terça-feira, 30 de setembro de 2014

A Tribo Misteriosa

Título no Brasil: A Tribo Misteriosa
Título Original: Daredevils of the West
Ano de Produção: 1943
País: Estados Unidos
Estúdio: Republic Pictures
Direção: John English
Roteiro: Ronald Davidson, Basil Dickey
Elenco: Allan Lane, Kay Aldridge, Eddie Acuff

Sinopse:
1880, Canyon City. June Foster (Kay Aldridge) é a proprietária de uma companhia de diligências no velho oeste. Seu plano é expandir seu negócio, abrindo um novo caminho bem no meio de terras selvagens ocupadas por uma tribo comanche hostil. Para isso dar certo ela terá que não apenas transportar seus passageiros com segurança como também superar os interesses de posseiros que desejam tomar o lugar para montar suas próprias fazendas. O conflito de interesses leva June a pedir apoio com o Capitão Duke Cameron (Allan Lane), comandante da cavalaria na região. 

Comentários:
Western interessante produzido pelo extinto estúdio Republic Pictures que foi uma das companhias cinematográficas mais importantes do surgimento do cinema americano. Fundada em 1935 realizou ao todo quase mil filmes até ter suas portas fechadas em 1959 com o melancólico "Ghost of Zorro". O curioso é que na sua primeira montagem "Daredevils of the West" originou um copião com 196 minutos, considerado excessivo pelos produtores do estúdio. Não haveria como tornar um filme tão longo bem sucedido comercialmente. A solução encontrada pela Republic foi então transformar a estória em uma série de matinê, com 12 episódios (que infelizmente estão perdidos atualmente). O que sobreviveu ao tempo foi justamente essa versão completa do diretor John English. A fita é estrelada pelo ator Allan Lane (não vá confundir com Alan Ladd de "Os Brutos Também Amam" de 1953) e Kay Aldridge, bonita starlet, modelo de sucesso nos anos 1930 que se casaria pouco tempo  depois, abandonando sua carreira de atriz apenas dois anos após a realização desse faroeste, se despedindo com o cult "Fantasma da Rua 42" de Albert Herman.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Agente da Estação

Título no Brasil: O Agente da Estação
Título Original: The Station Agent
Ano de Produção: 2003
País: Estados Unidos
Estúdio: SenArt Films, Next Wednesday Productions
Direção: Thomas McCarthy
Roteiro: Thomas McCarthy
Elenco: Peter Dinklage, Patricia Clarkson, Bobby Cannavale

Sinopse:
O filme acompanha a vida do pequeno e frágil Finbar McBride (Peter Dinklage). Quando seu único amigo verdadeiro morre, ele resolve se mudar para a zona rural de New Jersey, exercendo um emprego que o deixa bastante isolado das demais pessoas. Sua rotina porém irá mudar quando conhece uma mulher que está passando por uma grave crise pessoal. Filme vencedor do BAFTA Film Award na categoria de Melhor Roteiro Original.

Comentários:
Pequeno e brilhante filme independente americano. Muitas pessoas só conhecem o ator Peter Dinklage por causa de seu personagem Tyrion Lannister na série de grande sucesso "Game of Thrones". Pois bem, saibam que ele já brilhava muito antes, em uma carreira mais do que interessante dentro do circuito mais alternativo. Um exemplo perfeito é justamente essa produção "The Station Agent", que infelizmente, apesar dos artigos elogiosos em seu lançamento, passou despercebida de muita gente boa. O filme tem um lirismo mesclado com melancolia que conquista o espectador já nos primeiros minutos. O personagem de Peter Dinklage, chamado Finbar McBride, leva uma vida que para muitos seria banal e depressiva demais, muitas vezes imerso em profunda solidão. Mesmo assim lá está ele, todos os dias, cumprindo sua jornada e por mero acaso  encontrando pessoas das mais diversas, algumas inclusive bem bizarras. É um retrato muito honesto de uma América que poucos procuram conhecer. O grande trunfo é justamente trazer para a tela o cotidiano das pessoas comuns e seus pequenos dramas pessoais. Nisso o filme certamente se revela como uma bela peça de arte.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Sinédoque, Nova York

Título no Brasil: Sinédoque, Nova York
Título Original: Synecdoche, New York
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures Classics
Direção: Charlie Kaufman
Roteiro: Charlie Kaufman
Elenco: Philip Seymour Hoffman, Samantha Morton, Michelle Williams

Sinopse:
Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman) é um diretor teatral de Nova Iorque que começa a trabalhar em uma peça nova, que ele pretende ser a mais inovadora de sua carreira. O problema é que sua vida pessoal vive um período completamente caótico e não demora para que Caden comece a misturar aspectos de sua existência real com o texto de sua nova encenação. Filme indicado à Palma de Ouro em Cannes.

Comentários:
Passa longe de ser um filme de fácil assimilação. Na verdade é o extremo oposto disso. Isso porém não é complicado de entender pois basta ver o nome do cineasta Charlie Kaufman nos créditos para antecipar o que virá pela frente. Esqueça coisas como roteiro linear, enredo objetivo, com sentido e foco racional nos atos dos principais personagens. "Synecdoche, New York" passa bem à margem de tudo isso. Se fosse definir tudo diria que é uma obra sensorial e não racional, que foge dos padrões e convenções do cinemão mais comercial americano. É um cult moderno, um festival de momentos, que nem sempre se conectam entre si. Para maravilha do cinéfilo em busca de algo inovador, o elenco é liderado pelo fantástico Philip Seymour Hoffman em uma de suas atuações mais corajosas e viscerais, algo mesmo monstruoso em todos os sentidos. Ele se entrega completamente ao seu papel e mostra no final das contas porque foi de fato um dos mais talentosos atores da história do teatro e do cinema. Uma cereja de bolo recomendado apenas para pessoas inteligentes e em busca de algo diferente na sétima arte.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - Os Anos Finais - Parte 21

Las Vegas. Anos 1970. Suíte privativa do cantor Elvis Presley no Hilton. 15:45 hs da tarde. Temperatura interna do ambiente: 9º C (ar condicionado funcionando à toda). Escuridão completa, nenhuma luz. Silenciosamente a porta do frio e escuro quarto é aberta lentamente, com o máximo de cuidado para não provocar nenhum ruído mais forte. Após essa excessiva cautela, para não interromper de forma abrupta o sono do Rei do Rock, duas pessoas adentram o ambiente. O primeiro é um dos muitos assistentes pessoais de Elvis, Red West, que imediatamente se dirige à janela e abre uma pequena aresta para deixar entrar um mínimo de raio de sol natural no ambiente altamente artificial em que Elvis passa seus dias. O cantor abre lentamente um dos olhos e nota a presença de seus valetes reais. Ele está péssimo, olhos vermelhos, cabelo despenteado, totalmente desnorteado, sem a menor disposição de se levantar de seu leito e encarar mais uma noite de trabalho. O astro levará pelo menos de 30 a 45 minutos para conseguir acordar totalmente. Um procedimento longo, penoso e nada agradável para ele. A segunda pessoa a entrar no quarto, seu médico particular, senta-se ao lado da cama de Elvis e logo abre sua pequena maleta, dando início ao longo processo de verdadeiro renascimento do artista. Elvis não consegue mais viver sem o total acompanhamento e assistência de seus homens.

O simples ato de ir dormir ou acordar acaba virando uma operação de guerra, um verdadeiro esforço coletivo envolvendo várias pessoas de sua entourage privada, cada uma com uma função determinada e precisa. Elvis havia ido dormir na noite anterior às quatro horas da manhã. Assim como seu despertar, o simples ato de ir dormir denotava uma verdadeira organização de assistentes e médicos cujo único objetivo era proporcionar uma noite tranqüila de sono ao cantor. E tudo se repetia depois para acordá-lo na tarde do dia seguinte e retirá-lo do coquetel químico a que havia sido exposto na noite anterior. O processo de fazer Elvis dormir e se levantar se constituía de três etapas básicas, que ele próprio acabou apelidando de “ataques”. Era uma ironia, mas tinha sua dose de verdade, pois era nisso mesmo que se constituía, um verdadeiro “ataque” ao seu deteriorado organismo, pois ele era literalmente “nocauteado” para finalmente conseguir pregar os olhos e chegar ao próximo dia descansado e com uma boa noite de sono. Os ataques eram feitos por cinco a oito de seus assistentes e um médico. Uma verdadeira equipe que ficava de plantão ao lado de seu quarto, para em horas pré-determinadas entrar em ação.

Antes do primeiro ataque, Elvis vestia seu pijama preferido, de náilon azul com suas iniciais escritas na parte da frente, logo acima de seu bolso frontal. Então ele se virava para seu assistente e dizia: “Me dá o primeiro ataque!”. Sentado na beira da cama, seu assistente lhe entregava um envelope amarelo com onze, isso mesmo, onze pílulas e um copo de água que Elvis logo colocava ao seu lado, acima do criado mudo. Elvis então enchia a mão com todas essas pílulas coloridas e tentava engolir todas de uma só vez, coisa que lhe divertia bastante, e que achava o maior barato. Então seu assistente pessoal lhe dava a água e assim Elvis finalmente se deitava. Nesse momento a função desse primeiro cara da Máfia de Memphis (geralmente Red ou Sonny West) estava concluída e ele se retirava do quarto. Agora era a vez de seu médico particular entrar em serviço para lhe aplicar três injeções de Demerol, em ambos os lados de sua espinha, logo abaixo das omoplatas. Lentamente as injeções eram aplicadas, com Elvis deitado de costas em sua cama e com o pijama levantado.

Geralmente o Dr Nick fazia esse trabalho, mas também poderia ser qualquer outro médico da longa lista de doutores assalariados de Elvis. O Médico então conferia se as dosagens de pílulas para Elvis estavam corretas e começava a preparar um novo envelope amarelo para o segundo “ataque”. Nesse cardápio químico que Elvis tomava diariamente havia muitos barbitúricos: Amytal, Carbital e Seconal. Todos causadores de forte dependência e cujos efeitos são facilmente tolerados pelo organismo, o que os leva a perderem o efeito, sendo necessário então o aumento de dose para garantir a mesma eficácia. No segundo envelope ainda havia duas drogas extremamente perigosas: Placidyl e Quaalude. Para finalizar o ataque, Valium e Valmid. Em ocasiões mais aflitivas o Dr Nick ainda acrescentava doses extras de Demerol, usada muitas vezes como substituta da morfina e causadora de forte dependência.

Erick Steve.

Elvis Presley - Os Anos Finais - Parte 20

Priscilla Presley resumiu toda a situação em seu livro “Elvis e Eu”. Na sua autobiografia ela escreveu: “Por volta de 1976 todos estavam alarmados com seu estado mental, além da aparência física. O rosto estava inchado, o corpo anormalmente pesado. Quanto mais as pessoas tentavam lhe falar a respeito, mais ele insistia que estava tudo bem. O Coronel estava preocupado até mesmo com as ações de Elvis no palco. Elvis começava a esquecer as letras e a recorrer às partituras. Comportava-se de maneira imprevista, ignorando a audiência e se apresentando apenas para a banda. Alguns shows foram cancelados e ninguém podia prever se ele apareceria ou não no palco! A classe, o charme e o orgulho que durante os últimos anos havia caracterizado as apresentações ao vivo de Elvis Presley beiravam agora à paródia.

Frustrado pela falta de desafios a cada show que passava, Elvis passou a recorrer à pura exuberância, simbolizada por seus trajes, cada um mais requintado do que o anterior, com uma abundância de pedras falsas, tachas e franjas. Havia capas enormes e cintos incômodos. Ele se apresentava com trajes que acrescentavam quinze quilos a seu peso. Era como se estivesse determinado a conquistar a audiência apenas por sua aparência, em vez de confiar apenas em seu talento! Houve ocasiões, durante o último ano, em que ele foi criticado pela maneira como se relacionava com o publico. Algumas pessoas comentaram que ele gracejava demais com os músicos e não terminava as canções. Um dos rapazes (da máfia de Memphis) disse a Elvis que ele estava se parecendo cada vez mais com Liberace. Sua esperança era de que Elvis compreendesse a insinuação e recuperasse o bom senso, passando a se confiar apenas em seu talento! Mas Elvis insistira desde o início afirmando: 'Só quero ler as críticas positivas. Não quero tomar conhecimento de qualquer comentário negativo!'.

Como adolescente ele fora resguardado das críticas negativas por Gladys. Quando fazia seus álbuns ela só colava os recortes favoráveis. Se não tivesse sido tão protegido, Elvis poderia ter tido uma perspectiva melhor de sua carreira. Pelo menos estaria a par de tudo o que se dizia a seu respeito e talvez usasse alguns comentários de maneira construtiva!”. Elvis realmente preferia fugir das críticas negativas mas Tom Parker fazia questão de ler tudo! E ele estava preocupado com o que estava sendo escrito, tanto que resolveu levar Elvis para longe das grandes cidades, levando o cantor para localidades menores, de preferência no sul do país onde ele tinha sua legião de fãs mais fiéis. Isso não significaria que Elvis deixaria de se apresentar nos grandes centros, nada disso, mas em menor escala do que antes. Nas grandes cidades Elvis era selvagemente atacado pela imprensa após seus concertos. Os críticos não o poupavam e cada mínimo deslize seu virava manchete de jornal no dia seguinte! Para Tom Parker era importante se retirar desses locais até Elvis se recuperar, era necessário preservar sua já tão abalada imagem de desgastes desnecessários. Porém o empresário do cantor percebeu logo que apenas essa estratégia não bastava.

O Coronel Parker viu que era hora de agir, de ter uma conversa franca, de homem para homem, com Elvis! Ele tinha decidido que iria enfrentar o cantor em toda essa situação. Iria falar francamente com ele, expor todos os problemas. Não seria uma tarefa fácil pois Elvis, como bem resumiu Lamar Fike, era "dessa classe de pessoas que não gostam de se defrontar com a realidade. Elvis sempre confiava que desconhecendo os problemas, estes desapareciam!" Mas não desapareceram, pelo contrário, eles aumentaram. Numa noite David Stanley, filho de Dee, a madrasta de Elvis, resolveu perguntar diretamente a ele porque tomava tantos remédios, porque se submetia a uma rotina tão mortificante, tão sinistra e perigosa? Elvis ficou surpreso com a sinceridade de David e resolveu também lhe ser o mais sincero possível. Dar o troco na mesma moeda! Elvis tirou seus óculos lentamente, o encarou e foi de uma sinceridade atroz: "David..." - disse em tom melancólico - "...Prefiro estar inconsciente do que desgraçado!..." O silêncio que se seguiu a essa frase foi absoluto! Não havia mais dúvidas... A tempestade estava próxima...

Erick Steve.

Irma la Douce

Título no Brasil: Irma la Douce
Título Original: Irma la Douce
Ano de Produção: 1963
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: Billy Wilder
Roteiro: Billy Wilder, Alexandre Breffort
Elenco: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Lou Jacobi, Bruce Yarnell 

Sinopse:
Irma La Douce (Shirley MacLaine) é uma prostituta das ruas de Paris que acaba tendo sua vida mudada com a chegada de um novo policial no local onde "trabalha". Nestor Patou (Jack Lemmon) é um novato na corporação que segue a lei ao pé da letra. Quando percebe que há um batalhão de mulheres nas ruas esperando seus clientes, decide prender todas elas, causando um verdadeiro rebuliço em seu departamento de polícia. A partir daí, contra todas as previsões, acaba se apaixonando justamente por Irma, que não está disposta a mudar a forma como leva sua "profissão". Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz Coadjuvante (Shirley MacLaine) e Melhor Fotografia (Joseph LaShelle) e vencedor na categoria de Melhor Canção Original (André Previn). Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz - Comédia ou Musical (Shirley MacLaine).

Comentários:
O diretor Billy Wilder conseguiu aqui nesse filme algo bem raro de se alcançar no mundo do cinema. Baseado na peça escrita originalmente por Alexandre Breffort, Wilder conseguiu realizar um filme leve, divertido, em cima de um tema que a priori deveria ser tratado como algo realmente barra pesada. Imagine contar a estória de uma prostituta de rua em Paris, explorada por cafetões violentos, que acaba se apaixonando por um policial e mesmo assim transformar tudo em uma obra com muito bom humor e leveza. Certamente não é algo fácil de se realizar. Há estereótipos nesse roteiro que deixariam as feministas de hoje em dia com os cabelos em pé. A personagem Irma La Douce interpretada por Shirley MacLaine é um exemplo. Assim que se liberta das garras de um cafetão que lhe agride sempre que possível, resolve, com muito orgulho, sustentar um novo namorado (justamente o ex-policial vivido por Jack Lemmon). Ela tem grande prazer em lhe comprar coisas caras, mesmo que seja desesperadamente pobre e more em um cortiço. Nos tempos politicamente corretos em que vivemos, haveria muita má vontade se "Irma la Douce" chegasse hoje em dia aos cinemas. Deixando isso um pouco de lado temos que tecer vários elogios para o elenco. Shirley MacLaine ainda estava em seu auge, tanto em termos de simpatia como de beleza. Ela imprime um certo exagero em sua caracterização (que acaba sendo bem-vindo) pois sua personagem prostituta está sempre fumando e agindo com uma certa vulgaridade, embora seja no fundo apenas uma mulher que tente levar a vida adiante naquela situação. Ela engana propositalmente seus clientes contando estórias inventadas de um passado de dramas, apenas para ganhar mais alguns trocados no final de seus programas. Vestindo um figurino quase sempre verde, acaba trazendo para sua personagem uma imagem que depois será complicada de esquecer, de tão marcante. Já Jack Lemmon dá vida ao policial Nestor Patou, um sujeito simplório e até ingênuo, que acredita que deve aplicar a lei, mesmo que ela esteja em desuso e seja considerada inconveniente, como no caso das prisões de prostitutas de rua. Aliando o talento da dupla central com a fina ironia de Billy Wilder temos de fato uma obra bem divertida, com ótimos momentos, apesar de seu tema complicado.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 28 de setembro de 2014

Challenger

Em 28 de Janeiro de 1986 o ônibus espacial Challenger explodiu poucos minutos após decolar para mais uma missão. O desastre foi transmitido ao vivo para todo mundo e causou grande comoção popular, principalmente pela morte dos seis astronautas a bordo, entre eles uma professora primária  que estava no projeto como uma forma de integrar os projetos da NASA ao sistema educacional do país. Assim que o ônibus ficou em pedaços a administração do presidente Ronald Reagan iniciou uma investigação sobre as causas do acidente. Um comitê foi formado, contando com especialistas, militares e burocratas. Como opinião independente foi contactado o prêmio Nobel de física, Richard Feynman (William Hurt), provavelmente o único grande cientista do grupo. Para seu desapontamento logo que as investigações começam ele percebe que há uma clara tentativa de jogar uma cortina de fumaça em cima dos fatos reais. Um jogo de bastidores envolvendo grupos e indústrias com contratos milionários com o governo americano. O presidente da comissão (interpretado pelo sempre bom ator Brian Dennehy), parece caminhar em círculos sem real intenção de descobrir o que de fato teria acontecido, até porque a verdade certamente iria ao encontro de interesses poderosos em Washington.

Bom filme, valorizado pelo enredo mais do que interessante. Baseado em fatos reais mostra bem o choque que nasce quando a ciência ousa decifrar verdades que vão contra os interesses políticos e financeiros de pessoas poderosas. Curiosamente nos mostra uma realidade que nós, brasileiros, pensamos só existir em nosso país - sempre assolado por casos de corrupção nas altas esferas governamentais. Na investigação da explosão da Challenger também surgiu muita lama e tentativas de acobertamento sobre os reais motivos da grande tragédia. O personagem de William Hurt, um professor e cientista renomado, busca a verdade sem saber que nem sempre ela é bem vinda em certos meios. A produção é muito boa, mas não espere por nada muito empolgante. A intenção desse filme foi mesmo desvendar as sujeiras que aconteceram durante as investigações do acidente, tudo mostrado com riqueza de detalhes. Assim o espectador terá em mãos uma bela amostra do que realmente aconteceu nos bastidores, mostrando que a velha fama da NASA em ser uma agência impecável e extremamente eficiente do ponto de vista científico muitas vezes não passa de puro marketing.

Challenger (The Challenger, Estados Unidos, Inglaterra, 2013) Direção: James Hawes / Roteiro: Kate Gartside / Elenco: William Hurt, Joanne Whalley, Bruce Greenwood / Sinopse: O filme narra em detalhes tudo o que aconteceu durante as investigações da explosão do ônibus espacial Challenger, que matou seis astronautas. O professor Richard Feynman (William Hurt), membro do comitê de investigação, anseia pela verdade, mas interesses poderosos tentam camuflar o que de fato aconteceu. Filme vencedor do prêmio da Royal Television Society.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Marca do Medo

O professor Joseph Coupland (Jared Harris), da prestigiado universidade de Oxford, resolve reunir um grupo de pesquisas para estudar fenômenos paranormais. Seu foco se concentra numa jovem garota, com um vasto histórico de internações em instituições psiquiátricas. Abandonada e órfã, ela desenvolveu desde muito cedo em sua vida estranhos poderes telecinéticos. A jovem afirma existir uma entidade espiritual chamada Evey, mas para o renomado pesquisador tudo não passaria de uma forma de exteriorizar aspectos e poderes psíquicos de sua própria mente. O cientista rejeita explicações religiosas ou baseadas no ocultismo. O que ele pretende mesmo realizar com suas experiências é provar que tudo pode ser explicado apenas do ponto de vista científico. Assim ele resolve isolar a jovem em uma antiga casa nos arredores de Londres. Leva seu grupo de pesquisa e começam a colher dados sobre seu comportamento e suas capacidades fora do comum. O que começa de forma racional e controlada porém logo perde o controle, se transformando em um verdadeiro caos, com eventos inexplicáveis e situações completamente fora do comum, o que leva o cientista a entrar em desespero, negando inclusive suas explicações baseadas apenas na observação puramente científica.

Assim começa esse novo terror chamado "A Marca do Medo". Como o próprio roteiro informa no começo da exibição tudo se baseia em uma história real acontecida no ano de 1974. Foi uma tentativa de se explicar coisas como fantasmas e manifestações paranormais de uma forma puramente racional e com base em eventos naturais. O curioso é que o diretor desse filme realizou uma obra bem sólida, que pouca margem dá para sensacionalismos ou cenas de maior impacto. Ao contrário disso tentou reproduzir literalmente o que teria supostamente acontecido na história original. O resultado não é magistral, mas consegue certamente manter o interesse. A jovem atriz Olivia Cooke  que interpreta a personagem Jane Harper, que supostamente estaria possuída por uma entidade do mal, ora surge como uma garota que deseja ser acima de tudo normal, ora como uma figura sinistra e de complicada compreensão. Some-se a isso o fato do filme utilizar de cenários escuros e sombrios de um velho casarão e você terá um bom clima para filmes de terror em geral. Não chega a ser repleto de sustos, até porque não é um enredo meramente ficcional, mas por outro lado privilegia mesmo o suspense, a tensão e a ansiedade com os rumos que a história vai tomando. Embora o final seja um pouco rendido aos clichês mais conhecidos, a fita se mantém como boa opção para os fãs de terror em geral. Não é bobo, nem violento em demasia e privilegia uma boa história de fantasma. E o fato de tudo ser passado na Inglaterra só ajuda ainda mais pois de aparições sobrenaturais em velhas casas os ingleses sabem tudo.

A Marca do Medo (The Quiet Ones, Estados Unidos, Inglaterra, 2014) Direção: John Pogue / Roteiro: Craig Rosenberg, Oren Moverman / Elenco: Jared Harris, Sam Claflin, Olivia Cooke / Sinopse: Professor da universidade de Oxford começa a realizar uma série de experiências com uma jovem que manifesta estranhos poderes paranormais. Para o professor tudo poderia ser explicado de um ponto de vista puramente científico. O que ele não sabia é que a ciência nem sempre pode explicar tudo o que acontece em nosso mundo.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sábado, 27 de setembro de 2014

Farrapo Humano

Título no Brasil: Farrapo Humano
Título Original: The Lost Weekend
Ano de Produção: 1945
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Billy Wilder
Roteiro: Charles R. Jackson, Charles Brackett
Elenco: Ray Milland, Jane Wyman, Phillip Terry

Sinopse:
Don Birnam (Ray Milland) é um escritor fracassado que afoga suas mágoas na bebida. Sustentado pelo irmão e vivendo de bar em bar, ele tenta de alguma forma superar seu sério problema de alcoolismo. As coisas parecem tomar um rumo melhor quando conhece a doce e meiga Helen St. James (Jane Wyman) que está disposta a lutar ao seu lado contra o vício da bebida. Filme premiado com o Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Ator (Ray Milland), Melhor Direção (Billy Wilder) e Melhor Roteiro. Indicado também nas categorias de Melhor Edição, Melhor Fotografia e Melhor Música (Miklós Rózsa). Vencedor do Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Ator (Milland) e Melhor Direção. 

Comentários:
Considerado um dos melhores dramas do cinema americano de todos os tempos. O roteiro explora os problemas pessoais que atingem um escritor afundado no alcoolismo. O personagem de Ray Milland não consegue trabalhar, avançar na vida, ficando focado apenas no próximo drink. Isso o faz bolar todo tipo de artimanha para esconder garrafas pela casa, as escondendo na janela, penduradas no lustre do teto ou dentro de encanamentos. Para continuar seu vício ele engana justamente as pessoas que lhe ajudam, como seu irmão e sua namorada, uma jovem de boa família que resolve encarar a batalha por sua liberdade da bebida, algo que não será nada fácil, pois Birnam chega ao ponto até mesmo de penhorar sua máquina de escrever apenas para garantir mais um dia de bebedeiras pela cidade. Depois vai decaindo ainda mais, chegando ao ponto mais baixo de sua existência ao roubar a bolsa de uma mulher em um restaurante, já que não havia mais como pagar pela bebida consumida. Billy Wilder também explora de forma brilhante a própria mente de seu personagem principal. Em um dos momentos mais inspirados coloca Don Birnam em uma ópera que para seu desespero completo está repleta de cenas onde os atores bebem, servem drinks e cantam levantando seus copos! Essa cena é uma das melhores do filme, mesclando o drama pessoal de Don com uma pitada de tragicomédia, que era uma especialidade do gênio Wilder. Em suma, "Farrapo Humano" ainda é uma referência na sétima arte, uma obra brilhante que nunca envelhece. Mais do que indicado para cinéfilo de renome.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 25 de setembro de 2014

Carrie, a Estranha

Carrie White (Chloë Grace Moretz) é uma jovem e tímida estudante que apenas quer levar uma vida normal como todas as outras garotas de sua idade. Sua vida porém passa longe da normalidade. Sua mãe caiu nas garras do fanatismo religioso, considerando tudo e a todos como seres pecadores e diabólicos. Por essa razão deu à sua filha uma educação extremamente rígida, onde tudo se revela como motivo para punição e penitência. Na escola o clima não é melhor para Carrie. Calada e retraída, ela logo vira alvo do bullying de suas colegas. As coisas pioram ainda mais quando acaba menstruando no chuveiro, pensando estar sofrendo de algum mal de saúde (por causa de sua educação religiosa fora dos limites nada lhe foi dito sobre sua própria sexualidade ao longo dos anos). Filmada em seu momento de pânico e choro no banheiro da escola é logo colocada na internet para que todos possam se divertir às suas custas. No meio de tantas turbulências Carrie acaba descobrindo que possui estranhos poderes, como mover objetos inanimados pelo seu quarto. Apesar da descoberta incrível resolve esconder isso das pessoas ao seu redor. A salvação para Carrie porém poderá finalmente vir no baile de formatura da escola, ainda mais depois de ser convidada por um aluno bonitão de sua classe. Talvez as boas notícias escondam algo ainda mais sinistro para ela. Afinal de contas a felicidade não parece ser um estado de normalidade na complicada vida de Carrie, considerada estranha demais pelos outros alunos de sua idade.

Remakes são sempre complicados e remakes de filmes já consagrados pelo público e pela crítica são ainda mais difíceis de engolir. O fato inegável é que o famoso livro de Stephen King já encontrou sua versão cinematográfica definitiva. Obviamente estou me referindo ao filme com Sissy Spacek, que foi dirigido brilhantemente por Brian De Palma em 1976. Uma obra prima do terror. Infelizmente há um certo preconceito entre os jovens com filmes antigos e somando-se a isso a falta de criatividade dos produtores e a busca pelo lucro fácil podemos entender perfeitamente porque esse novo Carrie foi realizado. A despeito da tecnologia ter evoluído muito mais nos dias atuais, não consegui visualizar nada que justificasse a realização de uma nova versão para o cinema da obra de King. Não há no novo filme nada de muito interessante ou inovador se formos comparar com o clássico dos anos 70. O roteiro se mostra até bem mais simples, sem maior desenvolvimento dos personagens principais. Embora de maneira em geral goste do trabalho da atriz Chloë Grace Moretz achei que sua atuação não encontrou o tom certo. Está muito exagerada em certos momentos, quase caindo na mais pura caricatura. Sempre com olhar assustado (para não dizer apavorado), ombros caídos e timidez extremamente patológica. O mesmo pode-se dizer da talentosa Julianne Moore, que com olhos arregalados e cara de maluca, interpreta a mãe fanática religiosa de Carrie. Sinceramente falando as duas atrizes parecem competir entre si para saber quem será mais excessiva em suas caracterizações. Os efeitos digitais também não empolgam muito (e a cena final na lápide me deu vontade de rir de tão desnecessária e boboca). Aliás se fosse definir o novo Carrie em apenas uma palavra seria justamente essa: desnecessária! A nova versão não precisava mesmo existir.

Carrie, a Estranha (Carrie, EUA, 2013) Direção: Kimberly Peirce / Roteiro: Lawrence D. Cohen, Roberto Aguirre-Sacasa, baseados na obra de Stephen King / Elenco: Chloë Grace Moretz, Julianne Moore, Gabriella Wilde / Sinopse: Carrie (Grace) é um jovem estudante muito tímida e oprimida que descobre ter poderes sensorias fantásticos. Vítima de bullying em sua escola ela decide em um momento de desespero, se vingar de todos que a humilham publicamente. Filme indicado ao prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria Melhor Filme de Terror. Vencedor do prêmio de Melhor Atriz Jovem (Chloë Grace Moretz).

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Arco do Triunfo

Título no Brasil: Arco do Triunfo
Título Original: Arch of Triumph
Ano de Produção: 1948
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Lewis Milestone
Roteiro: Lewis Milestone, Harry Brown
Elenco: Ingrid Bergman, Charles Boyer, Charles Laughton

Sinopse:
No inverno de 1938, Paris está cheia de refugiados do nazismo, que vivem nas sombras negras da noite, tentando fugir da deportação do governo local. Entre eles se encontra o Dr. Ravic (Charles Boyer), que apesar de não ter licença para clinicar na França, o faz de forma clandestina, tudo para ajudar pessoas em sua situação. Por mero acaso acaba encontrando com Joan Madou (Ingrid Bergman), uma mulher que mudará os rumos de sua vida.

Comentários:
Baseado no romance de mesmo nome de Erich Maria Remarque, publicado em 1945, o filme "Arch of Triumph" tenta capturar parte do drama dos refugiados de guerra. Como se sabe muitos intelectuais, cientistas e políticos alemães não tiveram outra saída a não ser abandonar a Alemanha quando Hitler assumiu o poder absoluto em seu país. Esse enorme grupo de pessoas acabou sendo perseguido pelos serviços de inteligência alemão, onde quer que eles estivessem, até mesmo em países estrangeiros. O pior é que a França acabou também sendo ocupada por tropas nazistas, levando ao desespero parte desses imigrantes. Dirigido pelo prestigiado cineasta Lewis Milestone, o mesmo de grandes clássicos como, por exemplo, Sem Novidade no Front (1930), O Grande Motim (1962) e O Tempo Não Apaga (1946), o filme tem uma das melhores recriações do período da ocupação alemã na França. Roteiro bem escrito e elenco maravilhoso, liderado pela estrela Ingrid Bergman e pelos veteranos Charles Boyer e Charles Laughton, completam o quadro de uma bela obra da sétima arte em seu período clássico. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

A Vida em Motéis

Depois da morte da mãe, os irmãos Flannigans ganham o mundo. Apesar de serem bem jovens, eles resolvem ir embora com medo de irem parar em algum orfanato. Para isso resolvem pular em um trem em movimento, como fazem os andarilhos americanos. No momento em que Jerry Lee (Stephen Dorff) tenta subir no vagão porém ele cai e acaba perdendo sua perna, esmagada nos trilhos. Os anos passam e os irmãos sentem como é duro ganhar a vida como eles, sem ninguém que os ajude. Vivendo de empregos medíocres, indo de motel barato em motel barato nas beiras de estrada, eles tentam levar a vida em frente, mas isso definitivamente não é fácil, muito pelo contrário, os caminhos tortuosos são muitos e uma noite, após atropelar por acidente um garoto numa noite de nevada, Jerry decide que sua hora chegou. Engatilha sua arma e... será que terminará sua vida de forma tão cruel e melancólica? A única coisa que parece lhe prender nessa vida cheia de dramas e dificuldades é mesmo a presença sempre constante de seu irmão, Frank Lee (Emile Hirsch), um jovem sonhador, que sempre lhe conta incríveis estórias envolvendo muita imaginação, em uma verdadeira fuga da dura realidade da vida. Para Frank o maior desafio é mesmo esquecer Annie James (Dakota Fanning), a problemática filha de um prostituta que ele ainda parece amar.

Gostei bastante desse pequeno, mas muito humano "The Motel Life". O roteiro é realmente muito bem escrito, mostrando a vida de dois irmãos abandonados à própria sorte. Pobres e sem destino, eles vão tentando sobreviver um dia de cada vez. Frank Lee tem uma imaginação e tanto e Jerry Lee tem bastante talento com desenhos. Essa característica dos irmãos abre margem à excelentes animações que vão se sucedendo ao longo da estória. Enquanto Frank vai contando os enredos, Jerry os imagina em seu traço de desenho. Há um constante clima de melancolia e tristeza que vai acompanhando os personagens em suas andanças rumo a lugar nenhum. Em termos gerais é um filme triste, sobre pessoas que estão à margem da sociedade, sem esperanças e sem perspectivas maiores de um dia melhorar de vida. Mesmo assim vale muito a pena. A dupla central de atores é ótima. Há muito tempo que Emile Hirsch se destaca na ala mais jovem de Hollywood, estrelando filmes ótimos como, por exemplo, "Na Natureza Selvagem". Seu papel aqui é muito emocional pois ele ama uma garota tão problemática quanto ele mesmo. Já Stephen Dorff é outra grata surpresa. Quem não se lembra de sua marcante interpretação do "quinto Beatle" Stuart Sutcliffe em "Backbeat - Os 5 Rapazes de Liverpool"? Pois é, depois de alguns anos meio sumido ele volta finalmente a um bom personagem nessa bela fita, onde tem alguns dos melhores diálogos do roteiro para declamar. Assim deixo a preciosa dica desse filme que certamente vai agradar a um tipo de público mais sensível e sentimental.

A Vida em Motéis (The Motel Life, EUA, 2012) Direção: Alan Polsky, Gabe Polsky / Roteiro: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster / Elenco: Emile Hirsch, Stephen Dorff, Kris Kristofferson, Dakota Fanning / Sinopse: Dois irmãos tentam viver nos Estados Unidos após a morte de sua mãe com câncer. Vivendo de pequenos empregos, morando em motéis baratos, eles tentam se agarrar a algum fio de esperança em suas sacrificadas existências. Filme indicado ao prêmio do Chicago International Film Festival.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 24 de setembro de 2014

O Rei Cowboy

Título no Brasil: O Rei Cowboy
Título Original: King Cowboy
Ano de Produção: 1928
País: Estados Unidos
Estúdio: William LeBaron Productions
Direção: Robert De Lacey
Roteiro: Stanner E.V. Taylor, Frank Howard Clark
Elenco: Tom Mix, Sally Blane, Lew Meehan 

Sinopse:
Tom Mix interpreta Tex Rogers, um cowboy contratado para levar um rebanho do Texas até o Arizona. Na longa e perigosa viagem ele terá que enfrentar terríveis ladrões de gado, tribos hostis de Apaches e a traição de seus próprios colegas de travessia, todos interessados em tomar posse do valioso carregamento bovino.

Comentários:
"King Cowboy" marcou a fase mais bem sucedida comercialmente do ator e cowboy Tom Mix. Na era do cinema mudo ele praticamente criou - ao lado de outros ícones do gênero - toda a mitologia do velho oeste, com seus heróis românticos, honestos e íntegros. Curiosamente nessa fase mais antiga do cinema americano os animais já se destacavam como atrações de bilheteria. Assim ao lado de Tom Mix brilhava Tony, chamado pelo estúdio de "O cavalo maravilha de Tom Mix". Seu nome era promovido até mesmo nos posters dos filmes, só para se ter uma ideia de seu impacto na popularidade das produções. Durante o lançamento do filme Mix e Tony viajaram por várias cidades pelos Estados Unidos fazendo apresentações promocionais ao filme. Só para se ter uma ideia a excursão começou em Los Angeles e só terminou quatro meses depois em Nova Iorque. Indo de costa a costa do país o ator acabou virando um ídolo, o mais popular e bem pago do cinema americano na época. Carismático e muito atencioso com os fãs Tom Mix virou um dos maiores símbolos do velho oeste, em um tempo onde a máquina promocional da mídia ainda engatinhava. 

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - FTD Easy Come, Easy Go

O lançamento desse título realmente me deixou surpreso. O material de "Easy Come, Easy Go" é tão inexpressivo dentro da carreira de Elvis Presley que pensei que jamais seria explorado pelo selo FTD. Bom, talvez para não deixar buracos o produtor Ernst Jorgensen resolveu então incluir essa trilha na coleção. Infelizmente como já foi escrito aqui no blog todo o projeto relacionado a "Easy Come, Easy Go" foi um fracasso de público e crítica. O filme foi mal nas bilheterias e o compacto duplo com a trilha lançada nos Estados Unidos foi quase que completamente ignorado nas lojas de discos. No Brasil foi bem pior porque a filial brasileira da RCA sequer teve interesse em lançar as canções em nosso país e elas, como não poderia deixar de ser, ficaram anos inéditas por aqui. Na época a RCA esclareceu que se o EP tinha fracassado dentro do mercado americano não havia qualquer razão para chegar nas lojas do Brasil pois o prejuízo comercial seria certeiro. Some-se a isso a enxurrada de críticas negativas lá fora em seu lançamento e você entenderá porque a RCA em nosso país desistiu dos discos de Elvis por volta de 1965. Eles não vendiam mais e como Elvis foi sendo deixado de lado o primeiro reflexo disso foi o não lançamento de seus últimos títulos americanos no Brasil. Só muitos anos depois foi que Marcelo Costa do fã clube SPEPS as incluiu em um disco 100% brasileiro chamado "Elvis by Request volume 2" no distante ano de 1981. As músicas de "Easy Come, Easy Go" ocuparam todo o lado B do antigo vinil. Foi uma forma dele, que foi grande fã de Elvis Presley no Brasil, em lançar em nosso mercado a inédita trilha sonora. Uma atitude que certamente merece todos os reconhecimentos e elogios.

Pois bem, tirando tudo isso de lado e ouvindo novamente as canções temos que admitir que esse material realmente não tem salvação. É ruim, bobinho, inofensivo e muito fora do contexto. Talvez essas musiquinhas ficassem bem em um astro juvenil ao estilo Fabian, mas Elvis Presley? Lamento dizer, mas realmente o conjunto da obra é muito medíocre. Como já tive a oportunidade de escrever antes por essa época havia um descompasso entre a produção musical de Elvis e os fãs que ainda persistiam em acompanhar sua carreira decadente. Elvis e seus produtores pareciam empenhados em apresentar material adolescente, bobo mesmo, para pessoas que já tinham passado de seus 30 anos de idade. O próprio Elvis já estava com 32 anos quando gravou essa trilha sonora boboca. Talvez o Coronel pensasse que os fãs de Elvis ficariam na adolescência para sempre, como um grupo coletivo de fãs de Peter Pan, mas a realidade do mundo natural é outra. O que era divertido aos 16 anos logo se torna idiota quando se fica mais velho. Elvis na verdade estava cantando para ninguém, já que os verdadeiros adolescentes tinham outros ídolos e seus fãs antigos dos anos 50 estavam casados, com filhos e muitas contas a pagar. Não iriam perder tempo ouvindo Elvis cantando bobagens como "Yoga Is As Yoga Does". O resultado de tudo isso não foi complicado de prever mesmo, desencadeando tudo em um enorme fracasso comercial.

FTD Easy Come, Easy Go
Easy Come, Easy Go
The Love Machine
Yoga Is As Yoga Does
You Gotta Stop
Sing You Children
I'll Take Love
She's A Machine
The Love Machine (Takes 1, 2, 3)
Sing You Children (Take 1)
 She's A Machine (Takes 5, 6, 7)
Easy Come, Easy Go (Take 10)
The Love Machine (Takes 4, 5, 11)
I'll Take Love (Takes 1, 2 A)
She's A Machine (Take 10)
Sing You Children (Takes 18, 19)
Yoga Is As Yoga Does (Takes 5, 6)
The Love Machine (Takes 13, 14)
She's A Machine (Take 13)
I'll Take Love (Take 2 B)
You Gotta Stop (instrumental take 1)
Leave My Woman Alone (instrumental take 5)

Pablo Aluísio e Erick Steve.

3 Dias Para Matar

Ethan Renner (Kevin Costner) é um veterano agente da CIA que após um trabalho mais do que complicado descobre estar sofrendo de um câncer no cérebro. Com a notícia de sua morte iminente, sua carreira de assassino profissional dentro da agência chega ao fim. Dispensado do serviço ele então decide voltar par a Paris onde mora sua ex-esposa e sua filha, uma adolescente que ele mal conhece por causa dos anos em que passou fora de casa, trabalhando ao redor do mundo. Sabendo que tem apenas três meses de vida decide arriscar tudo para reconstruir um relacionamento com a filha, mas conforme a convivência vai se tornando mais próxima, logo descobre que lidar com uma adolescente nessa fase de sua vida não é algo muito simples de fazer. Ela é insegura e como quase toda adolescente também tem um gênio mercurial, surgindo sempre mal humorada. Mas o tempo de sossego logo passa para Ethan. Sua fama o leva a ser contactado por uma nova e misteriosa mulher que ele desconhece completamente, Vivi Delay (Amber Heard), que logo oferece uma bolada para Renner voltar ao seu velho trabalho. Ela deseja contratar Ethan para um novo serviço sujo. Ele terá que ajudá-la a localizar e eliminar o criminoso internacional conhecido como "O Lobo" que está  também em Paris. A execução porém não será tão fácil como parece, pois antes de Ethan chegar até ele terá que passar pelo Albino (Tómas Lemarquis), um sádico matador com muitos crimes em sua ficha corrida.

Assim começa o novo filme de Kevin Costner. O roteiro tenta mesclar aspectos da conturbada vida familiar de um ex-agente da CIA com sua nova realidade, a de assassino profissional da "iniciativa privada". Assim que vi o nome do diretor McG na ficha técnica desanimei completamente, afinal de contas o que poderíamos esperar de um sujeito que assinou abobrinhas ao estilo de "As Panteras: Detonando" e "Guerra é Guerra!"? Felizmente o roteiro de Luc Besson consegue salvar parte do filme da banalidade completa. Digo em parte, porque nem tudo tem salvação nesse filme. Para começo de conversa a fita se mostra longa demais e com sérios problemas de ritmo pois ora a trama avança a passos largos, ora puxa o freio de mão. Outro problema é que o filme desliza no fio da navalha entre três gêneros diferentes sem ser bom em nenhum deles. Falha na aproximação entre pai e filha, deixa a desejar nas cenas de ação e funciona muito pouco nas cenas mais cômicas ou divertidas. De bom mesmo o espectador encontrará mesmo uma Paris cada vez mais linda e bem fotografada, inclusive com direito a um show de luzes nas costas do astro Costner. Outro bom ponto vem da trilha sonora, com muita música dance e hits franceses. Kevin Costner talvez por ser "americano demais" não se enquadra muito bem no cenário, mas no geral o filme fica mesmo no padrão mediano por causa de sua presença. Há pequenos detalhes no roteiro que nos remete a outros filmes de Besson como "Nikita - Criada Para Matar" e "O Profissional ", mas curiosamente o visual arrebatador e diferenciado que sempre foi a marca do cineasta aqui se mostra ausente pois o filme é esteticamente bem quadradinho e careta, quase burocrático. Talvez se Besson tivesse assumido mesmo a direção teríamos algo bem melhor do que o toque pesado e sem graça de McG.

3 Dias Para Matar (3 Days to Kill, Estados Unidos, França, 2014) Direção: McG / Roteiro: Adi Hasak, Luc Besson / Elenco: Kevin Costner, Hailee Steinfeld, Connie Nielsen, Tómas Lemarquis / Sinopse: Ex-agente da CIA aposentado por invalidez acaba sendo contratado por misteriosa mulher para localizar e matar um assassino chamado "O Lobo" pelas ruas de Paris.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 23 de setembro de 2014

James Dean - Os Primeiros Dias em Hollywood - Parte 3

Depois do fim das filmagens de "Vidas Amargas" James Dean mergulhou em um dos períodos mais felizes de sua vida e isso por causa de seu relacionamento com Pier Angeli. Ele mudou seu estilo de vida para fazer o namoro dar certo e isso causou uma forte impressão dentro da comunidade de Hollywood. Ao invés de andar jogadão, com jeans e camisas surradas, Dean começou a vestir terno e smoking e para grande surpresa de quem o conhecia passou a apreciar jantares requintados ao lado da namorada. Até compareceu devidamente elegante na estreia do filme "Nasce uma Estrela"! Para quem vivia de moto, andando pelas ruelas menos turísticas da cidade, sem dúvida foi uma mudança radical. Poucas semanas depois de ser liberado pela Warner, Dean resolveu que era hora de voltar para Nova Iorque. Apesar de estar feliz ao lado de Angeli o fato era que o ator só se sentia em casa completamente na grande Apple, onde tinha sua turma formada desde os tempos do Actors Studio. Assim que chegou na costa leste ele emendou um pequeno trabalho na TV, apenas para não ficar sem trabalhar. Depois participou de um novo grupo de teatro que estava montando uma peça na Broadway. Longe de Hollywood o namoro com Angeli começou a esfriar.

A um amigo próximo James Dean confidenciou que Pier e sua mãe estavam pressionando o jovem rebelde a se amarrar, a se casar com a namorada. Isso era algo impensado para ele que sentia ver sua carreira decolar pela primeira vez. Isso porém não era tudo. A mãe de Pier Angeli queria que Dean virasse católico para que tudo saísse de acordo com seus planos. Dean não tinha religião fixa e não frequentava qualquer tipo de igreja e por essa razão ficou receoso. Ele até toparia virar romano se isso fosse de agrado da namorada, a única coisa que definitivamente não estava disposto naquele momento era se casar. Isso era algo fora de cogitação. Obviamente James Dean queria que o relacionamento fosse bem sucedido e um dia, quem sabe, poderia resultar em casamento, mas obviamente em um futuro indeterminado e não nos próximos meses como a mãe de Angeli queria. Infelizmente James Dean tomaria ciência pelos jornais que sua namorada estava indo a festas em Hollywood enquanto ele estava em Nova Iorque. Nas fotos publicadas ela aparecia feliz e sorridente, dançando inclusive com outros homens. Isso definitivamente deixou Dean totalmente aborrecido.

Depois de mais algumas semanas ele retornou a Los Angeles. A Warner queria providenciar seu segundo filme, chamado "Rebel Without a Cause" que seria dirigido pelo cineasta Nicholas Ray. O roteiro prometia pois tratava sobre jovens rebeldes da Califórnia. Era uma boa oportunidade para Dean, além disso o roteiro parecia ter sido escrito sob medida para ele. Em sua próprias palavras: "O meu personagem nesse filme será o de um jovem que tenta fazer tudo certo, mas que no final acaba fazendo tudo errado!". Após ler o script ficou bastante animado com o projeto e na mesma semana informou aos executivos da Warner que faria o filme com certeza! Se as coisas na esfera profissional pareciam andar bem, na vida privada o namoro com Angeli ia de mal a pior. Desde que voltara de Nova Iorque as brigas começaram a se tornar frequentes demais e Dean, rebelde como era, não estava disposto a ser manobrado nem pela namorada e nem muito menos pela mãe dela. No meio do turbilhão o namoro finalmente esfriou. Dean foi para seu lado e Angeli para o outro. Para sua completa surpresa a ex-namorada anunciou em poucos dias que ficaria noiva do cantor Vic Damone, algo que deixou Dean totalmente desnorteado, sem saber como reagir.

Dois meses depois veio uma bomba ainda maior. Pier anunciou sua data de casamento com o cantor ítalo-americano. A cerimônia foi uma das mais concorridas da comunidade de Hollywood, mas Dean ficou obviamente de fora da lista de convidados. Isso não o deixou intimidado e assim ele resolveu ir de moto para ver o que estava acontecendo no dia do casamento de sua ex. Estacionou sua Harley do outro lado da rua, acendeu um cigarro e ficou bem ali, quase como um desafiante. Assim que Angeli saiu da igreja e a chuva de arroz cobriu seu belo vestido de noiva, James Dean subiu em sua moto, acelerou e saiu em disparada, numa das mais representativas atitudes de sua vida, mostrando de forma clara que apesar da desilusão amorosa, ninguém ainda tinha forças suficientes para controlar o rebelde de Nova Iorque.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 22 de setembro de 2014

Elvis Presley - Os Anos Finais - Parte 19

No meio de todo esse cochicho começaram a surgir os primeiros boatos. Já em 1972 os hóspedes e funcionários do Hilton comentavam baixinho pelos corredores que o problema principal de Elvis era um vício profundo em cocaína. Não era verdade, mas como ninguém sabia a realidade de seus problemas com remédios, todos chegaram a conclusão que Elvis estava daquele jeito por causa de seu vício na droga. Quando Elvis soube dos boatos explodiu! O cantor era muito sensível em relação à sua imagem. Elvis gritou para os caras da máfia de Memphis: "O que essas pessoas estão pensando? Quem usa drogas são os Beatles e não eu!"

A verdade porém era que antes de estourar com seus capangas, Elvis deveria ter feito uma auto-análise e verificar que seu estado era realmente deplorável. Alguns de seus últimos shows em Las Vegas tinham sido lamentáveis, causando uma repercussão tão negativa que a direção do Hilton chamou Tom Parker para uma reunião a portas fechadas. Naquela ocasião o conselho diretor da cadeia de hotéis comunicou, sem rodeios, a Tom Parker que a partir de agora tudo o que acontecesse nas apresentações de Elvis seria de sua exclusiva responsabilidade! Na realidade a rede deixou subentendido para o empresário que se Elvis não se endireitasse logo, eles muito provavelmente iriam cancelar todas as temporadas futuras do cantor em Las Vegas. A possibilidade de uma rescisão de contrato ficou na mente de todos!

Todos estavam temerosos pelas repercussões e eles tinham que manter a imagem da rede Hilton de qualquer forma. Parker ficou preocupado após essa reunião! A mensagem tinha sido clara. O Coronel ficou inquieto. O que ele iria fazer agora? Mesmo quando Elvis se apresentava bem, as pessoas só conseguiam reparar em sua imagem, em seu incrível aumento de peso! Também pudera, durante vinte anos Elvis Presley foi símbolo de beleza, sua imagem era conhecida nos quatro cantos do mundo! Ele sempre foi considerado pelas fãs como um dos homens mais belos do planeta! De repente ele aparecia muito mal na frente de todas essas pessoas que ainda idolatravam aquela imagem impecável! Só poderia causar um grande choque mesmo! Às vezes, porém, Elvis nem ao menos conseguia fazer um bom concerto, em certos momentos ele realmente mal conseguia cantar as músicas até o final.

Havia muita enrolação e piadas, mas musicalidade não. O pior de tudo é que sua vida na estrada e em Las Vegas era uma verdadeira montanha russa. Numa noite ele poderia cantar muito bem, se apresentar de forma excelente, mesmo estando fora de seu peso, mas poderia muito bem acontecer que na noite seguinte Elvis se apresentasse da pior forma possível, visivelmente alterado pelo abuso de drogas, deixando todos, da banda a platéia, constrangidos com sua presença! Na verdade ninguém poderia ter certeza absoluta do que iria acontecer no palco durante essa fase da vida dele. Era um jogo de dados e isso gerava muito stress e ansiedade em todos os que estavam envolvidos nas excursões. Não é por outra razão que muitos músicos da TCB Band estavam dispostos a deixar Elvis em seus últimos momentos. Além da falta de renovação musical, que os deixavam frustrados como artistas que eram, havia ainda a enorme ansiedade decorrente do que iria acontecer nos shows por causa dos problemas pessoais de Elvis!

Fora isso tinham ainda que lidar com a má remuneração paga por Tom Parker e a desorganização total das agendas de shows, que só eram lhes repassadas em cima da hora, fazendo com que eles perdessem a oportunidade de fazer outros trabalhos com outros artistas em estúdio. Com isso perdiam uma importante fonte de renda extra. Ser um músico da banda de Elvis não estava mais compensando para esses verdadeiros heróis anônimos! Muitos chegaram mesmo a comunicar pessoalmente a Elvis que estavam indo embora e só ficaram porque Elvis resolveu oferecer muito dinheiro para eles, muitas vezes pagando de seu próprio bolso para evitar a debandada. Caso contrário era certo que muitos deles teriam ido embora já em 1975 ou 1976.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

Eu Sou o Número Quatro

É uma aventura infanto-juvenil mais indicada para jovens na faixa de 15, 16 anos. Nada é muito original no roteiro. Basicamente é a velha estória de um grupo de jovens escolhidos que herdaram poderes especiais de um planeta distante e que estão escondidos na terra. Assim temos uma parte passada em um colégio americano (high School) com todos os tipos que já conhecemos de centenas de filmes anteriores (lá estão os nerds, os esportistas valentões, as patricinhas gatinhas, etc, etc). Essa parte inicial realmente é mais do mesmo. Nada de novo. No segundo ato temos o confronto entre os seres espaciais. Aqui ainda é um pouquinho mais movimentado, cheio de efeitos digitais (os vinte minutos finais do filme é todo em cima de muita pirotecnia). O grande problema dessa produção realmente é seu roteiro inexpressivo. Nada é muito desenvolvido, nem explicado. As coisas mais absurdas vão surgindo na tela sem nexo, ao acaso. A impressão que temos é que os produtores e o diretor estão pouco se importando com o público, no fundo se trata de mais um produto que tenta pegar carona no sucesso de Crepúsculo, só que saem os vampiros e entram os ETs.

O elenco é todo formado por desconhecidos. O único ator em cena que conheci foi o Timothy Olyphant dos seriados Damages e Justified. Ele interpreta um guerreiro que protege justamente o número quatro, que recebe o nome de John Smith. Esse ator que faz esse papel, chamado Alex Pettyfer, é muito fraco. Não tem expressão e nem muita presença mas tem bom look, o que no final das contas deve ser a única coisa que vá importar para as adolescentes que assistirão ao filme. A direção do D.J. Caruso é sem novidades, burocrática, feita sob encomenda para o estúdio. Enfim, o filme é isso, nada de muito relevante mas quem sabe possa vir até mesmo agradar ao público a que se destina.

Eu Sou o Número Quatro (I Am Number Four, EUA, 2011) Direção: David J. Caruso / Roteiro: Alfred Cough, Milles Milar / Elenco: Timothy Olyphant, Alex Pettyfer, Dianna Agron / Sinopse: Seres de outros planetas envolvidos numa disputa intergalática procuram se disfarçar de terráqueos. Um deles se faz passar por um simples adolescente de High School. Não tardará para que seus inimigos extraterrestres o venham caçar na Terra.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Os Últimos Dias em Marte

Título no Brasil: Os Últimos Dias em Marte
Título Original: The Last Days on Mars
Ano de Produção: 2013
País: Inglaterra, Irlanda
Estúdio: British Film Institute (BFI), Irish Film Board, Universal
Direção: Ruairi Robinson
Roteiro: Sydney J. Bounds, Clive Dawson
Elenco:  Liev Schreiber, Romola Garai, Elias Koteas

Sinopse:
Um grupo de pesquisadores em Marte está em seu último dia de expedição no planeta vermelho. Durante um procedimento padrão de rotina um dos membros da equipe acaba sendo engolido por uma fenda. Enquanto os demais tentam lhe socorrer algo inesperado acontece. Uma bactéria desconhecida começa a infectar a todos, transformando a missão em uma terrível luta pela sobrevivência.

Comentários:
"The Last Days on Mars" até que começa muito bem. Em seus trinta primeiros minutos a tônica do roteiro é de seriedade, com muitas informações cientificas e bons efeitos digitais. A direção de arte, figurino e designs dos rovers espaciais são bem realizados. Eles se parecem até com antigas diligências do velho oeste, numa óbvia referência usada pelo diretor para criar um vínculo entre os pioneiros da colonização americana e aquelas astronautas em Marte, que afinal de contas também são pioneiros do espaço. Em determinado ponto chegamos mesmo a pensar que estamos vendo um filme realmente sério sobre o assunto. O problema é que como consta na sinopse logo uma bactéria começa a se alastrar entre os pesquisadores, transformando os infectados em verdadeiros zumbis espaciais. Pois bem, a partir do momento em que isso acontece a coisa toda desanda. O roteiro se torna extremamente derivativo a ponto de ser impossível não encontrar paralelos com a conhecida franquia "Aliens". Há uma tentativa de resgate desesperado dos sobreviventes mas isso também se torna caótico. No final das contas não chega a ser um filme ruim mas que deixa muito a desejar, principalmente para quem esperava encontrar por algo diferente. O clímax deixa a porta aberta para futuras continuações. Será que alguém vai se interessar?

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

domingo, 21 de setembro de 2014

A Vingança dos Daltons

Título no Brasil: A Vingança dos Daltons
Título Original: When the Daltons Rode
Ano de Produção: 1940
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: George Marshall
Roteiro: Harold Shumate, Emmett Dalton
Elenco: Randolph Scott, Kay Francis, Brian Donlevy

Sinopse:
Tod Jackson (Randolph Scott) é um jovem advogado que vai até o distante Kansas para visitar seus clientes e amigos, os Daltons, que possuem um belo e próspero rancho na região. O problema agora é que uma poderosa empresa cobiça as terras dos Daltons e estão dispostos a colocar as mãos naquela propriedade de todas as formas possíveis, inclusive levantando falsas acusações de crimes contra todos os que ousam desafiar o poder da companhia.

Comentários:
Mais um ótimo western com o mito Randolph Scott. Infelizmente é uma de suas produções menos lembradas, já que após sua estreia nos cinemas ficou décadas fora de circulação - só mais recentemente foi relançado nos Estados Unidos dentro de um box de DVDs que resgatou parte da filmografia esquecida do eterno cowboy do velho oeste. Alguns aspectos merecem menção. Como se sabe com a expansão das estradas de ferro rumo ao Pacífico muitas companhias entraram em atritos com rancheiros e fazendeiros que não abriam mão de suas terras - justamente aquelas por onde os trilhos teriam que passar. Quando o dinheiro não bastava para convencer a venda dessas terras entrava em ação bandoleiros contratados por essas empresas para intimidar e coagir a venda, muitas vezes usando de métodos violentos e ilegais. Esse pedaço esquecido da história serve justamente de mote para esse bom faroeste que certamente agradará em cheio aos fãs do western mais clássico do cinema americano.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

O Álamo

Título no Brasil: O Álamo
Título Original: The Alamo
Ano de Produção: 1960
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: John Wayne
Roteiro: James Edward Grant
Elenco: John Wayne, Richard Widmark, Laurence Harvey, Frankie Avalon

Sinopse:
Durante o ano de 1836 cresce o sentimento de separação do Texas do México. A intenção dos revolucionários é transformar o isolado estado em uma República independente. Para destruir o foco rebelde o governo mexicano envia um formidável exército de repressão comandado pelo general Santa Anna. Para resistir a invasão se insurge um pequeno mas valente grupo de homens no Álamo. Formado por soldados de carreira, voluntários e americanos do Tennessee liderados pelo coronel Davy Crockett (John Wayne) eles resolvem ficar no local para enfrentar bravamente o inimigo. Filme indicado aos Oscars de Melhor Filme, Melhor Fotografia, Melhor Edição, Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Música e Melhor Ator Coadjuvante (Chill Wills). Filme vencedor do Oscar de Melhor Som. Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria Melhor Trilha Sonora Original (Dimitri Tiomkin).

Comentários:
Ao longo da carreira John Wayne dirigiu oficialmente apenas dois filmes, esse "O Álamo" e "Os Boinas Verdes" em 1968. De maneira não creditada ainda participou como co-diretor de "Rota Sangrenta" de 1955, "Os Comancheros" de 1961 (quando o diretor Michael Curtiz ficou doente demais para finalizar o filme) e por fim "Jake Grandão" de 1971. Em todas essas produções Wayne não fez feio como cineasta, muito pelo contrário, sempre pareceu tomar todas as decisões corretas. De todos os que assinou a direção nenhum foi tão pessoal quanto esse ousado faroeste de 1960. A intenção era recriar em cores épicas o famoso combate pela luta do forte Álamo (na verdade uma missão abandonada) no Texas. O evento histórico até hoje é celebrado no estado da rosa amarela justamente por ter sido um exemplo da bravura e orgulho do homem texano, que se recusou a se render mesmo diante de um poderoso exército mexicano que estava ali para garantir que o Texas continuasse a ser parte do México. No total o Álamo contava com apenas 185 homens que lutaram de forma corajosa contra mais de sete mil soldados sob comando do generalíssimo Santa Anna. Vale a pena ressaltar a coragem de John Wayne em algumas decisões que tomou ao rodar essa produção. A primeira delas foi o comprometimento com a história, evitando se render a meras concessões comerciais. Isso fez com que Wayne rodasse um filme longo, com duas horas e quarenta minutos de duração. Como bem sabemos filmes longos demais vendem menos ingressos pois ganham menos sessões de cinema durante o dia. Isso porém não depõe contra o resultado final, pois o filme jamais se torna pesado ou cansativo de assistir. O importante é que Wayne quis contar sua história da forma correta, sem perder nenhum detalhe histórico importante. A boa notícia é que seu objetivo foi alcançado. No desenrolar da trama também podemos notar que o cineasta John Wayne trouxe para a película muita coisa que aprendeu ao trabalhar ao lado de grandes diretores em sua carreira. A influência mais notável vem de John Ford. Wayne tenta recriar na tela pequenas nuances e detalhes que eram muito presentes na obra de Ford. Obviamente não consegue o mesmo impacto, até por falta de maior experiência atrás das câmeras, mas se sai muito bem. Assim "The Alamo" é uma prova que se quisesse, John Wayne poderia ter tido também uma bela carreira como diretor. Infelizmente o ator achava que dirigir trazia muita pressão, responsabilidades e riscos e por isso preferiu seguir trabalhando apenas como ator, atuando em seus bons e velhos faroestes. Uma pena, se tivesse seguido certamente teríamos por aí algumas pequenas jóias cinematográficas como esse "O Álamo".

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

sexta-feira, 19 de setembro de 2014

Heróis de Ressaca

Título no Brasil: Heróis de Ressaca
Título Original: The World's End
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Universal Pictures, Focus Features
Direção: Edgar Wright
Roteiro: Simon Pegg, Edgar Wright
Elenco: Simon Pegg, Nick Frost, Martin Freeman, Pierce Brosnan

Sinopse:
Depois dos quarenta anos, Gary King (Simon Pegg) resolve reunir seus quatro melhores amigos da escola secundária para um reencontro, fazendo o chamado quilômetro dourado, um caminho onde terão que beber em 12 bares (pubs) até chegar ao último conhecido como The World's End! Quando jovens eles tentaram cumprir toda a maratona de bebedeiras, mas não conseguiram. Agora é a chance de realizar esse feito que havia ficado para trás. 

Comentários:
Sinceramente eu já assisti muito filme louco na minha vida, mas como esse estou pra ver... Começa quase como uma comédia de costumes, com uma reunião de cinco amigos. Quatro deles não estão muito empolgados de voltar para uma última grande rodada nos pubs da velha cidade onde moravam, mas para Gary King (Simon Pegg) isso parece ser a coisa mais importante de sua vida. E então, como do nada, o filme dá uma reviravolta completa, robôs (sim, robôs!) surgem, começam a atacar os cinco amigos e aí meu camarada poucas coisas são mais malucas do que o roteiro dessa produção. Tudo bem, os ingleses são conhecidos por terem um tipo de humor próprio, excêntrico e fora dos padrões, mas nada irá lhe preparar para algo assim, tão nonsense! No elenco não há nenhum ator que seja mais conhecido dos brasileiros, a não ser o ex-James Bond Pierce Brosnan, em um papel sem a menor importância, com pequenas aparições no começo e no fim do filme. No geral é aquele tipo de enredo que você fica se perguntando onde diabos estava a cabeça do roteirista quando resolveu escrever algo assim? Só para ter uma ideia a última cena nos lembra de um típico filme pós-apocalíptico ao estilo Mad Max! Insanidade pouca é bobagem!

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Spartacus

Título no Brasil: Spartacus
Título Original: Spartacus
Ano de Produção: 1960
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Stanley Kubrick
Roteiro: Dalton Trumbo, Howard Fast
Elenco: Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Peter Ustinov, Tony Curtis, Charles Laughton, John Gavin, John Ireland 

Sinopse:
Durante a República da Antiga Roma, um escravo chamado Spartacus (Kirk Douglas), treinado para ser um gladiador nas arenas de combate, resolve liderar uma Insurreição contra a escravidão, levantando um verdadeiro exército de escravizados contra o poder de Roma. Para deter a rebelião o senado romano envia o general Crassus (Laurence Olivier) com a missão de aniquilar todos os revoltosos. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Peter Ustinov), Melhor Fotografia, Direção de Arte e Figurino. Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme - Drama.

Comentários:
Ainda considerado um dos grandes clássicos épicos da história do cinema americano, "Spartacus" é uma verdadeira obra prima. Curiosamente foi um projeto bem pessoal do ator Kirk Douglas que via grande potencial na famosa história do escravo Spartacus, que ousou liderar a maior rebelião em busca da liberdade da Roma Antiga. Para transformar o projeto em um grande filme ele resolveu contratar o roteirista Dalton Trumbo que na época estava na lista negra da caça às bruxas em Hollywood. Douglas não se importou e teve a coragem de trazer o escritor para o filme. Adaptando a novela de Howard Fast ele criou um texto magnífico que daria origem a um enredo edificante e muito inspirado. Apesar de ter três horas de duração nunca se torna cansativo ou enfadonho, fruto do grande trabalho de Trumbo. Além dele o filme ainda contou com a primorosa direção de Stanley Kubrick, naquele que pode ser considerado o único épico histórico de sua carreira. O diretor foi minucioso na recriação do modo de vida dos romanos da época, estudando a fundo os mosaicos que sobreviveram ao tempo. Um historiador foi inclusive contratado atendendo uma sugestão de Kubrick que sempre foi um perfeccionista. Some-se a isso um elenco de primeira linha contando com Kirk Douglas em grande forma física, Peter Ustinov como o dono da casa de Batiatus (ele seria premiado com o Oscar por sua atuação), Laurence Olivier como o astuto general e político romano Crassus e Tony Curtis interpretando o escravo Antoninus, menestrel e declamador de poesias. Sua cena no banho ao lado de Olivier se tornou famosa por causa das claras insinuações homossexuais entre os dois personagens. A película sofreu uma restauração em 1991 resultando em uma versão com 10 minutos a mais de projeção, seguindo os planos iniciais de Kubrick. Em suma "Spartacus" merece todo o status que possui pois é de fato um dos grandes filmes da história.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

quinta-feira, 18 de setembro de 2014

A Estância Sinistra

Título no Brasil: A Estância Sinistra
Título Original: Shadow Ranch
Ano de Produção: 1930
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Louis King
Roteiro: Frank Howard Clark, George M. Johnson
Elenco: Buck Jones, Marguerite De La Motte, Kate Price

Sinopse:
Sim Baldwin (Buck Jones) e Ranny Williams (Frank Rice) são dois cowboys que acabam sendo dispensados após o carregamento de um rebanho de gado no Texas. Depois disso partem em busca de trabalho nos ranchos locais, mas tudo o que encontram é uma guerra não declarada entre donos de terras rivais. Após a morte de Ranny numa emboscada covarde, Baldwin decide se vingar do assassinato do amigo.

Comentários:
Um dos grandes sucessos da carreira do ator Buck Jones, que aqui acabou indo parar em um western por demais interessante, que procura também valorizar os aspectos de suspense e tensão dentro de uma propriedade conhecida como o "Rancho Sombrio". Curiosamente apesar de também ser uma fita de matinê o cineasta Louis King resolveu adicionar ao cardápio toques de sobrenatural, pegando emprestado um clima mais mórbido, tão típico dos filmes de terror da época, em especial das fitas da Universal Pictures que vinham fazendo grande sucesso. Essa mistura de gêneros porém nunca se revela completa, ficando apenas na sugestão, até porque a Columbia teve receios de que uma mistura assim não seria muito bem recebida pelos fãs de faroeste, em especial da garotada, que afinal de contas havia pago para ver um filme passado no velho oeste e não no castelo de Drácula. Mesmo assim essa tentativa de unir os dois gêneros acaba sendo o grande diferencial da fita até os dias de hoje. Vale muito a pena conhecer.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Elvis Presley - Os Anos Finais - Parte 18

Rick Stanley, uma das pessoas mais próximas de Elvis em seus últimos dias de vida, acusou, sem meias palavras, alguns médicos do cantor pela sua morte: “Em troca de receitas, quatro ou cinco médicos ganharam caríssimos presentes de Elvis”. A situação foi de certa forma confirmada por Ulisses Jones, uma das primeiras pessoas que estiveram no local da morte de Elvis para tentar salvar sua vida, pois em sua opinião algo foi deliberadamente mexido no banheiro onde Elvis morreu, escondendo evidências do local da sua morte, sumindo com caixas de remédios que estavam no chão e destruindo provas materiais da cena da morte de Elvis.

Em seu depoimento ele afirmou: “Assim que cheguei no local onde Elvis tinha morrido, vi vários frascos de remédios sobre o lavatório e no chão e imaginei, imediatamente, tratar-se de uma OD (overdose de drogas). Como de praxe pedi para que fossem recolhidos e entregues todos os remédios para as autoridades, mas as caixas de remédios nunca foram parar nas mãos dos policiais que estiveram no banheiro em que Elvis morreu. Alguém sumiu com as evidências, com todas as provas que poderiam ajudar a auxiliar no esclarecimento do que realmente aconteceu!” finalizou Ulisses.

Embora Elvis tratasse todos esses potentes medicamentos como simples caixinhas coloridas, eles estavam na realidade o levando a um caminho sem volta. As drogas foram minando seu organismo de forma gradual. Conforme a dependência ia aumentando os efeitos iam se tornando menos eficazes. Para manter a mesma eficácia Elvis tinha que sempre aumentar a dosagem, chegando ao ponto em que ele começou a andar literalmente no fio da navalha. Imagine o stress: ao mesmo tempo em que manipulava suas autoridades médicas, Elvis tinha que levar adiante sua vida, se apresentar quase todos os dias e ainda manter tudo em segredo. Um dia essa rotina iria levar Elvis ao colapso nervoso. E não deu outra. Durante muitos anos o real estado de Elvis era um segredo mantido a sete chaves pela organização Presley. A imagem de Elvis estava intocada e para o público ele era um exemplo, tanto em sua vida profissional como em sua vida pessoal.

Mas as coisas começaram a ficar complicadas quando Elvis começou a transparecer todos os seus problemas nos palcos, durante suas apresentações ao vivo. Quando Elvis começou a tropeçar na frente do público a imprensa começou a ficar de olho nele pra valer! Embora tivesse uma constituição física de um touro, o organismo de Elvis começou a fraquejar, principalmente a partir de 1974. Seus abusos iriam agora cobrar seu preço e expor Elvis e seus problemas na frente de todos. O Rei estava nu! O cantor começou a esquecer sistematicamente as letras, a se mostrar totalmente sem energia e sem interesse pelas apresentações, a fazer monólogos confusos e sem graça, a criar atritos com membros da banda e a interromper os concertos para se recuperar nos bastidores.

Isso quando ele conseguia entrar no palco, pois em algumas ocasiões ele sequer tinha condições de sair do hotel em que estava hospedado para fazer os concertos. Em Baton Rouge, Louisiana, por exemplo, Elvis nem conseguiu se levantar da cama na hora do show, totalmente prostrado, em narcose profunda! Além disso ele nunca mais iria caminhar para uma renovação em seus concertos, fazendo shows muito semelhantes entre si ao longo dos anos, quase sempre com as mesmas canções habituais tocadas repetidamente, ad nauseam. Cada apresentação sofrível de Elvis fomentava cada vez mais boatos. As pessoas saíam perplexas de suas apresentações, se perguntando o que havia acontecido com ele! Por que Elvis estava tão obeso, tão confuso e tão desnorteado?

Pablo Aluísio e Erick Steve.

quarta-feira, 17 de setembro de 2014

Conspiração Tequila

Título no Brasil: Conspiração Tequila
Título Original: Tequila Sunrise
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Robert Towne
Roteiro: Robert Towne
Elenco: Mel Gibson, Michelle Pfeiffer, Kurt Russell

Sinopse:
"Mac" Mckussic (Mel Gibson) é um traficante de drogas que deseja endireitar sua vida após um último grande golpe. Nick Frescia (Kurt Russell) é um tira que deseja descobrir seus planos. Curiosamente Mac e Nick tinham sido grandes amigos no passado, quando ambos eram apenas dois jovens de Nova Iorque. Para desvendar os próximos passos de Mac, Nick decide usar Jo Ann (Michelle Pfeiffer), uma bonita proprietária de restaurantes pelo qual Mac se sente particularmente atraído. O problema é que Nick acaba também revelando ter uma queda pela charmosa loira. Está assim armado então esse perigoso triângulo amoroso.

Comentários:
Nos anos 80 como todos sabemos o cinema de ação viveu seus dias de glória. Aqui temos dois astros do gênero reunidos em um filme só, Mel Gibson e Kurt Russell. Eles resolveram dar um tempo em suas respectivas franquias de sucesso para co-dividir o estrelato nessa, que podemos qualificar como uma "comédia romântica de ação" (por mais estranho que isso hoje em dia possa parecer). Sem abrir mão de cenas violentas o filme procurava também explorar a tensão sexual e romântica dos três personagens centrais, interpretados com muito carisma por Gibson, Russell e Pfeiffer. Essa última aliás está linda, mostrando toda sua beleza estética em belas tomadas e closes centrais. Até passa a impressão ao espectador que o diretor Robert Towne estava perdidamente apaixonado por ela (e segundo fofocas de bastidores da época foi exatamente isso que aconteceu). De uma maneira ou outra, apesar de ter tantas estrelas em seu elenco o sucesso do filme foi bastante moderado, bem abaixo das expectativas dos produtores. Mas isso não foi um problema pois como se vivia no auge do mercado VHS o filme logo recuperou seu investimento, gerando bastante lucro quando foi lançado em vídeo alguns meses depois. Hoje em dia não é muito lembrado, embora possa ser encontrado em reprises esporádicas pelas TVs a cabo. Se não viu, vale a pena dar uma olhada, mesmo que seja só para matar as saudades daqueles tempos.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Meu Tesouro é Você

Título no Brasil: Meu Tesouro é Você
Título Original: Easy Come, Easy Go
Ano de Produção: 1967
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: John Rich
Roteiro: Allan Weiss, Anthony Lawrence
Elenco: Elvis Presley, Dodie Marshall, Pat Priest

Sinopse:
O mergulhador e aventureiro Ted Jackson (Elvis Presley) decide dar baixa na Marinha americana para se lançar em uma busca ousada por um tesouro há muito desaparecido nas profundezas do oceano sem fim. No caminho porém acaba se apaixonando perdidamente por uma linda garota, mostrando que o verdadeiro tesouro certamente não é aquele afundado nas águas cristalinas da costa azul.

Comentários:
Esse filme marcou a despedida de Elvis Presley na Paramount Pictures. Durante anos o estúdio e o produtor Hal B. Wallis investiram na carreira de Elvis em Hollywood e foram muito bem sucedidos em termos de bilheteria. Em 1967 porém os filmes estrelados pelo cantor já não davam mais o mesmo retorno financeiro esperado. Veja os números desse aqui. O filme custou meros dois milhões de dólares, mas só faturou um milhão e novecentos mil, trazendo um prejuízo de cem mil dólares ao estúdio. Assim a Paramount não mais quis renovar com Elvis para futuras produções. O interessante é que seus filmes faziam sucesso enquanto sua carreira musical ia bem e quando os discos e as músicas deixaram de frequentar o topo dos mais vendidos Elvis foi deixando de ser interessante também para a indústria do cinema americano. De uma forma ou outra a Paramount pode ser parabenizada por sempre ter colocado à disposição do cantor o que havia de melhor em termos de produção na época. Ao contrário da MGM que jogava Elvis em qualquer abacaxi, a Paramount procurava caprichar, até mesmo aqui no final da carreira do cantor no estúdio. Um exemplo? O figurino de Elvis no filme foi todo desenhado pela ótima estilista Edith Head, considerada uma das mais marcantes profissionais da moda no cinema americano durante sua época de ouro. Infelizmente mesmo com a boa vontade dos produtores o filme não consegue decolar. O maior problema de "Easy Come, Easy Go" vem de seu fraco roteiro, com pequena carga dramática, o que deixa o espectador com a impressão de que a estória não avança para lugar nenhum. Elvis até tenta, mas não há como salvar um roteiro fraco, uma lição que todos os grandes astros de Hollywood sabiam muito bem desde sempre.

Pablo Aluísio e Erick Steve.

terça-feira, 16 de setembro de 2014

City Hall - Conspiração no Alto Escalão

Título no Brasil: City Hall - Conspiração no Alto Escalão
Título Original: City Hall
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos
Estúdio: Castle Rock Entertainment, Columbia Pictures
Direção: Harold Becker
Roteiro: Ken Lipper, Paul Schrader
Elenco: Al Pacino, John Cusack, Bridget Fonda

Sinopse:
Um garoto negro de apenas seis anos é morto acidentalmente pela força policial durante uma troca de tiros com bandidos. O fato lamentável acaba criando grande repercussão na mídia, levando uma crise inesperada para o centro do poder na cidade. Diante disso o prefeito John Pappas (Al Pacino) começa então um jogo de interesses nos bastidores, sendo muitas de suas ações contestadas. Para revelar toda a verdade surge então um jovem idealista, Kevin Calhoun (John Cusack), disposto a descobrir todos os menores detalhes do caso.

Comentários:
Um bom filme da carreira de Al Pacino que hoje em dia está praticamente esquecido. Mostra os bastidores da chamada pequena política americana, onde tomamos consciência que a corrupção não é apenas uma epidemia no Brasil, mas em todos os sistemas governamentais ao redor do planeta, até mesmo na hipocritamente sociedade puritana e sacrossanta dos Estados Unidos. A direção do filme é levemente burocrática, diria até arrastada e sem maiores surpresas, o que deixa a película com uma insuspeita cara de telefilme. Isso porém é superado rapidamente por causa do trio central de atores. Pacino, como sempre, rouba os holofotes, embora tenha sido criticado na época de lançamento do filme por usar de certos artifícios de interpretação para criar uma falsa sensação de grande atuação. John Cusack, o eterno ator indie do cinema americano, também traz grande relevância para seu papel, de um sujeito que logo descobre as (sujas) regras do jogo. Por fim temos a simpatia da Bridget Fonda que nos anos 90 era muito bonita e charmosa. "City Hall" não está entre os grandes filmes da filmografia de Al Pacino (o que seria impensado pelas inúmeras obras primas em que atuou ao longo de todos esses anos), mas seguramente é um dos mais interessantes por causa de seu tema sempre atual, que o diga os brasileiros.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.

Marlon Brando - A Streetcar Named Desire

Hoje em dia as pessoas conhecem muito mais o filme "Uma Rua Chamada Pecado" do que propriamente a peça teatral que lhe deu origem. Escrita pelo genial autor Tennessee Williams, a obra ficou longos anos em cartaz nos mais concorridos teatros de Nova Iorque. Na primeira versão montada o próprio Marlon Brando interpretou o rude Stanley Kowalski. Se no filme a atriz escalada para viver Blanche DuBois foi Vivien Leigh (em ótima performance), no teatro coube a Jessica Tandy viver a complexa personagem.

Em sua autobiografia Brando deu sua opinião sobre as duas atrizes. Para ele Jessica Tandy nunca se mostrou adequada para interpretar Blanche. Brando relembra que nas apresentações da peça ela adotava uma maneira muito caricata de dar vida ao confuso mundo interior de Blanche. Isso criava até mesmo um humor involuntário que era péssimo para a montagem. Já Vivien Leigh se mostrava muito mais sutil, elegante até! Brando foi além e afirmou que em certos aspectos Vivien Leigh era Blanche, pois tinha uma vida tão complexa e confusa do ponto de vista mental e emocional quanto à sua personagem que interpretava nas telas.

Outro aspecto interessante confessado pelo ator em seu livro foi o fato de reconhecer que muitas vezes ficava entediado com as várias apresentações de teatro. Obviamente nem sempre seu personagem estava em cena e quando isso acontecia Brando ficava nos bastidores tentando matar o tempo. Como estava muito preocupado em sua forma física ficava o tempo todo levantando peso até a hora de entrar no palco novamente. Certo dia resolveu fazer algo diferente e começou a treinar boxe. Má ideia. Em pouco tempo Brando havia sido colocado à nocaute por um funcionário do teatro, um negão de quase dois metros de altura. O pior é que tudo aquilo aconteceu bem no meio da apresentação da peça!

Como o show não podia parar, Brando resolveu entrar no palco mesmo assim, ferido. Com a camisa encharcada de sangue ele entrou na sua deixa e assustou Jessica Tandy que estava no palco! Curiosamente quem acabou não notando nada de diferente foi o próprio público que pensou estar vendo todo aquele sangue como parte da cena. Depois de terminar suas falas Brando se retirou e foi direto para o hospital onde os médicos diagnosticaram a quebra de seu nariz em vários pontos. Esse incidente convenceu Brando que o teatro já não era mais sua praia. Ele queria mesmo era ir para Hollywood onde os cachês eram enormes e o trabalho bem mais leve. Assim logo após ter alta o ator fez sua malas, pediu demissão, fechou seu apartamento em Nova Iorque e foi embora para Los Angeles. Uma nova carreira estava começando para ele! Hollywood era o caminho.

Pablo Aluísio.

Olga

Título no Brasil: Olga
Título Original: Olga
Ano de Produção: 2004
País: Brasil
Estúdio: Europa Filmes, Globo Filmes
Direção: Jayme Monjardim
Roteiro: Rita Buzzar, baseada no livro de Fernando Morais
Elenco: Camila Morgado, Caco Ciocler, Fernanda Montenegro

Sinopse:
O filme Olga narra parte da rica biografia da alemã Olga Benário (1908 - 1942), uma das mais importantes militantes comunistas de seu período. Perseguida pelo regime autoritário de seu país de origem ela foge para Moscou e depois vem parar em terras brasileiras onde alimenta o sonho utópico de participar ao lado de seus companheiros de uma revolução socialista em nosso país. Filme vencedor de diversos prêmios ao redor do mundo, entre eles o Havana Film Festival, SESC Film Festival, Cinema Brazil Grand Prize e ABC Cinematography Award nas categorias Melhor Fotografia e Melhor Direção de Arte.

Comentários:
Durante muitos anos o cinema brasileiro sofreu de um certo preconceito de que não poderia realizar bons filmes históricos, seja por questões orçamentárias, seja por falta de experiência maior de seus cineastas (sempre envolvidos com outros gêneros como a pornochanchada ou os dramas sociais). Pois bem, aqui temos um filme nacional extremamente bem realizado, com excelente reconstituição de época, contando a vida de uma personagem importante dentro da trajetória política do país. Obviamente que um roteiro que fosse tratar da biografia de Olga Benário poderia cair em várias armadilhas, inclusive ideológicas, pois a película facilmente cairia na vala comum da panfletagem política mais rasteira. Felizmente os realizadores conseguiram contar sua vida fugindo desse tipo de armadilha fatal para qualquer produção cinematográfica digna. Não há o levante de bandeiras, sejam elas vermelhas ou reacionárias. O cineasta se propõe apenas a contar parte da vida de Olga passada no Brasil de forma bem honesta e imparcial. Sua ideologia inclusive é tratada com uma certa nostalgia melancólica, de um tempo que não existe mais, quando os partidários do movimento de esquerda eram mais sonhadores, ideológicos e menos cínicos e corruptos. Uma pureza de intenções que se perderia no tempo. Assim o que temos é um produto muito inspirado, com atuações maravilhosas e produção requintada. Nada que lembre os anos sombrios do cinema brasileiro. Assista sem receios.

Pablo Aluísio e Júlio Abreu.