Os Filmes de Al Pacino

O filme que mudou a carreira de Al Pacino para sempre foi obviamente "O Poderoso Chefão" de 1972. É surpreendente saber que esse foi apenas o terceiro filme de sua recém inaugurada filmografia. Que ator teria a honra de participar de um filme tão importante assim logo no começo de sua filmografia? Foi um lance de sorte que nunca mais se repetiria. Antes disso ele havia participado de uma série policial de TV chamada "NYPD" (Departamento de polícia de Nova Iorque) e de apenas mais dois outros filmes para o cinema, a comédia dramática "Uma Garota Avançada" sobre uma jovem estudante tentando ganhar a independência em sua vida e o visceral "Os Viciados", drama sobre um grupo de dependentes químicos, viciados em heroína, que frequentavam um parque de Nova Iorque.

Apesar do curto currículo nada impediu que Francis Ford Coppola escalasse Al Pacino para interpretar Michael Corleone, o caçula da família Corleone, aquele que o pai queria que ficasse longe dos negócios sujos da família, o que iria ter uma vida normal, que iria se formar, ter uma profissão e que não iria sujar as mãos de sangue com as coisas da máfia. Conforme a história do filme ia avançando também iríamos descobrir que tudo no final iria cair nos ombros de Michael, apesar de todos os planos de deixá-lo fora do mundo do crime.

Uma das principais razões para que Coppola escolhesse Al Pacino era obviamente sua descendência italiana, algo que era necessário na escolha do elenco. O curioso é que Pacino era um dos poucos verdadeiros ítalo americanos do casting. Brando, por exemplo, era um americano nato, um ator nascido no meio oeste, sem qualquer ligação familiar com os imigrantes italianos que vieram para a América. Assim Pacino era a carga genética necessária para trazer autenticidade naquele grupo de personagens. "Foi uma escolha até muito natural. Ele era jovem e não tinha muita experiência, mas o talento estava lá. Além disso ele era italiano em tudo, no rosto romano, nos gestos, no temperamento, era a escolha mais certa possível" - explicaria o cineasta alguns anos depois.

É uma espécie de consenso entre os cinéfilos que o filme "Um Dia de Cão" é um dos melhores filmes da década de 70. Todos os ingredientes que faziam o menu do cinema realista daquela época estavam em cena. Os personagens crus, a sujeira das ruas, a truculência de bandidos e policiais. A violência tanto real como psicológica. A obra assinada pelo diretor Sidney Lumet impressionava. O filme era um soco bem no meio do estômago, sem dó e nem piedade. Na história Pacino interpretava um assaltante pé de chinelo chamado Sonny. Para que seu namorado pudesse fazer uma cirurgia ele resolvia assaltar um banco, só que nada muito bem planejado ou organizado. Assim que a polícia chegava no local iniciava-se um caos, com um criminoso insano e desequilibrado que não conseguia tomar qualquer decisão sensata. Al Pacino aos berros e com olhar vidrado chamou mais uma vez todas as atenções para si. Por sua atuação intensa acabou sendo indicado mais uma vez ao Oscar de Melhor Ator. Só não ganhou porque muitos achavam que ele já estava sendo priorizado demais pela academia, desde os anos anteriores, pela saga "O Poderoso Chefão". O filme aliás colecionou indicações, mas no final da noite só conseguiu ser premiado pelo brilhante trabalho do roteirista Frank Pierson. O escritor não pôde comparecer na noite e mandou seu colega de letras, Gore Vidal, receber a estatueta.

Para Pacino não ter sido premiado foi o de menos. Ele estava no auge da carreira. No ano anterior ele também havia sido indicado ao Oscar por "O Poderoso Chefão II". Assim estava na crista da onda. Anos depois Pacino comentaria sobre sua atuação em "Um Dia de Cão", afirmando: "Gostei desse papel. O Sonny também era um criminoso, mas ao contrário da família Corleone, era um pobre coitado. Procurei dar a ele o melhor em termos humanos, mas sem deixar de lado o fato dele ter nuances de um psicopata".

"Justiça Para Todos" é um dos grandes filmes da carreira de Al Pacino. Hoje em dia o filme já não é tão lembrado, se tornando injustamente subestimado. Em uma fase excelente de sua carreira, o ator acabou atuando excepcionalmente bem nesse drama de tribunal. Aqui ele interpreta um jovem advogado que entra em um caso que ele definitivamente não acredita. O seu cliente é um juiz de direito acusado de estupro. O sujeito é do tipo asqueroso, antiético, infame. O advogado personagem de Pacino o conhece muito bem, mas tenta cumprir sua função da forma mais correta possível. O título original em inglês, a expressão constitucional "...And Justive For All" (...e justiça para todos) é usada quase como uma triste ironia, mostrando que no meio judiciário americano existia muita corrupção, muita ilegalidade, bem diferente do que muitos cidadãos pensariam existir. A justiça? Mero detalhe jogado ao lado.

Outro aspecto a se elogiar no trabalho de Al Pacino é que ele está mais contido do que o habitual, sem explosões de fúria ou algo do tipo. Seu trabalho mais introspectivo, como se estive implodindo, ao invés de explodir, acabou lhe valendo uma indicação ao Oscar, algo completamente merecido. Anos depois o próprio ator relembraria do filme numa entrevista, dizendo que havia assistido uma reprise do filme na TV e que tinha ficado orgulhoso de seu trabalho em cena. Ele estava em uma fase tão elogiada que isso acabava se tornando quase uma rotina, uma banalidade, uma vez que nessa fase de sua filmografia era quase certo ter uma indicação por ano ao Oscar, tamanho era seu prestígio entre a crítica e os membros da Academia. Também acabou sendo indicado ao Globo de Ouro onde foi considerado o favorito. Só não ganhou mesmo por um mero capricho do destino.

No começo da década de 1980 Al Pacino ficou praticamente dois anos sem lançar nenhum filme. Os convites chegavam até ele, mas o ator parecia mais interessado nos palcos do que nas telas. Durante esse período ele se dedicou ao teatro em Nova Iorque até que em 1982 o diretor Arthur Hiller lhe enviou um roteiro escrito por Israel Horovitz. Era uma história bem interessante sobre um autor de peças da Broadway que passava por uma grande tensão familiar e profissional decorrente da estreia de sua nova peça. Pacino que estava tão submerso no meio teatral gostou muito do que leu. Assim aceitou o convite para atuar como o protagonista de "Author! Author!" que no Brasil recebeu o título de "Autor em Família". De certa maneira era um filme menor, com produção mais modesta, feito para um público mais específico, ligado ao mundo do teatro. Pacino assim voltava ao cinema de uma maneira mais sutil, mais artística. Colecionando boas críticas ele acabou sendo indicado ao Globo de Ouro na categoria Melhor Ator - Comédia ou Musical, pois os membros do prêmio entenderam que o filme tinha mais potencial de comédia de costumes do que drama, o que de certa maneira era uma visão bem absurda.

Apesar da boa repercussão por parte da crítica, as bilheterias foram consideradas mornas. Pacino já não parecia mais ser o grande astro dos tempos de "O Poderoso Chefão". Ao contrário disso investia cada vez mais em um tipo de cinema mais intimista, autoral. Correr riscos já não parecia muito fazer sua cabeça. Em Hollywood porém você não pode ser tão cult assim, pois os estúdios visam principalmente o sucesso comercial, uma vez que a roda comercial da indústria cinematográfica não pode parar de girar. É sempre necessário gerar receitas e mais receitas e o valor de um ator é medido não pela qualidade de seus filmes, mas sim pela capacidade de gerar boas bilheterias, acima de tudo.

Voltar ao sucesso era algo necessário para Pacino naqueles anos. Seu agente então lhe mostrou o roteiro do novo filme de Brian De Palma. Tudo parecia se encaixar muito bem. O roteiro era escrito pelo prestigiado Oliver Stone, um veterano da guerra do Vietnã, que havia se destacado por causa de seus textos viscerais. Para Pacino parecia ainda mais perfeito porque o protagonista era um gangster, tal como o que ele havia interpretado na saga "O Poderoso Chefão". Embora o novo projeto fosse um remake de "Scarface - A Vergonha de uma Nação" de 1932, tudo era repensado. A ação não se passaria mais nos anos 30, mas sim nos anos 80, em uma Miami cheia de traficantes e cocaína. "Scarface" assim foi escolhido por Al Pacino para ser seu retorno triunfal nas grandes bilheterias. Um filme feito para fazer muito sucesso comercial, mas será que daria realmente certo?

Hoje em dia "Scarface" de Brian De Palma é considerado um filme cult, porém na época de seu lançamento houve inúmeras críticas. O termo mais usado para definir essa fita foi "exagerada". Havia excessos por todas as partes, da violência, dos palavrões, da quantidade de cocaína, dos tiros e o mais surpreendente de tudo, da atuação de Al Pacino. Ele foi criticado por ter exagerado na dose. A atuação do ator foi dita como puro overacting! Essa era uma resposta nova em termos de Al Pacino, logo ele que sempre foi tão elogiado pela crítica. Alguma coisa havia saído dos trilhos. Em termos de bilheteria o filme não foi um fracasso comercial como muitos disseram. Ao custo de 25 milhões de dólares a fita fez 44 milhões apenas no mercado americano. Se não era um hit ou um sucesso, pelo menos cobriu seus custos de produção, deixando um bom lucro para os estúdios Universal.

O interessante é que Pacino não ficou insatisfeito com sua atuação de uma forma em geral, mas sim pelo fato de ter interpretado outro mafioso. Ele não queria se repetir ano após ano, tentando recuperar o que havia sido deixado para trás nos filmes da franquia "O Poderoso Chefão". Para Pacino o importante era variar mais em seus personagens no cinema. Repetir-se não era um dos seus objetivos, mesmo que isso significasse excelentes cachês ou boas bilheterias de cinema. Para Pacino o desafio sempre falaria mais alto.

Assim ele resolveu dar mais um tempo. Ficou dois anos fora das telas. Voltou aos palcos, ao teatro em Nova Iorque. Havia uma certa mágoa por parte do ator das críticas que lhe foram feitas. Em 1985 ele decidiu retornar após fazer uma escolha bem ruim. Pacino decidiu que iria estrelar o novo filme de  Hugh Hudson chamado "Revolução". Era um drama épico, histórico, sobre os revolucionários americanos que lutaram pela independência de seu país no século XVII. O filme não foi uma produção tão cara como foi dito na época (custou em torno de 28 milhões de dólares), mas as bilheterias foram pífias. O público não se interessou em nada pelo filme. No primeiro fim de semana o filme só conseguiu arrecadar 50 mil dólares. Em poucos dias todos os jornais americanos estampavam que o novo filme de Al Pacino havia se tornado um dos maiores fracassos de bilheteria da história. Um fracasso monumental.

Depois do fracasso comercial do filme "Revolução", Al Pacino resolveu dar um tempo no cinema. Ficou quatro anos afastado das telas. Nesse meio tempo decidiu reavaliar os rumos de sua carreira, ao mesmo tempo em que se dedicava ao grande amor de sua vida: o teatro. Ele participou de peças em Nova Iorque e ficou tão absorvido por esse universo que não sentiu saudades de Hollywood e da indústria cinematográfica. Ele estava bem no teatro e não estava disposto a voltar tão cedo para a costa oeste para rodar uma nova produção. Só veio a aceitar a atuar novamente no cinema quando recebeu um convite do diretor Harold Becker para estrelar o filme policial "Vítimas de uma Paixão". Era um roteiro interessante, escrito pelo bom roteirista  Richard Price. No enredo Pacino iria interpretar um tira de Nova Iorque que tinha que investigar uma série de mortes provocadas por um serial killer que atraía suas vítimas através de anúncios de relacionamentos no jornal.

Pacino só fez uma exigência para trabalhar nesse filme, que ele fosse rodado em Nova Iorque, justamente para que ele não precisasse deixar a cidade durante as filmagens, pois queria continuar a atuar em suas peças na cidade. O elenco trazia ainda a bela e sensual Ellen Barkin e o bom ator  John Goodman, amigo de Pacino dos velhos tempos. Foi um filme de orçamento mais modesto, pois Pacino estava com pavor de atuar em grandes produções como havia acontecido em "Revolução". Ele não queria mais aquele tipo de responsabilidade. Quando chegou nas telas, "Sea of Love" (seu título original) foi bem nas bilheterias. A crítica também gostou, fazendo com que Al Pacino finalmente retomasse sua carreira na sétima arte.

Em 1990 Al Pacino atuou em "Dick Tracy", algo completamente novo em sua carreira, uma adaptação de um antigo personagem dos quadrinhos. Foi um projeto muito pessoal do ator e diretor Warren Beatty. Também contava no elenco com a superstar Madonna. Foi uma superprodução muito divulgada e promovida pelo estúdio, mas que no final das contas não fez o sucesso esperado. O detetive andava meio esquecido do público. Para Pacino foi uma experiência nova que por outro lado não agradou muito os que gostavam de seu trabalho no cinema. Além de usar uma maquiagem esquisita, Pacino estava muito exagerado no filme. Um tipo de papel que não lhe caia muito bem. Afinal Pacino era considerado um ator sério de Hollywood e aquele vilão bobo, cheio de caretas, não iria trazer nada de muito positivo para sua carreira.

O ator então quis dar uma grande volta por cima na aguardada continuação intitulada "O Poderoso Chefão III". Era a terceira e última parte da trilogia que havia criado um mito em torno de seu trabalho. Al voltava a interpretar Don Michael Corleone, agora um homem destruído pelo próprio mundo do crime que ajudou a construir. O filme contou com uma grande má vontade por parte da imprensa americana. Francis Ford Coppola estava de volta à direção, mas nem isso serviu para que a crítica baixasse o tom negativo. Some-se a isso a escalação de  Sofia Coppola. A imprensa acusou Coppola de nepotismo, além de ter falado muito mal da própria Sofia, considerada uma má atriz. Tudo parecia contra. Apesar de tudo foi um bom filme, muito embora tenha sofrido todos os tipos de críticas possíveis. Com toda essa onda negativa o filme acabou rendendo muito menos do que era o esperado, levando o título de "pior da série", um verdadeiro desperdício. Não era para tanto. O filme tinha seus méritos, só que não foi reconhecido na época de seu lançamento.

Pablo Aluísio.

Os Filmes de Kate Hudson

A filmografia de Kate Hudson tem altos e baixos. Ela faz parte de uma família de atores (filha da comediante Goldie Hawn, casada com Kurt Russell) e por essa razão já nasceu dentro do mundo do cinema. Essa linhagem ajudou certamente a abrir algumas portas importantes na indústria. Sua estreia se deu em uma boa série chamada O Quinteto (que chegou a ser exibida na TV aberta brasileira). No cinema atuou pela primeira vez na comédia adolescente Uma Aventura no Deserto. Não era grande coisa, mas serviu para que se tornasse mais conhecida. Depois disso surgiu como coadjuvante em três outros filmes, todos bem mais relevantes, 200 Cigarros, As Mulheres de Adams e Intrigas.

Só com Quase Famosos foi que ela se tornou realmente um nome quente no cinema. O filme, muito bem escrito e dirigido por Cameron Crowe, era um retrato da vida na estrada de bandas de rock nos anos 70. Kate interpretava uma groupie chamada Penny Lane (o mesmo nome da famosa canção dos Beatles). O filme foi sucesso de crítica e público e acabou ganhando um status de cult movie com o passar dos anos. A trilha sonora também era fantástica. Como Kate chamou todas as atenções por sua atuação logo os estúdios lhe ofereciam propostas para ser a atriz, a estrela, de novos filmes. Os dias de coadjuvante tinham chegado ao fim.

Antes disso porém Kate tinha assinado para participar de um filme com Richard Gere chamado Dr T e as Mulheres. Não era um grande filme, mas daria a ela a chance de atuar ao lado do famoso galã de Hollywood - naquela altura já em sua fase de cabelos grisalhos. O interessante é que o filme que deveria transformar Kate em uma grande estrela não foi bem de bilheteria. O épico histórico Honra & Coragem - As Quatro Plumas não foi prestigiado pelo público. Considerado chato pelos jovens e recebido friamente pela crítica em seu lançamento acabou não agradando a quase ninguém. O único aspecto positivo foi que ela teve a oportunidade de contracenar com Heath Ledger, jovem ator que morreria muito cedo, vítima de uma overdose de drogas. Imortalizado no papel de Coringa no cinema, Ledger não teve tempo de desfrutar de sua fama.

Depois desse fracasso os planos mudaram. Havia um nicho muito bom para Kate direcionar sua carreira: a das comédias românticas. Era uma fase em que o público feminino garantia a boa bilheteria desse tipo de produção. Assim ela resolveu apostar em um bom roteiro sobre relacionamentos. O filme se chamava Como Perder um Homem em 10 Dias. Kate interpretava uma jornalista que testava sua própria tese sobre as coisas que jamais se deveria fazer em um relacionamento. A dupla ao lado do ator Matthew McConaughey (que também tinha ótimo timing para esse tipo de filme) se revelou certeiro e ela conseguiu seu primeiro grande sucesso de bilheteria como atriz principal. Finalmente Kate Hudson se tornava chamaria de bilheteria, abrindo uma nova fase em sua carreira.

Depois que Kate Hudson descobriu o caminho do sucesso ela não parou mais de realizar filmes. Os estúdios há tempos vinham em busca da nova namoradinha da América. Kate surgiu na hora certa para ocupar esse espaço. Em Um Presente Para Helen a atriz conseguiu discutir um tema sério (a escolha de muitas mulheres entre ter uma carreira ou cuidar de seus filhos) de forma bem interessante, sem com isso perder o humor e a leveza. A personagem de Kate era a de uma mulher moderna, profissional no pico da carreira, que de repente se via na delicada situação de ter que cuidar de crianças. Tanto público e crítica gostaram bastante do resultado.

Depois tentando mudar um pouco os ares a atriz estrelou uma fita de terror! Algo inesperado por muita gente. Em A Chave Mestra, Kate interpretava uma jovem cética que tinha que aprender sobre o mundo espiritual de uma forma nada convencional. Vivendo em uma New Orleans cheia de magia, feitiços e maldições, ela acaba tendo contato com o lado mais negro das crenças do sobrenatural. O filme tinha uma excelente direção de arte e o clima adequado, porém a crítica se dividiu. Para alguns faltaram sustos, se tornando uma fita que apostava muito em um terror mais psicológico. Para outros o que realmente faltava no roteiro era sutileza. De qualquer maneira, apesar do bom resultado final, acabou sendo o primeiro e único filme de terror de sua carreira.

Assim ela acabou voltando para as comédias românticas onde atingia sempre os melhores números do ponto de vista comercial. No divertido Dois é Bom, Três é Demais, Kate contracenou com o ator Owen Wilson. O filme era uma comédia até bobinha, mas divertida, sobre um casal que tinha que aguentar o amigo sem futuro do marido. Nos bastidores Kate acabou tendo um caso amoroso ligeiro com Wilson que acabou ficando perdidamente apaixonado por ela. Depois do fim do breve namoro o ator entrou em uma depressão profunda e acabou tentando o suicídio com uma overdose de drogas legais (calmantes). O fato deixou Kate completamente transtornada pois ela definitivamente tinha encarado tudo como um flerte sem maiores consequências, enquanto Owen a via como o amor de sua vida. Até hoje Kate se recusa a falar no assunto que para ela causa grande desconforto pessoal.

Superados os dramas da vida real ela voltou a estrelar outra comédia, o filme Um Amor de Tesouro. Novamente fazendo par com Matthew McConaughey. Os dois sempre se deram muito bem juntos e não seria diferente agora. O filme tem uma levada de muito bom humor, misturado com um estilo de aventura em alto mar. Entre tapas e beijos o casal tentava encontrar um tesouro milionário na costa dos Estados Unidos. Com ótimas e divertidas cenas, que aproveitavam toda a beleza natural, a fita fez relativo sucesso comercial, sendo destroçada pela crítica americana que considerou o resultado bobo e descartável demais. Um filme para pura diversão descompromissada.

Já que Kate havia emplacado sucessos de bilheteria no gênero comédia romântica era até esperado que ela seguisse nesse mesmo filão por algum tempo, afinal Hollywood são negócios, acima de tudo. Assim em 2008 ela surgiu nas telas em mais uma comédia chamada "Amigos, Amigos, Mulheres à Parte". Aqui ela atuou ao lado de Dane Cook. Esse humorista sempre fez uma linha mais agressiva, com piadas sujas, etc. Na verdade ele surgiu nos palcos, contando esse tipo de humor politicamente incorreto. Ao lado de Kate as coisas foram mais suavizadas por um roteiro mais de acordo com o público dela, embora houvesse algumas baixarias, aqui e acolá. É um filme descartável, para assistir uma única vez, dar algumas risadinhas e jogar fora.

"Noivas em Guerra" é um pouquinho mais elegante, onde o diretor Gary Winick tentou soar mais sofisticado. Mesmo assim essa comédia romântica também não consegue se destacar muito. O grande atrativo vem da dobradinha entre Kate e a atriz Anne Hathaway. Ela interpreta uma amiga da personagem de Hudson que acaba criando uma rivalidade com ela. Assim ambas começam a disputar entre si por todas as coisas, inclusive sobre seus próprios casamentos, uma querendo ter o casamento melhor do que a outra - chegam ao absurdo de marcarem o casamento para o mesmo dia, apenas em nome da rivalidade. Fraquinho, bobinho, mas as duas atrizes pareceram se divertir bastante em cena.

Depois dessas duas produções como estrela e protagonista, Kate resolveu ficar um pouco mais sem segundo plano no drama musical "Nine". Nunca gostei muito dessa produção, mas inegavelmente fez bastante sucesso, principalmente de crítica, levando uma penca de indicações nos principais prêmios do cinema internacional, entre eles o Oscar e o Globo de Ouro. Nesse filme Kate Hudson é apenas uma coadjuvante de luxo para gente como Daniel Day-Lewis, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Judi Dench e Sophia Loren. Seguramente é o seu filme com o elenco mais marcante e talentoso. Pena que ela mesma não tenha muito espaço no meio de tantos astros e estrelas.

Em 2010 Kate Hudson procurou por novos ares, novos desafios. Depois de "Nine" ela queria atuar em algo melhor. Comédias românticas estavam descartadas, pelo menos por um tempo. Assim ela embarcou no thriller policial de terror e suspense "O Assassino em Mim". A trama explora a figura de um serial killer (um assassino em série) atuando em uma cidade do Texas. Gosto desse filme, principalmente (mais uma vez) por causa de seu bom elenco que conta com, além de Kate, Casey Affleck (recentemente premiado com o Oscar) e Jessica Alba.

"Pronta para Amar" é um bom filme. O tema é pesado, mostrando o drama de uma jovem que descobre que está com uma doença incurável, só que o roteiro procura enfocar tudo de maneira leve. A própria Kate procura tornar sua personagem bem simpática, amena. Nada parecida com aquelas antigas personagens de filmes antigos onde tudo era visto como uma grande tragédia, com uso excessivo de cores dramáticas em cada momento. É um bom filme, como frisei, só não foi muito marcante em sua carreira como um todo.

Até para contrabalancear o filme anterior, um drama sobre doenças, a Kate Hudson realizou logo em seguida a comédia romântica "O Noivo da Minha Melhor Amiga". Considero esse filme bem fraco e descartável. É a estorinha de duas amigas, sendo que uma delas vai se casar. A outra, como é bem de praxe nesse tipo de filme, acaba se apaixonando justamente pelo noivo dela! Caos à vista! Nada muito digno de nota a não ser a boa direção de arte que em alguns momentos tenta até mesmo reviver o clima das antigas comédias românticas dos anos 60, com destaque para as que traziam a dupla Rock Hudson e Doris Day. Um filme bonitinho, mas ordinário também.

O filme que veio logo a seguir se chamou "O Relutante Fundamentalista". Não gostei muito também. O papel da Kate Hudson nesse filme é até bem secundário. Ela interpreta a namorada de um estrangeiro, vindo de um país árabe, que vai estudar nos Estados Unidos. Quando acontece o 11 de setembro, com os ataques terroristas, ele fica dividido entre a lealdade com seu povo de origem e a nova realidade de sua vida na América. É aquele tipo de filme cheio de boas intenções, mas que não funciona direito. Além disso não podemos esquecer de que boas intenções o inferno está cheio!

Pablo Aluísio.

Filmes da Semana - Edição X

O que há de bom em termos de filmes para assistir essa semana na TV aberta? Vamos deixar algumas dicas. Lembrando que essa programação de filmes vai de 13 (sábado) a 19 de fevereiro (sexta) de 2021. Então vamos lá. Para quem gosta do comediante Jim Carrey teremos a exibição de "O Máskara" (Globo, Sábado, 14:10). O filme é um dos clássicos desse ator, com ótimos efeitos especiais e roteiro bem insano. Bem indicado, sem dúvida. "Os Descendentes" (Globo, Sábado, 3:55) é um bom filme, estrelado por George Clooney. OK, não é um dos melhores filmes do ator, mas tem um roteiro interessante e uma bela direção de fotografia pois o filme foi todo rodado nas ilhas havaianas.

Para quem gosta de filmes baseados em histórias em quadrinhos a Temperatura Máxima exibirá "X-Men: Dias De Um Futuro Esquecido" (Globo, Domingo, 12:30). Esse filme me agradou bastante quando o assisti no cinema. Fica à altura dessa boa franquia de filmes sobre os personagens da Marvel. Para quem ainda não assistiu vale uma espiada. "O Aviador" (Globo, Domingo, 01:00) é o ponto alto da programação de filmes nessa semana. Essa bela obra cinematográfica dirigida por Martin Scorsese conta a história real do milionário americano Howard Hughes, que acabou sofrendo de sérios problemas mentais. No elenco, interpretando Hughes, o ator Leonardo DiCaprio dá um show de atuação. Esse é o melhor filme da semana na TV aberta, sem dúvida.

"Procurando Nemo" (Globo, Segunda, 14:55) é uma das melhores animações produzidas nos últimos anos. Já é considerado um clássico moderno pelos especialistas nesse nicho cinematográfico. Muito bom, diria até excelente. Ideal para as crianças que estão em casa nesses dias de (não) carnaval. A Tela quente vai exibir "Deadpool" (Globo, Segunda, 23:55). Outra boa adaptação de quadrinhos. O ator Ryan Reynolds, que havia errado tanto em "Lanterna Verde" aqui acertou em cheio. O filme é divertido e bem realizado.

"Alice Através do Espelho" (Globo, Quarta, 15:00) é a continuação de "Alice no País das Maravilhas". O primeiro filme rendeu um bilhão de dólares nas bilheterias. Esse segundo não chegou a tanto, mas pelo menos trouxe de volta a boa atriz Mia Wasikowska no papel de Alice. Ela é uma das melhores razões para se assistir a esse filme. E para quem curte dos filmes de ação de Liam Neeson, nesse mesmo dia será exibido "Busca Implacável 2" (Globo, Quarta, 02:50). Essa sequência segue bem de perto a fórmula do primeiro filme. Então se gostou do 1, certamente vai gostar do 2.

"O Exótico Hotel Marigold" (Globo, Quinta, 01:33) tem a força em seu elenco. A dama do teatro e do cinema Judi Dench está excelente em seu papel. Esse filme deveria ser exibido em um horário melhor, para que mais pessoas tivessem a oportunidade de assistir. É cinema classe A. E essa semana parece ser mesmo a semana das continuações na TV aberta. "Casamento Grego 2" (Globo, Sexta, 15:00) não tem a mesma qualidade do filme original, até porque o casamento já havia sido realizado na primeira história, mas mantém um certo interesse para quem apreciou o primeiro filme. E para não deixar os fãs de filmes de terror sem ter o que assistir, "Poder Paranormal" (Globo, Sexta, 01:45) está no programação. Então é isso, tem filmes para todos os gostos e para praticamente todos os tipos de espectadores. Agora é conferir os filmes de sua preferência, passando o carnaval em casa, seguindo todos os cuidados necessários.

Pablo Aluísio.

Lista de Filmes

Na semana que passou assisti filmes até que interessantes, a começar por "Legítimo Rei", boa produção do Netflix que conta a história real de Robert, The Bruce, um escocês medieval que decidiu liderar uma grande rebelião contra a dominação inglesa em seu país. Com historia que corria em paralela a de Coração Valente (lembra-se do filme de Mel Gibson?) o filme uniu história e diversão em boas medidas. Acabei gostando.

Por falar em história ainda conferi outro drama histórico, um faroeste chamado "Uma Mulher Exemplar". Esse filme conta a história de uma pintora que em pleno século XIX ousou pegar um trem e ir para os territórios mais distantes do velho oeste, onde havia pouco tempo acontecido uma carnificina. De um lado os índios comandados por Touro Sentado e Cavalo Louco. Do outro a sétima cavalaria liderado pelo General Custer. Um choque de civilizações que acabou na morte dos militares americanos. A pintora viúva viajava na grande ferrovia justamente para fazer uma pintura de corpo presente de Touro Sentado. Um filme que me agradou, apesar dos erros históricos envolvidos. Tanto a protagonista como o lendário chefe tribal já eram idosos quando a história aconteceu, mas no filme surgiram jovens e bonitos. É a velha obsessão moderna pela juventude eterna indo para as telas.

Curti bastante "Mogli: O Menino Lobo", uma live action da Disney revisitando um antigo clássico da animação. Divertido, extremamente bem feito e produzido (com direito a Oscar de melhores efeitos visuais) foi uma boa volta para os tempos de infância. Por outro lado não gostei de "O Mistério do Relógio na Parede". Igualmente feito para o público juvenil, igualmente bem produzido (com direito de ter a Amblin de Spielberg como produtora), não conseguiu me cativar. Faltou carisma e melhor desenvolvimento da estória. Esse histerismo de ansiedade que parece afetar os filmes atuais de certa forma estragou a sessão. Sejam mais sutis em um segundo filme, se houver!

Por fim, dois clássicos. O primeiro foi o saboroso horror vintage "Mortos que Matam". Vincent Price interpretando o último homem a andar na face da Terra. Filme feito nos anos 60, com todas as limitações de efeitos especiais que se possa imaginar, mesmo assim muito bem feito, divertido, pura nostalgia de um tempo não vivido. O outro filme antigo (clássico para os mais elegantes) foi "A Desforra de um Estranho" onde o Tarzan, ou melhor dizendo, Jock Mahoney, tenta salvar a antiga propriedade de um amigo, um velho indígena que desapareceu após ser encontrado petróleo em seu quintal. As cenas de Mahoney brigando com punhos em uma poça de óleo negro vale por todo o filme!

Pablo Aluísio.

Jogos Mortais: Jigsaw

Esse é o mais novo filme da franquia "Jogos Mortais", lançado no último Halloween nos Estados Unidos. Claro que uma série de filmes tão lucrativa como essa não seria deixada de lado pelos produtores. A primeira pergunta que esse roteiro vai trazer para o espectador é: afinal Jigsaw está morto ou não? Pela história dos filmes anteriores sim, ele está morto há pelo dez anos! Isso porém não parece ser problema para os roteiristas que arranjaram um jeito interessante para trazer o personagem de volta ao cinema (ou quase isso!). Fique atento para a verdadeira armadilha temporal que o roteiro armou para enganar o público. É algo até bem sutil, mas igualmente criativo.

A história começa quando cinco pessoas despertam dentro de um lugar que mais parece um velho armazém. Eles estão com algo que parecem baldes em suas cabeças, todos acorrentados. Se isso já não fosse ruim o bastante as correntes os levam para cima de serras prontas para fazer todos em pedaços. Como se trata de mais um jogo mortal criado por Jigsaw, ele logo surge em áudio explicando as regras do jogo. Todas aquelas pessoas cometeram atos terríveis em suas vidas e precisam confessar os seus crimes, caso contrário todos serão trucidados. O cenário é um velho armazém que pertenceu a esposa falecida de Jigsaw, porém a dúvida persiste, como alguém morto há mais de dez anos continua a manipular seus jogos mortais?

A primeira coisa que os policiais pensam é que está agindo um copycat, um imitador do método de matar do psicopata original. As coisas vão ficando mais estranhas quando os tiras descobrem que há suspeitos dentro da própria equipe do necrotério que examina os corpos mutilados nos jogos mortais. Bom, escrever mais seria estragar algumas surpresas do filme. Basta dizer que a maquinaria da morte de Jigsaw está cada mais afiada. Em uma das sequências mais violentas um verdadeiro moedor de carne humana é usada! No geral, apesar de não trazer muitas novidades, esse novo filme da série vai agradar aos fãs. Penso que o roteiro está bem de acordo com o espírito da franquia, além disso o final fica em aberto, provavelmente para gerar novas continuações, afinal de contas o lucro é o mais importante. Lançado há pouco tempo esse "Jogos Mortais" versão 2017 se tornou um novo sucesso de público, rendendo cinco vezes o seu orçamento nas bilheterias. Alguém duvida que novos filmes virão pela frente?

Jogos Mortais: Jigsaw (Jigsaw, Estados Unidos, 2017) Direção: Michael Spierig, Peter Spierig / Roteiro: Pete Goldfinger, Josh Stolberg / Elenco: Tobin Bell, Matt Passmore, Callum Keith Rennie / Sinopse: Corpos começam a aparecer nas ruas. O grau de mutilação e violência a que eles foram expostos lembram aos detetives o método de matar do psicopata John Kramer, vulgo Jigsaw. A questão é que ele está morto há dez anos! Estaria alguém imitando seu estilo de assassinar pessoas ou o próprio Jigsaw estaria ainda vivo, solto por aí, cometendo seus crimes?

Pablo Aluísio.

O Amante

Liam Neeson interpreta o marido que sempre pensou ter a esposa perfeita. Bonita, bem sucedida profissionalmente, inteligente, ela teria todas as qualidades que um homem gostaria de encontrar em uma mulher. Só que um dia, por mero acaso, ele acaba ouvindo uma mensagem no celular da esposa. Um desconhecido lhe fazia promessas de amor, com pitadas de sensualidade. Obviamente alguém bem íntimo dela. Lógico que algo assim planta a semente da desconfiança em seus pensamentos. Pior acontece quando ele vai até o laptop da esposa e descobre que existe uma pasta chamada "amor" protegida por senha.

O ciúme começa a envenenar sua mente. Após passar dias obcecado, tentando romper a senha, ele finalmente consegue. Dentro da pasta muitas fotos da esposa com o amante, em hotéis, viagens de barco e algumas delas até mesmo de intimidades com o amante. Todas as suas suspeitas são confirmadas e da pior maneira possível! A sua cabeça explode de vez! Por 12 anos a esposa que ele considerava perfeita o traiu com um amante!

Então o marido decide rastrear tudo do caso. Encontra o nome e o endereço do amante e vai até ele. Esse personagem é interpretado pelo "latin lover" Antonio Banderas, que não demora a se mostrar como um grande cafajeste, explorador de mulheres. O plano do marido traído passa a ser de vingança, de matá-lo, mas seria essa a melhor opção? "O Amante" não deixa de ser um filme interessante, que mexe com os instintos masculinos mais primitivos. O homem que descobre ter sido traído por longos anos faz aflorar seus sentimentos mais violentos. É um enredo de basicamente apenas três personagens, o marido, a esposa e o amante. Filme curto que vai direto ao ponto. Poderia ter tido um final mais visceral, porém os roteiristas optaram por algo mais sensato. Afinal não seria bom plantar ideias erradas nas mentes daqueles que viveram a mesma situação do filme.

O Amante (The Other Man, Estados Unidos, 2008) Direção: Richard Eyre / Roteiro: Richard Eyre, Charles Wood / Elenco: Liam Neeson, Antonio Banderas, Laura Linney / Sinopse: Homem que pensava ter o melhor e mais perfeito casamento do mundo descobre que sua esposa teve um amante por longos 12 anos! Obcecado com a traição, ele decide ir atrás do amante, para conhecê-lo, descobrir o que levou sua esposa a trai-lo e talvez matá-lo para lavar sua honra com sangue!

Pablo Aluísio.

O Benfeitor

O eterno galã de cabelos grisalhos Richard Gere interpreta um magnata do ramo hospitalar que corroído pela culpa de um acidente de carro, onde morreu um casal de amigos, decide fazer de tudo para ajudar a única filha deles. Como é um milionário que não sabe mais onde enfiar tanto dinheiro, decide assim fazer de tudo para ajudar a jovem que está se casando. Interpretada por Dakota Fanning, ela também vai percebendo que a boa vontade de seu benfeitor começa a ficar um pouquinho além da conta, excessiva. Afinal o ricaço decide comprar uma bela casal para ela, carros, tudo do bom e do melhor. E ele deveria ser apenas o padrinho do casal, nada mais. Não precisava ser alguém que viesse a dar tudo para ela e seu noivo.

O filme tem uma narrativa bem leve, nada de muito dramático. Temos que reconhecer que você precisará gostar um tantinho do Richard Gere para considerar o filme realmente bom. Isso porque não há nada de muito dramático em sua estória, nada muito relevante realmente acontecendo nas cenas. O milionário interpretado por Gere tem problemas com drogas (é viciado em morfina) e bebidas, mas nada fica muito sério nesse aspecto. Não é um filme do tipo "Christiane F", nada disso. Até os problemas do personagem são amenizados. Diria que é um roteiro feito sob encomenda para o astro de outrora, onde ele tem oportunidade de ter uma boa atuação numa cena aqui e outra acolá, mas tudo feito mesmo na base da superficialidade. É em suma um filme leve, que nunca tem coragem de tocar fundo na ferida.

O Benfeitor (The Benefactor, Estados Unidos, 2015) Direção: Andrew Renzi / Roteiro: Andrew Renzi / Elenco: Richard Gere, Dakota Fanning, Theo James / Sinopse: Franny Hines (Gere) é um milionário filantropo com problemas de bebidas e drogas que reencontra um sentido na vida ao ter a oportunidade de ajudar a filha de um casal de amigos, mortos em um acidente no passado, do qual ele teve indiretamente uma parcela de culpa. Assim ele começa a ajudar o jovem casal de todas as maneiras possíveis, algumas delas de forma exagerada e invasiva na vida conjugal deles. Filme indicado ao Tribeca Film Festival e ao Champs-Élysées Film Festival. Premiado no Catalina Film Festival na categoria de Melhor Filme Estrangeiro.

Pablo Aluísio.

Cães Selvagens

Filme insano e violento que a despeito disso consegue ser um dos melhores da recente safra da filmografia do ator Nicolas Cage. Aqui ele interpreta um criminoso que topa participar de um crime bárbaro: o sequestro de um bebê! Isso por si só já bastaria para mostrar que os personagens principais são realmente cães selvagens, feras, mas há mais. Em um dos momentos mais violentos o personagem de Willem Dafoe, um viciado em cocaína sem nenhum tipo de valor humano, decide explodir os miolos da mulher que ele explora, uma pobre alma com problemas de obesidade.

O diretor Paul Schrader porém não se contenta em fazer um filme sobre criminosos comuns, que acabaram de sair da cadeia. Ele quis mais. Usando uma linguagem cinematográfica surreal, pouco comum nesse tipo de produção, ele desmonta o típico filme sobre quadrilhas. Principalmente em seu final, quando tudo é encoberto por uma nuvem de neblina. Como eu escrevei no começo do texto esse é um caso raro de filme bom e recente estrelado por Nicolas Cage (um dos atores mais queridos do público brasileiro). Essa produção que tinha tudo para ser apenas mais um filme violento de ação, daqueles bem genéricos, tem muito estilo, mesmo que seja um estilo perturbador, onde cães comem outros cães (como sugere o título original). Não é um filme para os fracos e nem para os que se impressionam com facilidade. Na dúvida não deixe de conferir.

Cães Selvagens (Dog Eat Dog, Estados Unidos, 2016) Direção: Paul Schrader / Roteiro:  Matthew Wilder, baseado na obra de Edward Bunker / Elenco: Nicolas Cage, Willem Dafoe, Christopher Matthew Cook / Sinopse: Três condenados ganham a liberdade após cumprirem suas penas. De volta às ruas eles retornam para as atividades criminosas, trabalhando para um chefão mafioso conhecido como "El Greggo". Após alguns serviços eles aceitam participar de um crime hediondo, o sequestro de um bebê, filho de um ricaço da cidade.

Pablo Aluísio.

Infiltrado na Klan

Quem conhece Spike Lee de longa data já prevê de antemão o que encontrará nesse seu novo filme. Usando de uma fina ironia ele conta a história de um agente policial disfarçado chamado Ron Stallworth (John David Washington) que decide ligar para um número que pertence a um grupo da Ku Klux Klan, entidade clandestina que há séculos vem reunindo racistas por todos os Estados Unidos. Se fazendo passar por um branco, ele acaba conseguindo um encontro com alguns membros. Só que por ser negro ele obviamente não pode ir a essa reunião. Então um outro agente branco se faz passar por ele. Então cria-se assim uma situação no mínimo inusitada. Ron conversa com os líderes da Klan por telefone, enquanto outro policial vai nos encontros racistas. O enredo foi levemente baseado em fatos reais acontecidos nos anos 1970. A operação policial original levou diversas pessoas para a prisão, inclusive alguns figurões da política nacional.

E por falar em política, Spike Lee aproveita para também cutucar o atual presidente dos Estados Unidos, Donald Trump. Durante todo o filme referências indiretas são feitas a ele, até que no final o diretor se torna mais explícito, ligando os movimentos racistas do passado diretamente aos acontecimentos mais recentes, quando grupos de supremacia branca marcharam sobre algumas cidades do sul. Inclusive Spike Lee não se faz de rogado, usando a própria imagem de Trump nas cenas finais.

No final temos até um bom filme, ativista em prol dos direitos dos negros, que procura satirizar os brancos americanos que empunham a bandeira da velha confederação como uma piada de si mesmos. Em termos puramente cinematográficos porém não é um grande filme, uma obra prima da sétima arte, digna de, por exemplo, ser indicado ao Oscar de melhor filme do ano. É meramente bom, nada excepcional. No fundo serve para passar sua mensagem, usando para isso muitas vezes apenas o humor corrosivo de seu diretor.

Infiltrado na Klan (BlacKkKlansman, Estados Unidos, 2018) Direção: Spike Lee / Roteiro: Charlie Wachtel, David Rabinowitz / Elenco: John David Washington, Adam Driver, Laura Harrier, Alec Baldwin / Sinopse: Durante os anos 70 um policial negro chamado Ron Stallworth (John David Washington) participa de uma operação onde o departamento infiltra um policial branco no meio de um grupo de racistas da Klan. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Música, Melhor Ator Coadjuvante (Adam Driver), Melhor Edição e Melhor Direção.

Pablo Aluísio.

Mogli: Entre Dois Mundos

Não faz muito tempo assisti ao novo filme de Mogli produzido pela Disney. Uma produção maravilhosa do ponto de vista técnico e artístico. Pois bem, agora temos essa outra versão, produzida pela Warner e lançada pelo Netflix. É basicamente a mesma história, novamente contando as origens de Mogli, até porque ambos os filmes tentaram se aproximar o máximo possível da obra original escrita pelo inglês Rudyard Kipling. Porém é bom frisar que há diferenças básicas entre os dois filmes, sendo que especialistas em literatura afirmam que esse "Mogli: Entre Dois Mundos" é bem mais fiel ao livro do que o anterior da Disney.

Isso fica claro em vários momentos. Há mais violência, mais crueza e em certos aspectos mais realismo. Sim, Mogli consegue falar com os animais, mas não há espaço para músicas e nem sequências musicais. Os animais também surgem menos caricatos, menos na base infantojuvenil. São bestas com marcas da luta pela sobrevivência na selva. Algumas pessoas reclamaram afirmando que esses animais ficaram com expressões estranhas, uma vez que a equipe de computação gráfica tentou mesclar a imagem das feras com os rostos dos dubladores, suas expressões faciais. Em certas partes isso se torna mais claro, porém não chega a comprometer em nada o resultado final.

Isso se deveu, penso, ao fato de que essa nova versão foi dirigida pelo ator Andy Serkis. Ele é um especialista em captura de imagens, atuando com um aparato tecnológico em cima de seu rosto e corpo, para que informações precisas sejam enviadas para o computador. No final de tudo a impressão fica mesmo um pouco fora da realidade, algumas vezes sem vida no olhar dos personagens... um preço a se pagar por uma tecnologia que ainda não chegou ao auge de seu potencial. Mesmo assim, vale a sessão. É uma tentativa de se chegar ao mais próximo possível do universo criado pelo autor... se bem que o livro e suas páginas de papel ainda são o melhor caminho para se encontrar mesmo, de fato, com a ideia do escritor que deu origem a esse menino das selvas. 

Mogli: Entre Dois Mundos (Mowgli, Estados Unidos, Inglaterra, 2018) Direção: Andy Serkis / Roteiro: Callie Kloves, baseado na obra escrita por Rudyard Kipling / Elenco: Christian Bale, Cate Blanchett, Naomie Harris, Andy Serkis, Benedict Cumberbatch / Sinopse: Após a morte de seus pais o menino Mogli é adotado por lobos selvagens. Ele precisa sobreviver, além dos perigos naturais da selva, à perseguição do tigre assassino Shere Khan. Filme indicado ao London Critics Circle Film Awards na categoria de Melhor Ator (Christian Bale). 

Pablo Aluísio.

Django Livre

Em “Bastardos Inglórios” Quentin Tarantino tentou revisitar, com muito bom humor, um dos mais populares gêneros do cinema da era de ouro, o dos filmes de guerra. Exagerado, over, beirando a paródia completa, “Bastardos Inglórios” dividiu opiniões, sendo odiado por uns e amado por outros. Embora seu desfecho fosse absurdo pelo menos era surpreendente, não há como negar. Agora é a vez do Western servir de alvo para as lentes de Tarantino. “Django Livre” se propõe a ser uma paródia do chamado Western Spaguetti, gênero que se tornou muito popular (inclusive no Brasil) na época de seu auge. A tônica dessas produções era o exagero das cenas de violência e o uso abusivo de trilhas marcantes e onipresentes em cada cena. Os roteiros passavam longe de ser grande coisa mas eram eficientes. Agora o cineasta Tarantino tenta trazer o espírito daquelas produções de volta às telas, tudo mesclado com seu inconfundível toque pessoal.

É curioso porque assim que o projeto foi anunciado esperei por um verdadeiro delírio por parte do diretor pois se o Spaguetti era uma paródia do western americano, o que esperar de uma paródia da paródia? Obviamente um exagero completo, um delírio absoluto! Mas não é isso o que acontece. “Django Livre” pode até mesmo ser considerado conservador em certos aspectos. Não há dúvidas que existem produções Spaguetti que são bem mais violentas ou ousadas que “Django Livre”. Nesse ponto Tarantino foi passado para trás. Assim sobra pouca coisa para se surpreender. Quem é fã do gênero, que acompanha filmes de faroeste com freqüência, simplesmente não vai se impressionar com nada no filme de Tarantino. Nem é ousado e nem surpreendente. Mesmo assim não é um produto ruim, longe disso, só é menos revolucionário do que se esperava (ou melhor dizendo, não é revolucionário em nada).

Um bom western? Sim, não há como negar. O melhor vem dos talentosos atores em cena. O elenco está muito bem, em especial Christopher Waltz e Leonardo DiCaprio. Jamie Foxx como Django não chega a empolgar e nem está tão intenso quanto era de se esperar. Spike Lee reclamou do retrato que foi feito da escravidão negra nos EUA mas sua posição é obviamente um exagero. Os negros aliás estão no centro da trama e o próprio Django é um bom protagonista para o público afrodescendente se identificar. Recentemente “Django Livre” venceu o Globo de Ouro de Melhor Roteiro mas depois de assistir ao filme achei o prêmio um pouco desmerecido. A trama é até banal, sem surpresas, e o filme tem inclusive um problema no último ato que se tornar desnecessário e constrangedor, para não dizer bobo! Os diálogos, que sempre foram a marca registrada do diretor, aqui estão bem escritos mas muito abaixo das outras obras da filmografia de Tarantino. São um pouco acima da média mas nada excepcionais. Além disso o desenrolar da estória é comum, ordinário. Tarantino parece que tremeu nas bases ao se envolver com a mitologia do western.

Ao invés de jogar as bases do gênero para o alto, como fez em “Bastardos Inglórios”, ele aqui não consegue em momento algum se desvincular das regras dos faroestes mais tradicionais. Até a divisão em três atos está de acordo com os dogmas do estilo. Tarantino não alça vôo em momento algum, prefere ficar no chão, ao lado das regras mais caras ao velho e bom western. Não se aproxima de sua tão falada desmistificação, pelo contrário, louva ao seu modo todos os fundamentos desse tipo de filme e se rende à tradição. Assim não vejo motivo algum para toda a badalação que está sendo feita em torno de “Django Livre” pois em essência ele se apresenta como um western dos mais tradicionais, sem qualquer marca mais relevante que o torne uma obra prima ou algo do gênero. Definitivamente não foi dessa vez que o cineasta maravilhou ou deixou surpreendidos os fãs de faroestes. Em conclusão temos aqui um bom western que sobressai pelo elenco inspirado. A trama é sem surpresas e o roteiro bem abaixo do esperado. Não é um filme ofensivo contra os negros, longe disso, e pode ser visto como bom passatempo, muito embora um corte mais bem cuidadoso em sua duração cairia bem. Deve ser conferido mas sem esperar nada grandioso.

Django Livre (Django Unchained, EUA, 2012) Direção: Quentin Tarantino / Roteiro: Quentin Tarantino / Elenco: Jamie Foxx, Christopher Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Sacha Baron Cohen, Joseph Gordon-Levitt, Kurt Russell, Kerry Washington, Walton Goggins, James Remar, Don Johnson, Anthony LaPaglia, Tom Savini, James Russo. / Sinopse: King Schultz (Christoph Waltz) é um caçador de recompensas que se une a um escravo chamado Django (Jamie Foxx) para sair na caça de três irmãos que estão com a cabeça a prêmio. Depois do serviço concluído eles resolvem ir atrás da esposa de Django que agora se tornou propriedade de um cruel fazendeiro do sul chamado Calvin Candie (Leonardo DiCaprio). Se fazendo passar por traficantes de escravos eles tentarão resgatar a amada de Django.

Pablo Aluísio.

Thor Ragnarok

Divertido, ultra colorido e pura linguagem de quadrinhos. Assim podemos resumir em poucas palavras essa aventura do Thor no cinema. A Marvel procurando fazer diferente no cinema buscou inspiração exatamente no mundo das revistas do personagem. Sim, é verdade que muitos fãs reclamaram desse filme. Não foram poucos os que o acusaram de ser até mesmo bobo e infantil. Esse tipo de argumento não vai muito longe. O filme é tão divertido como uma revista em quadrinhos dos anos 70, com muitas cores e cenas de ação, principalmente no ringue dos gladiadores, algo que foi trazido de "Planeta Hulk" e que acabou dando muito certo aqui. E a trama? Básica, mas funcional. Nela o deus do trovão Thor (Chris Hemsworth) vai parar em um planeta desconhecido, onde acaba reencontrando o Hulk (Mark Ruffalo) que agora é um lutador de arenas de gladiadores. Thor porém não pode perder tempo pois ele precisa salvar o seu próprio mundo, agora sob perigo de destruição completa.

Assim se você curtiu as HQs, provavelmente vai gostar do que verá na tela. Todos os efeitos especiais são muito bons, o que era mesmo de se esperar de uma produção conjunta entre a Marvel e a Disney. Fora isso temos coadjuvantes impagáveis, como o mestre Anthony Hopkins se divertindo bastante com seu Loki travestido de Odin e Jeff Goldblum, como um mestre de cerimônias transgênero, afetado e engraçado. A crítica gostou do filme por ser despretensioso, com um roteiro que flui muito bem. Nada de exageros e excessos de personagens secundários sem importância, o que acaba deixando qualquer filme pesado e enfadonho. No geral é a mais pura diversão, como deve ser sempre que se adapta esses personagens para o cinema. Do contrário tudo fica muito chato e pretensioso. Stan Lee (que também está no filme, em participação especial, uma das últimas antes de falecer) certamente assinaria embaixo desse roteiro.

Thor Ragnarok (Estados Unidos, 2017) Direção: Taika Waititi / Roteiro: Eric Pearson, Craig Kyle / Elenco: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchett, Mark Ruffalo, Anthony Hopkins, Jeff Goldblum / Sinopse: Enquanto seu mundo está sob forte ataque de forças poderosas, Thor acaba indo parar em um estranho planeta, onde domina a violência, os jogos e a corrupção.

Pablo Aluísio.

A Hora do Espanto

Charley Brewster (William Ragsdale) é um típico jovem americano que começa a desconfiar dos estranhos hábitos de seu novo vizinho, o misterioso e charmoso  Jerry Dandrige (Chris Sarandon). Após investigar por conta própria ele acaba descobrindo que Jerry é na verdade um vampiro, igual aos que vê todas as noites nos filmes da TV. Sem saber o que fazer pede ajuda a  Peter Vincent (Roddy McDowall), um ator decadente que apresenta um programa que exibe velhas produções de terror. Claro que essa ideia não dará muito certo!

Esse filme segue sendo um dos melhores feitos na década de 80. Quem foi jovem na época lembra do grande sucesso que fez, a tal ponto que deu origem a uma série de filmes genéricos, que inclusive imitavam seu título original. A premissa também tinha tudo a ver com os anos 80. Naquela época havia uma série de programas na TV, ou melhor dizendo, sessões de filmes, geralmente sendo exibidos nas madrugadas, que eram apresentados por atores veteranos do terror. Quem aqui no Brasil não se lembra do Cine Trash? Era bem nessa linha. Por isso o roteiro brincava bastante com essa situação, a de um jovem comum, que curtia esses filmes de horror e que de repente descobria que havia um vampiro de verdade se mudando para a casa ao lado!

Muito divertida essa ideia. Depois ele ia descobrindo mais e mais coisas e acabava pedindo ajuda a um apresentador de programas como as que eu falei, sessões de filmes porcarias, exibidos madrugadas adentro. Só que obviamente o sujeito era apenas um ator e não um caçador de vampiros! O mais legal desse ícone do terror 80´s é que todo o elenco está afinadíssimo em cena. A começar por Chris Sarandon como o vampiro, retomando todo aquele charme antigo dos monstros da Hammer. Charmoso e perigoso, ele se leva à sério em um filme que tinha duplo objetivo: fazer rir e dar sustos! Assim "A Hora do Espanto", o original e não suas refilmagens sem graça, ainda continua à prova do tempo, mesmo que seus efeitos especiais tenham envelhecido, nada consegue estragar essa produção verdadeiramente atemporal. Tudo envolvido agora com um delicioso saber de nostalgia.

A Hora do Espanto (Fright Night, Estados Unidos, 1985) Estúdio: Columbia Pictures / Direção: Tom Holland / Roteiro: Tom Holland / Elenco: Chris Sarandon, William Ragsdale, Amanda Bearse,  Roddy McDowall, Stephen Geoffreys, Jonathan Stark / Sinopse: Para seu espanto, jovem fã de filmes de horror de baixo orçamento descobre que seu novo vizinho é na verdade um vampiro! Filme premiado no Avoriaz Fantastic Film Festival na categoria de Melhor Direção (Tom Holland).

Pablo Aluísio.

Amor à Segunda Vista

Como é que não pensaram nisso antes? Era meio que natural que mais cedo ou mais tarde Sandra Bullock e Hugh Grant fizessem um filme juntos. Afinal eles eram os atores mais famosos nesse estilo de comédia romântica na época. Assim quando o filme foi anunciado não houve mesmo muitas surpresas. Pena que o filme não foi nenhum grande sucesso de bilheteria e nem tampouco chamou muito a atenção. Para falar a verdade, olhando para trás, podemos perceber que foi mesmo uma película que caiu completamente no esquecimento, inclusive para esse que escreve, afinal vi o filme no cinema (segundo meus registros), mas pouco me lembro de maiores detalhes. É sim bem esquecível mesmo.

E que grande enredo vos espera? Bom, não espere por muita coisa. Lucy Kelson (Sandra Bullock) é advogada do bilionário George Wade (Hugh Grant). A cada dia que passa George fica mais dependente dela, para tomar qualquer decisão. Até que Lucy decide dar um tempo, chamando uma substituta. Claro que ambos vão se descobrir apaixonados, pois é praxe nesse tipo de comédia romântica. O Grant continuava o mesmo, interpretando basicamente ele mesmo nas telas. A Sandra Bullock que chegou a ser eleita uma das mulheres mais sensuais do mundo (exagero), sempre teve bom feeling para esse tipo de filme. Então é isso, um filme que muita gente já esqueceu. Também pudera, nunca foi mesmo memorável.

Amor à Segunda Vista (Two Weeks Notice, Estados Unidos, 2002) Direção:  Marc Lawrence / Roteiro:  Marc Lawrence / Elenco: Sandra Bullock, Hugh Grant, Alicia Witt / Sinopse:  Bilionário (Hugh Grant) descobre, após anos, que sua advogada é na verdade o grande amor de sua vida. Quando ela decide dar um tempo como sua advogada pessoal ele descobre que tem esse nobre sentimento por ela.

Pablo Aluísio.

A Noiva

Qual foi a última vez que você assistiu a um filme russo de terror? Provavelmente há muito tempo ou nunca! Pois bem aqui está uma oportunidade para fazer isso. "A Noiva" é uma produção de horror feito na Rússia, mas seguindo a linha dos filmes de terror dos Estados Unidos. Pois é, em tempos globalizados isso é algo previsível de acontecer. O roteiro é um pouco confuso, não explicando direito o mecanismo que faz com que uma mulher do século XIX tenha sempre que procurar por um novo corpo para continuar vivendo. Ela era noiva de um fotógrafo que dizia ter encontrado uma forma de capturar a alma de pessoas mortas através do negativos de seus filmes. Quando a querida noiva morre um dia antes de seu casamento ele se revolta com a situação, a trazendo de volta do mundo dos mortos. Péssima ideia.

Depois dessa introdução no passado o filme vai para os dias atuais. Encontramos uma jovenzinha feliz por estar se casando com o homem que ama. Ele a leva para a casa de sua família, uma velha casa no interior. O que a garota não sabe é que seu noivo é descendente do fotógrafo que trouxe a sua noiva da morte décadas antes. É a mesma família, que está amaldiçoada. Tecnicamente falando o filme é bem realizado, com bom jogo de luz, sombras e sustos. Os russos aprenderam direitinho com os americanos como se fazer um filme moderno de terror. O que atrapalha, como já escrevi, é o roteiro, que nem sempre dá as respostas necessárias ao espectador. Assim sobra de bom os sustos e a criatura (a tal noiva), muito bem feita tecnicamente falando. A maquiagem também é de primeira. Fora isso, claro, está a curiosidade de conferir um terrorzão feito na gelada Rússia. Espero que eles sigam em frente na produção desse tipo de filme.

A Noiva (Nevesta, Rússia, 2017) Direção: Svyatoslav Podgaevskiy / Roteiro: Svyatoslav Podgaevskiy / Elenco: Viktoriya Agalakova, Vyacheslav Chepurchenko, Aleksandra Rebenok / Sinopse: No século XIX um fotógrafo decide trazer sua noiva falecida de volta à vida, usando para isso seu equipamento de trabalho. Ele acredita que o negativo de suas fotografias captura a alma das pessoas. No final seu ato de desespero acaba amaldiçoando sua família para todo o sempre.

Pablo Aluísio.

Bel Ami - O Sedutor

Georges Duroy (Robert Pattinson) é um jovem sedutor em Paris que usa de sua beleza para subir na escala social, usando para isso mulheres ricas e influentes dentro da sociedade. Roteiro baseado na novela escrita pelo autor Guy de Maupassant, cuja trama é parcialmente baseada em fatos reais. A produção é muito boa, figurinos luxuosos, boa reconstituição de época, clima adequado... Inicialmente você pensa sinceramente que vai assistir no mínimo um bom filme, mas aí... entra em cena Robert Pattinson! Nada tenho de pessoal contra ele, até já cheguei a elogiá-lo em filmes mais recentes onde ele acertou, mas aqui... não há salvação - ele está completamente fora do tom, deslocado no tempo e no espaço, sem charme (essencial para o personagem) e desfilando suas expressões de paisagem.

Nada se salva em seu trabalho o que é uma grande pena já que o elenco feminino de apoio é dos melhores. Elas (entenda-se Uma Thurman, Kristin Scott Thomas e Christina Ricci) realmente salvam o filme de afundar feito o Titanic. Thurman nunca foi particularmente bonita, porém conseguiu uma boa atuação com sua personagem Madeleine Forestier. Kristin Scott Thomas como Virginie Rousset é outro ponto positivo em termos de elenco. Delas eu destacaria mesmo como acima da média Christina Ricci interpretando o papel de Clotilde de Marelle! Muitos a consideram apenas uma atriz esquisita especializada em personagens bizarros, mas penso diferente. Permitam-me discordar. Sua beleza (sim, a considero bonita) provém de um tipo de estética diferente, mas não esquisita. Nesse filme então ela está ótima nesse aspecto. Por elas não jogaria o filme no lixo, essa é a conclusão final a que chego.

Bel Ami - O Sedutor (Bel Ami, Estados Unidos, 2012) Direção: Declan Donnellan, Nick Ormerod
/ Roteiro: Rachel Bennette ; Elenco: Robert Pattinson, Uma Thurman, Kristin Scott Thomas, Christina Ricci / Um perigoso jogo de amor, sedução e ambição se forma em Paris, onde o charme e a beleza são usadas para fins nada louváveis. Filme romântico de época, estrelado pelo astro teen Robert Pattinson.
    
Pablo Aluísio.

O Cavaleiro Solitário

Em plena corrida ao ouro na Califórnia do século XIX, um grupo de pacatos e pacíficos mineradores é ameaçada e hostilizada por um rico homem de negócios que deseja as terras onde vivem para que ele próprio extraia o rico minério para si. Após promover uma série de ataques, os mineradores rezam por um milagre, pela chegada de alguma ajuda! Suas preces acabam sendo ouvidas e chega no local um cavaleiro errante misterioso, sem nome, sem destino, sem passado, conhecido apenas como “O Padre” (Clint Eastwood). Rápido no gatilho e implacável contra os facínoras, ele começa a distribuir justiça pela região, sendo considerado um salvador pelos pobres e humilhados moradores das montanhas.

“O Cavaleiro Solitário” é seguramente um dos melhores filmes de western estrelado por Clint Eastwood. Aqui ele retorna às telas com seu personagem preferido, o pistoleiro errante, sem nome, vindo de lugar nenhum, mas impondo a justiça nas comunidades mais oprimidas e humilhadas por onde passava. A caracterização de Clint está perfeita. Homem de poucas palavras e muita presença, ele impõe ordem e justiça com a única linguagem que os bandidos no velho oeste entendiam, a linguagem de um cano fumegante. Esse é seu personagem definitivo dentro do universo dos faroestes que estrelou ao longo da carreira.

Todo western que se preze deve possuir vilões à altura para engrandecer o papel do justiceiro. Aqui temos um antagonista muito interessante, o temido "xerife" Stockburn (John RusselI), na realidade um pistoleiro de aluguel que vai até o local para enfrentar o Padre pois sua presença faz com que os mineradores comecem a ter confiança em si mesmos. A ordem é eliminar o estranho cavaleiro para assim dominar completamente a região que afinal é riquíssima em ouro e outros metais preciosos. O duelo entre Stockburn e o Padre é certamente um dos melhores da mitologia do velho oeste no cinema. Ambos duelam numa cidadela incrustada numa montanha isolada. Stockburn conta ainda com um grupo de assistentes – sujeitos durões, com rostos de poucos amigos, que tencionam eliminar a presença nociva do Padre. Eles só não contavam com o fato do Padre trazer atrás de si o inferno, como bem resume uma jovem filha de uma mineradora oprimida.

Muito ação, muitos desafios e um roteiro primoroso que resgata todos os valores mais preciosos do gênero. De certa forma “O Cavaleiro Solitário” encerra uma fase na carreira de Clint que teve seu início com “O Estranho Sem Nome” na década anterior. É a fase onde realizou alguns de seus melhores sobre o velho oeste americano, todos lançados logo após sua extremamente bem sucedida parceria com o cineasta Sergio Leone na Itália. O mito do cavaleiro sem nome jamais foi tão bem representado como nesses dois filmes que são simplesmente fantásticos. Um clássico moderno com a assinatura do talentoso Clint Eastwood na direção e na produção. Simplesmente imperdível para os amantes do western americano em sua mais bem inspirada fase da década de 80.

O Cavaleiro Solitário (Pale Rider, EUA, 1985) Direção: Clint Eastwood / Roteiro: Michael Butler, Dennis Shryack / Elenco: Clint Eastwood, Michael Moriarty, Carrie Snodgress, Chris Penn, Richard Dysart, John Russell, Richard Kiel / Sinopse: Uma comunidade de moradores no alto da montanha sofre todo tipo de hostilidade por um rico empresário que deseja tomar conta da região para enriquecer com o ouro que brota da terra. Para defender essas pacatas e pacíficas pessoas surge no horizonte a figura de um misterioso cavaleiro errante, sem nome, sem passado e sem destino conhecido simplesmente como “O Padre”. Apesar do nome ele traz o inferno atrás de si e começa a distribuir justiça na região.

Pablo Aluísio.

Capitão América: Guerra Civil

A Marvel continua lucrando fortunas com suas adaptações de quadrinhos. Embora esse filme seja tecnicamente da franquia do Capitão América (e não dos Vingadores, como muitos pensam) a verdade é que tudo está interligado. Os roteiros dos filmes da Marvel se completam entre si, então é bom ficar antenado com o que aconteceu em todos os demais filmes para não se perder na trama desse aqui. Curiosamente o argumento, se formos analisar bem, é dos mais simplórios que se possa imaginar. Basicamente os heróis que formam os vingadores entram em choque. O grupo liderado pelo Homem de Ferro aceita as limitações de um tratado internacional sobre suas ações. Como o roteiro deixa claro a ação dos vingadores geralmente se torna um desastre - prédios vem abaixo, pessoas morrem, etc. Os países querem (com razão) colocar um freio nisso. Já o grupo que fecha com o Capitão América discorda dessa visão. Eles não querem ficar abaixo, subordinados, às autoridades do Estado.

O resultado disso? Um grande luta entre os super-heróis. É a tal coisa, se deu certo nos quadrinhos, porque não trazer para a tela? Ai começa o problema. Nos gibis a saga da Guerra Civil é longa, detalhista e cheia de subtramas. Além disso são centenas e centenas de personagens surgindo em inúmeras edições. Resumir tudo em um filme só é completamente impossível. Para acomodar cortes foram feitos e os roteiristas só deixaram o básico na tela. Com isso surgiram as críticas e protestos dos fãs de quadrinhos. Um exagero. São duas linguagem diferentes e não poderia ser de outra maneira. E muito em decorrência disso temos aqui um roteiro que muitas vezes se torna truncado, mal escrito mesmo. Quem não for leitor de quadrinhos ou que não venha acompanhando os outros filmes da franquia vai demorar um pouquinho para se situar no meio do caos. Mesmo assim está valendo. Como diversão pipoca "Civil War" é bem divertido. Só não adianta se iludir, pensando que é um filme perfeito, sem falhas ou que seja uma obra prima. Isso definitivamente o filme não é.

Capitão América: Guerra Civil (Captain America: Civil War, Estados Unidos, 2016) Direção: Anthony Russo, Joe Russo / Roteiro: Christopher Markus, Stephen McFeely / Elenco: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson / Sinopse: Os heróis Marvel entram em conflito após divergências sobre os limites que podem surgir em suas ações. Filme indicado ao Empire Awards e ao People's Choice Awards.

Pablo Aluísio.

Máquinas Mortais

Esse é um projeto cinematográfico de Peter Jackson. Ele comprou os direitos autorais do livro original, escreveu o roteiro e produziu tudo em seu estúdio particular na Nova Zelândia. Tinha tudo para dirigir o filme também, porém optou por entregar a direção para Christian Rivers, que havia trabalhado ao seu lado como diretor de arte da saga "O Senhor dos Anéis". No total o filme custou mais de 100 milhões de dólares, mas até agora tem patinado nas bilheterias. No mercado americano o resultado comercial tem sido bem pífio. Talvez Jackson tenha previsto que o filme teria problemas e por isso resolveu não assinar a direção.

As referências também são bem óbvias. Nos vinte primeiros minutos lembramos claramente de "Mad Max". Afinal o enredo se passa em um mundo pós-apocalíptico. As grandes cidades já não são mais como eram antes. Ao invés de serem fixas no solo agora são móveis, se transformando em grandes máquinas de combate. Isso mesmo, parece estranho, mas Londres, por exemplo, virou uma esdrúxula maquinaria sobre rodas, destruindo e absorvendo tudo o que encontra pela frente. É obviamente uma visão distópica do mundo, com todos os exageros que você pode prever antes de entrar no cinema.

Em um filme como esse também não poderia faltar toneladas de efeitos digitais. E eles estão em cada ponto das cenas. Praticamente tudo o que você verá foi feito por computação gráfica. As máquinas, os cenários e o próprio mundo ao redor onde o filme se passa. De certo modo me lembrei imediatamente dos antigos filmes de Terry Gilliam. É aquela coisa que de tão rebuscada acaba tendo uma imagem de algo sujo, deteriorado. Acabou combinando bem com a proposta do enredo. Porém nem tudo é sujeira, fedendo a diesel saindo pelos canos envenenados das geringonças mecânicas. Há também espaço para a beleza visual, principalmente das naves que mais parecem asas deltas vindas do mundo de Avatar. No geral gostei do filme. Pode não ser especialmente criativo e nem está longe de fugir de clichês, mas entretém bem ao seu público alvo. Só resta saber se esse universo terá continuidade no cinema. Pelas fracas bilheterias acho que isso não vai acontecer.

Máquinas Mortais (Mortal Engines, Estados Unidos, Nova Zelândia, 2018) Direção: Christian Rivers / Roteiro: Peter Jackson, Fran Walsh e Philippa Boyens, baseados na obra de Philip Reeve  / Elenco: Hugo Weaving, Hera Hilmar, Robert Sheehan, Stephen Lang / Sinopse: Após uma grande guerra que matou quase toda a humanidade, os sobreviventes se organizaram em grandes máquinas de guerra. Atravessando o mundo destruído eles procuram por recursos naturais e combustível para seguirem em frente com sua dominação. Enquanto isso uma jovem de passado misterioso tenta vingar a morte de sua mãe que envolveu uma pessoa importante de Londres.

Pablo Aluísio.

Sherlock & Eu

Não é bem aquele tipo de filme que eu indicaria para os admiradores do personagem Sherlock Holmes. Isso porque o roteiro subverte completamente a figura do detetive. Ao invés de ser uma mente brilhante, capaz de resolver qualquer caso criminal, aqui temos apenas uma ficção criada pelo Dr. Watson (Ben Kingsley). Isso mesmo, ele cria de sua imaginação a figura de Holmes e contrata um ator canastrão chamado Reginald Kincaid para interpretá-lo. Na realidade ele não é inteligente, muito pelo contrário, é burro como um porta. Apenas representa o tipo para o público em geral. Essa subversão de Sherlock Holmes se tornaria bem indigesta se não fosse para a tela na pele de Michael Caine.

Verdade seja dita, o filme não se sustentaria se não tivesse um ator tão carismático como ele em cena. Até porque Ben Kingsley como o Dr. Watson não tem apelo (nem dentro do enredo do filme e nem aqui fora, olhando-se tudo sob um ponto de vista puramente cinematográfico). Assim sobram algumas cenas divertidas (o roteiro se propõe a ser engraçado) ao mesmo tempo em que tenta trazer o inimigo mais tradicional de Holmes, o Prof. James Moriarty (Paul Freeman), como o vilão clássico para sustentar a frágil trama. Confesso que a caracterização de um Sherlock Holmes estúpido me incomodou várias vezes. Para quem cresceu lendo os livros e vendo os filmes do mitológico personagem detetive fica mesmo difícil de engolir essa nova abordagem, mesmo que tudo seja feito em nome do humor.

Sherlock & Eu (Without a Clue, Inglaterra, 1988) Direção: Thom Eberhardt / Roteiro: Gary Murphy, Larry Strawther / Elenco: Michael Caine, Ben Kingsley, Paul Freeman, Jeffrey Jones / Sinopse: O sumiço de formas usadas para a fabricação de papel moeda do banco central da Inglaterra leva o famoso detetive Sherlock Holmes (Michael Caine) e seu fiel companheiro Dr. Watson (Ben Kingsley) a entrarem no caso. Por trás de tudo parece haver a figura sinistra do Prof. James Moriarty (Paul Freeman). Só que nem tudo é o que aparenta ser.

Pablo Aluísio.

O Velho e a Arma

Durante o lançamento desse filme Robert Redford declarou em entrevista que ele seria o último que faria como ator. Dali para frente ele pensava apenas em dirigir. Como ator, segundo ele, não haveria mais nada que ele quisesse fazer. Já tinha chegado ao final da jornada. Depois da grande repercussão na mídia, ele até que se arrependeu um pouco do que disse, afirmando que quem sabe poderia algum dia fazer alguma participação especial em algum filme, mas nada que viesse a dar muito trabalho. De qualquer maneira, como protagonista, esse parece ter sido o último filme dele no cinema após uma longa e produtiva carreira.

Ele interpreta um velho ladrão de bancos. Um homem que passou a vida toda entrando e saindo da cadeia. Agora, com mais de 70 anos, ele decide formar uma nova quadrilha, só com veteranos. Usando de modos educados, tal como se fosse um verdadeiro cavalheiro, ele começa uma série de assaltos em pequenas agências bancárias do interior. Tudo feito sem violência, com calma, agindo como um verdadeiro gentleman.

Os assaltos começam a chamar a atenção da mídia que logo chama o grupo de "gangue dos velhotes". Para prender todos, um detetive é colocado no caso. O policial, interpretado por Casey Affleck, começa a se sentir humilhado por ser passado para trás por aqueles senhores da terceira idade. Tudo começa a ficar bem constrangedor, então ele se empenha ao máximo para localizar o líder e seu grupo. A pista que precisava acaba sendo dada pela filha de um deles, que entrega todas as informações que ele precisava.

É um bom filme, leve em certos aspectos, que não vai decepcionar aos fãs de Robert Redford. Claro, nunca poderia ser comparado aos clássicos do passado em sua filmografia, mas mantém o interesse e não aborrece em nenhum momento. É um filme rápido, com pouco mais de 80 minutos de duração. Apesar de ser um filme sobre ladrões de bancos, em nenhum momento há cenas de violência gratuita. Além do mais, para os cinéfilos, há um atrativo a mais. Para representar o passado do personagem de Redford algumas cenas de seus antigos filmes são inseridas, dando uma certa nostalgia dos tempos em que ele era um dos grandes galãs do cinema americano. Então é isso, se for mesmo sua despedida das telas como ator, não será um adeus melancólico ou vergonhoso. Muito pelo contrário.

O Velho e a Arma (The Old Man & the Gun, Estados Unidos, 2018) Direção: David Lowery / Roteiro: David Lowery, David Grann / Elenco: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tom Waits / Sinopse: Levemente baseado em fatos reais, o filme conta a história de Forrest (Redford). Aos 74 anos de idade ele decide formar um novo bando para roubar pequenos bancos do interior. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator (Robert Redford).

Pablo Aluísio.

Os Anjos Entram em Campo

É uma produção Disney feito para a garotada que une sentimentos caros aos evangélicos americanos com o esporte dito nacional por lá, o beisebol. No enredo (bobinho) um garoto torce com paixão pelo pior time da liga. Uma equipe de beisebol que só perde, partida após partido. Até que um dia ele decide rezar e pedir a Deus que ajude aqueles jogadores. Dito e feito. O Senhor então envia um grupo de anjos (literalmente falando) para levantar a bola daquele time que só perde. Bom, deu para ver que o filme não é para todos. É mais especialmente indicado para o público infanto-juvenil, centrado em meninos de famílias religiosas.

O que vai interessar ao cinéfilo mais comum é o bom elenco de apoio, contando com atores que iriam se tornar bem populares como Matthew McConaughey. Ele inclusive não tem muito espaço a não ser interpretar um dos atléticos jogadores, mascando um chiclete atrás do outro (uma espécie de mania dos jogadores de beisebol). Fora essa curiosidade o filme vai interessar mesmo a poucos, a não ser que você adore beisebol, algo complicado de encontrar em nosso país.

Os Anjos Entram em Campo (Angels in the Outfield, Estados Unidos, 1994) Direção: William Dear / Roteiro: Dorothy Kingsley, George Wells / Elenco: Danny Glover, Christopher Lloyd, Matthew McConaughey, Adrien Brody, Brenda Fricker / Sinopse: Garotinho pede ajuda a Deus para seu time de beisebol que só faz perder, sendo o pior da temporada. Então uma ajuda divina vem em seu socorro, com anjos literalmente entrando em campo!

Pablo Aluísio.

A Favorita

A Rainha Anne da Inglaterra só esteve no trono por cinco anos (de 1702 a 1707) e foi considerada pelos historiadores como uma monarca fraca, que não deixou herdeiros e que era muito manipulável pelas pessoas próximas a ela. Durante seu reinado surgiram rumores e fofocas entre os empregados do palácio de que ela na verdade era lésbica e tinha um caso amoroso com uma condessa chamada Lady Sarah (Rachel Weisz). Esses boatos nunca foram confirmados completamente, mas servem de ponto central nesse novo filme, "A Favorita".

Nele encontramos a Rainha Anne (Olivia Colman) em seus últimos anos, já doente e decadente. Ela é uma mulher medrosa, carente e de pouca cultura, a ponto de não conseguir tomar nenhuma decisão importante e nem compreender direito os assuntos do Estado. Com uma personalidade tão fraca acaba sendo dominada por sua "favorita", a própria Lady Sarah que praticamente passa a reinar em seu lugar, tomando todas as decisões do império, desde o aumento de impostos, passando também pelas celebrações de paz e guerra com nações europeias. Sua posição de destaque começa a ser colocada em perigo quando surge uma nova empregada no palácio chamada Abigail (Emma Stone). Bonita e ambiciosa, começa a flertar com a Rainha, tentando seduzi-la. A partir daí começam todas as intrigas palacianas, bem típicas desse tipo de filme de época.

O roteiro explora bem o abismo que pode surgir em determinadas monarquias quando as pessoas erradas acabam subindo ao trono. O diretor Yorgos Lanthimos se destaca por não ter construído um filme de visual clássico. Ao invés disso propõe grandes planos panorâmicos, tentando aproveitar todo o rico cenário onde a história de passa. Isso é interessante por dar um grau de profundidade ao espectador, mas também distorce as imagens em alguns momentos, causando um certo desconforto visual. Outro aspecto cinematográfico digno de nota é que o diretor muitas vezes flerta com o absurdo, seja mostrando certas danças esquisitas, seja em diálogos que vão quase ao nonsense. No final somos apresentados a um filme muito interessante, embora não historicamente tão correto. É um dos mais lembrados para o próximo Oscar. Será que as previsões vão se confirmar? Veremos nas próximas semanas.

A Favorita (The Favourite, Inglaterra, Estados Unidos, Irlanda, 2018) Direção: Yorgos Lanthimos / Roteiro: Deborah Davis, Tony McNamara / Elenco: Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz, James Smith / Sinopse: Duas mulheres, a nobre Lady Sarah (Rachel Weisz) e a empregada do palácio Abigail (Emma Stone), disputam a atenção da lésbica Rainha Anne (Olivia Colman). Poder e ambição se juntam na privacidade do trono inglês. Filme premiado pelo Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Olivia Colman).

Pablo Aluísio.

28 Dias

A Sandra Bullock já foi mais simpática e carismática. Sempre quando tentou fazer algo mais sério na carreira não ficou muito bem. Esse filme se propôs a ser um tipo de alerta contra os efeitos nocivos do alcoolismo e suas consequências, mas ficou pelo meio do caminho. No enredo a atriz interpreta uma escritora bem sucedida que adora festas. Sempre que há uma balada, lá está ela, geralmente enchendo a cara, se tornando a rainha da noite. Isso vai numa rotina até que ela bate o carro, após estar dirigindo completamente embriagada. Isso é coisa séria dentro da justiça americana.

Condenada, é levada para uma clínica de reabilitação e aí começa a, digamos, parte chata do filme. Curiosamente Sandra Bullock escolheu pessoalmente uma diretora para o filme, que teve equipe quase toda feminina (aí incluída a roteirista). O problema é que a cineasta Betty Thomas era mais experiente com comédias, como "Dr. Dolittle" e "O Rei da Baixaria", então não havia mesmo o toque certo para esse tipo de filme. No geral ficou apenas como uma nota de rodapé na filmografia da senhorita Bullock. Poderia ser mais bem desenvolvido, poderia ser mais interessante, poderia explorar melhor o tema. Porém tudo ficou mesmo pelo meio do caminho das boas intenções.

28 Dias (28 Days, Estados Unidos, 2000) Direção: Betty Thomas / Roteiro: Susannah Grant / Elenco: Sandra Bullock, Viggo Mortensen, Dominic West / Sinopse: Jovem escritora (Bullock) vê sua vida mudar completamente quando, embriagada, bate o carro numa casa. Condenada na justiça, é enviada para uma clínica de recuperação de alcoolismo. A festa, que parecia não ter fim, chega ao seu final.

Pablo Aluísio.

O Primeiro Homem

Gostei do filme. Aliás ao assisti-lo me lembrei que sempre tive uma curiosidade em saber por que Hollywood nunca havia feito antes um filme sobre a missão Apolo 11. Até porque essa foi uma das mais históricas missões espaciais de todos os tempos. Até a malfadada Apolo 13 havia ganho um belo filme, mas sobre a chegada do primeiro homem à Lua... nada! Pois bem, esse filme então chega um pouco atrasado, mas é obviamente bem-vindo. O roteiro procura explorar alguns aspectos da missão em si, mas também foca no lado pessoal do astronauta Neil Armstrong, comandante da missão lunar. Ok, Ryan Gosling nunca foi muito parecido com o Armstrong, mas cumpriu bem seu papel, trazendo para a tela a personalidade introvertida dele. Muitos chegaram a dizer inclusive que ele tinha um autismo em leve escala, justamente por algumas atitudes que tomava. Como está morto, nunca saberemos a verdade dos fatos.

De maneira em geral gostei de tudo, inclusive do tom sóbrio que o filme tem. Esse roteiro poderia cair no ufanismo e na patriotada americana de forma muito rápida, mas felizmente não tomou esse caminho. Ao invés disso há sempre uma certa tensão que vai se espalhando entre os momentos mais vitais do filme. Diria que o roteiro só falhou um pouquinho na questão de passar ao espectador a grandeza do impacto que esse fato histórico teve em todo o mundo. Para representar esse choque há apenas uma sutil referência, quando são mostradas diversas revistas e jornais do mundo todo no alojamento de quarentena dos astronautas. O filme poderia ter explorado mais esse impacto, porém como adotou uma sobriedade bem característica isso também acabou sendo mostrado de forma sutil. Então é isso. Um bom filme, certamente válido e digno da história que conta.

O Primeiro Homem (First Man, Estados Unidos, 2018) Direção: Damien Chazelle / Roteiro: Josh Singer, James R. Hansen / Elenco: Ryan Gosling, Claire Foy, Kyle Chandler, Pablo Schreiber / Sinopse: O filme conta a história do astronauta americano Neil Armstrong, desde os primeiros testes até o momento em que ele comandou a missão espacial Apolo 11, a primeira a levar um homem até a Lua.

Pablo Aluísio.

Mestre dos Mares

Tive a oportunidade de assistir no cinema, em seu lançamento original. De fato esse sempre foi o melhor meio de conferir filmes nesse estilo, produções grandiosas, resgatando o antigo modo de fazer cinema, em sua era clássica. O roteiro foi baseado numa série de romances escritos pelo autor Patrick O'Brian. Esse escritor era apaixonado pelos grandes navios de seu tempo, criando assim uma série de romances sobre as grandes navegações. Nesse, em particular, encontramos o capitão Jack Aubrey (Russell Crowe), comandante de um navio de guerra da armada inglesa, o H.M.S. Surprise. Sua missão seria localizar embarcações francesas nas costas da América do Sul (incluindo o Brasil), destrui-las e aprisionar seus oficiais. O contexto histórico se passava durante as guerras napoleônicas, onde a conquista da hegemonia marítima era essencial. Claro que durante a navegação nada acabaria saindo conforme o planejado, levando o capitão e sua tripulação a ir parar em lugares jamais imaginados por eles ao partirem da Inglaterra.

Belo filme, uma super produção que custou mais de 150 milhões de dólares, onde o estúdio se deu ao luxo de construir uma réplica real de uma antiga nau da esquadra britânica. Visualmente o filme é mesmo de encher os olhos, com maravilhosa direção de arte, figurinos, cenários, etc. Uma produção como não se via há muitos anos. Outro ponto positivo é que o diretor Peter Weir realmente optou por uma narrativa mais lenta, mais detalhista, repetindo o estilo mais conservador de fazer bom cinema. Nada de cortes rápidos e edição insana. O filme é um exemplo perfeito de que ainda é possível fazer cinema de grande qualidade, usando para isso ferramentas e estilos de um passado distante. Ao lado de "Gladiador" pode ser considerado um dos melhores trabalhos de Russell Crowe em sua carreira.

Mestre dos Mares: O Lado Mais Distante do Mundo (Master and Commander: The Far Side of the World, Estados Unidos, 2003) Direção: Peter Weir / Roteiro: Peter Weir, baseado na obra literária escrita por Patrick O'Brian / Elenco: Russell Crowe, Paul Bettany, James D'Arcy, Billy Boyd / Sinopse: Durante o começo do século XIX, um navio de guerra da armada inglesa parte em missão de interceptação de navios franceses, da esquadra de Napoleão Bonaparte. O destino é a distante costa ocidental da América do Sul. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Fotografia (Russell Boyd) e Melhor Edição de Som (Richard King). Também indicado nas categorias de Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Edição e Figurino.

Pablo Aluísio.

Mayerling

Um filme extremamente interessante, cujo roteiro foi baseado em fatos históricos reais. O protagonista é um príncipe da Casa de Habsburgo chamado Rudolf (Omar Sharif). Filho do imperador Francisco José I da Áustria (James Mason) ele está na linha de sucessão para subir ao trono. Só que a jovem alteza foge dos padrões que se esperaria dele, de sua posição dentro da monarquia. Muito ligado em ideais liberais, ele chega ao ponto de se encontrar com membros da resistência húngara, que deseja a independência de sua nação, algo que vai contra os interesses diretos de seu pai. Assim o relacionamento entre pai e filho é marcado por conflitos políticos e também pessoais.

O príncipe acaba se apaixonando por uma jovem, filha de um diplomata. Rudolf conhece Maria Vetsera (Catherine Deneuve) durante a apresentação de um balé e fica louco por ela. E qual seria o problema político envolvido nessa paixão? Muito simples, o príncipe já era casado, pai de uma filha. Um relacionamento extraconjugal seria um escândalo dentro da corte austríaca, muito católica e conservadora. Diante de mais esse deslize do filho, o imperador fica furioso e começa a fazer de tudo para que o romance chegue ao seu fim. O desfecho de toda essa novela acabaria resultando numa grande tragédia.

A morte precoce de Rudolf iria desencadear uma série de problemas históricos. Ele era o único na linha de sucessão ao trono. Sua morte até hoje é cercada de mistérios (que o filme não desenvolve, pois abraça a versão oficial) e iria ser o começo de uma série de problemas políticos que iriam eclodir na explosão da I |Guerra Mundial. O roteiro do filme porém não vai tão longe, preferindo contar a história de amor entre o príncipe e sua amante. Um detalhe curioso é que ele era o filho da imperatriz Sissi, tão conhecida dos cinéfilos por uma série de filmes clássicos. Quem a interpreta nesse filme é a diva Ava Gardner. Assim se você gosta dos filmes sobre Sissi não deixe de assistir também a essa excelente produção histórica. Afinal é um complemento aos outros filmes, mostrando Sissi numa fase mais madura de sua vida. Envelhecida e desiludida, ela é apenas um sombra da imperatriz que um dia foi. Em suma, esse é um ótimo filme histórico que explora muito bem o momento em que as velhas monarquias chegavam ao seu fim.

Mayerling (Inglaterra, França, 1968) Direção: Terence Young / Roteiro: Terence Young, baseado no romance escrito por Claude Anet e Michel Arnold / Elenco: Omar Sharif, Catherine Deneuve, Ava Gardner, James Mason / Sinopse: O imperador Francisco José I (James Mason) precisa lidar com um filho nada convencional, o príncipe Rudolf (Omar Sharif). Agora as coisas pioram pois ele se declara apaixonado pela jovem Maria Vetsera (Catherine Deneuve), mesmo sendo um homem casado e sucessor ao trono real. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme Estrangeiro em língua inglesa.

Pablo Aluísio.

Cinema Clássico: Sophia Loren, Natalie Wood

 

O Grito da Selva

Título no Brasil: O Grito da Selva
Título Original: The Call of the Wild
Ano de Produção: 1935
País: Estados Unidos
Estúdio: 20th Century Pictures
Direção: William A. Wellman
Roteiro: Jack London, Gene Fowler
Elenco: Clark Gable, Loretta Young, Jack Oakie

Sinopse:
Jack Thornton (Clark Gable) está sempre em dificuldades financeiras. Jogador inveterado ele tenta ganhar uma nova bolada para seguir viagem rumo ao Alaska onde pretende participar da verdadeira corrida ao ouro que está sendo realizada por lá, após se espalhar a notícia que o valioso metal foi encontrado nas montanhas geladas da região. Mas ele não desiste e ao lado de um trenó guiado por cães se aventura pelos campos isolados do local. Na viagem ao lado de um ex-presidiário acaba salvando uma mulher da morte; Esse encontro certamente mudará completamente os rumos de sua vida.

Comentários:
Pelo visto não é de hoje que as distribuidoras nacionais dão títulos estúpidos para filmes americanos. Esse "The Call of the Wild" foi chamado por aqui de "O Grito da Selva" mas pasmem, não tem selva nenhuma no filme. Ele se passa praticamente todo no Alaska, região nevada e selvagem mas que não tem selva nenhuma como estupidamente sugere o nome nacional da fita. Talvez os distribuidores brasileiros quisessem enganar o público o levando a crer que iria ver um filme ao estilo de Tarzan com Clark Gable no papel principal, vai saber... Deixando essas bobagens de lado o que temos aqui é uma aventura ao velho estilo, com Gable posando de herói das neves, salvando mocinhas inocentes de lobos famintos e correndo atrás da fortuna na região mais do que hostil dos campos gelados do Alaska. É impressionante o nível técnico do cinema americano já naquela época distante, afinal estamos falando de um filme rodado há mais de 70 anos! Por causa dessa excelência podemos ver essa aventura hoje sem problema algum. O roteiro é redondinho e a aventura mostrada bem divertida. Sem dúvida um belo programa para cinéfilos que gostam de filmes clássicos.

Pablo Aluísio.