segunda-feira, 29 de fevereiro de 2016

Dívida de Honra

A vida no oeste selvagem era muito dura. Que o diga três mulheres que acabam enlouquecendo por causa das dificuldades de viver em uma terra tão hostil e perigosa. Diante dessa terrível situação o reverendo Dowd (John Lithgow) decide que pelo bem da comunidade as três devem ser enviadas para uma instituição psiquiátrica no distante Iowa. O problema é que até lá são cinco semanas de jornada a cavalo, bem no meio do nada. Mary Bee Cuddy (Hilary Swank) decide aceitar o desafio. No meio do caminho acaba encontrando o velho George Briggs (Tommy Lee Jones), que também decide seguir viagem ao seu lado. Juntos enfrentarão todos os desafios impostos pela complicada travessia. Esse faroeste é um projeto muito pessoal de Tommy Lee Jones. Só para se ter uma ideia ele produziu, dirigiu e ainda escreveu o roteiro de "The Homesman". Seu personagem é um homem já cansado pela vida que por um acaso do destino acaba entrando numa jornada ao lado da mulher que o salvou de morrer enforcado. O objetivo é levar três mulheres com problemas mentais a uma cidade distante cinco semanas de viagem pela terras selvagens cheias de pistoleiros, nativos e bandoleiros de todos os tipos. Usando uma carroça adaptada eles partem rumo aos confins do oeste americano. Pode-se dizer que em certos momentos a trama se arrasta um pouco, mas no geral é de fato um bom filme.

O elenco tem excelentes atores que interpretam pessoas que Briggs (Tommy Lee Jones) e Mary Bee (Hilary Swank) vão encontrando pelo caminho. James Spader, por exemplo, dá vida a um dono de hotel grã-fino que impede a entrada de Briggs e as mulheres em seu estabelecimento. A recusa não acaba muito bem. Não deixa de ser muito divertido encontrar Spader usando uma chamativa peruca ruiva, com jeito de irlandês, em um trabalho bem diferente que vem desenvolvendo na TV na série "The Blacklist". Já a premiada Meryl Streep tem uma pequena, mas importante participação, só surgindo na parte final do filme, como a esposa do pastor e reverendo que recebe as pobres mulheres para internamento no hospicio da região. Bem envelhecida, ela provavelmente só aceitou o papel em consideração ao amigo Tommy Lee Jones, até porque recentemente trabalharam juntos no delicado drama de relacionamentos "Um Divã para Dois".  No final de tudo quem acaba roubando mesmo o show é a atriz Hilary Swank. Sua personagem é uma balzaquiana desesperada para se casar que não consegue encontrar o homem de sua vida. Com isso ela vai vivendo de decepção em decepção até chegar ao seu limite. O destino de sua personagem me deixou um pouco perplexo e surpreso, confesso, mas ela consegue trazer uma grande carga humana para seu trabalho. Em suma é isso, no geral não há nada de errado na direção de Jones, talvez o filme devesse ter uns vinte minutos a menos para ser mais fluente, dando mais agilidade aos acontecimentos, quem sabe. Provavelmente esse seria o corte ideal, mas enfim. De qualquer forma esse é apenas um detalhe que não compromete o espetáculo. "The Homesman" é assim um bom western, um pouco diferente, é verdade, mas mesmo assim cativante ao seu próprio modo.

Dívida de Honra (The Homesman, EUA, 2014) Direção: Tommy Lee Jones / Roteiro: Tommy Lee Jones, Kieran Fitzgerald / Elenco: Tommy Lee Jones, Hilary Swank, John Lithgow, James Spader, Meryl Streep / Estúdio: EuropaCorp, Javelina Film Company / Sinopse: Um pastor resolve internar três mulheres com problemas mentais. O problema é que a instituição em que elas poderiam ser internadas fica longe, sendo necessário realizar uma longa viagem até lá, um desafio aceito pela valente Mary Bee Cuddy (Hilary Swank) que irá contar também com o apoio do velho cowboy George Briggs (Tommy Lee Jones).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 28 de fevereiro de 2016

Aracnofobia

Título no Brasil: Aracnofobia
Título Original: Arachnophobia
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Hollywood Pictures, Amblin Entertainment
Direção: Frank Marshall
Roteiro:  Don Jakoby, Al Williams
Elenco: Jeff Daniels, Julian Sands, John Goodman
 
Sinopse:
O Dr. Ross Jennings (Jeff Daniels) decide se mudar ao lado de sua família para uma casa no interior. Durante a mudança seu pequeno filho descobre uma aranha no meio das caixas. Depois que sua mãe decide levar o pequeno inseto para o celeiro as coisas começam a fugir do controle pois a estranha aranha se reproduz numa velocidade incrível, dando origem a um novo tipo de assassino da natureza. Filme premiado pela Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Filme de Terror e Melhor Ator (Jeff Daniels).

Comentários:
Produzido por Steven Spielberg e dirigido pelo seu amigo de longa data Frank Marshall (juntos produziram inúmeros filmes ao longo dos anos) esse "Arachnophobia" uso do medo natural que as pessoas em geral possuem desses insetos de oito patas para criar tensão, suspense e terror. A fórmula é antiga, desde os anos 1950 o cinema sempre explorou esse tema - inclusive em produções onde os tais aracnídeos eram bombardeados por radiações e se tornavam monstros colossais de 15 metros de altura! Aqui obviamente não se chega a tanto, mas de maneira em geral o roteiro se aproveita de velhos clichês para capitalizar o medo do espectador. O resultado se mostra apenas mediano. As cenas iniciais que exploram um local remoto de uma floresta brasileira onde pesquisadores entram em contato pela primeira vez com os bichos se mostra mais interessante do que a segunda parte que se rende a velhos cacoetes de Spielberg (a família tradicional americana, etc, etc). Vale pela curiosidade, mas não é nenhuma obra prima do gênero.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Segredo de Mary Reilly

Título no Brasil: O Segredo de Mary Reilly
Título Original: Mary Reilly
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Stephen Frears
Roteiro: Christopher Hampton
Elenco: Julia Roberts, John Malkovich, George Cole
  
Sinopse:
Mary Reilly (Julia Roberts), uma dona de casa vitoriana, acaba se apaixonando pelo respeitado médico Dr. Jekyll (John Malkovich) sem conhecer seu lado mais sinistro, amoral e violento, o Mr. Edward Hyde. Roteiro baseado no romance escrito por Valerie Martin. Filme indicado ao Golden Berlin Bear do Berlin International Film Festival. 

Comentários:
Transformar a história de Dr. Henry Jekyll e Mr. Edward Hyde (o médico e o monstro) em um drama vitoriano com pretensões de filme sério? Será que foi realmente uma boa ideia? Para a atriz Julia Roberts realmente parecia uma boa oportunidade de realizar um filme com qualidade literária ao mesmo tempo em que não perdia de vista os interesses financeiros de sua carreira. Um pé na arte e o outro na bilheteria. Apesar das intenções nada pareceu dar muito certo. O filme não consegue se decidir em ser uma obra de arte ou uma diversão pop de verão. No meio do caminho não conseguiu ser nem uma coisa, nem outra. Apesar da bipolaridade ainda há coisas boas para se elogiar. Uma delas vem justamente do elenco e nem estou me referindo ao trabalho de Julia Roberts (envelhecida precocemente com forte maquiagem), mas sim de John Malkovich. Se existe uma razão para assistir esse filme pelo menos uma vez na vida vem justamente de sua presença em cena. Claro que todos sabem que Malkovich sempre foi um grande ator. Seja como o racional Dr. Henry Jekyll ou como o alucinado Edward Hyde o ator se saiu excepcionalmente bem. Uma prova de seu grande talento. Pena que o filme nunca consiga ser tão bom como ele. É o típico caso em que temos uma atuação grande demais para um filme apenas mediano.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 27 de fevereiro de 2016

Romeu + Julieta

Título no Brasil: Romeu + Julieta
Título Original: Romeo + Juliet
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Baz Luhrmann
Roteiro: Craig Pearce, baseado na obra de William Shakespeare
Elenco: Leonardo DiCaprio, Claire Danes, John Leguizamo
  
Sinopse:
Romeu (Leonardo DiCaprio) ama Julieta (Claire Danes), mas não conseguem ficar felizes e em paz pois pertencem a duas famílias que simplesmente se detestam e se odeiam. Como superar todas as adversidades em nome de um grande amor como aquele? Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Direção de Arte (Catherine Martin e Brigitte Broch). Vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Direção, Design de Produção e Roteiro Adaptado.

Comentários:
Desde essa época o Leonardo DiCaprio sonhava com o Oscar de melhor ator (e lá se vão vinte anos de puro desespero por um prêmio que parece não chegar nunca!). Enfim... voltemos ao filme. A premissa é básica: trazer a obra do grande e imortal William Shakespeare para o público jovem. E como fazer isso? Transformando tudo em um videoclip, ou melhor explicando, usar a linguagem dos videoclips para atrair a atenção da juventude dos anos 90 (que não parava de assistir a MTV). Como se trata também de uma das obras mais populares do dramaturgo inglês era de se esperar que fluísse às mil maravilhas. Não foi bem isso que aconteceu. A verdade é que o diretor Baz Luhrmann é um pretensioso arrogante que pensa estar sempre revolucionando o cinema com seus filmes. Menos. Ele fez um filme muito colorido, bonitinho e simpático, mas a despeito disso também esvaziou muito a obra que lhe deu origem. Na ânsia de soar moderninho demais tudo o que Baz Luhrmann conseguiu no final das contas foi ser muito, mas muito chato! O filme nunca me convenceu e nem agradou. Há excessos de modernices que aborrecem. Além disso Leonardo DiCaprio parece estar mais preocupado em aparecer bonitinho em cena, como se estivesse posando para uma revista de adolescentes entediadas, do que em atuar realmente bem. Assim não há como salvar o filme. O bardo merecia coisa muito melhor (além do devido respeito, é claro). E o Leo ficou novamente a ver navios. Oscar que é bom... nada!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Força Tática

Título no Brasil: Força Tática
Título Original: Tactical Force
Ano de Produção: 2011
País: Canadá
Estúdio: Nasser Group, North, Caliber Media Company
Direção: Adamo P. Cultraro
Roteiro: Adamo P. Cultraro
Elenco: Steve Austin, Michael Shanks, Michael Jai White
  
Sinopse:
Um treinamento da SWAT da polícia de Los Angeles acaba dando muito errado quando um grupo de homens da polícia se depara com uma perigosa gangue de criminosos de rua. Apenas a força bruta de Tate (Steve Austin) poderá colocar um fim naquela situação perigosa e altamente violenta.

Comentários:
Filmes de ação estrelados por Steve Austin você já sabe: muita porrada, ação insana e baixos orçamentos. Esse tipo de fita B tinha grande retorno na época do mercado de vídeo - já que acabavam encontrando seu público de uma maneira ou outra nas prateleiras de locadoras. Hoje em dia as coisas já ficam mais complicadas. De qualquer forma vale a pena conhecer principalmente se você: a) curte filmes de ação sem delongas (como os filmes dos anos 80 com brutamontes violentos) e b) admiram de alguma forma o Austin, seja pelo trabalho que ele realiza como ator ou lutador. Aqui não há maiores surpresas, vamos convir que o filme é bem derivativo. Se tem algum mérito é não querer parecer pretensioso. O diretor canadense Adamo P. Cultraro só peca pela falta de experiência (esse é praticamente seu primeiro filme já que os anteriores não passaram de telefilmes sem importância ou documentários da TV a cabo, sem grande repercussão). Ele optou pela ação pura, sem frescuras ou perda de tempo. Se errou em vários aspectos do filme pelo menos acertou em ser bem direto e objetivo. O fã do filme de ação mais casca grossa não terá do que reclamar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Efeito da Fúria

Em uma lanchonete de Los Angeles um homem armado entra no estabelecimento e abre fogo contra clientes e funcionários. Ele parece ser uma pessoa normal, sem nenhum traço mais visível de psicopatia ou algo do gênero. Mirando em seus alvos o atirador tenta matar cada pessoa que está presente naquele recinto. A pequena Anna (Dakota Fanning) se esconde embaixo da mesa e de lá vê seu pai ser atingido por um tiro na cabeça. Seu sangue escorre por entre suas pernas, indo parar bem onde ela se encontra. A garçonete Carla (Kate Beckinsale) está atrás do balcão servindo os clientes quando começa o massacre. Ela se abaixa e tenta se esconder dos tiros. Com o celular também  tenta de todas as formas pedir socorro, ligando para o 911. Para Charlie (Forest Whitaker) nada mais parece fazer algum sentido. Ele entrou na lanchonete e se sentou no balcão em busca de um café. Intimamente se sente arrasado pois acabou de ser diagnosticado com um câncer maligno. Quando os tiros começam ele mal consegue esboçar uma reação. Está simplesmente em choque.

Tudo o que você leu no parágrafo anterior se desenvolve apenas na primeira cena de "Winged Creatures". O filme se concentra nessa triste realidade de violência sem sentido que surge dentro da sociedade americana, algo que se tornou tão habitual naquele país que nem mais chega a chamar tanta atenção. De repente um sujeito armado resolve abrir fogo contra pessoas inocentes, matando a esmo, sem qualquer explicação ou aviso. Para se ter uma ideia de como as coisas andam por lá, ontem quando assistia a esse filme ocorreu um novo massacre em uma pequena cidade americana do Arizona, quando um homem atirou dentro de uma fábrica, matando quatro pessoas e ferindo quase uma dezena de outras. O roteiro do filme não se preocupa em desvendar os motivos que levaram o atirador a matar as pessoas na lanchonete. Ao invés disso investe no trauma decorrente da chacina, mostrando a vida dos sobreviventes após o trágico evento. Assim o espectador passa a acompanhar o pós trauma na vida de cada personagem. A garçonete Carla (Beckinsale) é uma mãe solteira que não tem a menor vocação para cuidar de seu filho, um bebê que parece sempre estar chorando. A garotinha Anna (Fanning) acaba criando uma espécie de fanatismo religioso precoce para lidar com a morte brutal de seu pai e Charlie (Whitaker), que fora diagnosticado com câncer poucos momentos antes da tragédia na lanchonete, resolve gastar seu último centavo numa maratona de bebidas e jogos em um cassino da cidade. Por fim há a figura do médico Dr. Bruce Laraby (Guy Pearce) que escapou de morrer ao sair momentos antes do tiroteio começar na lanchonete. Ele trabalha salvando vidas, mas parece disposto a acabar com a vida da própria esposa, a envenenando. Em suma, um bom filme que valoriza as características de cada personagem em cena. Um retrato mais realista possível da violência que impera na sociedade americana atualmente.

O Efeito da Fúria (Winged Creatures, EUA, 2008) Direção: Rowan Woods / Roteiro: Roy Freirich / Elenco: Kate Beckinsale, Forest Whitaker, Guy Pearce, Dakota Fanning, Josh Hutcherson / Sinopse: Após o massacre em uma lanchonete de Los Angeles, um grupo de sobreviventes tenta levar as suas vidas em frente da melhor maneira possível, algo que definitivamente não será fácil já que a violência absurda a que foram submetidos deixou traumas psicológicos irreparáveis em cada um deles.

Pablo Aluísio. 

quinta-feira, 25 de fevereiro de 2016

Amantes

Esse é um filme sobre sentimentos. Logo na primeira cena Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix) caminha por um píer de Nova Iorque. Tempo gelado. Sem pensar duas vezes ele se joga na água congelantes do oceano. Seria trágico se não fosse patético. Essa é mais uma de muitas tentativas de suicídio em sua vida. Tudo por causa de mais uma desilusão amorosa. Depois de dois anos de noivado a mulher que ele achava ser a ideal para sua vida simplesmente resolveu ir embora, o deixando completamente devastado. Leonard vive com os pais, trabalha na pequena loja de seu pai e não vê muitos motivos para seguir em frente com sua vida. Isso dura até conhecer a vizinha de prédio, a bela e atraente Michelle Rausch (Gwyneth Paltrow), uma garota dos sonhos. Mesmo machucado, Leonard resolve investir no seu novo interesse romântico, mas ela já tem um complicado relacionamento com um homem casado, com filhos, numa situação nada resolvida. Para piorar ainda mais sua vida sentimental seus pais querem que ele se acerte com Sandra (Vinessa Shaw) que parece ser uma boa pretendente para acabar com sua solteirice persistente e duradoura.

Bom filme. O diretor James Gray tenta contar um enredo envolvendo um triângulo amoroso dos mais improváveis. Todos os personagens apresentam algum tipo de problema emocional. Leonard foi diagnosticado como bipolar alguns anos atrás. Por essa razão ele não consegue lidar muito bem com perdas. Michelle vem de uma família com problemas mentais e não consegue se acertar na vida. Sandra mais parece uma solteirona desesperada para se casar com alguém, seja ele quem for. Ela tem vários problemas de auto estima o que trava sua vida amorosa. Como se vê os protagonistas passam longe da imagem de figuras românticas idealizadas, princesas e príncipes montados em cavalos brancos. Ao invés disso são pessoas comuns, tentando levar a vida, mesmo com vários obstáculos pelo meio do caminho. Gosto muito do estilo de interpretação de Joaquin Phoenix. Ele sempre parece perfeito para personagens limítrofes, esquisitões. Até hoje não sei se ele é assim mesmo na vida real ou se é algum tipo de fórmula que ele sempre usa para dar veracidade em seus trabalhos. Provavelmente seja o primeiro caso, quem sabe... De qualquer maneira funciona muito bem. Já Gwyneth Paltrow sempre surge muito elegante e sofisticada, mesmo quando seus papéis são de garotas à beira de um surto psicótico. Em suma, temos aqui um bom filme, ideal para assistir a dois.

Amantes (Two Lovers, EUA, 2008) Direção: James Gray / Roteiro: James Gray, Ric Menello / Elenco: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Isabella Rossellini, Vinessa Shaw, Samantha Ivers / Sinopse: Leonard (Phoenix) vê uma oportunidade de se recuperar do enorme fora que levou de sua noiva ao conhecer sua vizinha, a bela e sensual Michelle (Paltrow). Seus pais porém querem que ele se case com outra jovem, Sandra (Shaw), a filha de um amigo de seu pai. Filme indicado à Palma de Ouro do Cannes Film Festival. Também indicado ao Independent Spirit Awards nas categorias de Melhor Atriz (Gwyneth Paltrow) e Melhor Direção (James Gray).

Pablo Aluísio.

Os Fugitivos

Baseado em fatos históricos reais, o filme "Lonely Hearts" conta a trajetória de Ray Fernandez (Jared Leto), um patife que ganhava a vida explorando mulheres solitárias e infelizes durante a década de 1930. Usando como isca o classificado dos jornais ele procurava conquistar o coração delas com o objetivo de lhes tirar todo o dinheiro possível. Sua vida criminosa ganha uma reviravolta quando passa a ser acompanhado por sua amante, Martha Beck (Salma Hayek), que finge ser sua irmã para as vítimas. Com ela ao seu lado, Ray ganha uma insuspeita imagem de confiança e respeitabilidade que ele prontamente usa para aumentar o número de potenciais alvos. Quando alguma delas começam a lhe trazer problemas a solução passa a ser o assassinato para encobrir seus rastros. E é justamente no suicídio forjado de uma dessas mulheres que a dupla de detetives formado por Elmer Robinson (Travolta) e Charles Hilderbrandt (James Gandolfini) começa a entender a rede de crimes praticada pelo casal de psicopatas. Para Robinson a solução dos crimes passa a ser algo bem pessoal, uma vez que ele próprio está destruído emocionalmente após o suicídio de sua jovem esposa. Colocar as mãos em Ray e Martha passa a ser uma verdadeira obsessão para ele.

Gostei muito desse filme. Além da trama envolvente, explorando um fato real, a produção procura ser o mais fiel possível aos acontecimentos históricos. Durante os anos de 1937 a 1939 esse casal de assassinos praticou uma série de assassinatos terríveis em diversos estados americanos. Calcula-se que juntos tenham matado mais de vinte mulheres, a grande maioria delas viúvas da guerra ou senhoras mais velhas, solitárias e em busca de um relacionamento sério para preencher o vazio de suas vidas. O roteiro toma certas liberdades em relação a alguns detalhes dos fatos históricos, como por exemplo, transformar a psicopata Martha em uma jovem sensual e bonita (na verdade ela já era uma senhora com problemas de obesidade quando os crimes foram cometidos). Em termos de elenco eu destacaria o trabalho de Jared Leto. Ele está excepcionalmente bem na pele do psicótico Ray. O interessante é que tal como aconteceu na vida real ele também era completamente manipulado por Martha, que conforme escrevi, ganha contornos de exuberância sensual na interpretação de Salma Hayek que além de estar extremamente bela no filme, desfila uma série de elegantes figurinos de época. Entre os tiras o sempre excelente James Gandolfini defende muito bem seu personagem, porém temos que reconhecer que seu parceiro John Travolta já não se sai muito bem, o que é complicado, já que seu policial atormentado é um dos pilares dramáticos do filme como um todo. Travolta não conseguiu expressar a tempestade de emoções que seu papel exigiu. Ao invés de passar um sentimento de depressão, desespero interior e melancolia ao espectador tudo o que ele consegue transmitir é uma eterna expressão de raiva e fúria. Travolta sempre foi um ator limitado, temos que reconhecer. Mesmo assim essa é uma falha menor. O filme como um todo é realmente muito bom, altamente recomendado e resgata a história desses criminosos insanos e violentos que felizmente encontraram finalmente a justiça em uma cadeira elétrica pouco depois de terem cometido seus crimes e atrocidades contra mulheres indefesas e inocentes.

Os Fugitivos (Lonely Hearts, EUA, 2006) Direção: Todd Robinson / Roteiro: Todd Robinson / Elenco: John Travolta, James Gandolfini, Salma Hayek, Jared Leto, Scott Caan, Laura Dern / Sinopse: Um casal de psicopatas começa a procurar suas próximas vítimas usando o serviço de classificados dos jornais. Seu alvo preferido passa a ser mulheres solitárias que tenham algum dinheiro. Quando algumas delas começam a aparecer assassinadas, uma dupla de detetives do departamento de polícia de Nova Iorque entra no caso para prender os criminosos.Filme indicado ao San Sebastián International Film Festival na categoria de Melhor Direção (Todd Robinson).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Corações de Ferro (2014)

Em abril de 1945 as forças aliadas começam a grande invasão da Alemanha, já nos últimos meses da II Guerra Mundial. Ao entrarem dentro do país inimigo os soldados americanos liderados pelo sargento Don 'Wardaddy' Collier (Brad Pitt) descobrem que estão prestes a enfrentar o maior desafio de suas vidas naquela guerra que parece não ter fim. Um filmaço! Simples assim... Fazia bastante tempo que Hollywood não explorava tão bem a Segunda Guerra Mundial. O gênero dos filmes de guerra foi muito popular no passado, mas ultimamente estava em segundo plano. Para falar a verdade poucos e pontuais filmes foram realizados nos últimos tempos. Pois bem, aqui está uma produção classe A, com roteiro excelente e personagens marcantes. O roteiro foca bastante na conturbada relação entre o comandante durão interpretado por Pitt, um sujeito que precisa ser forte o suficiente para comandar seus homens e um novato, o jovem soldado Norman Ellison (Logan Lerman), que por ser jovem demais não tem o preparo psicológico e físico para enfrentar tamanho desafio. O clima em geral é de desolação, destruição completa. Os prédios estão em chamas e a população civil vaga em busca de alimentos. Os traidores estão penduradas em postes, com placas no pescoço relatando seus crimes contra o Estado nazista.

Brad Pitt lidera esse pequeno grupo de homens que luta dentro de um tanque americano "carinhosamente" chamado de "Fury". E é justamente usando de muita fúria e bravura que eles tentarão sobreviver a um dos conflitos mais brutais e sangrentos da história. Em seus últimos dias a Alemanha de Hitler definhava e agonizava. Sem homens para lutar o führer, completamente desesperado, começou a alistar crianças e jovens sem qualquer experiência de combate. Quando os aliados adentraram as fronteiras alemãs eles acabaram encontrando não apenas cidades destruídas, mas também o coração de um povo em chamas. Há várias sequências fantásticas porém destaco duas em especial. Na primeira o pequeno grupo de tanques sob comando de Brad Pitt enfrenta um poderoso tanque alemão Tiger, um verdadeiro monstro da guerra! A verdade é que os armamentos alemães eram de certa forma bem mais resistentes e poderosos do que os americanos. O que fez a Alemanha perder a guerra foi em última análise a falta de poderio industrial para repor as perdas do campo de combate. Esse confronto mostrado no filme entre as forças de infantaria é desde já uma das melhores do cinema. Em outro momento marcante o tanque Fury fica avariado numa encruzilhada enquanto um pelotão inteiro de fanáticos soldados SS se aproxima! Ótima sequência que vem para fechar em grande estilo esse ótimo war movie. Assim não resta mais o que dizer. "Fury" é de fato um dos melhores filmes do ano, sem favor algum.

Corações de Ferro (Fury, EUA, 2014) Direção: David Ayer / Roteiro: David Ayer / Elenco: Brad Pitt, Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Peña, Jim Parrack, Scott Eastwood / Sinopse: Um grupo de soldados americanos, pertencentes ao regime de tanques, adentra as fronteiras da Alemanha durante a fase final da Segunda Grande Guerra Mundial. Comandados pelo sargento Don 'Wardaddy' Collier (Brad Pitt) eles precisam enfrentar os inimigos em campo aberto, ao mesmo tempo em que tentam conquistar a confiança da população civil em cidades destruídas pela guerra. Filme indicado aos prêmios da Screen Actors Guild Awards e Broadcast Film Critics Association Awards.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 24 de fevereiro de 2016

Nunca Fale com Estranhos

Dra. Sarah Taylor (Rebecca De Mornay) é uma psicóloga forense que acaba se apaixonando pelo homem errado, Tony Ramirez (Antonio Banderas), um sujeito que ela na verdade não conhece muito bem. Mal sabe que na verdade está se relacionando com um perigoso serial killer. Lida assim a sinopse de "Never Talk to Strangers" pode até parecer muito banal e sem novidades, mas para surpresa geral é sim um filme que tem lá seus bons momentos. Na década de 1990 muitos filmes de suspense como esse foram lançados visando muito mais o mercado de vídeo (sim, com aquelas fitas VHS, lembra?) do que propriamente as salas de cinema. As produções eram mais modestas e os roteiros primavam por situações clichês, muitas vezes reciclando tramas de antigas fitas do cinema noir da década de 1940. Aliás a própria concepção de se realizar filmes baratos, com enredos enxutos, mas bem boladas, primando o suspense, era uma característica daquela velha estética cinematográfica.

O grande atrativo desse filme em si vem do elenco. O estúdio apostou em  Rebecca De Mornay e Antonio Banderas. Ela vinha em uma boa fase na carreira, principalmente depois das boas bilheterias de filmes como "A Mão Que Balança o Berço" e "Culpado Como o Pecado". A TriStar Pictures apostou que ela poderia ser uma das futuras estrelas de Hollywood, mas isso de fato nunca aconteceu. Depois desse filme ela foi perdendo papéis importantes e meio que caiu no esquecimento. Algo mais corriqueiro de se acontecer do que se pensa. Já Banderas teve um destino mais bem sucedido, um futuro melhor. Ele conseguiu emplacar uma carreira consistente nos Estados Unidos e se também não virou um astro pelo menos conseguiu uma certa regularidade. Assim deixo a dica desse suspense dos anos 90 que anda bem esquecido.

Nunca Fale com Estranhos (Never Talk to Strangers, EUA, Canadá, Alemanha, 1995) Direção: Peter Hall / Roteiro: Lewis A. Green, Jordan Rush / Elenco: Rebecca De Mornay, Antonio Banderas, Dennis Miller / Sinopse: Sarah Taylor (Rebecca De Mornay) é uma psicóloga da polícia que acaba se apaixonando pelo homem errado,  Tony Ramirez (Antonio Banderas), um sujeito perturbado que não admite ser deixado para trás.

Pablo Aluísio.

Godzilla (2014)

Título no Brasil: Godzilla
Título Original: Godzilla
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos, Japão
Estúdio: Warner Bros., Legendary Pictures
Direção: Gareth Edwards
Roteiro: Max Borenstein, Dave Callaham
Elenco: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston, Ken Watanabe

Sinopse:
Após o colapso em uma usina nuclear no Japão um estranho monstro voador, de proporções gigantescas, se utiliza da radiação para se alimentar e se proliferar. Para destruir a ameaça a própria mãe natureza envia outro monstro vindo diretamente das profundezas do oceano, Godzilla, que tentará aniquilar com o estranho ser que mais parece um inseto colossal. Adaptação moderna do famoso personagem japonês, Godzilla.

Comentários:
O monstro Godzilla nasceu dentro da paranoia que havia sido criada durante a Guerra Fria. As pessoas em geral tinham receio de tudo acabar da noite para o dia em uma terrível guerra nuclear. Assim o termo nuclear foi ganhando aspectos monstruosos dentro do inconsciente coletivo do homem comum. Não é de se admirar que o cinema tenha se aproveitado desse medo irracional. Assim surgiu esse personagem, uma besta fruto da energia nuclear, com aparência de dinossauro mas centenas de vezes maior do que os verdadeiros répteis que andaram sobre a Terra no período pré-histórico. O roteiro desse novo filme procura de certa forma resgatar todos os elementos que deram origem ao personagem. Assim está lá a usina nuclear e todo o perigo proveniente de sua existência, a situação fora de controle que gera entidades monstruosas e o surgimento do próprio Godzilla como uma resposta da mãe natureza contra os erros da humanidade. O espírito do enredo também procura criar um laço direto com os filmes japoneses, onde um homem vestido com macacão de borracha destruía cidades feitas de papelão. De certa forma, por esses e outros motivos, achei essa nova produção bem mais interessante do que aquele filme com Mathew Broderick lançado alguns anos atrás. Não é um filme isento de críticas, tampouco é uma maravilha, porém por ter tantos elementos referenciais ao surgimento do monstro temos que ao menos reconhecer que se trata de uma produção interessante e curiosa. Como o final deixou a possibilidade em aberto vamos torcer para que haja continuações e que elas sejam bem melhores, corrigindo os defeitos eventuais que esse filme trouxe.

Pablo Aluísio.

O Massacre da Serra Elétrica 2

Título no Brasil: O Massacre da Serra Elétrica 2
Título Original: The Texas Chainsaw Massacre 2
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Cannon Films
Direção: Tobe Hooper
Roteiro: L.M. Kit Carson, Tobe Hooper
Elenco: Dennis Hopper, Caroline Williams, Jim Siedow
 
Sinopse:
Durante uma transmissão de rádio da programação local um DJ fica chocado ao receber o telefonema de dois marginais que lhe passam uma gravação do que parece ser a morte de duas crianças pelo psicopata Leatherface, o infame serial killer que matava suas vítimas com uma serra elétrica. O xerife local então decide começar sua investigação para colocar as mãos nos autores da gravação, algo que lhe revelará um mundo doentio e perturbador nos cafundós do Texas. Filme indicado ao prêmio Fantasporto na categoria de Melhor Filme de terror.

Comentários:
No auge do sucesso da Cannon, produtora bem conhecida nos anos 80 por causa de seus filmes de ação com Chuck Norris. a empresa resolveu apostar também no terror, ressuscitando antigas franquias. Foi o que aconteceu com "The Texas Chainsaw Massacre". O primeiro filme havia virado um cult movie nas locadoras, então os produtores entenderam que era uma boa oportunidade de reviver o antigo clima de sangue e tripas nas telas. Pessoalmente não gosto muito dessa continuação porque ela foi afetada por uma modinha da época em se misturar terror com comédia. "A Hora do Espanto" se tornou um grande sucesso de bilheteria e sua fórmula acabou sendo copiada à exaustão, nem sempre com resultado positivos. A piada já começa no poster, onde os personagens sanguinários do filme posam tal como os adolescentes do sucesso de John Hughes, "O Clube dos Cinco". O resto vai pela mesma linha engraçadinha, o que nem sempre dá certo. Dennis Hopper também acaba virando uma caricatura de si mesmo nessa produção. Ator símbolo da contra cultura dos anos 60 ele acabou embarcando no filme sem muita razão de ser, talvez apenas para emprestar seu nome conhecido (o único do elenco) para ajudar na promoção do filme. Há certamente boas cenas de terror, mas no geral não consigo mesmo gostar muito, nem mesmo em revisões mais atuais. O humor aqui estragou parte do potencial da fita. Uma bola fora na filmografia do (quase) sempre correto Tobe Hooper.

Pablo Aluísio.

A Casa do Espanto

Título no Brasil: A Casa do Espanto
Título Original: House
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: New World Pictures
Direção: Steve Miner
Roteiro: Fred Dekker, Ethan Wiley
Elenco: William Katt, Kay Lenz, George Wendt
 
Sinopse:
Roger Cobb (William Katt) é um veterano da Guerra do Vietnã que sonha um dia se tornar um autor de livros de terror de sucesso. Para seu azar ele precisa interromper os seus sonhos para descobrir o paradeiro de seu filho Jimmy, que simplesmente desapareceu misteriosamente enquanto visitava a sombria casa de sua tia. Quando essa morrer Roger decide desvendar esse mistério, o que abrirá literalmente uma porta para o inferno. Filme indicado aos prêmios da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Richard Moll) e Melhor Atriz Codjuvante (Kay Lenz). Filme vencedor do Avoriaz Fantastic Film Festival.

Comentários:
Quem viveu os anos 80 e o auge das locadoras de vídeo certamente se lembrará desse "House". Como na época o filme de terror de maior sucesso era o clássico "A Hora do Espanto" a distribuidora nacional tentando tirar uma casquinha logo denominou a fita de "A Casa do Espanto". O filme não fez muito barulho nas bilheterias de cinema, mas quando chegou nas locadoras de vídeo VHS se tornou um hit e tanto, impulsionado pelas propagandas do SBT Vídeo que lançou a fita em nosso país. De certo modo até seguia os passos do famoso "Fright Night", misturando cenas de horror com muita comédia e bom humor. O diferencial era que não havia todo o orçamento do outro filme. Por outro lado investia em muitas cenas bem realizadas, com maquiagem de primeira linha. O diretor Steve Miner vinha de duas sequências da franquia "Sexta-Feira 13" e sabia muito bem das regras para atrair o público adolescente. Além disso contava com o bem sacado roteiro escrito por Fred Dekker, outro ícone dos filmes de terror dos anos 80. Ele havia dirigido o divertido "A Noite dos Arrepios" e no futuro escreveria os roteiros de "Contos da Cripta", "RoboCop 3" e da própria continuação dessa produção, "House 2" em 1987. Assim deixo essa dica preciosa para os saudosistas daqueles tempos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.


Scanners - Sua Mente Pode Destruir

Scanners são seres humanos mutantes que possuem um poder fora do comum: eles consegue controlar a mente das demais pessoas, mostrando grande poder psíquico, conseguindo inclusive infligir dores e danos enormes em suas vítimas. Diante de tão grave ameaça para a humanidade um cientista decide estudar o caso, levando um scanner a mudar de lado, dando início a uma verdadeira guerra entre esses estranhos seres mutantes. Para quem foi jovem nos anos 80 o barato desse filme era ver as cabeças explodindo em câmera lenta! Parece bobo, mas a verdade é que esse clássico do terror assinado por David Cronenberg (em comecinho de carreira) se vendia assim mesmo nas locadoras: aquele filme onde as cabeças explodem! De certa maneira já tínhamos aqui uma amostra da mente sinistra de Cronenberg, um sujeito que mais parecia um nerd, um rato de bibliotecas, com óculos fundo de garrafa e jeito inofensivo.

Mal sabiam os estúdios que ele se tornaria um dos mais importantes nomes do gênero Sci-fi / Terror naquela década. O roteiro mais parecia uma adaptação de quadrinhos, fruto do fato de Cronenberg ter sido um viciado nesse tipo de publicação, que era tão popular em sua país natal. Com pouco dinheiro, mas muita imaginação, ele conseguiu rodar esse filme no Canadá e a fita acabou sendo considerada tão insana e fora dos padrões que chegou logo ao mercado americano onde virou uma espécie de cult nas locadoras de vídeo VHS - naquele momento se tornando bastante populares em todo o mundo. Revisto hoje em dia tudo, claro, vai soar muito datado. Os efeitos e a maquiagem já não convencem ninguém (fica claro que é uma cabeça de boneco que voa pelos ares) mas mesmo assim ainda consegue se manter interessante por causa do roteiro, esse realmente fora do normal, algo realmente original!

Scanners - Sua Mente Pode Destruir (Scanners, Canadá, 1981) Direção: David Cronenberg / Roteiro: David Cronenberg / Elenco: Jennifer O'Neill, Stephen Lack, Patrick McGoohan / Sinopse: Uma nova raça de mutantes chamada Scanner desenvolve um grande poder de controle da mente humana. São 4 bilhões de seres humanos, 237 deles são scanners! Eles possuem o mais terrível poder jamais criado e estão vencendo essa batalha evolutiva! Um cientista resolve estudar esse novo tipo de ser e acaba criando uma verdadeira guerra entre esse novo tipo de ser humano fora do normal. Filme produzido pelo Canadian Film Development Corporation (CFDC). Vencedor do Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Maquiagem e Melhores Efeitos Especiais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

segunda-feira, 22 de fevereiro de 2016

007 Contra o Foguete da Morte (1979)

Depois do enorme sucesso de "Star Wars" lançado em 1977 todos os produtores correram atrás para explorar a nova moda de filmes de ficção, até mesmo os da franquia James Bond. O resultado é esse fraquíssimo "007 Contra o Foguete da Morte", considerado até hoje um dos piores filmes da série. Imagine colocar Bond em ambientes espaciais, em efeitos especiais completamente datados (que, apesar de serem bem ruins, chegaram a concorrer ao Oscar em Melhores Efeitos Especiais) e você entenderá do que se trata. Curiosamente parte do filme se passa em um Rio de Janeiro bem falso, com direito a uma feroz luta entre Bond e o vilão Jaws nos bondinhos do Corcovado. Mais nonsense impossível...

O filme foi dirigido pelo cineasta Lewis Gilbert que já havia trabalhado antes em "Com 007 Só Se Vive Duas Vezes" (ainda com Sean Connery) e "007 - O Espião Que Me Amava" (já com Moore). Esses foram dois bons filmes da franquia, o que me deixa ainda mais surpreso por ele ter cometido tantos erros nesse terceiro filme. O resultado foi considerado tão ruim que Gilbert foi afastado da série pela MGM. Quase Roger Moore também foi desligado da série, mas acabou sobrevivendo ao desastre, muito por causa da simples falta de opção de outros nomes adequados para estrelar a série. Assim não há outra conclusão a se chegar, nessa mistura de ficção B com James Bond realmente não deu nada certo - e acabou se tornando um dos mais constrangedores de toda a franquia. Bola fora espacial.

007 Contra o Foguete da Morte (Moonraker, Estados Unidos, Inglaterra, 1979) Direção: Lewis Gilbert / Roteiro: Christopher Wood / Elenco: Roger Moore, Lois Chiles, Michael Lonsdale / Sinopse: Com o mundo em perigo o agente James Bond (Roger Moore) é designado para descobrir uma extensa rede de uso de armas espaciais. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais.

Pablo Aluísio.

Carol

Ao ir até uma loja de departamentos para comprar uma boneca para sua filha, a bela e elegante Carol (Cate Blanchett) acaba se encantando com a vendedora de brinquedos Therese Belivet (Rooney Mara). Quando vai embora deixa suas luvas sob o balcão. No dia seguinte Therese as envia para Carol que lhe retorna agradecendo por telefone. Aos poucos o que parecia ser apenas um flerte casual ganha contornos mais sérios quando Carol convida Therese para almoçar fora. Elas estão inegavelmente atraídas uma pela outra, mas há vários problemas nesse relacionamento, entre eles o fato de Carol ser casada e estar enfrentando uma série crise em seu casamento, o que ocasionará um divórcio complicado e doloroso com seu marido. Em disputa, a guarda de pequenina filha de Carol. Oscar Wilde costumava dizer que o amor homossexual era o amor que não ousava dizer seu nome. Pensei exatamente nessa frase durante o transcorrer de todo o filme. As duas protagonistas parecem saber desde o começo que há algo maior e mais profundo entre elas, mas nenhuma parece disposta a cruzar a linha que as mantém separadas. Em determinado momento, ao telefone, Carol (Blanchett) implora para que Belivet (Mara) diga o que está pensando ou sentindo, mas ela recua. Realmente é um tipo de amor que não pode muitas vezes se revelar, dizer o seu nome. 

"Carol" é um filme de momentos. Se você prestar bem a atenção perceberá que o roteiro nem está muito preocupado em contar uma história linear, mas sim em captar o sentimento envolvido no encontro dessas duas pessoas apaixonadas que, por acaso, são duas mulheres. Esse aspecto aliás é certamente um dos grandes méritos desse texto. Ele não se torna chato ou cansativo justamente por não levantar bandeiras, por não se transformar em algo planfletário da causa gay ou qualquer outra  coisa parecida. Na realidade o mais importante é mostrar como elas se conhecem, como surge desde o começo um lapso de atração, logo no primeiro olhar, e como aos poucos vão se aproximando. Tudo é muito sutil, elegante e com classe. Por isso não existe espaço para o vulgar e nem para o grotesco. Há detalhes que fazem toda a diferença. Só para citar um, aquele momento em que as mãos finalmente se encontram sobre a mesa de um restaurante. Não é necessário palavras, apenas olhares. Toda a sutileza do roteiro se revela ali. Por essa razão também nem é tão significativo que estejamos na presença de um casal de lésbicas, afinal de contas as mesmas cenas que vamos acompanhando poderiam também se referir a um casal hétero, sem problemas. Sentimentos são sentimentos. Como eu disse, o grande valor de "Carol" vem de sua profundidade emocional, de seu jogo de pequenos momentos que vão formando algo maior. Nesse aspecto realmente não há como negar que se trata de um belo filme, feito de, como frisei, pequenos detalhes que vão revelando o despertar da paixão entre as protagonistas. Deixe-se levar e entenda que o amor não tem barreiras, limites ou fronteiras.

Carol (Carol, EUA, 2015) Direção: Todd Haynes / Roteiro: Phyllis Nagy, baseado no livro escrito por Patricia Highsmith / Elenco: Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Sarah Paulson / Sinopse: O filme mostra o relacionamento homossexual entre uma mulher casada que enfrenta problemas em seu casamento e divórcio e uma tímida e bela vendedora de uma loja de departamentos. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Cate Blanchett), Melhor Atriz Coadjuvante (Rooney Mara), Melhor Roteiro Adaptado, Fotografia, Figurino e Música original (Carter Burwell). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Atriz (Cate Blanchett), Melhor Atriz (Rooney Mara), Melhor Direção e Melhor Trilha sonora original.

Pablo Aluísio e Thaís Albuquerque.

domingo, 21 de fevereiro de 2016

Nem por Cima do Meu Cadáver

As comédias românticas americanas já não são mais as mesmas. Com o esgotamento da velha fórmula os produtores andam procurando por caminhos diferentes. Algumas vezes até dá certo, em outras o desastre é certo. Veja o caso desse filme. Quando começa o espectador (principalmente se for masculino) vai franzir a testa e dizer consigo mesmo: "Meu Deus, lá vem outra comédia romântica sobre casamentos!". Isso tudo porque a primeira cena do filme é passada justamente no dia de casamento de Kate (Eva Longoria) e Henry (Paul Rudd). E então vem a grande surpresa, já que os roteiristas, como eu escrevi, estão tentando mudar um pouco o que sempre se vê nesse tipo de comédia. A personagem Kate morre, logo no dia em que iria se casar, quando um anjo de gelo (daqueles usados em decoração) cai por cima dela. E então vem a "ideia brilhante" do diretor e roteirista Jeff Lowell: transformar Kate em uma fantasma que vai a partir daí atazanar a vida sentimental daquele que seria seu futuro marido.

E é isso. O filme todo se desenvolve em cima dessa bobeirinha. Henry (Rudd) vai ver uma vidente chamada Ashley (Lake Bell) e se apaixona por ela. Enquanto isso Kate começa a aparecer para Ashley, tentando com isso assustá-la para que ela deixe seu amado em paz. No fundo a fantasminha é tão possessiva que deseja ardentemente que ele nunca mais se relacione com mais ninguém na vida. Já deu para perceber que a personagem interpretada por Eva Longoria é bem antipática. O pior é que Ashley também não se mostra nada carismática. Assim acaba sobrando para Paul Rudd tentar levar o filme em frente, mas no final tudo isso é em vão. Não há outra maneira de qualificar essa insossa comédia romântica a não ser como insossa e sem graça. As tentativas de fazer rir passam por situações grotescas como cenas de flatulência. Enfim, descarte, esqueça e deixe pra lá, a não ser que você seja um espírita masoquista.

Nem por Cima do Meu Cadáver (Over Her Dead Body, EUA, 2008) Direção: Jeff Lowell / Roteiro: Jeff Lowell / Elenco: Eva Longoria, Paul Rudd, Lake Bell / Sinopse: Jovem noiva morre bem no dia do seu casamento. Quando seu futuro marido (que continua vivo) se apaixona por uma vidente ela começa a fazer de tudo para melar o novo relacionamento. Isso continua até o dia em que ela percebe que o melhor para si e seu amado é deixar o destino seguir em frente.

Pablo Aluísio.

sábado, 20 de fevereiro de 2016

Paul McCartney - Venus and Mars

O álbum "Band on the Run" foi um dos maiores sucessos da carreira de Paul McCartney. Suceder a um disco tão bom, tanto do ponto de vista artístico como comercial, certamente não seria algo fácil. Assim chegou nas lojas o tão novo aguardado dos Wings, "Venus and Mars". Inicialmente parte da crítica torceu um pouco o nariz para o resultado final e eles tinham sua dose de razão. Embora com excelentes canções o disco soava apenas razoável. A mais simples verdade é que Paul não tinha nada muito além de um punhado de faixas soltas, algumas que tinham sido descartadas para o álbum anterior. Pois é, mesmo os gênios passam por esgotamentos de criatividade de tempos em tempos. Assim o ex-beatle resolveu entrar em estúdio para trabalhar melhor cada canção, escrevendo arranjos mais bem elaborados, unindo canções diversas em longos pout pourris. Depois voltou atrás, gravou faixas independentes e no meio de todo esse vai e vem o disco foi finalmente nascendo. As novidades não paravam por aí. Paul também trouxe mais dois novos integrantes ao Wings, o guitarrista Jimmy McCulloch e o baterista Geoff Britton. Também resolveu tomar uma decisão que surpreendeu a todos, escolhendo estúdios em New Orleans, nos Estados Unidos, para as gravações. Paul sempre havia gravado todos os seus discos anteriores em Londres. Essa mudança de rota era encarada por Paul como uma forma de aproveitar a excepcional musicalidade da cidade americana. O lugar escolhido foi o Wally Heider Studios, muito popular entre artistas de jazz.

Uma coisa é certa, essa proximidade com a música negra americana acabou gerando pelo menos um grande clássico absoluto no repertório de Paul, a maravilhosa "Listen to What the Man Said" que acabou se tornando o carro chefe do disco e o principal single de divulgação, que aliás estourou em todas as rádios americanas e europeias. Pena que fora ela nenhum outro som consegue se sobressair dentro da seleção. Como estava numa fase muito generosa, Paul abriu espaço no disco para duas composições de membros de sua banda. "Medicine Jar" de Jimmy McCulloch é um dos exemplos. Apesar de tantas novidades devo confessar que "Venus and Mars" nunca esteve entre os meus preferidos. Certamente é um disco excepcionalmente muito bem gravado, com ótimos arranjos (principalmente de guitarras, que estão em destaque e com presença forte e marcante em praticamente todas as faixas), mas a despeito de tudo isso não consegue marcar como outros trabalhos de Paul McCartney. As letras, de maneira em geral, também não são exuberantes. Ao que tudo indica Paul preferiu mesmo investir mais na instrumentalização, em belos arranjos, do que em mensagens edificantes. Assim "Venus and Mars" fica mesmo nesse meio-termo entre uma sonoridade bonita, mas nada fenomenal, e músicas bem escritas, mas fora de figurarem entre os grandes momentos do cantor e compositor.

Paul McCartney - Venus and Mars (1975)
Venus and Mars
Rock Show
Love In Song
You Gave Me The Answer
Magneto and Titanium Man
Letting Go
Venus and Mars Reprise
Spirits of Ancient Egypt
Medicine Jar
Call Me Back Again
Listen to What the Man Said
Treat Her Gently/Lonely Old People
Crossroads Theme

Pablo Aluísio.

The Beatles - Abbey Road Sessions

Há muitos anos que tenho o CD The Beatles Anthology 3, mas nunca tinha parado para ouvir com maior atenção. É praticamente um bootleg oficial do grupo. Como você bem sabe material desse tipo é muito comum em se tratando de Elvis Presley, por causa do selo FTD, mas no caso dos Beatles é bem mais raro e inacessível. Basicamente temos aqui versões cruas das sessões dos álbuns "White Album", "Let It Be" e "Abbey Road". Eu queria me concentrar de mais forma mais específica nas gravações desse último disco. "Abbey Road" é considerado uma verdadeira obra prima, o álbum final do grupo. Parece que todos eles já estavam conscientes que os Beatles iriam se separar e por essa razão capricharam bastante tanto em termos de composições como de gravação. Até mesmo as demos ou takes alternativos são extremamente ricos em termos musicais - poderiam inclusive entrar nos discos oficiais sem problemas.

Como sabemos Paul fez um grande trabalho ao colocar várias canções compondo um grande medley, um verdadeiro carrossel sonoro, no lado B do disco. Todas aquelas canções surgem no disco oficial como momentos breves, quase links entre uma música e outra. O grande legado desse Anthology 3 é justamente resgatar a individualidade dessas canções. O maior exemplo é "She Came in Through the Bathroom Window" que aqui surge na íntegra. No Abbey Road ele é uma das mais completas, mas nada que se compare com esse ensaio (praticamente perfeito) com Paul nos vocais e os demais Beatles mandando muito bem nos arranjos. É uma gravação saborosa que infelizmente nunca foi aproveitada totalmente na discografia dita oficial. No final ainda temos uma pequena canja com Paul e John trocando ideias sobre a harmonia da música. Para um fã dos Beatles é um presente e tanto.

"Mean Mr. Mustard" é outra que foi despedaçada no medley do disco. Aqui temos a oportunidade de ouvir John cantando a canção com uma levada mais blues, menos apressada do que conhecemos da versão oficial. Praticamente temos John fazendo contra voz a si mesmo, apenas ele e sua guitarra com efeitos sonoros mínimos de estúdio (até porque é uma demo caseira de Lennon). Teria muito potencial se tivesse sido mais individualizada. O interessante é que " Polythene Pam", por outro lado, parece já ter nascida e criada como uma musiquinha ligeira, rápido no gatilho, para fazer parte mesmo de um medley maior e mais complexo. Essa certamente ficou muito bem colocada no medley original pois com poucas notas e letra sucinta provavelmente não chamaria a atenção se não estivesse envolta numa nuvem sonora diversificada. Composta por John foi certamente uma das que inspiraram Paul ao tecer aquela colcha de retalhos sonora que é o B Side do Abbey Road.

Já os takes 2 e 8 de ”Octopus's Garden” deixa claro para o ouvinte que a música já estava pronta desde as primeiras tomadas. Uma das melhores interpretações de Ringo - que precisava de canções assim para dar certo como vocalista - a faixa é até hoje uma deliciosa brincadeira de trocadilhos vocais e sonoros. George Harrison também se destaca em seus econômicos, mas eficientes solos (aqui ele sola em praticamente toda a faixa). O mesmo não acontece com o take 5 de ”Maxwell's Silver Hammer”. Fica claro desde os primeiros acordes que Paul ainda não havia encontrado o ritmo certo para a canção. Ela está sem vida, quase parando, excessivamente melancólica (o que definitivamente não combinava com a proposta da música em si). A alegria tão característica da versão oficial também se mostra ausente. Era preciso melhor e muito - e Paul, gênio como sempre foi, a trabalhou no fim de semana, tudo resultando na ótima faixa do disco que até hoje impressiona pela criatividade e imaginação.

"Come Together" de John é um marco. Até hoje soa atual, como se tivesse sido gravada ontem. Nesse CD temos o primeiro take. John surge com um vocal visceral, completamente diferente da versão oficial. Seu estilo, quase desesperado, de mastigar as palavras chegou até mesmo a me lembrar da versão de "Twist and Shout" do "Please Please Me". Pena que depois na gravação definitiva John tenha deixado esse estilo de interpretação de lado. Acredito que a garganta dele não aguentou a puxada mais forte. Já em termos de arranjo achei maravilhosa a guitarra mais pesada de George nesse take. Cheia de personalidade, se destaca completamente dos demais instrumentos. Era algo que deveria ter sido levado para a versão oficial. E por fim chegamos em uma versão muito louca e alucinada de "The End" (que no disco original surge daquela forma tão singela). Aqui nada de timidez, as guitarras estão explodindo, extremamente fortes. Na versão original tudo foi amenizado. Com apenas um verso, "The End" é uma daquelas criações singelas que serviam para deixar claro como os Beatles realmente foram geniais em estúdio durante sua carreira.

Pablo Aluísio.

Mad Max (1979)

Título no Brasil: Mad Max
Título Original: Mad Max
Ano de Produção: 1979
País: Austrália
Estúdio: Roadshow Entertainment
Direção: George Miller
Roteiro: James McCausland, George Miller
Elenco: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne

Sinopse:
A visão de um futuro apocalíptico passado nos desertos da Austrália. O mundo está dominado por perigosas gangues de bandidos e foras-da-lei de todos os tipos. Para colocar um pouco de lei e ordem na região surge nas estradas desoladas o ex-policial Max Rockatansky (Mel Gibson). Vestido de couro da cabeça aos pés ele está determinado a impor novamente segurança pelas rodovias agindo como um verdadeiro policial, juiz e carrasco ao mesmo tempo. Filme premiado no Avoriaz Fantastic Film Festival na categoria de Melhor Direção (George Miller).

Comentários:
Junte um diretor australiano ousado, poucos recursos, um ator desconhecido e a vastidão do deserto localizado bem no centro da Austrália e o que você terá? Sim, um dos mais cultuados filmes de ação e ficção da história do cinema. A ideia era usar a desolação daquela região inóspita para mostrar um mundo pós-apocalíptico, após a humanidade ser praticamente quase toda destruída por guerras sem fim (que nunca são devidamente explicadas no roteiro). Nas estradas que sobraram vagam o ex-policial Mad Max e uma verdadeira fauna de psicopatas malucos e bizarros que lutam pelos bens mais preciosos naquele planeta devastado: água e combustível. Claro que a falta de recursos da produção se mostra muito nítido logo nas primeiras cenas, mas isso fica em segundo plano em razão da criatividade de George Miller. Certamente o filme trouxe seu nome para o primeiro plano e ele logo estaria dirigindo filmes em Hollywood. O mesmo aconteceu com Mel Gibson que até aquele momento só tinha aparecido em filmes australianos desconhecidos e medíocres. Depois de Max ele também foi para os Estados Unidos e lá emplacou uma carreira de grande sucesso comercial. Sendo o primeiro da franquia, esse "Mad Max" dos anos 1970 pode também ser considerado o primeiro de uma linhagem, pois filmes passados em um mundo destruído e sem esperanças se tornariam cada vez mais comuns, virando um verdadeiro subgênero de ficção. Quem diria que o louco Max iria fazer escola...

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 19 de fevereiro de 2016

Um Senhor Estagiário

Aos 70 anos de idade, Ben (Robert De Niro) decide retornar ao mercado de trabalho. Viúvo e aposentado, ele não aguenta mais passar seus dias sem fazer nada, procurando algo para ocupar seu tempo. Assim acaba encontrando um anúncio de uma empresa de internet que está atrás de pessoas mais velhas para estagiar. Os tempos são outros e Ben, um trabalhador à moda antiga, com terno, gravata e pasta, descobre que as regras que valiam no seu tempo não existem mais. Os funcionários da empresa são jovens que se vestem de modo casual e sua nova chefe, Jules (Anne Hathaway), é uma mulher que tenta levar uma vida profissional e pessoal no meio de muitos problemas, tanto em casa como no trabalho. Quando tomei conhecimento desse novo filme de Robert De Niro pensei comigo mesmo: "Lá vem mais uma comédia sem graça com De Niro! O pior é que agora, pelo visto, vão fazer piadas grotescas com gente mais velha". Ou seja, tinha tudo para ser um desastre!

Eu me enganei. O filme é realmente bom e em nenhum momento transforma as pessoas mais velhas em piada ou algo do tipo. Na verdade é até uma boa crônica sobre as mudanças que o mercado de trabalho sofreu com o advento das empresas que se especializaram em vender produtos na internet. A tônica "homem mais velho trabalhando com jovens" nem é tão importante no final das contas. Provavelmente por ter sido dirigido e roteirizado por uma mulher o filme se mostra bem sensível sobre questões familiares e de relacionamento. A boa sensibilidade feminina acabou salvando o filme como um todo. Além disso Robert De Niro está bem mais contido. Em comédias ele tende a exagerar um pouco, ficando em controle remoto, fazendo uma paródia de si mesmo, repetindo os mesmos cacoetes e maneirismos. Aqui ele está até muito sóbrio, sem qualquer tipo de exagero cênico. A se lamentar apenas a falta de uma maior experiência por parte de Anne Hathaway ao contracenar com De Niro. Realmente falta muito chão para ela um dia chegar perto do talento de seu parceiro em cena. Mesmo assim, com esse desnível, o filme não deixa de agradar. É simpático e de certa forma até mesmo cativante. Em termos de comédia De Niro não fez nada tão bom nos últimos anos. Por isso vale a pena assistir.

Um Senhor Estagiário (The Intern, EUA, 2015) Direção: Nancy Meyers / Roteiro: Nancy Meyers / Elenco: Robert De Niro, Anne Hathaway, Rene Russo, Christina Scherer / Sinopse: Aos setenta anos de idade, aposentado e viúvo, Ben (De Niro) decide voltar para o mercado de trabalho. Acaba achando uma vaga como estagiário numa empresa que vende roupas pela internet. Seu novo trabalho mudará não apenas sua vida, mas também a dos seus colegas de empresa. Filme indicado aos prêmios Broadcast Film Critics Association Awards, Casting Society of America e Jupiter Award na categoria de Melhor Ator (Robert De Niro).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 18 de fevereiro de 2016

Um Drink no Inferno

Eu gosto de Quentin Tarantino. Definitivamente gosto do cinema que ele faz. Até defendo quando o acusam de ser nerd demais ou excessivamente apelativo. São duas acusações que até possuem seu fundo de verdade, mas se pararmos para pensar bem que outro diretor nesses últimos anos conseguiu imprimir tão profundamente sua marca no cinema quanto Tarantino? Dito isso ele também realizou sua cota de bobagens indefensáveis. Um dos filmes de Tarantino que nunca consegui gostar foi justamente esse amalucado (no mal sentido da palavra) "From Dusk Till Dawn". Eu acredito que Tarantino sabia que não tinha um material muito bom em mãos e por essa razão cedeu seu roteiro para ser dirigido por Robert Rodriguez, uma espécie de pupilo do cineasta.

Com poucos minutos de filme eu já tinha percebido que se tratava de uma das piores porcarias já feitas com o universo dos vampiros (de que gosto muito!). Não há necessariamente uma história para contar, apenas muito sangue, violência gratuita (e cartunesca) além de uma infinidade de diálogos pateticamente constrangedores. Na época em que o filme chegou nas telas o ator George Clooney não era nenhum astro do cinema, apenas um ator de TV, de seriado médico, que tentava emplacar fora da telinha. O resultado é completamente descartável, quase um delírio pessoal de Tarantino que no final das contas nem faz muito sentido. É violência pela violência e nada mais. Não que os outros filmes dele saíssem muito dessa fórmula, mas aqui ele certamente exagerou no besteirol. E afinal alguma coisa ainda vale a pena citar? Basicamente nada, a não ser a bela presença de Salma Hayek como a vampira Santanico Pandemonium! Ela é uma das poucas lembranças que você terá desse filme que caiu no esquecimento (de forma justa, aliás). Uma bola fora Tarantinesca. Até porque ninguém é perfeito.

Um Drink no Inferno (From Dusk Till Dawn, EUA, 1996) Direção: Robert Rodriguez / Roteiro: Quentin Tarantino, Robert Kurtzman / Elenco: George Clooney, Juliette Lewis, Harvey Keitel, Salma Hayek, Danny Trejo, Quentin Tarantino, John Saxon, Kelly Preston / Sinopse: Dois criminosos e seus reféns vão parar em uma espelunca perdida no meio do deserto. Eles estão tentando fugir da polícia e tencionam ficar lá por pouco tempo, mas tudo acaba em caos quando descobrem que o lugar está infestado de vampiros sedentos por sangue humano. Filme "premiado" pelo Framboesa de Ouro na categoria de Pior Ator Coadjuvante (Tarantino).

Pablo Aluísio.

The Beatles - This Boy

Na foto os Beatles apresentam a canção "This Boy" em um show na França. É curioso, o grupo tinha tantas músicas em repertório, compunham tanto e em tão pouco tempo, que eles se davam ao luxo de deixar uma pequena obra prima dessas de lado, a lançando apenas discretamente como Lado B em um single. A canção foi composta ainda nos tempos de Hamburgo (afirmam alguns autores que ela foi criada apenas por John).

A letra é de uma singeleza absurda. Em primeira pessoa o narrador lamenta o fato de que a paixão de sua vida foi levada por outro garoto, aquele garoto que provavelmente a machucará. São três estrofes de apenas  três linhas e um refrão ainda mais simples (um garoto poderia ter composto essa letra, vamos convir), mas que ecoa maravilhosamente bem aos ouvidos por causa da sua linda melodia (que definitivamente apenas Lennon e McCartney poderiam ter composto, temos que admitir).

Após gravá-la em Abbey Road o produtor George Martin, soterrado por farto material do grupo (eles estavam no auge da criatividade), não sabia muito bem o que fazer com ela pois nem havia espaço suficiente para colocá-la no próximo álbum dos Beatles. Foi então que John Lennon sugeriu que a lançasse como Lado B da música que se tornaria grande sucesso das rádios,  "I Want to Hold Your Hand" (primeiro lugar nos EUA, a primeira dos Beatles a chegar no topo).

O single vendeu milhões de cópias, mas conforme o mercado fonográfico ia mudando (com o fim dos compactos) a canção praticamente desapareceu do mapa. Só a coletânea "Past Masters" lançada ainda nos tempos do vinil a reabilitou, deixando a música novamente acessível aos fãs do conjunto. Em tempos de internet, onde você pode ouvi-la a qualquer momento até mesmo no Youtube, fica complicado entender mesmo como era difícil arranjar uma canção como essa quando as lojas de discos só tinham à venda a discografia oficial de álbuns dos Beatles (onde ela não se encontrava). Ecos de um passado que (felizmente) não existe mais.

Pablo Aluísio.

Chove Sobre Santiago

Em setembro de 1973 o presidente Salvador Allende foi cercado e tirado do poder pelos militares chilenos dando origem a uma ditadura que duraria anos sob o comando do general Pinochet. Esse filme que se propõe a ser um semi documentário dos fatos investe justamente nesses acontecimentos históricos para desenvolver seu tema principal. O ponto de vista é a do povo chileno, presenciando tudo acontecer sem conseguir fazer muita coisa. Na primeira vez que assisti a esse filme - lá por volta de 1996 - não achei realmente muito bem realizado. O que me passou despercebido é que os realizadores não estavam preocupados em realizar uma grande obra cinematográfica, mas sim deixar registrado, até como denúncia, sobre tudo o que havia acontecido.

Não há por isso muita preocupação em disponibilizar uma grande produção ao espectador e nem um elenco de primeira linha. Aliás nesse quesito apenas o ator Jean-Louis Trintignant pode ser citado como nome mais conhecido do grande público. O que vale, como escrevi, é realmente a mensagem ideológica que seus realizadores quiseram passar adiante. Por fim, como aspecto interessante, é importante chamar a atenção ao fato que havia muita diversidade nos tempos das locadoras de vídeo nos anos 1990. Encontrar um filme desses em acervo nem era algo tão raro naqueles dias. Esse é um aspecto que deixa saudades em tempos de fim desse tipo de mercado. De qualquer maneira deixo a sugestão, seja você um adepto do pensamento mais esquerdista, social, ou até mesmo um liberal de direita. Sempre é bom conhecer história, afinal de contas.

Chove Sobre Santiago (Il pleut sur Santiago, França, Bulgária, 1975) Direção: Helvio Soto / Roteiro: Helvio Soto, baseado na obra de Georges Conchon / Elenco: John Abbey, Jean-Louis Trintignant, Bibi Andersson / Sinopse: Em tom de documentário o filme explora os acontecimentos políticos que se abateram sobre a capital do Chile quando uma junta militar resolveu destituir o presidente socialista Salvador Allende. História baseada em fatos reais.

Pablo Aluísio.

Dois Velhos Rabugentos

Para quem sempre gostou da história do cinema esse filme, apesar de ser basicamente uma comédia despretensiosa, valeu muito a pena. Isso porque o elenco reuniu três veteranos das telas. Jack Lemmon e Walter Matthau formaram uma das duplas mais produtivas de Hollywood. Juntos realizaram dez filmes, algo que começou bem lá atrás, ainda nos tempos em que Billy Wilder percebeu que eles poderiam funcionar muito bem nas telas interpretando basicamente eles mesmos. Matthau representava  sempre o mal humorado, um tipo bem representativo do lado mais ranzinza da dupla enquanto Lemmon geralmente interpretava o lado mais amigável deles, o que não o lhe livrava de também apresentar certas neuroses e manias irritantes. Basta assistir a "Um Estranho Casal" de 1968 para entender bem como eles funcionavam juntos, qual era a química entre a dupla. Aquele foi o filme síntese de sua parceria duradoura. Nesse filme melhoraram tudo com a presença de Ann-Margret (velha conhecida dos fãs de Elvis por causa do filme "Viva Las Vegas").

Eles basicamente lutam pelo amor e afeição dela (que, apesar da idade, continuava ainda a ser uma mulher exuberante, muito bonita!). O enredo se passa no frio estado de Minnesota onde parece nevar o ano inteiro, não importando a estação. Apesar de divertir bastante, onde os dois atores demonstram claramente que o velho jeito para o humor jamais desaparecera, faltou um diretor como Billy Wilder para apimentar ainda mais a história. O cineasta Donald Petrie foi polido demais, familiar além da conta. Quem assistiu aos filmes da dupla no passado sabe muito bem que eles sempre foram muito além, fazendo inclusive um ótimo humor negro juntos (basta conferir "Uma Loira por Um Milhão" para entender bem isso). Aqui eles surgem um tanto empacotados. De qualquer forma a fita, apesar de ser um tanto bobinha, acabou ganhando uma sequência dois anos depois, "Dois Velhos Mais Rabugentos", onde eles finalmente se despediram da parceria nas telas.

Dois Velhos Rabugentos (Grumpy Old Men, EUA, 1993) Direção: Donald Petrie / Roteiro: Mark Steven Johnson / Elenco: Jack Lemmon, Walter Matthau, Ann-Margret / Sinopse: A tediosa rotina de dois velhinhos aposentados muda completamente quando eles conhecem uma dama pela qual se apaixonam perdidamente. A partir daí um tentará passar a perna no outro para conquistar o coração dela. Filme vencedor do BMI Film & TV Awards na categoria de Melhor Trilha Sonora Incidental (Alan Silvestri).

Pablo Aluísio 

Tornado

Tive a oportunidade de conferir no cinema. Com produção de Steven Spielberg, "Twister" acompanha a rotina de um grupo de pesquisadores que literalmente caçam tornados no meio oeste americano. O objetivo é despejar uma série de pequenas esferas dentro dos tornados para que os cientistas possam coletar dados do comportamento dessas tempestades que fugiram do controle. A ação se desenvolve justamente nessa luta de gato e rato com a natureza. O filme na época se beneficiou muito dos avanços da tecnologia digital. Provavelmente no passado não haveria como filmar uma produção dessas pois inevitavelmente colocaria toda a equipe técnica do filme em perigo - atores e demais membros seriam tragados por tornados reais. Com a tecnologia tudo acabou sendo recriado em computação gráfica - com resultados realmente maravilhosos.

Em termos de elenco temos a carismática Helen Hunt como destaque. Quando o filme chegou aos cinemas ela tentava emplacar no mundo da tela grande após fazer muito sucesso na telinha com humorísticos como "Louco Por Você", programa que mostrava o dia a dia de um casal em Nova Iorque. Não acompanhei muito, mas vi episódios esporádicos. Era tudo muito divertido - e bem escrito. Já em "Tornado" ele precisou suar a camisa para demonstrar aos produtores que poderia segurar um blockbuster de verão praticamente sozinha. O resultado é interessante, bem realizado, mas também esquecível. Não foi aquele tipo de filme que marcou, apesar do grande marketing que foi feito quando foi lançado. No geral vale mais como curiosidade de conhecer como vivem esses caçadores de tornados do que qualquer outra coisa. Cinematograficamente falando o resultado é realmente apenas ok!

Tornado (Twister, EUA, 2006) Direção: Jan de Bont / Roteiro: Michael Crichton, Anne-Marie Martin / Elenco: Helen Hunt, Bill Paxton, Cary Elwes / Sinopse: A pesquisadora e cientista Dra. Jo Harding (Hunt) parte ao lado de um grupo de aventureiros em busca de poderosos tornados que se formam no meio oeste americano. A intenção é estudar esses grandes eventos da natureza para entender melhor seu surgimento e desenvolvimento, evitando assim futuras tragédias. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Som e Melhores Efeitos Especiais.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 17 de fevereiro de 2016

O Solitário Jim

A vida não está dando muito certo para Jim (Casey Affleck). Depois de passar anos em Nova Iorque sem conseguir nada de promissor, ele resolve voltar para a casa de seus pais. Sem qualquer perspectiva para o futuro ele resolve repensar os rumos de sua vida. Na pequenina cidadezinha natal acaba conhecendo casualmente em um bar local a enfermeira Anika (Liv Tyler). Ela também não tem uma vida ideal. Mãe solteira do pequeno Ben, ela tenta sobreviver a cada dia, o que definitivamente não é fácil, uma vez que o pai de seu filho não lhe ajuda a criar a criança. Talvez por estarem passando por momentos turbulentos na vida acabam se aproximando. Não existe uma previsão de um futuro melhor para eles, mas pelo menos podem começar uma nova fase na vida com esse inesperado romance. "Lonesome Jim" foi destaque no Sundance Film Festival. Isso se deu não apenas por ser dirigido pelo ator Steve Buscemi (que provou ser tão bom diretor como ator), mas também pelo seu bom roteiro e atuações de todo o elenco.

O roteiro é bem humano, todo baseado em relacionamentos. A volta de Jim para a casa dos pais simboliza o grande fracasso de sua vida pessoal. Ele é claramente hostilizado pelo pai, embora sua mãe fique feliz com seu retorno. Na cidade grande o melhor emprego que Jim conseguiu arranjar foi de passeador de cães, algo que o deixou à beira da miséria. De volta ao lar tudo parece cinzento e deprimido. O tom do filme aliás é bem melancólico, embora também haja momentos amargamente engraçados (o humor negro funciona muito bem aqui). Casey Affleck surpreende como Jim, um sujeito sem qualquer plano para seu futuro que acaba indo parar numa fábrica, trabalhando ao lado do tio maconheiro Evil (em ótima atuação de Mark Boone Junior). Embora todo o elenco esteja bem (talvez fruto do fato de estarem sob direção de um excelente ator, Buscemi) quem acaba roubando a cena é mesmo a atriz Liv Tyler. Bonita e carismática, acaba chamando todas as atenções. Então é isso, eis uma ótima opção de um roteiro inteligente, que vai fundo na alma humana.

O Solitário Jim (Lonesome Jim, EUA, 2005) Direção: Steve Buscemi / Roteiro: James C. Strouse / Elenco: Casey Affleck, Liv Tyler, Mark Boone Junior, Mary Kay Place / Sinopse: Aos 32 anos Jim decide voltar para a casa dos pais. Ele está sem trabalho e sem qualquer futuro. Seu retorno cria todos os tipos de tensões com seu pai, mas Jim pensa recomeçar, principalmente depois que conhece e começa a namorar a enfermeira Anika (Tyler), mãe solteira de um garotinho de sete anos. Filme indicado ao grande prêmio do júri no Sundance Film Festival.

Pablo Aluísio.

Jessabelle (2014)

Após sofrer um sério acidente, no qual seu marido morre, uma jovem garota, sem outra alternativa, resolve ir morar com o pai, um homem que ela mal conhece e que vive no pântanos da Louisiana. O lugar é velho, sujo e sinistro. Impossibilitada de andar por causa dos ferimentos, presa a uma cadeira de rodas, ela decide procurar por algo para fazer, para matar o tempo enquanto se recupera, Acaba encontrando uma velha caixa com fitas de vídeo dentro. Em pouco tempo resolve assisti-las e acaba ficando surpresa com o que encontra. Sua mãe, que mexia com ciência ocultas e misticismo, se revela nas filmagens, demonstrando saber tudo o que iria acontecer com a jovem em seu futuro distante. "Jessabelle" foi bem recebido pelo público em seu lançamento. Principalmente na internet foi grande a propaganda boca a boca. Todos elogiando o filme e seu suposto clima assustador.

Pena que ao conferir o filme não vi nada disso. Tudo bem, o roteiro procura assustar com os recursos que dispõe - entre eles os assustadores cenários alagados da Louisiana - mas tudo isso ainda é pouco. Há semelhanças demais com outros filmes de terror para se ignorar, em especial "O Chamado" e "A Chave Mestra". Do primeiro tiraram a ideia de que velhas fitas VHS poderiam servir como uma espécie de portal entre o nosso mundo e o mundo dos mortos. Do segundo aproveitaram o clima de magia e misticismo que cerca aquela região dos Estados Unidos. Mesmo derivativo, temos que admitir que o filme ainda tem alguns (poucos) bons momentos, principalmente em torno dos sinistros cultos de Voodu. Então no geral é isso, apesar de ter sido intensamente recomendado em fóruns e grupos de terror na internet, "Jessabelle" não é um grande filme de terror. Fica na média e decepcionará você se criar muitas expectativas. De qualquer forma dê uma conferida, nem que seja para matar a curiosidade.

Jessabelle (Jessabelle, EUA, 2014) Direção: Kevin Greutert / Roteiro: Robert Ben Garant / Elenco: Sarah Snook, Mark Webber, Joelle Carter / Sinopse: Garota acidentada, sem recursos e sem emprego, decide ir morar com o pai nas regiões pantanosas da Louisiana. Impossibilitada de andar por causa dos ferimentos resolve vasculhar as coisas da mãe e acaba encontrando sinistras fitas VHS onde ela parece prever o futuro de sua própria filha.

Pablo Aluísio.

Regresso do Mal

Durante a noite de Halloween, Mike Lawford (Nicolas Cage) decide levar seu pequeno filho de sete anos para assistir a grande festa que está sendo realizada pelas ruas de Nova Iorque. Ao parar para comprar um sorvete para o garoto se distrai e ele desaparece no meio da multidão. Desesperado pede ajuda para policiais, mas ninguém consegue encontrar seu jovem filho. Um ano depois, após muitas investigações e pistas falsas, Mike começa a perceber que algo sobrenatural pode estar envolvido no desaparecimento do menino. Ele segue pistas a partir de uma frase que sempre parece surgir pelo caminho "Pay The Ghost" (Pague o Fantasma). Após visitar um beco escuro onde vivem mendigos e desabrigados, ele descobre que há uma ligação entre essa expressão e uma antiga seita Celta que vem desde os primórdios da colonização da cidade, ainda no século XVII. A partir daí Mike finalmente entende que está lidando com algo muito maior e mais complexo do que poderia inicialmente imaginar.

Pois é, temos aqui um filme de Halloween, feito justamente para ser lançado nos cinemas durante esse feriado tipicamente americano. É mais uma tentativa de Nicolas Cage em levantar sua carreira que anda de mal a pior, colecionando fracassos sucessivos. Como fã de terror de longa data posso dizer que se você for esperar por algo muito assustador em relação a esse filme vai seguramente se decepcionar. O roteiro nem é tão mal, tem até boas ideias pelo meio do caminho (como um bom uso de flashbacks históricos), mas a coisa toda sempre fica um tanto artificial. É pouco verossímil para ser levado à sério e em consequência lhe passar algum tipo de medo de verdade. Os efeitos especiais são pontuais e pelo menos não estragam a história que está se tentando passar. O clima de suspense infelizmente é quebrado de forma até infantil na sequência final quando o personagem de Cage precisa atravessar uma espécie de ponte entre o nosso mundo e o mundo espiritual. Achei a ideia bem boba e infantilizada, sem consistência. Enfim, temos aqui realmente uma tentativa de faturar bem nos cinemas aproveitando a onda do Halloween, mas devo avisar que ficou mesmo pelo meio do caminho. Talvez funcione melhor com adolescentes, já com veteranos a fita não conseguirá mesmo impressionar em nenhum aspecto. Raso demais para causar qualquer tipo de medo.

Regresso do Mal (Pay the Ghost, EUA, 2015) Direção: Uli Edel / Roteiro: Dan Kay, baseado na novela de Tim Lebbon / Elenco: Nicolas Cage, Sarah Wayne Callies, Veronica Ferres / Sinopse: Professor se desespera ao perder seu filho no meio de uma grande festa de Halloween. Após meses de busca intensa ele começa a seguir pistas que podem levar a uma ligação entre antigas crenças celtas e o paradeiro de centenas de crianças desaparecidas. Teria algo a ver com um evento trágico que aconteceu em Nova Iorque durante o século XVII, em pleno período da colonização da cidade?

Pablo Aluísio.

A Possessão do Mal

Após a morte da esposa, Michael King (Shane Johnson), que sempre foi ateu, decide filmar um documentário desmascarando as crenças e religiões. Para ele tudo não passaria de uma picaretagem, um charlatanismo para pegar o dinheiro de pessoas inocentes. Ele fica particularmente revoltado com essa questão após presenciar por anos e anos a crença de sua esposa em relação a uma cartomante que dizia saber seu futuro. Ela teria dito para sua mulher que teria vida longa e uma carreira muito bem sucedida, mas poucos dias após ler isso nas cartas um acidente fatal a teria matado. Para Michael isso seria apenas uma das provas da tolice que giraria em torno desse tipo de fé religiosa. Assim, recuperado do luto, ele começa seu documentário. Inicialmente compra objetos usados em magia negra na internet como velas pretas, mesas de invocação e um livreto com tudo o que deve dizer nesses rituais.

Após entrevistar um padre que lhe alerta para não mexer com esse tipo de coisa, Michael segue em frente, registrando tudo com sua câmera. Apesar do ceticismo tudo começa a virar de pernas para o ar e Michael começa a sentir-se diferente, agindo de maneira não muito racional. Estaria ele possuído por entidades do mal, justamente aquelas que até então tentava provar que não existiriam? "The Possession of Michael King" é mais um mockumentary (falso documentário) que investe suas fichas no tema possessão demoníaca. O curioso desse roteiro é que ele coloca um ateu como personagem principal, um sujeito que não acredita em absolutamente nada, nem em Deus, nem em vida espiritual, em nada. Diante da perda da esposa querida e não tendo nada para se agarrar ele parte em uma jornada um tanto obsessiva para tentar provar que ele está certo - todas as religiões seriam bobagens, lendas e mitologias. Acaba se dando mal no caminho. Um bom filme, nada demais, porém com uma boa dose de sustos extra. Os efeitos especiais são bem realizados e a trama em si, embora básica, mantém o interesse. Dessa leva de filmes recentes sobre possessão é certamente um dos mais interessantes.

A Possessão do Mal (The Possession of Michael King, EUA, 2014) Direção: David Jung / Roteiro: David Jung / Elenco: Shane Johnson, Ella Anderson, Cara Pifko / Sinopse: Após perder a esposa em um acidente de carro, Michael King (Johnson), um ateu convicto, resolve filmar um documentário provando a inexistência de uma vida espiritual. Sua tese é que religiões em si são meras bobagens. Para isso ele invoca o demônio em uma missa de magia negra para provar que nada existe, só que acaba se dando mal ao mexer com forças que realmente desconhece completamente.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 16 de fevereiro de 2016

Motoqueiro Fantasma

O sonho do Nicolas Cage era interpretar o Superman no cinema. Não deu certo. Apesar do filme ter sido iniciado pela Warner logo foi cancelado. Cage não nasceu com a pinta do Clark Kent e nem muito menos com o tipo do Superman. Assim o projeto foi cancelado. Como não deu para interpretar o mais popular personagem dos quadrinhos o ator acabou procurando por algo mais, digamos, modesto. Acabou achando o que procurava quando o roteiro da adaptação de "Ghost Rider" caiu em suas mãos. O personagem, considerado secundário dentro do universo Marvel parecia mais adequado. Era um anti-herói, bem de acordo com a personalidade de Cage e também passaria longe de sofrer a pressão que uma versão de Superman teria ao chegar nas telas.

Esse primeiro filme, apesar de ter recebido críticas bem ruins, até que diverte bastante. É bem produzido, tem efeitos especiais bem legais e Cage está no tom certo, como se estivesse acima de tudo se divertindo como nunca! O enredo? Um jovem chamado Johnny Blaze (Cage), desesperado pelo fato do pai estar com um câncer incurável, resolve fazer um pacto com Mefistófeles (sim, ele mesmo, o anjo caído). O tal ser das trevas salvaria a vida de seu pai e em troca poderia levar sua alma. As coisas acabam não saindo exatamente como planejadas e muitos anos depois Mefistófeles retorna ao nosso mundo para cobrar a dívida. Nesse meio tempo o próprio Blaze, contando com os poderes das fossas infernais, se torna um motoqueiro fantasma. Ainda prefiro "Coração Satânico" que tem um desenvolvimento bem mais intelectual, mas mesmo assim não tem como não se divertir com esse filme. Vamos convir que como pura cultura pop, até que esse "Ghost Rider" se sai muito bem.

Motoqueiro Fantasma (Ghost Rider, EUA, 2007) Direção: Mark Steven Johnson / Roteiro: Mark Steven Johnson / Elenco: Nicolas Cage, Eva Mendes, Sam Elliott / Sinopse: Depois de fazer um pacto com o diabo um motoqueiro chamado Johnny Blaze se transforma numa estranha criatura, com seu corpo em chamas, dirigindo uma motocicleta realmente infernal. Filme indicado na categoria de Melhor Filme de Terror pela Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films.

Pablo Aluísio. 

segunda-feira, 15 de fevereiro de 2016

Ponte dos Espiões

Quando um espião russo é preso nos Estados Unidos acusado por espionagem internacional, o Estado designa o advogado James B. Donovan (Tom Hanks) para lhe defender no tribunal. A sociedade americana exige a pena de morte para o soviético pois em pleno auge da guerra fria os ânimos estavam mais do que exaltados. Donovan porém pensa diferente. Ele não está disposto a apenas cumprir meras formalidades processuais, mas sim defender realmente seu cliente. Isso acaba lhe trazendo uma série de problemas, tanto do ponto de vista profissional como pessoal, já que sua família passa também a ser ameaçada. Esse é o novo filme de Steven Spielberg. Longe de seu auge criativo e artístico, Spielberg tem se empenhado em contar boas histórias ultimamente. Aqui ele dividiu claramente seu filme em dois atos bem delimitados. No primeiro acompanhamos o advogado Donovan tentando defender o espião russo em plena paranoia da guerra fria. No segundo ato o mesmo personagem precisa trocar o espião que salvou da pena capital por um piloto americano preso na União Soviética após ter seu avião abatido nos céus da Rússia. Assim o espectador na verdade acaba assistindo dois filmes em um só, começando como um drama de tribunal e terminando como um filme de espionagem dos tempos da cortina de ferro.

Steven Spielberg realizou um filme um tanto burocrático em minha visão. A primeira parte, por exemplo, poderia ter sido muito mais bem desenvolvida. Nela os profissionais do direito poderão acompanhar a aplicação de fundamentos processuais importantes na prática como o princípio do devido processo legal, do contraditório e da ampla defesa e finalmente da teoria em sede probatória, tão conhecida entre nós advogados, da prova ilícita por derivação (frutos da árvore envenenada ou “Fruits of the poisonous tree”). Pena que Spielberg não pareça muito empenhado em desenvolver essas questões o que daria um excelente argumento para todo o filme em si. Já na segunda parte o diretor também fica pelo meio do caminho. Ele perde muito tempo com as negociações de troca de espiões, tornando a duração do filme muito excessiva. Há um claro exagero nesse aspecto que no final não acrescenta muito. Para piorar essa falta de um corte melhor acaba o tornando o filme meio cansativo em sua parte final. Some-se a isso o pouco interesse das novas gerações sobre um quadro geopolítico que já não mais existe e você entenderá que o diretor perdeu mesmo a chance de realizar um excelente drama de tribunal (que deveria se concentrar apenas nisso, realçando valores jurídicos e democráticos dos mais importantes). De qualquer forma, como Spielberg ainda é um dos mais influentes cineastas de Hollywood, ele conseguiu meio à força arrancar seis indicações ao Oscar, mas sinceramente falando terá poucas chances na noite de premiação. Até porque o filme, embora correto, não é nem de longe comparado com as suas grandes obra primas do passado.

Ponte de Espiões (Bridge of Spies, Estados Unidos, Alemanha, 2015) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Ethan Coen, Joel Coen, Matt Charman / Elenco: Tom Hanks, Mark Rylance, Alan Alda, Austin Stowell / Sinopse: James B. Donovan (Tom Hanks) é um advogado americano designado para defender um espião russo em plena guerra fria. Na outra linha narrativa uma avião de espionagem U2 é abatido nos céus da União Soviética, detonando uma crise diplomática entre as duas nações. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Roteiro, Melhor Ator Coadjuvante (Mark Rylance), Design de Produção, Música e Mixagem de Som.

Pablo Aluísio.