quinta-feira, 31 de março de 2016

Os Garotos Perdidos

Título no Brasil: Os Garotos Perdidos
Título Original: The Lost Boys
Ano de Produção: 1987
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Joel Schumacher
Roteiro: Jan Fischer, James Jeremias
Elenco: Jason Patric, Corey Haim, Kiefer Sutherland, Dianne Wiest
  
Sinopse:
Depois de se mudarem de sua cidade dois irmãos começam a suspeitar que a região para onde foram morar está na verdade infestada de vampiros pelas redondezas. Filme vencedor do prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria de Melhor Filme de Terror. Também indicado nas categorias de Melhor Maquiagem, Figurino, Ator (Corey Haim) e Melhor Ator Coadjuvante (Barnard Hughes).

Comentários:
Muitos dizem que Joel Schumacher é um cineasta que só realiza porcarias. Bobagem, ele certamente é um diretor de altos e baixos, mas também acerta o alvo quando lhe convém. Esse "The Lost Boys" é um exemplo. Pense bem, esse filme já adentrou a esfera dos cult movies, sendo considerado hoje em dia um dos melhores filmes de terror dos anos 80 - o que não deixa de ser um título pra lá de honroso. O roteiro não esconde suas pretensões. Foi uma forma de revitalizar a figura do vampiro para as novas gerações. Não no sentido do que hoje isso significa (transformando vampiros em adolescentes bobos e apaixonados), mas sim em resgatar o monstro do passado para lhe dar uma nova roupagem, mas de acordo com os jovens daquela época. O resultado se mostra desde o começo muito acertado. Há ótimas decisões de linguagem, como a câmera sobrevoando a cidade como se fosse o ponto de vista de um vampiro e uma trilha sonora muito bem escolhida, com alguns clássicos do rock. Além disso o uso bem bolado do visual Heavy Metal dos jovens dos anos 80 acabou, vejam só, se encaixando muito bem na proposta. Enfim, "The Lost Boys" é realmente um achado para quem curte vampiros adolescentes assassinos em geral. Uma ótima diversão que resistiu até mesmo ao tempo, mostrando que tal como seus personagens também se mostra forte candidato a se tornar também imortal. Quem diria...

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Need for Speed - O Filme

Título no Brasil: Need for Speed - O Filme
Título Original: Need for Speed
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos
Estúdio: DreamWorks SKG
Direção: Scott Waugh
Roteiro: George Gatins
Elenco: Aaron Paul, Dominic Cooper, Imogen Poots

Sinopse:
As coisas não andam muito bem para Tobey Marshall (Aaron Paul). Tudo o que sempre sonhou foi ser um grande piloto de corridas, mas a realidade é bem diferente disso. Após a morte de seu pai, ele herdou uma oficina praticamente falida que toca ao lado de seus amigos de longa data. Para escapar do tédio resolve participar de perigosos rachas com carros possantes nas ruas da cidade onde mora. Esse seu hobby ilegal porém o colocará em muito problemas, inclusive com a lei.

Comentários:
Adaptação para o cinema do game "Need for Speed", um dos mais populares de seu nicho de mercado. Bom, só o fato de ser baseado em um game já jogaria as expectativas lá para baixo, uma vez que até hoje essa transição nunca deu muito certo - aliás legou à sétima arte grandes bombas cinematográficas. Curiosamente esse aqui não é tão ruim, na verdade até diverte bastante, se o espectador se concentrar basicamente nas cenas de velocidade e corridas. O filme tecnicamente é muito bem realizado, com ótima edição e impressionantes efeitos sonoros, o que era de se esperar pois os carrões exigem esse tipo de tecnologia. Outro ponto forte do filme vem com a presença do carismático Aaron Paul, sim, ele mesmo, o Jesse Pinkman de "Breaking Bad". Livre das amarras contratuais da série ele agora tenta fazer a (sempre complicada) transição para o mundo do cinema, deixando o mundo da TV para trás. Seu filme anterior, "Uma Longa Queda", que inclusive já comentei aqui pelo blog, não era grande coisa, mas esse pode ser um novo recomeço para o ator nas salas de cinema, uma vez que o filme acabou sendo bem sucedido em termos de bilheteria. Os fãs dos games provavelmente vão preferir seus jogos, já que são linguagens diferentes, mas os fãs de filmes de ação e carros possantes certamente gostarão do resultado, pois de uma certa forma o filme chega até mesmo a ser melhor do que a franquia "Velozes e Furiosos", o que não deixa de ser uma boa notícia para os aficionados nesse tipo de produção.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Michael Jackson - Bad

Título Original: Bad
Artista: Michael Jackson
Ano de Produção: 1987
País: Estados Unidos
Estúdio / Selo: CBS
Produção: Michael Jackson, Quincy Jones
Formato Original: Vinil
Músicos: Michael Jackson, Steve Wonder, Eric Gale, Maxi Anderson, David Williams entre outros.

Faixas: Bad / The Way You Make Me Feel / Speed Demon / Liberian Girl / Just Good Friends / Another Part of Me / Man in the Mirror / I Just Can't Stop Loving You / Dirty Diana / Smooth Criminal / Leave Me Alone.  

Comentários:
Esse álbum realmente tinha uma tarefa impossível de cumprir, a de superar o sucesso e as vendas do disco anterior de Michael Jackson, "Thriller", até hoje o LP mais vendido de todos os tempos. Claro que jamais iria alcançar aquele tipo de êxito comercial mas a indústria fonográfica tinha esperanças que aquilo ainda era possível de se repetir. No final das contas não deu. Na verdade "Bad" vendeu pouco mais da metade das cópias de "Thriller". Além disso não conseguiu a façanha de transformar praticamente todas as suas faixas em hits, como havia acontecido no disco anterior. Mesmo assim vendeu horrores, ganhando 20 discos de platina por suas vendas. Também consolidou Michael Jackson como o maior astro da música de seu tempo. Infelizmente aspectos bizarros de sua vida pessoal começaram também a pipocar nos jornais por essa época, isso foi ruim pois ofuscou o lado artístico de Jackson, dando margem ao aspecto mais sensacionalista de sua vida. Revisando "Bad" nos dias de hoje chegamos na conclusão que a boa sonoridade ainda resiste, embora algumas faixas tenham perdido relevância com o tempo justamente por terem se rendido em demasia aos padrões meramente comerciais dos anos 80. 

Pablo Aluísio.

Bel Ami - O Sedutor

Título no Brasil: Bel Ami - O Sedutor
Título Original: Bel Ami
Ano de Produção: 2012
País: Estados Unidos
Estúdio: Redwave Films, 19 Entertainment
Direção: Declan Donnellan, Nick Ormerod
Roteiro: Rachel Bennette
Elenco: Robert Pattinson, Uma Thurman, Kristin Scott Thomas, Christina Ricci
  
Sinopse:
Georges Duroy (Robert Pattinson) é um jovem sedutor em Paris que usa de sua beleza para subir na escala social, usando para isso mulheres ricas e influentes dentro da sociedade. Roteiro baseado na novela escrita pelo autor Guy de Maupassant, cuja trama é parcialmente baseada em fatos reais. 

Comentários:
A produção é muito boa, figurinos luxuosos, boa reconstituição de época, clima adequado... Inicialmente você pensa sinceramente que vai assistir no mínimo um bom filme mas aí... entra em cena Robert Pattinson! Nada tenho de pessoal contra ele, até já cheguei a elogiá-lo em filmes mais recentes onde ele acertou, mas aqui... não há salvação - ele está completamente fora do tom, deslocado no tempo e no espaço, sem charme (essencial para o personagem) e desfilando suas expressões de paisagem. Nada se salva em seu trabalho o que é uma grande pena já que o elenco feminino de apoio é dos melhores. Elas (entenda-se Uma Thurman, Kristin Scott Thomas e Christina Ricci) realmente salvam o filme de afundar feito o Titanic. Thurman nunca foi particularmente bonita, porém conseguiu uma boa atuação com sua personagem Madeleine Forestier. Kristin Scott Thomas como Virginie Rousset é outro ponto positivo em termos de elenco. Delas eu destacaria mesmo como acima da média Christina Ricci interpretando o papel de Clotilde de Marelle! Muitos a consideram apenas uma atriz esquisita especializada em personagens bizarros, mas penso diferente. Permitam-me discordar. Sua beleza (sim, a considero bonita) provém de um tipo de estética diferente, mas não esquisita. Nesse filme então ela está ótima nesse aspecto. Por elas não jogaria o filme no lixo, essa é a conclusão final a que chego.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 30 de março de 2016

Tubarão 4 - A Vingança

Título no Brasil: Tubarão 4 - A Vingança
Título Original: Jaws - The Revenge
Ano de Produção: 1987
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Joseph Sargent
Roteiro: Michael De Guzman
Elenco: Michael Caine, Lorraine Gary, Lance Guest, Mario Van Peebles
  
Sinopse:
Uma série de mortes começam a ocorrer em um resort nas Bahamas. Inicialmente a guarda costeira atribui os desaparecimentos de diversos turistas e moradores a meros acidentes ou afogamentos, mas para Ellen Brody (Lorraine Gary) todas as mortes devem ser atribuídas a uma espécie de tubarão branco imenso, maior do que o normal, que tem um insaciável desejo de devorar seres humanos. Filme vencedor do prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria de Melhor Atriz (Lorraine Gary). "Vencedor" do Framboesa de Ouro na categoria de Piores Efeitos Especiais.

Comentários:
Sim, existe um quarto filme da franquia original de "Tubarão", isso apesar da terceira continuação ter sido massacrada pela crítica. Massacre aliás bastante justificado já que o filme era realmente ruim de doer. Pois bem, mesmo com tudo de ruim que ocorreu no filme anterior e mesmo com os apelos do próprio Steven Spielberg para que a franquia fosse encerrada, resolveu-se seguir em frente. Na verdade a Universal não conseguia largar o osso. Os filmes eram assumidamente ruins, mas davam bilheteria afinal de contas. Aqui eles resolveram chamar o ator veterano Michael Caine para dar uma forcinha. Eu me lembro perfeitamente bem como Caine foi criticado por participar de algo assim. Na época se disse que ele era um daquela atores que topavam qualquer coisa por um bom cachê. Ele foi acusado de não zelar pelo prestígio de sua carreira. O próprio Caine levou tanta paulada da crítica que precisou até mesmo sair se justificando de ter feito parte de um elenco desses. Na época seu bom humor tipicamente inglês o salvou de sofrer um linchamento cultural maior. E o filme em si? É uma porcaria, lamento dizer. Resolveram simplificar tudo (entenda-se escreveram um roteiro pobre e sem conteúdo) e levaram o tubarão para as Bahamas. Isso pelo menos trouxe uma bonita fotografia para o filme como um todo. Pena que o resto do filme não seja nada bonito, com uma trama capenga e atores preguiçosos e sem talento. Os efeitos especiais são péssimos o que levou o filme a ser lembrado no Framboesa de Ouro por isso. Tirando o mico de Caine de participar de um filme tão caça-niqueis como esse ninguém mais hoje em dia dá a menor bola para essa produção - merecidamente alias.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Imensidão Azul

Título no Brasil: Imensidão Azul
Título Original: Le grand bleu
Ano de Produção: 1988
País: França, Estados Unidos, Itália
Estúdio: Gaumont, Les Films du Loup
Direção: Luc Besson
Roteiro: Luc Besson, Robert Garland
Elenco: Jean-Marc Barr, Jean Reno, Rosanna Arquette

Sinopse:
Dois amigos de longa data, um francês e um italiano, entram numa disputa sem limites. Grandes mergulhadores, eles resolvem competir entre si para saber quem seria o maior mergulhador em águas profundas. A rivalidade entre ambos porém não fica apenas nas competições esportivas mas na disputa pelo coração de uma bela americana também. Filme baseado em fatos reais.

Comentários:
Esse foi o primeiro filme assinado por Luc Besson que tive o privilégio de assistir. A ocasião não poderia ser melhor, um festival de cinema cult, onde se fazia um panorama do novo cinema francês. A primeira impressão que "Le grand bleu" causa no espectador é de extrema beleza. Não há outra forma de definir. O cineasta fez questão de que cada tomada tentasse de alguma forma fazer jus à beleza do mar, seu infinito azul e seus mistérios. O roteiro certamente explora a obstinação do ser humano, na figura do mergulhador que deseja bater o recorde mundial a todo custo, sempre tentando superar os outros e a si mesmo. Apesar dessa linha narrativa o grande protagonista não é o homem mas a natureza, o mar. Esse é o tipo de filme que fica para sempre em sua mente por causa da beleza das imagens. O elenco não era marcante (para falar a verdade apenas Rosanna Arquette tinha algum nome pois Jean Reno não era tão famoso como agora) e o diretor pouco conhecido fora da França. Assim o que fez o filme se destacar, ganhando vários prêmios mundo afora foi mesmo sua maravilhosa fotografia. Um dos mais bonitos retratos das profundezas do oceano e dos limites do homem jamais feito.

Pablo Aluísio.

Frank Sinatra - Sinatra's Sinatra

Gosto muito desses discos antigos, com jeito e capa de LPs dos anos 1960. Esse "Sinatra's Sinatra" foi lançado nos Estados Unidos pelo selo Reprise e só trazia a nata do repertório do cantor, que diga-se de passagem, estava deixando de ser apenas um artista para ser também um empresário de sucesso no ramo musical. E isso lembra um fato curioso. Sinatra não gostava muito de coletâneas quando era apenas um cantor contratado. Ele achava que isso resumia em demasia a qualidade de um verdadeiro intérprete, mas mudou de opinião quando ele próprio virou seu próprio agente, produtor e dono de selo musical. Como sabemos essa velha e bem antiga fórmula de "maiores sucessos" sempre vendeu muito bem. Sinatra sabia muito bem disso já que não era bobo nem nada, por isso logo estava usando da velha artimanha de marketing para melhorar o lucro de sua empresa. Esqueceu o que havia dito antes como mero artista e caiu no jogo do mundo dos negócios. Afinal a Reprise tinha que dar o lucro esperado por seus investidores.

A seleção é das melhores. As gravações são de alto nível - absurdo nível, diria, e conta com a maravilhosa dobradinha Sinatra e Nelson Riddle, cujo nome foi colocado na capa, em destaque, pelo próprio Frank Sinatra. Um reconhecimento muito sincero por parte dele. É
aquele tipo de álbum que você gostará da primeira à última faixa. Também o que dizer de uma abertura com o clássico "I've Got You Under My Skin"? Achou pouco? Logo em seguida temos a premiada "In the Wee Small Hours of the Morning" do imortal disco do cantor de 1955, um dos melhores trabalhos realizados por ele na Capitol Records em toda sua carreira. Uma das faixas, "Call Me Irresponsible", ficaria maravilhosa anos depois na voz de Dean Martin, até por causa da personalidade dele, mas a de Sinatra também não fica muito atrás em nenhum aspecto. Um primor! Assim só posso deixar a recomendação. Esse disco tenho há muitos anos, ainda na era do vinil, e é uma das preciosidades que não consigo me desfazer. Já criei inclusive vínculo emocional com ele, impossível jogar fora para substituir por um mero CD. Elegância, charme e bom gosto reunidos em 12 excepcionais registros. Realmente um álbum de classe.

Frank Sinatra - Sinatra's Sinatra (1964)
1. I've Got You Under My Skin
2. In the Wee Small Hours of the Morning
3. The Second Time Around
4. Nancy
5. Witchcraft
6. Young at Heart
7. All the Way
8. (How Little It Matters) How Little We Know
9. Pocketful of Miracles
10. Oh! What It Seemed to Be
11. Call Me Irresponsible
12. Put Your Dreams Away

Pablo Aluísio.

terça-feira, 29 de março de 2016

Back to the Future - Soundtrack

Título Original: Back to the Future - Soundtrack
Artista: Vários
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos
Estúdio / Selo: Warner Bros
Produção: Alan Silvestri
Formato Original: Vinil
Músicos: Huey Lewis and the News, Lindsey Buckingham, The Outatime Orchestra, Eric Clapton, Etta James, Marvin Berry and the Starlighters.

Faixas: The Power of Love / Time Bomb Town / Back to the Future / Heaven Is One Step Away / Back in Time / Back to the Future Overture / The Wallflower  / Night Train / Earth Angel / Johnny B. Goode.

Comentários:
Fechando esse revival de álbuns de sucesso dos anos 80 deixaremos aqui a dica dessa trilha sonora do filme "De Volta Para o Futuro". Sem dúvida uma das mais saborosas e divertidas ficções da história do cinema. O enredo que levava o protagonista de volta aos anos 50 (o berço do rock) certamente abriria espaço para uma seleção musical de primeira. E é justamente o que temos aqui, ótimas canções e faixas realmente inspiradas. Claro que muitos vão classificar o disco como mero lixo musical, mas não é bem por aí. Trilhas Sonoras sempre sofreram de um certo tipo de preconceito no mundo musical, principalmente se soarem como meras coletâneas ao estilo FM (o que de certa forma acontece em parte nesse álbum).

Obviamente o disco tem sua cota de bobagens, mas também tem momentos excepcionais com Eric Clapton (Heaven Is One Step Away) e Chuck Berry (Johnny B. Goode, aqui em ótima versão da banda do personagem principal, Marty McFly e os Starlighters). Pena que três clássicos que aparecem no filme ("Mr. Sandman" do Four Aces, "The Ballad of Davy Crockett" de Fess Parker e "Pledging My Love" de Johnny Ace) tenham ficado de fora. De qualquer maneira para compensar um pouquinho tem o Huey Lewis and the News cantando a inesquecível "The Power of Love" - quem viveu os anos 80 vai entender!

Pablo Aluísio.

Pânico no Lago

Título no Brasil: Pânico no Lago
Título Original: Lake Placid
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Fox 2000 Pictures
Direção: Steve Miner
Roteiro: David E. Kelley
Elenco: Bridget Fonda, Bill Pullman, Oliver Platt
  
Sinopse:
Black Lake, no estado americano do Maine, é um dos lugares mais procurados por turistas durante o verão. Uma região linda que promete com sua beleza natural muitos momentos de descanso e lazer para os que a visitam. E é justamente nesse bucólico lugar que começam a ocorrer mortes violentas, provavelmente causadas por um gigantesco crocodilo assassino.

Comentários:
Virou uma franquia cinematográfica e eu sinceramente nunca consegui entender exatamente a razão. Não é um bom filme de terror e sequer pode ser considerado original sob qualquer ponto de vista que se olhe. Na verdade o enredo é uma coisa bem antiga, ultrapassada. Essa coisa toda de crocodilos assassinos gigantes já era utilizada em plenos anos 1950, no auge do cinema Sci-fi de monstros e derivados. Provavelmente seja uma velha adaptação (ou diria plágio) de um antigo filme B da Universal onde o crocodilo se tornava gigantesco por causa da radiação de uma usina nuclear próxima ao pântano! Como na Hollywood atual nada se perde, tudo se recicla, por causa do deserto de originalidade que se abate sobre os roteiristas, resolveu-se então requentar esse velho prato frio. O resultado é bem decepcionante, a não ser que você ainda se aterrorize com algo assim, o que acho difícil de acontecer, a não ser que você seja apenas um adolescente facilmente impressionável. No final das contas a única coisa boa que se salva é a beleza da atriz Bridget Fonda, que era muito bonita e charmosa na época. Fora ela é melhor esquecer todo o resto.

Pablo Aluísio.

O Dragão Chinês

Título no Brasil: O Dragão Chinês
Título Original: Tang Shan Da Xiong
Ano de Produção: 1971
País: Hong Kong
Estúdio: Golden Harvest Company
Direção: Wei Lo, Chia-Hsiang Wu
Roteiro: Wei Lo
Elenco: Bruce Lee, Maria Yi, James Tien
  
Sinopse:
Cheng Chao-an (Bruce Lee) é um jovem rapaz que, em busca de trabalho, resolve mudar de cidade. No novo endereço acaba encontrando emprego numa fábrica de gelo ao lado de seus primos. Ele está buscando um novo rumo para sua vida pois agora pretende cumprir a promessa que fez aos seus pais de não mais se envolver em brigas e lutas, algo que o prejudicou bastante no passado. No entanto quando membros de sua família começam a desaparecer, Cheng entende que precisa agira contra os crimes de um poderoso chefão da máfia local.

Comentários:
O ator e lutador de artes marciais Bruce Lee se enquadra naquele tipo de astro de cinema cuja lenda é maior do que o seu próprio legado nas telas, sua filmografia. Por ter morrido muito cedo, vítima de uma morte pouco explicada, ele acabou virando um ícone cultural. Realizou poucos filmes. Astro em Hong Kong sempre encontrou dificuldades em entrar no concorrido mercado americano, tanto que teve que procurar um espaço na TV onde veio a participar de séries como "Batman" e "The Green Hornet" onde interpretava o ainda muito lembrado personagem Kato. Claro que após sua morte a indústria de cinema de Hong Kong usou seu nome para vender uma centena de produções ruins, meras imitações baratas, com atores usando nomes parecidos, tudo para enganar o público. Foi uma infinidade de Bruce Les, Bryce Lees, Brucce Lis e coisas do tipo. Acabou no final das contas dando nome a todo um subgênero cinematográfico de filmes de artes marciais com orçamentos insignificantes e produções fundo de quintal. Nesse "Tang Shan Da Xiong" temos o verdadeiro Bruce Lee. O filme hoje em dia não vai parecer grande coisa, mas na época de seu lançamento se tornou uma unanimidade entre os especialistas em lutas e artes marciais em geral. Ele realmente tinha muita técnica e era um ótimo mestre em sua especialidade. Bruce era também bastante ciente do que daria ou não certo em um filme e por essa razão criou coreografias que ficassem perfeitas nas cenas e nas telas. De certo modo o roteiro e a trama eram meras desculpas para que Lee desfilasse seu farto repertório de golpes e poses. Um filme para um determinado nicho de público que mesmo assim não deixa de ser muito interessante para fãs da história do cinema de uma maneira em geral. O símbolo de uma era que já não existe mais.

Pablo Aluísio.

Namorados Para Sempre

Título no Brasil: Namorados Para Sempre
Título Original: Blue Valentine
Ano de Produção: 2010
País: Estados Unidos
Estúdio: Silverwood Films, Alliance Films
Direção: Derek Cianfrance
Roteiro: Derek Cianfrance, Joey Curtis
Elenco: Ryan Gosling, Michelle Williams, John Doman
  
Sinopse:
Jovem casal passa por várias dificuldades em seu prematuro e instável relacionamento. Ele trabalha como pintor e ela como enfermeira em uma clínica médica. Apesar de serem jovens já estão saturados e devastados pela dura vida que levam. A partir do momento em que ela planeja um futuro pela vida, ele se contenta pelo que já tem. A diferença de ambições e o fim da paixão acabam colocando todo o relacionamento na berlinda. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Atriz (Michelle Williams). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Atriz (Ryan Gosling) e Melhor Ator (Michelle Williams).

Comentários:
Em uma época em que o cinema parece ser um jovem que só lê gibis, "Blue Valentine"é um sopro de ar fresco nessa situação infanto-juvenil. O filme tem temática adulta, é muito humano, sensível, realista e para falar a verdade até mesmo barra pesada. Isso porque ao longo do filme somos apresentados a duas linhas narrativas que retratam o mesmo casal em momentos distintos de sua vida, ao se conhecerem e ao vivenciarem a destruição de seu relacionamento. Como quase sempre acontece nas relações humanas tudo é lindo e maravilhoso no começo do namoro, mas conforme a vida passa os dois acabam descobrindo que o amor, se um dia chegou a existir, simplesmente desapareceu. Uma situação tão realista que todos vão de uma forma ou outro se identificar. Esse título nacional é completamente absurdo e só pode ter sido criado por alguém que não viu o filme! "Namorados Para Sempre" é tudo o que o filme não é. Aliás se eu fosse utilizar a mesma fórmula idiota do tradutor nacional colocaria o nome do filme de "Não Somos Mais Namorados e o Casamento é uma Droga". Isso porque é justamente essa frase que resume o enredo aqui. Todo argumento inteligente de um filme bom tem uma tese por trás. Na minha forma de entender a tese por trás de "Blue Valentine" é a de que não existe possibilidade de sucesso em um relacionamento de duas pessoas que estão em momentos diversos da vida. Ela, estudiosa e exercendo uma profissão está em um ponto diferente da vida dele, que nunca estudou, é uma pessoa sem ambições e estagnado. O fato é que conforme mostrado no filme as pessoas mudam ao longo do tempo, conhecem outras pessoas interessantes, criam outros vínculos e nesse processo o que poderia ser interessante em uma época já não é mais em outra fase da vida. E isso se refere a tudo, inclusive amores. Quantas vezes você não já se viu nessa situação? O namoradinho da adolescência já não é mais a pessoa que seria adequada a você nesse momento de sua vida. Ele perdeu o antigo charme e agora é quase um estranho em sua vida. O filme discute justamente essa questão, pois muitas vezes o amor do passado pode se tornar facilmente o fardo do presente. Reflita sobre isso.

Pablo Aluísio.

Tennessee

Esse é um pequeno filme independente (custou meros quatro milhões de dólares apenas) que conta em seu elenco com uma estrela pop da música americana, a cantora Mariah Carey. Ela interpreta Krystal, uma garçonete infeliz que cruza o caminho de dois irmãos em busca de redenção. Eles estão voltando para a sua cidade natal no Tennessee em busca de seu pai, um sujeito violento e abusivo, que foi largado pela esposa por causa da violência. Os dois irmãos também sofreram muito na infância, mas agora retornam com um motivo forte: o pai pode ser o doador de medula óssea que irá salvar a vida de um dos irmãos que está morrendo de leucemia. Como a vida de Krystal também não é o que se pode qualificar de  feliz, ela resolve pegar a estrada junto com eles. Seu objetivo é chegar em Nashville pois ela tem um sonho de se tornar cantora. O problema é que seu marido vai atrás, pois não admite o fim de seu casamento.

O sonho de Mariah Carey sempre foi emplacar uma carreira de atriz. Infelizmente ela começou mal com o fracasso de "Glitter: O Brilho de uma Estrela". Agora ela caminha por ares mais independentes, diria até mesmo indie. O filme é modesto, de baixo orçamento, mas tem qualidade. A fotografia é muito bonita e se o roteiro não chega a ser brilhante pelo menos não decepciona. A trama é convencional, nada do que ainda não se viu em centenas de filmes ao estilo "road movie", porém agrada no final das contas. Também proporciona ao espectador uma visão da América menos glamorosa, com seus motéis baratos de beira de estrada e uma galeria imensa de personagens que apenas vagam pela vida, sem muitas esperanças ou sonhos de grandeza. Assim o público acaba atravessando estados americanos do Texas, Arkansas, Alabama, chegando até o distante Tennessee onde finalmente acontece o clímax da história. Uma boa visão de uma América mais realista e menos idealizada.

Tennessee (Tennessee, Estados Unidos, 2008) Direção: Aaron Woodley / Roteiro: Russell Schaumburg / Elenco: Adam Rothenberg, Ethan Peck, Mariah Carey, Lance Reddick / Sinopse: Krystal (Carey) é uma garçonete que ao lado de dois irmãos cruza o sul dos Estados Unidos em direção ao estado do Tennessee. Ela quer se tornar cantora em Nashville e eles procuram pelo pai para que ele se torne doador de medula para o filho que está morrendo de leucemia. Algo que o marido de Krystal, um policial violento e abusivo, tentará impedir de todas as maneiras.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 28 de março de 2016

Retratos de Uma Mulher / Michael Collins

Retratos de Uma Mulher
No século XIX a jovem americana Isabel Archer (Nicole Kidman) resolve ir para a Europa em busca de seus sonhos. Lá encontra o amor, mas acaba caindo em uma armadilha ao se casar com um homem desonesto, antiético e manipulador. A partir daí toda a sua vida praticamente desmorona. Excelente drama de época estrelada por uma ainda bastante jovem Nicole Kidman, na época procurando se firmar em filmes com mais conteúdo e densidade. Foi uma excelente escolha. O roteiro era baseado no texto do consagrado autor Henry James. Quem conhece sua obra sabe que James sempre explorou os porões da alma humana, muitas vezes dissecando o lado mais cruel e mesquinho de todos os seres humanos. A direção do filme ficou com a excelente cineasta Jane Campion, que naquele momento vivia uma ótima fase pois ainda desfrutava do sucesso de público e crítica de "O Piano". O filme é bem estiloso, tem muito estilo, é sofisticado e com uma finesse à toda prova. A produção é classe A, com ótima reconstituição de época e figurinos luxuosos. Realmente tudo muito bom. Arriscaria até mesmo a dizer que ele traz uma das cinco melhores interpretações da carreira de Kidman. Indicado para quem tem um gosto cinematográfico mais refinado do que o habitual. Tanto bom gosto lhe valeu indicações merecidas ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz Coadjuvante (Barbara Hershey) e Melhor Figurino (Janet Patterson). Vencedor do Venice Film Festival na categoria de Melhor Filme. / Retratos de Uma Mulher (The Portrait of a Lady, Estados Unidos, Inglaterra, 1997) Direção: Jane Campion / Roteiro: Laura Jones, baseada no romance de Henry James / Elenco: Nicole Kidman, John Malkovich, Barbara Hershey, Mary-Louise Parker, Shelley Winters, Christian Bale, Viggo Mortensen, John Gielgud, Richard E. Grant.

Michael Collins - O Preço da Liberdade
Drama histórico que resgata a figura do líder revolucionário irlandês Michael Collins (aqui interpretado pelo ator Liam Neeson). Esse foi um homem importante na luta pela independência da Irlanda. Sob dominação inglesa por séculos, os irlandeses começaram a colocar em prática seus ideais de independência nacional justamente na época em que Collins começou a despontar no turbulento cenário político de sua nação. O diretor Neil Jordan obviamente criou um filme patriótico, muitas vezes até ufanista, da causa irlandesa. O filme por essa razão se torna muitas vezes panfletário em demasia, o que certamente incomodará algumas pessoas. Quando um diretor adota esse tipo de postura a primeira reação do público é desconfiar da veracidade do que se vê na tela. Há todo aquele clima de euforia nacional que atrapalha uma visão mais imparcial dos fatos históricos. Mesmo com esse pequeno deslize temos que admitir que como pura obra cinematográfica temos aqui um bom filme. Manipuladora, até maniqueísta, mas também bem honesta já que procura trazer a visão bem pessoal de Neil Jordan da questão, mesmo que essa venha a surgir de uma forma um pouco nublada, maquiada, para varrer os aspectos negativos de Collins para debaixo do tapete histórico. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Fotografia (Chris Menges) e Melhor Música Original (Elliot Goldenthal). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Liam Neeson) e Melhor Trilha Sonora (Elliot Goldenthal). / Michael Collins: O Preço da Liberdade (Estados Unidos, Inglaterra, Irlanda, 1996) Direção: Neil Jordan / Roteiro: Neil Jordan / Elenco: Liam Neeson, Aidan Quinn, Julia Roberts, Alan Rickman, Stephen Rea, Ian Hart, Charles Dance.

Pablo Aluísio.

Fuga de Absolom

Título no Brasil: Fuga de Absolom
Título Original: No Escape
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Martin Campbell
Roteiro: Michael Gaylin
Elenco: Ray Liotta, Lance Henriksen, Stuart Wilson
  
Sinopse:
O filme conta a estória do capitão J.T. Robbins (Ray Liotta). Acusado e condenado pela morte de um general ele é levado para uma prisão de segurança máxima localizada numa ilha distante e isolada. O Estado envia para lá os piores elementos da sociedade, para que morram esquecidos. Nesse lugar esquecido por Deus acaba sendo criada uma sociedade entre os prisioneiros onde impera o barbarismo e a violência. Não existem normas, apenas imposições implantadas por força bruta e violência insana. Filme indicado ao prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria de Melhor Filme de Ficção.

Comentários:
Eu nunca fui particularmente muito fã desse tipo de ficção. Você certamente conhece esse tipo de argumento, passado em um futuro não muito distante, onde a tecnologia high-tech convive com uma sociedade doentia, prestes a entrar em colapso social. Nesse roteiro em especial temos uma prisão do futuro, um lugar simplesmente hostil e violento onde presos de grande periculosidade vivem isolados, numa ilha que foi transformada em presídio, onde o que impera mesmo é a lei do mais forte. Por essa razão não adianta se iludir pois não existem regras ou perdão dentro daqueles muros. Quando vi pela primeira vez até curti o estilo, mas hoje em dia vejo que não há mais espaço para produções como essa em minha vida de cinéfilo. Curioso porque o diretor Martin Campbell iria ser escalado logo depois para dirigir "007 Contra GoldenEye", demonstrando que o estúdio havia gostado do resultado final, principalmente por causa das boas cenas de ação que dirigiu (já que o roteiro definitivamente não era grande coisa). Dois filmes de Zorro depois (A Máscara do Zorro e A Lenda do Zorro) e mais um bom filme da franquia James Bond (007 - Cassino Royale) e a carreira do diretor seria praticamente destruída pelo desastre comercial do péssimo "Lanterna Verde". Pelo visto por essa nem seu mais persistente pessimismo futurista esperava.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Resgate Suicida

Título no Brasil: Resgate Suicida
Título Original: North Sea Hijack
Ano de Produção: 1979
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Cinema Seven Productions Ltd., Universal Pictures
Direção: Andrew V. McLaglen
Roteiro: Jack Davies
Elenco: Roger Moore, James Mason, Anthony Perkins
  
Sinopse:
Kramer (Anthony Perkins) é um terrorista que tem como alvo uma plataforma de perfuração de petróleo no Mar do Norte. Ffolkes (Roger Moore) é um milionário excêntrico que decide formar uma tropa de voluntários em busca de ação para enfrentar os terroristas no local. Chantageado, o governo inglês resolve ceder, dando uma chance para que Ffolkes e seus homens completem sua missão, que para alguns, seria também suicida.

Comentários:
Um trio de respeito protagoniza essa fita de ação do final dos anos 1970. Roger Moore, James Mason e Anthony Perkins formam o trio básico de personagens que se enfrentam em uma região fria e distante, já perto do polo norte. A intenção é retomar o controle de uma base de perfuração da indústria petrolífera nos mares do Norte que foi tomada de assalto por um grupo de terroristas internacionais. Obviamente se trata de mais uma tentativa de faturar uma bela bilheteria usando como atrativo de público a presença do ator Roger Moore. O astro estava colhendo os frutos da popularidade trazida pela franquia de James Bond e vinha de dois grandes sucessos comerciais: "007 - O Espião Que Me Amava" (onde interpretava pela terceira vez James Bond) e "Selvagens Cães de Guerra" (filme também dirigido pelo cineasta Andrew V. McLaglen). Assim os objetivos ficam claros desde a primeira cena. A intenção é realmente agradar ao público que havia lotado os cinemas nas duas produções anteriores. O resultado porém ficou abaixo das expectativas, talvez por causa do roteiro que foi criticado na época de lançamento do filme. Isso porém em nada atrapalha a diversão, ainda mais valorizada por uma atuação muito boa de Anthony Perkins! Nenhum ator foi tão perfeito para interpretar vilões insanos como ele! Sua atuação acaba valendo pelo filme inteiro.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Fim de Caso

Título no Brasil: Fim de Caso
Título Original: The End of the Affair
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Neil Jordan
Roteiro: Graham Greene, Neil Jordan
Elenco: Ralph Fiennes, Julianne Moore, Stephen Rea
  
Sinopse:
Londres, 1946. O escritor Maurice Bendrix (Ralph Fiennes) não consegue superar uma velha paixão, mesmo com o passar dos anos. Sarah Miles (Julianne Moore) é o foco de sua afeição. O problema é que ela é a esposa de Henry Miles (Stephen Rea), um conhecido seu. Dois anos depois descobre que finalmente o casamento entre eles acabou. Agora ele percebe que sua velha obsessão por Sarah reacendeu e parece disposto a consumar de uma vez por todas essa complicada relação amorosa. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Julianne Moore) e Melhor Fotografia.

Comentários:
Neil Jordan faz parte daquele seleto grupo de cineastas que você pode encarar todo e qualquer filme que faça parte da sua filmografia sem receios. Ele é um artesão da sétima arte. Muito sofisticado, lidando com planos e ideias mais bem elaboradas, é sem dúvida um dos diretores mais talentosos de sua geração. Aqui nesse "The End of the Affair" ele optou por focar suas lentes em uma paixão que resiste, que por várias razões nunca consegue se consumar de forma definitiva. Um verdadeiro karma maldito que se abate sobre esses dois amantes apaixonados. A fotografia é linda, valorizando ainda mais a relação existente entre o estado psicológico e emocional de todos os personagens e o clima ora sombrio, ora ofuscante na cidade, que aliás parece ter vida própria. A chuva, que nunca parece parar de cair, simboliza a melancolia de sentimentos que se abate sobre o casal. Ralph Fiennes e Julianne Moore formam uma maravilhosa dupla de protagonistas. Ela sempre me pareceu muito charmosa e sofisticada e aqui acabou encontrando uma película à sua altura. Recebeu uma indicação ao Oscar e sendo bem sincero merecia ter sido a vencedora. Ele, mais uma vez, demonstra porque é considerado um dos mais talentosos atores ingleses. Bastante badalado em sua lançamento esse filme certamente mereceu todas as indicações e prêmios que recebeu. Um drama romântico Classe A.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Paul McCartney - Another Day / Oh Woman, Oh Why

Primeiro single de Paul McCartney lançado em 1971. Os Beatles já não existiam mais e a carreira solo agora era uma realidade para valer. A faixa de trabalho havia sido gravada nas sessões do álbum "Ram", por essa razão se nota claramente a mesma musicalidade das demais canções do disco. Para muitos "Another Day" teria muito de outro clássico de Paul McCartney lançado na época dos Beatles, a canção "Eleanor Rigby". A letra de ambas tratava da vida complicada de uma mulher anônima no duro mundo em que vivemos.

Assim que a música começou a fazer sucesso muitos perguntaram quem seria a mulher da letra mas Paul, como já tinha explicado várias vezes em relação a outras de suas músicas, declarou que não se tratava de uma mulher real, mas sim "em tese", hipoteticamente falando. Linda também havia aconselhado a Paul a ir em direção a um caminho próprio, criando uma nova sonoridade que em nada deveria lembrar o som dos Beatles. Era algo importante criar algo singular, novo, sem olhar para trás. McCartney achou genial a sugestão da esposa e a levou para o estúdio para dar dicas e opiniões sobre as gravações. Em retribuição também creditou Linda como co-autora da música. Uma forma de agradecer por seu apoio.

"Another Day" foi gravada nos estúdios da Columbia em Nova Iorque. Paul ainda não havia reconstruído sua parceria com George Martin e procurou os estúdios americanos atrás de sua primazia técnica. E foi dentro do estúdio mesmo que Paul, ao lado do engenheiro de som Dixon Van Winkle, decidiu que essa seria sua primeira música a fazer parte de seu pioneiro single solo. A faixa foi gravada de forma muito singela, com apenas três músicos - quase a mesma formação dos Beatles. Além de Paul a gravação contou ainda com as participações de Dave Spinozza na guitarra elétrica e Denny Seiwell na bateria. Paul se encarregou do violão.

Tudo foi gravado dentro de uma singeleza fora do comum, praticamente em take único. Assim que chegaram na versão oficial Paul orgulhosamente declarou que aquela canção "tinha cheiro de hit". E tinha mesmo. Lançada em fevereiro logo caiu no gosto das rádios que a tocaram muito naquele mesmo mês. Na principal parada americana, a famosa Billboard Hot 100, o single alcançou uma ótima segunda posição. Na parada inglesa o mesmo sucesso, também chegando na vice liderança. Já na Irlanda, Suécia e Espanha foi ao topo, mostrando e provando que Paul McCartney certamente tinha cacife para fazer sucesso mesmo fora dos Beatles. Era o começo de uma nova era para o cantor.

Another Day (Paul McCartney - Linda McCartney) - Every day she takes a morning bath, she wets her hair / Wraps a towel around her as she's heading for the bedroom chair / It's just another day / Slipping into stockings, stepping into shoes / Dipping in the pocket of her raincoat / It's just another day / At the office where the papers grow she takes a break / Drinks another coffee and she finds it hard to stay awake / It's just another day / Du du du du du du, it's just another day / Du du du du du du, it's just another day / So sad, so sad, sometimes she feels so sad / Alone in her apartment she'd dwell / Till the man of her dreams comes to break the spell / Ah, stay, don't stand her up / And he comes and he stays, but he leaves the next day / So sad, sometimes she feels so sad / As she posts another letter to the sound of five / People gather 'round her and she finds it hard to stay alive / It's just another day / Du du du du du du, it's just another day / Du du du du du du, it's just another day / So sad, so sad, sometimes she feels so sad / Alone in her apartment she'd dwell / Till the man of her dreams comes to break the spell / Ah, stay, don't stand her up / And he comes and he stays, but he leaves the next day / So sad, sometimes she feels so sad / Every day she takes a morning bath, she wets her hair / Wraps a towel around her as she's heading for the bedroom chair / It's just another day / Slipping into stockings, stepping into shoes / Dipping in the pocket of her raincoat / Ah, it's just another day / Du du du du du du, it's just another day / Du du du du du du, it's just another day.

Oh Woman, Oh Why (Paul McCartney) - Oh woman, oh why, why, why, why / What have I done ? / Oh woman, oh where, where, where, where, where / Did you get that gun ? / Oh what have I done ? / What have I done ? / Well I met her at the bottom of a well (of a well) / Well I told here I was tryin' to break a spell (break a spell) / But I can't get by, my hands are tied / I don't know why I want her to try myself / cause I can't get by, my hands are tied / Woman, oh why, why, why, why / What have I done ? / Oh woman, oh where, where, where, where, where / Did you get that gun ? / Oh what have you done ? / Woman what have you done ? / Well I am fed up with you lying cheating ways (cheating ways) / But I get up every morning and every day (every day) / But I can't get by , my hands are tied / I don't know why I want her to try myself / Cause I can't get by, my hands are tied / Oh woman, oh why, why, why, why / What have I done ? / Oh woman, oh where, where, where, where, where / Did you get that gun? / Woman, what have I done ? / What have you done?

Pablo Aluísio.

domingo, 27 de março de 2016

Bruce Springsteen - Born in the U.S.A.

Um ótimo trabalho de Bruce Springsteen que foi alvo de dois pontos de vista igualmente equivocados. O primeiro deles de fundo ideológico e o segundo artístico. Não é segredo para ninguém que durante muitos anos o álbum "Born in the U.S.A." foi taxado de ser uma absurda patriotada, de ser uma mera propaganda do Tio Sam, dos ideais americanos. De fato quando o disco foi lançado os Estados Unidos viviam sob a era Reagan e esse tipo de pensamento acabou encontrando terreno fértil entre os especialistas em música. O republicano Reagan era tão reacionário que esse disco o retratava com perfeição.

A questão é que não se trata disso. Bruce Springsteen está apenas louvando em sua música o estilo de vida do americano comum, do trabalhador médio de seu país, do operário da construção civil, que apenas deseja trabalhar de forma honesta o dia inteiro para depois do expediente tomar algumas cervejas no bar local para retornar aos braços da patroa no fim do dia. Sonhos comuns e cotidianos ordinários do americano de subúrbio. O segundo equívoco do ponto de vista sobre o disco é a de que ele seria na realidade a obra prima do artista. Também não é bem assim. É um bom álbum, feito para tocar nas rádios, mas longe de ser o seu melhor momento. Bruce Springsteen tem uma carreira muito mais rica artisticamente do que supõe essa vã opinião. De qualquer maneira se você gosta de rock tenha certeza que é um item que não pode faltar em sua discografia. 

O álbum se tornou um grande sucesso, inclusive no Brasil. As rádios não cansavam de tocar a música título e Bruce Springsteen ampliou sua popularidade para além das fronteiras do Tio Sam. Não é equivocado dizer que o disco foi seu passaporte para vir ao Brasil pela primeira vez durante o primeiro Rock In Rio, realizado em 1985. Bruce também começou a ficar conhecido por seus longos concertos, alguns chegando ao ponto de durar mais de três horas! Nesse aspecto ele tem muito em comum com outro dinossauro do Rock, Paul McCartney. Ambos são workaholics conhecidos, artistas que não conseguem parar em momento algum, sempre lançando novos discos, encarando longas turnês em apresentações sem fim. A questão pode ser entendida ao ler uma recente entrevista do Ex-Beatle, onde ele explicou que não vê sua carreira como um "trabalho", mas como pura diversão, algo que faz por amar e não por necessidade (até porque eles estão ricos e não precisariam desse tipo de agenda para sobreviver).

Bruce Springsteen - Born in the U.S.A. (1984)
Born in the U.S.A
Cover Me
Darlington County
Working on the Highway
Downbound Train
I'm on Fire
No Surrender
Bobby Jean
I'm Goin' Down
Glory Days
Dancing in the Dark
My Hometown.
                            
Pablo Aluísio.

Terror em Silent Hill

Título no Brasil: Terror em Silent Hill
Título Original: Silent Hill
Ano de Produção: 2006
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures
Direção: Christophe Gans
Roteiro: Roger Avary
Elenco: Radha Mitchell, Laurie Holden, Sean Bean
  
Sinopse:
Uma mãe sai em uma busca desesperada do paradeiro de sua filha desaparecida, dentro dos limites de uma cidade estranha e desolada, chamada Silent Hill. Filme baseado e adaptado do famoso jogo de vídeogame. Indicado ao prêmio do Fangoria Chainsaw Awards em cinco categorias, entre elas Melhor Direção de Arte, Melhor Maquiagem e Melhores Efeitos Especiais.

Comentários:
"Terror em Silent Hill" é aquele tipo de filme em que você não deve se preocupar muito em termos de roteiro, atuação ou direção. O que vale aqui realmente é agradar aos fãs do game e isso, em razão das péssimas adaptações feitas nos últimos anos, era um problema e tanto a superar. Falando sinceramente filmes baseados em games geralmente aborrecem aos que curtem os jogos na mesma intensidade que deixam decepcionados os cinéfilos em geral. A boa notícia é que o diretor Christophe Gans conseguiu superar essa barreira. Ele obviamente passou longe de criar uma obra prima do terror, mas em compensação realizou um filme correto, equilibrado, que conta (bem) seu enredo de forma simples e sem exageros desnecessários. Agora, o que se sobressai mesmo em "Silent Hill" é a sua maravilhosa direção de arte, figurinos e maquiagem. A sucessão de monstros que desfilam na tela realmente impressiona. Some-se a isso um filme curto, eficiente e bem feito e você certamente terá um bom divertimento pela frente. "Terror em Silent Hill" é angustiante, para ser sincero. Vale a recomendação. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

47 Ronins

Título no Brasil: 47 Ronins
Título Original: 47 Ronin
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: H2F Entertainment, Mid Atlantic Films
Direção: Carl Rinsch
Roteiro: Chris Morgan, Hossein Amini
Elenco: Keanu Reeves, Hiroyuki Sanada, Ko Shibasaki
  
Sinopse:
Kai (Keanu Reeves) é um mestiço, filho de um inglês e uma japonesa que por essa razão é abandonado ainda criança em uma floresta. Resgatado por um senhor feudal acaba trabalhando e vivendo para seu mestre praticamente por toda a sua vida. Quando esse sofre um ataque de um rival que tenciona rebaixar todos à meros Ronins (Samurais sem mestres), Kai entende ter chegado a hora de provar sua lealdade a quem lhe ajudou no passado.

Comentários:
Um bom filme de ação e aventura, com bastante fantasia e magia, tudo sob o ponto de vista da cultura oriental. "47 Ronins" tenta mesclar essa dualidade de culturas para criar um filme que no final das contas servirá como bom passatempo. Não é de hoje que os ocidentais possuem essa atração pelos antigos samurais. Obviamente que muita coisa não passa de lenda e por essa razão não há muito rigor do ponto de vista histórico nessa produção (nem era a intenção de seus realizadores fazer algo nesse sentido, para falar a verdade). Assim o que temos é realmente diversão à toda prova, inclusive com um roteiro que se não chega a ser excepcional cumpre seus objetivos. Keanu Reeves continua o mesmo. Ele nunca foi visto como um bom ator, pois na maioria das vezes sua expressividade é quase nula. Como seu papel ajuda nesse modo de "entrar mudo e sair calado" não há muitos problemas decorrentes dessa sua forma de atuar. O filme foi bem criticado, muitos não gostaram, mas se você souber abaixar um pouco as expectativas certamente se divertirá. O segredo é saber o que vai se encontrar pela frente.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Orgulho & Preconceito

Título no Brasil: Orgulho & Preconceito
Título Original: Pride & Prejudice
Ano de Produção: 2005
País: Inglaterra, França, Estados Unidos
Estúdio: Focus Features, Universal Pictures, StudioCanal
Direção: Joe Wright
Roteiro: Deborah Moggach
Elenco: Keira Knightley, Matthew Macfadyen, Brenda Blethyn, Carey Mulligan, Donald Sutherland 
  
Sinopse:
Baseado na obra imortal escrita por Jane Austen, "Pride & Prejudice" conta uma história de amor em um momento particularmente complicado na vida de personagens que se vêem tragados por eventos de proporções mundiais. O enredo mostra a vida de cinco irmãs inglesas - Jane, Elizabeth, Mary, Kitty e Lydia Bennet - que sonham em se casar com o homem perfeito. O problema será superar todas as dificuldades que irão surgir pela frente. Filme vencedor do BAFTA Awards na categoria de Melhor Direção. Indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte, Figurino, Música e Atriz (Keira Knightley).

Comentários:
Ainda demorará alguns anos para que outras cinematografias alcancem o nível de sofisticação e classe do cinema inglês. Há toda uma preocupação em adaptar obras literárias importantes (como as de autoria da genial Jane Austen) e um cuidado todo especial em realizar pesquisas históricas para se chegar com máxima fidelidade possível nos modos de ser e se vestir das pessoas que viveram na época em que se passam os enredos narrados por essa escritora. O resultado é simplesmente impecável, valorizado por personagens extremamente humanos e bem desenvolvidos do ponto de vista psicológico e emocional. O filme foi mal qualificado e classificado no Globo de Ouro concorrendo na categoria de Melhor Filme - Comédia ou Musical. Essa gafe acabou virando uma chacota entre a imprensa britânica. Obviamente que a graça está presente em muitas das obras de Austen, mas considerar um filme como esse como uma mera "comédia" só deixa exposto uma certa falta de sofisticação intelectual por parte dos americanos. Ignore isso e se delicie com as maravilhosas observações, ora cínicas, ora críticas, de Jane Austen sobre as convenções sociais de seu tempo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 26 de março de 2016

007 - Permissão para Matar / Adoradores do Diabo

007 - Permissão para Matar
Nessa aventura o agente secreto James Bond (Timothy Dalton) resolve trabalhar por conta própria, indo em busca de vingança contra um perigoso e sanguinário traficante de drogas internacional, responsável pela morte de um agente da CIA, velho amigo e companheiro de Bond em missões conjuntas realizadas no passado. Um jornada em busca de justiça de fundo bem pessoal por parte do famoso personagem criado por Ian Fleming. Apesar da proposta mais inovadora do roteiro o fato é que não deu muito certo essa segunda atuação do ator Timothy Dalton como James Bond. A famosa franquia tentava se adaptar aos novos tempos e procurou trilhar um caminho mais realista para as aventuras do agente inglês nas telas. O público porém não comprou a ideia. Com uma bilheteria considerada fraca demais pelo estúdio o resultado morno do ponto de vista comercial selou o destino de Dalton na série. Ele foi demitido e os produtores foram atrás de um novo ator (que acabaria sendo Pierce Brosnan, que finalmente daria certo, conciliando público e crítica em torno de seu nome). Assim o reinado de Timothy Dalton como James Bond só duraria dois filmes, fato que o colocaria à frente apenas de George Lazenby que realizou apenas um filme como Bond nos anos 1960 (o mal sucedido "007 – À Serviço Secreto De Sua Majestade"). Considero Dalton um bom ator, que segurou bem as pontas nesse momento de transição da franquia durante os anos 1980. Roger Moore estava velho demais para o papel e não havia ninguém ainda disposto a aceitar a responsabilidade de encarnar Bond nas telas (um fato curioso é que Mel Gibson havia sido convidado para suceder Moore, mas recusou alegando que o personagem era "inglês demais" para seu gosto!). Esse filme, como o anterior é bom, bem produzido e com roteiro bem escrito. Infelizmente os fãs queriam mesmo ver as antigas e fantasiosas estórias envolvendo Bond e não o aceitaram muito bem como alguém de carne e osso. Filme indicado ao prêmio da Edgar Allan Poe Awards. / 007 - Permissão para Matar (Licence to Kill, EUA, 1989) Direção: John Glen / Roteiro: Michael G. Wilson, Richard Maibaum / Elenco: Timothy Dalton, Robert Davi, Carey Lowell.

Adoradores do Diabo
Após a morte supostamente acidental de uma mulher numa cozinha, um médico de Nova Iorque descobre que ela estaria envolvida em uma rede de membros que se reúnem numa seita satânica nos porões da cidade. São fanáticos que promovem sacrifícios humanos com crianças. Para seu desespero também acaba descobrindo que seu filho é um dos alvos. Agora terá que lutar para salvar a criança das mãos dos membros dessa sanguinária seita do diabo. Um bom filme de terror que causou certa sensação em seu lançamento por tratar de um problema que só tem crescido nos últimos anos: a proliferação de seitas que se envolvem em magia negra, matando crianças em sacrifícios terríveis dirigidos para seus supostos deuses do inferno. O roteiro investe numa situação mais intelectual e procura evitar apelar o tempo todo para absurdos sensacionalistas. Quem acaba se saindo muito bem em cena é o veterano ator Martin Sheen, que empresta todo o seu talento dramático para tornar ainda mais verdadeira a agonia pela qual seu personagem passa. Sempre fui um admirador da obra do cineasta inglês John Schlesinger que no passado dirigiu várias obras primas como por exemplo "Perdidos na Noite" e "Maratona da Morte". Sua sensibilidade cinematográfica apurada acaba trazendo grande força a esse filme que lida com um assunto tão complicado. Vale a indicação para os fãs de filmes de horror que estejam em busca de algo mais diferente do que geralmente se vê no gênero. / Adoradores do Diabo (The Believers, EUA, 1987) Direção: John Schlesinger / Roteiro: Mark Frost, Nicholas Conde / Elenco: Martin Sheen, Helen Shaver, Harley Cross.

Pablo Aluísio.

George Michael - Ladies & Gentlemen: The Best of George Michael

Um CD duplo ideal para quem não tem paciência (ou simplesmente não quer) colecionar toda a discografia de George Michael. Esse é aquele tipo de artista que é muitas vezes prejudicado por aspectos de sua vida pessoal. Muitas pessoas infelizmente o deixaram de ouvir porque ele assumiu sua homossexualidade ou porque vira e mexe ele é explorado por jornais sensacionalistas ingleses que o retratam de forma muitas vezes pouco lisonjeira (para dizer o mínimo). Há tempos que deixei de idolatrar ídolos da música, afinal isso é coisa de adolescente, e por essa razão tenho me concentrado unicamente na música desses artistas.

Em relação a George Michael não importa se ele é gay, promíscuo e se envolve em situações constrangedoras a cada mês. O que vale mesmo a pena levar em conta é se ele produz música de qualidade e só! Até porque não estou atrás de ídolos, mas de boa música. Nesse ponto pode ficar tranquilo, pois como bem prova esse "Ladies & Gentlemen: The Best of George Michael" o astro não perdeu a mão em seu trabalho. George tem uma das melhores vozes do pop, tudo aliado a um refinado e bom gosto musical na seleção das canções que compõem esse trabalho. Em minha opinião George Michael deveria se concentrar cada vez mais em um repertório clássico, de grandes standards, pois ele tem o timbre ideal para isso. Sua vocalização é suave e ao mesmo tempo incrivelmente marcante, próprio para dar corpo a muitas dessas melodias do passado.

No total são 29 faixas, algumas pinceladas dos álbuns originais do cantor, outras remixadas ou remasterizadas para dar uma nova sonoridade e roupagem para as antigas gravações. Uma coisa que me chamou bastante a atenção foi que George Michael procurou não se concentrar apenas em seus grandes hits, mas sim em trazer para o ouvinte registros que ele considera realmente importantes em sua carreira. A seleção musical foi feita pelo próprio George Michael que desde o começo de sua carreira mantém controle quase absoluto sobre sua obra (mostrando que ele é bem esperto do ponto de vista corporativo). Assim ele mistura "Careless Whisper" e "Don't Let the Sun Go Down on Me", dois enormes sucessos radiofônicos, com momentos intimistas como "Desafinado" (sim, um dos maiores clássicos da bossa nova, composta por Antônio Carlos Jobim e seu parceiro Newton Mendonça). Essa gravação é surpreendente por vários motivos. Além de ser cantada em português, o cantor não escorrega no sotaque, apresentando um português (quase) perfeito. Credito isso aos longos períodos que passou no Brasil pois não é segredo para ninguém que um dos grandes amores de sua vida foi um namorado brasileiro que infelizmente morreu de AIDS. Enfim é isso, eis um bom presente de natal para pessoas queridas e próximas, afinal se elas forem pessoas de bom gosto musical certamente curtirão a lembrança.

George Michael - Ladies & Gentlemen: The Best of George Michael (1998)
CD 1: For the Heart
1. Jesus to a Child
2. Father Figure
3. Careless Whisper
4. Don't Let the Sun Go Down on Me
5. You Have Been Loved
6. Kissing a Foo
7. I Can't Make You Love Me
8. Heal the Pain
9. A Moment with You
10. Desafinado
11. Cowboys and Angels
12. Praying for Time
13. One More Try
14. A Different Corner
CD 2: For the Feet
1. Outside
2. As
3. Fastlove
4. Too Funky
5. Freedom! '90
6. Star People '97
7. Killer / Papa Was a Rollin' Stone
8. I Want Your Sex (Part II)
9. The Strangest Thing '97
10. Fantasy
11. Spinning the Whee
12. Waiting for That Day/You Can't Always Get What You Want
13. I Knew You Were Waiting (For Me)
14. Faith
15. Somebody to Love.

Pablo Aluísio.

Rolling Stones - Sticky Fingers

10 coisas que você não sabia sobre "Sticky Fingers" dos Rolling Stones:

1. Esse foi o primeiro álbum dos Stones em seu novo selo, Rolling Stones Records. Para presidir a empresa os Stones contrataram Marshall Chess, filho de Leonard Chess, o fundador do selo Chess Records.

2. A capa do disco foi criada originalmente pelo gênio da pop art Andy Warhol.

3. Alan Klein, o empresário corrupto dos Beatles, conseguiu ter o controle dos direitos autorais de duas canções dos Stones, "Brown Sugar" e "Wild Horses".

4. Sticky Fingers foi gravada em três lugares diferentes (Alabama, Londres e  Hampshire) em um período de tempo de dois anos!

5. O álbum foi severamente criticado em seu lançamento. O crítico Jon Landau por exemplo profetizou o fim da banda ao qualificar o disco como um "exercício de autodestruição, tamanha a sua má qualidade".

6. Esse foi o primeiro disco com Mick Taylor como um membro oficial dos Rolling Stones. Seus melhores momentos podem ser ouvidos nas faixas "Can not You Hear Me Knocking", "Sway" e "Moonlight Mile".

7. Na edição espanhola do disco a capa foi censurada sendo ainda colocada uma versão ao vivo de Chuck Berry da faixa  "Let It Rock".

8. "Can not You Hear Me Knocking" foi gravada praticamente como uma jam session, sem ensaio algum.

9. "Sister Morphine" e "Wild Horses" ganharam versões gravadas por Marianne Faithfull e Flying Brothers.

10. A famosa língua dos Rolling Stones fez a sua estreia em Sticky Fingers. O estilista britânico John Pasche criou o logotipo que se tornaria marca registrada do grupo até os dias de hoje.

Erick Steve.

Velozes & Furiosos 7

Título no Brasil: Velozes & Furiosos 7
Título Original: Furious 7
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: James Wan
Roteiro: Chris Morgan, Gary Scott Thompson
Elenco: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson, Jason Statham, Michelle Rodriguez, Kurt Russell
  
Sinopse:
Dominic Torretto (Vin Diesel) e sua gangue decidem deixar o mundo do crime. Na realidade após sua última incursão criminosa percebem que chegou mesmo a hora de parar com suas atividades mercenárias. Cada um membro de sua antiga equipe precisa seguir em frente, trilhando caminhos próprios. O problema é que o passado muitas vezes deixa rastros e deles surgem pessoas e organizações do mundo do crime empenhadas em acertar contas com algo que ficou para trás. Um lição que Torretto entenderá muito bem em breve.

Comentários:
Eu acredito que nem o mais otimista produtor de cinema poderia imaginar que essa franquia ainda poderia render tanto. " Velozes & Furiosos 7" chegou nos cinemas americanos nesse fim de semana de forma arrasadora, faturando quase 150 milhões de dólares, se tornando a nona melhor estreia de um filme na indústria. Qual é o grande segredo nessa equação de sucesso comercial? Em minha opinião tudo isso foi gerado pelo morte trágica do ator Paul Walker em 2013. Ele morreu em um terrível acidente bem no meio das filmagens. Muitas de suas cenas ficaram assim no meio do caminho, inacabadas ou não realizadas. Muitos pensaram que o projeto seria arquivado definitivamente, deixado de lado, até como uma homenagem a Walker. Ledo engano. O estúdio não iria perder milhões de dólares em investimentos assim, da noite para o dia. Dessa maneira e usando da tecnologia atual, Walker foi parcialmente recriado digitalmente, inserido em sequências e reaproveitado usando-se da magia do cinema. Claro que algo nesse estilo chamaria a atenção do público. Dito isso, devo confessar que essas serão algumas das poucas qualidades de "Velozes   & Furiosos 7" que você conseguirá encontrar ao assistir o filme. O roteiro é básico, muito básico mesmo, e o filme só se sustenta pelas excelentes tomadas de ação desenfreadas. Com o sucesso espetacular não tenho a menor dúvida que a fórmula será levada em frente nos anos que virão, até seu completo esgotamento. É cinema fast food, descartável, sem profundidade e derivativo, mas se o público adora, o que se pode fazer? Nada, os executivos dos estúdios agradecem.

Pablo Aluísio.

John Lennon, o Iconoclasta

Certa vez durante uma entrevista, em um raro momento de humildade (algo que convenhamos era raro em John) ele reconheceu que muitas vezes falava demais, além da conta. O entrevistador queria saber porque ele, John, sempre aparecia mais na imprensa do que seus colegas de banda. John explicou que ele falava demais e por isso havia a impressão de que ele era mais atuante que Paul, George e Ringo. Na verdade John não conseguia ver um microfone diante de si... em pouco tempo ele estava falando literalmente de tudo, do universo, das religiões e principalmente de política, algo que iria lhe trazer mais problemas do que soluções.

Certa vez vi uma entrevista de Paul McCartney dizendo que John muitas vezes se perdia e começava a falar bobagens em série. Era verdade. Sua frase "Os Beatles são mais populares do que Jesus Cristo" rendeu muitos problemas aos Beatles. Segundo explicou John depois que a confusão começou, ele apenas estava tentando explicar que para muitos jovens ingleses e americanos os Beatles tinha se tornado mais importantes em suas vidas do que as próprias religiões, o próprio cristianismo. Depois ele soltou a frase infeliz que iria surgir em manchetes pelo mundo afora. Muitos jovens, principalmente americanos batistas, promoveram grandes fogueiras para que outros jovens jogassem os discos dos Beatles nas chamas.

Inicialmente com pose de quem não estava nem aí para o que estava acontecendo, John teve que reconhecer que a coisa toda havia tomado proporções impensáveis. O novo single da banda não conseguia chegar mais ao primeiro lugar nos Estados Unidos e muitos analistas afirmaram que isso estava acontecendo simplesmente porque as rádios americanas estavam boicotando os Beatles. O empresário do grupo Brian Epstein então colocou John contra a parede - ele deveria ir a público explicar sua frase e principalmente se desculpar com os cristãos do mundo inteiro.

John assim o fez, mas as coisas nunca mais seriam como antes, essa é a verdade. Recuperar-se de algo assim não é uma coisa fácil de superar. Para piorar após a morte de Brian, John recomeçou as provocações contra o cristianismo. Na letra de "The Ballad of John And Yoko" ele usou um refrão claramente provocativo que dizia: "Do jeito que as coisas vão eles vão acabar me crucificando". E na carreira solo John se auto declarou ateu ao dizer numa de suas letras mais autorais de que não acreditava em Deus, nem em Elvis, nem nos Beatles, que ele só acreditaria mesmo nele mesmo e em Yoko. O curioso é que apesar do texto de sua própria letra John voltaria atrás de sua declaração ao dizer que "acreditava em uma força do universo" - uma forma dele reconhecer a existência de um criador. De uma maneira ou outra o Beatle jamais deixou de falar pelos cotovelos, mesmo a poucas semanas de sua morte. Além de falastrão John era também um iconoclasta, ou seja, tinha uma combinação explosiva dentro de si.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 25 de março de 2016

Bing Crosby - White Christmas

Época de natal! De repente você sente aquela vontade de ouvir músicas natalinas. Certo, muitas pessoas (com razão) não aguentam canções de natal por achar o material de maneira em geral muito brega e piegas. De certa forma praticamente noventa por cento é ruim de doer mesmo. Deixemos essa porcariada de lado. Vamos nos focar nos grandes clássicos de natal. Dentre eles talvez nenhuma música supere em importância e relevância a imortal "White Christmas". Essa canção é tão importante do ponto de vista cultural e comercial que é impossível não a ouvir sendo tocada em algum lugar durante esse período de festas. Do ponto de vista puramente musical ela tem um pedigree incrível pois foi escrita pelo genial Irving Berlin. Sua inspiração veio dos natais de sua infância, quando passou momentos inesquecíveis ao lado de seus pais. Aquele sentimento que provou quando era apenas um garoto jamais o abandonou. Curiosamente ele não tinha planos de compor a canção. Ele estava há dias compondo músicas para um editor de Nova Iorque quando parou para tomar um pouco de café. Entre um gole e outro, as notas foram surgindo em sua mente. Era época de natal então foi mesmo um encontro entre uma casualidade e uma época especial que acabou dando origem a uma obra prima.

A partitura acabou caindo nas mãos de Bing Crosby. Era 1942 e o mundo passava pelo trauma da II Guerra Mundial. Crosby queria gravar algo para os militares que estavam longe de casa, em trincheiras congeladas na Europa. Assim que ouviu "White Christmas" decidiu que aquela era a música que tanto procurava. No estúdio Crosby colocou o coração na ponta do microfone e criou um registro único e inesquecível. Ao seu lado músicos talentosos fizeram também sua parte. O acompanhamento vocal ficou com as delicadas garotas do Ken Darby Singers. E na parte instrumental brilhou o talento de todos os grandes músicos da John Scott Trotter and His Orchestra. Crosby acreditou que estava prestando uma singela homenagem aos soldados que estavam lutando na guerra e não tinha a menor ideia do que iria acontecer. O single com duas canções no lado B ("Let's Start the New Year Right" e "God Rest Ye Merry Gentlemen") pintou nas lojas americanas no natal do mesmo ano e foi um fenômeno de vendas. Pela primeira vez na história da indústria fonográfica dos Estados Unidos um disco conseguia vender mais de cinco milhões de cópias. Depois com as reedições a canção foi batendo recordes e mais recordes de vendagens, todos os anos, e hoje estima-se que no total "White Christmas" vendeu mais de cem milhões de cópias ao redor do mundo (sim, você não leu errado, cem milhões!!!). Uma linda música que merece servir de trilha sonora para a noite de natal de cada lar formado por pessoas de bom gosto musical.

White Christmas (Irving Berlin) - The sun is shining, the grass is green / The orange and palm trees sway / There's never been such a day / In Beverly Hills, L.A. / But it's December the 24th / And I'm longing to be up North... / I'm dreaming of a white christmas, / just like the ones I used to know / Where the treetops glisten and children listen / to hear sleigh bells in the snow / I'm dreaming of a white christmas, / just like the ones I used to know / Where the treetops glisten and children listen / to hear sleigh bells in the snow / I'm dreaming of a white christmas, / with every christmas card I write / May your days be merry and bright, / and may all your christmases be white / I'm dreaming of a white christmas, / just like the ones I used to know / May your days be merry and bright, / and may all your christmases be white / I'm dreaming of a white christmas, / with every christmas card I write / May your days be merry and bright, / and may all your christmases be white / May your days be merry and bright, / and may all your christmases be white / And may all your christmases be white (All your christmases be white) / And may all your christmases be white (All your christmases be white) / And may all your christmases be / (All your christmases be white) / (All your christmases be white).

Pablo Aluísio. 

Victor Frankenstein (2015)

O texto a seguir contém alguns spoilers. Por isso se ainda não viu o filme pare por aqui a leitura. Pois bem, assisti recentemente a essa nova versão do livro de Mary Shelley. Pouca gente sabe, mas ela escreveu o livro para tentar ganhar uma aposta com outros escritores, amigos dela, que toparam vencer a disputa de quem iria escrever o livro com a trama mais aterrorizante. Shelley apenas pegou o que havia em sua volta - um incrível sentimento de otimismo e medo sobre os avanços da ciência de seu tempo - e acabou criando uma obra realmente imortal (e lá se vão quase duzentos anos da publicação original de Frankenstein!). Na essência é um conto de monstro, mas tudo tão genialmente criado que não é de se admirar que o enredo tenha sobrevivido a todas essas gerações. Dois séculos depois de ser escrito a estória ainda mostra força. É algo para poucos.

Aqui, para fugir um pouco do que já se viu nos vários filmes anteriores, os roteiristas resolveram se debruçar mais na vida de Igor, o corcunda assistente do Dr. Frankenstein. Nas adaptações anteriores ele era apenas um ser grotesco com uma séria deformidade física. Aqui criaram uma personalidade, emoções e sentimentos para ele. Isso se explica porque o ator que o interpreta é o astro juvenil Daniel Radcliffe da franquia "Harry Potter". Não cairia bem escalar um ator tão popular para interpretar um personagem tão raso e repugnante. Para não deixá-lo com aspecto asqueroso durante todo o filme os roteiristas inventaram moda, fazendo com que ele não fosse corcunda de verdade, tendo apenas um abscesso de líquidos, algo que o Dr. Frankenstein logo resolve com uma seringa e um método de drenagem nada ortodoxo.

O encontro entre Igor e o seu mestre (o ponto central da narrativa) se dá em um circo. O médico está lá em busca de partes de animais para suas experiências. Ao ver que Igor (nome esse que só se dará a ele depois) tem muito conhecimento de anatomia e medicina (algo que adquiriu de forma autodidata) resolve lhe libertar da companhia circense (onde é praticamente um escravo do dono do circo). A partir daí começam as experiências que Frankenstein sonha realizar - trazer restos de corpos humanos de volta à vida com o uso de energia elétrica. Isso era uma crença na época em que o livro foi escrito, simplesmente porque ao se aplicarem choques elétricos em órgãos humanos mortos eles mostravam reação - obviamente causado pela passagem da carga elétrica que se deslocava pelos tecidos. Como a eletricidade ainda era algo novo na ciência criou-se esse mito que foi explorado pela escritora.

James McAvoy está bem como Victor Frankenstein. O sujeito tem traumas por causa da morte de seu irmão Henry. Ele se torna um ateu e resolve provar que a ciência teria todas as respostas, o que obviamente se tornaria uma heresia sob o ponto de vista religioso. Para ele religião não passaria de meras superstições de mentes primitivas. Essas discussões teológicas porém são superficiais (mas convenhamos, não deixam de ser interessantes). Para quem vai ao cinema ver um filme de Frankenstein o que importa mesmo é ver como a criatura vai surgir dessa vez em cena. Fizeram um design bem interessante para o monstro, algo que lembra até mesmo o visual clássico do antigo filme da Universal (mas claro tirando todas as devidas proporções). Para falar a verdade o macaco que Victor consegue ressuscitar é mais aterrorizante do que o grandalhão movido a fúria que vemos na cena final.

O diretor escocês Paul McGuigan criou um cenário muito evocativo das clássicas adaptações, mas não foi muito além disso. Faltou maior ousadia, talvez pelo fato desse ter sido o primeiro filme de grande orçamento de sua carreira - ele antes se limitou a trabalhar em séries de TV como a popular "Sherlock" e nada muito além disso. Assim essa nova versão não escapa muito da pecha de blockbuster de cinema comercial, mas mesmo assim há coisas boas para se curtir no filme como um todo. Até porque vamos ser sinceros, qualquer filme que traga o livro de Sheller de volta à tona sempre será no mínimo interessante para os fãs de filmes de terror.

Pablo Aluísio.

The Benefactor

O ator Richard Gere interpreta um milionário, dono de hospitais, que sofre um sério acidente de carro. Um casal amigo morre na tragédia e ele começa a se sentir culpado por tudo. Com o tratamento para se recuperar dos ferimentos acaba se viciando em morfina. As coisas começam a ir de mal a pior até que cinco anos após o acontecimento ele é convidado por Olivia (Fanning), a única filha do casal morto, para ser seu padrinho de casamento. A partir daí ele tenta de todas as formas aliviar sua culpa, começando a ajudar o jovem casal de todas as maneiras possíveis, comprando uma bela casa para ambos, providenciando um emprego para o marido em seu próprio hospital e se tornando alguém próximo com quem eles podem sempre contar. A aproximação porém se torna excessiva e ele se torna assim uma pessoa invasiva demais para a intimidade de Olivia e seu marido.

Esse é o novo filme de Richard Gere. Galã no passado, ele vai finalmente, aos poucos, assumindo a idade que tem. Aos 60 anos, Gere parece não estar mais disposto a fazer o tipo sedutor. Aqui ele interpreta um homem rico que ao longo da vida sempre priorizou sua liberdade, por isso nunca se casou e nem constituiu família. Na verdade ele só era próximo mesmo de um casal de amigos que morre em um acidente onde ele indiretamente teve sua parcela de culpa. Arrasado psicologicamente por tudo o que aconteceu e com problemas de vício em drogas e bebidas, ele tenta se redimir, ajudando exageradamente a filha de seus velhos amigos. O papel ajuda Gere a ter boas cenas onde ele atua muito bem. Ele parece estar sempre no limite, desenvolvendo uma personalidade bipolar, com picos de euforia e depressão. É um bom drama, embora não seja excepcional em nenhum momento. É um filme curto que se contenta em contar uma boa história. O final talvez seja um pouco otimista além da conta, não resolvendo seus momentos mais dramáticos de forma satisfatória. Mesmo assim se trata de um bom filme, valorizado ainda mais pela boa atuação de Gere.

The Benefactor (Idem, Estados Unidos, 2015) Direção: Andrew Renzi / Roteiro: Andrew Renzi / Elenco: Richard Gere, Dakota Fanning, Theo James / Sinopse: Franny Hines (Gere) é um milionário filantropo com problemas de bebidas e drogas que reencontra um sentido na vida ao ter a oportunidade de ajudar a filha de um casal de amigos, mortos em um acidente no passado, do qual ele teve indiretamente uma parcela de culpa. Assim ele começa a ajudar o jovem casal de todas as maneiras possíveis, algumas delas de forma exagerada e invasiva na vida conjugal deles. Filme indicado ao Tribeca Film Festival e ao Champs-Élysées Film Festival. Premiado no Catalina Film Festival na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.

Pablo Aluísio.

A Hora do Lobo

Título no Brasil: A Hora do Lobo
Título Original: Wolf Totem
Ano de Produção: 2015
País: China, França
Estúdio: China Film Co, Reperage Film
Direção: Jean-Jacques Annaud
Roteiro: Jiang Rong, Jean-Jacques Annaud
Elenco: Shaofeng Feng, Shawn Dou, Ankhnyam Ragchaa
  
Sinopse:
Em 1967, durante a revolução cultural na China, dois estudantes de Beijing são enviados para as estepes da Mongólia para ensinar as crianças da região a nova ideologia comunista que chegou ao poder no país. Uma vez lá eles se encantam pela riqueza natural da região, em especial pela presença de um grupo de lobos selvagens das montanhas. Enquanto tentam doutrinar o povo do lugar acabam também se maravilhando com os costumes e a cultura daquela sociedade. 

Comentários:
Produção franco chinesa muito interessante que mostra a história de vida de dois jovens idealistas que acabam indo parar na distante Mongólia. A fotografia, como não poderia deixar de ser, é um dos pontos fortes da película. O diretor francês Jean-Jacques Annaud que assinou excelentes filmes no passado como "O Nome da Rosa", "A Guerra do Fogo", "Sete Anos no Tibet" e "Círculo de Fogo" conseguiu realizar uma obra que celebra a natureza selvagem das famosas estepes mongóis, no mesmo lugar de onde surgiu no século XIII o grande conquistador Gengis Khan. Os grandes protagonistas do filme porém não são os seres humanos, mas sim os lobos selvagens. Organizados em alcatéias, eles vivem em perfeita harmonia com as populações nativas locais. Isso vai até o dia em que o Partido Comunista resolve enviar um burocrata para lá. Com escassez de alimentos o sujeito, que não entende nada da fauna local, manda invadir os territórios dos lobos, destruindo suas caças e seus filhotes, quebrando a fina e delicada harmonia que reina naquele ecossistema. Esse aspecto do roteiro até que me deixou bem surpreso pois colocou um membro do partido agindo de forma errada e equivocada, algo que espanta em um regime de governo tão fechado como o de Pequim. De qualquer maneira isso acaba não indo muito fundo, procurando a produção se contentar em mostrar as belezas naturais daquele cenário lindo e maravilhoso. Um filme ecologicamente correto e com uma bela mensagem para passar a frente.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Rock Hudson

Título no Brasil: Rock Hudson
Título Original: Rock Hudson
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Konigsberg International, Sanitsky Company
Direção: John Nicolella
Roteiro: Dennis Turner
Elenco: Dennis Turner, Lindsey Robinson, Carl Banks
  
Sinopse:
Após servir na Marinha durante a Segunda Guerra Mundial o jovem Roy Harold Scherer Jr resolve ir para Hollywood tentar a carreira de ator. Após ser contratado por um ganancioso agente ele se transforma em Rock Hudson, um ator especializado em interpretar personagens galãs em filmes românticas da época. Com o sucesso ele rapidamente se torna o solteiro mais cobiçado da América porém Roy esconde um grande segredo do grande público: ele é na verdade gay! Para consolidar sua fama e espantar os boatos de que seria homossexual seu agente Henry Wilson resolve armar um casamento falso entre Rock e sua secretária, Phyllis Gates.

Comentários:
Telefilme muito bem produzido que conta a história do astro Rock Hudson (1925 - 1985), um dos mais populares astros da era de ouro do cinema americano. O filme foi realizado cinco anos após sua morte de AIDS, quando acabou se tornando a primeira vítima famosa da nova doença. Parte do roteiro foi baseado na própria autobiografia de Rock, que inclusive foi lançada no Brasil. O enfoque realmente vai para o lado pessoal da vida íntima do ator, deixando de lado, de certo modo, sua vida profissional, os grandes filmes que realizou ao longo de sua bem sucedida carreira. Isso vai frustrar um pouco aos cinéfilos que adoram esmiuçar a filmografia dessas grandes estrelas do passado. Mesmo assim nada chega a comprometer o resultado final, uma vez que entender os bastidores da grande indústria do cinema americano também se torna um imenso prazer aos fãs da sétima arte. Phyllis Gates, a secretária do agente de Rock, que acabou se casando com ele, reclamou publicamente do filme depois, pois conforme explicou na época ela pessoalmente não acreditava que seu casamento havia sido completamente forjado como mostrado pelo roteiro. Ela ficou tão indignada com isso que posteriormente escreveu um livro, contando o seu lado da história. Picuinhas à parte o filme, que hoje em dia é bem raro de encontrar, é uma excelente pedida para quem curte a história de Hollywood e seus ídolos de um passado distante.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.