O Absolutismo - A Ascensão de Luís XIV

Dois monarcas europeus se tornaram símbolos máximos do absolutismo. O primeiro foi Henrique VIII da Inglaterra. O segundo foi Luís XIV da França. Esses reis governaram sem limites. Não havia divisão de poderes. A ordem desse tipo de monarca era a lei. E isso incluia seus caprichos, injustiças e violações de direitos humanos de toda ordem. E como não havia limites para seus poderes, toda a riqueza de suas nações lhes pertencia pessoalmente. Por isso também viviam em palácios luxuosos, com paredes folheadas a ouro, quadros pintados pelos maiores artistas. Luxo e riqueza absolutas, enquanto grande parte da população passava fome, pagando pesados impostos.

O filme "O Absolutismo - A Ascensão de Luís XIV" conta parte dessa história. Um belo filme assinado pelo talentoso cineasta Roberto Rossellini. No enredo Luís XIV, Rei absolutista da França, precisa lidar com as crises de seu governo, as intrigas palacianas e as paixões dentro da corte, enquanto organiza muito luxo e riqueza para ostentar de forma suntuosa nos corredores de seus palácios reluzentes. Não é para menos que o monarca passaria para a história conhecido como "O Rei Sol". É o cinema reconstruindo uma era de excessos, de exploração e também de muita injustiça. Uma palavra mal colocada na frente desse tipo de monarca poderia resultar em uma execução sumária.

O interessante é que o roteiro enfoca basicamente os primeiros anos do reinado do "Rei Sol", Luís XIV (1643-1715), o maior monarca absolutista da França. É sem dúvida um belo filme que se concentra nos detalhes de cotidiano da corte do afetado monarca francês. Apreciei a reconstituição histórica e a rica produção desse filme. Mostra acima de tudo que debaixo das perucas e dos babados, o Rei era um homem também extremamente inteligente e ciente do que ocorria em seu país e não apenas o alienado fútil e alheio ao mundo ao redor que geralmente emerge das páginas de alguns livros de história.

Outro aspecto que deve ser considerado é que no cinema europeu, de uma forma geral, temos um outro ritmo, um tipo diferente de dramaturgia. Nada de licenças poéticas e invencionices, tão comuns em filmes americanos. Roberto Rossellini procura ser o mais realista possível, sem arroubos insanos ou espaço para coisas desnecessárias. No final de tudo o que temos é de fato um filme realmente excepcional, muito recomendado e bem fiel aos fatos históricos reais. É uma lição histórica importante, mostrando inclusive o contexto em que iria surgir as primeiras obras iluministas, que iriam denunciar justamente as injustiças desse tipo de poder absoluto.

O Absolutismo - A Ascensão de Luís XIV (La Prise de Pouvoir Par Louis XIV, França, 1966) Estúdio: ORTF / Direção: Roberto Rossellini / Roteiro: Philippe Erlanger, Jean Gruault / Elenco: Jean-Marie Patte, Raymond Jourdan, Silvagni / Sinopse: O filme "O Absolutismo - A Ascensão de Luís XIV" é uma superprodução histórica do mestre Roberto Rossellini e conta a história do rei francês que se tornou símbolo de uma era em que a mera vontade dos monarcas não tinha limites, era a lei absoluta. Filme indicado no Cahiers du Cinéma como melhor filme do ano.

Pablo Aluísio.

A Difícil Arte de Amar

Revi recentemente esse "A Difícil Arte de Amar". Me recordo que na primeira vez que vi não me deixou muito impressionado. Revendo me pareceu bem melhor agora. A verdade é que quando assisti pela primeira vez era muito jovem, tinha outros interesses e o tema do filme realmente não iria me atrair muito. Aqui temos basicamente uma estória de amor adulta, sem romantismos exacerbados, com clara intenção de retratar um relacionamento tal como na vida real. Os protagonistas Rachel (Meryl Streep) e Mark (Jack Nicholson) são sim apaixonados entre si mas ao mesmo tempo têm que lidar com a dureza da vida cotidiana (problemas de reforma na casa recém comprada após o casamento, dificuldades de grana, filhos chorando e enchendo o saco). O grande atrativo é justamente esse. Nem ele é um dândi romântico (pelo contrário é infiel, barrigudo e nada atraente) e nem ela é uma diva (anda mal arrumada, tem problemas com envelhecimento, filhos e tudo mais que conhecemos bem). No meio de tudo isso tentam manter um casamento meio falido e cambaleante. Igual a provavelmente 90% dos casais no mundo real.

Além do bom roteiro e argumento "Heartburn" tem como maior atrativo ver em cena dois dos grandes intérpretes do cinema americano: Meryl Streep e Jack Nicholson. Embora ambos estejam em grande forma deve-se reconhecer que o filme é de Meryl. Sem sinais de vaidade ela se entregou de corpo e alma a uma personagem sem nenhum glamour. Já Jack está ali como mera escada para Streep. Isso não é demérito e nem significa que ele esteja ruim em cena, pelo contrário, é uma consequência do próprio roteiro que foi concebido assim mesmo. Por fim, para os nostálgicos, o filme traz a famosa trilha sonora escrita e cantada por Carly Simon. A música tema foi um tremendo hit dos anos 80 e certamente todos vão se lembrar dela na primeira audição. Enfim, bom filme, com ótimas atuações mostrando a "vida como ela é".

A Difícil Arte de Amar (Heartburn, Estados Unidos, 1986) Diretor: Mike Nichols / Roteiro: Nora Ephron / Elenco: Meryl Streep, Jack Nicholson, Jeff Daniels, Maureen Stapleton, Milos Forman, Kevin Spacey / Sinopse: Rachel (Meryl Streep) e Mark (Jack Nicholson) são dois jornalistas que se conhecem em um casamento e, pouco tempo depois, se casam. Quando ela está na sua segunda gravidez, descobre que o marido tem um caso. O roteiro é uma visão autobiográfica da separação do casamento da roteirista Nora Ephron com Carl Bernstein (autor de Todos os Homens do Presidente) e foi baseado no best-seller da escritora.

Pablo Aluísio.

Aconteceu Naquela Noite

Clássico do cinema dirigido pelo mestre Frank Capra. Ellie (Claudette Colbert) é uma jovem rica e mimada que vive em atrito com seu pai dominador. Herdeira de uma das maiores fortunas familiares dos Estados Unidos, seu pai deseja que ela se case com um jovem fino e elegante da alta sociedade. Ela não aceita. Para irritá-lo mais ainda, Ellie decide se casar às escondidas com um playboy fútil e frívolo. A ofensa faz com que seu pai consiga através de seu poder e dinheiro anular o casamento, mas Ellie não se dá por vencida e decide fugir, ganhar o mundo para conhecer como vivem as pessoas comuns. Assim acaba conhecendo Peter (Clark Gable), um jovem repórter desempregado, que deseja usar sua história para ganhar as manchetes dos grandes jornais. A aproximação entre eles logo se revela mais interessante do que Ellie inicialmente pensava. Frank Capra foi um dos grandes cineastas da história de Hollywood. Ele foi figura de destaque dentro do cinema americano durante a grande depressão. O diretor entendeu a complicada situação em que o país vivia, com muita miséria e desemprego, e decidiu filmar produções com temáticas positivas, para levantar o moral do povo americano. Assim seus filmes ficaram bem queridos pela nação, pois injetavam otimismo e confiança no futuro para todos aqueles que sofriam os terríveis efeitos da depressão econômica.

"Aconteceu Naquela Noite" é até hoje muito lembrado. Na verdade é um filme leve, uma comédia romântica muito bem escrita que apresenta ótimos diálogos (alguns bem ousados para os anos 30) e um delicioso "duelo" em cena entre os mitos Clark Gable e Claudette Colbert. Ela está perfeita em sua caracterização de garota moderna, que era muito popular entre as feministas daqueles tempos. Curiosamente o filme também mostrou o poder que Hollywood poderia exercer no mundo da moda e dos costumes. Nos anos 30 era padrão entre os homens americanos o uso de duas camisas - uma interna e outra por fora. Pois bem, em determinada cena de "It Happened One Night" Gable retira sua camisa e revela o peito nu para Claudette Colbert, mostrando que ele não usava duas camisas.

O momento considerado quase pornográfico pelos padrões morais dos anos 30 acabou virando sensação e moda pois da noite para o dia o americano médio aboliu também sua camisa interna - numa clara demonstração de que o cinema também poderia ditar as regras da moda. Clark Gable, que já era um grande galã, virou símbolo máximo da sensualidade e ousadia. Esse filme aliás foi seu segundo maior sucesso de bilheteria, ficando atrás apenas de "E o Vento Levou" que se tornaria por décadas o maior sucesso de bilheteria de todos os tempos. Quem diria que uma simples camisa iria fazer tanta diferença...

Aconteceu Naquela Noite (It Happened One Night, Estados Unidos, 1934) Estúdio: Columbia Pictures / Direção: Frank Capra / Roteiro: Robert Riskin, Samuel Hopkins Adams / Elenco: Clark Gable, Claudette Colbert, Walter Connolly, Roscoe Karns, Jameson Thomas, Alan Hale / Sinopse: Jovem rica e mimada se envolve com um homem comum, da classe trabalhadora, deixando seu pai muito iritado. Filme vencedor do Oscar nas categorias de melhor filme, melhor ator (Clark Gable), melhor atriz (Claudette Colbert), melhor direção (Frank Capra) e melhor roteiro adaptado (Robert Riskin).

Pablo Aluísio.

A Raposa do Mar

Após enfrentar uma batalha sangrenta o Capitão Murrell (Robert Mitchum) é enviado para um novo posto. Ela passa a ser o comandante de um destróier americano no Atlântico Sul durante o auge da II Guerra Mundial. Inicialmente a tripulação recebe seu novo comandante com certa desconfiança. Ele pouco interage com os marinheiros sob seu comando, preferindo passar seus dias trancado em sua cabine privada. Na verdade ele ainda tenta se recuperar dos vários ferimentos sofridos em seu último confronto. As coisas mudam quando subitamente o radar do navio localiza um ponto em alto mar que ao que tudo indica talvez seja um submarino alemão. Chamado à sala de controle o comandante então tem sua confirmação – é realmente o que se pensava ser. Em poucos minutos ele coloca o navio de combate no encalço do submarino do Terceiro Reich, o que dará origem a uma verdadeira caçada em alto-mar com consequências terríveis para todos os envolvidos.

Muitos filmes foram realizados sobre os combates travados durante a II Guerra Mundial mas poucos foram tão bem realizados como esse. “A Raposa do Mar” tem ótimos diálogos, um roteiro muito inteligente e um aspecto mais do que bem-vindo: ao contrário de outros filmes de guerra que retratavam os alemães como monstros, esse aqui se propõe a mostrar todos os conflitos e ansiedades vivenciadas pelos marinheiros do Reich dentro do submarino durante a batalha. Isso humaniza bastante esses militares, somando ainda mais ao filme, o transformando em uma pequena obra prima do gênero. 

O roteiro foi adaptado de um livro escrito por um almirante da marinha americana, D.A. Rayner, o que explica seu argumento tecnicamente muito fiel à realidade dos fatos. O capitão do submarino, Von Stolberg (interpretado com grande inspiração pelo ator alemão Curd Jürgens), é um homem que já lutou em várias guerras e sabe que os alemães dessa vez lutam em vão. A estrutura dramática do filme se apóia justamente em cima desse duelo entre o comandante americano Murrell e o capitão Von Stolberg, que lutam bravamente entre si para vencer essa marcante batalha naval. “A Raposa do Mar” é sem dúvida um grande filme de guerra, um dos melhores já feitos sobre a luta nos oceanos.

    
A Raposa do Mar (The Enemy Below, Estados Unidos, 1957) Direção: Dick Powell / Roteiro: Wendell Mayes, baseado no livro escrito pelo almirante D.A. Rayner / Elenco: Robert Mitchum, Curd Jürgens, David Hedison / Sinopse: Um comandante americano e um capitão de submarino alemão duelam no Atlântico sul durante a II Guerra Mundial. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais. Também indicado ao BAFTA Awards na categoria de Melhor Ator Coadjuvante (Curd Jürgens).

Pablo Aluísio. 

Paixão Proibida

Jimmy (Richard Burton) e Alison Porter (Mary Ure) estão casados há muitos anos. O relacionamento porém vai de mal a pior a cada dia. Todos os dias há discussões, brigas e ofensas. Jimmy é um sujeito irascível, desrespeitoso, abusivo e violento. A esposa Alison tenta manter o casamento em pé, mas isso vai ficando cada vez mais impossível. Seu marido odeia suas amizades, seu pai, suas origens, praticamente tudo o que diz respeito a ela. Para atingir a esposa ele usa uma linguagem forte, vulgar e bastante opressiva. Não parece haver mais diálogo entre ambos, mas apenas gritos e ofensas. Para piorar Alison está grávida, mas seu marido é tão insano que ela até mesmo reluta em lhe contar a notícia. Ao invés disso pensa em aborto. Seu único apoio é sua amiga Helena Charles (Claire Bloom), uma jovem atriz que resolve passar alguns dias ao seu lado. Ao conviver com o casal todos os dias acaba conhecendo a triste realidade de Alison, afundada em um casamento falido, abusivo e deprimente.

Um casamento em ruínas é o tema desse drama inglês chamado "Paixão Proibida". O roteiro foi baseado na peça teatral escrita por John Osborne. Suas origens teatrais ficam óbvias desde a primeira cena. Quase toda a trama se passa dentro de um pequeno quarto e sala em Londres. O lugar é apertado, em cima da casa de uma senhora idosa que o alugou. É lá que vive o casal Porter. O marido Jimmy (Burton, em grande atuação) tenta sobreviver de alguma maneira. De noite passa pelas boates da cidade, tocando seu trompete, levantando alguns trocados. De dia trabalha como feirante numa barraquinha onde vende doces para as crianças. O dinheiro que ganha mal dá para a sobrevivência. Pior acontece dentro de casa. A esposa de Jimmy é uma jovem chamada Alison que todos os dias é humilhada e ofendida pelo marido. O seu pai quer que ela vá embora, mas ela resiste, tentando salvar um relacionamento falido e infeliz. Sua única amiga, a atriz Helena, chega para lhe trazer companhia e apoio, mas logo também vira alvo das ofensas e críticas mordazes de Jimmy. Desesperada por estar grávida, Alison resolve partir, indo morar com o pai e tudo desmorona depois ao saber que foi traída, justamente por alguém em quem confiava cegamente.

Esse filme de certa maneira marcou o retorno de Richard Burton para o cinema inglês. Depois de ter atuado em filmes como "O Manto Sagrado" e "Ratos do Deserto" nos Estados Unidos, ele queria voltar para a Inglaterra para rodar um filme que o desafiasse como ator. A adaptação da peça "Look Back in Anger" pareceu ser aquilo que procurava. Havia muitas cenas perfeitas para que Burton desfilasse seu talento dramático. Além disso o elenco contava com ótimas atrizes que se mostraram escolhas certas para a proposta do roteiro. O ator Richard Burton aceitou trabalhar por um cachê bem menor do que recebia em Hollywood, só pela oportunidade de trabalhar no filme. Acabou sendo recompensado por isso, ganhando indicações para o Globo de Ouro e o BAFTA Awards, dois prêmios de muito prestígio. De fato é uma das grandes atuações de sua carreira, muito corajosa é bom frisar, pois seu personagem é em essência um homem desprezível, cheio de sentimentos e atitudes rudes, cruéis e vis.

Na cena final ele ainda parece ter algum sentimento verdadeiro em seu coração, embora pareça ser tarde demais para abraçar sua redenção pessoal. O espectador certamente irá nutrir um grande sentimento de compaixão por Alison, sua esposa, pelo sofrimento pelo qual passa. A atriz Mary Ure que a interpreta também teve um fim trágico. Considerada uma das mais belas intérpretes do cinema britânico, a talentosa escocesa morreu de uma overdose acidental, ainda bastante jovem. No caso temos aqui um exemplo de como a vida pode ser tristemente parecida com a arte. Enfim, um belo drama com tintas fortes do clássico cinema britânico. Uma prova que em termos de qualidade a indústria cinematográfica de Londres não deixava muito mesmo a dever aos filmes de Hollywood da época.

Paixão Proibida (Look Back in Anger, Inglaterra, 1959) Estúdio: Woodfall Film Productions / Direção: Tony Richardson / Roteiro: Nigel Kneale, John Osborne / Elenco: Richard Burton, Claire Bloom, Mary Ure, Edith Evans, Gary Raymond, Donald Pleasence, Jane Eccles /Sinopse: O filme conta, em tom dramático, a história de um casamento em ruínas. Filme indicado ao Globo de Ouro e ao BAFTA Awards na categoria de Melhor Ator (Richard Burton).

Pablo Aluísio.

Sangue, Suor e Lágrimas

Título no Brasil: Sangue, Suor e Lágrimas
Título Original: Fighter Squadron
Ano de Produção: 1948
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Raoul Walsh
Roteiro: Seton I. Miller, Martin Rackin
Elenco: Edmond O'Brien, Robert Stack, Rock Hudson, John Rodney, Tom D'Andrea, Shepperd Strudwick, Arthur Space

Sinopse:
Numa base aérea americana na Inglaterra, durante a segunda guerra mundial, dois oficiais lutam pelo controle dos homens de uma esquadrilha de caças. O objetivo é treinar todos os membros da equipe para um momento chave dentro da guerra, a invasão do norte da França, na Normandia, numa das maiores operações militares da história que passaria a ser conhecida pelo codinome código de "Dia D". A invasão se tornaria o momento da virada na guerra, marcando o começo da vitória aliada no conflito.

Comentários:
Esse filme seria como qualquer outro feito para louvar o heroísmo dos que lutaram na segunda guerra mundial se não fosse por um detalhe importante: foi o primeiro filme da carreira do futuro astro Rock Hudson. Na época Rock ainda era um novato em Hollywood procurando por um lugar ao sol. Ele tinha acabado de assinar um contrato com o agente Henry Wilson e havia caído nas graças do diretor Raoul Walsh que resolveu lhe dar uma oportunidade, pequena é verdade, mas que significou bastante para o ator naquele momento de sua carreira. O papel de Rock é insignificante, ele interpreta um tenente com apenas uma linha de diálogo em cena. Isso porém foi o bastante para chamar a atenção dos produtores que viram potencial ali. Claro, Rock não era um grande ator, mas tinha um visual impecável, era bonito, alto, o estilo galã perfeito para os filmes românticos. A Universal saiu na frente e contratou Rock Hudson. Imediatamente o colocou no programa de treinamento de atores do estúdio (o melhor que havia na cidade) e começou a lapidar seu futuro como grande astro. "Sangue, Suor e Lágrimas" recebeu esse título por causa do famoso discurso do primeiro ministro Winston Churchill que logo no começo da segunda guerra mundial discursou pelo rádio ao povo inglês afirmando que não prometia nada a não ser sangue, suor e lágrimas! No geral o que temos aqui é uma eficiente fita de guerra, com alguns bons momentos de tensão e ação. Não chega a se destacar como outros que eram lançados no mesmo período mas cumpre bem suas pretensões (modestas) do ponto de vista cinematográfico. Além disso só pelo simples fato de ter sido a estreia de Rock Hudson no cinema já vale a sua atenção. Um filme mediano mas certamente histórico dentro da sétima arte. 

Pablo Aluísio.

A Ponte da Desilusão

Título no Brasil: A Ponte da Desilusão

Título Original: Die Brücke

Ano de Lançamento: 1959

País: Alemanha Ocidental

Estúdio: Deutsche Film Hansa

Direção: Bernhard Wicki

Roteiro: Manfred Gregor, Michael Mansfeld

Elenco: Volker Bohnet, Fritz Wepper, Michael Hinz

Sinopse:

Na fase final da Segunda Grande Guerra Mundial, o exército da Alemanha nazista começa a recrutar jovens e adolescentes para lutarem contra o inimigo. E um grupo de jovens de uma pequena cidade é levada para defender a ponte de entrada de sua comunidade contra uma linha de tanques de guerra do exército dos Estados Unidos. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Filme Estrangeiro. 

Comentários:

Uma das coisas mais cruéis da Segunda Guerra aconteceu quando Hitler mandou alistar jovens da Alemanha para defender o país da invasão dos aliados. Como grande parte dos homens adultos já estavam mortos por longos anos de batalhas ferozes, só sobrou mesmo os meninos para lutar. E assim foi feito. Deram armas, equipamentos, fardas e quase nenhum treinamento para esses garotos. E eles foram jogados em situações extremas, como a mostrada nesse filme. Imagine esses meninos tendo que enfrentar um batalhão de tanques de guerra do exército americano. Era obviamente a prévia de um grande massacre. Os eventos mostrados no filme são baseados em fatos reais, o que deixa tudo ainda mais terrível. Enfim, excelente filme alemão feito no pós-guerra. Uma forma de denunciar mais esse absurdo que aconteceu durante o regime nazista naquela nação. 

Pablo Aluísio.

A Czarina

Título no Brasil: A Czarina

Título Original: A Royal Scandal

Ano de Lançamento: 1945

País: Estados Unidos

Estúdio: 20th Century Fox

Direção: Otto Preminger, Ernst Lubitsch

Roteiro: Edwin Justus Mayer, Bruno Frank

Elenco: Tallulah Bankhead, Charles Coburn, Vincent Price, Anne Baxter, Vladimir Sokoloff, Mikhail Rasumny

Sinopse:

Na corte da Czarina Catarina, a Grande, um jovem soldado consegue chegar até a imperatriz para lhe alertar sobre diversos problemas que ocorrem na sua nação. Catarina (Tallulah Bankhead) não dá muita atenção ao que ele tem a lhe dizer, mas fica particularmente interessada nele como homem, como um potencial futuro relacionamento amoroso. 

Comentários:

Bom filme. Não espere por nenhuma produção épica contando as conquistas de Catarina II da Rússia. Na realidade o que temos aqui é mais uma comédia de costumes, com um pouco de humor e sutileza sobre os interesses de alcova da Czarina. O enredo é divertido e como o filme não é muito longo, pelo contrário, é curto, funciona muito bem. A atriz Tallulah Bankhead certamente tinha o porte ideal para interpretar uma personagem tão poderosa. Ele tinha esse ar da velha aristocracia com a voz meio destruída pela bebida alcoólica, querendo parecer bondosa, mas sempre prestes a fazer alguma perversidade caso fosse contrariada. Ela está assim está perfeita em sua atuação. Agora, nada é mais interessante em termos de elenco do que ver o ator Vincent Price interpretando um irônico embaixador francês na corte da Rússia. Para quem só o conhece dos filmes de terror saiba que ele era um sujeito bem culto e igualmente aristocrático. Ficou também perfeito em seu personagem!. Enfim, um filme que gostei bastante, valorizado acima de tudo pelas boas atuações de todo o elenco. 

Pablo Aluísio.

Boêmio Encantador

Título no Brasil: Boêmio Encantador
Título Original: Holiday
Ano de Produção: 1938
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: George Cukor
Roteiro: Donald Ogden Stewart, Sidney Buchman
Elenco: Katharine Hepburn, Cary Grant, Doris Nolan, Lew Ayres, Henry Kolker, Binnie Barnes

Sinopse: 
Johnny Case (Cary Grant) é um rapaz pobre que se apaixona por uma garota rica chamada Linda Seton (Katharine Hepburn). Ela corresponde aos seus avanços românticos, mas ele teme ser rejeitado pela família milionária dela. Para superar isso, Johnnqy decide elaborar um plano para ser executado durante um feriado muito especial. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Direção de Arte.

Comentários:
Comédia romântica sofisticada da década de 1930 em que se destacam o elenco e a direção sempre muito elegante do mestre George Cukor. O casal formado pelos sempre ótimos Katharine Hepburn e Cary Grant esbanja charme e elegância em cena. Muito jovens ainda, eles literalmente carregam o filme nas costas, uma vez que não havia como negar que o roteiro era bem ingênuo e não muito bem escrito. Essa aliás foi a crítica mais recorrente ao filme em seu lançamento original. Na verdade, ele se apoia em um tipo de inocência social que hoje em dia soa até esquisito e sem muito nexo. Mesmo assim o espectador deve ter em mente que está assistindo a um filme que foi produzido há mais de 70 anos e por isso deve tentar se adequar ao contexto histórico social em que ele foi realizado. Por falar nisso, um dos problemas que o cinéfilo terá que enfrentar é a má qualidade das cópias que sobreviveram ao desafio do tempo. O diretor Martin Scorsese trabalhou com sua equipe na restauração de filmes antigos e esse "Holiday" foi um deles. O resultado melhorou muito a qualidade da imagem e som, mas obviamente por ser tão antigo há um limite para esse tipo de melhoria. Assim se você se interessa pela história do cinema não deixe de ver "Boêmio Encantador", nem que seja para apenas conhecer os trejeitos sociais daqueles tempos ou ver dois mitos do cinema ainda jovens e esbanjando sedução e charme em cena, tudo embalado por um fino humor dos anos 30.

Pablo Aluísio.

Sayonara

Sayonara

Major da Força Aérea Americana (Marlon Brando) se apaixona por jovem japonesa e tem que enfrentar a dura disciplina militar que explicitamente proíbe tal relacionamento durante a estadia de militares americanos no Japão. Basta ler a sinopse para entender porque o ator Marlon Brando se interessou pelo papel. Sempre envolvido em causas sociais (principalmente as que envolviam preconceito racial) Brando achou que seria bastante interessante tocar em um tema polêmico ao indagar até que ponto o código de ética militar das forças armadas americanas era moralmente aceitável. Que direito tinha de determinar quem poderia ou não se envolver com os soldados e oficiais americanos? Não seria uma invasão da vida pessoal dessas pessoas? 

O fato é que mesmo com a proibição muitos militares acabavam se apaixonando pelas mulheres nativas e sofriam sanções por isso. Brando adorou o roteiro desde a primeira vez que o leu mas recusou fazer o filme até que aceitassem reescrever o trágico final original. Aceitos os seus termos o ator fez as malas e junto da equipe viajou ao distante Japão para as filmagens, que não foram fáceis. O problema é que foram na época errada do ano, uma estação muito chuvosa que atrasou absurdamente o cronograma do filme. Em suas memórias Brando relembrou que havia semanas em que não conseguiam filmar nem ao menos uma tomada sequer. Pressionado e criticado pelo estúdio o diretor Joshua Logan entrou em depressão deixando o filme totalmente à deriva nas ilhas nipônicas. Isso se refletiu no resultado final. O filme tem um corte ruim, com mais de duas horas e meia de duração. Marlon acabou atribuindo isso à falta de controle do diretor Logan que se perdeu dentro do projeto.

Apesar de todos os problemas não considero "Sayonara" um filme ruim, pelo contrário. Ele pode ser levemente disperso e com várias cenas desnecessárias mas nunca se torna banal. Há certos deslizes na produção, é verdade, como a maquiagem nada convincente de Ricardo Montalban (fazendo um personagem japonês ora vejam só!) mas isso é de certo modo apenas pontual. A atriz que faz o par romântico de Brando também nada acrescenta, pois tem o talento dramático muito limitado (de fato não seguiu carreira depois). Outro problema é que inexiste química entre ela e Brando, o que para um filme pretensamente romântico é quase um desastre completo. Enfim, para fãs de Brando o filme é obrigatório, até mesmo para vê-lo em um papel de certa forma diferenciado em sua carreira (bancando o herói romântico) mas fica a observação pois o filme poderia ser bem melhor do que realmente é.

Sayonara (Sayonara, Estados Unidos, 1957) Direção de Joshua Logan / Roteiro: Paul Osborn baseado no romance de James Michener / Elenco: Marlon Brando, Patricia Owens, Red Buttons, Miiko Taka, Ricardo Montalban / Sinopse: Major da Força Aérea Americana (Marlon Brando) se apaixona por jovem japonesa e tem que enfrentar a dura disciplina militar que explicitamente proíbe tal relacionamento durante a estadia de militares americanos no Japão.

Pablo Aluísio.

Raposa do Espaço

Raposa do Espaço

Robert Mitchum era um ator da velha guarda de Hollywood que de velha guarda não tinha nada. Sua biografia pouco comum fugia bem do padrão dos astros da época. O ator interpretava personagens diferenciados que geralmente tinham em comum o fato de serem anti-heróis, pessoas bem à margem do American Way of Life. Para quem nasceu em uma família sem muitos recursos e que via a profissão de ator como uma boa forma de ganhar muito dinheiro sem fazer muito esforço, nada mais natural que levar para as telas o outro lado da sociedade americana dos anos 50. Nesse tipo de papel o ator foi insuperável pois ninguém fazia isso melhor do que ele. Em sua extensa filmografia Mitchum não poupou o público de encontrar nas salas de cinema com alguns dos tipos mais incomuns da tela grande. Havia um perdedor bêbado em algum filme? Mitchum encarava o desafio. O papel era de um sádico psicopata que perseguia as pessoas que o havia colocado na prisão? Mitchum era o ator a se socorrer nessas horas... Mesmo quando tentavam enquadrar o ator em algum papel mais, digamos, tradicional, Mitchum mostrava que as coisas não sairiam assim tão fácil para produtores e diretores. Um exemplo é o filme Raposa do Espaço - uma película produzida com a ajuda das forças armadas americanas, portanto digno de toda a patriotada possível.

O enredo se passa durante a guerra da Coreia. Mitchum faz o papel de um Major que chega no Japão para liderar uma esquadrilha de caças durante esse conflito. Bem, se esse papel fosse dado a um John Wayne o filme seria bem diferente. Porém como Mitchum está lá podemos ter certeza que seu personagem não seria nada convencional ou politicamente correto e realmente não era. Embora interprete um oficial da força aérea americana no filme, Mitchum logo logo trata de dar em cima da esposa de um outro oficial e companheiro de armas. Mais Robert Mitchum do que isso, impossível... Como se não bastasse ainda contracenava com o ator Robert Wagner no comecinho da carreira. Para quem não está ligando o nome à pessoa, Wagner ganhou fama internacional muitos anos depois ao estrelar o famoso programa Casal 20. Também ganhou notoriedade por ter sido casado com Natalie Wood (alguns boatos chegaram inclusive a culpá-lo pela morte dela, afogada depois de uma noite de bebedeira). Contracenando com Mitchum nesse filme ainda temos Richard Egan, ator bem conhecido dos fãs de Elvis Presley pois estrelou ao lado do Rei do Rock seu primeiro filme, Love Me Tender. Para quem foi preso por fumar maconha no auge da fama, por vagabundagem na juventude, até que Mitchum engana direitinho como militar durante o filme. Com seu rosto cinicamente natural, ele nos lembra que até os anti-heróis eram mais interessantes antigamente...

Raposa do Espaço (The Hunters, Estados Unidos, 1958) Direção de Dick Powell / Roteiro de Wendell Mayes e James Salter / Elenco: Robert Mitchum, Robert Wagner, Richard Egan / Sinopse: O enredo se passa durante a guerra da Coréia. Mitchum faz o papel de um Major que chega no Japão para liderar uma esquadrilha de caças durante esse conflito.

Pablo Aluísio.

Maciste: O Gladiador de Esparta

Maciste é um dos heróis mais populares do cinema italiano. Desde a era do cinema mudo ele é comercializado pelos produtores daquele país. Curiosamente são tantos filmes com Maciste que ele deixou até mesmo de ser apenas um herói da era romana para virar estrela de faroestes (onde chegou a enfrentar Zorro) e até caçador de vampiros (onde encontrou Drácula pessoalmente e lhe deu uma tremenda surra!). Também foi usado pelo fascismo, virando soldado em filmes propaganda da II Guerra, onde ele literalmente saia na porrada contra as tropas americanas. Enfim, Maciste e cinema popular italiano são praticamente a mesma coisa. Aqui nessa produção ele volta às origens e vira um gladiador espartano em Roma. Gozando da amizade do Imperador (que não é identificado mas tem pinta de ser o nosso conhecido Nero), Maciste vive de festas e orgias no palácio imperial. Isso muda quando ele se enamora de uma jovem cristã. Em pouco tempo se torna adepto da nova religião e começa a ser perseguido pelas tropas do imperador.

Nem é preciso dizer que historicamente o filme é uma piada. Maciste é um gladiador e escravo mas transita na corte do imperador numa boa. Bate papo com ele e até conta umas piadas. Isso obviamente seria impossível na Roma histórica. Como se trata de um filme popularesco, feito para o povão italiano, há muitas cenas de brigas e lutas. Algumas são absurdas como a que Maciste trava contra um gorila africano (na realidade um cara numa fantasia de macaco nada convincente). Maciste não só lhe dá uma surra como ainda tira onda. Ele também enfrente uma legião inteira de romanos e os coloca para correr. O ator que faz Maciste é o americano (filho de italianos) Mark Forest. Ele é inexpressivo como ator mas bastante forte para o papel (até porque no fundo a Plebe italiana não ia ao cinema ver ele declamar Shakespeare). O roteiro de Maciste é uma piada mas curiosamente sua produção é muito boa. Ótimos figurinos, cenários bem feitos e imagem de qualidade. Nesse aspecto eu me surpreendi! Mas enfim... vale pela curiosidade de conhecer um dos mais queridos personagens populares da italianada. Agora traga a macarronada amore...

Maciste - O Gladiador de Esparta (Maciste, gladiatore di Sparta, Itália, 1964) / Direção de Mario Caiano / Roteiro de Mario Amendola, Mario Amendola / Com Mark Forest, Marilù Tolo e Elisabetta Fanti / Sinopse: O gladiador espartano Maciste goza da amizade e confiança de César. Seu destino porém mudará drasticamente após conhecer os integrantes de uma nova seita religiosa chamada cristãos.

Pablo Aluísio.

Le Mans / 24 Horas de Le Mans

Esse é um curioso filme da filmografia do Steve McQueen. O fato é que ele era louco por corridas e carros velozes, assim quando estava no auge de seu sucesso resolveu bancar um projeto pessoal: realizar um filme durante as 24 horas de Le Mans (uma das corridas mais famosas da Europa). Embora tenha sido aconselhado a não estrelar o filme, Steve bateu o pé e levou uma enorme equipe de Hollywood para filmar o grande evento esportivo. O problema é que em sua ansiedade de fazer o filme McQueen esqueceu de que todo filme tem que ter um roteiro e não basta apenas filmar carros à toda velocidade.

Aí é que está todo o problema de Le Mans... O filme praticamente não tem  um roteiro! Tampouco você vai encontrar uma história, um enredo, mais bem elaborado para acompanhar... De fato o resultado final está mais próximo de um documentário, com tomadas e mais tomadas dos carros de corrida do que propriamente um filme convencional, com personagens, script, falas, interpretação dos atores, etc. É tudo fruto da paixão do ator por velocidade e nada muito além disso. Ele queria registrar em película os carros coloridos, a emoção do público, o clima em torno da corrida. Não estava preocupado em atuar e nem nada do tipo.

O que ficou de mais importante dessa produção dos anos 70 foi o registro histórico dos carros, dos pilotos e das equipes da época em que o filme foi feito. Por isso os fãs do esporte vão gostar mais do que os fãs de cinema. Esses terão pouco a apreciar. Tudo se passa nas próprias 24 horas de Le Mans. Tudo o que se vê durante o filme inteiro é a própria corrida e nada mais. É praticamente um documentário da corrida. Para não dizer que McQueen não interpreta nada, ele tem duas cenas onde troca diálogos rápidos com outros personagens (que nem mesmo possuem nomes!). Porém tecnicamente, do ponto de vista das filmagens, temos que admitir que o filme é muito bem editado e tem ótimas sequências de pista... mas também só tem isso. Enfim, o resultado de tudo é que o filme não agradou ao público em geral, foi um tremendo fracasso de bilheteria e o McQueen perdeu uma verdadeira fortuna com essa ideia. Foi um resultado esperado, já que os produtores o advertiram. Ele porém pagou para ver e deu no que deu. 

Le Mans / 24 Horas de Le Mans (Le Mans, Estados Unidos, 1971) Direção: Lee H. Katzin / Roteiro: Harry Kleiner / Elenco: Steve McQueen, Siegfried Rauch, Elga Andersen / Sinopse: O filme mostra em tom quase documental um piloto participando da corrida denominada 24 Horas de Le Mans. Tudo filmado com cenas reais capturadas no Circuit des 24 Heures du Mans, Le Mans, Sarthe, na França. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Trilha Sonora Incidental (Michel Legrand),

 Pablo Aluísio.

Sede de Viver

Esse é outro filme que considero essencial para se conhecer melhor o talento do ator Kirk Douglas. Ele deixou os filmes de faroeste, os grandes épicos, as aventuras submarinas de lado, para atuar em um projeto bem artístico, com um roteiro muito humano. O tema do filme era a vida do pintor Vincent van Gogh (1853 - 1890). Filho de um austero pastor protestante, ele sonhava seguir os passos do pai, mas acabava sendo rejeitado por sua congregação. O motivo? Ele não tinha aptidão para a oratória e a pregação nos cultos. Com isso seus sonhos acabaram ficando pelo meio do caminho. Porém o que lhe faltava como orador certamente lhe sobrava como pintor de quadros. Depois da rejeição, ele decidiu então se dedicar ao mundo da pintura. Era um velho sonho esse de se tornar artista, de viver de sua arte. Trabalhando freneticamente, almejava se tornar um sucesso no mundo das artes, mas só conseguiu em vida ser completamente ignorado. Seu irmão Theo, um comerciante de quadros em Paris, até se esforçou para vender suas pinturas, mas o sucesso definitivamente não parecia sorrir na vida de Van Gogh. Alguns grandes nomes da arte só conseguem mesmo o reconhecimento após a morte. Infelizmente para Van Gogh foi esse o caso.

Considerei um filme bem comovente. É bastante louvável que Hollywood tenha produzido algo assim, mostrando um dos maiores gênios da pintura de todos os tempos de uma forma respeitosa, mas também realista. O Vincent van Gogh que surge na tela é um homem que não consegue acertar na vida. Tenta ser pastor protestante, mas sua visão de mundo, de abraçar os mais pobres e humildes, o faz fracassar dentro de sua missão luterana. Seus superiores não querem esse tipo de atitude de abnegação. Depois sonha em se tornar um pintor, trabalha incansavelmente, mas novamente não consegue grande êxito (comercial, é bom frisar). Seus quadros não vendem nada e ele acaba sendo sustentado pelo irmão, um grande sujeito. A falta de um caminho de sucesso acaba destruindo a alma do grande artista. Atacado por uma crise nervosa, vai parar em um manicômio onde dá continuidade às suas crises existenciais. É um grande trabalho da carreira de Kirk Douglas que se entregou de corpo e alma ao papel. Poucas vezes vi o ator em uma interpretação tão intensa como essa. Kirk incorpora Van Gogh de uma forma sobrenatural. Podemos perceber facilmente seu apego ao papel. Foi uma atuação de coração mesmo, do fundo de sua alma. Ele foi indicado ao Oscar de melhor ator, mas por uma dessas injustiças da Academia não foi premiado. 

Anthony Quinn foi mais feliz e levantou a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante. Ele interpretou o pintor Paul Gauguin, que era um dos únicos amigos que Van Gogh tinha no mundo das artes. Sua atuação quebrou um estigma na época, pois Quinn era visto como um grandalhão, um gigante amigo, mas não um excepcional ator de cinema. Depois que ganhou o Oscar ganhou o respeito dos críticos em geral. O personagem que interpretou era muito rico, um verdadeiro presente para qualquer ator. Sua amizade mercurial com Van Gogh arranca faíscas em cena. Outro ponto digno de elogios foi a preocupação dos produtores em mostrar os mais famosos quadros do pintor em momentos cruciais da trama, fundindo vida e arte de forma muito adequada e conveniente. Por uma ironia do destino Van Gogh morreu pobre e esquecido, mas hoje em dia seus quadros estão entre os mais valiosos do mundo das artes. Valem milhões! Um artista que mal conseguiu vender um quadro em vida, hoje é considerado um gênio absoluto dos pincéis. Sua arte foi valorizada, tardiamente, temos que reconhecer, mas pelo menos seu talento foi devidamente reconhecido. Esse filme mostra sua história, tudo realizado com grande qualidade. É um grande clássico sem final feliz, pelo menos sob o ponto de vista da existência desse ser humano que foi um artista genial.

Sede de Viver (Lust for Life,  Estados Unidos, 1956) Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) / Direção: Vincente Minnelli, George Cukor (não creditado) / Roteiro: Norman Corwin, baseado no livro de Irving Stone / Elenco: Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Pamela Brown / Sinopse: O filme conta a história real e trágica da vida do pintor Vincent Van Gogh. Suas lutas, seus fracassos e suas desilusões. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhor ator coadjuvante (Anthony Quinn). Também indicado nas categorias de Melhor Ator (Kirk Douglas), Melhor Roteiro Adaptado (Norman Corwin) e Melhor Direção de Arte (Cedric Gibbons e Hans Peters). Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator (Kirk Douglas). Também indicado na categoria de Melhor Filme - Drama.

Pablo Aluísio.

A Verdadeira Glória

Título no Brasil: A Verdadeira Glória

Título Original: The Real Glory

Ano de Lançamento: 1939

País: Estados Unidos

Estúdio: United Artists

Direção: Henry Hathaway

Roteiro: Jo Swerling, Robert Presnell Sr

Elenco: Gary Cooper, David Niven, Andrea Leeds

Sinopse:

Uma aventura nas selvas das Filipinas após a Guerra Hispano-Americana. Cooper lidera um pequeno grupo de soldados americanos e pessoal médico que é enviado para uma região distante. Sua principal missão é treinar os moradores locais para lutarem contra os cruéis piratas que aterrorizam e atacam aquela região distante. 

Comentários:

Esse clássico filme é na realidade uma espécie de continuação de "Lanceiros da Índia", um dos grandes filmes da carreira de Gary Cooper. Muitos nem o consideram um faroeste de verdade pois a história se passa em grande parte nas Filipinas. Eu não penso dessa maneira. Os personagens são do velho oeste, muitos deles são membros da cavalaria dos Estados Unidos. A mudança de cenário não altera a essência dessa produção. Assim considero um legítimo western da era de ouro de Hollywood. Um pouco diferente, devo admitir, mas ainda assim um faroeste. No mais o espectador não vai se decepcionar com as cenas de ação e o bom roteiro. Sem dúvida um dos melhores filmes da filmografia de Cooper. 

Pablo Aluísio.

Resgate de Honra

Título no Brasil: Resgate de Honra
Título Original: Return of the Frontiersman
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Richard L. Bare
Roteiro: Edna Anhalt
Elenco: Gordon MacRae, Julie London, Rory Calhoun

Sinopse:
O xerife Sam Barrett (Jack Holt) é considerado um homem íntegro e honesto, a tal ponto que leva para a prisão seu próprio filho, Logan Barrett (Gordon MacRae), acusado de um assassinato na região. Sam está determinado a encarcerar o jovem até o dia de seu julgamento mas antes disso ele consegue escapar com a ajuda de seu amigo, Larrabee (Rory Calhoun), que é na verdade o verdadeiro assassino do crime pelo qual Logan está sendo injustamente acusado.

Comentários:
Western dos bons, produzido pelo sempre competente estúdio Warner Bros. Aqui o mais interessante é o roteiro que lida muito bem com a situação central, onde um dos personagens, o filho do xerife, é acusado de matar um cowboy nas redondezas, só que na verdade o real assassino é aquele que ele considera ser o seu melhor amigo. Um dos grandes trunfos também vem do papel interpretado por Rory Calhoun. Ela dá vida a Larrabee, o amigo. Durante praticamente todo o tempo o espectador fica numa grande dúvida se ele é de fato uma amizade sincera ou apenas um escroque sem escrúpulos. Embora não caiba aqui revelar o final devo antecipar que o achei muito bem bolado e até mesmo inesperado. Também contribui muito o fato de gostar bastante dos faroestes dirigidos por Richard Leland Bare que era muito eficaz nesse tipo de fita, basta lembrar dos também ótimos "Cheyenne" (1955) e um dos meus preferidos de sua safra, "No Rastro dos Bandoleiros" (1957). Ainda falaremos muito de sua obra por aqui, por enquanto fica a recomendação desse "Return of the Frontiersman" que merece fazer parte de sua coleção.

Pablo Aluísio.

Brutalidade Mortal

Título no Brasil: Brutalidade Mortal

Título Original: Brute Force

Ano de Lançamento: 1947

País: Estados Unidos

Estúdio: Universal Pictures

Direção: Jules Dassin

Roteiro: Richard Brooks, Robert Patterson

Elenco: Burt Lancaster, Hume Cronyn, Yvonne De Carlo, Charles Bickford, Ella Raines, Sam Levene

Sinopse:

Na superlotada Penitenciária de Westgate, onde a violência e o medo são normas e o diretor tem menos poder do que os guardas e os principais prisioneiros, a violência explode a todo momento. O condenado violento, durão e obstinado Joe Collins (Lancaster) quer revanche contra o chefe da guarda, Capitão Munsey, um pequeno ditador que se orgulha do poder absoluto. Depois de muitas infrações, Joe e seus companheiros de cela são colocados no temido cano de esgoto; provocando um esquema de fuga que tem todas as chances de se transformar em um banho de sangue.

Comentários:

Esse segundo filme da carreira do ator Burt Lancaster foi considerado muito visceral e brutal, fazendo jus ao seu título. A história se passa dentro de uma prisão onde os condenados vivem praticamente como bestas, como animais enjaulados. Para Lancaster o filme foi muito adequado. Jovem, atlético e musculoso, mas ainda não muito experiente como ator, ele conseguiu se sobressair nas cenas de lutas e pancadaria. Só com o tempo é que esse ex-trapezista de circo iria finalmente se desenvolver como bom intérprete de papéis dramáticos, afinal tudo tem seu tempo e momento de acontecer. De uma forma ou outra uma coisa não se pode negar, até hoje impressiona pela força de suas imagens. E pensar que um filme com uma história tão atroz assim foi lançado nos anos 1940. Pois é, o cinema americano já estava em seu auge por essa época. Obs: Esse filme também é conhecido no Brasil apenas como "Brutalidade", pois foi exibido com esse nome em algumas reprises na madrugadas televisivas dos canais abertos nacionais. 

Pablo Aluísio.

Contrabando no Cairo

Título no Brasil: Contrabando no Cairo

Título Original: Tip on a Dead Jockey

Ano de Lançamento: 1957

País: Estados Unidos

Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Direção: Richard Thorpe

Roteiro: Charles Lederer, Irwin Shaw

Elenco: Robert Taylor, Dorothy Malone, Gia Scala

Sinopse:

Durante a década de 1950, em Madrid, um piloto veterano americano com problemas de vício e dívidas de apostas em corridas de cavalos é forçado por criminosos europeus a aceitar um perigoso trabalho de contrabando bem remunerado. Ele precisa levar uma carga para o Cairo, no Egito e não ser pego pelos policiais de fronteira. 

Comentários:

Dando um tempo em seus filmes de dramas românticos, o Robert Taylor fez esse filme que tinha um pouco mais de dose de adrenalina, quase um filme de ação, com a história girando em torno de contrabando através de antigos aviões bimotores de cargas. Só que como ele era um dos galãs mais famosos e populares daquela época não houve como ignorar isso. Então o roteiro também abriu espaço para mais uma daquelas novelizações exageradas, o que de certa maneira destoava do restante do filme. Se tivessem se concentrado apenas na tensão das cenas de contrabando pela aviação clandestina o filme teria sido melhor, tenho certeza disso. De qualquer forma o filme é bom. E a beleza da Dorothy Malone faz tudo parecer melhor do que realmente era. Essa atriz foi uma beldade e tanto dos anos 50. 

Pablo Aluísio.

Morituri

Título no Brasil: Morituri

Título Original: Morituri

Ano de Lançamento: 1965

País: Estados Unidos

Estúdio: Twentieth Century Fox

Direção: Bernhard Wicki

Roteiro: Werner Jörg Lüddecke, Daniel Taradash

Elenco: Marlon Brando, Yul Brynner, Janet Margolin, Trevor Howard, Wally Cox, Hans Christian Blech

Sinopse:

Durante a II Guerra Mundial um estranho sujeito, Robert Crain (Marlon Brando), se faz passar por um oficial nazista SS em um cargueiro em alto-mar que transportava uma preciosa carga para o esforço de guerra alemão. Na realidade ele seria um agente britânico infiltrado na embarcação. Seu objetivo seria facilitar a captura do cargueiro pela marinha inglesa antes que ele chegasse em seu porto de descarga. E se para isso fosse preciso atuar como sabotador, ele estaria pronto para alcançar esse desafio. 

Comentários:

Marlon Brando não queria fazer esse filme, mas precisando de dinheiro, acabou aceitando. As filmagens foram complicadas, realizadas em um velho cargueiro ancorado no porto de Los Angeles. A velha embarcação estava cheia de ferrugem e Brando confessou que tinha até mesmo medo de trabalhar naquele lugar. De qualquer forma ele usou sua influência de grande astro para mudar o roteiro, que originalmente era muito bom, escrito pelo mesmo roteirista do clássico "A Um Passo da Eternidade". Não foi uma boa ideia pois Brando não era roteirista de cinema. Suas mudanças prejudicaram o desenvolvimento da história do filme. Também forçou a contratação de seu amigo de longa data, Wally Cox. O resultado ficou apenas regular. O filme teve duas honrosas indicações ao Oscar nas categorias de melhor fotografia em preto e branco (indicação mais do que merecida) e melhor figurino. Comercialmente o filme foi um fracasso de bilheteria o que para Brando na época foi uma péssima notícia pois seus últimos filmes também não tinham feito qualquer sucesso. De uma forma ou outra, mesmo com tantos problemas, ainda considero um dos filmes mais interessantes da filmografia de Marlon Brando. Claro, poderia ser muito melhor, mas do jeito que ficou, até que não se tornou tão ruim como muitos dizem. 

Pablo Aluísio.

As Vidas de Marilyn Monroe - Parte 34

Marilyn Monroe e Joe Di Maggio

Alguns romances parecem que foram escritos nas estrelas. Infelizmente na maioria das vezes apenas parecem mas não se concretizam. Esse parece ter sido o caso de Marilyn Monroe e Joe Di Maggio. Ela, uma das atrizes mais populares da história do cinema. Ele, um mito do beisebol, considerado o "último grande herói" do mais americano dos esportes. Um ícone da nação. Se eram parecidos no quesito fama não poderiam ser mais diferentes em suas personalidades. Di Maggio era um ítalo-americano típico. Turrão, era reservado e tratava a imprensa a patadas. Ciumento e possessivo achava que o lugar da mulher era realmente na cozinha preparando um belo prato de macarronada para o maridão. Monroe era o oposto de tudo isso. Expansiva e louca por publicidade Marilyn sabia que para manter sua popularidade tinha que manter bons contatos com a imprensa. Tinha amigos jornalistas e vira e mexe os presenteava com furos - muitas vezes de sua própria vida pessoal. Como artista adorava os holofotes, sejam quais fossem. Era literalmente uma estrela e como sabemos é da natureza das estrelas sempre brilharem o máximo possível.

Os dois se conheceram meio ao acaso. Di Maggio viu uma foto de Marilyn em uma revista e ficou impressionado pela beleza da atriz. Usou de seus contatos no meio cinematográfico para conhecê-la a qualquer custo. Informada ela não deu muita bola, afinal não acompanhava beisebol e pouco sabia sobre Di Maggio. Após alguns desencontros resolveram se encontrar. Foi um jantar formal, com Joe sempre receoso em tudo ir por água abaixo. Curiosamente apesar da diferença de personalidades acabaram se entrosando. Marilyn há muito almejava encontrar seu par ideal para quem sabe formar uma família de verdade (algo que realmente nunca teve em vida). Finalmente depois de vários encontros finalmente foram para a "terceira base" (uma gíria bem em voga nos EUA). Se deram muito bem sob os lençóis. Tão bem que esse acabou sendo realmente o elo que sempre os mantinham juntos.

Em um impulso típico da atriz acabaram se casando. Di Maggio finalmente tinha seu grande prêmio, a mulher de seus sonhos. Ele tinha sua própria ideia do que seria um casamento ideal e para falar a verdade Marilyn bem se esforçou para corresponder a esses anseios do marido. Se tornou praticamente uma dona de casa. Fazia a comida de Joe enquanto esse ficava na sala assistindo seus faroestes preferidos na TV. Até suportou o bando de amigos beberrões do marido que sempre os visitavam para beber, jogar cartas e contar piadas machistas. Imaginem a cena: um monte de italianos ao redor de uma mesa de bridge sendo servidos com salgadinhos e cerveja por um dos maiores símbolos sexuais do mundo. Olhando bem de perto realmente não havia como dar certo uma coisa dessas. Marilyn já tinha tido uma experiência assim com seu primeiro marido. O fato puro e simples era que ela na realidade queria voltar aos sets de filmagem o mais rápido possível.

Assim após alguns meses Marilyn finalmente retornou aos braços de seu público. Lá estava ela em plena Nova Iorque filmando as famosas cenas do vestido levantado em "O Pecado Mora ao Lado". Di Maggio que já havia tido vários atritos com ela por causa dos roteiros dos filmes que fazia ficou discretamente posicionado atrás das câmeras, meio na surdina. Marilyn obviamente nem tomou conhecimento da presença do marido no local. Di Maggio franziu a testa. O que viu lhe deixou profundamente irritado. Marilyn com as saias esvoaçantes, deixando muito pouco para a imaginação dos homens no local. Rindo e se divertindo ela acabou adorando as cenas. A volta para casa foi tumultuada. Joe pediu explicações - Marilyn retrucou. Depois de muita gritaria finalmente aconteceu o que selou o fim do casamento. Joe Di Maggio, o herói americano, agrediu Marilyn. Ela já tinha suportado muita coisa de Joe mas isso não. Era o fim. Em pouco tempo Monroe pediu o divórcio e se foi. Di Maggio ficou arrasado. Ele ainda tentou várias e várias vezes reatar seu relacionamento mas Marilyn, que quase virou um dia uma típica dona de casa italiana, caiu fora para sempre. Era o fim do casamento dos sonhos da grande nação ianque.

O casamento da estrela e do herói do esporte acabou definitivamente, mas não a paixão de Di Maggio. Ao longo dos anos ele virou literalmente um chiclete no saldo alto da atriz. Sempre pronto a tentar uma reconciliação. Engoliu seu tradicional orgulho italiano e se prestou a passar por verdadeiras humilhações públicas. Marilyn nunca voltou atrás e parece não ter se arrependido disso. Mas como diz o velho ditado o mundo dá voltas. Após diversos fracassos amorosos Marilyn encontrou seu destino no quarto de sua casa em Hollywood. Na cama sozinha ela ainda tentou fazer uma última chamada mas o efeito das pílulas que tomou foram fortes demais. Ela apagou. Em suas últimas semanas Marilyn Monroe estava arrasada. Tinha sido despedida da Fox após inúmeros atrasos e faltas no set de seu último filme. Tentara e fracassara em seu romance duplo com os irmãos Kennedy. Abandonada e ferida Marilyn se afogou em tristeza e depressão. Para alguns uma morte acidental, para outros suicídio e como todo conto de fadas Made in USA esse também teve sua pitada de teorias da conspiração. Teria Marilyn sido assassinada pelo FBI ou pela CIA? Hoje, passado tantos anos isso realmente não importa mais.

No apagar das luzes do mito eterno foi Di Maggio quem acabou sendo o responsável por seu funeral. Afastou da cerimônia as pessoas que ele acreditava terem sido danosas a Marilyn (como Frank Sinatra, por exemplo). Providenciou uma despedida simples e respeitosa, com os poucos verdadeiros amigos da atriz. No final se mostrou inconsolável de uma dor que jamais iria se cicatrizar. Ao longo dos anos Di Maggio recusou milhões de dólares para escrever sua auto biografia. Certa vez confidenciou a um amigo próximo que jamais o faria, porque sabia que a imprensa queria mesmo era saber sobre a vida de Marilyn Monroe e ele certamente não a trairia nesse ponto. Enquanto viveu ele mandou depositar diariamente um ramalhete de flores na lápide da amada. Era uma forma de provar que jamais a esqueceria. No final seu amor por Marilyn mostrou-se realmente eterno e incondicional pois cumpriu sua promessa de nada declarar sobre sua amada. Morreu em 1999 sem falar uma linha sequer sobre seus anos ao lado da atriz mais famosa da história do cinema. O amor realmente desconhece as razões de sua própria existência.

Pablo Aluísio.