segunda-feira, 29 de fevereiro de 2016

Dívida de Honra

A vida no oeste selvagem era muito dura. Que o diga três mulheres que acabam enlouquecendo por causa das dificuldades de viver em uma terra tão hostil e perigosa. Diante dessa terrível situação o reverendo Dowd (John Lithgow) decide que pelo bem da comunidade as três devem ser enviadas para uma instituição psiquiátrica no distante Iowa. O problema é que até lá são cinco semanas de jornada a cavalo, bem no meio do nada. Mary Bee Cuddy (Hilary Swank) decide aceitar o desafio. No meio do caminho acaba encontrando o velho George Briggs (Tommy Lee Jones), que também decide seguir viagem ao seu lado. Juntos enfrentarão todos os desafios impostos pela complicada travessia. Esse faroeste é um projeto muito pessoal de Tommy Lee Jones. Só para se ter uma ideia ele produziu, dirigiu e ainda escreveu o roteiro de "The Homesman". Seu personagem é um homem já cansado pela vida que por um acaso do destino acaba entrando numa jornada ao lado da mulher que o salvou de morrer enforcado. O objetivo é levar três mulheres com problemas mentais a uma cidade distante cinco semanas de viagem pela terras selvagens cheias de pistoleiros, nativos e bandoleiros de todos os tipos. Usando uma carroça adaptada eles partem rumo aos confins do oeste americano. Pode-se dizer que em certos momentos a trama se arrasta um pouco, mas no geral é de fato um bom filme.

O elenco tem excelentes atores que interpretam pessoas que Briggs (Tommy Lee Jones) e Mary Bee (Hilary Swank) vão encontrando pelo caminho. James Spader, por exemplo, dá vida a um dono de hotel grã-fino que impede a entrada de Briggs e as mulheres em seu estabelecimento. A recusa não acaba muito bem. Não deixa de ser muito divertido encontrar Spader usando uma chamativa peruca ruiva, com jeito de irlandês, em um trabalho bem diferente que vem desenvolvendo na TV na série "The Blacklist". Já a premiada Meryl Streep tem uma pequena, mas importante participação, só surgindo na parte final do filme, como a esposa do pastor e reverendo que recebe as pobres mulheres para internamento no hospicio da região. Bem envelhecida, ela provavelmente só aceitou o papel em consideração ao amigo Tommy Lee Jones, até porque recentemente trabalharam juntos no delicado drama de relacionamentos "Um Divã para Dois".  No final de tudo quem acaba roubando mesmo o show é a atriz Hilary Swank. Sua personagem é uma balzaquiana desesperada para se casar que não consegue encontrar o homem de sua vida. Com isso ela vai vivendo de decepção em decepção até chegar ao seu limite. O destino de sua personagem me deixou um pouco perplexo e surpreso, confesso, mas ela consegue trazer uma grande carga humana para seu trabalho. Em suma é isso, no geral não há nada de errado na direção de Jones, talvez o filme devesse ter uns vinte minutos a menos para ser mais fluente, dando mais agilidade aos acontecimentos, quem sabe. Provavelmente esse seria o corte ideal, mas enfim. De qualquer forma esse é apenas um detalhe que não compromete o espetáculo. "The Homesman" é assim um bom western, um pouco diferente, é verdade, mas mesmo assim cativante ao seu próprio modo.

Dívida de Honra (The Homesman, EUA, 2014) Direção: Tommy Lee Jones / Roteiro: Tommy Lee Jones, Kieran Fitzgerald / Elenco: Tommy Lee Jones, Hilary Swank, John Lithgow, James Spader, Meryl Streep / Estúdio: EuropaCorp, Javelina Film Company / Sinopse: Um pastor resolve internar três mulheres com problemas mentais. O problema é que a instituição em que elas poderiam ser internadas fica longe, sendo necessário realizar uma longa viagem até lá, um desafio aceito pela valente Mary Bee Cuddy (Hilary Swank) que irá contar também com o apoio do velho cowboy George Briggs (Tommy Lee Jones).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 28 de fevereiro de 2016

The Beatles - Help!

Domingão preguiçoso à tarde, nada melhor do que ouvir um bom disco de rock. Assim aproveito para tecer alguns comentários sobre o álbum "Help!" dos Beatles (que inclusive está tocando nesse momento, enquanto vou escrevendo o texto). Antes de mais nada é importante deixar um conselho: fique longe do filme que é definitivamente uma grande porcaria. A única coisa que se salva são os momentos em que os Beatles tocam - todo o resto (roteiro, direção, elenco) é um completo lixo! Se você vive reclamando dos filmes de Elvis Presley espere para ver essa bomba cinematográfica. Enfim, esqueça! Ouça a trilha sonora e fuja do cinema!

O álbum é uma maravilha. É a tal coisa, certa vez John Lennon resumiu tudo muito bem isso ao dizer:"Os Beatles são músicos, não atores!". Um exemplo que deveria ter sido passado para o colega Elvis que ficou dez anos perdendo tempo em Hollywood. Mas enfim... voltemos ao disco. Esse álbum é, em minha visão, o último grande disco dos Beatles em sua fase Ié, ié, ié (que muitos preferem chamar apenas de primeira fase). É uma coleção magnífica de grandes composições, aliados a um trabalho primoroso de produção por parte de George Martin, um trabalho digno de todos os aplausos. Ele introduziu novos instrumentos, novas sonoridades, sem nunca descaracterizar o som único dos Beatles. Isso fica óbvio logo na primeira faixa, "Help!", uma composição de Lennon com um refrão forte e marcante. Como John sempre gostou de analisar sua própria vida ele anos depois diria que a música era realmente um pedido de socorro pois ele se sentia sufocado com o sucesso absurdo que os Beatles tinham alcançado. Os gritos, as turnês e a pressão quase o levaram a ter um colapso nervoso.

"The Night Before" de Paul já era um pouco mais amena. Gosto bastante do ritmo dessa música - perceba que ela já começa numa tonalidade única que vai até o fim da canção, sem variações. O vocal de Paul está dobrado, o que traz uma ótima sensação ao ouvinte. McCartney na letra está obviamente falando da vida noturna de Londres, de suas boates e amores fugazes. Imagine conhecer uma bela garota numa sexta à noite e no dia seguinte descobrir que nada daquilo significou alguma coisa. Aliás Paul e John eram grandes frequentadores de clubes noturnos desde os tempos de Hamburgo. Quando ficaram famosos a coisa toda ficou maior e mais agitada. Na letra Paul então escreveu uma pequena crônica sobre isso, sobre as noites nas baladas e as manhãs seguintes. E para manter a dobradinha entre Lennon e McCartney logo após entra Lennon em tom de leve melancolia na ótima "You've Got to Hide Your Love Away", A letra é de um pessimismo e uma sinceridade que chegaram a assustar as adolescentes fãs dos Beatles da época. Lennon soava até mesmo depressivo. Esse tipo de atitude  certamente não combinava com os gritinhos das jovens (algo que Lennon particularmente detestava!).

Depois de um momento tão surpreendente como esse, eis que o ouvinte é convidado a dar uma chance a George Harrison em "I Need You". Essa é uma composição menor de uma fase em que George ainda tentava respirar no meio de dois gênios que eram Paul e John. A música é sincera, com boa letra e uma guitarra sempre solando uma nota só (o que se torna a grande característica da faixa). Para suavizar ainda mais o disco, a música "Another Girl" de Paul vem logo a seguir e propõe acertar contas com um velho amor do passado, deixando claro que superou tudo e está de novo amor, numa boa. Decepções amorosas são dolorosas, mas precisam ser superadas. Chega o momento de seguir em frente, ter novas paixões, viver novas emoções. Paul assim propõe deixar a tristeza de lado de uma vez por todas e partir para outra. Belo conselho.

"You're Going to Lose That Girl" tem ótimos solos de guitarra e um arranjo diferenciado onde Ringo deixou a bateria de lado para investir em velhos bongôs cubanos. Essa foi uma sugestão de George Martin. Casualmente ele foi informado que o filme teria cenas filmadas nas Bahamas. Nada melhor do que dar um pequeno toque caribenho ao álbum. A composição é de John e ele novamente se mostra um grande letrista. Depois de "Help!" o grande sucesso desse disco foi "Ticket to Ride". Poucos sabem, mas essa canção foi composta por Paul e John na Alemanha, em Hamburgo, quando eles ainda formavam uma banda desconhecida de jovens ingleses. A expressão "Ticket to Ride" era usada em prostíbulos da cidade, era o nome que era dado aos ingressos para entrar nesses cabarés localizados no porto de Hamburgo. Traduza a expressão e entenda o sentido malicioso das palavras! Essa piada interna por parte dos Beatles só seria revelada muitos anos depois por John em uma entrevista. Até aquele momento todos pensavam que os Beatles estavam sendo apenas "poéticos"! Não, eles estavam sendo vulgares mesmo! Coisas de jovens da idade deles.

Já "Act Naturally" foi colocada para abrir o Lado B do antigo vinil. Era a sempre reservada faixa para Ringo Starr exercitar seus limitados dotes vocais. Em faixas como essa, animadinhas e nada complexas, ele até que se saía muito bem - vamos reconhecer. Nada importante, nada mais do que um momento divertido do disco. Pura diversão mesmo. Encerrada ela vem os primeiros acordes de "It's Only Love", outro momento cortante de John Lennon. A canção foi escrita para sua esposa da época. Ele tentava de alguma forma reacender seu amor por ela - algo que não daria muito certo pois o casamento estava praticamente arruinado. Em um dos versos ele pergunta: "Brigamos todas as noites?". Estava mesmo complicada a vida do casal Lennon.

"You Like Me Too Much" é a segunda faixa composta e cantada por George Harrison. Essa é bem melhor do que a anterior. John está nos teclados, o que dá um sabor diferente para os arranjos da canção. George Harrison também pediu a George Martin que dobrasse seu vocal, assim ele faz dueto consigo mesmo. Ficou bonita, principalmente os solos do meio. Não é nenhuma obra prima, mas é bonita e tem bela harmonia. "Tell Me What You See" que vem logo a seguir talvez seja a única composição realmente de Lennon e McCartney do disco, já que na época eles já procuravam escrever seus próprios trabalhos, sem necessariamente contar com a ajuda do outro. A letra é basicamente de Paul, com pequenos toques de Lennon. É engraçado porque fica até fácil descobrir quem escreveu cada linha. Geralmente Paul surgia com alguma frase mais otimista, enquanto John respondia com sua acidez habitual.

"I've Just Seen a Face", por outro lado, foi escrita apenas por Paul. Ele inclusive se esmerou em escrever um belo arranjo, com um belo dedilhado em seu começo. Essa melodia inclusive me passa um sabor country - não sei se apenas eu penso assim. Aquele violão solando, aquele ritmo, parece até que foi gravada em Nashville. Ecos dos pioneiros do sul dos Estados Unidos que inspiraram os Beatles. Depois dela vem o grande clássico do disco, a imortal "Yesterday", a música que mais ganhou versões na história. Esqueça os Beatles. Essa é uma criação de Paul McCartney, única e exclusivamente. O próprio Lennon dizia que as pessoas sempre o estavam parabenizando por essa canção, mas que ela era na verdade "filha de Paul". Em entrevista John Lennon reconheceu isso ao dizer: "Nunca pensei em escrever nada parecido com aquilo". Os Beatles não participam da sessão de gravação da faixa oficial. Apenas Paul toca violão, acompanhado de um quarteto de cordas providenciado por George Martin. O resultado ficou inesquecível. Clássico absoluto!

Talvez para contornar a extrema doçura e ternura de "Yesterday", John Lennon resolveu encerrar o disco com a paulada de "Dizzy Miss Lizzy", um cover estridente de Larry Williams. A guitarra, no último volume, vai estourar seus tímpanos - por isso tenha cuidado! A razão da gravação dessa canção seria explicada por John na entrevista que deu na Playboy no começo dos anos 80, pouco antes de sua morte. Na ocasião ele desabafou: "As pessoas sempre me viram como o roqueiro dos Beatles. Enquanto Paul escrevia belas baladas de amor eu sempre aparecia com as faixas ao estilo pauleira. Talvez elas tenham razão. Eu sou assim. Uma velha orquestra de Rock ´n´Roll".

Pablo Aluísio.

Laurence Olivier & William Shakespeare

Um dos sonhos de vida do ator Laurence Olivier era levar a obra de William Shakespeare para as grandes massas. De formação Shakesperiana ele começou a tentar colocar sua ideia em prática no teatro londrino. O ator abriu mão de faturar mais alto nas bilheterias para que escolas e colégios de Londres levassem seus alunos para apresentações vespertinas de Olivier e sua companhia. Aos poucos ele foi percebendo que seria mais complicado do que pensava. O texto, extremamente rico e rebuscado de Shakespeare, soava de complicado entendimento para o público mais jovem. Não era de se admirar. Shakespeare escreveu para as pessoas de sua época, em uma linguagem tão rica que muitos historiadores ainda hoje cultivam uma certa dúvida se todas as peças atribuídas a Shakespeare teriam sido escritas por ele realmente, uma vez que era difícil aceitar que tanta riqueza cultural teria vindo de apenas uma pessoa!

Assim Olivier se debruçou sobre "Hamlet" e escreveu uma nova versão, procurando usar uma linguagem mais moderna, que soasse mais compreensível para aqueles alunos. Sua real intenção era apresentar Shakespeare aos mais jovens para que eles criassem curiosidade sobre o famoso escritor, indo assim atrás de suas peças no original. Como a experiência deu certo e deu ótimos frutos Laurence procurou ir além. Ele quis levar para o cinema seu texto adaptado. Afinal de contas uma coisa era se apresentar para um determinado grupo de estudantes ingleses, em número limitado, outra completamente diferente seria levar isso para o mundo inteiro através do grande meio que estava à sua disposição: o cinema!

Sobre essa atitude corajosa de Laurence Olivier o grande ator Marlon Brando comentaria: "Certa vez encontrei Laurence e ele me disse que eu deveria me dedicar a Shakespeare já que tinha talento para tanto! Fiquei lisonjeado com sua opinião e de certo modo ele tinha razão em me falar aquilo. Eu só seria um grande ator se me dedicasse a interpretar Shakespeare no teatro. O problema é que eu tinha que viver, tinha contas a pagar, pois qualquer ator americano que se dedicasse completamente aos textos de Shakespeare ficaria extremamente pobre. Os americanos não possuem esse tipo de cultura. Na verdade os britânicos são os únicos a cultivarem a riqueza da língua inglesa justamente por causa de Shakespeare. A cultura americana é a da TV e a do cinema. Não temos cacife cultural para tornar Shakespeare popular em nossa sociedade".

Brando tinha razão. O americano médio é de certo modo um simplório que mal conhece o nome de outros países. Ele não tem a sutileza e a sofisticação cultural para tornar uma obra desse nível popular. Mesmo com tantas coisas contras Laurence foi em frente. Conseguiu financiamento e em 1948 lançou sua versão cinematográfica de "Hamlet". Ele ficou tão obcecado com sua atuação que resolveu também dirigir o filme. Era sua obra mais cativante e ele certamente não estava disposto a dividir isso com absolutamente ninguém. Para sua alegria e realização o filme se tornou um sucesso e acabou sendo consagrado no Oscar um ano após quando foi premiado com os prêmios de Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e os dois mais importantes Oscars da noite: Melhor Filme e Melhor Ator (onde o grande premiado seria ele mesmo, Laurence Olivier). Não haveria maior consagração para ele do que esse reconhecimento histórico. O Bardo certamente teria ficado orgulhoso de Laurence.

Pablo Aluísio. 

Deadpool (2016)

Título no Brasil: Deadpool
Título Original: Deadpool
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos, Canadá
Estúdio: 20th Century Fox
Direção: Tim Miller 
Roteiro: Tim Miller, Rhett Reese, Paul Wernick
Elenco: Ryan Reynolds, Morena Baccarin, T.J. Miller
  
Sinopse:
Wade Wilson (Ryan Reynolds) é um veterano das forças armadas que agora ganha a vida como mercenário. Quando descobre que está sofrendo de um câncer agressivo resolve arriscar tudo, entrando numa pesquisa científica de efeitos imprevisíveis. Após ser submetido ao "tratamento" ele se recupera, mas com efeitos inesperados, apresentando poderes que jamais tinha experimentado antes. Agora, adotando o nome de Deadpool, ele parte para a vingança contra aqueles que ele entende destruiram sua vida. Adaptação do personagem criado por Rob Liefeld e Fabian Niciesa para a Marvel Comics em 1991.

Comentários:
A demanda por personagens em quadrinhos anda tão grande que até mesmo heróis secundários andam sendo adaptados. A bola da vez agora é o mercenário Deadpool. Ele não é muito popular fora do universo de leitores desse tipo de publicação (algo que provavelmente mudará daqui pra frente), por isso o estúdio precisou planejar uma campanha de marketing mais agressiva para divulgar o filme. Conseguiu seus objetivos. A produção já é um dos grandes sucessos de bilheteria do ano. Eu fico com um pé atrás em relação a filmes como esse porque (aqui vai minha opinião pessoal) essas adaptações andam bem saturadas. Talvez o fato do Deadpool ser um falastrão, cheio de piadas e brincadeiras, disfarce um pouco esse aspecto. No geral porém, se você for analisar estrutura de roteiro, efeitos visuais e desenvolvimento da trama, não existem muitas diferenças com muitos outros filmes de heróis, sejam da Marvel, sejam da DC Comics. Em termos de elenco é interessante ver como Ryan Reynolds acabou se achando nesse filme, algo que não aconteceu com Lanterna Verde (um personagem muito mais conhecido do que o quase desconhecido Deadpool). É até complicado de entender porque ele deu tão errado naquele filme e aqui se deu tão bem! Mistérios que apenas os deuses da sétima arte poderiam decifrar. Assim deixo as minhas impressões. Não é a maravilha que andam dizendo por aí, porém é bem feito e eficiente - o que talvez já seja muita coisa em termos de adaptações recentes de quadrinhos. Vale uma sessão de cinema com muita pipoca para descontrair.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Aracnofobia

Título no Brasil: Aracnofobia
Título Original: Arachnophobia
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Hollywood Pictures, Amblin Entertainment
Direção: Frank Marshall
Roteiro:  Don Jakoby, Al Williams
Elenco: Jeff Daniels, Julian Sands, John Goodman
 
Sinopse:
O Dr. Ross Jennings (Jeff Daniels) decide se mudar ao lado de sua família para uma casa no interior. Durante a mudança seu pequeno filho descobre uma aranha no meio das caixas. Depois que sua mãe decide levar o pequeno inseto para o celeiro as coisas começam a fugir do controle pois a estranha aranha se reproduz numa velocidade incrível, dando origem a um novo tipo de assassino da natureza. Filme premiado pela Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Filme de Terror e Melhor Ator (Jeff Daniels).

Comentários:
Produzido por Steven Spielberg e dirigido pelo seu amigo de longa data Frank Marshall (juntos produziram inúmeros filmes ao longo dos anos) esse "Arachnophobia" uso do medo natural que as pessoas em geral possuem desses insetos de oito patas para criar tensão, suspense e terror. A fórmula é antiga, desde os anos 1950 o cinema sempre explorou esse tema - inclusive em produções onde os tais aracnídeos eram bombardeados por radiações e se tornavam monstros colossais de 15 metros de altura! Aqui obviamente não se chega a tanto, mas de maneira em geral o roteiro se aproveita de velhos clichês para capitalizar o medo do espectador. O resultado se mostra apenas mediano. As cenas iniciais que exploram um local remoto de uma floresta brasileira onde pesquisadores entram em contato pela primeira vez com os bichos se mostra mais interessante do que a segunda parte que se rende a velhos cacoetes de Spielberg (a família tradicional americana, etc, etc). Vale pela curiosidade, mas não é nenhuma obra prima do gênero.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Segredo de Mary Reilly

Título no Brasil: O Segredo de Mary Reilly
Título Original: Mary Reilly
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Stephen Frears
Roteiro: Christopher Hampton
Elenco: Julia Roberts, John Malkovich, George Cole
  
Sinopse:
Mary Reilly (Julia Roberts), uma dona de casa vitoriana, acaba se apaixonando pelo respeitado médico Dr. Jekyll (John Malkovich) sem conhecer seu lado mais sinistro, amoral e violento, o Mr. Edward Hyde. Roteiro baseado no romance escrito por Valerie Martin. Filme indicado ao Golden Berlin Bear do Berlin International Film Festival. 

Comentários:
Transformar a história de Dr. Henry Jekyll e Mr. Edward Hyde (o médico e o monstro) em um drama vitoriano com pretensões de filme sério? Será que foi realmente uma boa ideia? Para a atriz Julia Roberts realmente parecia uma boa oportunidade de realizar um filme com qualidade literária ao mesmo tempo em que não perdia de vista os interesses financeiros de sua carreira. Um pé na arte e o outro na bilheteria. Apesar das intenções nada pareceu dar muito certo. O filme não consegue se decidir em ser uma obra de arte ou uma diversão pop de verão. No meio do caminho não conseguiu ser nem uma coisa, nem outra. Apesar da bipolaridade ainda há coisas boas para se elogiar. Uma delas vem justamente do elenco e nem estou me referindo ao trabalho de Julia Roberts (envelhecida precocemente com forte maquiagem), mas sim de John Malkovich. Se existe uma razão para assistir esse filme pelo menos uma vez na vida vem justamente de sua presença em cena. Claro que todos sabem que Malkovich sempre foi um grande ator. Seja como o racional Dr. Henry Jekyll ou como o alucinado Edward Hyde o ator se saiu excepcionalmente bem. Uma prova de seu grande talento. Pena que o filme nunca consiga ser tão bom como ele. É o típico caso em que temos uma atuação grande demais para um filme apenas mediano.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - A Little Less Conversation / Almost In Love

Como a RCA Victor já não tinha a menor disposição de lançar novas trilhas sonoras de filmes de Elvis em formato de álbuns depois do fracasso de vendas de "Speedway" suas novas músicas vindas de Hollywood começaram a ser lançadas em singles simples, sem muitos gastos ou divulgação. Um executivo da gravadora chegou ao ponto de chamar esse tipo de compacto de "kamikaze", ou seja, lançado de qualquer jeito, o que viesse era lucro. Assim a RCA colocou no mercado o single "A Little Less Conversation / Almost In Love". Foi um single que vendeu pouco, ganhou modestas críticas nas principais revistas de música nos Estados Unidos e de maneira em geral não chamou muito a atenção. Por essa época todos já estavam cansados dos filmes de Elvis e até mesmo seus fãs mais fiéis já tinham desistido de defender produtos como esse. Todos queriam que Elvis voltasse a ser um cantor e não um ator frustrado que colecionava filmes ruins, um atrás do outro. Além disso "Live a Little, Love a Little", seu novo filme, não era muito melhor do que os abacaxis anteriores que tinham sido lançados. Quando as filmagens terminaram o próprio Elvis criticou o filme afirmando que interpretava um papel idiota de um fotógrafo que tinha um enorme cachorro, enquanto namorava e andava de buggy na praia. Não era Shakespeare e nem tinha muito valor artístico. O cenário era realmente desanimador.

A história porém muitas vezes tem seus caprichos. O que foi ignorado no passado geralmente pode ter uma segunda chance no futuro. Foi o que aconteceu. A música passou em brancas nuvens na época de seu lançamento original, mas hoje em dia é uma das mais conhecidas do repertório de Elvis. Como isso foi possível? A metamorfose de um fracasso do passado em um sucesso do futuro se deu porque a canção foi relançada como remix de sucesso há alguns anos. O DJ Junkie XL pegou a gravação original de Elvis, a refez em estúdio usando a moderna tecnologia, acrescentou uma batida atual e a canção se tornou um sucesso mundial. Um single que havia vendido poucas cópias em 1968 acabou vendendo milhões de singles em 2002 (no total o single remix vendeu nove milhões de cópias!!!). E foi além.... a música ocupou o primeiro lugar em todas as importantes paradas de sucesso ao redor do mundo, de Londres a Nova Iorque. Um mega hit. Coisas assim nos fazem pensar sobre a real qualidade até mesmo do material que Elvis vinha gravando para todos aqueles filmes. Era ruins mesmo, de fato, ou simplesmente eram mal lançados e trabalhados por sua gravadora? Uma questão que ganha cada vez mais pertinência com o passar dos anos. O lado B do single, "Almost In Love", também merece alguns comentários, principalmente para os brasileiros. A música, uma simpática bossa nova, foi escrita por um brasileiro, Luís Bonfá, sendo a primeira e única canção composta por um brasileiro gravada por Elvis Presley. Quem poderia dizer que um single tão mal lançado, verdadeiro fracasso de vendas em seu lançamento original, poderia trazer tantas coisas interessantes?

Pablo Aluísio.

sábado, 27 de fevereiro de 2016

Romeu + Julieta

Título no Brasil: Romeu + Julieta
Título Original: Romeo + Juliet
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Baz Luhrmann
Roteiro: Craig Pearce, baseado na obra de William Shakespeare
Elenco: Leonardo DiCaprio, Claire Danes, John Leguizamo
  
Sinopse:
Romeu (Leonardo DiCaprio) ama Julieta (Claire Danes), mas não conseguem ficar felizes e em paz pois pertencem a duas famílias que simplesmente se detestam e se odeiam. Como superar todas as adversidades em nome de um grande amor como aquele? Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Direção de Arte (Catherine Martin e Brigitte Broch). Vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Direção, Design de Produção e Roteiro Adaptado.

Comentários:
Desde essa época o Leonardo DiCaprio sonhava com o Oscar de melhor ator (e lá se vão vinte anos de puro desespero por um prêmio que parece não chegar nunca!). Enfim... voltemos ao filme. A premissa é básica: trazer a obra do grande e imortal William Shakespeare para o público jovem. E como fazer isso? Transformando tudo em um videoclip, ou melhor explicando, usar a linguagem dos videoclips para atrair a atenção da juventude dos anos 90 (que não parava de assistir a MTV). Como se trata também de uma das obras mais populares do dramaturgo inglês era de se esperar que fluísse às mil maravilhas. Não foi bem isso que aconteceu. A verdade é que o diretor Baz Luhrmann é um pretensioso arrogante que pensa estar sempre revolucionando o cinema com seus filmes. Menos. Ele fez um filme muito colorido, bonitinho e simpático, mas a despeito disso também esvaziou muito a obra que lhe deu origem. Na ânsia de soar moderninho demais tudo o que Baz Luhrmann conseguiu no final das contas foi ser muito, mas muito chato! O filme nunca me convenceu e nem agradou. Há excessos de modernices que aborrecem. Além disso Leonardo DiCaprio parece estar mais preocupado em aparecer bonitinho em cena, como se estivesse posando para uma revista de adolescentes entediadas, do que em atuar realmente bem. Assim não há como salvar o filme. O bardo merecia coisa muito melhor (além do devido respeito, é claro). E o Leo ficou novamente a ver navios. Oscar que é bom... nada!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Força Tática

Título no Brasil: Força Tática
Título Original: Tactical Force
Ano de Produção: 2011
País: Canadá
Estúdio: Nasser Group, North, Caliber Media Company
Direção: Adamo P. Cultraro
Roteiro: Adamo P. Cultraro
Elenco: Steve Austin, Michael Shanks, Michael Jai White
  
Sinopse:
Um treinamento da SWAT da polícia de Los Angeles acaba dando muito errado quando um grupo de homens da polícia se depara com uma perigosa gangue de criminosos de rua. Apenas a força bruta de Tate (Steve Austin) poderá colocar um fim naquela situação perigosa e altamente violenta.

Comentários:
Filmes de ação estrelados por Steve Austin você já sabe: muita porrada, ação insana e baixos orçamentos. Esse tipo de fita B tinha grande retorno na época do mercado de vídeo - já que acabavam encontrando seu público de uma maneira ou outra nas prateleiras de locadoras. Hoje em dia as coisas já ficam mais complicadas. De qualquer forma vale a pena conhecer principalmente se você: a) curte filmes de ação sem delongas (como os filmes dos anos 80 com brutamontes violentos) e b) admiram de alguma forma o Austin, seja pelo trabalho que ele realiza como ator ou lutador. Aqui não há maiores surpresas, vamos convir que o filme é bem derivativo. Se tem algum mérito é não querer parecer pretensioso. O diretor canadense Adamo P. Cultraro só peca pela falta de experiência (esse é praticamente seu primeiro filme já que os anteriores não passaram de telefilmes sem importância ou documentários da TV a cabo, sem grande repercussão). Ele optou pela ação pura, sem frescuras ou perda de tempo. Se errou em vários aspectos do filme pelo menos acertou em ser bem direto e objetivo. O fã do filme de ação mais casca grossa não terá do que reclamar.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Efeito da Fúria

Em uma lanchonete de Los Angeles um homem armado entra no estabelecimento e abre fogo contra clientes e funcionários. Ele parece ser uma pessoa normal, sem nenhum traço mais visível de psicopatia ou algo do gênero. Mirando em seus alvos o atirador tenta matar cada pessoa que está presente naquele recinto. A pequena Anna (Dakota Fanning) se esconde embaixo da mesa e de lá vê seu pai ser atingido por um tiro na cabeça. Seu sangue escorre por entre suas pernas, indo parar bem onde ela se encontra. A garçonete Carla (Kate Beckinsale) está atrás do balcão servindo os clientes quando começa o massacre. Ela se abaixa e tenta se esconder dos tiros. Com o celular também  tenta de todas as formas pedir socorro, ligando para o 911. Para Charlie (Forest Whitaker) nada mais parece fazer algum sentido. Ele entrou na lanchonete e se sentou no balcão em busca de um café. Intimamente se sente arrasado pois acabou de ser diagnosticado com um câncer maligno. Quando os tiros começam ele mal consegue esboçar uma reação. Está simplesmente em choque.

Tudo o que você leu no parágrafo anterior se desenvolve apenas na primeira cena de "Winged Creatures". O filme se concentra nessa triste realidade de violência sem sentido que surge dentro da sociedade americana, algo que se tornou tão habitual naquele país que nem mais chega a chamar tanta atenção. De repente um sujeito armado resolve abrir fogo contra pessoas inocentes, matando a esmo, sem qualquer explicação ou aviso. Para se ter uma ideia de como as coisas andam por lá, ontem quando assistia a esse filme ocorreu um novo massacre em uma pequena cidade americana do Arizona, quando um homem atirou dentro de uma fábrica, matando quatro pessoas e ferindo quase uma dezena de outras. O roteiro do filme não se preocupa em desvendar os motivos que levaram o atirador a matar as pessoas na lanchonete. Ao invés disso investe no trauma decorrente da chacina, mostrando a vida dos sobreviventes após o trágico evento. Assim o espectador passa a acompanhar o pós trauma na vida de cada personagem. A garçonete Carla (Beckinsale) é uma mãe solteira que não tem a menor vocação para cuidar de seu filho, um bebê que parece sempre estar chorando. A garotinha Anna (Fanning) acaba criando uma espécie de fanatismo religioso precoce para lidar com a morte brutal de seu pai e Charlie (Whitaker), que fora diagnosticado com câncer poucos momentos antes da tragédia na lanchonete, resolve gastar seu último centavo numa maratona de bebidas e jogos em um cassino da cidade. Por fim há a figura do médico Dr. Bruce Laraby (Guy Pearce) que escapou de morrer ao sair momentos antes do tiroteio começar na lanchonete. Ele trabalha salvando vidas, mas parece disposto a acabar com a vida da própria esposa, a envenenando. Em suma, um bom filme que valoriza as características de cada personagem em cena. Um retrato mais realista possível da violência que impera na sociedade americana atualmente.

O Efeito da Fúria (Winged Creatures, EUA, 2008) Direção: Rowan Woods / Roteiro: Roy Freirich / Elenco: Kate Beckinsale, Forest Whitaker, Guy Pearce, Dakota Fanning, Josh Hutcherson / Sinopse: Após o massacre em uma lanchonete de Los Angeles, um grupo de sobreviventes tenta levar as suas vidas em frente da melhor maneira possível, algo que definitivamente não será fácil já que a violência absurda a que foram submetidos deixou traumas psicológicos irreparáveis em cada um deles.

Pablo Aluísio. 

O Incrível Homem Que Encolheu

O filme mostra a incrível estória de Scott Carey que em férias acaba sendo contaminado por uma nuvem radioativa. Inicialmente nada parece mudar em sua vida e em sua saúde até que passado algum tempo ele começa a sofrer com uma incrível diminuição em seu tamanho, o tornando finalmente numa criatura menor do que um alfinete! Agora terá que sobreviver em sua própria casa, enfrentando insetos e animais domésticos que devido à sua pequenez se tornam monstros terríveis! Grande clássico de ficção científica dos anos 1950 que vai muito além de seus criativos e bastante eficientes efeitos visuais. A estória é simples, mas seu conteúdo difere do tradicional ao realizar uma viagem "literal" de um homem em constante luta em sua determinação de provar sua existência, por mais que tudo esteja contra ele. Desde o inicial constrangimento (a perda do amor de sua esposa) passando pela ferrenha luta pela vida (sua morte pode vir de uma simples aranha de casa), até quando sua vontade de viver irá prevalecer?

Se formos analisar bem esse roteiro veremos algumas características bem interessantes da época em que o filme foi feito. A paranoia em relação a tudo que se relacionasse com radioatividade é uma delas. Em pleno auge da guerra fria havia um sentimento de insegurança e paranoia envolvendo armas nucleares e tudo aquilo que envolvesse tecnologia atômica. Assim os roteiristas dos anos 50 usavam a radioatividade como desculpa para tudo, inclusive mutações terríveis ou eventos inexplicáveis. O mal uso da tecnologia nuclear tanto podia dar origem a monstros imensos - como o famoso Godzilla e criaturas semelhantes - como aumentar ou diminuir o tamanho dos seres vivos - aranhas gigantes ou então seres humanos se tornando criaturas pequeninas. Aliás esse filme iria inspirar uma das séries mais populares da TV americana, "Terra de Gigantes" que iria também se tornar campeã de audiência no Brasil. De uma maneira ou outra "The Shrinking Man" é certamente um clássico Sci-Fi de uma época em que o cinema era mais romântica e até mesmo inocente - e cativamente envolvente.  Amarrado com ótimas cenas de tensão, o filme termina de forma ousada, em momento de existencialismo filosófico, coisa pouco comum, principalmente para a época. E para os interessados no enredo o livro saiu há pouco no Brasil, numa coletânea de histórias do Richard Matheson, Indicadíssimo!

O Incrível Homem Que Encolheu (The Shrinking Man, EUA, 1957) Direção: Jack Arnold / Roteiro: Richard Matheson, baseado na novela escrita por Richard Matheson / Elenco: Grant Williams, Randy Stuart, April Kent / Estúdio: Universal Pictures / Sinopse: Homem sofre os efeitos da radiotividade e se torna minúsculo. Agora terá que sobreviver a um novo mundo, onde insetos e animais domésticos se tornam grande ameaças - seres monstruosos em relação ao seu pequenino tamanho. Filme vencedor do Hugo Awards na categoria de Melhor Direção e Roteiro Adaptado.

Pablo Aluísio, Ricardo Martins e Júlio Abreu. 

quinta-feira, 25 de fevereiro de 2016

Amantes

Esse é um filme sobre sentimentos. Logo na primeira cena Leonard Kraditor (Joaquin Phoenix) caminha por um píer de Nova Iorque. Tempo gelado. Sem pensar duas vezes ele se joga na água congelantes do oceano. Seria trágico se não fosse patético. Essa é mais uma de muitas tentativas de suicídio em sua vida. Tudo por causa de mais uma desilusão amorosa. Depois de dois anos de noivado a mulher que ele achava ser a ideal para sua vida simplesmente resolveu ir embora, o deixando completamente devastado. Leonard vive com os pais, trabalha na pequena loja de seu pai e não vê muitos motivos para seguir em frente com sua vida. Isso dura até conhecer a vizinha de prédio, a bela e atraente Michelle Rausch (Gwyneth Paltrow), uma garota dos sonhos. Mesmo machucado, Leonard resolve investir no seu novo interesse romântico, mas ela já tem um complicado relacionamento com um homem casado, com filhos, numa situação nada resolvida. Para piorar ainda mais sua vida sentimental seus pais querem que ele se acerte com Sandra (Vinessa Shaw) que parece ser uma boa pretendente para acabar com sua solteirice persistente e duradoura.

Bom filme. O diretor James Gray tenta contar um enredo envolvendo um triângulo amoroso dos mais improváveis. Todos os personagens apresentam algum tipo de problema emocional. Leonard foi diagnosticado como bipolar alguns anos atrás. Por essa razão ele não consegue lidar muito bem com perdas. Michelle vem de uma família com problemas mentais e não consegue se acertar na vida. Sandra mais parece uma solteirona desesperada para se casar com alguém, seja ele quem for. Ela tem vários problemas de auto estima o que trava sua vida amorosa. Como se vê os protagonistas passam longe da imagem de figuras românticas idealizadas, princesas e príncipes montados em cavalos brancos. Ao invés disso são pessoas comuns, tentando levar a vida, mesmo com vários obstáculos pelo meio do caminho. Gosto muito do estilo de interpretação de Joaquin Phoenix. Ele sempre parece perfeito para personagens limítrofes, esquisitões. Até hoje não sei se ele é assim mesmo na vida real ou se é algum tipo de fórmula que ele sempre usa para dar veracidade em seus trabalhos. Provavelmente seja o primeiro caso, quem sabe... De qualquer maneira funciona muito bem. Já Gwyneth Paltrow sempre surge muito elegante e sofisticada, mesmo quando seus papéis são de garotas à beira de um surto psicótico. Em suma, temos aqui um bom filme, ideal para assistir a dois.

Amantes (Two Lovers, EUA, 2008) Direção: James Gray / Roteiro: James Gray, Ric Menello / Elenco: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Isabella Rossellini, Vinessa Shaw, Samantha Ivers / Sinopse: Leonard (Phoenix) vê uma oportunidade de se recuperar do enorme fora que levou de sua noiva ao conhecer sua vizinha, a bela e sensual Michelle (Paltrow). Seus pais porém querem que ele se case com outra jovem, Sandra (Shaw), a filha de um amigo de seu pai. Filme indicado à Palma de Ouro do Cannes Film Festival. Também indicado ao Independent Spirit Awards nas categorias de Melhor Atriz (Gwyneth Paltrow) e Melhor Direção (James Gray).

Pablo Aluísio.

Os Fugitivos

Baseado em fatos históricos reais, o filme "Lonely Hearts" conta a trajetória de Ray Fernandez (Jared Leto), um patife que ganhava a vida explorando mulheres solitárias e infelizes durante a década de 1930. Usando como isca o classificado dos jornais ele procurava conquistar o coração delas com o objetivo de lhes tirar todo o dinheiro possível. Sua vida criminosa ganha uma reviravolta quando passa a ser acompanhado por sua amante, Martha Beck (Salma Hayek), que finge ser sua irmã para as vítimas. Com ela ao seu lado, Ray ganha uma insuspeita imagem de confiança e respeitabilidade que ele prontamente usa para aumentar o número de potenciais alvos. Quando alguma delas começam a lhe trazer problemas a solução passa a ser o assassinato para encobrir seus rastros. E é justamente no suicídio forjado de uma dessas mulheres que a dupla de detetives formado por Elmer Robinson (Travolta) e Charles Hilderbrandt (James Gandolfini) começa a entender a rede de crimes praticada pelo casal de psicopatas. Para Robinson a solução dos crimes passa a ser algo bem pessoal, uma vez que ele próprio está destruído emocionalmente após o suicídio de sua jovem esposa. Colocar as mãos em Ray e Martha passa a ser uma verdadeira obsessão para ele.

Gostei muito desse filme. Além da trama envolvente, explorando um fato real, a produção procura ser o mais fiel possível aos acontecimentos históricos. Durante os anos de 1937 a 1939 esse casal de assassinos praticou uma série de assassinatos terríveis em diversos estados americanos. Calcula-se que juntos tenham matado mais de vinte mulheres, a grande maioria delas viúvas da guerra ou senhoras mais velhas, solitárias e em busca de um relacionamento sério para preencher o vazio de suas vidas. O roteiro toma certas liberdades em relação a alguns detalhes dos fatos históricos, como por exemplo, transformar a psicopata Martha em uma jovem sensual e bonita (na verdade ela já era uma senhora com problemas de obesidade quando os crimes foram cometidos). Em termos de elenco eu destacaria o trabalho de Jared Leto. Ele está excepcionalmente bem na pele do psicótico Ray. O interessante é que tal como aconteceu na vida real ele também era completamente manipulado por Martha, que conforme escrevi, ganha contornos de exuberância sensual na interpretação de Salma Hayek que além de estar extremamente bela no filme, desfila uma série de elegantes figurinos de época. Entre os tiras o sempre excelente James Gandolfini defende muito bem seu personagem, porém temos que reconhecer que seu parceiro John Travolta já não se sai muito bem, o que é complicado, já que seu policial atormentado é um dos pilares dramáticos do filme como um todo. Travolta não conseguiu expressar a tempestade de emoções que seu papel exigiu. Ao invés de passar um sentimento de depressão, desespero interior e melancolia ao espectador tudo o que ele consegue transmitir é uma eterna expressão de raiva e fúria. Travolta sempre foi um ator limitado, temos que reconhecer. Mesmo assim essa é uma falha menor. O filme como um todo é realmente muito bom, altamente recomendado e resgata a história desses criminosos insanos e violentos que felizmente encontraram finalmente a justiça em uma cadeira elétrica pouco depois de terem cometido seus crimes e atrocidades contra mulheres indefesas e inocentes.

Os Fugitivos (Lonely Hearts, EUA, 2006) Direção: Todd Robinson / Roteiro: Todd Robinson / Elenco: John Travolta, James Gandolfini, Salma Hayek, Jared Leto, Scott Caan, Laura Dern / Sinopse: Um casal de psicopatas começa a procurar suas próximas vítimas usando o serviço de classificados dos jornais. Seu alvo preferido passa a ser mulheres solitárias que tenham algum dinheiro. Quando algumas delas começam a aparecer assassinadas, uma dupla de detetives do departamento de polícia de Nova Iorque entra no caso para prender os criminosos.Filme indicado ao San Sebastián International Film Festival na categoria de Melhor Direção (Todd Robinson).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Corações de Ferro (2014)

Em abril de 1945 as forças aliadas começam a grande invasão da Alemanha, já nos últimos meses da II Guerra Mundial. Ao entrarem dentro do país inimigo os soldados americanos liderados pelo sargento Don 'Wardaddy' Collier (Brad Pitt) descobrem que estão prestes a enfrentar o maior desafio de suas vidas naquela guerra que parece não ter fim. Um filmaço! Simples assim... Fazia bastante tempo que Hollywood não explorava tão bem a Segunda Guerra Mundial. O gênero dos filmes de guerra foi muito popular no passado, mas ultimamente estava em segundo plano. Para falar a verdade poucos e pontuais filmes foram realizados nos últimos tempos. Pois bem, aqui está uma produção classe A, com roteiro excelente e personagens marcantes. O roteiro foca bastante na conturbada relação entre o comandante durão interpretado por Pitt, um sujeito que precisa ser forte o suficiente para comandar seus homens e um novato, o jovem soldado Norman Ellison (Logan Lerman), que por ser jovem demais não tem o preparo psicológico e físico para enfrentar tamanho desafio. O clima em geral é de desolação, destruição completa. Os prédios estão em chamas e a população civil vaga em busca de alimentos. Os traidores estão penduradas em postes, com placas no pescoço relatando seus crimes contra o Estado nazista.

Brad Pitt lidera esse pequeno grupo de homens que luta dentro de um tanque americano "carinhosamente" chamado de "Fury". E é justamente usando de muita fúria e bravura que eles tentarão sobreviver a um dos conflitos mais brutais e sangrentos da história. Em seus últimos dias a Alemanha de Hitler definhava e agonizava. Sem homens para lutar o führer, completamente desesperado, começou a alistar crianças e jovens sem qualquer experiência de combate. Quando os aliados adentraram as fronteiras alemãs eles acabaram encontrando não apenas cidades destruídas, mas também o coração de um povo em chamas. Há várias sequências fantásticas porém destaco duas em especial. Na primeira o pequeno grupo de tanques sob comando de Brad Pitt enfrenta um poderoso tanque alemão Tiger, um verdadeiro monstro da guerra! A verdade é que os armamentos alemães eram de certa forma bem mais resistentes e poderosos do que os americanos. O que fez a Alemanha perder a guerra foi em última análise a falta de poderio industrial para repor as perdas do campo de combate. Esse confronto mostrado no filme entre as forças de infantaria é desde já uma das melhores do cinema. Em outro momento marcante o tanque Fury fica avariado numa encruzilhada enquanto um pelotão inteiro de fanáticos soldados SS se aproxima! Ótima sequência que vem para fechar em grande estilo esse ótimo war movie. Assim não resta mais o que dizer. "Fury" é de fato um dos melhores filmes do ano, sem favor algum.

Corações de Ferro (Fury, EUA, 2014) Direção: David Ayer / Roteiro: David Ayer / Elenco: Brad Pitt, Shia LaBeouf, Logan Lerman, Michael Peña, Jim Parrack, Scott Eastwood / Sinopse: Um grupo de soldados americanos, pertencentes ao regime de tanques, adentra as fronteiras da Alemanha durante a fase final da Segunda Grande Guerra Mundial. Comandados pelo sargento Don 'Wardaddy' Collier (Brad Pitt) eles precisam enfrentar os inimigos em campo aberto, ao mesmo tempo em que tentam conquistar a confiança da população civil em cidades destruídas pela guerra. Filme indicado aos prêmios da Screen Actors Guild Awards e Broadcast Film Critics Association Awards.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quarta-feira, 24 de fevereiro de 2016

Nunca Fale com Estranhos

Dra. Sarah Taylor (Rebecca De Mornay) é uma psicóloga forense que acaba se apaixonando pelo homem errado, Tony Ramirez (Antonio Banderas), um sujeito que ela na verdade não conhece muito bem. Mal sabe que na verdade está se relacionando com um perigoso serial killer. Lida assim a sinopse de "Never Talk to Strangers" pode até parecer muito banal e sem novidades, mas para surpresa geral é sim um filme que tem lá seus bons momentos. Na década de 1990 muitos filmes de suspense como esse foram lançados visando muito mais o mercado de vídeo (sim, com aquelas fitas VHS, lembra?) do que propriamente as salas de cinema. As produções eram mais modestas e os roteiros primavam por situações clichês, muitas vezes reciclando tramas de antigas fitas do cinema noir da década de 1940. Aliás a própria concepção de se realizar filmes baratos, com enredos enxutos, mas bem boladas, primando o suspense, era uma característica daquela velha estética cinematográfica.

O grande atrativo desse filme em si vem do elenco. O estúdio apostou em  Rebecca De Mornay e Antonio Banderas. Ela vinha em uma boa fase na carreira, principalmente depois das boas bilheterias de filmes como "A Mão Que Balança o Berço" e "Culpado Como o Pecado". A TriStar Pictures apostou que ela poderia ser uma das futuras estrelas de Hollywood, mas isso de fato nunca aconteceu. Depois desse filme ela foi perdendo papéis importantes e meio que caiu no esquecimento. Algo mais corriqueiro de se acontecer do que se pensa. Já Banderas teve um destino mais bem sucedido, um futuro melhor. Ele conseguiu emplacar uma carreira consistente nos Estados Unidos e se também não virou um astro pelo menos conseguiu uma certa regularidade. Assim deixo a dica desse suspense dos anos 90 que anda bem esquecido.

Nunca Fale com Estranhos (Never Talk to Strangers, EUA, Canadá, Alemanha, 1995) Direção: Peter Hall / Roteiro: Lewis A. Green, Jordan Rush / Elenco: Rebecca De Mornay, Antonio Banderas, Dennis Miller / Sinopse: Sarah Taylor (Rebecca De Mornay) é uma psicóloga da polícia que acaba se apaixonando pelo homem errado,  Tony Ramirez (Antonio Banderas), um sujeito perturbado que não admite ser deixado para trás.

Pablo Aluísio.

Godzilla (2014)

Título no Brasil: Godzilla
Título Original: Godzilla
Ano de Produção: 2014
País: Estados Unidos, Japão
Estúdio: Warner Bros., Legendary Pictures
Direção: Gareth Edwards
Roteiro: Max Borenstein, Dave Callaham
Elenco: Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Bryan Cranston, Ken Watanabe

Sinopse:
Após o colapso em uma usina nuclear no Japão um estranho monstro voador, de proporções gigantescas, se utiliza da radiação para se alimentar e se proliferar. Para destruir a ameaça a própria mãe natureza envia outro monstro vindo diretamente das profundezas do oceano, Godzilla, que tentará aniquilar com o estranho ser que mais parece um inseto colossal. Adaptação moderna do famoso personagem japonês, Godzilla.

Comentários:
O monstro Godzilla nasceu dentro da paranoia que havia sido criada durante a Guerra Fria. As pessoas em geral tinham receio de tudo acabar da noite para o dia em uma terrível guerra nuclear. Assim o termo nuclear foi ganhando aspectos monstruosos dentro do inconsciente coletivo do homem comum. Não é de se admirar que o cinema tenha se aproveitado desse medo irracional. Assim surgiu esse personagem, uma besta fruto da energia nuclear, com aparência de dinossauro mas centenas de vezes maior do que os verdadeiros répteis que andaram sobre a Terra no período pré-histórico. O roteiro desse novo filme procura de certa forma resgatar todos os elementos que deram origem ao personagem. Assim está lá a usina nuclear e todo o perigo proveniente de sua existência, a situação fora de controle que gera entidades monstruosas e o surgimento do próprio Godzilla como uma resposta da mãe natureza contra os erros da humanidade. O espírito do enredo também procura criar um laço direto com os filmes japoneses, onde um homem vestido com macacão de borracha destruía cidades feitas de papelão. De certa forma, por esses e outros motivos, achei essa nova produção bem mais interessante do que aquele filme com Mathew Broderick lançado alguns anos atrás. Não é um filme isento de críticas, tampouco é uma maravilha, porém por ter tantos elementos referenciais ao surgimento do monstro temos que ao menos reconhecer que se trata de uma produção interessante e curiosa. Como o final deixou a possibilidade em aberto vamos torcer para que haja continuações e que elas sejam bem melhores, corrigindo os defeitos eventuais que esse filme trouxe.

Pablo Aluísio.

O Massacre da Serra Elétrica 2

Título no Brasil: O Massacre da Serra Elétrica 2
Título Original: The Texas Chainsaw Massacre 2
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Cannon Films
Direção: Tobe Hooper
Roteiro: L.M. Kit Carson, Tobe Hooper
Elenco: Dennis Hopper, Caroline Williams, Jim Siedow
 
Sinopse:
Durante uma transmissão de rádio da programação local um DJ fica chocado ao receber o telefonema de dois marginais que lhe passam uma gravação do que parece ser a morte de duas crianças pelo psicopata Leatherface, o infame serial killer que matava suas vítimas com uma serra elétrica. O xerife local então decide começar sua investigação para colocar as mãos nos autores da gravação, algo que lhe revelará um mundo doentio e perturbador nos cafundós do Texas. Filme indicado ao prêmio Fantasporto na categoria de Melhor Filme de terror.

Comentários:
No auge do sucesso da Cannon, produtora bem conhecida nos anos 80 por causa de seus filmes de ação com Chuck Norris. a empresa resolveu apostar também no terror, ressuscitando antigas franquias. Foi o que aconteceu com "The Texas Chainsaw Massacre". O primeiro filme havia virado um cult movie nas locadoras, então os produtores entenderam que era uma boa oportunidade de reviver o antigo clima de sangue e tripas nas telas. Pessoalmente não gosto muito dessa continuação porque ela foi afetada por uma modinha da época em se misturar terror com comédia. "A Hora do Espanto" se tornou um grande sucesso de bilheteria e sua fórmula acabou sendo copiada à exaustão, nem sempre com resultado positivos. A piada já começa no poster, onde os personagens sanguinários do filme posam tal como os adolescentes do sucesso de John Hughes, "O Clube dos Cinco". O resto vai pela mesma linha engraçadinha, o que nem sempre dá certo. Dennis Hopper também acaba virando uma caricatura de si mesmo nessa produção. Ator símbolo da contra cultura dos anos 60 ele acabou embarcando no filme sem muita razão de ser, talvez apenas para emprestar seu nome conhecido (o único do elenco) para ajudar na promoção do filme. Há certamente boas cenas de terror, mas no geral não consigo mesmo gostar muito, nem mesmo em revisões mais atuais. O humor aqui estragou parte do potencial da fita. Uma bola fora na filmografia do (quase) sempre correto Tobe Hooper.

Pablo Aluísio.

A Casa do Espanto

Título no Brasil: A Casa do Espanto
Título Original: House
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: New World Pictures
Direção: Steve Miner
Roteiro: Fred Dekker, Ethan Wiley
Elenco: William Katt, Kay Lenz, George Wendt
 
Sinopse:
Roger Cobb (William Katt) é um veterano da Guerra do Vietnã que sonha um dia se tornar um autor de livros de terror de sucesso. Para seu azar ele precisa interromper os seus sonhos para descobrir o paradeiro de seu filho Jimmy, que simplesmente desapareceu misteriosamente enquanto visitava a sombria casa de sua tia. Quando essa morrer Roger decide desvendar esse mistério, o que abrirá literalmente uma porta para o inferno. Filme indicado aos prêmios da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Richard Moll) e Melhor Atriz Codjuvante (Kay Lenz). Filme vencedor do Avoriaz Fantastic Film Festival.

Comentários:
Quem viveu os anos 80 e o auge das locadoras de vídeo certamente se lembrará desse "House". Como na época o filme de terror de maior sucesso era o clássico "A Hora do Espanto" a distribuidora nacional tentando tirar uma casquinha logo denominou a fita de "A Casa do Espanto". O filme não fez muito barulho nas bilheterias de cinema, mas quando chegou nas locadoras de vídeo VHS se tornou um hit e tanto, impulsionado pelas propagandas do SBT Vídeo que lançou a fita em nosso país. De certo modo até seguia os passos do famoso "Fright Night", misturando cenas de horror com muita comédia e bom humor. O diferencial era que não havia todo o orçamento do outro filme. Por outro lado investia em muitas cenas bem realizadas, com maquiagem de primeira linha. O diretor Steve Miner vinha de duas sequências da franquia "Sexta-Feira 13" e sabia muito bem das regras para atrair o público adolescente. Além disso contava com o bem sacado roteiro escrito por Fred Dekker, outro ícone dos filmes de terror dos anos 80. Ele havia dirigido o divertido "A Noite dos Arrepios" e no futuro escreveria os roteiros de "Contos da Cripta", "RoboCop 3" e da própria continuação dessa produção, "House 2" em 1987. Assim deixo essa dica preciosa para os saudosistas daqueles tempos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.


Scanners - Sua Mente Pode Destruir

Scanners são seres humanos mutantes que possuem um poder fora do comum: eles consegue controlar a mente das demais pessoas, mostrando grande poder psíquico, conseguindo inclusive infligir dores e danos enormes em suas vítimas. Diante de tão grave ameaça para a humanidade um cientista decide estudar o caso, levando um scanner a mudar de lado, dando início a uma verdadeira guerra entre esses estranhos seres mutantes. Para quem foi jovem nos anos 80 o barato desse filme era ver as cabeças explodindo em câmera lenta! Parece bobo, mas a verdade é que esse clássico do terror assinado por David Cronenberg (em comecinho de carreira) se vendia assim mesmo nas locadoras: aquele filme onde as cabeças explodem! De certa maneira já tínhamos aqui uma amostra da mente sinistra de Cronenberg, um sujeito que mais parecia um nerd, um rato de bibliotecas, com óculos fundo de garrafa e jeito inofensivo.

Mal sabiam os estúdios que ele se tornaria um dos mais importantes nomes do gênero Sci-fi / Terror naquela década. O roteiro mais parecia uma adaptação de quadrinhos, fruto do fato de Cronenberg ter sido um viciado nesse tipo de publicação, que era tão popular em sua país natal. Com pouco dinheiro, mas muita imaginação, ele conseguiu rodar esse filme no Canadá e a fita acabou sendo considerada tão insana e fora dos padrões que chegou logo ao mercado americano onde virou uma espécie de cult nas locadoras de vídeo VHS - naquele momento se tornando bastante populares em todo o mundo. Revisto hoje em dia tudo, claro, vai soar muito datado. Os efeitos e a maquiagem já não convencem ninguém (fica claro que é uma cabeça de boneco que voa pelos ares) mas mesmo assim ainda consegue se manter interessante por causa do roteiro, esse realmente fora do normal, algo realmente original!

Scanners - Sua Mente Pode Destruir (Scanners, Canadá, 1981) Direção: David Cronenberg / Roteiro: David Cronenberg / Elenco: Jennifer O'Neill, Stephen Lack, Patrick McGoohan / Sinopse: Uma nova raça de mutantes chamada Scanner desenvolve um grande poder de controle da mente humana. São 4 bilhões de seres humanos, 237 deles são scanners! Eles possuem o mais terrível poder jamais criado e estão vencendo essa batalha evolutiva! Um cientista resolve estudar esse novo tipo de ser e acaba criando uma verdadeira guerra entre esse novo tipo de ser humano fora do normal. Filme produzido pelo Canadian Film Development Corporation (CFDC). Vencedor do Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nas categorias de Melhor Maquiagem e Melhores Efeitos Especiais.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

terça-feira, 23 de fevereiro de 2016

James Stewart e o Western

James Stewart foi a prova que o homem comum também poderia se tornar um astro em Hollywood. Ele não tinha a altura e a beleza de um Rock Hudson, nem a coragem de um John Wayne, mesmo assim brilhou nas telas e teve uma filmografia tão ou mais rica do que esses dois mitos da era de ouro do cinema americano. Na verdade Stewart era um sujeito bem simples, comum, interiorano, que teve a rara sorte de trabalhar com alguns dos melhores cineastas de todos os tempos em filmes clássicos que jamais serão esquecidos. Provavelmente o diretor que o tornou imortal foi Frank Capra. Quando Stewart chegou em Hollywood, vindo do interior, sendo filho de um dono de lojas de ferragens, ele não encontrou as portas dos estúdios abertas para ele.

Na verdade Stewart amargou um bom tempo como figurante e depois como coadjuvante em filmes de pouca expressão. Sua sorte mudou quando Capra viu nele justamente aquela que era sua maior marca registrada: o jeito e a imagem do homem comum, do trabalhador operário de bom coração. Eram os tempos da grande depressão, a economia americana estava arruinada, com muito desemprego e pobreza. Para o otimista Capra a única forma de levantar a nação era levantando sua autoestima, sua moral. Por isso ele resolveu filmar uma série de roteiros que traziam mensagens positivas ao povo americano, sempre levando seu ânimo, trazendo uma carga única de esperança. Para interpretar seus protagonistas Capra não poderia ter encontrado ator mais ideal. Assim James Stewart começou a virar um astro com "Do Mundo Nada se Leva", uma verdadeira ode ao pensamento positivo. Depois vieram mais clássicos absolutos como "A Felicidade Não Se Compra" e "A Mulher Faz o Homem". Todos esses filmes são verdadeiras obras primas do cinema.

Em busca da mesma empatia outros mestres do cinema resolveram escalar James Stewart em seus filmes, especialmente o mestre do suspense Alfred Hitchcock. Sempre que surgia o personagem do cidadão comum, honesto e trabalhador, que se via numa situação excepcional, o velho Hitch telefonava ao ator sabendo se ele estava disponível. "Festim Diabólico", "Janela Indiscreta" (talvez a grande obra prima ao lado de Hitchcock), "O Homem que Sabia Demais" e "Um Corpo que Cai" são obras primas que por si só já valeriam a imortalidade de Stewart na sétima arte. Isso porém foi apenas uma parte de sua carreira, quando interpretava tipos urbanos em tramas de suspense que até hoje seguem insuperáveis.

Por fim, como se já não bastasse realizar tantos clássicos ao lado de Capra e Hitchcock, James Stewart também brilhou no mais americano de todos os gêneros cinematográficos: o Western. Ele foi um dos mais regulares atores do estilo, participando de inúmeras produções com destaque para os filmes que rodou ao lado de John Ford e Anthony Mann. Com esse último tinha uma relação de amizade e ódio. De todos os diretores com quem trabalhou foi o que mais gostou de atuar, segundo suas próprias palavras. Certamente ao lado de Mann ele não chegou ao ponto de estrelar filmes tão importantes como "O Homem que Matou o Facínora" (considerado um dos dez melhores faroestes de todos os tempos), mas rodou produções que ficaram na memória como "Winchester 73" e "Um Certo Capitão Lockhart". Foi realmente uma dupla inesquecível. Embora tenha concorrido por cinco vezes ao Oscar só foi premiado uma única vez, por "Núpcias do Escândalo". James Stewart faleceu em 1997 deixando uma filmografia realmente inigualável. Provavelmente tenha sido o ator que mais participou de obras primas do cinema ao longo da história. Nesse quesito ele realmente foi único. Nada mal para alguém que se dizia ser apenas um homem comum, com bons sentimentos.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 22 de fevereiro de 2016

O Outro Lado de Cary Grant

Nas telas o ator Cary Grant foi um dos galãs mais famosos e queridos pelo público na era de ouro do cinema clássico americano. Seu estilo mais sofisticado, elegante, em parte fruto de suas origens britânicas, se revelou perfeito para grandes diretores da época. Ao lado de sua imagem pública também surgiu uma série de curiosidades que foram surgindo ao longo dos anos, muitas delas reveladas por biografias que foram fundo em pesquisas minuciosas, entrevistando pessoas de sua intimidade, familiares e ex-namoradas.

Um dos casos de sua vida privada que mais chamaram atenção em Hollywood foi sua amizade muito próxima com o também ator Randolph Scott, ídolo do western americano. No começo da carreira, jovens e ainda aspirantes ao estrelado, Grant e Scott, que já eram muito amigos desde os primeiros tempos na capital do cinema, resolveram morar juntos numa bela mansão na cidade. A justificativa foi que seria mais barato dividir o aluguel de uma casa entre eles. Como eram solteiros também poderiam curtir melhor sua juventude, promovendo festas e eventos com amigos da indústria cinematográfica. Até aí tudo bem. O problema é que o estúdio resolveu que seria bom para ambos participarem de uma sessão de fotos juntos em sua casa, mostrando momentos mais íntimos e privados de seu cotidiano. Seria uma forma de promover os jovens atores. O tiro porém saiu pela culatra. Algumas fotos ficaram, digamos, sugestivas demais. Assim que foram publicadas logo surgiu o boato malicioso e totalmente maldoso que na verdade Grant e Scott eram gays... e amantes!

Até hoje o boato persiste e nunca foi devidamente esclarecido. O filho de Randolph Scott publicou uma biografia do pai onde tratou do assunto. Para ele seu pai era apenas um grande amigo de Grant. Ele teria ficado muito magoado com as fofocas, mas jamais deixou de ser amigo de Grant por essa razão. Quando Cary morreu, Scott não se importou com os fuxicos e expressou toda a sua dor pela perda do colega em seu funeral. O fato é que tirando esse suposto relacionamento gay nada mais parecia justificar que eles eram mesmo homossexuais. Ambos se casaram, tiveram filhos e casos amorosos duradouros com mulheres. Mesmo assim para alguns textos e matérias na net tudo é tratado como absoluta verdade - o que é um erro ético para quem escreve. Deve-se sempre saber as versões de todas as partes envolvidas antes de se tirar conclusões apressadas.

Se a relação homossexual entre Grant e Scott até hoje é motivo de controvérsias, outros dois aspectos de sua personalidade parecem realmente ter sido confirmados pelos seus biógrafos. O primeiro é que Cary Grant era um pão duro quase obsessivo. Essa característica de sua personalidade foi confirmada por todos que viveram com o ator. Ele tinha pavor em gastar dinheiro e sua sovinice ficou conhecida. Mesmo ganhando muito dinheiro com os filmes, vivendo em belas mansões, Grant controlava cada centavo gasto em sua vida pessoal e familiar. Ele só se comprava uma meia nova ou um sapato quando os mais velhos estavam completamente imprestáveis. Vira e mexe surgia no camarim com suas meias furadas e seus sapatos surrados.

Outro problema de sua vida particular era ligado à bebida e drogas. Cary Grant foi bom de copo. Era conhecido por beber até cair nas festas do estúdio. Como a bebida era de graça o ator aproveitava ao máximo (não escrevi que ele era pão duro?). Já com drogas pesadas Grant teve uma experiência perigosa nos anos 60. Na época a LSD foi vista como uma droga experimental, que ampliava o poder da mente. Grant caiu nessa história e começou a usar LSD com regularidade, sempre com supervisão médica. O problema é que estudos posteriores provaram que era de fato um alucinógeno perigoso e assim Grant passou por maus bocados para se livrar do vício. Um pequeno deslize na biografia de um ator que também ficou bem conhecido por seu profissionalismo em todos os filmes em que trabalhou.

Pablo Aluísio.

007 Contra o Foguete da Morte (1979)

Depois do enorme sucesso de "Star Wars" lançado em 1977 todos os produtores correram atrás para explorar a nova moda de filmes de ficção, até mesmo os da franquia James Bond. O resultado é esse fraquíssimo "007 Contra o Foguete da Morte", considerado até hoje um dos piores filmes da série. Imagine colocar Bond em ambientes espaciais, em efeitos especiais completamente datados (que, apesar de serem bem ruins, chegaram a concorrer ao Oscar em Melhores Efeitos Especiais) e você entenderá do que se trata. Curiosamente parte do filme se passa em um Rio de Janeiro bem falso, com direito a uma feroz luta entre Bond e o vilão Jaws nos bondinhos do Corcovado. Mais nonsense impossível...

O filme foi dirigido pelo cineasta Lewis Gilbert que já havia trabalhado antes em "Com 007 Só Se Vive Duas Vezes" (ainda com Sean Connery) e "007 - O Espião Que Me Amava" (já com Moore). Esses foram dois bons filmes da franquia, o que me deixa ainda mais surpreso por ele ter cometido tantos erros nesse terceiro filme. O resultado foi considerado tão ruim que Gilbert foi afastado da série pela MGM. Quase Roger Moore também foi desligado da série, mas acabou sobrevivendo ao desastre, muito por causa da simples falta de opção de outros nomes adequados para estrelar a série. Assim não há outra conclusão a se chegar, nessa mistura de ficção B com James Bond realmente não deu nada certo - e acabou se tornando um dos mais constrangedores de toda a franquia. Bola fora espacial.

007 Contra o Foguete da Morte (Moonraker, Estados Unidos, Inglaterra, 1979) Direção: Lewis Gilbert / Roteiro: Christopher Wood / Elenco: Roger Moore, Lois Chiles, Michael Lonsdale / Sinopse: Com o mundo em perigo o agente James Bond (Roger Moore) é designado para descobrir uma extensa rede de uso de armas espaciais. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais.

Pablo Aluísio.

Carol

Ao ir até uma loja de departamentos para comprar uma boneca para sua filha, a bela e elegante Carol (Cate Blanchett) acaba se encantando com a vendedora de brinquedos Therese Belivet (Rooney Mara). Quando vai embora deixa suas luvas sob o balcão. No dia seguinte Therese as envia para Carol que lhe retorna agradecendo por telefone. Aos poucos o que parecia ser apenas um flerte casual ganha contornos mais sérios quando Carol convida Therese para almoçar fora. Elas estão inegavelmente atraídas uma pela outra, mas há vários problemas nesse relacionamento, entre eles o fato de Carol ser casada e estar enfrentando uma série crise em seu casamento, o que ocasionará um divórcio complicado e doloroso com seu marido. Em disputa, a guarda de pequenina filha de Carol. Oscar Wilde costumava dizer que o amor homossexual era o amor que não ousava dizer seu nome. Pensei exatamente nessa frase durante o transcorrer de todo o filme. As duas protagonistas parecem saber desde o começo que há algo maior e mais profundo entre elas, mas nenhuma parece disposta a cruzar a linha que as mantém separadas. Em determinado momento, ao telefone, Carol (Blanchett) implora para que Belivet (Mara) diga o que está pensando ou sentindo, mas ela recua. Realmente é um tipo de amor que não pode muitas vezes se revelar, dizer o seu nome. 

"Carol" é um filme de momentos. Se você prestar bem a atenção perceberá que o roteiro nem está muito preocupado em contar uma história linear, mas sim em captar o sentimento envolvido no encontro dessas duas pessoas apaixonadas que, por acaso, são duas mulheres. Esse aspecto aliás é certamente um dos grandes méritos desse texto. Ele não se torna chato ou cansativo justamente por não levantar bandeiras, por não se transformar em algo planfletário da causa gay ou qualquer outra  coisa parecida. Na realidade o mais importante é mostrar como elas se conhecem, como surge desde o começo um lapso de atração, logo no primeiro olhar, e como aos poucos vão se aproximando. Tudo é muito sutil, elegante e com classe. Por isso não existe espaço para o vulgar e nem para o grotesco. Há detalhes que fazem toda a diferença. Só para citar um, aquele momento em que as mãos finalmente se encontram sobre a mesa de um restaurante. Não é necessário palavras, apenas olhares. Toda a sutileza do roteiro se revela ali. Por essa razão também nem é tão significativo que estejamos na presença de um casal de lésbicas, afinal de contas as mesmas cenas que vamos acompanhando poderiam também se referir a um casal hétero, sem problemas. Sentimentos são sentimentos. Como eu disse, o grande valor de "Carol" vem de sua profundidade emocional, de seu jogo de pequenos momentos que vão formando algo maior. Nesse aspecto realmente não há como negar que se trata de um belo filme, feito de, como frisei, pequenos detalhes que vão revelando o despertar da paixão entre as protagonistas. Deixe-se levar e entenda que o amor não tem barreiras, limites ou fronteiras.

Carol (Carol, EUA, 2015) Direção: Todd Haynes / Roteiro: Phyllis Nagy, baseado no livro escrito por Patricia Highsmith / Elenco: Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Sarah Paulson / Sinopse: O filme mostra o relacionamento homossexual entre uma mulher casada que enfrenta problemas em seu casamento e divórcio e uma tímida e bela vendedora de uma loja de departamentos. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Cate Blanchett), Melhor Atriz Coadjuvante (Rooney Mara), Melhor Roteiro Adaptado, Fotografia, Figurino e Música original (Carter Burwell). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Atriz (Cate Blanchett), Melhor Atriz (Rooney Mara), Melhor Direção e Melhor Trilha sonora original.

Pablo Aluísio e Thaís Albuquerque.

domingo, 21 de fevereiro de 2016

Elvis Presley - Suspicious Minds / You'll Think Of Me

Nenhum single lançado por Elvis na década de 1960 foi mais importante do que esse. "Suspicious Minds / You'll Think Of Me" chegou nas lojas americanas em agosto de 1969 e pela primeira vez em sete anos Elvis retornava ao primeiro lugar da parada de singles da Billboard. Já imaginou o tamanho da crise que Elvis vinha enfrentando em sua carreira? Ele não chegava no Top 1 desde "Good Luck Charm" em 1962! Era algo espantoso! O que levou um dos maiores vendedores de discos da história a passar por tantos anos de vacas magras? A resposta é que as trilhas sonoras de Hollywood gravadas por Elvis não tinham força suficiente para competir no mercado com grupos de extremo apelo popular como os Beatles ou os Rolling Stones.

Em razão disso Elvis foi ficando para escanteio durante a maior parte dos anos 60, sendo superado sistematicamente por artistas mais jovens e mais antenados com a juventude Flower Power que existia naqueles tempos. Apenas quando Elvis finalmente resolveu deixar os filmes de lado e retomar sua carreira musical é que ele começou a ser notado novamente por toda uma nova geração de fãs. Além disso o single anterior, "In The Guetto", havia criado uma boa receptividade entre radialistas mais jovens que mal conheciam a música de Elvis. Aquela temática sobre problemas raciais trouxe de novo uma boa vontade por parte desses profissionais em relações ao cantor. Até então ele era visto apenas como um velho ídolo, que ficava cantando músicas ruins em filmes igualmente ruins de Hollywood.

A qualidade do single também ajudou muito. Em determinado momento a RCA Victor passou a entender que lançar singles com músicas de filmes não estava mais dando certo. Os singles geralmente fracassavam. Com a gravação de farto material no American Studios de Memphis a gravadora finalmente começou a contar novamente com material relevante, com qualidade suficiente para disputar a primeira posição nas paradas. "Suspicious Minds" assim veio para finalmente consolidar esses novos rumos que Elvis começava a trilhar em sua carreira. O compacto vendeu milhões de cópias e se tornou um sucesso internacional, alcançando maravilhosas vendagens na Europa inclusive. Pela primeira vez em anos o ouvinte podia ligar o rádio e ouvir uma canção de Elvis Presley fazendo sucesso novamente. A música também serviu para apresentar uma nova geração de compositores dentro da carreira do cantor, como Mark James.

Ele inclusive seria responsável por outros momentos marcantes na vida de Elvis nos anos seguintes como "Always On My Mind" "Raised On Rock" e "Moody Blue". Novas sonoridades, novas letras, enfim, renovação musical - era tudo o que andava faltando para Presley em suas estagnadas trilhas de Hollywood. James explicaria anos depois que havia criado "Suspicious Minds" inspirado em uma namorada californiana com quem tinha se relacionado meses antes. Embora ela posasse de garota moderna, meio hippie, adepta do amor livre, tinha um ciúme doentio do namorado. Um ciúme que ela definitivamente não conseguia controlar. Nada mais adequado para Elvis finalmente levantar sua cambaleante discografia novamente, a tornando comercialmente bem sucedida, algo que ele andava precisando muito naquele final de década.

Pablo Aluísio.

Nem por Cima do Meu Cadáver

As comédias românticas americanas já não são mais as mesmas. Com o esgotamento da velha fórmula os produtores andam procurando por caminhos diferentes. Algumas vezes até dá certo, em outras o desastre é certo. Veja o caso desse filme. Quando começa o espectador (principalmente se for masculino) vai franzir a testa e dizer consigo mesmo: "Meu Deus, lá vem outra comédia romântica sobre casamentos!". Isso tudo porque a primeira cena do filme é passada justamente no dia de casamento de Kate (Eva Longoria) e Henry (Paul Rudd). E então vem a grande surpresa, já que os roteiristas, como eu escrevi, estão tentando mudar um pouco o que sempre se vê nesse tipo de comédia. A personagem Kate morre, logo no dia em que iria se casar, quando um anjo de gelo (daqueles usados em decoração) cai por cima dela. E então vem a "ideia brilhante" do diretor e roteirista Jeff Lowell: transformar Kate em uma fantasma que vai a partir daí atazanar a vida sentimental daquele que seria seu futuro marido.

E é isso. O filme todo se desenvolve em cima dessa bobeirinha. Henry (Rudd) vai ver uma vidente chamada Ashley (Lake Bell) e se apaixona por ela. Enquanto isso Kate começa a aparecer para Ashley, tentando com isso assustá-la para que ela deixe seu amado em paz. No fundo a fantasminha é tão possessiva que deseja ardentemente que ele nunca mais se relacione com mais ninguém na vida. Já deu para perceber que a personagem interpretada por Eva Longoria é bem antipática. O pior é que Ashley também não se mostra nada carismática. Assim acaba sobrando para Paul Rudd tentar levar o filme em frente, mas no final tudo isso é em vão. Não há outra maneira de qualificar essa insossa comédia romântica a não ser como insossa e sem graça. As tentativas de fazer rir passam por situações grotescas como cenas de flatulência. Enfim, descarte, esqueça e deixe pra lá, a não ser que você seja um espírita masoquista.

Nem por Cima do Meu Cadáver (Over Her Dead Body, EUA, 2008) Direção: Jeff Lowell / Roteiro: Jeff Lowell / Elenco: Eva Longoria, Paul Rudd, Lake Bell / Sinopse: Jovem noiva morre bem no dia do seu casamento. Quando seu futuro marido (que continua vivo) se apaixona por uma vidente ela começa a fazer de tudo para melar o novo relacionamento. Isso continua até o dia em que ela percebe que o melhor para si e seu amado é deixar o destino seguir em frente.

Pablo Aluísio.

sábado, 20 de fevereiro de 2016

Paul McCartney - Venus and Mars

O álbum "Band on the Run" foi um dos maiores sucessos da carreira de Paul McCartney. Suceder a um disco tão bom, tanto do ponto de vista artístico como comercial, certamente não seria algo fácil. Assim chegou nas lojas o tão novo aguardado dos Wings, "Venus and Mars". Inicialmente parte da crítica torceu um pouco o nariz para o resultado final e eles tinham sua dose de razão. Embora com excelentes canções o disco soava apenas razoável. A mais simples verdade é que Paul não tinha nada muito além de um punhado de faixas soltas, algumas que tinham sido descartadas para o álbum anterior. Pois é, mesmo os gênios passam por esgotamentos de criatividade de tempos em tempos. Assim o ex-beatle resolveu entrar em estúdio para trabalhar melhor cada canção, escrevendo arranjos mais bem elaborados, unindo canções diversas em longos pout pourris. Depois voltou atrás, gravou faixas independentes e no meio de todo esse vai e vem o disco foi finalmente nascendo. As novidades não paravam por aí. Paul também trouxe mais dois novos integrantes ao Wings, o guitarrista Jimmy McCulloch e o baterista Geoff Britton. Também resolveu tomar uma decisão que surpreendeu a todos, escolhendo estúdios em New Orleans, nos Estados Unidos, para as gravações. Paul sempre havia gravado todos os seus discos anteriores em Londres. Essa mudança de rota era encarada por Paul como uma forma de aproveitar a excepcional musicalidade da cidade americana. O lugar escolhido foi o Wally Heider Studios, muito popular entre artistas de jazz.

Uma coisa é certa, essa proximidade com a música negra americana acabou gerando pelo menos um grande clássico absoluto no repertório de Paul, a maravilhosa "Listen to What the Man Said" que acabou se tornando o carro chefe do disco e o principal single de divulgação, que aliás estourou em todas as rádios americanas e europeias. Pena que fora ela nenhum outro som consegue se sobressair dentro da seleção. Como estava numa fase muito generosa, Paul abriu espaço no disco para duas composições de membros de sua banda. "Medicine Jar" de Jimmy McCulloch é um dos exemplos. Apesar de tantas novidades devo confessar que "Venus and Mars" nunca esteve entre os meus preferidos. Certamente é um disco excepcionalmente muito bem gravado, com ótimos arranjos (principalmente de guitarras, que estão em destaque e com presença forte e marcante em praticamente todas as faixas), mas a despeito de tudo isso não consegue marcar como outros trabalhos de Paul McCartney. As letras, de maneira em geral, também não são exuberantes. Ao que tudo indica Paul preferiu mesmo investir mais na instrumentalização, em belos arranjos, do que em mensagens edificantes. Assim "Venus and Mars" fica mesmo nesse meio-termo entre uma sonoridade bonita, mas nada fenomenal, e músicas bem escritas, mas fora de figurarem entre os grandes momentos do cantor e compositor.

Paul McCartney - Venus and Mars (1975)
Venus and Mars
Rock Show
Love In Song
You Gave Me The Answer
Magneto and Titanium Man
Letting Go
Venus and Mars Reprise
Spirits of Ancient Egypt
Medicine Jar
Call Me Back Again
Listen to What the Man Said
Treat Her Gently/Lonely Old People
Crossroads Theme

Pablo Aluísio.

The Beatles - Abbey Road Sessions

Há muitos anos que tenho o CD The Beatles Anthology 3, mas nunca tinha parado para ouvir com maior atenção. É praticamente um bootleg oficial do grupo. Como você bem sabe material desse tipo é muito comum em se tratando de Elvis Presley, por causa do selo FTD, mas no caso dos Beatles é bem mais raro e inacessível. Basicamente temos aqui versões cruas das sessões dos álbuns "White Album", "Let It Be" e "Abbey Road". Eu queria me concentrar de mais forma mais específica nas gravações desse último disco. "Abbey Road" é considerado uma verdadeira obra prima, o álbum final do grupo. Parece que todos eles já estavam conscientes que os Beatles iriam se separar e por essa razão capricharam bastante tanto em termos de composições como de gravação. Até mesmo as demos ou takes alternativos são extremamente ricos em termos musicais - poderiam inclusive entrar nos discos oficiais sem problemas.

Como sabemos Paul fez um grande trabalho ao colocar várias canções compondo um grande medley, um verdadeiro carrossel sonoro, no lado B do disco. Todas aquelas canções surgem no disco oficial como momentos breves, quase links entre uma música e outra. O grande legado desse Anthology 3 é justamente resgatar a individualidade dessas canções. O maior exemplo é "She Came in Through the Bathroom Window" que aqui surge na íntegra. No Abbey Road ele é uma das mais completas, mas nada que se compare com esse ensaio (praticamente perfeito) com Paul nos vocais e os demais Beatles mandando muito bem nos arranjos. É uma gravação saborosa que infelizmente nunca foi aproveitada totalmente na discografia dita oficial. No final ainda temos uma pequena canja com Paul e John trocando ideias sobre a harmonia da música. Para um fã dos Beatles é um presente e tanto.

"Mean Mr. Mustard" é outra que foi despedaçada no medley do disco. Aqui temos a oportunidade de ouvir John cantando a canção com uma levada mais blues, menos apressada do que conhecemos da versão oficial. Praticamente temos John fazendo contra voz a si mesmo, apenas ele e sua guitarra com efeitos sonoros mínimos de estúdio (até porque é uma demo caseira de Lennon). Teria muito potencial se tivesse sido mais individualizada. O interessante é que " Polythene Pam", por outro lado, parece já ter nascida e criada como uma musiquinha ligeira, rápido no gatilho, para fazer parte mesmo de um medley maior e mais complexo. Essa certamente ficou muito bem colocada no medley original pois com poucas notas e letra sucinta provavelmente não chamaria a atenção se não estivesse envolta numa nuvem sonora diversificada. Composta por John foi certamente uma das que inspiraram Paul ao tecer aquela colcha de retalhos sonora que é o B Side do Abbey Road.

Já os takes 2 e 8 de ”Octopus's Garden” deixa claro para o ouvinte que a música já estava pronta desde as primeiras tomadas. Uma das melhores interpretações de Ringo - que precisava de canções assim para dar certo como vocalista - a faixa é até hoje uma deliciosa brincadeira de trocadilhos vocais e sonoros. George Harrison também se destaca em seus econômicos, mas eficientes solos (aqui ele sola em praticamente toda a faixa). O mesmo não acontece com o take 5 de ”Maxwell's Silver Hammer”. Fica claro desde os primeiros acordes que Paul ainda não havia encontrado o ritmo certo para a canção. Ela está sem vida, quase parando, excessivamente melancólica (o que definitivamente não combinava com a proposta da música em si). A alegria tão característica da versão oficial também se mostra ausente. Era preciso melhor e muito - e Paul, gênio como sempre foi, a trabalhou no fim de semana, tudo resultando na ótima faixa do disco que até hoje impressiona pela criatividade e imaginação.

"Come Together" de John é um marco. Até hoje soa atual, como se tivesse sido gravada ontem. Nesse CD temos o primeiro take. John surge com um vocal visceral, completamente diferente da versão oficial. Seu estilo, quase desesperado, de mastigar as palavras chegou até mesmo a me lembrar da versão de "Twist and Shout" do "Please Please Me". Pena que depois na gravação definitiva John tenha deixado esse estilo de interpretação de lado. Acredito que a garganta dele não aguentou a puxada mais forte. Já em termos de arranjo achei maravilhosa a guitarra mais pesada de George nesse take. Cheia de personalidade, se destaca completamente dos demais instrumentos. Era algo que deveria ter sido levado para a versão oficial. E por fim chegamos em uma versão muito louca e alucinada de "The End" (que no disco original surge daquela forma tão singela). Aqui nada de timidez, as guitarras estão explodindo, extremamente fortes. Na versão original tudo foi amenizado. Com apenas um verso, "The End" é uma daquelas criações singelas que serviam para deixar claro como os Beatles realmente foram geniais em estúdio durante sua carreira.

Pablo Aluísio.

Mad Max (1979)

Título no Brasil: Mad Max
Título Original: Mad Max
Ano de Produção: 1979
País: Austrália
Estúdio: Roadshow Entertainment
Direção: George Miller
Roteiro: James McCausland, George Miller
Elenco: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne

Sinopse:
A visão de um futuro apocalíptico passado nos desertos da Austrália. O mundo está dominado por perigosas gangues de bandidos e foras-da-lei de todos os tipos. Para colocar um pouco de lei e ordem na região surge nas estradas desoladas o ex-policial Max Rockatansky (Mel Gibson). Vestido de couro da cabeça aos pés ele está determinado a impor novamente segurança pelas rodovias agindo como um verdadeiro policial, juiz e carrasco ao mesmo tempo. Filme premiado no Avoriaz Fantastic Film Festival na categoria de Melhor Direção (George Miller).

Comentários:
Junte um diretor australiano ousado, poucos recursos, um ator desconhecido e a vastidão do deserto localizado bem no centro da Austrália e o que você terá? Sim, um dos mais cultuados filmes de ação e ficção da história do cinema. A ideia era usar a desolação daquela região inóspita para mostrar um mundo pós-apocalíptico, após a humanidade ser praticamente quase toda destruída por guerras sem fim (que nunca são devidamente explicadas no roteiro). Nas estradas que sobraram vagam o ex-policial Mad Max e uma verdadeira fauna de psicopatas malucos e bizarros que lutam pelos bens mais preciosos naquele planeta devastado: água e combustível. Claro que a falta de recursos da produção se mostra muito nítido logo nas primeiras cenas, mas isso fica em segundo plano em razão da criatividade de George Miller. Certamente o filme trouxe seu nome para o primeiro plano e ele logo estaria dirigindo filmes em Hollywood. O mesmo aconteceu com Mel Gibson que até aquele momento só tinha aparecido em filmes australianos desconhecidos e medíocres. Depois de Max ele também foi para os Estados Unidos e lá emplacou uma carreira de grande sucesso comercial. Sendo o primeiro da franquia, esse "Mad Max" dos anos 1970 pode também ser considerado o primeiro de uma linhagem, pois filmes passados em um mundo destruído e sem esperanças se tornariam cada vez mais comuns, virando um verdadeiro subgênero de ficção. Quem diria que o louco Max iria fazer escola...

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.