sexta-feira, 31 de outubro de 2014

Oração de Libertação

Essa oração foi retirada do excelente site santidade.net. A conheci através de uma entrevista com um padre português. É uma oração aprovada pelo Vaticano e que pode ser orada em casa, para proteção de toda a sua família. Onde está a letra N você pode substituir pelo seu nome ou pelo nome da pessoa pela qual está orando. Da mesma forma também pode-se orar por toda a sua família. Uma oração poderosa e muito linda, que deixará o seu lar protegido contra as forças do mal, amém. (Pablo Aluísio).

Oração de Libertação
O Senhor Jesus na última petição do Pai-Nosso exorta todos os seus discípulos a pedir continuamente ao Pai do Céu a libertação do Mal. Explicando o sentido desta última petição da oração do Senhor o Catecismo da Igreja Católica afirma que «nesta petição, o Mal não é uma abstracção, mas designa uma pessoa, Satanás, o Maligno, o anjo que se opõe a Deus. O “Diabo” (“dia-bolos”) é aquele que “se atravessa” no desígnio de Deus e na sua “obra de salvação” realizada em Cristo» (n. 2851). «Ao pedirmos para sermos libertados do Maligno, pedimos igualmente para sermos livres de todos os males, presentes, passados e futuros, dos quais ele é autor e instigador» (n. 2854). Esta oração de libertação que se segue pede ao nosso Pai do Céu a libertação do Maligno e de todos os males dos quais ele é o autor e instigador. Pode ser rezada pedindo a Deus a libertação do influxo diabólico para si próprio ou intercedendo por uma outra pessoa.
Em nome do Pai, e do Filho, e do Espírito Santo.
R. Ámen.
São Miguel arcanjo, defendei-nos neste combate, sede o nosso auxílio contra as maldades e as ciladas do demónio. Instante e humildemente vos pedimos que Deus sobre ele impere, e vós, príncipe da milícia celeste, com esse poder divino precipitai no inferno a satanás e a todos os espíritos malignos que vagueiam pelo mundo para a perdição das almas. Ámen.
Leitura do Livro do Deuteronómio (Dt 18,9-12)
Quando entrares na terra que o Senhor teu Deus te dará, não aprendas a imitar as abominações daquelas nações. Que no teu meio não se encontre alguém que queime seu filho ou sua filha, nem que faça presságio, oráculo, adivinhação ao magia, ou que pratique encantamentos, que interrogue espíritos ou adivinhos, ou ainda que invoque os mortos; pois quem pratica estas coisas é abominável ao Senhor, e é por causa dessas abominações que o Senhor teu Deus as desalojará em teu favor.
Palavra do Senhor.
R. Graças a Deus.
Salmo 105 (106), 34-40
Refrão:Pela Vossa infinita misericórdia, salvai-nos Senhor.
Não exterminaram os povos,
 como o Senhor lhe tinha mandado,
 mas misturaram-se com os pagãos
 e imitaram os seus costumes.
Prestaram culto aos seus ídolos
 que foram para eles uma armadilha.
 E imolaram seus filhos
 e suas filhas aos demónios.
Derramaram sangue inocente
 o sangue de seus filhos e filhas,
 que imolaram aos ídolos de Canãa,
 e o país ficou manchado de sangue.
Contaminaram-se com as suas próprias obras,
 prostituíram-se com seus crimes.
 Por isso a ira do Senhor se inflamou
 contra o seu povo.
Leitura do santo Evangelho segundo são Marcos (Mc 16,15-20):
Naquele tempo, depois de ressuscitar, disse Jesus aos Onze: «Ide por todo o mundo e anunciai a boa nova a toda a criatura. Quem acreditar e for baptizado será salvo, mas quem não acreditar será condenado. E estes serão os sinais que acompanharão aqueles que acreditarem: em meu nome expulsarão demónios, falarão novas línguas, tomarão na mão serpentes e, se beberem qualquer veneno, não lhes fará mal, imporão as mãos aos doentes e estes ficarão curados». O Senhor Jesus, depois de ter falado com eles, subiu ao céu e sentou-se à direita de Deus. Então eles partiram e pregaram por toda a parte, enquanto o Senhor operava juntamente com eles e confirmava a sua palavra com os prodígios que a acompanhavam.
Palavra da salvação.
R. Glória a Vós Senhor.
N. : Renuncias a satanás e a todos os seus anjos?
R. Sim, renuncio.
Renuncias a todas as suas incitações ao pecado e à rebelião contra Deus?
R. Sim, renuncio.
Renuncias a todas as suas seduções: à magia, à feitiçaria, à bruxaria, à astrologia, à adivinhação, à invocação dos mortos, ao espiritismo, à idolatria, aos cultos satânicos, à música satânica, à superstição e a todas as formas de ocultismo?
R. Sim, renuncio.
Crês em Deus, Pai todo-poderoso, criador do céu e da terra?
R. Sim, creio.
Crês em Jesus Cristo, seu único Filho, Nosso Senhor, que nasceu da Virgem Maria, padeceu e foi sepultado, ressuscitou dos mortos, está sentado à direita do Pai e virá de novo para julgar os vivos e o mortos?
R. Sim, creio.
Crês no Espírito Santo, na santa Igreja católica, na comunhão dos santos, na remissão dos pecados, na ressurreição da carne e na vida eterna?
R. Sim, creio.
Esta é a nossa fé. Esta é a fé da Igreja, que nos gloriamos de professar, em Jesus Cristo, Nosso Senhor.
R. Ámen.
Fiéis aos ensinamentos do Salvador ousamos dizer:
Pai nosso que estais nos céus, santificado seja o vosso nome, venha a nós o vosso reino, seja feita a vossa Vontade assim na terra como no céu. O pão nosso de cada dia nos dai hoje, perdoai-nos as nossas ofensas, assim como nós perdoamos a quem nos tem ofendido e não nos deixeis cair em tentação mas livrai-nos do mal. Livrai-nos de todo mal e de toda a perturbação diabólica, Vós que pela morte e ressurreição de Jesus Cristo, vosso amado Filho, nos libertastes do poder das trevas e da morte e nos transferiste para o vosso Reino de luz e santidade, libertai agora este nosso irmão N. de todo o domínio e ligação com satanás e os seus anjos. Libertai-o de todas as forças do mal, esmagai-as, destrui-as, para que o N. possa ficar bom e viver segundo a vossa santíssima Vontade. Libertai-o de todos os malefícios, das bruxarias, da magia negra, das missas negras, dos feitiços, das maldições, do mau-olhado, dos ritos satânicos, dos cultos satânicos, das consagrações a satanás. Destrui qualquer ligação com satanás e com todas as pessoas ligadas a satanás, vivas ou defuntas. Libertai-o de toda a infestação diabólica, de toda a possessão diabólica, de toda a obsessão diabólica, e de tudo aquilo que é pecado ou consequência do pecado. Destrui todos estes males no inferno para que nunca mais atormentem o N. nem nenhuma outra criatura no mundo. Deus Pai todo-poderoso, peço-Vos, em nome de Jesus Cristo Salvador e pela intercessão da Virgem Imaculada que ordeneis a todos os espíritos imundos, a todas as presenças que atormentam o N., a deixá-lo imediatamente, a deixá-lo definitivamente e a ir para o inferno eterno, encadeados por São Miguel Arcanjo, por São Gabriel, por São Rafael, pelos nossos Anjos da Guarda, esmagados debaixo do calcanhar da Santíssima Virgem Maria nossa Mãe Imaculada. Vós que criastes o homem à vossa imagem e semelhança na santidade e na justiça, e depois do pecado não o abandonastes, antes com sábia providência cuidastes da sua salvação pelo mistério da incarnação, paixão, morte e ressurreição do vosso muito amado Filho, salvai este vosso servo e libertai-o do mal e da escravidão do inimigo; afastai dele o espírito de mentira, soberba, luxúria, avareza, ira, inveja, gula, preguiça e de toda a espécie de maldade. Recebei-o no vosso Reino, abri o seu coração para entender o vosso Evangelho, para que viva sempre como filho da luz, dê testemunho da verdade e pratique obras de caridade segundo os vossos mandamentos. Com o sopro da Vossa boca expulsai, Senhor, os espíritos malignos: ordenai que se retirem porque chegou o vosso Reino. Por Nosso Senhor Jesus Cristo, Vosso Filho, que é Deus convosco na unidade do Espírito Santo.
R. Ámen.
O Senhor te livre de todo o mal, em nome do Pai, e do Filho e do Espírito Santo.
R. Ámen.
Bendigamos ao Senhor.
R. Graças a Deus.

Annabelle

Título no Brasil: Annabelle
Título Original: Annabelle
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: John R. Leonetti
Roteiro: Gary Dauberman
Elenco: Ward Horton, Annabelle Wallis, Alfre Woodard

Sinopse:
Um jovem casal americano é surpreendido por gritos na casa vizinha. Após o marido sair para averiguar acaba descobrindo que há uma chacina se desenrolando na casa ao lado. Para piorar os insanos moradores invadem sua própria casa, causando quase uma tragédia completa. Em seus últimos momentos, uma mulher, completamente insana e envolvida com rituais satânicos, se agarra na boneca que a esposa acabara de receber de presente do marido. A partir daí o estranho objeto parece ganhar vida, desencadeando eventos sobrenaturais inexplicáveis. Confuso e com medo o casal resolve então partir em busca de ajuda com o padre da paróquia católica local.

Comentários:
Na verdade "Annabelle" nada mais é do que o Prequel do filme "Invocação do Mal". A boneca inclusive já havia aparecido naquela produção de forma mais discreta. Assim o que temos aqui são os acontecimentos anteriores ao filme original. Dito isso, outra explicação é necessária. Ao invés do que anda se escrevendo bastante por aí, os eventos mostrados nesse filme não foram inteiramente baseados em fatos reais. Certamente a boneca amaldiçoada existe e está inclusive em exposição no porão do casal Warren nos Estados Unidos, mas sua história verdadeira nada tem a ver com o filme. Na verdade a boneca de pano Annabelle (que diga-se de passagem é bem diferente da que vemos nas cenas do filme) foi envolvida em eventos sobrenaturais bem diferentes, com outros jovens, durante os anos 1970. Não havia o casal que vemos nesse roteiro, nem nada parecido, sendo tudo mesmo mera ficção. Aliás nem todas es escolhas do roteiro me soaram satisfatórias. A coisa toda de envolver Annabelle com uma seita satânica que acaba de uma forma ou outra se vinculando com a boneca me pareceu incomodamente semelhante aos filmes do Chucky (mas claro, sem a galhorfa do boneco assassino). Depois disso o roteiro consegue superar de certa forma sua falha inicial apostando em bem sucedidas sequências de suspense e terror. E é justamente aí que resulta seu grande mérito. Em termos de história em si "Invocação do Mal" é de fato um filme mais completo, mais esclarecedor, com mais informações, mas em questão de índice de medo "Annabelle" o supera. Há de fato ótimos momentos, alguns bem assustadores. A dupla de atores que interpreta o casal funciona apenas como background e escada para os sustos, pois de fato a boneca (na verdade várias delas que foram usadas ao longo do filme) é a grande estrela desse horror. O clímax, por outro lado, me pareceu muito bem bolado, com os personagens em um momento crucial de redenção e sacrifício. Um bom desfecho para um terror que realmente se revela bem acima da média do que vem sido produzido ultimamente.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Jeff Bridges - Jeff Bridges (2011)

Não é novidade nenhuma ver astros de Hollywood lançando discos, tentando quem saber levantar uma carreira no mundo da música, muitos inclusive são cantores e instrumentistas frustados como por exemplo Johnny Depp. Em relação a Jeff Bridges a boa notícia é que ele tem realmente talento. Cercado por uma banda de feras o ator conseguiu realizar um disco muito agradável de ouvir, com uma farta seleção de excelentes canções na linha rock - country.

Várias faixas inclusive foram escritas pelo próprio Bridges como "Falling Short", "Tumbling Vine" e "Slow Boat". Algumas dessas canções possuem uma leve melancolia que é muito característica da nova geração do gênero nos Estados Unidos. Em certos aspectos o atual country americano trilha caminhos de maior introspecção que muitos estilos musicais mais fortemente ligados a esse tipo de sentimento como o Blues, por exemplo.

Tudo embalado por ótimos arranjos de fundo, com destaque até mesmo para orquestrações ricas e detalhistas em seus menores aspectos (palmas para o produtor T-Bone Burnett, que trouxe muita riqueza para as composições de Bridges dentro dos estúdios). Dando uma ajuda a Bridges nos vocais temos a presença dos ótimos Ryan Bingham, Rosanne Cash, Sam Phillips e Benji Hughes, numa contribuição essencial para dar a estrutura melódica ideal ao trabalho como um todo. Um disco que supera todas as expectativas, mostrando acima de tudo que qualquer tipo de preconceito pelo fato de ser um álbum gravado por um ator de cinema deve ser deixado de lado. Boa música, arranjos elegantes e qualidade musical garantem uma excelente audição. Realmente acima da média. Que venham outros discos do Bridges.

Jeff Bridges - Jeff Bridges (2011)
What a Little Bit of Love Can Do
Falling Short
Everything But Love
Tumbling Vine
Nothing Yet
Blue Car
Maybe I Missed the Point
Slow Boat
Either Way
The Quest

Pablo Aluísio. 

quinta-feira, 30 de outubro de 2014

Papa Francisco: "Os cristãos pagãos vão para a Igreja, mas não colocam Deus em primeiro lugar"!

Vaticano - As pessoas que vão à igreja aos domingos, mas passam o resto da semana cultivando seu apego ao dinheiro, poder e orgulho são "cristãos pagãos ", disse o Papa Francisco.

Quando São Paulo escreveu sua Carta aos Filipenses, a comunidade cristã era composta por dois grupos, os cristãos verdadeiros e aqueles que eram "inimigos da cruz de Cristo" - afirmou o Papa nesse dia 07 de novembro, durante a homilia da missa na Domus Sanctae Marthae onde ele vive.

"Ambos os grupos estavam na igreja juntos, eles foram para a missa de domingo, louvaram ao Senhor e chamaram-se de cristãos", disse ele, segundo a Rádio Vaticano. Mas alguns deles eram "cristãos mundanos, os cristãos apenas no nome, com duas ou três características cristãs, mas nada mais. Cristãos pagãos!"

Continuando o Papa afirmou: "Há muitos deles. E nós, também, devemos ter cuidado para não escorregarmos" em sermos cristãos apenas no nome. Sendo cristãos indiferentes "acostumados a mediocridade" que é um perigo para todos, disse ele.

Na primeira leitura do dia, Filipenses 3: 17-4: 1, São Paulo fala de verdadeiros cristãos que têm a sua "cidadania" no céu. O papa disse que, enquanto os "cristãos pagãos" são cidadãos de pleno direito do mundo.

A maneira de alguém para verificar sua nacionalidade espiritual, segundo ele, é fazer algumas perguntas: "Não gosto de me gabar? Eu gosto de dinheiro? Eu gosto do orgulho?"

Depois de uma pausa prosseguiu o Papa: "Você tenta amar a Deus e servir aos outros? Se você é manso, se você é humilde, se você é um servo de outros, então você está no caminho certo. Os seus documentos de cidadania estão em ordem e eles são do céu! "

Fonte: CNS

O Álamo

Título no Brasil: O Álamo
Título Original: The Alamo
Ano de Produção: 1960
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: John Wayne
Roteiro: James Edward Grant
Elenco: John Wayne, Richard Widmark, Laurence Harvey, Frankie Avalon

Sinopse:
Durante o ano de 1836 cresce o sentimento de separação do Texas do México. A intenção dos revolucionários é transformar o isolado estado em uma República independente. Para destruir o foco rebelde o governo mexicano envia um formidável exército de repressão comandado pelo general Santa Anna. Para resistir a invasão se insurge um pequeno mas valente grupo de homens no Álamo. Formado por soldados de carreira, voluntários e americanos do Tennessee liderados pelo coronel Davy Crockett (John Wayne) eles resolvem ficar no local para enfrentar bravamente o inimigo. Filme indicado aos Oscars de Melhor Filme, Melhor Fotografia, Melhor Edição, Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Música e Melhor Ator Coadjuvante (Chill Wills). Filme vencedor do Oscar de Melhor Som. Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria Melhor Trilha Sonora Original (Dimitri Tiomkin).

Comentários:
Ao longo da carreira John Wayne dirigiu oficialmente apenas dois filmes, esse "O Álamo" e "Os Boinas Verdes" em 1968. De maneira não creditada ainda participou como co-diretor de "Rota Sangrenta" de 1955, "Os Comancheros" de 1961 (quando o diretor Michael Curtiz ficou doente demais para finalizar o filme) e por fim "Jake Grandão" de 1971. Em todas essas produções Wayne não fez feio como cineasta, muito pelo contrário, sempre pareceu tomar todas as decisões corretas. De todos os que assinou a direção nenhum foi tão pessoal quanto esse ousado faroeste de 1960. A intenção era recriar em cores épicas o famoso combate pela luta do forte Álamo (na verdade uma missão abandonada) no Texas. O evento histórico até hoje é celebrado no estado da rosa amarela justamente por ter sido um exemplo da bravura e orgulho do homem texano, que se recusou a se render mesmo diante de um poderoso exército mexicano que estava ali para garantir que o Texas continuasse a ser parte do México. No total o Álamo contava com apenas 185 homens que lutaram de forma corajosa contra mais de sete mil soldados sob comando do generalíssimo Santa Anna. Vale a pena ressaltar a coragem de John Wayne em algumas decisões que tomou ao rodar essa produção. A primeira delas foi o comprometimento com a história, evitando se render a meras concessões comerciais. Isso fez com que Wayne rodasse um filme longo, com duas horas e quarenta minutos de duração. Como bem sabemos filmes longos demais vendem menos ingressos pois ganham menos sessões de cinema durante o dia. Isso porém não depõe contra o resultado final, pois o filme jamais se torna pesado ou cansativo de assistir. O importante é que Wayne quis contar sua história da forma correta, sem perder nenhum detalhe histórico importante. A boa notícia é que seu objetivo foi alcançado. No desenrolar da trama também podemos notar que o cineasta John Wayne trouxe para a película muita coisa que aprendeu ao trabalhar ao lado de grandes diretores em sua carreira. A influência mais notável vem de John Ford. Wayne tenta recriar na tela pequenas nuances e detalhes que eram muito presentes na obra de Ford. Obviamente não consegue o mesmo impacto, até por falta de maior experiência atrás das câmeras, mas se sai muito bem. Assim "The Alamo" é uma prova que se quisesse, John Wayne poderia ter tido também uma bela carreira como diretor. Infelizmente o ator achava que dirigir trazia muita pressão, responsabilidades e riscos e por isso preferiu seguir trabalhando apenas como ator, atuando em seus bons e velhos faroestes. Uma pena, se tivesse seguido certamente teríamos por aí algumas pequenas joias cinematográficas como esse "O Álamo".

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Kingdom Come

Título no Brasil: Ainda não Definido
Título Original: Kingdom Come
Ano de Produção: 2014
País: Canadá
Estúdio: Matchbox Pictures Inc
Direção: Greg A. Sager
Roteiro: Geoff Hart, Greg A. Sager
Elenco: Ry Barrett, Camille Hollett-French, Jason Martorino

Sinopse:
Um grupo acorda subitamente em um lugar escuro e em ruínas que mais parece um hospital abandonado. Aos poucos todos vão procurando saber o que de fato estaria acontecendo. O surgimento de estranhas criaturas e aparições sobrenaturais nas trevas torna tudo ainda mais assustador. Afinal de contas o que todas aquelas pessoas teriam em comum e o que de fato estaria acontecendo? A verdade é bem mais aterradora do que todos podem imaginar.

Comentários:
Filme alternativo de terror canadense com pequeno orçamento que acaba agradando caso você consiga comprar a ideia central do roteiro. Na verdade o argumento é bem mais interessante do que inicialmente se supõe. No começo do filme você pensa que vai assistir mais uma daquelas fitas sangrentas sem nada muito original por trás - uma série de mortes sem fim e sem criatividade. Isso porém é uma visão superficial sobre o texto que sim, por mais incrível que isso possa parecer, acaba surpreendendo por causa da algumas boas sacadas. O hospital parcialmente destruído funciona praticamente como uma ante-sala do inferno ou até mesmo um retrato mais metafórico do que seria o purgátorio católico. Todos que estão ali precisam acertar contas com algo errado que fez no passado. Assim o que inicialmente parece ser um grupo de pessoas inocentes em uma situação limite se revela mais como um conjunto de sujeitos que cometeram alguns crimes horrendos. Há o pedófilo contumaz, o assassino da própria filha e um estuprador serial. Agora eles parecem encurralados, prontos para pagarem por suas iniquidades em vida. Para quem gosta de teologia o texto ainda se utiliza do anjo negro, que está ali para revelar as fraquezas humanas e a falibilidade da alma humana. Pois é, analisando-se bem e de perto é de se ficar mesmo surpreso que tanta coisa interessante se possa ser extraído de um filme com uma estória aparentemente tão simples. Muitas vezes é necessário saber interpretar as entrelinhas para entender completamente as nuances que certas estórias possuem para contar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 29 de outubro de 2014

Papa Lino

No decorrer dos séculos muito foi perdido em termos de precisão histórica da Igreja. O Papa Lino foi o segundo Papa da história da Igreja Católica. Foi o sucessor de Sâo Pedro, considerado o primeiro Papa por ter sido o fundador da Igreja de Jesus Cristo. Como grande parte dos escritos originais se perderam nesses séculos pouca coisa segura há para se desvendar sobre esse segundo Bispo de Roma, Lino. Sabe-se que nasceu na Toscana, filho de um homem chamado Herculano. Foi um dos primeiros a se converter ao cristianismo. Na época a nova crença era considerada uma religião perigosa e subversiva pelos imperadores romanos. Há controvérsias se Lino teria conhecido ou andado ao lado de Pedro, mas pode-se afirmar com certeza que ambos viveram no mesmo tempo e na mesma cidade, foram contemporâneos. Como a igreja ainda era uma instituição perseguida não se sabe com precisão quando começou seu pontificado. Não havia documentos escritos para evitar execuções dos líderes do movimento.

Para alguns historiadores porém Lino não seria o único a ostentar o título de Bispo de Roma em sua época. Ao que tudo indica o poder de se levar adiante a palavra de Cristo em um império que a oprimia pertencia a três homens diferentes, Lino,  Anacleto e Clemente. Segundo ainda tradições antigas Pedro teria passado a missão de levar em frente a igreja de Roma diretamente a Clemente, só que esse tinha pouca ambição de ostentar esse título (não se sabe se sua atitude partia de um certo temor de ser morto por autoridades imperiais ou por pura modéstia pessoal). Assim Clemente por ser muito modesto retirou-se logo dessa função. Anacleto por sua vez desapareceu subitamente dos poucos registros que sobreviveram, ficando claro que a partir de determinado momento coube a Lino a condução da Igreja logo após as mortes de Pedro e Paulo.

Não se sabe também com precisão por quanto tempo Lino foi Papa. Há um certo consenso de que ele teria ficado no trono de Pedro por onze anos e oito meses. Apesar da perseguição das autoridades seu pontificado foi considerado pacífico e administrativamente organizado. Ele escreveu um dos primeiros documentos da Igreja, um regulamento que proibia as mulheres cristãs de irem aos cultos sem o véu. Depois que Nero descobriu que Lino era o suposto líder da nova Igreja que nascia, resolveu que ele deveria ser martirizado. Segundo algumas fontes Lino foi morto no ano 78, sob as ordens do cônsul Saturnino. Existe uma lenda que Lino teria feito um exorcismo em sua filha, expulsando um demônio evocando o poder de Jesus.

De qualquer maneira, mesmo sem confirmação histórica precisa, o fato é que o Papa Lino teria deixado uma obra escrita em grego sobre os martírios de São Pedro e de São Paulo, contando também parte de suas histórias. Tal obra teria sido de imensa importância histórica hoje em dia, mas certos estudiosos acreditam que eles sofreram adulterações ao longo da história, sendo os escritos originais perdidos para sempre. A tradicional história do conflito entre São Pedro e Simão, o Mago, teria sido tirado do livro original de Lino. Outra suposição é que os textos teriam sido queimados por autoridades romanas que estavam decididas a destruir o movimento cristão em Roma. Em termos históricos o pontificado de Lino coincide com a invasão e destruição do templo de Jerusálem pelo imperador romano Tito, um fato que causou grande comoção entre os cristãos de Roma. A luta de Lino nos primórdios do cristianismo lhe valeu a canonização. Hoje o Papa é reconhecido pela Igreja Católica como São Lino.

Pablo Aluísio.

Um Sonho Possível

Título no Brasil: Um Sonho Possível
Título Original: The Blind Side
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros.
Direção: John Lee Hancock
Roteiro: John Lee Hancock, baseado no livro de Michael Lewis
Elenco: Sandra Bullock, Quinton Aaron, Tim McGraw

Sinopse:
Michael Oher (Quinton Aaron) é um jovem negro americano cujo lar é desfeito. Praticamente abandonado pelos pais, deixado ao relento, ele acaba encontrando apoio e segurança com uma família branca de sua cidade. Leigh Anne (Sandra Bullock) é uma dondoca sulista que acredita em seu potencial como jogador de futebol americano. Dando todo o apoio possível, com a ajuda do treinador de sua escola, Michael Oher começa finalmente a subir na vida, com a ajuda do esporte e de sua nova família. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhor Atriz (Sandra Bullock). Filme vencedor do Globo de Ouro também na mesma categoria.

Comentários:
Sandra Bullock já fez muita abobrinha na carreira, mas pelo menos essa fita tem uma certa relevância. Seguindo uma política de ações afirmativas também dentro do cinema americano, temos aqui mais uma daquelas produções que valorizam histórias reais de negros que superaram as muitas adversidades para se tornarem pessoas bem sucedidas e realizadas em suas vidas. O enfoque gira em torno de Michael Oher (Quinton Aaron), um americano negro, que acaba sendo acolhido por uma família branca do sul dos Estados Unidos. Como se sabe o sul sempre foi tradicionalmente uma região de muito preconceito racial e social. Assim o roteiro procura mostrar a bem sucedida interação entre esses dois lados, que para muitos sulistas jamais deveriam ser misturados. A personagem de Sandra Bullock é uma típica dondoca sulista, mas com um diferencial importante, já que ela tem um grande coração. Seu trabalho é bom, ela consegue equilibrar o lado humano com uma certa comicidade, mas daí a ser premiada com o Oscar vai uma certa dose de exagero. E como se isso não bastasse o filme ainda arrancou uma improvável indicação ao Oscar de Melhor Filme, algo sem muito propósito e que talvez só se justifique pelo fato da academia tentar ser o mais politicamente correta possível. Mesmo assim, reconhecendo que o filme foi muito superestimado, indico. Vale pelas boas intenções, por alguns momentos realmente inspirados de Bullock e principalmente pela história, edificante e acolhedora.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Big Bang exige um criador, diz o Papa Francisco

Não podemos imaginar Deus como um feiticeiro, disse o Sumo Pontífice, marcando um ponto para a ciência. Mas a Igreja Católica não abdica da visão de um mundo “que não foi produto do caos”.

Deus não é um feiticeiro que, com um passe de mágica, tenha criado o Céu e a Terra. “Quando lemos no Génesis a descrição da Criação arriscamo-nos a imaginar Deus como um feiticeiro, com uma varinha de condão capaz de tudo criar. Mas não é assim”, afirmou o Papa Francisco, num discurso na Academia de Ciências Pontifícia, onde falou sobre a evolução e o Big Bang – o momento em que o Universo começou a existir.

“O Big Bang, que é designado como a origem do mundo, não contradiz o acto divino da criação. Em vez disso, exige-o”, diz o Papa. “A evolução da natureza não contrasta com a ideia de criação, pois a evolução pressupõe a criação de seres que evoluem.”

É desta forma que o Papa Francisco procura reconciliar as visões da ciência e da religião, desencorajando também uma leitura fundamentalista da Bíblia – a crença de que tudo o que está escrito no Velho e no Novo Testamento corresponde totalmente à verdade, palavra por palavra, sem lugar para a alegoria ou para o mito.

Esta tomada de posição é importante porque há muitas pessoas, organizações e igrejas que defendem a total veracidade do texto da Bíblia, e que não hesitam mesmo em opô-la à ciência – estes são os criacionistas, que em alguns países, como os Estados Unidos, são uma força considerável. Por vezes, conseguem que os textos bíblicos sejam ensinados nos bancos da escola, como se a criação do mundo em sete dias fosse uma alternativa aos livros de ciências.

O que na verdade o Papa Francisco fez foi sublinhar a posição da Igreja Católica, já expressa há mais de seis décadas pelo Papa Pio XII, na encíclica Humani Generis: a investigação científica sobre as origens materiais do organismo humano é legítima, desde que os teólogos mantenham a primazia sobre a alma dos homens, uma criação de Deus.

Esta posição foi reafirmada pelo Papa João II em 1996, numa mensagem à Academia de Ciências Pontifícia, notando que a teoria da evolução através da selecção natural postulada por Charles Darwin “é mais do que uma mera teoria”. Mas sublinhava que algures na evolução dos nossos antepassados houve “um salto ontológico’ para o humano, que não se pode explicar em termos puramente científicos”.

Francisco concorda. Deus “deu vida também ao homem, mas neste caso aconteceu algo de novo" – tal como postulou João Paulo II. “Com o homem, houve uma mudança e algo novo”, a liberdade.
Mas há uma outra forma de fundamentalismo religioso que se coloca como uma explicação do mundo alternativa à ciência – a chamada concepção inteligente. Esta deduz a partir da observação da natureza a existência de uma potência criadora que guia a evolução. Recusa-se a aceitar o acaso e a adaptação dos seres vivos às condições do meio como constrangimentos suficientes para forçar a evolução. Exigem que haja alguém ao volante.

Deus “criou os seres vivos e permitiu que se desenvolvessem de acordo com as leis internas que deu a cada um, de forma que se desenvolvessem e atingissem a sua plenitude”, afirma o Papa Francisco. Esta visão aproxima-o mais da concepção inteligente – e das discussões sobre a evolução e a selecção natural que marcaram com polémica o pontificado de Bento XVI.

Em 2005, um artigo no New York Times do arcebispo de Viena, Cristoph Schönborn, próximo do Papa Ratzinger, gerou grande discussão. Com o título “À descoberta do desígnio na natureza”, sublinhava que a Igreja Católica não tinha abraçado a evolução “no sentido neo-darwinista: um processo não guiado, não planeado, de variações ao acaso e selecção natural”.

O facto de o cardeal ser amigo de Bento XVI levou a que o artigo fosse lido como uma mudança de posição do Vaticano, apoiando a concepção inteligente. Mas o que o Papa Francisco fez agora não anda longe do que disse Schönborn: “O princípio do mundo não foi produto do caos, deriva directamente de um Princípio Supremo que cria por amor.”

Fonte: C. Barata.

terça-feira, 28 de outubro de 2014

Batman & Robin

Título no Brasil: Batman & Robin
Título Original: Batman & Robin
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Joel Schumacher
Roteiro: Akiva Goldsman, baseado na obra de Bob Kane
Elenco: Arnold Schwarzenegger, George Clooney, Chris O'Donnell, Uma Thurman, Alicia Silverstone

Sinopse:
Batman (George Clooney) se une ao seu pupilo e parceiro no combate ao crime, Robin (Chris O'Donnell), e à Batgirl (Alicia Silverstone) para enfrentar os terríveis vilões Mr. Freeze (Arnold Schwarzenegger) e Poison Ivy (Uma Thurman). Filme indicado a três prêmios da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias Melhor Maquiagem, Figurino e Melhor Filme de Fantasia. "Vencedor" do Framboesa de Ouro na categoria Pior Atriz Coadjuvante (Alicia Silverstone).

Comentários:
Nem só de obras primas viveu o personagem Batman nos cinemas. Para quem é jovem e só conheceu mesmo os filmes dirigidos por Christopher Nolan é bom saber que houve uma primeira franquia que surgiu com Tim Burton e morreu com Joel Schumacher. E foi justamente esse filme aqui que enterrou a primeira quadrilogia do homem morcego nos cinemas. O interessante é que as filmagens foram muito badaladas pois todos queriam conferir o personagem com o novo queridinho de Hollywood, George Clooney. De fato ele estava no pique do sucesso, após provar que tinha conseguido fazer a complicada transição da TV para o cinema. Assim a Warner desembolsou uma fortuna para tê-lo na pele de Batman. O estúdio inclusive queria realizar o melhor filme de todos os tempos sobre o herói, com orçamento milionário e caprichos impensáveis naquela época, como por exemplo, contratar o astro Arnold Schwarzenegger para interpretar o vilão Mr. Freeze! Tudo parecia caminhar para a consagração de mais um grande blockbuster, desses que realmente arrasam quarteirões mas... tudo resultou em um grande desapontamento! Joel Schumacher, provavelmente inspirado na série televisiva dos anos 1960, optou erroneamente por dar ao filme um tom exageradamente cartunesco, beirando a paródia completa. O público não aceitou e a crítica detestou. Depois que Tim Burton tinha renovado o personagem com tintas sombrias era de fato uma surpresa e tanto uma abordagem tão pop e camp como essa. Desnecessário dizer que o filme naufragou completamente, se tornando um vexame para todos os envolvidos. George Clooney ainda tentou amenizar soltando algumas piadinhas sobre o uniforme ridículo que estava usando (com direito a mamilos salientes), mas nada disso salvou "Batman & Robin" de se tornar um dos maiores desastres da história da Warner Bros. Uma mancha negra complicada de apagar na história de um dos mais populares heróis de quadrinhos de todos os tempos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Linha Mortal

Título no Brasil: Linha Mortal
Título Original: Flatliners
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Joel Schumacher
Roteiro: Peter Filardi
Elenco: Kiefer Sutherland, Kevin Bacon, Julia Roberts, William Baldwin

Sinopse:
Um grupo de arrogantes estudantes de medicina decide desvendar um dos últimos grandes mistérios da ciência moderna: a morte! Eles não desejam vencer ela, mas apenas a sondar de dentro. Assim decidem realizar uma rede de experiências levando o corpo a um estado de quase-morte. A intenção é sondar essa fronteira, para tentar descobrir o que realmente de fato existe no outro lado da vida. O que eles não sabiam é que com isso acabam abrindo portas que jamais deveriam ter sido abertas. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais. Filme indicado ao prêmio Saturn da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Filme de Ficção e Melhor Atriz Coadjuvante (Julia Roberts). 

Comentários:
Alguns filmes melhoram bastante com o passar do tempo. Isso se deve principalmente aos roteiros, que sendo de boa qualidade, não envelhecem jamais. Um caso que se encaixa perfeitamente no exemplo acima é essa fita de suspense que fez bastante sucesso na época de seu lançamento, tanto nos cinemas como no mercado de vídeo VHS. Os personagens são extremamente interessantes, jovens estudantes de medicina, egocêntricos, arrogantes, cheios de si, afinal de contas eles estão no topo da cadeia alimentar no ultra concorrido universo dos cursos de ponta da carreira acadêmica americana. Para jovens assim não existem barreiras que os impeçam de irem até o limite. E o que seria mais tentador e ousado do que tentar explicar os mecanismos que rondam a própria morte? Assim no auge de sua petulância eles ousam tentar atravessar essa barreira, verificar o que existe no outro lado e voltar para contar o que viram. Não é uma das tarefas mais simples de realizar. O elenco de "Flatliners" conseguiu reunir um grupo de jovens atores - ainda desconhecidos do grande público na época - que nos anos que viriam iriam se tornar astros e estrelas do cinema americano. Dentre eles se destaca Julia Roberts, ainda colhendo os frutos do recente sucesso de "Uma Linda Mulher". A direção é do irregular Joel Schumacher, um cineasta conhecido por intercalar bons filmes com bombas atômicas. Aqui, para alívio geral, ele comparece com uma obra não apenas interessante, mas também bem desafiadora. Prova que, quando acerta a mão, ele consegue mesmo realizar bons filmes.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 26 de outubro de 2014

Clube da Luta

Título no Brasil: Clube da Luta
Título Original: Fight Club
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: David Fincher
Roteiro: Jim Uhls, baseado na obra de Chuck Palahniuk 
Elenco: Brad Pitt, Edward Norton, Helena Bonham Carter, Meat Loaf

Sinopse:
Tyler Durden (Brad Pitt) se junta a outros homens como ele, para violentos combates pelos subterrâneos das grandes cidades com o desesperado objetivo de escapar de alguma forma do marasmo e do tédio da vida moderna. Nesse mundo de extremos, um narrador (Edward Norton) conta suas experiências nesse submundo que muitos ignoram existir. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhores efeitos sonoros, melhores efeitos especiais e melhor edição. Indicado ainda a 19 outros prêmios, entre eles Brit Awards, MTV Movie Awards e Las Vegas Film Critics Society.

Comentários:
"Fight Club" foi muito badalado em seu lançamento. Não era para menos, pois de fato o filme unia uma proposta nova e inteligente com um roteiro cheio de boas sacadas. Os personagens retratam de certa maneira o vazio existencial que impera entre os mais jovens ou entre adultos que descobrem que o jogo finalmente acabou, que não há mais nenhuma esperança no fim do túnel. Para escapar do sufocante tédio do dia a dia e preencher esse vácuo em suas almas, eles partem em busca de emoções mais viscerais, animais mesmo, trazendo-os de volta a um estado mais natural e selvagem. A briga assim funciona não apenas como uma brilhante válvula de escape do massacrante cotidiano, mas também como um retorno às origens animalescas dos seres humanos. Para muitos especialistas estamos assim diante da maior obra prima assinada pelo criativo cineasta David Fincher. Não há como negar que Fincher é seguramente um dos cinco diretores mais brilhantes que surgiram em meados dos anos 1990. Seus filmes nunca se rendem ao lugar comum cinematográfico, especialmente aqueles que tinham tudo para se tornarem fitas descartáveis como "Seven" ou "O Curioso Caso de Benjamin Button", mas que numa verdadeira tacada de mestre se tornaram pequenos clássicos contemporâneos. O elenco também está em momento particularmente inspirado. Edward Norton, o narrador e também protagonista de tudo o que acontece, transparece em sua voz toda a melancolia e falta de ânimo de seguir em frente com sua vida enfadonha. Brad Pitt dá vida a um personagem completamente amoral, que não liga mais para qualquer tipo de valor humano que um dia tenha sido importante para a vida civilizada em sociedade. Infelizmente no Brasil o filme ficou também tristemente marcado por uma tragédia ocorrida em um cinema, quando um jovem estudante de medicina com problemas mentais abriu fogo contra o público em um cinema de São Paulo. Melhor esquecer esse tipo de coisa e louvar sempre o excelente nível desse "Clube da Luta", um dos melhores filmes do cinema americano surgidos dos últimos anos. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 25 de outubro de 2014

Onde o Diabo se Esconde

Título no Brasil: Onde o Diabo se Esconde
Título Original: Where the Devil Hides
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: LD Entertainment
Direção: Christian E. Christiansen
Roteiro: Karl Mueller
Elenco: Alycia Debnam Carey, Colm Meaney, Adelaide Kane, Jennifer Carpenter 

Sinopse:
Numa fechada e isolada comunidade religiosa nascem seis garotas no sexto dia do sexto mês. Para o líder e pastor Elder Beacon (Colm Meaney) isso é um claro sinal da presença do diabo pois o 666 está presente bem no meio daqueles acontecimentos. Após uma tragédia, os anos passam e as meninas se tornam finalmente mulheres. Prestes a celebrarem seus aniversários de 18 anos, uma série de mortes começam a acontecer dentro da comunidade. Estaria Beacon realmente com a razão ou tudo seria fruto apenas de uma visão fanática e fatalista de sua seita?

Comentários:
"Where the Devil Hides" começa muito bem. Somos apresentados àquela comunidade fechada em si mesmo, onde tudo gira em torno de uma visão religiosa fundamentalista da vida. As garotas são impedidas de conhecer rapazes fora da fazenda onde vivem, festas e bebidas também não são tolerados. Todos se vestem de forma igual, com vestimentas sóbrias e soturnas. As meninas vão tentando viver suas vidas da melhor forma possível naquele clima opressor, embora seja complicado para adolescentes viverem naquele ambiente de repressão e culpa. Para Mary (Alycia Debnam Carey) a situação é ainda mais delicada, já que ela tem constantes ataques de epilepsia que são interpretadas como manifestações diábolicas. Após sofrer quase um abuso sexual por parte do pastor, ela resolve ir embora, algo que não será muito fácil, pois fora criada longe do mundo moderno. Conseguirá se livrar da suposta maldição ao qual está supostamente condenada? O primeiro conselho que daria a quem for assistir a esse filme é não confiar inteiramente nas armadilhas do roteiro. Falar muito seria de certa forma estragar as surpresas, mas de antemão é válido informar que o espectador é levado a crer e acreditar em uma certa situação que parece ser a mais racional possível. De repente o roteiro dá uma reviravolta e tanto e o tom geral muda radicalmente (em minha opinião, não para melhor). Mesmo assim, com esse tipo de concessão não há como negar que é um horror curioso, diria até bem instigante, apesar do deslize final que comete. Só pecou mesmo por tentar ser pop e juvenil demais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Grito de Horror

Título no Brasil: Grito de Horror
Título Original: The Howling
Ano de Produção: 1981
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Joe Dante
Roteiro: John Sayles, baseado no livro de Gary Brandner 
Elenco: Dee Wallace, Patrick Macnee, Dennis Dugan

Sinopse:
Depois de um encontro bizarro e quase fatal com um serial killer, uma jornalista de televisão é enviada para um resort de verão nas montanhas remotas do meio oeste americano. O que ela nem desconfia é que os estranhos moradores locais guardam um segredo terrível, que poderá custar inclusive sua vida. Imagine seu pior medo se tornando realidade. Filme vencedor na categoria de Melhor Filme de Terror na Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films. Também vencedor na categoria de Melhor Direção (Joe Dante) do Avoriaz Fantastic Film Festival.

Comentários:
Joe Dante sempre foi um dos mais interessantes pupilos de Steven Spielberg. Como se sabe o sucesso e a fama de Spielberg durante os anos 1970 e 80 catapultaram seu nome a se tornar uma verdadeira marca dentro da indústria. Assim ele logo começou a também produzir filmes de cineastas amigos como Joe Dante e Robert Zemeckis, por exemplo. De todos os diretores que foram patrocinados por Spielberg nessa época, Dante foi um dos mais talentosos. Seu diferencial vinha do fato de ser um fã assumido da cultura pop americana em todos os seus níveis, quadrinhos, TV e música. Dentro desse caldeirão de influências surgiu um artista que nunca teve receios de ir além em seus filmes. Curiosamente um de seus primeiros sucessos foi justamente esse terror "Grito de Horror". O enfoque do enredo gira em torno de um dos monstros clássicos do cinema, o lobisomem. Esse período inclusive foi muito produtivo para os fãs dessa lenda, uma vez que ultimamente os lobisomens não andam tendo muita sorte, pois atualmente são enfocados apenas em fitas baratas e bastardas dentro do mercado, muitas delas abaixo da crítica. Aqui por outro lado temos um diretor talentoso, lidando com uma trama bem bolada, tudo embalado num ótimo clima nostálgico dos anos 1980. O clímax aliás se tornou famoso, influenciando bastante não apenas no mundo do filmes, mas dos quadrinhos também, isso apesar de ter sofrido críticas de que seria muito violento. Bobagem, isso faz parte do jogo nesse tipo de produção. Recentemente foi realizado um remake, mas de péssima qualidade. Prefira sempre o original, esse assinado por Joe Dante, pois você certamente não vai se arrepender.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 24 de outubro de 2014

Meus Vizinhos São um Terror

Título no Brasil: Meus Vizinhos São um Terror
Título Original: The 'Burbs
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Joe Dante
Roteiro: Dana Olsen
Elenco: Tom Hanks, Bruce Dern, Carrie Fisher, Corey Feldman

Sinopse:
Ray Peterson (Tom Hanks) é um típico paí de família americano que vê algo de estranho em seus novos vizinhos. Acostumado com uma amizade mais próxima de quem mora ao lado ele logo percebe que os novos moradores de sua rua não querem muita conversa com os seus vizinhos. Ray assim começa a colocar na cabeça que há algo de errado com aquela gente. Estaria certo ou tudo seria fruto apenas da falta do que fazer com sua vida?

Comentários:
Simpático e bem humorado filme estrelado por Tom Hanks, ainda em sua fase como comediante. Produzido por Steven Spielberg esse era o tipo de produção que não fazia muito alarde nas bilheterias de cinema, mas que depois encontrava seu lugar ideal no mercado de vídeo (em pleno auge do VHS), se tornando campeão de locações. O roteiro brinca com o chamado americano suburbano típico. É aquele cara que mora em uma boa casa nos subúrbios das grandes cidades e que leva uma vida levemente entediante. Para passar o tempo começa a xeretar a vida dos vizinhos. É curioso ver que em praticamente todos os filmes e séries que enfocam esse tipo de americano médio ele sempre é retratado como um idiota, completamente controlado pela esposa e filhos. Deve ser algum tipo de tradição na terra do Tio Sam, quem sabe. Deixando essas curiosidades sociológicas de lado o fato é que o filme é boa diversão, muito embora vá se perdendo aos poucos durante o desenrolar da trama. Os problemas do roteiro foram causados por uma grande greve de roteiristas em Hollywood na época, por isso o espectador vai claramente notar que embora comece muito bem o enredo vai perdendo qualidade até o seu final, que também não é grande coisa. Mesmo assim, com todos esses pequenos defeitos, o filme ainda diverte e funciona, principalmente se for encarado como um pipocão no fim de noite.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 23 de outubro de 2014

Papa Francisco pede a abolição da pena de morte e da prisão perpétua

Vaticano - O papa Francisco pediu a abolição da pena de morte, bem como a prisão perpétua, e denunciou o que chamou de "populismo penal" que promete resolver os problemas da sociedade, punindo o crime em vez de buscar a justiça social.

"É impossível imaginar que os Estados, hoje, não podem fazer uso de outros meios que não a pena de morte para defender a vida das pessoas a partir de um agressor injusto", disse o papa hoje em uma reunião com representantes da Associação Internacional de Direito Penal.

"Todos os cristãos e pessoas de boa vontade são assim chamadas hoje a lutar não só para a abolição da pena de morte, seja legal ou ilegal e em todas as suas formas, mas também para melhorar as condições das prisões, por respeito para com a dignidade humana das pessoas privadas de sua liberdade.", disse ele." A prisão perpétua é uma pena de morte camuflada."

O Papa observou que o Vaticano eliminou recentemente a prisão perpétua de seu próprio código penal. De acordo com o Catecismo da Igreja Católica, citado pelo Papa Francisco, em sua fala, "o ensinamento tradicional da Igreja não exclui o recurso à pena de morte, se essa for a única maneira possível de defender eficazmente a vida humana contra o agressor injusto, mas os avanços modernos em proteger a sociedade de criminosos perigosos demonstra que os casos em que a execução do infrator como uma necessidade absoluta são muito raros, se não mesmo praticamente inexistentes. "

O papa disse que, apesar de uma série de países aboliram formalmente a pena de morte, ela ainda existe. Depois concluiu afirmando que "a pena de morte, de forma ilegal e, em graus variáveis​​, é aplicada em todo o planeta", porque "execuções extrajudiciais são muitas vezes disfarçadas de confrontos com criminosos ou apresentadas como as conseqüências indesejadas do uso razoável, necessário e proporcional da força para aplicar a lei. "

O papa também denunciou a detenção de prisioneiros sem julgamento, que respondem por mais de 50 por cento de todas as pessoas presas em alguns países. Francisco ainda afirmou que prisões de segurança máxima podem se tornar uma forma de tortura, já que a sua "principal característica é o isolamento externo", o que pode levar a "sofrimentos psíquicos e físicos, tais como paranóia, ansiedade, depressão e perda de peso e aumentar significativamente a chance de suicídio. "

Ele também repreendeu os governos envolvidos no seqüestro de pessoas para "transporte ilegal para centros de detenção em que a tortura é praticada e permitida."

Fonte: CNS

Ligações Perigosas

Título no Brasil: Ligações Perigosas
Título Original: Dangerous Liaisons
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Warner Bros
Direção: Stephen Frears
Roteiro: Christopher Hampton
Elenco: Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Keanu Reeves, Uma Thurman

Sinopse:
Baseado no famoso romance "Les Liaisons Dangereuses" do autor Choderlos de Laclos (1741 - 1803), o filme "Ligações Perigosas" narra as intrigas, fofocas e ciladas sociais que se desenvolvem na corte francesa do século XVIII. De um lado o fútil e perigoso Visconde Sébastien de Valmont (John Malkovich), do outro a maquiávelica Marquesa Isabelle de Merteuil (Glenn Close) e no meio de todas as armações sociais a bela e jovem Madame de Tourvel (Michelle Pfeiffer). Um jogo mortal de sedução e poder dentro das relações entre nobres da monarquia francesa da época. Filme vencedor dos Oscars de Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Figurino e Melhor Direção de Arte.

Comentários:
Choderlos de Laclos foi um dos principais generais de Napoleão Bonaparte. Quando não estava nos campos de batalha lutando por seu imperador, escrevia romances. O livro que deu origem a esse filme logo se tornou um dos mais populares de sua carreira como escritor. Ele desvenda o jogo de poder e cobiça que existia dentro da corte francesa. O curioso é que o próprio Napoleão era fruto da revolução francesa, que procurava colocar abaixo a ordem social da monarquia daquela nação, mas tão logo assumiu o poder absoluto deu origem a também uma corte suntuosa e luxuosa, provando que nem sempre as boas intenções resultam em algo positivo. Deixando um pouco de lado esse contexto histórico o fato é que "Ligações Perigosas" tem uma das tramas mais saborosamente perversas da história do cinema americano. Stephen Frears, em grande momento, soube como poucos explorar as vilanices de seus personagens. Aqui, como obviamente podemos notar, o que importa é realmente passear pelas artimanhas e manipulações dos dois personagens centrais, ambos sem quaisquer escrúpulos pessoais ou valores morais, mas mestres na arte da manipulação social. Claro que apenas dois grandes atores poderiam tirar todo o potencial do texto literário para as telas de cinema. Nesse ponto John Malkovich e Glenn Close estão soberbos. Glenn Close em especial tem uma das melhores atuações de sua vida e quem a conhece sabe que isso definitivamente não é pouca coisa. O contraste da podridão de seus interesses e almas com a delicada inocência, juventude e beleza de Michelle Pfeiffer (linda no filme) garantem o alto nível do filme no quesito atuação. Em termos de produção o filme também apresenta um requinte único, com belíssima reconstituição de época, extremamente luxuosa nos mínimos detalhes. Um filme para se ter na coleção, com a finalidade de se rever sempre que possível. Cinema do mais puro e fino bom gosto.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

Marlon Brando - A História de um Mito - Parte 1

Em 1953 Marlon Brando entrou no set de seu novo filme, "The Wild One" que no Brasil seria intitulado "O Selvagem". Brando, já naquela altura considerado o maior rebelde de Hollywood, iria interpretar o papel de um jovem motoqueiro chamado Johnny Strabler. A direção seria do cineasta húngaro Laslo Benedek que havia dirigido a adaptação para o cinema do clássico da literatura "A Morte do Caixeiro Viajante" dois anos antes. Inicialmente Brando não viu grande coisa no roteiro. Para ele seria um filme apenas para cumprir contrato com o produtor Stanley Kramer. Como era um filme pequeno, de curta duração e com enredo simples, não haveria muito trabalho à vista. Nada que poderia se comparar com os filmes anteriores do ator, verdadeiras obras primas como "Espíritos Indômitos", "Uma Rua Chamada Pecado", "Viva Zapata!" e principalmente "Júlio César" que havia exigido muito dele em termos de atuação. Afinal de contas Brando havia suado a camisa para se sair bem em seus primeiros filmes, em especial o último, uma complicada adaptação para o cinema da famosa peça escrita por William Shakespeare, sob direção do austero Joseph L. Mankiewicz. Assim interpretar Johnny era quase como um passeio no parque. Além do mais Brando adorava motos e o universo que as cercava, então foi mesmo a união de algo que gostava de fazer em sua vida pessoal com a possibilidade de dar um tempo nos filmes mais sérios e desafiadores.

Para sua surpresa porém o filme virou um dos maiores cult movies da história. Inicialmente Brando não gostou da película. Como ele próprio recordou em suas memórias a primeira vez que assistiu a "O Selvagem", logo após sua estreia nos cinemas, não gostou mesmo do que viu. Achou o filme violento e sem conteúdo. Curiosamente a fita acabou virando o estopim de uma série de revoluções comportamentais ocorridas na juventude americana nos anos 1950, desembocando na revolução cultural que iria estourar nos anos 1960. Para Brando foi tudo uma grande surpresa. Ele não tinha consciência na época que havia todo um sentimento reprimido por parte dos jovens e que seu filme seria usado para aprofundar todos esses anseios. Johnny, na visão de Brando, era apenas mais um personagem a interpretar. A juventude da época porém viu de outro modo. Aquele motoqueiro, vestido de couro preto da cabeça aos pés, era a personificação da liberdade. O roteiro dava a ele uma conotação ruim, algo que não poderia ser usado como modelo, mas como um aviso contra a delinquência juvenil. Para reforçar isso o estúdio colocou um texto avisando sobre os males de se seguir o exemplo dos personagens. Brando percebeu que o tiro sairia pela culatra. A juventude em geral ignorou a mensagem moralista quadrada e obsoleta e abraçou o personagem como um ícone, um mito, um exemplo a seguir. Para Brando não poderia ser melhor e ele foi elevado à altura de símbolo máximo entre os jovens da época.

Realmente, do ponto de vista puramente cinematográfico "O Selvagem" não pode ser comparado aos demais clássicos que Brando rodou por essa época em sua carreira. Já do ponto de vista meramente cultural e sociológico é de fato um dos mais marcantes momentos de sua carreira no cinema. Isso porque o filme não pode ser visto apenas sob a ótica do que se vê na tela, e sim muito mais além disso, pois teve enorme influência dentro da sociedade, principalmente entre os jovens, que viram ali um modelo de liberdade incrível. Numa época em que havia grande repressão e os controles morais eram extremos, ver Johnny atravessando a América de moto, sem dar satisfações a ninguém, e vivendo com um grupo de rebeldes como ele, era de fato um impacto para o jovem americano típico dos anos 1950. Depois que Brando surgiu com aquela imagem ícone, nasceu toda uma cultura jovem no país, até porque a juventude de um modo em geral era completamente ignorada dentro da sociedade até então, sendo considerada apenas uma transição entre a infância e a vida adulta. Depois de Brando vieram James Dean - o maior símbolo de juventude que o cinema jamais produziu - o Rock ´n´ Roll, Elvis Presley e toda a iconografia da cultura jovem que conhecemos hoje em dia.

Para Brando o filme passou logo, mas os efeitos dele se tornaram duradouros. Assim que terminou as filmagens da fita ele foi procurado novamente por Elia Kazan. Ele o convidou para participar do filme "On the Waterfront" (no Brasil, "Sindicato de Ladrões"). Assim que leu o roteiro Brando entendeu do que se tratava. Era uma grande metáfora em forma de película, que justificava de certa forma o comportamento do próprio Kazan durante o Macartismo, onde ele havia dedurado vários colegas de profissão. Depois disso a biografia do cineasta havia sido manchada para sempre. Ele tencionava com o filme resgatar parte de seu prestígio dentro da comunidade cinematográfica, ao mesmo tempo em que justificava seu ato e pedia desculpas pelo que fez. No começo Brando relutou em fazer o filme. Desde sempre ele se considerava um liberal e o que Kazan havia feito era realmente algo desprezível. A vontade porém de realizar mais uma obra prima foi maior do que seus escrúpulos pessoais. Assim, ainda vestido de Johnny, ele se encontrou nos corredores da MGM e assinou o contrato com Kazan. Mal sabia que estaria prestes a realizar um dos maiores filmes de toda a sua carreira.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 22 de outubro de 2014

Educação Siberiana

Título no Brasil: Educação Siberiana
Título Original: Educazione Siberiana
Ano de Produção: 2013
País: Itália
Estúdio: Cattleya Studios
Direção: Gabriele Salvatores
Roteiro: Stefano Rulli, Sandro Petraglia
Elenco: John Malkovich, Arnas Fedaravicius, Vilius Tumalavicius, Eleanor Tomlinson

Sinopse:
Kolyma (Arnas Fedaravicius) nasce numa tradicional família de siberianos. Para viver os duros tempos da dominação soviética na região, seu avô lhe ensina as principais regras de sobrevivência. Para ele nenhum homem deve matar outro homem, a não ser que seja um russo comunista que encontrar pela frente. Esses podem ser degolados sem problemas. Assim Kolyma vai vivendo sua vida, ao lado dos amigos e membros numa distante e isolada região da fria Sibéria. Filme indicado ao Globo de Ouro - Itália, nas categorias Melhor Fotografia e Melhor Música.

Comentários:
O filme tem três linhas narrativas históricas, todas centradas no personagem Kolyma (Arnas Fedaravicius). Na primeira, durante sua infância, o espectador toma consciência de suas origens, personificadas em seu avô Kuzya (John Malkovich), que lhe passa os principais valores de um verdadeiro siberiano, entre eles o de odiar com todas as forças qualquer russo que tente se intrometer em sua vida. Depois, na segunda linha narrativa, acompanhamos sua juventude ao lado de seus amigos, vivendo de pequenos golpes aplicados nas redondezas. Pequenos furtos e roubos sem maiores consequências. Por fim vemos Kolyma servindo o exército, onde acaba tendo que enfrentar um velho amigo que está nas fileiras do inimigo, convertido agora ao islamismo. O elenco é multinacional, onde atores americanos, ingleses, russos e até lituanos dão vida aos personagens. Curiosamente não há nenhum siberiano presente, embora todo o enredo gire em torno das tradições e cultura daquele povo, que segue sendo oprimido pelas tropas russas em seu território até os dias de hoje. A paisagem é desoladora, um deserto branco de neve, mas a estória tem calor humano suficiente para manter o interesse. Além disso o texto tece um interessante painel tendo como pano de fundo períodos históricos importantes daquela distante região, passando pela dominação do regime Stalinista, seguindo com a queda da União Soviética e por fim caindo sob domínio de milícias criminosas e paramilitares. Um retrato no mínimo curioso de uma história que geralmente só conhecemos dos livros de história que ainda insistem em vender aquele período de regime comunista como uma época feliz e próspera para o povo que viveu sob sua sanguinária e opressora ditadura. Os eventos mostrados no filme mostram que definitivamente não foi bem assim.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Star Wars Rebels

Título no Brasil: Star Wars Rebels
Título Original: Star Wars Rebels
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: Disney Pictures
Direção: Steward Lee
Roteiro: Dave Filoni, Simon Kinberg
Elenco: Vanessa Marshall, Steve Blum, Taylor Gray

Sinopse:
Ezra Bridger (Taylor Gray) é um jovem que mora em um distante planeta perdido nos confins do universo. Quando tropas do império vão ao local receber um importante carregamento de armas ele acaba percebendo que há no meio da multidão um grupo de rebeldes prontos a colocar as mãos nas armas. Sem pensar duas vezes Ezra resolve por conta própria também entrar na jogada, tentando com isso ficar com a valiosa carga que valerá uma verdadeira fortuna no mercado negro. Animação baseada na obra originalmente criada por George Lucas.

Comentários:
Esse é o primeiro produto a ser lançado depois que a Disney comprou todos os direitos sobre a marca "Star Wars". Se trata de uma série com 12 episódios programados para a primeira temporada. O que temos aqui é uma animação que novamente explora aquele universo que já conhecemos tão bem. A má notícia é que não achei grande coisa. As naves imperiais estão lá, o clima em geral procura recriar os famosos filmes e até a trilha sonora evoca as notas musicais que tanto conhecemos. Mesmo assim não consegue empolgar. O roteiro apenas recicla elementos dos três primeiros filmes sem muito sucesso. O garoto simples que acaba entrando na batalha entre rebeldes e império pode ser visto como um plágio de Luke Skywalker. Os rebeldes que ele encontra pelo caminho - jedis obviamente - também vão soar familiares, mas nada disso vai elevar o nível dessa animação que para piorar tudo traz dois aspectos que me deixaram bem decepcionado. O primeiro se refere ao tom bem mais infanto juvenil do que nos filmes originais. Não adianta nutrir grandes esperanças sobre isso, pelo andar da carruagem a Disney suavizou tudo realmente, direcionando "Star Wars" para um público bem jovem, na faixa dos dez, doze anos. Agora mais surpreendente vem no segundo aspecto: não consegui gostar da própria animação sob o ponto de vista meramente técnico! Os personagens parecem ter saído de algum game não muito bem realizado. Seus cabelos mais parecem tapetes espessos e os rostos não são expressivos. Esperava tudo, menos que não fosse tão bem feito. Enfim, se isso for mesmo um preview do que vem por aí nos cinemas é bom os fãs de "Star Wars" começarem a se preocupar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 21 de outubro de 2014

Pompeia

Título no Brasil: Pompeia
Título Original: Pompeii
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures, Constantin Film International
Direção: Paul W.S. Anderson
Roteiro: Janet Scott Batchler, Lee Batchler
Elenco: Kit Harington, Carrie-Anne Moss, Emily Browning, Kiefer Sutherland

Sinopse:
Após ter seu povo vencido no campo de batalha por tropas romanas, o jovem Milo (Kit Harington) se torna escravo de um rico comerciante. Como desde cedo mostra ter muito talento com a espada logo é enviado para os campos de treinamento de gladiadores. Se destacando nas arenas é então escolhido para participar dos jogos principais em Pompeia. O que poucos percebem é que o enorme vulcão Vesúvio está prestes a entrar em erupção, após séculos de hibernação. As consequencias serão trágicas para todos os moradores.

Comentários:
O contexto histórico é dos mais interessantes, a destruição da cidade romana de Pompeia no ano de 79, durante o período de reinado do imperador Tito. O problema é que os roteiristas resolveram escrever uma trama das mais bobas e derivativas que já vi, aliada a um romance absurdo do ponto de vista histórico entre um escravo e uma rica jovem da classe patrícia de Roma. Ora, não precisa ir muito longe para entender que algo assim jamais aconteceria na vida real. Na verdade esse filme acabou me lembrando de outro que comete os mesmos erros, o blockbuster "Pearl Harbor" de 2001. Sob um pano de fundo histórico marcante se cria toda uma trama de ficção sem o menor interesse ou talento. Só sobra no final das contas o evento histórico em si, com uso farto de efeitos digitais de última geração. Quem for atrás disso nessa produção vai ter que esperar um bocado, já que a destruição de Pompeia só acontece mesmo nos 25 minutos finais do filme, sendo que até chegar lá o espectador será bombardeado por um roteiro nada promissor, que procura plagiar inúmeros filmes épicos sobre Roma do passado, passando por "Spartacus" e chegando até no óbvio "Gladiador". Infelizmente tudo embalado para consumo rápido de adolescentes que frequentam cinemas de shopping center, ou trocando em miúdos, cinema fast food por excelência. Também pudera, não era de se esperar muito do diretor inglês Paul W.S. Anderson, já que ao longo da carreira ele se especializou mesmo em fitinhas descartáveis como essa, ou coisas piores como "Mortal Kombat" ou "Alien vs. Predador". Com um currículo desses realmente não há como levar nada muito mais a sério. Em termos de elenco apenas Kiefer Sutherland desperta algum interesse na pele do senador Corvus. O casalzinho principal é sem sal, pouco interessante, liderado pelo inexpressivo Kit Harington. Assim se você estiver em busca de algum material sobre o cataclisma que se abateu sobre Pompeia aconselho ir atrás de algum documentário do Discovery ou History. Será muito mais instrutivo e cultural.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 20 de outubro de 2014

Fúria

Título no Brasil: Fúria
Título Original: Tokarev, Rage
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos, França
Estúdio: Image Entertainment
Direção: Paco Cabezas
Roteiro: Jim Agnew, Sean Keller
Elenco: Nicolas Cage, Danny Glover, Rachel Nichols, Max Ryan

Sinopse:
Paul Maguire (Nicolas Cage) é um rico e bem sucedido empreiteiro que vive um dos melhores momentos de sua vida. Casado pela segunda vez, pai de uma adorável adolescente, ele se sente feliz e realizado não apenas na profissão, como também em sua vida pessoal. Tudo muda numa noite quando resolve jantar fora ao lado de sua bela esposa. Ao retornar descobre um cenário completamente caótico em sua casa. Sua filha foi raptada e os dois jovens que a acompanhavam estão feridos após a suposta invasão de um grupo de homens fortemente armados. Pelo visto o passado criminoso de Maguire voltou para assombrar sua vida de conto de fadas.

Comentários:
Este é o novo filme de Nicolas Cage, atualmente em cartaz nos cinemas brasileiros. É a tal coisa, pouca qualidade tem sido vista nos últimos filmes do ator, então quando algo novo estrelado por ele entra no circuito comercial as expectativas não conseguem ser muito altas, haja visto as bombas que surgiram em sua filmografia recentemente. Aqui o roteiro tenta desenvolver uma trama de justiça pelas próprias mãos e vingança no submundo do crime. O personagem de Cage tem um passado sombrio, assim quando sua filha é raptada tudo leva a crer que algum fantasma do passado retornou para acertar contas com ele. Desesperado, ele resolve se unir a dois velhos parceiros para encontrar os sequestradores. Inicialmente ele desconfia da máfia russa instalada nos Estados Unidos. Após agredir e torturar alguns mafiosos ele consegue algumas informações, mas nenhuma delas parece consistente! Não há nenhuma certeza sobre quem teria sido o responsável pelo crime e é justamente em torno disso que o filme dará sua grande reviravolta final - que antecipo não é lá grande coisa, mas que certamente pegará muita gente desprevenida. Há bastante ação, a ponto inclusive de em determinado momento me lembrar dos antigos filmes dos anos 80, mas fora isso não há maiores surpresas. O bom e velho Danny Glover, da franquia "Máquina Mortífera", está em cena para reforçar ainda mais a nostalgia daqueles anos. Como diversão rápida até pode funcionar, embora não consiga se tornar em nenhum momento um grande thriller policial em termos gerais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 19 de outubro de 2014

Hamlet

Título no Brasil: Hamlet
Título Original: Hamlet
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Canal+, Carolco Pictures, Icon Entertainment
Direção: Franco Zeffirelli
Roteiro: Christopher De Vore
Elenco: Mel Gibson, Glenn Close, Alan Bates, Paul Scofield, Ian Holm, Helena Bonham Carter

Sinopse:
Hamlet (Mel Gibson) é um príncipe dinamarquês medieval que descobre que seu pai foi morto de forma covarde por uma conspiração palaciana liderada por seu próprio tio, para obter com o crime o trono para si. Agora Hamlet, em profunda crise existencial, resolve partir para a vingança contra todos os traidores e assassinos da corte. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte e Melhor Figurino. Também indicado ao BAFTA Awards na categoria Melhor Ator Coadjuvante (Alan Bates).

Comentários:
No começo dos anos 1990, contrariando todas as expectativas, o ator Mel Gibson resolveu ousar como nunca em sua carreira. Deixou os filmes de ação de lado e abraçou a ideia de interpretar o personagem Hamlet de William Shakespeare no cinema. Conforme esclareceu na época, Gibson queria mesmo era criar um vínculo de aproximação entre o texto clássico e a juventude, que naqueles tempos formava a grande massa de seus admiradores. A intenção como se pode ver, foi realmente muito boa, mas todos se perguntavam se alguma coisa boa poderia sair disso! A boa notícia é que sim, essa versão moderna de "Hamlet" em momento algum decepciona. O diretor Franco Zeffirelli foi bastante inteligente para não deixar tudo apenas nas costas de Gibson e resolveu colocar ao seu lado grandes atores e atrizes com formação teatral clássica. Isso acabou compensando qualquer deslize ou problema maior em recitar um texto tão rico nas telas. Outro ponto positivo, que sempre me chamou bastante a atenção, foi a delicada e discreta direção de arte. Cenários e figurinos medievais que jamais assumem uma posição de superioridade sobre o texto, que é afinal de contas a grande força desse enredo único e maravilhoso. Curiosamente Gibson acabou tendo atritos com Zeffirelli no set de filmagens, talvez por já ter naquela época um lado diretor que começava a despontar e aflorar. Anos depois chegou ao ponto de fazer pouco do trabalho de Franco Zeffirelli ao afirmar que havia se tornado diretor após trabalhar com ele.  "Se um cara como esse dirige filmes, por que não eu?" - brincou. Desavenças à parte, temos que reconhecer que um dos trunfos dessa adaptação vem justamente das decisões acertadas do diretor italiano. Uma pequena obra prima dos anos 90 que merece passar por uma nova avaliação que reconheça seus méritos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Alta Tensão

Título no Brasil: Alta Tensão
Título Original: Bird on a Wire
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: John Badham
Roteiro: Louis Venosta, Eric Lerner
Elenco: Mel Gibson, Goldie Hawn, David Carradine, Bill Duke

Sinopse:
Rick Jarmin (Mel Gibson) entra no Programa de proteção de testemunhas do FBI após testemunhar contra um poderoso chefão do narcotráfico, Eugene Sorenson (David Carradine). Quinze anos depois ele acaba encontrando por mero acaso com sua antiga noiva, Marianne Graves (Goldie Hawn), em um posto de gasolina. Ela pensara durante todos esses anos que ele tinha morrido em um acidente de avião. O reencontro acaba virando a vida de Rick de ponta cabeça, já que os criminosos só querem mesmo a chance de encontrá-lo novamente para um acerto de contas.

Comentários:
Uma divertida bobagem que uniu o astro dos filmes de ação Mel Gibson com a comediante gracinha Goldie Hawn! A fórmula parecia atrativa para a Universal e assim o filme foi realizado, meio a toque de caixa, com orçamento enxuto, logo após o grande sucesso de Gibson, "Máquina Mortífera II". O fato é que estúdio tinha faturado bem com a mesma Goldie Hawn em filmes que investiam em comédia e ação. Na maioria deles ela havia estrelado ao lado do maridão Kurt Russell. Ele era um ator até bem popular na década de 1980, mas não poderia ser comparado ao furacão Mel Gibson nas bilheterias. Assim o roteiro que foi inicialmente escrito para ser estrelado pelo casal acabou sendo oferecido a Gibson. A produção seria lançada após o verão americano, considerado o mais concorrido e comercial da temporada, só para manter o nome do ator em voga, enquanto ele não surgia em outro blockbuster. O resultado acabou sendo melhor do que o esperado. O filme que custou meros vinte milhões de dólares ultrapassou os 100 milhões em bilheteria em poucas semanas, comprovando que Mel Gibson vivia de fato a época de ouro de sua carreira cinematográfica. Como convém naquela época o roteiro mesclava explosões e cenas de ação com piadinhas engraçadinhas. Revisto hoje em dia a coisa toda ficou bem datada, mas não deixa de ainda divertir, principalmente para os saudosistas daqueles tempos passados.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 18 de outubro de 2014

Feitiço do Tempo

Título no Brasil: Feitiço do Tempo
Título Original: Groundhog Day
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Harold Ramis
Roteiro: Danny Rubin, Harold Ramis
Elenco: Bill Murray, Andie MacDowell, Chris Elliott

Sinopse:
Phil (Bill Murray) é um repórter que sua emissora de TV envia para cobrir o chamado "Dia da Marmota", uma daquelas tradições culturais que não fazem o menor sentido no meio oeste americano. A reportagem é das mais chatas e enfadonhas possíveis e Phil não tem o menor interesse em cobrir o evento. Para sua completa surpresa porém algo acaba saindo errado e ele começa a acordar todos os dias no mesmo exato momento de sua vida, repetindo tudo outra vez, sempre que abre os olhos pela manhã. Filme vencedor na categoria de Melhor Roteiro no BAFTA Awards.

Comentários:
"Groundhog Day" foi muito elogiado em seu lançamento. Ninguém esperava um roteiro tão bem construído em uma comédia dita de rotina na carreira de Bill Murray. De fato é um dos mais bem bolados textos que o ator já trabalhou (e olha que ele faria muitos filmes interessantes ao longo de sua trajetória artística nos anos seguintes). É importante também avisar ao espectador menos atento que terá que encarar um filme sui generis pela frente, bem fora dos padrões convencionais, onde o texto vai se construindo e se desenvolvendo em cima de um mesmo dia básico, no qual várias nuances das personalidades dos personagens vão aparecendo. O jornalista Phil, por exemplo, começa a aprender com seus erros, assim quando comete um erro em um dia, tenta se adaptar, se comportando de maneira diferente no dia seguinte - e para sua surpresa muitas vezes percebendo que as coisas também não dão certo mesmo quando ele se comporta de uma maneira diferente! O diretor e ator Harold Ramis, que assina a direção, morreu precocemente, em fevereiro último, e todas as notícias de sua morte procuraram lembrar desse seu excelente momento no cinema, como cineasta. Ele prova que foi muito mais do que apenas o Dr. Egon Spengler da franquia "Os Caça-Fantasmas", pois era, além de um ótimo ator de comédias, também um roteirista talentoso e um diretor mais do que promissor. Assim deixo a dica desse filme que mostra acima de tudo que, no final das contas, o que realmente conta em um filme é o seu bom roteiro.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Cine Western - Indomável

Título no Brasil: Indomável
Título Original: The Spoilers
Ano de Produção: 1942
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Ray Enright
Roteiro: Rex Beach, Lawrence Hazard
Elenco: Marlene Dietrich, Randolph Scott, John Wayne, Margaret Lindsay, Harry Carey 

Sinopse:
Durante a corrida do ouro no século XIX, dois mineiros e exploradores, Roy Glennister (John Wayne) e Al Dextry (Harry Carey), tentam descobrir uma mina com o valioso metal nas montanhas geladas da região, financiados pela cantora de saloons Cherry Malotte (Marlene Dietrich). Antes porém terão que enfrentar o ganancioso Alexander McNamara (Randolph Scott) que também está de olho em toda aquela riqueza mineral do subsolo. Roteiro baseado na novela escrita por Rex Beach.

Comentários:
O elenco desse western é simplesmente maravilhoso. Imagine ter em um mesmo cast três grandes nomes da história do cinema, a saber: John Wayne, Randolph Scott e Marlene Dietrich. Para fãs de faroeste ter dois grandes mitos do gênero na mesma produção já é algo que o torna completamente obrigatório. É uma pena que Wayne e Scott não tenham trabalhado mais vezes juntos. Além de grandes ícones do estilo, eles se entrosavam muito bem em cena. Talvez o fato de Randolph Scott ter abandonado o cinema no começo da década de 1960 explique a ausência de mais filmes com a dupla. Infelizmente Scott pendurou as esporas cedo demais, já que John Wayne seguiria trabalhando até o fim de sua vida e após a aposentadoria de Scott entraria numa das fases mais importantes de sua carreira, estrelando grandes clássicos do cinema de faroeste. Já Marlene Dietrich repete de certa forma um tipo de papel que seria muito comum e recorrente em sua filmografia, a da cantora e dançarina de cabarés, esbanjando sensualidade e uma personalidade forte e marcante - o que no final das contas a tornavam ainda mais sensual e atraente para os homens. Já que o filme se passa no velho oeste seu cenário se torna um saloon, cheio de pistoleiros, cowboys e toda a fauna típica desse tipo de filme. A produção recebeu uma única indicação ao Oscar, na categoria de melhor direção de arte, mas merecia muito mais, pois é de fato um faroeste acima da média, bem marcante, que hoje em dia frequenta tranquilamente todas as listas dos cem maiores títulos do gênero.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Cine Western - E Quatro Partiram a Cavalo


Título no Brasil: E Quatro Partiram a Cavalo
Título Original: Four Rode Out
Ano de Produção: 1970
País: Estados Unidos
Estúdio: Ada Films
Direção: John Peyser
Roteiro: Dick Miller, Paul Harrison
Elenco: Pernell Roberts, Sue Lyon, Julián Mateos, Leslie Nielsen

Sinopse:
Ross (Pernell Roberts) é um xerife federal que decide se unir a um investigador da famosa agência de investigações Pinkerton e uma bonita garota para perseguir um bandoleiro e assaltante pelas areias escaldantes do deserto na fronteira entre Estados Unidos e México. A caçada humana será vital para todos os envolvidos, logo se transformando em uma luta de vida ou morte.

Comentários:
Mais um faroeste americano que tentou seguir os passos do western Spaghetti, sem bons resultados porém. O filme é de fato fraco e o elenco, apesar de interessante, não consegue levantar a bola de um filme que no final das contas deixa muita gente boa a ver navios. O nome do ator Leslie Nielsen no elenco também pode levar os espectadores a falsa ideia de que irão assistir uma comédia escrachada. Na verdade o ator por essa época ainda estava a anos de estrelar seus pastelões que iriam levantar sua carreira muitos anos depois. Aqui Leslie Nielsen ainda não tinha enveredado por esses caminhos do humor sem limites. A atriz Sue Lyon, por outro lado, garante ao menos o sucesso estético da fita pois era de fato uma das beldades mais bonitas de Hollywood. Para quem não está ligando o nome à personagem ela foi a Lolita da primeira versão dirigida por Stanley Kubrick em 1962. O clássico enredo escrito por Vladimir Nabokov infelizmente não garantiu a ela uma carreira de sucesso constante, indo parar mesmo em fitas B como esse "Four Rode Out". Para finalizar uma informação importante: a fita chegou a ser lançada no mercado VHS no Brasil pela Paris Vídeo com o título de "Quatro Foram Embora".

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

As vidas de Marilyn Monroe - Parte 2

O sucesso de "Os Homens Preferem as Loiras" fez com que a Fox desse uma estrela na calçada da fama para Marilyn Monroe e Jane Russell, as estrelas do filme. Era uma grande honraria, só dada aos grandes astros e estrelas do passado. Jane reagiu muito bem à homenagem, chegando a dizer que "Já estava na hora" disso acontecer. Já Marilyn ficou completamente apavorada. Ela sentia-se muito jovem para ter sua própria estrela da fama e além disso passava longe de se considerar naquela altura de sua vida uma verdadeira estrela de cinema. No máximo Marilyn se achava uma modelo que tivera a sorte grande de ser levada à sério como atriz. A insegurança e o medo de ir para a cerimônia se tornou mais uma vez um problema. Como recorda sua cabeleireira particular Gladys, a quem Marilyn chamava carinhosamente de Gladyness, ela ficou em crise quando soube que seria homenageada em Hollywood. "Marilyn tinha um problema de auto estima muito grave, desenvolvido provavelmente em seus anos como órfã, em lares adotivos onde ninguém dava muita atenção para ela. Quando se é assim qualquer elogio ou homenagem é visto como algo embaraçoso demais para se lidar. Assim na manhã do dia em que haveria a fixação de sua estrela na calçada da fama ela me ligou logo cedo. Pelo tom de sua voz pensei que era algo muito sério, pois ela parecia estar em pânico. Quando cheguei em sua casa, dirigindo em alta velocidade, pude perceber que Marilyn estava aterrorizada na verdade apenas por não saber qual vestido usaria naquela tarde!". A insegurança de Marilyn já tinha ficado clara para sua amiga Jane Russell que relembrou anos depois em uma entrevista: "Marilyn era completamente insegura. Ela chegava mais cedo do que eu no set de filmagens, completamente preparada, com o texto na ponta de língua, mas ficava apavorada demais dentro do camarim, com medo de enfrentar a câmera. Era algo patológico em sua personalidade".

Para aliviar a tensão Marilyn começou a tomar doses e mais doses de Vodka russa. Quando chegou na calçada da fama ao lado de Jane Russell já estava devidamente calibrada para enfrentar aquele momento. Tudo o que ela tinha que fazer era molhar as mãos para colocar no cimento fresco e depois assinar com um palitinho seu nome ao lado da estrela da fama. Só sorrisos, ensaiou até algumas piadas para o público presente, dizendo que Jane deveria se abaixar para que o cimento preservasse seu famoso busto - e não parou por aí, chegou a dizer que iria sentar no cimento para que seu bumbum ficasse eternamente gravado na calçada da fama em Hollywood. Era óbvio que Marilyn estava de fogo por causa da vodka que havia tomado, mas ninguém se importou muito com isso, todos riram e a cerimônia foi um sucesso de divulgação e publicidade. A Fox até colocou um pequeno diamante no pingo do "i" de Marilyn para causar ainda mais impacto nos jornais (no final do dia os próprios funcionários do estúdio foram até o local para tirar a peça valiosa, uma vez que seria seguramente roubada durante a noite). Marilyn ficou extasiada com a homenagem e começou a dizer para amigos que pela primeira vez sentia-se uma verdadeira estrela. Todos na Fox a adoravam pois Marilyn procurava tratar todos os funcionários de maneira igual, fossem eles altos executivos ou empregados comuns, como faxineiros, maquiadoras, cabeleireiras, guardas, etc. Marilyn conhecia todos pelo nome e sempre os cumprimentava, mesmo depois quando virou a maior estrela do estúdio. No fim de ano ela também providenciava pequenas lembranças para todos, presentes que saía distribuindo a cada um. Eram mimos simples, mas significativos, que ela fazia questão de presentear.

Para sua professora particular de interpretação, Natasha Lytess, Marilyn foi além e deu de presente seu próprio carro, um Potomac branco que havia sido dado a ela pela Fox. O relacionamento de Natasha Lytess com Marilyn aliás ia muito além da simples relação professora-aluna. Natasha tinha desenvolvido ao longo dos anos uma grande paciência com a personalidade e o modo de agir de Marilyn. Como se sabe Marilyn poderia ser uma doce pessoa, quase uma criança indefesa, como também um monstro de irritação e ataques de raiva, pânico ou depressão. Natasha conseguia passar por cima de tudo isso. Para muitos autores a professora de Marilyn era na verdade lésbica e tinha uma grande atração pela atriz. Ao que tudo indica Marilyn, que era muito sensitiva sobre esse tipo de questão, logo percebeu que sua professora estava apaixonada por ela, e procurou respeitar sua opção sexual, mas sempre deixando subentendido nas entrelinhas que jamais haveria um romance entre elas. A verdade é que Marilyn Monroe tinha curiosidade em relação às lésbicas, embora soubesse que era cem por cento heterossexual. Naqueles tempos o preconceito era muito forte na sociedade e os gays em geral eram tratados como verdadeiras párias da sociedade. Marilyn porém tinha uma visão diferente e procurava respeitar todos eles. Quando alguém lhe contava uma piada sobre bichas, Marilyn imediatamente se sentia ofendida, dizendo que aquilo não era engraçado, mas sim um grande desrespeito com as pessoas homossexuais.

A verdade é que a atriz precisava mesmo de uma pessoa com muita paciência para lidar com ela no dia a dia. Monroe era completamente desorganizada em sua vida cotidiana. Ela poderia levar horas para chegar em um encontro e mesmo quando era algo relacionado ao seu trabalho a atriz poderia simplesmente esquecer de aparecer. Mais de uma vez ligou para Natasha para que ela a viesse buscar na rodovia de Los Angeles pois tinha esquecido de colocar gasolina em seu carro e tinha ficado parada no meio do caminho, sem combustível. Seu apartamento era de uma bagunça incrível, com roupas jogadas pelo chão e móveis fora do lugar. Anos depois Natasha confidenciou que tinha ficado chocada na primeira vez que entrou no apê de Marilyn. Havia roupas em todos os lugares, malas abertas, gavetas fora do lugar. Por anos Marilyn havia vivido em diversos apartamentos perto de Hollywood. Quase sempre deixava de pagar o aluguel e era despejada. Isso criou nela um hábito de deixar sua mala sempre por perto, pois era quase certo ela de repente precisaria colocar tudo dentro dela para ser despejada mais uma vez. Contas de telefone também eram outro problema na vida de Marilyn. Ela ficava horas e horas conversando ao telefone, mas nunca se lembrava de pagar as contas. Ao longo da vida Marilyn foi processada mais de dez vezes por longas contas de telefone que nunca pagou.

Pablo Aluísio.