesse desmerece-los por causa de suas canções inocentemente românticas. Bom, como diria o presidente JFK jamais confie em especialistas! Na verdade o grupo Frankie Valli and the Four Seasons marcou bastante a música americana, principalmente naquela fase de entressafra, quando a música jovem daquele país passava por uma grande mudança.

A indústria que se assustara com os roqueiros rebeldes e perigosos dos anos 50 agora abraçava moços bem comportados, que só queriam emplacar sua música nas paradas de sucessos. Nada de derrubar o sistema, nem de invocar rebelião nas escolas. O grupo só queria mesmo cantar o amor juvenil daquela época para assim vender muitos discos. Esse aliás era o grande sonho do baixinho Frankie Valli, descendente de italianos, que queria mostrar o talento de seu grupo. Dono de uma voz finíssima e até estridente, Valli, mesmo que por caminhos tortuosos, conseguiu chegar lá!

O grupo nasceu em 1960 e sua formação inicial contava com o próprio Frankie Valli como líder vocal, Bob Gaudio nos teclados, Tommy DeVito na guitarra e Nick Massi no baixo.  Frankie Valli já tinha estrada pois estava tentando decolar na carreira desde 1953. Ele participou de sucessivos grupos mas a sorte não parecia bater na sua porta. Não conseguiu se sobressair e nem fazer sucesso, também pudera na década de 50 o rock americano teve uma verdadeira explosão de criatividade, dominando todas as paradas. Só na década seguinte Valli conseguiu conquistar seu lugar ao sol, justamente quando se uniu ao Four Seasons. O primeiro single foi um fracasso mas aos poucos o grupo foi chamando a atenção, conquistando seu espaço.

A explosão veio com "Sherry”, seguido do sucesso número 1 da Billboard, "Big Girls Don't Cry". A partir daí o grupo se firmou e foi conseguindo um sucesso atrás do outro até a invasão britânica em 1964 que de uma forma ou outra enterrou várias carreiras de artistas americanos. É claro que o som deles jamais poderia ser páreo para os Beatles e os Rolling Stones. Não faz mal. Ouvir um álbum do Four Seasons hoje é um dos maiores prazeres que um fã da música dos anos 60 pode desfrutar. Seu som, suas letras sobre romances adolescentes e principalmente a voz de Valli ainda soam maravilhosamente inocentes e cativantes. Uma volta ao tempo que faz muito bem à alma e ao espírito. Por isso serão sempre eternos.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

domingo, 16 de junho de 2013

A Bela e a Fera

Após o sucesso de “A Pequena Sereia” a Disney voltou a errar com uma seqüência tardia de “Bernardo e Bianca”. Não era o momento para algo assim, pois havia um consenso de que o estúdio deveria ter avançado em suas animações inovadoras como havia acontecido em “A Pequena Sereia”. Felizmente para os fãs as coisas voltaram aos eixos com esse “A Bela e a Fera”. Com o avanço da tecnologia o estúdio produziu uma animação que realmente deixou seus espectadores de queixo caído. O nível técnico desse filme foi considerado perfeito em seu lançamento. Havia cenas de grande perfeccionismo, como por exemplo, na cena de dança entre a bela e a fera. A trama era baseada no livro escrito por Jeanne-Marie Le Prince de Beaumont. Um príncipe é amaldiçoado e se torna uma besta, uma fera de aspecto assustador e terrível. Para tentar voltar a ser um jovem e belo príncipe novamente ele terá que conquistar o amor e o coração de uma jovem chamada Bela pois caso contrário se tornará uma fera para sempre.
   
O filme foi considerado uma obra prima e causou tamanha repercussão na crítica que conseguiu ganhar uma indicação ao Oscar de melhor filme do ano! Um feito inédito até então. Outro ponto de destaque foi a parte musical da animação. Assim como aconteceu com “A Pequena Sereia” aqui temos uma trilha sonora primorosa composta pelos talentosos Howard Ashman e Alan Menken. Ashman infelizmente não viu seu trabalho concluído pois morreria de AIDS precocemente. Seu trabalho porém foi considerado tão excelente que conquistou a chamada tríplice coroa pois "Beauty and The Beast" foi premiado pelo Oscar, pelo Grammy e pelo Globo de Ouro, os três principais prêmios da indústria cultural nos EUA. Em termos de bilheteria o filme foi ainda mais bem sucedido do que “A Pequena Sereia” chegando a praticamente o dobro da bilheteria conquistada por aquele filme. Um sucesso absoluto. Revisto hoje em dia “A Bela e a Fera” mantém o encanto. É uma daquelas animações definitivas que mudaram a forma como os longas de animação seriam encarados dali em diante. Não há outra conclusão, é uma obra prima belíssima e perfeita. Um esplendor.

A Bela e a Fera (Beauty and the Beast, EUA, 1991) Direção: Gary Trousdale, Kirk Wise / Roteiro: Linda Woolverton, baseado na obra de Jeanne-Marie Le Prince de Beaumont / Elenco (vozes): Robby Benson, Paige O'Hara, Richard White, Jerry Orbach / Sinopse: Um príncipe é amaldiçoado e se torna uma besta, uma fera de aspecto assustador e terrível. Para tentar voltar a ser um jovem e belo príncipe novamente ele terá que conquistar o amor e o coração de uma jovem chamada Bela pois caso contrário se tornará uma fera para sempre. Vencedor dos Oscars de Melhor Trilha Sonora e Melhor Canção Original ("Beauty and the Beast"). Vencedor do Globo de Ouro nas categorias Melhor Comédia ou Musical, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Canção Original ("Beauty and the Beast"). Vencedor do Grammy nas categorias Melhor Álbum Infantil, Melhor Performace Musical Pop, Melhor Composição Instrumental, Melhor Canção ("Beauty and the Beast") e Melhor Performance Instrumental Pop.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Pequena Sereia

Depois de anos em completo marasmo, com animações que eram criticadas pela imprensa especializada e solenemente ignoradas pelo grande público os estúdios Disney finalmente reencontraram o caminho do sucesso, como não acontecia há anos. “A Pequena Sereia” foi um enorme êxito de público e critica, chegando a uma cifra de bilheteria realmente fenomenal para uma animação, com mais de 200 milhões de dólares arrecadados em todo o mundo. Para falar a verdade não havia grande segredo. Bastava apenas o estúdio resgatar o espírito de seus próprios clássicos para voltar a ser a companhia número 1 dessa área. Assim como aconteceu em seus anos de ouro o estúdio Disney resolveu adaptar uma obra literária, um conto de fadas bem conhecido, escrito por Hans Christian Andersen. Seu conto cativante contava a estória de uma pequena sereia do mar que curiosa sobre o mundo dos humanos resolvia ir conhecer como era a vida deles de perto. Nessa viagem de descobrimento ela acabava se apaixonando por um príncipe, o que daria origem a muitos conflitos e confusões.

Andersen foi genial em seu texto uma vez que resolveu resgatar as sereias, seres mitológicos que sempre apareciam como entidades do mal nas antigas estórias, pois cantavam para os marinheiros com o objetivo de levá-los ao fundo do mar de onde jamais retornariam. A Ariel de Andersen por outro lado era uma figura romântica, um espelho de uma adolescente descobrindo o mundo e o amor. Além da animação da Disney ser das mais inspiradas outro ponto foi decisivo para o sucesso de “A Pequena Sereia”: sua música! Com canções desse nível o desenho certamente jamais seria ignorado como havia ocorrido com outros filmes do estúdio. O destaque obviamente vai para as canções "Under the Sea" (que inclusive levou o Oscar em sua categoria) e "Kiss the Girl" (que venceu o Grammy). O sucesso de vendas também se repetiria no mercado fonográfico coroando ainda mais o projeto. Enfim, não há muito mais o que se elogiar. “A Pequena Sereia” foi o começo de uma nova era para a Disney, iniciando uma fase brilhante do estúdio que ainda vamos comentar bastante aqui no blog. Até lá!

A Pequena Sereia (The Little Mermaid, EUA,1989) Direção: Ron Clements, John Musker / Roteiro: John Musker, Ron Clements, baseado na obra de Hans Christian Andersen / Elenco (vozes): Rene Auberjonois, Christopher Daniel Barnes / Sinopse: Pequena sereia do fundo do mar se apaixona por um príncipe humano. Adaptação do famoso conto escrito pelo autor Hans Christian Andersen.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Randolph Scott: A Film Biography

Não só de filmes vive o fã de western. Existe uma grande quantidade de boas obras literárias sobre o tema, inclusive biografias de encher os olhos. Um exemplo é esse “Randolph Scott: A Film Biography” que como o próprio nome indica é uma biografia focada na vasta filmografia do ator Randolph Scott, um dos grandes nomes do faroeste em seus anos de ouro.

Embora não seja uma edição de luxo e nem tenha sido confeccionada em papel plastificado ou sofisticado, o livro é muito indicado aos fãs de Scott por causa da vasta coleção de fotos, algumas excelentes e bem raras, tiradas de seus filmes.

O texto é sintético, mas apresenta detalhes técnicos de praticamente todos os filmes do ator. Intercalando tudo temos, como já dito, excelente registro fotográfico de Randolph Scott, quase sempre em atuação, em cena, nos seus memoráveis filmes de western. Assim se torna muito prazeroso a leitura da obra. O livro é bem em conta, nada caro, e pode ser encontrado à venda em sites da internet. São mais de 300 páginas para deleite dos fãs de Scott.

Infelizmente como quase sempre acontece nesse tipo de material não existe ainda uma edição nacional, com texto em português. É lamentável mas os editores brasileiros ainda não se deram conta da importância desse tipo de livro na coleção de nossos cinéfilos. De uma forma ou outra fica a dica para você que é fã de western e admirador desse ator símbolo do gênero.

Randolph Scott: A Film Biography
Autor: Jefferson Brim Crow
Editora: Empire Pub
Primeira Edição: 1994

Pablo Aluísio,

sábado, 15 de junho de 2013

Mistério no Parque Gorky

Eu indico esse filme aos cinéfilos que gostam de tramas bem intrigadas e complexas. Veja, há uma premissa inicial (a morte misteriosa de três pessoas no Parque Gorky em Moscou). A partir daí um policial russo chamado Renko (William Hurt) vai investigar o caso. O que parecia ser apenas mais um caso de triplo homicídio acaba revelando outras sub-tramas que levam a mais mistérios chegando tudo a uma verdadeira rede de conspirações, falsas pistas, KGB, contrabandistas americanos, CIA e tudo o que você mais possa imaginar. Na realidade o filme exige atenção redobrada do espectador para que não perca o fio da meada. O roteiro obviamente usa e abusa das chamadas reviravoltas que ocasionam outras reviravoltas até chegar a um clímax final. O curioso é que o filme foi rodado nos EUA em plena guerra fria. Havia de certa forma uma curiosidade dos americanos em relação aos métodos policiais de seus inimigos do leste. O tom se aproveita disso para prender ainda mais a atenção do espectador.

O elenco é muito bom, inclusive com William Hurt, ainda bastante jovem e pasmem posando de galã e herói de ação. Outro destaque é a presença do veterano Lee Marvin fazendo um personagem bem mais sofisticado do que ele costumava interpretar (geralmente Marvin representava caras durões em filmes de muita ação, algo que não se repete nesse filme). Por fim temos belas locações que tentam reproduzir a chamada União Soviética (o filme não foi filmado lá, mas sim na fria e distante Finlândia, já que ainda se vivia os dias da guerra fria, onde filmagens eram terminantemente proibidas pelo governo comunista). Mesmo não sendo a verdadeira URSS o filme consegue convencer. É isso, gosta de mistérios e tramas misteriosas? Então certamente você gostará de "O Mistério do Parque Gorky".

Mistério no Parque Gorky (Gorky Park, EUA,1983) Direção: Michael Apted / Roteiro: Dennis Potter, baseado na novela de Martin Cruz Smith / Elenco: William Hurt, Lee Marvin, Brian Dennehy / Sinopse: Mortes no parque Gorky em Moscou acabam desencadeando uma série de conspirações envolvendo pessoas acima de qualquer suspeita na União Soviética durante a chamada Guerra Fria.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Recruta Benjamin

Para quem assistiu recentemente “A Recruta Hollywood” indico esse filme, o original, “A Recruta Benjamin”. Comparações se tornam covardia aqui, é claro. Enquanto em “A Recruta Hollywood” tínhamos a celebridade (e péssima atriz) Jessica Simpson, aqui temos a ótima comediante Goldie Hawn. Simpática, talentosa e com ótimo timing para o humor, Goldie literalmente segura as pontas nessa comédia oitentista que brinca com o fato de uma garota, loira e mimada, ir parar nas fileiras do exército americano. Judy Benjamin (Goldie Hawn) acaba se iludindo com um anúncio das forças armadas e resolve entrar no serviço militar. A partir daí várias confusões são criadas por causa da disparidade entre o que ela pensava ser a vida no exército e o que ela realmente encontra no quartel.

Goldie Hawn acabou levando uma improvável indicação ao Oscar por esse filme. E não foi só, a atriz Eileen Breenan, que interpretava a capitã linha dura Lewis também foi indicada na categoria Atriz Coadjuvante, mostrando que se em termos de roteiro e argumento “A Recruta Benjamin” não era lá grande coisa, sem dúvida a atuação do elenco feminino agradou e muito aos membros da Academia. As indicações já foram um prêmio uma vez que não é comum atrizes serem premiadas por comédias (geralmente elas vencem atuando em dramas). O filme era até bem comum na programação de nossos canais abertos mas há muitos anos não é mais reprisado, uma pena pois é uma comédia acima de tudo divertida e simpática que enobrece o grande talento humorístico da sempre inspirada loirinha Goldie Hawn.

A Recruta Benjamin (Private Benjamin, EUA, 1980) Direção: Howard Zieff / Roteiro: Nancy Meyers, Harvey Miller, Charles Shyer / Elenco: Goldie Hawn, Eileen Brennan, Armand Assante, Sam Wanamaker, Mary Kay Place / Sinopse: Judy Benjamin (Goldie Hawn) acaba se iludindo com um anúncio das forças armadas e resolve entrar no serviço militar. A partir daí várias confusões são criadas por causa da disparidade entre o que ela pensava ser a vida no exército e o que ela realmente encontra no quartel.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 14 de junho de 2013

Quero Matar Meu Chefe

Três amigos decidem conspirar para literalmente matar seus respectivos chefes, pessoas horríveis em sua forma de ver. O que parece ser um plano promissor porém logo se transforma em uma grande confusão para todos os envolvidos. Não há como negar que “Quero Matar Meu Chefe” é divertido e engraçado. São garantidas pelo menos três boas risadas nele (coisa que em produções recentes está cada vez mais raro de acontecer). Infelizmente essas três boas cenas que irão fazer rir o espectador não são tão comuns ao longo do filme. O problema é que "Horrible Bosses" é muito irregular e em muitos momentos não consegue ser tão engraçado como poderia ser. Tudo começa muito bem, as cenas mostrando como os chefes (Jennifer Aniston, Kevin Spacey e Colin Farrell) são horríveis, são bem boladas e divertidas (principalmente as que envolvem Spacey). O problema surge a partir do momento em que o trio central decide levar à frente seus planos.

Surge nessa parte do filme o primeiro bom personagem desperdiçado pelo roteiro: "Motherfucker" Jones (Jamie Foxx). Esse personagem, responsável por bons momentos de humor, não é bem aproveitado e acaba se perdendo no desenrolar do filme. Idem para a personagem de Aniston, a dentista tarada, que também poderia render muito mais mas que fica no meio do caminho. O roteiro tem muitos altos e baixos - algumas cenas são divertidas e outras bem sem graças. Alguns momentos são bem bolados e outros logo se transformam em pura baixaria. Enfim, se fosse definir essa comédia diria que é uma montanha russa - em que você se diverte mas que também sai com a sensação de que "poderia ser bem melhor".

Quero Matar Meu Chefe (Horrible Bosses, EUA, 2011) Direção: Seth Gordon / Roteiro: Michael Markowitz, John Francis Daley / Elenco: Kevin Spacey, Jennifer Aniston, Colin Farrell, Jason Sudeikis, Jason Bateman, Donald Sutherland / Sinopse: Três amigos decidem conspirar para literalmente matar seus respectivos chefes, pessoas horríveis em sua forma de ver. O que parece ser um plano promissor porém se transforma logo em uma grande confusão.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Austrália

Nem sempre uma grande produção e um enredo ao velho estilo garantem a realização de um bom filme. Um exemplo disso é esse “Austrália”, uma superprodução que tinha a pretensão de reviver o clima dos grandes épicos do passado, mais precisamente da era de ouro de Hollywood. Não deu muito certo. Usando como referência um dos maiores clássicos da história, “E o Vento Levou”, o diretor Baz Luhrmann tentou recriar as tintas desse tipo de filme que sinceramente não se faz mais. Não adianta ter uma mulher forte como personagem central e nem um interesse romântico personificado em um homem rude como vemos aqui. Tem que haver mais, entre elas uma estória de fato cativante e o mais importante: muito calor humano nos dramas passados na tela. “Austrália” infelizmente não tem nada disso. O roteiro narra a luta de uma dona de fazendas naquele distante país. Ela tem que enfrentar não apenas as adversidades naturais como também os problemas causados pelo próprio homem, entre eles uma guerra internacional (a II Guerra Mundial) e conflitos internos.

Essa personagem é uma aristocrata interpretada pela atriz Nicole Kidman. Sua fazenda é um latifúndio a se perder de vista, com mais de duas mil cabeças de gado. Ao seu lado conta apenas com o apoio de seus empregados, entre eles um rústico capataz vivido pelo “Wolverine” Hugh Jackman. Como a intenção do diretor sempre foi recriar algo próximo do famoso filme com o casal Vivien Leigh e Clark Gable, seus personagens em cena lembram em muito os que vimos no clássico de 1939. O problema é que não possuem carisma nenhum. Adoro Nicole Kidman como atriz e profissional mas ela está completamente perdida aqui. Não consegue encontrar o tom certo de seu papel e se perde no meio da trama arrastada que parece nunca ter fim (o filme é longo demais, certamente confundindo longa duração com qualidade, algo que definitivamente não é a mesma coisa). No final das contas temos um verdadeiro elefante branco cinematográfico. Um filme que não agradou a ninguém (foi um fracasso de bilheteria) provando que não basta apenas tentar repetir a fórmula dos grandes filmes do passado para fazer um épico clássico, tem que ter talento para isso.

Austrália (Australia, EUA, Austrália, 2008) Direção: Baz Luhrmann / Roteiro: Baz Luhrmann, Ronald Harwood / Elenco: Nicole Kidman,  Hugh Jackman, Bryan Brown / Sinopse: Rica proprietária de uma enorme fazenda na Austrália tem que enfrentar uma série de adversidades para tocar em frente seu empreendimento.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 13 de junho de 2013

Matador de Aluguel

Por falar em Patrick Swayze (1952–2009) me lembrei de um de seus filmes mais sui generis. Era o final dos anos 80, Swayze havia saído de um de seus grandes sucessos, Dirty Dancing, mas não conseguia mais repetir o mesmo êxito de bilheteria. Na verdade desde aquela época percebi uma certa indefinição em sua carreira. O ator não sabia ao certo se virava um galã de filmes românticos ou um novo herói de ação (afinal eram os anos 80, a época de ouro dos action movies). Tentando acertar em algum filão o ator acabou estrelando esse singular “Road House”. Recentemente o desenho animado “The Family Guy” tirou uma onda em cima do filme ao mostrá-lo como o preferido do personagem Peter Griffin. Para ele esse seria “o melhor filme de todos os tempos”! Uma piada irônica sobre as poucas qualidades da produção, é claro. Até a frase de promoção de “Matador de Aluguel” serve hoje de piada: “Ele é ligado em ação, música quente e mulheres”. Francamente...

Eu me recordo que assisti “Matador de Aluguel” em um cinema poeira da minha cidade. Na platéia apenas o público que consumia pancadaria na época: trabalhadores comuns, geralmente da construção civil e torcedores de futebol (na maioria corintianos). É claro que essa turma não queria assistir Shakespeare, queria ver ação insana da primeira à última cena. E para minha surpresa o público gostou do que viu. Claro que não era Stallone, o rei desse filão, mas sim aquele cara que rebolava em “Dirty Dancing” mas mesmo assim, com certas reservas, o povão gostou. E afinal qual era o “roteiro” de “Road House”? Bem, Swayze interpretava um leão de chácara, um sujeito bom de punhos que não levava desaforos para casa! Ele chega numa cidadezinha do Missouri e vai trabalhar em um bar – daqueles bem barra pesada – e literalmente sai no braço com os que querem anarquizar o local! Isso obviamente acaba irritando um chefão local, o bandidão Brad Wesley (Ben Gazzara). A partir daí não precisa ser vidente para descobrir o que acontece: muitas brigas e ação, com Swayze suando a camisa para demonstrar que levava jeito para os filmes de ação. O filme envelheceu? Claro que sim, mas é aquele tipo de coisa, hoje tudo soa muito mais divertido do que na época. Pelo visto Peter Griffin não estava tão errado assim.

Matador de Aluguel (Road House, EUA,1989) Direção: Rowdy Herrington / Roteiro: David Lee Henry / Elenco: Patrick Swayze, Kelly Lynch, Sam Elliott, Ben Gazzara / Sinopse: Leão de chácara sai nos tabefes com quem pretende bagunçar no bar onde trabalha. Sua pose de valentão e bom de briga logo irrita um poderoso chefão local que agora deseja tirá-lo do mapa o mais rápido possível.

Pablo Aluísio e Erick Steve.