A Gaivota

Título no Brasil: A Gaivota
Título Original: The Seagull
Ano de Produção: 2018
País: Estados Unidos
Estúdio: KGB Media, Mar-Key Pictures
Direção: Michael Mayer
Roteiro: Stephen Karam
Elenco: Annette Bening, Saoirse Ronan, Billy Howle, Brian Dennehy, Elisabeth Moss, Corey Stoll

Sinopse:
Baseado na peça escrita por Anton Chekhov, a história do filme "A Gaivota" se passa em 1904, na Rússia imperial. Irina (Annette Bening) é uma famosa atriz que decide passar o verão em sua bela casa de campo. Ao lado de familiares problemáticos, ela tenta superar os dramas de sua vida pessoal.

Comentários:
Em nenhum momento esse filme nega suas origens teatrais. E isso não é um problema, mas uma virtude. É um filme de diálogos e atuações. O elenco é muito bom. Além de Annette Bening temos ainda ótimos atores e atrizes em cena. Saoirse Ronan, em ótima atuação, interpreta a namorada do filho da atriz veterana Irina. O jovem é problemático, um suicida em potencial que não se encontra na vida. Isso faz com que a jovem logo se interesse pelo escritor Boris (Corey Stoll), um homem mais velho e bem sucedido na literatura, que também está na casa, passando o verão. Assim surge o primeiro conflito. Uma jovem camponesa, que sonha um dia se tornar atriz, se apaixonando por um escritor, bem na frente do namorado depressivo e da mãe dele. Elisabeth Moss interpreta uma prima que só se veste de preto, dizendo estar em luto por sua própria vida. Ela tem um amor não correspondido e também apresenta uma personalidade depressiva. O veterano Brian Dennehy, falecido em abril, está ótimo em um de seus últimos momentos no cinema. Enfim, um bom filme, marcado pelo excepcional elenco e por um texto teatral rico, que só aumenta ainda mais a qualidade cinematográfica do filme. A única crítica que teria a fazer seria a falta de uma abordagem política sobre a Rússia naquele período histórico. Não há uma linha de diálogo sequer falando sobre o contexto do que se passava no império russo naquele momento. E haveria muito a dizer sobre isso. No mais, tirando esse aspecto de lado, o filme é realmente muito bom, muito bem escrito e atuado.

Pablo Aluísio.

Silverado

Excelente faroeste produzido em meados da década de 1980. "Silverado" surgiu em uma época em que os grandes estúdios tentavam revitalizar o gênero western. É bem sintomático chamar a atenção para o fato do filme ter sido produzido nos anos 80, quando não havia mais regularidade no lançamento de faroestes no cinema. John Wayne havia partido seis anos antes e deixado uma lacuna, um mercado de fãs de western sem novos lançamentos, sem novos filmes. O faroeste italiano ainda produzia filmes com regularidade, mas esses iam ficando cada vez mais baratos ao longo dos anos. A indústria americana de cinema parecia não investir mais em filmes de western, o que era algo a se lamentar.

Como os antigos astros já estavam velhos e aposentados, o jeito foi adaptar todo um elenco de novatos para encarar o desafio. O elenco é liderado por Kevin Kline cuja carreira foi construída em cima de comédias como “Um Peixe Chamado Wanda” e “Será Que Ele é?”, não tendo muito a ver com o estilo. Curiosamente ele acabou se saindo bem no filme. Danny Glover da série “Máquina Mortífera” também foi escalado. Sua escolha foi mais uma jogada comercial, para chamar mais atenção ao filme. Melhor se saem Brian Dennehy, que aqui repete um personagem bem parecido com o que fez em "Rambo", o xerife corrupto que abusa de sua autoridade e Scott Glenn, que lembrava fisicamente muito Clint Eastwood. Outro aspecto curioso de "Silverado" foi a presença de um jovem Kevin Costner, interpretando um garotão inconsequente que sempre se metia em problemas por onde passava. E pensar que alguns anos depois o próprio Costner iria dirigir e atuar em um clássico do western, "Dança com Lobos". Esse "Silverado" foi, de certa forma, seu ensaio no gênero.

O enredo de Silverado era uma miscelânea de vários e vários faroestes do passado. Uma espécie de homenagem aos aspectos mais valorizados da mitologia do velho oeste. Na estória acompanhamos um grupo de amigos que chega na cidade de Silverado, no Colorado (com locações reais no Novo México), agora dominada completamente por um xerife corrupto e seu grupo de capangas. Aterrorizando os moradores, o xerife, na realidade um antigo bandoleiro e pistoleiro se fazendo passar por bom cidadão, acabava literalmente tomando conta do lugar, se tornando proprietário do saloon local e das propriedades circunvizinhas à cidade. Para aumentar ainda mais seu domínio, ele não hesitava em matar, ameaçar e massacrar todos os que ousavam se opor ao seu poder.

A trilha sonora de "Silverado" foi assinada por Bruce Broughton e chamava atenção pela sua beleza. De fato a música incidental não deixava espaços em branco durante o filme, preenchendo tudo de forma bem suntuosa. Seu trabalho acabou sendo indicado ao Oscar. O diretor Lawrence Kasdan poderia ter dado mais agilidade ao filme, com um corte em sua duração – que muitas vezes soa excessiva – mas o saldo final foi inegavelmente positivo. "Silverado" fez sucesso de bilheteria e agradou ao público na época. Pena que mesmo sendo bem sucedido o filme não conseguiu redimir o gênero que ficaria ainda mais alguns anos na geladeira com poucas e esparsas novas produções em Hollywood.

Silverado (Silverado, Estados Unidos, 1985) Direção: Lawrence Kasdan / Roteiro: Lawrence Kasdan, Mark Kasdan / Elenco: Kevin Kline, Scott Glenn, Danny Glover, Kevin Costner, John Cleese, Rosanna Arquette, Brian Dennehy, Linda Hunt, Jeff Goldblum / Sinopse: Um xerife inescrupuloso e corrupto (Brian Dennehy) domina a pequena cidade de Silverado. Contra ele se opõem um grupo de cowboys e bandoleiros que vão enfrentar seu poder. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Som (Donald O. Mitchell, Rick Kline e Kevin O'Connell) e Melhor Música - Trilha Sonora Original (Bruce Broughton)

Pablo Aluísio.

Silverado

Excelente faroeste produzido em meados da década de 1980. "Silverado" surgiu em uma época em que os grandes estúdios tentavam revitalizar o gênero western. É bem sintomático chamar a atenção para o fato do filme ter sido produzido nos anos 80, quando não havia mais regularidade no lançamento de faroestes no cinema. John Wayne havia partido seis anos antes e deixado uma lacuna, um mercado de fãs de western sem novos lançamentos, sem novos filmes. O faroeste italiano ainda produzia filmes com regularidade, mas esses iam ficando cada vez mais baratos ao longo dos anos. A indústria americana de cinema parecia não investir mais em filmes de western, o que era algo a se lamentar. Como os antigos astros já estavam velhos e aposentados, o jeito foi adaptar todo um elenco de novatos para encarar o desafio. O elenco é liderado por Kevin Kline cuja carreira foi construída em cima de comédias como “Um Peixe Chamado Wanda” e “Será Que Ele é?”, não tendo muito a ver com o estilo. Curiosamente ele acabou se saindo bem no filme. Danny Glover da série “Máquina Mortífera” também foi escalado. Sua escolha foi mais uma jogada comercial, para chamar mais atenção ao filme. Melhor se saem Brian Dennehy, que aqui repete um personagem bem parecido com o que fez em "Rambo", o xerife corrupto que abusa de sua autoridade e Scott Glenn, que lembrava fisicamente muito Clint Eastwood. Outro aspecto curioso de "Silverado" foi a presença de um jovem Kevin Costner, interpretando um garotão inconsequente que sempre se metia em problemas por onde passava. E pensar que alguns anos depois o próprio Costner iria dirigir e atuar em um clássico do western, "Dança com Lobos". Esse "Silverado" foi, de certa forma, seu ensaio no gênero.

O enredo de Silverado era uma miscelânea de vários e vários faroestes do passado. Uma espécie de homenagem aos aspectos mais valorizados da mitologia do velho oeste. Na estória acompanhamos um grupo de amigos que chega na cidade de Silverado, no Colorado (com locações reais no Novo México), agora dominada completamente por um xerife corrupto e seu grupo de capangas. Aterrorizando os moradores, o xerife, na realidade um antigo bandoleiro e pistoleiro se fazendo passar por bom cidadão, acabava literalmente tomando conta do lugar, se tornando proprietário do saloon local e das propriedades circunvizinhas à cidade. Para aumentar ainda mais seu domínio, ele não hesitava em matar, ameaçar e massacrar todos os que ousavam se opor ao seu poder.

A trilha sonora de "Silverado" foi assinada por Bruce Broughton e chamava atenção pela sua beleza. De fato a música incidental não deixava espaços em branco durante o filme, preenchendo tudo de forma bem suntuosa. Seu trabalho acabou sendo indicado ao Oscar. O diretor Lawrence Kasdan poderia ter dado mais agilidade ao filme, com um corte em sua duração – que muitas vezes soa excessiva – mas o saldo final foi inegavelmente positivo. "Silverado" fez sucesso de bilheteria e agradou ao público na época. Pena que mesmo sendo bem sucedido o filme não conseguiu redimir o gênero que ficaria ainda mais alguns anos na geladeira com poucas e esparsas novas produções em Hollywood.

Silverado (Silverado, Estados Unidos, 1985) Direção: Lawrence Kasdan / Roteiro: Lawrence Kasdan, Mark Kasdan / Elenco: Kevin Kline, Scott Glenn, Danny Glover, Kevin Costner, John Cleese, Rosanna Arquette, Brian Dennehy, Linda Hunt, Jeff Goldblum / Sinopse: Um xerife inescrupuloso e corrupto (Brian Dennehy) domina a pequena cidade de Silverado. Contra ele se opõem um grupo de cowboys e bandoleiros que vão enfrentar seu poder. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Som (Donald O. Mitchell, Rick Kline e Kevin O'Connell) e Melhor Música - Trilha Sonora Original (Bruce Broughton)

Pablo Aluísio.

Rambo - Programado Para Matar

"Rambo - Programado Para Matar" ou "Rambo I", como acabou ficando conhecido, foi provavelmente o segundo filme mais importante da carreira de Sylvester Stallone. Não que fosse tão bem escrito como Rocky, mas seu sucesso popular e o fato de ter sido um ícone dos filmes de guerra dos anos 80 o colocam em um patamar impossível de ignorar.  Agora, o mais curioso de tudo é que esse filme não foi assim um estrondo espetacular em seu lançamento original. Claro, fez sucesso, mas não foi um marco absoluto. Apenas com a chegada de "Rambo II" nas telas é que o primeiro filme acabou sendo relançado nos cinemas, criando assim uma excelente bilheteria. O fato é que o filme também não pode ser encarado como pura ação. Há um subtexto importante em seu roteiro. A história mostra bem o preconceito que muitos veteranos do Vietnã enfrentaram quando voltaram para casa. Eles foram considerados derrotados, vagabundos, homens que decepcionaram sua pátria e o escudo de invencibilidade que cercava os militares americanos na época. Isso pegou muito mal dentro dos setores mais conservadores do país. De repente esses veteranos se tornaram párias!

O John Rambo interpretado por Stallone é assim um homem que não tem para aonde ir. Ele foi forjado na guerra e na vida civil se torna alguém sem valor ou utilidade. Quando chega numa cidadezinha passa logo a ser hostilizado pelo boçal chefe de polícia. Ele "não quer problemas" e por isso resolve dar um "corretivo" em Rambo. Ora, péssima ideia. Com seu treinamento ponta de linha o sujeito acaba se tornando uma máquina de combate, colocando a cidade sob seus pés. Nos filmes seguintes Rambo iria se tornar cada vez mais poderoso, um "exército de um homem só" imbatível. Ora, é bem isso mesmo que o cinema dos anos 80 estava esperando. Acabou virando um filão de ouro do cinema americano naquela década.

Rambo - Programado Para Matar (First Blood, Estados Unidos, 1982) Estúdio: Carolco Pictures / Direção: Ted Kotchef / Roteiro: Sylvester Stallone, Michael Kozoll, William Sackheim / Elenco: Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy, David Caruso, Bill McKinney, Jack Starrett ; Sinopse: John Rambo (Stallone) é um veterano que volta para os Estados Unidos após o fim da guerra, mas só encontra violência e desrespeito por seu passado.

Pablo Aluísio.

Lista Negra (The Blacklist) - Terceira Temporada

The Blacklist 3.01 - The Troll Farmer (No. 38)  
Primeiro episódio da terceira temporada. É curioso porque como James Spader deixou bem claro numa entrevista que a série nem deveria ter chegado nessa terceira temporada. Ele afirmou que achava que no máximo haveria uma segunda temporada, isso se a audiência fosse realmente boa. E veja no que deu. Assim a mesma equipe técnica e o mesmo elenco retornou, afinal "Lista Negra" realmente se tornou um hit no mundo das séries. Nesse primeiro episódio a agente Elizabeth Keen (Megan Boone) e Raymond 'Red' Reddington (James Spader) precisam despistar até mesmo o FBI para que seus planos tenham sucesso. Enquanto isso Dembe recebe um contato que comprometerá seu futuro. Bom episódio, gostei mesmo. / The Blacklist 3.01 - The Troll Farmer (No. 38) (Estados Unidos, 2017) Direção: Michael W. Watkins / Roteiro: Jon Bokenkamp / Elenco: James Spader, Megan Boone, Diego Klattenhoff.

The Blacklist 3.02 - Marvin Gerard (No. 80)
Nesse segundo episódio a agente Elizabeth Keen (Megan Boone) enfrenta problemas. Ela então consegue abrigo na embaixada russa, mas isso também pode se tornar um sério problema. Já Raymond 'Red' Reddington (James Spader) procura por outra saída, pouco convencional, contando com a ajuda de um advogado de reputação não muito confiável. O curioso é perceber que Red jamais confiou no FBI e no seu estilo de trabalho. Coisas de um sujeito acostumado com o jogo sujo do mundo internacional do crime. Detalhe curioso: esse episódio foi dirigido por Andrew McCarthy, amigo de James Spader desde os tempos em que eles atuavam juntos em filmes de adolescentes nos anos 80. Amizade duradoura é isso aí. / The Blacklist 3.02 - Marvin Gerard (No. 80) (Estados Unidos, 2017) Direção: Andrew McCarthy / Roteiro: Jon Bokenkamp, Daniel Knauf / Elenco: James Spader, Megan Boone, Diego Klattenhoff.

The Blacklist 3.17 - Mr. Solomon (No. 32)
Um perigoso criminoso internacional foge da prisão. O FBI desconfia que ele está envolvido no meio de uma armação para a venda de uma arma nuclear! Para Raymond 'Red' Reddington (James Spader) tudo parece óbvio demais. Ele desconfia e com razão, uma vez que tudo não passa de uma corina de fumaça. O verdadeiro objetivo não é vender uma bomba atômica no mercado internacional, mas sim matar a agente Elizabeth Keen (Megan Boone). É um acerto de contas. Por falar em Liz esse episódio traz o seu casamento com Tom, ou melhor dizendo, a tentativa de se casar. Bem no meio da igreja acontece de tudo, inclusive uma chuva de balas. Sinceramente penso que "The Blacklist" já demonstra muitos sinais de desgaste. Os roteiros já vão se tornando repetitivos e a tentativa de reatar o romance entre Liz e Tom, depois de tantas coisas, soa como pura falta de imaginação dos roteiristas. A Megan Boone, que estava grávida de verdade durante as filmagens, tenta de tudo para levantar o interesse, mas tudo em vão. A série está começando a ficar rídicula mesmo. / The Blacklist 3.17 - Mr. Solomon (No. 32) (Estados Unidos, 2016) Estúdio: Universal Television, Sony Pictures / Direção: Eagle Egilsson / Roteiro: Jon Bokenkamp, Brian Studler / Elenco: James Spader, Megan Boone, Diego Klattenhoff, Ryan Eggold, Amir Arison, Lance Henriksen
 
The Blacklist 3.18 - Mr. Solomon (No. 32): Conclusion
Depois de um tempo estou retomando "Blacklist". O episódio anterior terminou com o casamento de Liz. Aliás usar o verbo terminar vem bem a calhar porque foi uma chuva de balas. O vilão Mr. Solomon tentou matá-la de todas as formas, com um verdadeiro grupo de extermínio. Ela foge e consegue ir a um hospital, mas Raymond diz que é muito perigoso para ela estar ali. Assim um centro de tratamento é improvisado dentro de um night club! E ela tem seu filho bem ali, no meio da pista de dança! Nesse episódio também temos um aspecto interessante: após o parto ela apresenta complicações e supostamente vem a falecer! Isso mesmo, a protagonista Elizabeth Keen morre após ter seu filho! Dá para confiar? Ainda não assisti obviamente os próximos episódios, mas duvido muito que ela vá morrer mesmo. Me pareceu mais uma forçada de barra dos roteiristas que diga-se de passagem andaram exagerando muito na dose do absurdo nessa terceira temporada. Ou tudo não seria apenas um toque de fino ironia do ator James Spader, que inclusive agora é o produtor executivo da série? Bom, veremos nos próximos capítulos... / The Blacklist 3.18 - Mr. Solomon (No. 32): Conclusion (Estados Unidos, 2016) Estúdio: Universal Television / Direção: John Terlesky / Roteiro: Jon Bokenkamp , Daniel Cerone / Elenco: James Spader, Megan Boone, Diego Klattenhoff.
 
The Blacklist 3.19 - Cape May
No episódio anterior a agente Elizabeth Keen supostamente morreu no parto (acredite se quiser!). Assim Raymond 'Red' Reddington fica arrasado. Quando esse episódio começa ele está prostrado numa cama de uma casa de ópio, muito popular no oriente e nos bairros de orientais em grandes cidades chinesas (olha a Chinatown...). Pois bem, ele finalmente é acordado, se levanta, pega o primeiro táxi que encontra pela frente e vai para Cape May, um Balneário de gente rica localizado em New Jersey. E então começa um episódio que foge totalmente dos padrões da série. O roteiro valoriza o sobrenatural e o suspense com a chegada de uma mulher misteriosa. Inicialmente Red salva ela da morte, pois ela tenta se matar nas praias geladas da região. Depois a leva para casa. Ele não sabe seu nome, não a conhece. Tudo fica nas sombras, sem explicação. Há um homem com detector de metais nas areias da praia que não viu ninguém, mulher nenhuma. Quem é ela afinal? Apenas fruto da imaginação de Red? Esse "Cape May" é até muito bem produzido, cheio de ambientações. Totalmente fora da rota do que os espectadores da série estão acostumados a assistir. / The Blacklist 3.19 - Cape May (Estados Unidos, 2016) Estúdio: Universal Television, Sony Pictures / Direção: Michael W. Watkins / Roteiro: Jon Bokenkamp, Daniel Knauf / Elenco: James Spader, Diego Klattenhoff, Ryan Eggold, Lotte Verbeek, Harry Lennix, Hisham Tawfiq.

The Blacklist 3.20 - The Artax Network (No. 41)
Nesse episódio temos o funeral da agente Elizabeth Keen! Embora eu ainda esteja assistindo a série já deu para perceber que tudo isso parece mesmo um grande engodo por parte dos roteiristas! De qualquer maneira a morte de uma das protagonistas está na ordem do dia. Pois bem, depois disso Raymond 'Red' Reddington (Spader) decide ir até a casa do avô de Keen. Que ligação haveria entre esses dois homens? O que o passado escondeu? O roteiro apenas passeia na borda, mostrando numa série de diálogos em que é sutilmente sugerido que eles possuem seus segredos, mas sem nunca revelar quais são. Detalhe importante: esse personagem é interpretado pelo ator Brian Dennehy, um nome muito conhecido para quem curtia cinema nos anos 80. Entre os filmes ícones daquela década ele esteve em "Rambo" e "Cocoon", entre tantos outros. Revê-lo ao lado de James Spader (que interpretava riquinhos de má índole naqueles tempos) não deixa de ser um belo exercício de nostalgia para quem viveu a década de 1980. Por fim, é interessante salientar também que no final do episódio Red decide voltar para sua colaborção com o FBI, afinal de contas a série precisa seguir em frente. Negócios são negócios! / The Blacklist 3.20 - The Artax Network (No. 41) (Estados Unidos, 2016) Direção: Donald E. Thorin Jr / Roteiro:  Jon Bokenkamp, Dawn DeNoon / Elenco: James Spader, Brian Dennehy, Megan Boone, Diego Klattenhoff.

The Blacklist 3. 21 - Susan Hargrave (No. 18) 
Quem é Susan Hargrave? Essa personagem assumirá importância cada vez maior nos episódios seguintes, por isso fique atento a ela. Para a crítica americana ela foi introduzida na série para contrabalancear a saída de Elizabeth Keen. E por falar nela o episódio começa justamente quando Raymond 'Red' Reddington (James Spader) vai atrás de seus assassinos. Na sua investigação descobre a existência de uma empresa que supostamente prestaria serviços de segurança, mas que na verdade faz todo tipo de jogo sujo, inclusive para o governo americano. Um dos melhores momentos do episódio acontece quando Red encontra a CEO, a executiva-chefe dessa empresa. Após um tenso encontro Red resolve colocar fim a tudo, disparando sua pistola. Assista para conferir. / The Blacklist 3. 21 - Susan Hargrave (No. 18) (Estados Unidos, 2016) Direção:  Andrew McCarthy / Roteiro:  Jon Bokenkamp, Vincent Angell / Elenco: James Spader, Famke Janssen, Diego Klattenhoff.

The Blacklist 3.22 - Alexander Kirk (No. 14) 
Penúltimo episódio da terceira temporada. O russo Alexander Kirk é o grande responsável pela morte da agente Keen. Um milionário russo que fez fortuna após a queda da União Soviética. Ele agora investe no tabuleiro político dos Estados Unidos, financiando um senador para concorrer à presidência. Jogo sujo, lavagem de dinheiro. 'Red' Reddington (James Spader) sabe que a melhor forma de atingi-lo é asfixiando suas finanças e assim é feito. Um assalto a banco é arquitetado como cortina de fumaça para a invasão ao sistema da agência onde ele mantém seu dinheiro. Nesse episódio também descobrimos mais coisas sobre Susan Hargrave. Ela é a mãe desconhecida de um dos personagens principais da série, enrolando ainda mais o meio de campo de Blacklist (no Brasil a série recebeu o título de "Lista Negra"). Com tantas reviravoltas não é de se admirar que os roteiristas tenham trabalho em dobro para manter o interesse do público no programa. / The Blacklist 3.22 - Alexander Kirk (No. 14) (Estados Unidos, 2016) Direção: Michael Dinner / Roteiro:  Jon Bokenkamp, Jon Bokenkamp / Elenco: James Spader, Famke Janssen, Ulrich Thomsen, Diego Klattenhoff.

The Blacklist 3.23 - Alexander Kirk (No. 14): Conclusion  
O que aconteceu nesse último episódio de Blacklist? A maior surpresa vem do fato de que a agente Elizabeth Keen (Megan Boone) não está morta! Isso mesmo, acredite se quiser. Quando o episódio começa Raymond 'Red' Reddington (Spader) está firme em sua busca de vingança. Ele quer acabar com a raça de Alexander Kirk, pois o culpa pela morte de Elizabeth. Só que Alexander também tem cartas na manga. Ele decide revidar o ataque, sequestrando a pequena Agnes e seu pai. Só que o episódio está cheio de reviravoltas. Quando o assassino contratado por Alexander está quase colocando as mãos neles, uma surpresa surge no ar. Eles despistam todos e vão para Cuba em uma avião monomotor! Mais estranho ainda, lá encontram finalmente Elizabeth Keen, que está sã e salva. E tudo foi armado pela velha assistente do próprio Red! Enfim, um jogo de traições sem limites! E não fica por aí. Na última cena duas revelações bombásticas. Elizabeth na verdade se chama Masha. É uma russa! E seu pai se revela a ela. Não é Red, como alguns pensavam, mas sim o próprio Alexander Kirk! Ok, agora pode explodir sua cabeça com tantas surpresas! / The Blacklist 3.23 - Alexander Kirk (No. 14): Conclusion (Estados Unidos, 2016) Direção: Bill Roe / Roteiro:  Jon Bokenkamp, Lukas Reiter / Elenco: James Spader, Megan Boone, Diego Klattenhoff.

Pablo Aluísio.

Cavaleiro de Copas

Em relação aos filmes do diretor Terrence Malick não existe meio termo, ou se gosta muito ou se odeia. Esse cineasta tem um estilo próprio, com seu estilo peculiar de se contar uma história. Praticamente não há diálogos, tudo é levado ao espectador por meio de sensações, momentos, lembranças. O enredo vai assim desfilando na tela sob um ponto de vista bem subjetivo, do próprio protagonista, que está passando por uma crise existencial, com nuances de comportamento depressivo. Aqui o personagem principal atende pelo nome de Rick (Christian Bale). Nunca fica muito claro que tipo de trabalho ele tem nos estúdios de Hollywood (pode ser um ator, um roteirista, etc), só se sabe que ele vive em um mundo de riqueza e celebridades, frequentando suas festas, saindo com mulheres bonitas, etc. O relacionamento dele com elas ocupa grande parte do filme. A maioria sequer tem nome, ficando mais ou menos claro a importância que elas tiveram em sua vida.

E há uma variedade delas. Desde a stripper que ele conhece em um bar, passando por uma elegante e charmosa médica (interpretada por Cate Blanchett), indo até uma mulher que ele chega a pensar ser o verdadeiro amor que ele há muito vinha esperando (aqui em presença carismática de Natalie Portman, que só tem algumas poucas linhas de diálogo em cena). Bale por sua vez passa o filme todo de forma bem passiva, olhar perdido, com as mãos no bolso, como se olhasse para a vida sem se importar muito com o que acontece ao seu redor. Como se trata de uma quase obsessão de Terrence Malick, seu personagem principal também tem problemas de relacionamento com o pai, um sujeito abusivo e verbalmente violento, sempre passando lições de moral aos filhos.  Uma pessoa insuportável, mesmo na velhice.

Não vá esperando por um enredo linear e nem por uma linguagem convencional. Tudo é diferente, como convém aos filmes assinados por Terrence Malick. Ela vai construindo seu filme não através de diálogos, mas sim de imagens. Algumas fazem sentido, outras não. É um tipo de cinema, que como escrevi, vai mais pela vertente sensorial, de suas emoções. Muitos gostam de seu estilo (me incluo nesse grupo), mas não condeno quem acha tudo uma grande chatice sem fim. Vai pela opinião e gosto de cada um. Por outro lado, caso você goste do cinema de Terrence Malick não deixe de conferir, embora esse não possa ser considerado um de seus melhores trabalhos no cinema.

Cavaleiro de Copas (Knight of Cups, Estados Unidos, 2015) Direção: Terrence Malick / Roteiro: Terrence Malick / Elenco: Christian Bale, Cate Blanchett, Natalie Portman, Brian Dennehy, Antonio Banderas, Ben Kingsley, Ryan O'Neal / Sinopse: Em plena crise existencial e com sintomas depressivos, Rick (Bale) não parece mais se importar com o que acontece em sua vida. Imerso em lembranças envolvendo seu pai e as mulheres de sua vida, ele vai vivendo um dia de cada vez, sem muita empolgação por sua própria vida. Filme indicado no Berlin International Film Festival.

Pablo Aluísio.

F/X: Assassinato sem Morte

Esse filme até que foi badaladinho no passado. E quando escrevo a palavra "passado" estou me referindo, claro, aos anos 80. O interessante é que seu enredo gira em torno de um especialista em efeitos especiais, só que como todos sabemos não existiam efeitos digitais naquela década, apenas efeitos analógicos. E talvez daí venha ainda o charme dessa franquia. Sim, franquia, pois apesar de seus resultados modestos (o filme chamou mais a atenção nas locadoras do que nos cinemas) houve uma continuação, algo que ninguém nem esperava.

O filme era estrelado pelo ator Bryan Brown, figura conhecida por causa de seus olhos esbugalhados. Outra boa presença no elenco veio com Brian Dennehy, de Rambo, um ótimo ator, completamente subestimado, especializado em interpretar vilões vis e malvadões. Enfim é isso. Uma boa lembrança de um bom filme, que nem fez muito sucesso, mas que de vez em quando ainda é lembrado por aí, em fóruns de cinéfilos pela net.

F/X: Assassinato sem Morte (F/X, Estados Unidos, 1986) Direção: Robert Mandel / Roteiro: Robert T. Megginson, Gregory Fleeman / Elenco: Bryan Brown, Brian Dennehy, Diane Venora / Sinopse: Um especialista em efeitos especiais de filmes é contratado para simular uma matança na vida real para um plano de proteção de testemunhas, mas encontra sua própria vida em perigo.

Pablo Aluísio.

Ratatouille

Mais uma animação com o selo Pixar. E o que significa isso? Significa que é ele já chega sob a expectativa de um produto de excelente nível técnico. A Pixar durante todos esses anos simplesmente revolucionou o mundo da animação para o cinema com vários filmes que hoje em dia podem ser considerados até mesmo clássicos modernos do gênero. Esse “Ratatouille” já chegou com as expectativas extremamente altas por essa razão. Infelizmente não cumpriu tudo aquilo que se esperava dele. Apesar de ter sido extremamente premiado (ganhou o Oscar, o Bafta e o Globo de Ouro de melhor animação do ano) ainda considero um longa menor dentro da vasta galeria de preciosidades da Pixar. Isso não significa que seja ruim, muito longe disso, mas perde se o compararmos com os outros produtos do estúdio. O diretor Brad Bird é o mesmo de “Os Incríveis”. Pois bem, considero “Ratatouille” bem abaixo do charme da animação anterior desse cineasta. Eu atribuo parte disso ao fato da Pixar ter sido comprada pela Disney. Cansada de concorrer com a genialidade dos animadores do estúdio Pixar o império de Mickey Mouse resolveu simplesmente comprar o concorrente. Se não se pode vencê-los, junte-se a eles.  Ou como no caso aqui, os compre logo de uma vez.

A Disney como se sabe tem um padrão de qualidade em seus produtos, tirando qualquer tipo de conteúdo mais ousado ou ofensivo. Assim após adquirir a Pixar os animadores do pequeno estúdio tiveram que se adaptar na nova realidade. “Ratatouille” mostra bem isso. A própria imagem dos personagens segue muito mais o padrão Disney do que o que estávamos acostumados a ver na Pixar. E nem precisa lembrar que o protagonista é um ratinho (alô? Mickey?). Assim temos uma animação boa, não restam dúvidas, mas também muito caretinha, certinha e sem os vôos ousados que estávamos acostumados em ver em algumas animações do tempo em que a Pixar era completamente independente em seu setor de criação. O enredo também é do tipo fofinho – bem ao estilo Disney de ser. Na estória acompanhamos o ratinho Remy que tem o sonho de se tornar um grande chef de cozinha na mais sofisticada de todas as cidades do mundo em termos de gastronomia, Paris. O problema é que ele é um rato e provavelmente por isso jamais realizará seu sonho. Para colocar em prática seus dotes culinários ele precisará de um ser humano e esse lhe aparece finalmente pela frente, o desastrado Linguini. Aspirante a se tornar um grande mestre com as panelas ele não tem o talento do ratinho Remy. Assim ambos resolvem se unir – ajudando um ao outro eles começam a subir na carreira mas não sem antes despertar a inveja e a cobiça de um rival. Como se vê é um enredo tradicional, sem maiores surpresas. Para finalizar cabem aqui duas observações finais. Primeiro, “Ratatouille” é mais indicado para crianças bem pequenas – com menos de dez anos de idade. Segundo, o roteiro é completamente limpo e inofensivo e por essa razão os pais podem deixar seus filhos assistirem ao longa sem nenhum tipo de preocupação com seu conteúdo.

Ratatouille (Ratatouille, Estados Unidos, 2007) Direção: Brad Bird / Roteiro: Brad Bird, Jim Capobianco, Emily Cook, Kathy Greenberg, Jan Pinkava, Bob Peterson / Elenco (vozes): Patton Oswalt, Ian Holm, Lou Romano, Brian Dennehy, Peter Sohn, Peter O'Toole, Brad Garrett, Janeane Garofalo / Sinopse: Ratinho que sonha ser um grande chef de cozinha se une a um desastrado aspirante a cozinheiro para fazer sucesso em um restaurante na cidade de Paris.

Pablo Aluísio.

Perigosamente Juntos

Título no Brasil: Perigosamente Juntos
Título Original: Legal Eagles
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Ivan Reitman
Roteiro: Ivan Reitman, Jim Cash
Elenco: Robert Redford, Debra Winger, Daryl Hannah, Brian Dennehy, Terence Stamp

Sinopse:
Tom Logan (Robert Redford) é um bem sucedido advogado que não consegue se decidir entre duas mulheres igualmente interessantes, uma advogada em ascensão, bonita e inteligente, e uma jovem e rica herdeira que parece estar envolvida no submundo do mercado de obras de arte roubadas. Filme vencedor do prêmio da ASCAP Awards na categoria Melhor Canção ("Love Touch").

Comentários:
Sofisticado filme de romance que contou com ótimo elenco, inclusive de apoio, e um roteiro deliciosamente dúbio, mostrando as várias facetas dos personagens envolvidos nesse triângulo amoroso passado no mundo jurídico dos Estados Unidos. Redford novamente comparece com seu grande carisma e talento. Por essa época o ator estava muito seletivo em seus filmes, realizando poucas películas, pois desenvolvia um projeto para a criação de um festival apenas com filmes do circuito independente americano (que iria se chamar Sundance Festival, hoje um dos mais importantes do cinema ianque). As duas outras atrizes são símbolos dos anos 80, a loira e alta Daryl Hannah (que na época namorava o filho de JFK) e a elegante Debra Winger (que infelizmente anda bem sumida). No elenco coadjuvante vale destacar também a talentosa atuação do ator Terence Stamp, que interpreta um deliciosamente cínico dono de galeria de arte em Nova Iorque. Em suma, "Legal Eagles" é um filme que anda bem esquecido, mas que ainda satisfaz plenamente o bom gosto de qualquer cinéfilo.

Pablo Aluísio.

Challenger

Em 28 de Janeiro de 1986 o ônibus espacial Challenger explodiu poucos minutos após decolar para mais uma missão. O desastre foi transmitido ao vivo para todo mundo e causou grande comoção popular, principalmente pela morte dos seis astronautas a bordo, entre eles uma professora primária  que estava no projeto como uma forma de integrar os projetos da NASA ao sistema educacional do país. Assim que o ônibus ficou em pedaços a administração do presidente Ronald Reagan iniciou uma investigação sobre as causas do acidente. Um comitê foi formado, contando com especialistas, militares e burocratas. Como opinião independente foi contactado o prêmio Nobel de física, Richard Feynman (William Hurt), provavelmente o único grande cientista do grupo. Para seu desapontamento logo que as investigações começam ele percebe que há uma clara tentativa de jogar uma cortina de fumaça em cima dos fatos reais. Um jogo de bastidores envolvendo grupos e indústrias com contratos milionários com o governo americano. O presidente da comissão (interpretado pelo sempre bom ator Brian Dennehy), parece caminhar em círculos sem real intenção de descobrir o que de fato teria acontecido, até porque a verdade certamente iria ao encontro de interesses poderosos em Washington.

Bom filme, valorizado pelo enredo mais do que interessante. Baseado em fatos reais mostra bem o choque que nasce quando a ciência ousa decifrar verdades que vão contra os interesses políticos e financeiros de pessoas poderosas. Curiosamente nos mostra uma realidade que nós, brasileiros, pensamos só existir em nosso país - sempre assolado por casos de corrupção nas altas esferas governamentais. Na investigação da explosão da Challenger também surgiu muita lama e tentativas de acobertamento sobre os reais motivos da grande tragédia. O personagem de William Hurt, um professor e cientista renomado, busca a verdade sem saber que nem sempre ela é bem vinda em certos meios. A produção é muito boa, mas não espere por nada muito empolgante. A intenção desse filme foi mesmo desvendar as sujeiras que aconteceram durante as investigações do acidente, tudo mostrado com riqueza de detalhes. Assim o espectador terá em mãos uma bela amostra do que realmente aconteceu nos bastidores, mostrando que a velha fama da NASA em ser uma agência impecável e extremamente eficiente do ponto de vista científico muitas vezes não passa de puro marketing.

Challenger (The Challenger, Estados Unidos, Inglaterra, 2013) Direção: James Hawes / Roteiro: Kate Gartside / Elenco: William Hurt, Joanne Whalley, Bruce Greenwood / Sinopse: O filme narra em detalhes tudo o que aconteceu durante as investigações da explosão do ônibus espacial Challenger, que matou seis astronautas. O professor Richard Feynman (William Hurt), membro do comitê de investigação, anseia pela verdade, mas interesses poderosos tentam camuflar o que de fato aconteceu. Filme vencedor do prêmio da Royal Television Society.

Pablo Aluísio.

Querida América - Cartas do Vietnã

Título no Brasil: Querida América - Cartas do Vietnã
Título Original: Dear America - Letters Home from Vietnam
Ano de Produção: 1987
País: Estados Unidos
Estúdio: HBO
Direção: Bill Couturié
Roteiro: Bill Couturié
Elenco: Tom Berenger, Willem Dafoe, Robert De Niro, Brian Dennehy, Matt Dillon, Robert Downey Jr, Michael J. Fox, Ellen Burstyn, Mark Harmon

Sinopse:
Documentário sobre a Guerra do Vietnã, com imagens reais do conflito, narrado por grandes astros de Hollywood que dão voz às inúmeras cartas enviadas pelos soldados e oficiais diretamente do front de guerra. Vencedor dos prêmios de Melhor Documentário no Sundance Film Festival, International Documentary Association, Emmy Awards e Television Critics Association Awards.

Comentários:
É em minha opinião o melhor documentário já realizado sobre a Guerra do Vietnã e esse mérito não se explica pelo simples fato de mostrar em detalhes todos os eventos desse sangrento conflito mas sim por dar destaque ao lado mais humano da guerra. Através de imagens reais e narrações em off, que nos trazem o que os americanos escreveram em suas cartas para suas famílias, vamos nos sentindo literalmente também dentro do calor do combate. Através das cartas descobrimos como se sentiram esses combatentes, inclusive de soldados que não sobreviveram ao conflito. Medo, angústia e um certo sentimento de resignação passeiam pelos registros que chegaram até nós. Há depoimentos comoventes como a de um soldado que narra o momento em que teve que reconhecer seu amigo após ele ter sido atingido por um morteiro ou de uma mãe que narra o sentimento de ter perdido seu jovem filho na guerra. A intervenção americana no Vietnã realmente mudou os padrões que existiam dentro das forças armadas daquele país. A média de idade dos que morreram era extremamente baixa, na faixa de 19 anos, e mais de 40 mil americanos foram mortos em combate, com mais de 500 mil feridos e lesionados para o resto da vida. Imagine ter que voltar aos Estados Unidos sem saber que nunca mais vai andar novamente ou ter uma vida normal. No total os americanos enviaram mais de 3 milhões de militares para aquele distante e pobre país asiático com resultados desastrosos, tanto em termos humanos como políticos.

A única coisa boa surgida de algo assim tão irracional foi de fato os efeitos que a guerra causou dentro da própria sociedade americana. A guerra do Vietnã acabou com o alistamento militar obrigatório e tornou o exército mais profissional, pois ninguém mais poderia alegar que estaria indo para uma guerra contra sua própria vontade. Outro ponto forte desse documentário é sua maravilhosa trilha sonora que conta com os grandes artistas daquela época como The Doors, Bob Dylan e Elvis Presley. No final das contas o que vemos é a tragédia do Vietnã revelada de uma forma simples e direta, a mesma que levou milhares de jovens a uma morte precoce e completamente sem sentido. Uma bela aula de história e uma bonita homenagem a todos que participaram daquela guerra desnecessária e irracional.

Pablo Aluísio.

Mistério no Parque Gorky

Eu indico esse filme aos cinéfilos que gostam de tramas bem intrigadas e complexas. Veja, há uma premissa inicial (a morte misteriosa de três pessoas no Parque Gorky em Moscou). A partir daí um policial russo chamado Renko (William Hurt) vai investigar o caso. O que parecia ser apenas mais um caso de triplo homicídio acaba revelando outras sub-tramas que levam a mais mistérios chegando tudo a uma verdadeira rede de conspirações, falsas pistas, KGB, contrabandistas americanos, CIA e tudo o que você mais possa imaginar. Na realidade o filme exige atenção redobrada do espectador para que não perca o fio da meada. O roteiro obviamente usa e abusa das chamadas reviravoltas que ocasionam outras reviravoltas até chegar a um clímax final. O curioso é que o filme foi rodado nos EUA em plena guerra fria. Havia de certa forma uma curiosidade dos americanos em relação aos métodos policiais de seus inimigos do leste. O tom se aproveita disso para prender ainda mais a atenção do espectador.

O elenco é muito bom, inclusive com William Hurt, ainda bastante jovem e pasmem posando de galã e herói de ação. Outro destaque é a presença do veterano Lee Marvin fazendo um personagem bem mais sofisticado do que ele costumava interpretar (geralmente Marvin representava caras durões em filmes de muita ação, algo que não se repete nesse filme). Por fim temos belas locações que tentam reproduzir a chamada União Soviética (o filme não foi filmado lá, mas sim na fria e distante Finlândia, já que ainda se vivia os dias da guerra fria, onde filmagens eram terminantemente proibidas pelo governo comunista). Mesmo não sendo a verdadeira URSS o filme consegue convencer. É isso, gosta de mistérios e tramas misteriosas? Então certamente você gostará de "O Mistério do Parque Gorky".

Mistério no Parque Gorky (Gorky Park, Estados Unidos,1983) Direção: Michael Apted / Roteiro: Dennis Potter, baseado na novela de Martin Cruz Smith / Elenco: William Hurt, Lee Marvin, Brian Dennehy / Sinopse: Mortes no parque Gorky em Moscou acabam desencadeando uma série de conspirações envolvendo pessoas acima de qualquer suspeita na União Soviética durante a chamada Guerra Fria.

Pablo Aluísio.

O Grande Ano

Stu Preissler (Steve Martin) é um grande executivo, no auge de sua carreira. Brad Harris (Jack Black) trabalha com física nuclear mas sinceramente odeia o trabalho. Kenny Bostick (Owen Wilson) é um empreiteiro com problemas familiares, com vários divórcios em seu conturbado passado de relacionamentos problemáticos. Três pessoas completamente diferentes mas que tem algo em comum: são obcecados por pássaros, tentando superar um ao outro durante o “Grande Ano”, uma inusitada competição para saber quem consegue observar mais pássaros durante um ano. O atual campeão, Bostick (Owen Wilson), não pensa em perder seu trono e posto de maior observador do mundo, afinal o atual recorde mundial é dele, com mais de 732 observações de espécies da América. No seu encalço surgem Martin e Black que também querem o posto. Juntos eles atravessarão os Estados Unidos de costa a costa para observar o maior número de aves possíveis, até conseguir ganhar a disputa de maiores observadores de pássaros do ano.

Antes de qualquer coisa o enredo desse filme logo chama a atenção, afinal um filme sobre as aventuras de um bando de observadores de aves em seu habitat natural não parece ser dos mais interessantes. Mesmo assim o filme consegue superar esse suposto obstáculo e se torna bem curioso, embora não seja aquele tipo de comédia que você vai se esborrachar no chão de tanto rir. Nada disso, há até mesmo toques de drama no roteiro. Os três personagens principais amam o que fazem mas obviamente são incompreendidos por familiares e esposas. Afinal de contas é complicado convencer alguém de que ir ao Alasca para ver pássaros exóticos é uma grande diversão! O elenco é que justifica a existência desse filme. Afinal de contas não é todo dia que vemos Steve Martin, Owen Wilson e Jack Black em um mesmo filme. O elenco de apoio também é ótimo com destaque para as participações de Dianne Wiest, Brian Dennehy, Jim Parsons (O Sheldon de “The Big Bang Theory”) e Anjelica Huston. A narração em off é de John Cleese, que conta as peripécias dos personagens em busca de seu desejo de ser o número 1 do mundo. Jack Black deixa de lado suas atuações mais exageradas para encarnar um sujeito (quase) normal, muito pacato e sonhador. Assim “O Grande Ano” acaba ganhando o espectador por seu lirismo, boas piadas aqui e acolá e claro, pelos passarinhos que desfilam pela tela com toda a sua graça.

O Grande Ano (The Big Year, Estados Unidos, 2011) Direção: David Frankel / Roteiro: Howard Franklin, baseado no livro de Mark Obmascik / Elenco: Jack Black, Owen Wilson, Steve Martin, John Cleese, Dianne Wiest, Brian Dennehy, Jim Parsons, Anjelica Huston / Sinopse: Três pessoas completamente diferentes disputam a competição do “Grande Ano” onde se sairá vencedor aquele que observar o maior número de pássaros em um ano.

Pablo Aluísio.

Cocoon

Alguns filmes vencem pela simpatia e boas intenções. Esse foi o caso dessa simpática produção, "Cocoon". Sucesso de bilheteria o filme inovava dentro do gênero ficção científica ao colocar em cena um grupo de velhinhos em um asilo que recuperava a energia de sua juventude ao mergulhar em uma piscina onde extraterrestres guardavam grandes casulos, os tais que dão origem ao título do filme. "Cocoon" de certa forma era inspirado na imagem positiva dos ETs que o público havia visto no grande sucesso de Steven Spielberg, "ET - O Extraterrestre". Como se sabe os seres de outros planetas quase sempre eram retratados como agentes do mal, invasores e dominadores em relação ao nosso planeta. Essa visão era extremamente popular na década de 50 com poucas exceções (como "O Dia em Que a Terra Parou"). No geral prevalecia o retrato malvado dos seres espaciais como em "Guerra dos Mundos". 

Depois de ET de Spielberg a coisa mudou de foco. Se eram seres tão avançados a ponto de virem até nosso planeta não fazia o menor sentido serem guerreiros ou destruidores, pelo contrário o nível que tinham atingindo só poderia ser fruto de uma civilização avançada e bondosa. Assim são os extraterrestres de "Cocoon". Seres que não se importam em ajudar os idosos que se tornam seus amigos. E por falar em velhinhos simpáticos "Cocoon" trazia para as telas um excelente grupo de atores veteranos (alguns em seu último trabalho nas telas). Os destaques são Don Ameche (sempre ótimo, com um feeling de humor raro) e Jessica Tandy (uma veterana dos palcos e dos filmes, a primeira atriz a contracenar com Marlon Brando em "Uma Rua Chamada Pecado" no teatro). Completando o elenco dois atores que fizeram muito sucesso na década de 80: Steve Guttenberg (da franquia de humor de grande sucesso "Loucademia de Polícia") e Brian Dennehy (dos sucessos "Rambo" e "Silverado"). Na direção o subestimado diretor Ron Howard, amado por uns e odiado por outros que o consideram superficial em excesso. Aqui pelo menos em "Cocoon" ele encontrou o tom certo, uma fábula muito graciosa sobre amizade, dignidade na terceira idade e beleza interior. Teve uma continuação dispensável alguns anos depois por causa do sucesso de bilheteria desse. Bons tempos em que os efeitos existiam para dar suporte a um bom roteiro e argumento. Se você gosta de um bom filme de ficção não pode deixar de assistir "Cocoon".  

Cocoon (Cocoon. Estados Unidos, 1985) Direção: Ron Howard / Roteiro: Tom Benedek baseado na estória de David Saperstein / Elenco: Don Ameche, Jessica Tandy, Steve Guttenberg, Brian Dennehy, Wilford Brimley, Hume Cronyn, Maureen Stapleton / Sinopse: Um grupo de velhinhos em um asilo recupera a energia e a alegria de sua juventude ao mergulhar em uma piscina onde extraterrestres guardam grandes casulos, os tais que dão origem ao título do filme.  

Pablo Aluísio.

Rambo - Programado Para Matar

John Rambo (Sylvester Stallone) é um veterano da guerra do Vietnã que chega em uma pequena cidade do interior dos EUA e acaba sendo hostilizado pelo xerife local, o truculento policial Teasle (Brian Dennehy). Caçado como um criminoso Rambo acaba utilizando seu treinamento militar para se defender e dar o troco ao corrupto tira. "Rambo - First Blood" mudou o cinema de ação no começo da década de 80. O filme inovava em vários aspectos, entre eles a forma como o roteiro lidava com a situação do personagem principal, John Rambo, que naquele momento era a personificação da derrota americana no Vietnã. Culpado e tratado como um derrotado pelos caipirões de uma cidadezinha do interior só lhe restava se defender da melhor forma possível, mesmo que isso significasse praticamente varrer a cidade do mapa. 

Muita gente não parou para pensar sobre isso mas "Rambo" pode ser considerado facilmente como um dos filmes mais influentes do moderno cinema americano. Depois dele criou-se toda uma estética de filmes de ação, de pura violência e pirotecnia, que fez escola e que de tanto ser imitado acabou desgastando o produto original. Rambo marcou o cinema na década de 80 de forma definitiva, para o bem ou para o mal. Essa produção e sua continuação, "Rambo II a Missão", redefiniram os filmes de ação e criaram uma infinidade de imitações. Era o típico "filme pra macho", muita porrada, muita ação e pouco papo. Fez escola e de tão copiado ao longo dos anos virou clichê. A ironia disso tudo é que essa nunca foi a intenção do criador do personagem Rambo, pois o livro foi escrito para ser um retrato da volta dos veteranos da guerra do Vietnã aos EUA. Claro que havia ação também no livro mas o aspecto humano do militar que volta derrotado para sua nação era o mais importante. O aspecto dramático do veterano Rambo era tão acentuado na literatura que ele inclusive morria no final da estória. 

Era um personagem em essência dramático que procurava denunciar uma situação pela qual vivia os ex-combatentes da guerra do Vietnã. No cinema porém a coisa foi bem diferente. Rambo virou uma máquina de guerra, quase um super herói para dizer a verdade. Vendo o potencial de bilheteria, Stallone e os produtores modificaram a natureza do personagem e no filme Rambo sobreviveria, literalmente destruindo a cidadezinha. O filme fez tanto sucesso que virou marca registrada de Stallone, que inclusive jamais conseguiu se desvincular da força do personagem nas bilheterias tanto que recentemente voltou ao papel no improvável Rambo IV. Há inclusive projeto para um Rambo V. É de se perguntar aonde isso tudo vai parar? É uma pena que Stallone não saiba nunca o limite da saturação, algo bem nítido nessa franquia Rambo. O fato é que mesmo influenciando tantos filmes Rambo já deu o que tinha que dar nas telas. O veterano merece agora descansar após tantas guerras em que foi inserido nos cinemas. A hora de pendurar a bazuca já passou há muito tempo.  

Rambo - Programado Para Matar (First Blood, Estados Unidos, 1982) Direção: Ted Kotchef / Roteiro: Sylvester Stallone, Michael Kozoll, William Sackheim baseados no livro de David Morrell / Elenco: Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy, David Caruso, Bill McKinney / Sinopse: John Rambo (Sylvester Stallone) é um veterano da guerra do Vietnã que chega em uma pequena cidade do interior dos EUA e acaba sendo hostilizado pelo xerife local, o truculento policial Teasle (Brian Dennehy). Caçado como um criminoso Rambo acaba utilizando seu treinamento militar para se defender e dar o troco ao corrupto tira.  

Pablo Aluísio.