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sábado, 25 de novembro de 2023

O Quinto Elemento

Título no Brasil: O Quinto Elemento
Título Original: The Fifth Element
Ano de Lançamento: 1997
País: França, Reino Unido
Estúdio: Gaumont Films
Direção: Luc Besson
Roteiro: Luc Besson, Robert Mark Kamen
Elenco: Bruce Willis, Gary Oldman, Milla Jovovich, Chris Tucker, Ian Holm, Luke Perry

Sinopse:
Nesse filme, cuja história se passa no ano de 2225, o ator Bruce Willis interpreta um motorista de táxi que se vê envolvido numa grande conspiração envolvendo grandes corporações após ajudar uma jovem que parece estar fugindo, lutando por sua vida a todo custo. Filme indicado ao Oscar na categoria de melhor efeitos sonoros (Mark A. Mangini). 

Comentários:
Tive a oportunidade de assistir no cinema, o que foi o ideal pois esse é um daqueles filmes em que o visual conta muito, ou melhor dizendo, conta tudo! E o que temos aqui é exatamente isso. Um filme visualmente belíssimo, contando cm figurinos extremamente bem elaborados, assinados por renomados estilistas de Paris, cenários futuristas originais e uma produção realmente de encher os olhos. Inclusive a direção de arte dessa ficção é de fato uma das melhores dos últimos 30 anos. Infelizmente o mesmo não se pode dizer de seu roteiro. Aqui o diretor se baseou em uma história original, criada por ele mesmo. É uma variação de velhas mitologias que já bem conhecemos, tudo misturado com uma certa paranoia sobre os avanços da ciência, principalmente em relação ao tema da tecnologia de manipulação genética. Funciona pouco nesse aspecto. Em suma, "O Quinto Elemento" é um filme lindo de se assistir, mas sem muito conteúdo por trás de toda aquela beleza cinematográfica que vemos na tela. 

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 7 de agosto de 2023

O Fabuloso Ladrão de Bagdá

Título no Brasil: O Fabuloso Ladrão de Bagdá
Título Original: The Thief of Baghdad
Ano de Lançamento: 1978
País: Estados Unidos
Estúdio: National Broadcasting Company (NBC)
Direção: Clive Donner
Roteiro: AJ Carothers, Andrew Birkin
Elenco: Peter Ustinov, Roddy McDowall, Ian Holm, Kabir Bedi, Daniel Emilfork, Frank Finlay

Sinopse:
Um ladrão esperto e inteligente ajuda um belo príncipe a lutar contra um bruxo malvado para ganhar a mão de uma linda princesa. Adaptação em filme para um famoso conto das mil e uma noites.

Comentários:
Eu ainda me lembro quando esse filme era reprisado pela antiga sessão da tarde dos anos 70. Era figurinha fácil na programação da rede Globo durante o período da tarde. E nem preciso dizer que era uma aventura imperdível naqueles tempos. Tinha uma boa produção, com efeitos especiais mais do que interessantes. Além disso, para quem gostava de cinema para valer, o filme contava com um elenco de veteranos da velha Hollywood. Todos eles em personagens secundários, mas que tinham grande importância dentro da história que o filme contava. Além do mais, havia um gênio da lâmpada e tudo o que você iria esperar da mitologia do Oriente Médio. Em suma, uma diversão simples e saborosa dos anos 70, que ficou muito conhecida no Brasil durante os anos 80, justamente por causa das reprises que passavam na televisão aberta. Um filme de aventura ao velho estilo com sabor de pura nostalgia. 

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 6 de maio de 2022

O Retorno do Soldado

Título no Brasil: O Retorno do Soldado
Título Original: The Return of the Soldier
Ano de Produção: 1982
País: Reino Unido
Estúdio: Barry R. Cooper Productions
Direção: Alan Bridges
Roteiro: Hugh Whitemore
Elenco: Julie Christie, Glenda Jackson, Ann-Margret, Alan Bates, Ian Holm, Hilary Mason

Sinopse:
Oficial inglês retorna para seu país após lutar na guerra. Ele começa a apresentar sequelas, resultando em perda de memória recente. Só que se lembra bem de fatos mais antigos, inclusive de sua primeira namorada. O problema é que o tempo passou e ela se tornou uma mulher casada. Sua paixão porém renasce quando a reencontra.

Comentários:
Não é um filme de guerra como pode parecer supor seu título. Na verdade é um drama romântico muito elegante, com ótima produção de época. O protagonista é um homem torturado pelos anos que passou na guerra. De volta para a Inglaterra, ele quer esquecer das atrocidades que viu no campo de batalha. Ele só consegue lembrar bem dos fatos de sua juventude e adolescência e se revela ainda apaixonado pela sua primeira namorada. Ela se encontra casada e não pode corresponder à sua paixão, criando uma controvérsia na comunidade onde vive. O grande destaque do elenco é a presença da atriz Julie Christie. Em elegantes figurinos, ela ainda continuava uma mulher bela e charmosa, mesmo após muitos anos de interpretar Lara, sua personagem mais famosa do clássico "Dr. Jivago".

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 9 de setembro de 2020

Mistérios e Paixões

Título no Brasil: Mistérios e Paixões
Título Original: Naked Lunch
Ano de Produção: 1991
País: Inglaterra, Canadá
Estúdio:  Recorded Picture Company (RPC)
Direção: David Cronenberg
Roteiro: David Cronenberg
Elenco: Peter Weller, Judy Davis, Ian Holm, Julian Sands, Roy Scheider, Monique Mercure

Sinopse:
Depois de desenvolver um vício na substância tóxica que usa para matar insetos, um exterminador acidentalmente mata sua esposa e se envolve em um plano secreto do governo orquestrado por insetos gigantes em uma cidade portuária no Norte da África. Filme indicado no Berlin International Film Festival e Fangoria Chainsaw Awards na categoria de melhor direção (David Cronenberg).

Comentários:
Não procure por sentido e lógica. "Mistérios e Paixões" de David Cronenberg não faz muito sentido mesmo.  William S. Burroughs é obviamente uma referência cultural muito forte, ao ponto do diretor e roteirista ter creditado o roteiro como inspirado na sua conhecida novela. A questão é que literatura e cinema, apesar das semelhanças, não são artes completamente conexas. Nem sempre o que funciona na literatura dá muito certo no cinema. Porém não espere por fidelidade total do filme com o livro original. Esse aliás foi descrito por Orson Welles como uma dessas obras literárias que eram impossíveis de se adaptar para as telas de cinema. David Cronenberg sabia muito bem disso, mas tentou a sorte. Ao invés de buscar por uma narrativa linear ele priorizou as imagens estranhas, bizarras, de um ser humano literalmente virando um inseto gigante. Eu me recordo que quando assisti ao filme pela primeira vez não gostei do que vi. Hoje porém já tenho uma opinião melhor sobre essa película. Nem tudo que vira filme precisa fazer muito sentido. Isso é secundário. O que vale é a arte pela arte e mesmo que seja estranha, vale a pena. Aqui David Cronenberg voltou aos insetos asquerosos, mas ao contrário de "A Mosca" sua intenção não era fazer terror, mas sim literatura cinematográfica. Valeu pela coragem e boas intenções.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 7 de fevereiro de 2019

O Aviador

Revi esse filme do grande Martin Scorsese. OK, rever pura e simplesmente a versão original seria algo meio óbvio. Assim procurei por essa versão especial, estendida, com quase três horas de duração. Como se sabe muitos diretores precisam fazer cortes para que seus filmes sejam comercialmente viáveis. Depois, mais tarde, eles finalmente fazem seu corte pessoal, acrescentando cenas deletadas, etc. Se você só viu a primeira versão, a original, não precisa se preocupar muito. As mudanças são pontuais. Algumas cenas duram mais, possuem maiores linhas de diálogo, mas é só. A narrativa segue a primeira espinha dorsal que Scorsese criou para seu filme que chegou aos cinemas em 2004. Como sabemos o roteiro conta a história real do bilionário Howard Hughes. Ele foi um dos homens mais ricos do mundo em sua época, mas sofria de diversos transtornos mentais. A riqueza acabou sendo sua ruína, pois sendo poderoso e intocável não se deixava passar por tratamentos psiquiátricos. Em razão disso foi ficando cada vez mais doido com o passar dos anos, criando uma rotina sombria, onde passava o tempo todo trancado dentro de uma sala escura, onde eram exibidos seus velhos filmes (ele também havia sido produtor e diretor em Hollywood). Obcecado por germes e bactérias, não conseguia mais viver como um homem normal, geralmente ficava sem roupas, urinando em garrafas, as mesmas que traziam leite, um dos poucos alimentos que admitia consumir. Não admitia ver mais ninguém e falava com seus subordinados através de uma porta trancada.

O filme obviamente foca nos primeiros anos de Hughes, quando ele era, digamos assim, mais normal. Namorando estrelas do cinema, comprando companhias aéreas e fechando grandes contratos com a força aérea, ele foi ficando cada vez mais rico a cada ano, enquanto a loucura ia também dominando sua mente. No filme já surgem os primeiros sintomas, com a obsessão de lavar as mãos até arrancar sangue, do pavor de tocar em outras pessoas, e da paranoia, representado pelas escutas que mandava instalar nas casas e telefones das mulheres com quem se relacionava. Depois de alguns anos virou um doido varrido e seu nome também virou sinônimo de milionário excêntrico e anormal. Leonardo DiCaprio interpreta o louco, mas não levou o Oscar. A velha maldição que o perseguiu por anos e anos. Quem se saiu melhor foi sua colega de cena, Cate Blanchett. Sinceramente falando não achei grande coisa sua interpretação. Ela interpreta a atriz Katharine Hepburn. Com cabelos naturais loiros (Hepburn tinha cabelos pretos) ela em pouco lembra a famosa estrela. Não merecia ter levado o Oscar. Quem merecia vencer mesmo era o diretor Martin Scorsese. Mestre em contar histórias, ele recriou nos mínimos detalhes os grandes momentos de Hughes. Só faltou mesmo mostrar o fim de sua vida, quando ele se tornou um homem completamente insano, afundado em sua própria loucura sem limites.

O Aviador (The Aviator, Estados Unidos, 2004) Direção: Martin Scorsese / Roteiro: John Logan / Elenco: Leonardo DiCaprio, Cate Blanchett, Kate Beckinsale, John C. Reilly, Alec Baldwin, Alan Alda, Ian Holm / Sinopse: O filme conta a história do milionário Howard Hughes (DiCaprio). Investidor e construtor de aviões, acabou sucumbindo a uma grave doença mental em seus últimos anos. Vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Atriz Coadjuvante (Cate Blanchett), Melhor Fotografia (Robert Richardson), Melhor figurino (Sandy Powell) e Melhor Direção de Arte (Dante Ferretti e Francesca Lo Schiavo). 

Pablo Aluísio. 

terça-feira, 17 de fevereiro de 2015

Ratatouille

Mais uma animação com o selo Pixar. E o que significa isso? Significa que é ele já chega sob a expectativa de um produto de excelente nível técnico. A Pixar durante todos esses anos simplesmente revolucionou o mundo da animação para o cinema com vários filmes que hoje em dia podem ser considerados até mesmo clássicos modernos do gênero. Esse “Ratatouille” já chegou com as expectativas extremamente altas por essa razão. Infelizmente não cumpriu tudo aquilo que se esperava dele. Apesar de ter sido extremamente premiado (ganhou o Oscar, o Bafta e o Globo de Ouro de melhor animação do ano) ainda considero um longa menor dentro da vasta galeria de preciosidades da Pixar. Isso não significa que seja ruim, muito longe disso, mas perde se o compararmos com os outros produtos do estúdio. O diretor Brad Bird é o mesmo de “Os Incríveis”. Pois bem, considero “Ratatouille” bem abaixo do charme da animação anterior desse cineasta. Eu atribuo parte disso ao fato da Pixar ter sido comprada pela Disney. Cansada de concorrer com a genialidade dos animadores do estúdio Pixar o império de Mickey Mouse resolveu simplesmente comprar o concorrente. Se não se pode vencê-los, junte-se a eles.  Ou como no caso aqui, os compre logo de uma vez.

A Disney como se sabe tem um padrão de qualidade em seus produtos, tirando qualquer tipo de conteúdo mais ousado ou ofensivo. Assim após adquirir a Pixar os animadores do pequeno estúdio tiveram que se adaptar na nova realidade. “Ratatouille” mostra bem isso. A própria imagem dos personagens segue muito mais o padrão Disney do que o que estávamos acostumados a ver na Pixar. E nem precisa lembrar que o protagonista é um ratinho (alô? Mickey?). Assim temos uma animação boa, não restam dúvidas, mas também muito caretinha, certinha e sem os vôos ousados que estávamos acostumados em ver em algumas animações do tempo em que a Pixar era completamente independente em seu setor de criação. O enredo também é do tipo fofinho – bem ao estilo Disney de ser. Na estória acompanhamos o ratinho Remy que tem o sonho de se tornar um grande chef de cozinha na mais sofisticada de todas as cidades do mundo em termos de gastronomia, Paris. O problema é que ele é um rato e provavelmente por isso jamais realizará seu sonho. Para colocar em prática seus dotes culinários ele precisará de um ser humano e esse lhe aparece finalmente pela frente, o desastrado Linguini. Aspirante a se tornar um grande mestre com as panelas ele não tem o talento do ratinho Remy. Assim ambos resolvem se unir – ajudando um ao outro eles começam a subir na carreira mas não sem antes despertar a inveja e a cobiça de um rival. Como se vê é um enredo tradicional, sem maiores surpresas. Para finalizar cabem aqui duas observações finais. Primeiro, “Ratatouille” é mais indicado para crianças bem pequenas – com menos de dez anos de idade. Segundo, o roteiro é completamente limpo e inofensivo e por essa razão os pais podem deixar seus filhos assistirem ao longa sem nenhum tipo de preocupação com seu conteúdo.

Ratatouille (Ratatouille, Estados Unidos, 2007) Direção: Brad Bird / Roteiro: Brad Bird, Jim Capobianco, Emily Cook, Kathy Greenberg, Jan Pinkava, Bob Peterson / Elenco (vozes): Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter Sohn, Peter O'Toole, Brad Garrett, Janeane Garofalo / Sinopse: Ratinho que sonha ser um grande chef de cozinha se une a um desastrado aspirante a cozinheiro para fazer sucesso em um restaurante na cidade de Paris.

Pablo Aluísio.

domingo, 19 de outubro de 2014

Hamlet

Título no Brasil: Hamlet
Título Original: Hamlet
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Canal+, Carolco Pictures, Icon Entertainment
Direção: Franco Zeffirelli
Roteiro: Christopher De Vore
Elenco: Mel Gibson, Glenn Close, Alan Bates, Paul Scofield, Ian Holm, Helena Bonham Carter

Sinopse:
Hamlet (Mel Gibson) é um príncipe dinamarquês medieval que descobre que seu pai foi morto de forma covarde por uma conspiração palaciana liderada por seu próprio tio, para obter com o crime o trono para si. Agora Hamlet, em profunda crise existencial, resolve partir para a vingança contra todos os traidores e assassinos da corte. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte e Melhor Figurino. Também indicado ao BAFTA Awards na categoria Melhor Ator Coadjuvante (Alan Bates).

Comentários:
No começo dos anos 1990, contrariando todas as expectativas, o ator Mel Gibson resolveu ousar como nunca em sua carreira. Deixou os filmes de ação de lado e abraçou a ideia de interpretar o personagem Hamlet de William Shakespeare no cinema. Conforme esclareceu na época, Gibson queria mesmo era criar um vínculo de aproximação entre o texto clássico e a juventude, que naqueles tempos formava a grande massa de seus admiradores. A intenção como se pode ver, foi realmente muito boa, mas todos se perguntavam se alguma coisa boa poderia sair disso! A boa notícia é que sim, essa versão moderna de "Hamlet" em momento algum decepciona. O diretor Franco Zeffirelli foi bastante inteligente para não deixar tudo apenas nas costas de Gibson e resolveu colocar ao seu lado grandes atores e atrizes com formação teatral clássica. Isso acabou compensando qualquer deslize ou problema maior em recitar um texto tão rico nas telas. Outro ponto positivo, que sempre me chamou bastante a atenção, foi a delicada e discreta direção de arte. Cenários e figurinos medievais que jamais assumem uma posição de superioridade sobre o texto, que é afinal de contas a grande força desse enredo único e maravilhoso. Curiosamente Gibson acabou tendo atritos com Zeffirelli no set de filmagens, talvez por já ter naquela época um lado diretor que começava a despontar e aflorar. Anos depois chegou ao ponto de fazer pouco do trabalho de Franco Zeffirelli ao afirmar que havia se tornado diretor após trabalhar com ele.  "Se um cara como esse dirige filmes, por que não eu?" - brincou. Desavenças à parte, temos que reconhecer que um dos trunfos dessa adaptação vem justamente das decisões acertadas do diretor italiano. Uma pequena obra prima dos anos 90 que merece passar por uma nova avaliação que reconheça seus méritos.

Pablo Aluísio.

sábado, 7 de junho de 2014

O Senhor dos Anéis - A Sociedade do Anel

Título no Brasil: O Senhor dos Anéis - A Sociedade do Anel
Título Original: The Lord of The Rings The Fellowship of the Ring
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Peter Jackson
Roteiro: Fran Walsh, baseado na obra de J.R.R. Tolkien
Elenco: Elijah Wood, Ian McKellen, Orlando Bloom, Cate Blanchett, Sean Astin, Ian Holm, Christopher Lee, Viggo Mortensen 

Sinopse:
Frodo Baggins (Elijah Wood) é um hobbit que fica de posse de um antigo anel que havia pertencido ao seu tio Bilbo Baggins (Ian Holm). Após mostrá-lo para Gandalf (Ian McKellen) esse o alerta de que não se trata de uma peça comum, mas sim de um poderoso artefato que dará poderes inimagináveis para quem o usar. Se cair nas mãos de Sauron será o fim da Terra Média. Filme indicado a treze prêmios da Academia. Vencedor dos Oscars de Melhor Fotografia, Maquiagem, Música e Efeitos Especiais.

Comentários:
Esse foi o primeiro filme da trilogia "The Lord of the Rings". Durante muitos anos se pensou que o livro escrito por J.R.R. Tolkien não poderia ser adaptado para o cinema. Era uma obra tão complexa e que exigia um orçamento tão imenso que nenhum estúdio estava disposto a arriscar. Coube ao mediano New Line Cinema topar o desafio. O resultado se vê em cada pequeno detalhe. Uma produção realmente maravilhosa que conseguiu fazer jus ao talento do grande escritor. O interessante é que não se trata de um filme com orçamento gigantesco. Essa primeira aventura, por exemplo, custou menos do que 100 milhões de dólares, um valor muito razoável para um filme desse porte. Palmas também para Peter Jackson que de diretor desacreditado no começo do projeto se revelou um verdadeiro mestre nesse tipo de produção. Para economizar custos e aproveitar a linda natureza local o estúdio enviou toda a equipe para a Nova Zelândia - uma ilha bem ao lado da Austrália, onde tudo foi realizado sem maiores problemas. Não há como negar que "The Lord of the Rings - The Fellowship of the Ring" seja um marco do cinema de fantasia. Revisto hoje em dia já não causa mais tanto impacto, mas isso se deve principalmente aos dois filmes que viriam a seguir, que se revelaram bem superiores a esse. De qualquer maneira é uma bela obra cinematográfica.

Pablo Aluísio.

sábado, 22 de março de 2014

Carruagens de Fogo

Título no Brasil: Carruagens de Fogo
Título Original: Chariots of Fire
Ano de Produção: 1981
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Hugh Hudson
Roteiro: Colin Welland
Elenco: Ben Cross, Ian Holm, John Gielgud, Brad Davis, Ian Charleson, Nicholas Farrell

Sinopse:
A história, contada em flashback, mostra dois jovens velocistas britânicos que competem por fama e reconhecimento nos Jogos Olímpicos de 1924. Eric Liddell (Ian Charleson) é um missionário escocês devoto, que se dedica aos esportes para agradar ao seu Deus. Já Harold Abrahams (Ben Cross) procura ser aceito dentro da sociedade inglesa mais tradicional uma vez que suas origens judaicas o impede de ser bem recebido em certos setores da esnobe alta sociedade de Cambridge. Filme baseado em fatos reais.

Comentários:
Apesar de consagrado na Academia, onde foi indicado a sete Oscars, vencendo em quatro categorias (Melhor Filme, Roteiro, Figurino e Trilha Sonora), o filme nunca conseguiu se tornar uma unanimidade perante o público. Todos os ingredientes para um grande filme parecem estar presentes mas o cineasta Hugh Hudson não conseguiu imprimir um bom ritmo à película que sofre de vários problemas no desenvolvimento de seu enredo. Aliás essa sempre foi uma crítica presente em praticamente todos os filmes do diretor. Hudson parece vacilante em vários momentos, sem saber direito que rumo tomar, algo que se tornaria um grave problema em um de seus filmes seguintes, o mega fracasso "Revolução" com Al Pacino, que praticamente enterraria suas pretensões de dirigir filmes de grandes orçamentos ao longo do resto de sua carreira (nenhum estúdio tinha mais coragem de arriscar verdadeiras fortunas em filmes assinados pelo diretor). De qualquer forma alguns aspectos salvam "Chariots of Fire" do esquecimento, o mais forte deles a inesquecível trilha sonora de Vangelis, até hoje presente em quaisquer daquelas coletâneas do tipo "Os maiores sucessos do cinema" e similares. No geral é um bom filme, com história edificante e inspiradora, embora tenha passado longe de se tornar uma verdadeira obra prima merecedora de todos os Oscars que venceu.

Pablo Aluísio.

domingo, 15 de dezembro de 2013

Do Inferno

Título no Brasil: Do Inferno
Título Original: From Hell
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Albert Hughes, Allen Hughes
Roteiro: Eddie Campbell, baseado na obra de Alan Moore
Elenco: Johnny Depp, Heather Graham, Ian Holm

Sinopse: 
A trama se passa na sombria Londres de 1888. Pelos becos mais escuros de Whitechapel uma série de prostitutas são encontradas mortas de forma extremamente violenta e brutal. O assassino, um serial killer que se auto denomina Jack, o Estripador, desafia a polícia para descobrir a origem e a sua verdadeira identidade. O investigador Frederick Abberline (Johnny Depp) então é designado para solucionar o caso. Suas investigações porém o levarão a um beco sem saída!

Comentários:
E afinal quem foi Jack, o Estripador? Essa é uma das mais famosas perguntas não respondidas da história. De fato o serial killer que colocou Londres em um verdadeiro terror e pavor de sangue segue sendo desconhecido. Ele provou que o crime perfeito existe pois cometeu atos bárbaros e não pagou pelos seus assassinatos. Tudo o que temos até hoje são especulações, mas nada comprovado, nada solucionado. E foi em torno dessa história que Alan Moore resolveu escrever um de seus trabalhos mais conhecidos, a graphic novel "From Hell". Essa adaptação que temos aqui para o cinema é de fato muito boa e interessante. Muitos confundem pensando ser um filme de Tim Burton pois além da presença de Johnny Depp ainda há todo aquele clima de sombras que tanto marcou as obras do cineasta. A reação ao filme foi divergente. Alguns acusaram o roteiro de mastigar demais a trama para o grande público, deixando o clima sufocante e pessimista de Alan Moore de lado para agradar aos fãs de blockbusters. Para outros se trata do melhor trabalho da carreira de Johnny Depp. Deixando as controvérsias de lado não há como negar que é uma produção tecnicamente muito bem realizada, com uma trama que prende a atenção do espectador da primeira à última cena. Não resolve a contento sobre o mistério de Jack, o Estripador mas apresenta uma tese interessante. Vale a pena ser assistido.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 18 de fevereiro de 2013

Alien, O Oitavo Passageiro

Esse foi o primeiro filme de uma longa linhagem de continuações – algumas interessantes, outras medianas e as últimas geralmente péssimas, principalmente às que foram realizadas sob a bandeira “Aliens Vs Predador”. Meros caça-níqueis. Mas não vamos perder muito tempo com isso. O importante aqui é relembrar desse primeiro filme, o original, que é sempre lembrado como uma das melhores ficções cientificas da história do cinema. “Alien O Oitavo Passageiro” conseguia unir em um mesmo filme, ficção e terror com raro brilhantismo. Não é, como alguns pensam, apenas mais uma produção de monstros, muito longe disso. O roteiro lidava muito bem com a possibilidade de um dia o homem explorar comercialmente o universo e nesse processo encontrar outras formas de vida (inclusive hostis). A nave espacial do filme não é uma nave de batalha intergaláctica que dispara raios pelo espaço! Longe disso, era um rebocador comercial, uma espaçonave pertencente a uma empresa privada de exploração de minas em outros planetas. Os sete tripulantes, em última instância, são trabalhadores, verdadeiros astronautas operários, que acabam lidando com uma situação extrema ao perceberem que não são as únicas entidades biológicas presentes naquele ambiente. Após atender um chamado de socorro em uma planeta distante um dos tripulantes acaba sendo infectado, trazendo uma entidade desconhecida para dentro de sua nave. Há um intruso, aquele que é chamado ironicamente de “o oitavo passageiro”.

O filme causou sensação em seu lançamento justamente por causa desse estilo mais realista, fora da fantasia que reinava nas produções de ficção da época (vide “Guerra nas Estrelas”). Ridley Scott literalmente transforma a nave espacial numa camisa de força, ou em um verdadeiro caixão de metal pois dentro dos limites da espaçonave se travará uma batalha pela vida e morte pela sobrevivência da entidade biológica mais forte, confirmando de certa forma as teorias Darwinistas da sobrevivência da espécie mais apta, mais resistente. Seleção natural em estado bruto. Homem vs Alien. O tom do filme é de puro pessimismo, gerando uma sensação de claustrofobia e desconforto que incomoda o espectador. Curiosamente a atriz Veronica Cartwright iria inicialmente interpretar a personagem principal, a tenente Ripley, mas Ridley Scott após algumas semanas pediu aos produtores que fosse contratada Sigourney Weaver, uma atriz de porte alto e elegante que cairia melhor no papel. A decisão como se sabe foi das mais acertadas pois esse acabou se tornando o personagem mais marcante da carreira de Weaver em toda a sua filmografia. Como a Academia sempre foi cautelosa em premiar filmes de ficção cientifica nas principais categorias restou a “Alien, o Oitavo Passageiro” o prêmio de Melhores Efeitos Visuais, ganhando ainda a indicação na categoria de Melhor Direção de Arte. Não faz mal, o filme ainda é um marco no gênero, com ou sem o reconhecimento do Oscar.

Alien, O Oitavo Passageiro (Alien, Estados Unidos, 1979) Direção: Ridley Scott / Roteiro: Dan O'Bannon / Elenco: Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm, Yaphet Kotto, Bolaji Badejo, Helen Horton / Sinopse: Tripulantes de uma nave espacial são atacados por uma estranha criatura parasita que toma posse do corpo de um dos membros da equipe. Agora, presos dentro da espaçonave, terão que enfrentar o estranho Alien. E que o mais forte sobreviva.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 22 de novembro de 2012

Frankenstein de Mary Shelley

O sucesso de Drácula de Bram Stoker fez com que naturalmente os estúdios procurassem o mais rápido possível adaptar outros livros clássicos de terror. Assim a Tri-Star Pictures colocou em andamento um projeto ambicioso: adaptar o famoso livro de Mary Shelley, Frankenstein. A fórmula seria a mesma que foi usada em Drácula, ser o mais fiel possível ao texto original, ignorando todos os filmes anteriores sobre o tema. Não era uma missão fácil. O design da criatura dos filmes da Universal faz parte da cultura pop até os dias atuais. A estória todos já conheciam mas como adaptação dos mesmos filmes. Era uma mitologia muito conhecida afinal. As surpresas vieram logo quando o nome do diretor e ator Kenneth Branagh foi anunciado para dirigir o novo filme. Ele era muito mais associado às adaptações de William Shakespeare e não tinha muita intimidade com o universo dos filmes de terror tradicionais. Maior surpresa ocorreu depois quando o estúdio anunciou o grande ator Robert De Niro para viver a criatura! Essa seguramente foi a escolha de elenco mais improvável da história de Hollywood. De Niro interpretando o monstro seria no mínimo esquisito. Fora isso a nova versão de Frankenstein teve o melhor em termos de produção e estrutura. Nesse meio tempo o diretor Roger Corman em mais um lance de oportunismo lançou sua própria versão de Frankenstein. Um filme pra lá de bizarro que chegou até mesmo a ser lançado em nossas locadoras na época.

De qualquer modo as pessoas ansiavam mesmo pela produção classe A de De Niro  e Branagh. O filme finalmente foi lançado em novembro de 94. A crítica se dividiu. Para muitos a produção era sem inspiração, preguiçosa e maçante. Para outros era válida a iniciativa de se revisar o texto original de Mary Shelley. Em meu conceito Frankenstein é bem irregular mas não credito todos os problemas apenas ao filme em si. De certa forma o próprio texto de Mary Shelley envelheceu terrivelmente. Escrito como uma aposta da autora que queria produzir o romance mais aterrorizante de sua época,  Frankestein é uma obra que intencionalmente carrega nas tintas a todo momento. Nunca teve a sofisticação dos textos de Bram Stoker. Essa falta de sutileza assim se torna óbvio no transcorrer do filme. Além do mais a segunda parte da trama soa muito ultrapassada nos dias atuais. Com tantos problemas no texto original não é de se estranhar que o filme tenha tantos problemas. A produção de primeira linha está lá, um bom diretor e um elenco de ótimos profissionais também, mas o filme não empolga, não surpreende em nenhum momento. A nova visão do livro de Mary Shelley fez sucesso nas telas mas jamais conseguiu se tornar uma unanimidade como o filme de Francis Ford Coppola. Sem dúvida deixa a desejar em vários aspectos.

Frankenstein de Mary Shelley (Frankestein, Estados Unidos, 1994) Direção: Kenneth Branagh / Roteiro: Steph Lady baseado na obra de Mary Shelley / Elenco: Robert De Niro, Kenneth Branagh, Tom Hulce, Helena Bonham Carter, Aidan Quinn, Ian Holm, John Cleese, Richard Briers / Sinopse: Victor Frankenstein (Kenneth Branagh) é um cientista vitoriano que decide utilizar as recentes descobertas sobre eletricidade para tentar criar vida a partir de restos humanos de pessoas falecidas. Seus experimentos acabam dando origem a uma estranha criatura (Robert De Niro) que a despeito de sua precária condição consegue expressar e desenvolver muitos dos mais nobres sentimentos humanos. 

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 15 de agosto de 2012

Greystoke, a Lenda de Tarzan

Garoto sobrevive a um terrível acidente na selva africana. Retirado dos escombros por macacos ele acaba sendo criado por seus pais adotivos primatas. Anos depois é encontrado por pesquisadores ingleses que fascinados por sua história descobrem que ele é o único sobrevivente da linhagem da importante família aristocrata Greystoke. Tarzan foi criado pelo escritor Edgar Rice Burroughs em 1918 e desde então sua simbiose com o mundo do cinema tem sido plena. Segundo estimativas já foram feitos mais de 100 filmes com o personagem o que não deixa de ser bem curioso uma vez que Tarzan surgiu na literatura na mesma época em que o próprio cinema se tornava muito popular como diversão preferida das massas. Unindo aventura, paisagens exóticas e heroísmo não é de se admirar que Tarzan tenha sido adotado tão rapidamente pela sétima arte. Suas estórias caíram como uma luva no gosto das platéias. Seu reinado inclusive não parece ter fim pois já está em produção um novo filme com o Rei das Selvas que será lançado no ano que vem. 

No meio de tantas produções é complicado escolher o melhor filme já feito sobre o Homem Macaco mas de uma coisa tenho certeza: esse é certamente um dos melhores. Gostei muito do argumento procurando ser o mais realista possível. O cuidado na recriação do contexto histórico em que Tarzan surge (bem no meio da época Vitoriana) também é um dos pontos altos da produção. Até o excelente resultado dos atores na pele de animais chama a atenção mesmo nos dias atuais. A caracterização da família primata de Tarzan, por exemplo, é tecnicamente perfeita. A direção ficou a cargo do sensível cineasta britânico Hugh Hudson. Após se consagrar com "Carruagens de Fogo" e esse "Greystoke" ele cometeu o erro de aceitar a direção de uma superprodução chamada "Revolução". Apesar de contar com a presença sempre marcante de Al Pacino no elenco o roteiro era confuso, sem foco e disperso. Para piorar Hugh resolveu filmar várias cenas com a câmera na mão o que acabou deixando parte do público literalmente tonto. A crítica não perdoou e o filme foi bombardeado se tornando um dos maiores fracassos comerciais da história do cinema americano. O desastre praticamente acabou com sua carreira o que é uma pena pois ele demonstrou tanto aqui como em "Carruagens de Fogo" que sabia muito bem dirigir filmes de época. Infelizmente em Hollywood o sucesso comercial ou não de um filme acaba determinando o destino das carreiras dos cineastas e Hudson ficou marcado para sempre com esse fracasso, não conseguindo mais voltar para os holofotes. De qualquer maneira fica a dica, Greystoke, um marco na longa trajetória de Tarzan no cinema.  

Greystoke, A Lenda de Tarzan (Greystoke: The Legend of Tarzan, Lord of the Apes, Estados Unidos, Inglaterra, 1984) Direção: Hugh Hudson / Roteiro: Robert Towne baseado na obra de Edgar Rice Burroughs / Elenco: Christopher Lambert, Andie MacDowell, Ian Holm, Ralph Richardson, James Fox / Sinopse: O filme narra a origem do famoso personagem Tarzan. Filho de uma família aristocrata britânica sofre um acidente e é criado por macacos nas florestas da África. 

Pablo Aluísio.