Terminei de ler essa biografia de Paul McCartney. Escrita por Tom Doyle, é bom saber algumas coisas antes de comprá-la. A primeira delas é que o Beatle Paul, seus anos de glória no lado do quarteto de Liverpool, são praticamente deixados de lado. Na verdade o que temos aqui é a carreira de Paul nos anos 70, logo após o fim dos Beatles. A época em que "o sonho acabou" é assim o ponto de partida do livro. Tudo bem, é a época em que Paul criou uma nova banda, os Wings, e tentou reviver tudo ao lado desses jovens músicos, porém o gosto de decepção começa logo nas primeiras páginas quando o leitor descobre isso. Não é uma biografia completa. Simples assim.
Ao lermos o livro com atenção percebemos também que esse foi um dos maiores erros dele. O Wings nunca conseguiu se acertar direito. Havia muitos problemas de relacionamentos e aquele ideia ingênua de Paul em formar um novo grupo musical só lhe trouxe problemas. Claro, houve boa música, álbuns realmente memoráveis, mas também houve brigas, processos judiciais e muita dor de cabeça que poderia ter sido evitada.
Outro ponto enfocado bem nesse livro foi o conturbado período em que Paul passou preso no Japão. Ele tinha ido naquele país fazer uma turnê, mas foi pego no aeroporto com algumas gramas de maconha na mala. Acabou ficando vários dias preso, com possibilidade de pegar uma pena longa em uma prisão japonesa. Foi a partir dessa crise que Paul decidiu mesmo acabar com os Wings, acabar com os velhos sonhos e partir finalmente para uma carreira solo, se assumindo apenas como Paul McCartney nos discos e nos shows ao vivo.
E aí vem a decepção. O livro acaba justamente nesse momento. Paul contratou novamente George Martin para trabalhar ao seu lado, o que daria origem ao maravilhoso disco "Tug of War", mas esse momento tão importante também marca o final da biografia. Para quem curte dos discos de Paul nos anos 80, pode esquecer, É uma pena. No mais vale por algumas informações interessantes da vida íntima do ex-Beatle, inclusive da sua fazenda rústica na Escócia, um lugar que não tinha nenhuma infraestrutura, mas que parecia ser o lugar preferido de Paul. Sujo de lama, cuidando de ovelhas, ele parecia se encontrar ali, naquela região distante. No meio do lamaçal, com botas altas, o Paul parecia mais feliz do que nunca! Quem diria, o Beatle Paul sempre teve mesmo uma vocação para fazendeiro!
Pablo Aluísio.
sábado, 31 de agosto de 2019
sexta-feira, 30 de agosto de 2019
Piratas do Caribe: No Fim do Mundo
Título no Brasil: Piratas do Caribe - No Fim do Mundo
Título Original: Pirates of the Caribbean At World's End
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Pictures
Direção: Gore Verbinski
Roteiro: Ted Elliott, Terry Rossio
Elenco: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley, Geoffrey Rush, Jonathan Pryce, Jack Davenport,
Sinopse:
O Capitão Jack Sparrow (Johnny Depp) volta aos sete mares, mas precisa sobreviver a uma legião de inimigos que querem vê-lo morto, traído pelas costas. Entre eles está o pirata Hector Barbossa (Geoffrey Rush) que quer colocar as mãos em Sparrow e o governador Weatherby Swann (Pryce) que deseja colocar lei e ordem no Caribe a serviço do Rei.
Comentários:
Não vá perder a conta. Esse foi o terceiro filme da franquia "Piratas do Caribe". O grande sucesso dos filmes anteriores fez com a Disney gastasse a verdadeira fortuna de 300 milhões de dólares para produzir esse blockbuster. Acabou sendo um filme mais caro do que "Titanic" que ostentava até aquele momento o título de filme mais caro da história. Uma verdadeira temeridade, até mesmo para os padrões multimilionários da indústria cinematográfica americana. Por causa desse custo absurdo o filme acabou não sendo tão lucrativo como se esperava, o que fez com que os filmes seguintes já não contassem com um orçamento tão estourado. No geral o filme não tem maiores novidades, é realmente um prato requentado (e não requintado!). Johnny Depp retomou aos maneirismos do Capitão Jack Sparrow, algo que o público em geral parece apreciar bastante. Curiosamente seu jeito de ser foi inspirado - acredite! - no roqueiro Keith Richards dos Rolling Stones. E não é que o próprio músico acabou fazendo uma pontinha divertida no filme como o pai do pirata de Depp! Ironia pouca é bobagem. Então é isso, mais um exemplar perdulário da Disney com esses piratas do cinema que foram inspirados em um brinquedo da Disneylândia. Vai entender a mente desses executivos...
Pablo Aluísio.
Título Original: Pirates of the Caribbean At World's End
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Pictures
Direção: Gore Verbinski
Roteiro: Ted Elliott, Terry Rossio
Elenco: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley, Geoffrey Rush, Jonathan Pryce, Jack Davenport,
Sinopse:
O Capitão Jack Sparrow (Johnny Depp) volta aos sete mares, mas precisa sobreviver a uma legião de inimigos que querem vê-lo morto, traído pelas costas. Entre eles está o pirata Hector Barbossa (Geoffrey Rush) que quer colocar as mãos em Sparrow e o governador Weatherby Swann (Pryce) que deseja colocar lei e ordem no Caribe a serviço do Rei.
Comentários:
Não vá perder a conta. Esse foi o terceiro filme da franquia "Piratas do Caribe". O grande sucesso dos filmes anteriores fez com a Disney gastasse a verdadeira fortuna de 300 milhões de dólares para produzir esse blockbuster. Acabou sendo um filme mais caro do que "Titanic" que ostentava até aquele momento o título de filme mais caro da história. Uma verdadeira temeridade, até mesmo para os padrões multimilionários da indústria cinematográfica americana. Por causa desse custo absurdo o filme acabou não sendo tão lucrativo como se esperava, o que fez com que os filmes seguintes já não contassem com um orçamento tão estourado. No geral o filme não tem maiores novidades, é realmente um prato requentado (e não requintado!). Johnny Depp retomou aos maneirismos do Capitão Jack Sparrow, algo que o público em geral parece apreciar bastante. Curiosamente seu jeito de ser foi inspirado - acredite! - no roqueiro Keith Richards dos Rolling Stones. E não é que o próprio músico acabou fazendo uma pontinha divertida no filme como o pai do pirata de Depp! Ironia pouca é bobagem. Então é isso, mais um exemplar perdulário da Disney com esses piratas do cinema que foram inspirados em um brinquedo da Disneylândia. Vai entender a mente desses executivos...
Pablo Aluísio.
Cidade de Mentiras
Título no Brasil: Cidade de Mentiras
Título Original: City of Lies
Ano de Produção: 2018
País: Estados Unidos
Estúdio: FilmNation Entertainment, Good Films Collective
Direção: Brad Furman
Roteiro: Randall Sullivan, Christian Contreras
Elenco: Johnny Depp, Forest Whitaker, Toby Huss, Dayton Callie, Louis Herthum, Shea Whigham
Sinopse:
Filme baseado em fatos reais. Após a morte do rapper Notorious B.I.G, o departamento de polícia de Los Angeles escala o detetive Russell Poole (Johnny Depp) para investigar o caso. O problema é que as investigações acabam revelando um esquema de corrupção envolvendo policiais e figurões do próprio departamento, criando uma grande tensão entre todos os envolvidos.
Comentários:
Até hoje não se sabe quem matou o músico Notorious B.I.G. O caso segue em aberto. O roteiro desse filme se propõe justamente a explicar esse intrigante caso de homicídio. E tudo foi baseado nas investigações do próprio detetive do caso, um sujeito que procurou pela verdade e provavelmente a encontrou, mas que para o departamento de polícia de Los Angeles não era nada conveniente que fosse revelada. E aí já sabemos o rumo desse tipo de situação. Todo tipo de pressão e acobertamento pelas próprias autoridades começou a ser montado, visando abafar mesmo o caso. O detetive que fez muito bem seu trabalho começou a se tornar uma peça que deveria ser removida ou desacreditada o mais rapidamente possível. O curioso é que sem chegar nos verdadeiros culpados, o caso já se arrasta há décadas sem solução, o que corrobora bastante a tese que o filme defende. O ator Johnny Depp está muito bem em seu trabalho, isso a despeito dos problemas legais que enfrentou durante as filmagens. Ele foi acusado por um dos membros da equipe técnica do filme de agressão. Segundo algumas versões ele apareceu embriagado para trabalhar e agrediu esse sujeito, o que levou os produtores a terem que lidar com um processo enquanto o filme era finalizado. Mais um incidente desagradável na longa ficha de problemas de Depp. Algo lamentável que acaba minando de certa maneira a carreira desse talentoso ator.
Pablo Aluísio.
Título Original: City of Lies
Ano de Produção: 2018
País: Estados Unidos
Estúdio: FilmNation Entertainment, Good Films Collective
Direção: Brad Furman
Roteiro: Randall Sullivan, Christian Contreras
Elenco: Johnny Depp, Forest Whitaker, Toby Huss, Dayton Callie, Louis Herthum, Shea Whigham
Sinopse:
Filme baseado em fatos reais. Após a morte do rapper Notorious B.I.G, o departamento de polícia de Los Angeles escala o detetive Russell Poole (Johnny Depp) para investigar o caso. O problema é que as investigações acabam revelando um esquema de corrupção envolvendo policiais e figurões do próprio departamento, criando uma grande tensão entre todos os envolvidos.
Comentários:
Até hoje não se sabe quem matou o músico Notorious B.I.G. O caso segue em aberto. O roteiro desse filme se propõe justamente a explicar esse intrigante caso de homicídio. E tudo foi baseado nas investigações do próprio detetive do caso, um sujeito que procurou pela verdade e provavelmente a encontrou, mas que para o departamento de polícia de Los Angeles não era nada conveniente que fosse revelada. E aí já sabemos o rumo desse tipo de situação. Todo tipo de pressão e acobertamento pelas próprias autoridades começou a ser montado, visando abafar mesmo o caso. O detetive que fez muito bem seu trabalho começou a se tornar uma peça que deveria ser removida ou desacreditada o mais rapidamente possível. O curioso é que sem chegar nos verdadeiros culpados, o caso já se arrasta há décadas sem solução, o que corrobora bastante a tese que o filme defende. O ator Johnny Depp está muito bem em seu trabalho, isso a despeito dos problemas legais que enfrentou durante as filmagens. Ele foi acusado por um dos membros da equipe técnica do filme de agressão. Segundo algumas versões ele apareceu embriagado para trabalhar e agrediu esse sujeito, o que levou os produtores a terem que lidar com um processo enquanto o filme era finalizado. Mais um incidente desagradável na longa ficha de problemas de Depp. Algo lamentável que acaba minando de certa maneira a carreira desse talentoso ator.
Pablo Aluísio.
quarta-feira, 28 de agosto de 2019
Brinquedo Assassino 2
Título no Brasil: Brinquedo Assassino 2
Título Original: Child's Play 2
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: John Lafia
Roteiro: Don Mancini
Elenco: Brad Dourif, Alex Vincent, Jenny Agutter, Gerrit Graham, Christine Elise, Grace Zabriskie
Sinopse:
A mãe do garoto Andy é internada em um hospital psiquiátrico. Afinal quem acreditaria em um boneco assassino? Só poderia ser coisa de gente louca! Já o próprio menino Andy vai para um orfanato. Isso porém não o livra da perseguição de Chucky, agora mais violento do que nunca.
Comentários:
Chucky is Back! (Chucky está de volta!). Pois é, o sucesso do primeiro filme fez com que o estúdio retomasse os filmes de terror com o boneco diabólico. A Universal Pictures sempre teve longa tradição em filmes de terror, então foi mais do que bem-vindo o êxito comercial dessa nova franquia, dessa vez explorando o boneco Chucky, cuja voz era dublada pelo ator Brad Dourif em um excelente trabalho de caracterização. O problema é que havia uma tênue linha entre o terror e a galhofa, coisa que iria ficar bem óbvia nos filmes futuros. Aqui o diretor John Lafia ainda manteve o humor involuntário longe, mas passou longe de repetir o talento de Tom Holland que havia dirigido o primeiro filme, esse sim um cineasta que sabia manipular bem os elementos desse gênero cinematográfico. Recentemente tivemos um novo recomeço com o mais recente filme, que também passou longe de ser tão bom como o pioneiro de 1988. Pelo visto o bom e velho Chucky vai terminar mesmo em alguma gaveta, já que está mais do que saturado no mundo do cinema.
Pablo Aluísio.
Título Original: Child's Play 2
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: John Lafia
Roteiro: Don Mancini
Elenco: Brad Dourif, Alex Vincent, Jenny Agutter, Gerrit Graham, Christine Elise, Grace Zabriskie
Sinopse:
A mãe do garoto Andy é internada em um hospital psiquiátrico. Afinal quem acreditaria em um boneco assassino? Só poderia ser coisa de gente louca! Já o próprio menino Andy vai para um orfanato. Isso porém não o livra da perseguição de Chucky, agora mais violento do que nunca.
Comentários:
Chucky is Back! (Chucky está de volta!). Pois é, o sucesso do primeiro filme fez com que o estúdio retomasse os filmes de terror com o boneco diabólico. A Universal Pictures sempre teve longa tradição em filmes de terror, então foi mais do que bem-vindo o êxito comercial dessa nova franquia, dessa vez explorando o boneco Chucky, cuja voz era dublada pelo ator Brad Dourif em um excelente trabalho de caracterização. O problema é que havia uma tênue linha entre o terror e a galhofa, coisa que iria ficar bem óbvia nos filmes futuros. Aqui o diretor John Lafia ainda manteve o humor involuntário longe, mas passou longe de repetir o talento de Tom Holland que havia dirigido o primeiro filme, esse sim um cineasta que sabia manipular bem os elementos desse gênero cinematográfico. Recentemente tivemos um novo recomeço com o mais recente filme, que também passou longe de ser tão bom como o pioneiro de 1988. Pelo visto o bom e velho Chucky vai terminar mesmo em alguma gaveta, já que está mais do que saturado no mundo do cinema.
Pablo Aluísio.
terça-feira, 27 de agosto de 2019
O Assalto
Título no Brasil: O Assalto
Título Original: Heist
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Morgan Creek Entertainment
Direção: David Mamet
Roteiro: David Mamet
Elenco: Gene Hackman, Rebecca Pidgeon, Danny DeVito, Sam Rockwell, Rebecca Pidgeon, Patti LuPone
Sinopse:
Ladrão de Joias profissional, veterano e experiente, acaba entrando em conflito com seu antigo parceiro de crimes por causa de um pequeno erro que cometeu durante um dos roubos. Ele se deixou filmar por acidente por uma câmera de segurança. Ele então decide compensar o erro, trabalhando em um novo e bem elaborado roubo.
Comentários:
Esse foi um dos últimos filmes do ator Gene Hackman. Depois de uma longa carreira, onde ele trabalhou em alguns clássicos do cinema, decidiu finalmente se aposentar. E como faz falta um Gene Hackman no cinema hoje em dia. Pois é, o ator se aposentou e não deixou herdeiros. Claro, esse "Heist" não pode ser comparado aos seus grandes filmes do passado, principalmente com os que fez nos anos 70, porém é bem acima da média do que era produzido em sua época de lançamento. É um filme com um roteiro bem elaborado, apostando mais uma vez nesse verdadeiro nicho dos filmes policiais, a dos grandes assaltos. Na trama temos um ladrão de joias (lembrou de "Ladrão de Casaca" de Hitchcock?) que acaba entrando em atrito com alguns comparsas. Parece simples, mas não é. O roteiro foi escrito por David Mamet, que também dirigiu o filme. Quem conhece o trabalho dele sabe que pode ser tudo, menos banal. Gostei bastante quando vi pela primeira vez e ainda hoje recomendo. É um tipo de filme que, assim como Hackman, também faz falta nos dias atuais.
Pablo Aluísio.
Título Original: Heist
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Morgan Creek Entertainment
Direção: David Mamet
Roteiro: David Mamet
Elenco: Gene Hackman, Rebecca Pidgeon, Danny DeVito, Sam Rockwell, Rebecca Pidgeon, Patti LuPone
Sinopse:
Ladrão de Joias profissional, veterano e experiente, acaba entrando em conflito com seu antigo parceiro de crimes por causa de um pequeno erro que cometeu durante um dos roubos. Ele se deixou filmar por acidente por uma câmera de segurança. Ele então decide compensar o erro, trabalhando em um novo e bem elaborado roubo.
Comentários:
Esse foi um dos últimos filmes do ator Gene Hackman. Depois de uma longa carreira, onde ele trabalhou em alguns clássicos do cinema, decidiu finalmente se aposentar. E como faz falta um Gene Hackman no cinema hoje em dia. Pois é, o ator se aposentou e não deixou herdeiros. Claro, esse "Heist" não pode ser comparado aos seus grandes filmes do passado, principalmente com os que fez nos anos 70, porém é bem acima da média do que era produzido em sua época de lançamento. É um filme com um roteiro bem elaborado, apostando mais uma vez nesse verdadeiro nicho dos filmes policiais, a dos grandes assaltos. Na trama temos um ladrão de joias (lembrou de "Ladrão de Casaca" de Hitchcock?) que acaba entrando em atrito com alguns comparsas. Parece simples, mas não é. O roteiro foi escrito por David Mamet, que também dirigiu o filme. Quem conhece o trabalho dele sabe que pode ser tudo, menos banal. Gostei bastante quando vi pela primeira vez e ainda hoje recomendo. É um tipo de filme que, assim como Hackman, também faz falta nos dias atuais.
Pablo Aluísio.
A Marca do Zorro
Título no Brasil: A Marca do Zorro
Título Original: The Mark of Zorro
Ano de Produção: 1974
País: Estados Unidos
Estúdio: 20th Century Fox
Direção: Don McDougall
Roteiro: Brian Taggert, John Taintor Foote
Elenco: Frank Langella, Ricardo Montalban, Gilbert Roland, Louise Sorel, Robert Middleton, Anne Archer
Sinopse:
Don Diego de La Vega (Frank Langella) é um nobre que sensibilizado pelas injustiças que presencia resolve assumir a identidade de um justiceiro mascarado chamado Zorro. Sua presença desperta a ira das autoridades da região, em especial do Capitão Esteban (Ricardo Montalban) que fará de tudo para desmascará-lo. O povo porém passa a proteger Zorro.
Comentários:
Eu me recordo perfeitamente bem de assistir esse filme durante os anos 80, sendo exibido pela Rede Globo. Na época eu achava muito interessante ter o ator Frank Langella interpretando o Zorro porque afinal de contas eu havia adorado seu trabalho naquele excelente filme do Drácula em 1979. Pois é, ator carismático, interpretando dois personagens ícones do cinema e isso em dois filmes realmente muito bons. Além de Frank Langella esse filme ainda tinha outra atração no elenco para os cinéfilos, a presença de Ricardo Montalban como o inimigo do Zorro. Aqui não era o Sargento Garcia das cenas de humor da série de TV, mas um personagem mais sério, o Capitão Esteban, sempre disposto a prender o cavaleiro mascarado. Excelente produção, com roteiro preciso, elenco perfeito, tudo resultou até hoje em um dos melhores filmes do Zorro. O filme foi bastante reprisado ao longo dos anos na TV brasileira, mas infelizmente saiu de cena após os anos 90. Uma pena que as novas gerações não tenham tido a oportunidade de conhecer um filme tão bom e tão marcante para quem o viu na TV aberta. Em meu caso é uma peça de nostalgia dos meus anos de juventude.
Pablo Aluísio.
Título Original: The Mark of Zorro
Ano de Produção: 1974
País: Estados Unidos
Estúdio: 20th Century Fox
Direção: Don McDougall
Roteiro: Brian Taggert, John Taintor Foote
Elenco: Frank Langella, Ricardo Montalban, Gilbert Roland, Louise Sorel, Robert Middleton, Anne Archer
Sinopse:
Don Diego de La Vega (Frank Langella) é um nobre que sensibilizado pelas injustiças que presencia resolve assumir a identidade de um justiceiro mascarado chamado Zorro. Sua presença desperta a ira das autoridades da região, em especial do Capitão Esteban (Ricardo Montalban) que fará de tudo para desmascará-lo. O povo porém passa a proteger Zorro.
Comentários:
Eu me recordo perfeitamente bem de assistir esse filme durante os anos 80, sendo exibido pela Rede Globo. Na época eu achava muito interessante ter o ator Frank Langella interpretando o Zorro porque afinal de contas eu havia adorado seu trabalho naquele excelente filme do Drácula em 1979. Pois é, ator carismático, interpretando dois personagens ícones do cinema e isso em dois filmes realmente muito bons. Além de Frank Langella esse filme ainda tinha outra atração no elenco para os cinéfilos, a presença de Ricardo Montalban como o inimigo do Zorro. Aqui não era o Sargento Garcia das cenas de humor da série de TV, mas um personagem mais sério, o Capitão Esteban, sempre disposto a prender o cavaleiro mascarado. Excelente produção, com roteiro preciso, elenco perfeito, tudo resultou até hoje em um dos melhores filmes do Zorro. O filme foi bastante reprisado ao longo dos anos na TV brasileira, mas infelizmente saiu de cena após os anos 90. Uma pena que as novas gerações não tenham tido a oportunidade de conhecer um filme tão bom e tão marcante para quem o viu na TV aberta. Em meu caso é uma peça de nostalgia dos meus anos de juventude.
Pablo Aluísio.
segunda-feira, 26 de agosto de 2019
Esposa de Mentirinha
Título no Brasil: Esposa de Mentirinha
Título Original: Just Go with It
Ano de Produção: 2011
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Dennis Dugan
Roteiro: Allan Loeb, Timothy Dowling
Elenco: Adam Sandler, Jennifer Aniston, Nicole Kidman, Brooklyn Decker, Nick Swardson, Bailee Madison
Sinopse:
Danny (Sandler) tem um passado de relacionamentos fracassados. Ele então acaba se apaixonando por uma jovem e para não se mostrar tão carente e desesperado inventa que é casado com sua melhor amiga, trazendo uma série de constrangimentos e desencontros em sua vida emocional.
Comentários:
Não é um bom filme, mas pelo menos é um pouco menos idiota do que a média das comédias estreladas pelo Adam Sandler. Pelo visto a presença de duas boas atrizes como Jennifer Aniston e Nicole Kidman fizeram com que o estúdio caprichasse um pouco mais em termos de roteiro do que o habitual, em se tratando de Sandler. Assim a vergonha alheia ficaria menor. E por falar nelas... a única razão para ver esse filme é justamente o elenco feminino. Em relação a Jennifer Aniston não há tanto estranhamento em vê-la por aqui, afinal as comédias românticas estão bem de acordo com o que ela usualmente trabalha. É o nicho cinematográfico preferido de seus filmes desde que ela saiu da TV para o cinema. O que é estranho mesmo é ver Nicole Kidman nesse elenco, já que essa definitivamente não é a sua praia. O pior é que Nicole está em um papel bem secundário, nada adequado ao seu status de estrela de Hollywood. O que será que a fez embarcar nessa canoa furada? Eu particularmente não tenho a menor ideia. Então é isso, temos aqui um filme bem "Sessão da Tarde", mas com um elenco de atrizes inegavelmente acima da média.
Pablo Aluísio.
Título Original: Just Go with It
Ano de Produção: 2011
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Dennis Dugan
Roteiro: Allan Loeb, Timothy Dowling
Elenco: Adam Sandler, Jennifer Aniston, Nicole Kidman, Brooklyn Decker, Nick Swardson, Bailee Madison
Sinopse:
Danny (Sandler) tem um passado de relacionamentos fracassados. Ele então acaba se apaixonando por uma jovem e para não se mostrar tão carente e desesperado inventa que é casado com sua melhor amiga, trazendo uma série de constrangimentos e desencontros em sua vida emocional.
Comentários:
Não é um bom filme, mas pelo menos é um pouco menos idiota do que a média das comédias estreladas pelo Adam Sandler. Pelo visto a presença de duas boas atrizes como Jennifer Aniston e Nicole Kidman fizeram com que o estúdio caprichasse um pouco mais em termos de roteiro do que o habitual, em se tratando de Sandler. Assim a vergonha alheia ficaria menor. E por falar nelas... a única razão para ver esse filme é justamente o elenco feminino. Em relação a Jennifer Aniston não há tanto estranhamento em vê-la por aqui, afinal as comédias românticas estão bem de acordo com o que ela usualmente trabalha. É o nicho cinematográfico preferido de seus filmes desde que ela saiu da TV para o cinema. O que é estranho mesmo é ver Nicole Kidman nesse elenco, já que essa definitivamente não é a sua praia. O pior é que Nicole está em um papel bem secundário, nada adequado ao seu status de estrela de Hollywood. O que será que a fez embarcar nessa canoa furada? Eu particularmente não tenho a menor ideia. Então é isso, temos aqui um filme bem "Sessão da Tarde", mas com um elenco de atrizes inegavelmente acima da média.
Pablo Aluísio.
domingo, 25 de agosto de 2019
O Escorpião Rei
Título no Brasil: O Escorpião Rei
Título Original: The Scorpion King
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Chuck Russell
Roteiro: Stephen Sommers, Jonathan Hales
Elenco: Dwayne Johnson, Steven Brand, Michael Clarke Duncan, Kelly Hu, Bernard Hill, Peter Facinelli
Sinopse:
No deserto do Egito uma nova ameaça surge no horizonte. Um líder guerreiro que comanda um exército praticamente invencível. A guerra se aproxima e definirá quem finalmente vai conquistar o poder absoluto.
Comentários:
Filme fraco, apesar da ideia ser pelo menos interessante, sob o ponto de vista da cultura pulp. O curioso é que foi um filme que nasceu de outra franquia e que ironicamente deu origem a sua própria linha de filmes, em continuações cada vez mais fracas. Assim é no final das contas um mero derivado da franquia "A Múmia" que já não era grande coisa. Aqui aproveitaram um personagem secundário do primeiro filme e resolveram fazer uma nova produção apenas para ele, claro tentando também transformar o "The Rock" (Dwayne Johnson) em um novo astro dos filmes de ação. No geral tudo é muito derivativo e sem importância, apoiando-se completamente nos efeitos especiais, que são até bons, porém inferiores aos dos filmes da múmia. Curiosamente houve um Faraó no Egito Antigo que se chamava Escorpião Rei, porém pouco se sabe sobre ele. Claro que o roteiro desse filme não está nem um pouco preocupado com história, mas apenas em faturar nas bilheterias com um produto fast food. Enfim, um filme sem razão de ser que apesar disso conseguiu gerar continuações! Pois é, como gostava de dizer um antigo produtor de Hollywood, sempre é bom não subestimar o gosto ruim do público americano. Ele muitas vezes dá lucros inesperados.
Pablo Aluísio.
Título Original: The Scorpion King
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Chuck Russell
Roteiro: Stephen Sommers, Jonathan Hales
Elenco: Dwayne Johnson, Steven Brand, Michael Clarke Duncan, Kelly Hu, Bernard Hill, Peter Facinelli
Sinopse:
No deserto do Egito uma nova ameaça surge no horizonte. Um líder guerreiro que comanda um exército praticamente invencível. A guerra se aproxima e definirá quem finalmente vai conquistar o poder absoluto.
Comentários:
Filme fraco, apesar da ideia ser pelo menos interessante, sob o ponto de vista da cultura pulp. O curioso é que foi um filme que nasceu de outra franquia e que ironicamente deu origem a sua própria linha de filmes, em continuações cada vez mais fracas. Assim é no final das contas um mero derivado da franquia "A Múmia" que já não era grande coisa. Aqui aproveitaram um personagem secundário do primeiro filme e resolveram fazer uma nova produção apenas para ele, claro tentando também transformar o "The Rock" (Dwayne Johnson) em um novo astro dos filmes de ação. No geral tudo é muito derivativo e sem importância, apoiando-se completamente nos efeitos especiais, que são até bons, porém inferiores aos dos filmes da múmia. Curiosamente houve um Faraó no Egito Antigo que se chamava Escorpião Rei, porém pouco se sabe sobre ele. Claro que o roteiro desse filme não está nem um pouco preocupado com história, mas apenas em faturar nas bilheterias com um produto fast food. Enfim, um filme sem razão de ser que apesar disso conseguiu gerar continuações! Pois é, como gostava de dizer um antigo produtor de Hollywood, sempre é bom não subestimar o gosto ruim do público americano. Ele muitas vezes dá lucros inesperados.
Pablo Aluísio.
O Quarto dos Esquecidos
Título no Brasil: O Quarto dos Esquecidos
Título Original: The Disappointments Room
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Relativity Media
Direção: D.J. Caruso
Roteiro: D.J. Caruso, Wentworth Miller
Elenco: Kate Beckinsale, Mel Raido, Lucas Till, Duncan Joiner, Michaela Conlin, Michael Landes
Sinopse:
A arquiteta Dana Barrow (Kate Beckinsale) e seu marido David (Mel Raido) decidem mudar de vida. Eles resolvem comprar uma antiga casa no interior. Deixando a cidade grande para trás eles começam a perceber que o lugar, há muito abandonado, está assombrado por espíritos malignos. O lugar no passado foi residência de um cruel magistrado e palco de um crime sangrento e desumano.
Comentários:
É uma história baseada em fatos reais. De maneira em geral gostei desse novo filme de terror que procura seguir o caminho das antigas fitas sobre casas mal assombradas. Todos os elementos estão presentes, inclusive o fantasma de uma garotinha que em vida vivia escondida, reclusa, por seu próprio pai, um juiz que tinha vergonha do fato da filha ser portadora de deficiência. Um sujeito orgulhoso, frio, que no fundo não passava de uma canalha. A personagem de Kate Beckinsale procura reformar a casa que comprou (que no passado pertenceu a esse juiz e sua família) e vai descobrindo novos lugares dentro do imóvel, entre eles justamente o pequeno quarto onde a menina era mantida longe dos olhos dos outros moradores da cidade. Um ambiente pesado, cheio de energias ruins e negativas. Assim o roteiro vai explorando essa situação. O filme só não é melhor porque há uma certa pressa em desenvolver todos os acontecimentos. Como foi lançado no circuito comercial os produtores optaram por dar agilidade à trama, algo nem sempre bem-vindo nesse tipo de filme, que deveria explorar muito mais as nuances e o suspense desses quartos escuros e sombrios.
Pablo Aluísio.
Título Original: The Disappointments Room
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Relativity Media
Direção: D.J. Caruso
Roteiro: D.J. Caruso, Wentworth Miller
Elenco: Kate Beckinsale, Mel Raido, Lucas Till, Duncan Joiner, Michaela Conlin, Michael Landes
Sinopse:
A arquiteta Dana Barrow (Kate Beckinsale) e seu marido David (Mel Raido) decidem mudar de vida. Eles resolvem comprar uma antiga casa no interior. Deixando a cidade grande para trás eles começam a perceber que o lugar, há muito abandonado, está assombrado por espíritos malignos. O lugar no passado foi residência de um cruel magistrado e palco de um crime sangrento e desumano.
Comentários:
É uma história baseada em fatos reais. De maneira em geral gostei desse novo filme de terror que procura seguir o caminho das antigas fitas sobre casas mal assombradas. Todos os elementos estão presentes, inclusive o fantasma de uma garotinha que em vida vivia escondida, reclusa, por seu próprio pai, um juiz que tinha vergonha do fato da filha ser portadora de deficiência. Um sujeito orgulhoso, frio, que no fundo não passava de uma canalha. A personagem de Kate Beckinsale procura reformar a casa que comprou (que no passado pertenceu a esse juiz e sua família) e vai descobrindo novos lugares dentro do imóvel, entre eles justamente o pequeno quarto onde a menina era mantida longe dos olhos dos outros moradores da cidade. Um ambiente pesado, cheio de energias ruins e negativas. Assim o roteiro vai explorando essa situação. O filme só não é melhor porque há uma certa pressa em desenvolver todos os acontecimentos. Como foi lançado no circuito comercial os produtores optaram por dar agilidade à trama, algo nem sempre bem-vindo nesse tipo de filme, que deveria explorar muito mais as nuances e o suspense desses quartos escuros e sombrios.
Pablo Aluísio.
sábado, 24 de agosto de 2019
A Chegada
Título no Brasil: A Chegada
Título Original: Arrival
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Reliance Entertainment
Direção: Denis Villeneuve
Roteiro: Eric Heisserer, Ted Chiang
Elenco: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O'Brien, Abigail Pniowsky
Sinopse:
Especialista em línguas e linguagens é levada pelo governo americano para uma região remota onde aterrisou uma nave espacial de origem desconhecida. Ela terá que tentar abrir um canal de comunicação com os estranhos seres alienígenas que vieram do espaço. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhor Edição de Som.
Comentários:
Esse filme prima muito mais pela inteligência do que propriamente pelo sensacionalismo que sempre está presente em filmes sobre contatos entre a humanidade e seres alienígenas. Partindo do pressuposto (meio óbvio) de que civilizações extraterrestres seriam mais desenvolvidas que nós, o filme mostra a chegada de estranhas espaçonaves por todo o planeta e a tentativa de se comunicar com esses estranhos seres. A protagonista é uma especialista em línguas e símbolos, a Dra. Louise Banks (Amy Adams), que precisa decifrar a forma como os aliens tentam entrar em contato conosco. Ela é levada pelas forças armadas até o local de pouso de uma dessas naves e uma vez lá tenta abrir um ponte de comunicação, algo muito complexo de se realizar com sucesso. O roteiro porém vai além. Ele não se limita a mostrar esse primeiro contato, mas também envolver conceitos como outras dimensões e até mesmo viagens no espaço-tempo. Com tantas nuances diferentes para explorar no curto espaço de tempo de um filme, não foram poucos os espectadores que acabaram se perdendo no fio da meada da narrativa. Não vejo isso como algo negativo, mas sim altamente positivo. É uma maneira de entendermos que Hollywood não está parada, contente em apenas explorar velhos clichês, mas também avançar em busca de textos mais rebuscados e complexos. Uma maneira de se comunicar com essa nova geração que está ai, uma juventude que já nasce cercada de tecnologia por todos os lados. Não subestimando a capacidade de compreensão dessa moçada, o filme acaba ganhando muitos pontos a seu favor.
Pablo Aluísio.
Título Original: Arrival
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Reliance Entertainment
Direção: Denis Villeneuve
Roteiro: Eric Heisserer, Ted Chiang
Elenco: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Mark O'Brien, Abigail Pniowsky
Sinopse:
Especialista em línguas e linguagens é levada pelo governo americano para uma região remota onde aterrisou uma nave espacial de origem desconhecida. Ela terá que tentar abrir um canal de comunicação com os estranhos seres alienígenas que vieram do espaço. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhor Edição de Som.
Comentários:
Esse filme prima muito mais pela inteligência do que propriamente pelo sensacionalismo que sempre está presente em filmes sobre contatos entre a humanidade e seres alienígenas. Partindo do pressuposto (meio óbvio) de que civilizações extraterrestres seriam mais desenvolvidas que nós, o filme mostra a chegada de estranhas espaçonaves por todo o planeta e a tentativa de se comunicar com esses estranhos seres. A protagonista é uma especialista em línguas e símbolos, a Dra. Louise Banks (Amy Adams), que precisa decifrar a forma como os aliens tentam entrar em contato conosco. Ela é levada pelas forças armadas até o local de pouso de uma dessas naves e uma vez lá tenta abrir um ponte de comunicação, algo muito complexo de se realizar com sucesso. O roteiro porém vai além. Ele não se limita a mostrar esse primeiro contato, mas também envolver conceitos como outras dimensões e até mesmo viagens no espaço-tempo. Com tantas nuances diferentes para explorar no curto espaço de tempo de um filme, não foram poucos os espectadores que acabaram se perdendo no fio da meada da narrativa. Não vejo isso como algo negativo, mas sim altamente positivo. É uma maneira de entendermos que Hollywood não está parada, contente em apenas explorar velhos clichês, mas também avançar em busca de textos mais rebuscados e complexos. Uma maneira de se comunicar com essa nova geração que está ai, uma juventude que já nasce cercada de tecnologia por todos os lados. Não subestimando a capacidade de compreensão dessa moçada, o filme acaba ganhando muitos pontos a seu favor.
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 23 de agosto de 2019
Meu Nome é Taylor, Drillbit Taylor
Título no Brasil: Meu Nome é Taylor, Drillbit Taylor
Título Original: Drillbit Taylor
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Steven Brill
Roteiro: Kristofor Brown, Seth Rogen
Elenco: Owen Wilson, Josh Peck, Alex Frost, Casey Boersma, Dylan Boersma, David Koechner
Sinopse:
Um grupo de jovens nerds, aterrorizados pelos valentões da escola e do bairro, decide contratar um cara mais velho para defendê-los. Só que contratam o cara errado, o tal de Drillbit Taylor (Wilson), que não passa de uma fraude.
Comentários:
Eu simpatizo com o humor do ator Owen Wilson. Ele é aquele tipo de sujeito que desperta mesmo simpatia pois tem bastante carisma pessoal. Não é o cara mais engraçado do mundo e não faz força para isso, mas funciona bem em comédias. Esse filme aqui é um dos mais fracos da carreira dele (que tem bastante filme divertido em sua filmografia). A ideia principal nasceu da mente do amigo (e também ator) Seth Rogen. Ele queria reviver os filmes de adolescentes dos anos 80, principalmente aqueles que tinham nerds, mas não deu muito certo. A Paramount investiu 40 milhões de dólares nesse projeto que deveria ter sido um filme despretensioso e amargou um prejuízo incrível nas bilheterias porque o público não foi aos cinemas ver o resultado. E o Seth, que andava com carta branca em Hollywood, acabou manchando o potencial comercial que envolvia seus projetos. Bem feito, já que o filme realmente não é bom e nem particularmente engraçado. É só uma ideia meio boba que não funcionou bem. Pois é, já não se fazem mais filmes adolescentes como antigamente.
Pablo Aluísio.
Título Original: Drillbit Taylor
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Steven Brill
Roteiro: Kristofor Brown, Seth Rogen
Elenco: Owen Wilson, Josh Peck, Alex Frost, Casey Boersma, Dylan Boersma, David Koechner
Sinopse:
Um grupo de jovens nerds, aterrorizados pelos valentões da escola e do bairro, decide contratar um cara mais velho para defendê-los. Só que contratam o cara errado, o tal de Drillbit Taylor (Wilson), que não passa de uma fraude.
Comentários:
Eu simpatizo com o humor do ator Owen Wilson. Ele é aquele tipo de sujeito que desperta mesmo simpatia pois tem bastante carisma pessoal. Não é o cara mais engraçado do mundo e não faz força para isso, mas funciona bem em comédias. Esse filme aqui é um dos mais fracos da carreira dele (que tem bastante filme divertido em sua filmografia). A ideia principal nasceu da mente do amigo (e também ator) Seth Rogen. Ele queria reviver os filmes de adolescentes dos anos 80, principalmente aqueles que tinham nerds, mas não deu muito certo. A Paramount investiu 40 milhões de dólares nesse projeto que deveria ter sido um filme despretensioso e amargou um prejuízo incrível nas bilheterias porque o público não foi aos cinemas ver o resultado. E o Seth, que andava com carta branca em Hollywood, acabou manchando o potencial comercial que envolvia seus projetos. Bem feito, já que o filme realmente não é bom e nem particularmente engraçado. É só uma ideia meio boba que não funcionou bem. Pois é, já não se fazem mais filmes adolescentes como antigamente.
Pablo Aluísio.
It: A Coisa
Eu particularmente gostei bastante dessa nova versão. Esse livro já tinha sido adaptado nos anos 90 para uma minissérie que inclusive foi lançada em VHS no Brasil na época, mas nada realmente se compara com esse novo filme. O diretor Andy Muschietti acertou em cheio. Ele recuperou parte das características de muitos filmes dos anos 80, aliando tudo aos efeitos especiais mais modernos do mundo atual. O palhaço inclusive bate fundo no imaginário do público - até porque muitas pessoas desenvolvem esse medo de palhaços logo na infância. Provavelmente seja um dos personagens mais bem bolados da obra de King. A cena dele no bueiro, com o garotinho sendo convidado a ir até lá, na escuridão, para pegar balões de circo, já está inserida na cultura pop de forma definitiva. O segundo filme muito provavelmente não terá o mesmo impacto, já que a segunda parte do livro já não é tão boa quanto essa primeira, mas mesmo assim vale conferir. Stephen King não pode mais ser subestimado no mundo do cinema. Não depois desse "It".
It: A Coisa (It, Estados Unidos, 2017) Direção: Andy Muschietti / Roteiro: Chase Palmer, Cary Fukunaga, baseados no best seller escrito por Stephen King / Elenco: Bill Skarsgård, Jaeden Lieberher, Finn Wolfhard / Sinopse: Um grupo de garotos descobre que uma estranha criatura sobrenatural está aterrorizando sua cidade nos anos 80. Eles a chamam simplesmente de "It" (a coisa). Essa entidade que veio diretamente do inferno parece se alimentar do medo alheio, assumindo as mais diversas formas para espalhar o horror. Filme vencedor do Golden Trailer Awards na categoria de Melhor Trailer do ano - Filme de Terror.
Pablo Aluísio.
quinta-feira, 22 de agosto de 2019
Kardec
Título no Brasil: Kardec
Título Original: Kardec
Ano de Produção: 2019
País: Brasil
Estúdio: Conspiração Filmes
Direção: Wagner de Assis
Roteiro: L.G. Bayão, Wagner de Assis
Elenco: Leonardo Medeiros, Letícia Braga, Sandra Corveloni, Genésio de Barros, Christian Baltauss,
Sinopse:
Professor francês de ensino fundamental pede demissão e aposta numa carreira de escritor. Após ter contato com um novo fenômeno chamado de "mesas falantes" ele decide escrever sobre o tema. Adota o pseudônimo de Allan Kardec e escreve o primeiro de uma série de livros sobre o assunto. Seu primeiro livro chamado "O Livro dos Espíritos" se torna um grande sucesso de vendas na França.
Comentários:
O filme tem pontos positivos e negativos. Seguramente é um filme bem produzido, Figurinos, cenários, reconstituição histórica, nada a reclamar. Tem também um fotografia bonita de se ver. Os problemas surgem mesmo no roteiro. Ao invés de adotar uma postura imparcial da figura de Kardec, os roteiristas caíram na velha armadilha de fazer propaganda do espiritismo. Assim o filme deixa de se comunicar com todos os públicos para focar apenas naquele pequeno nicho de membros dessa religião. Apesar disso são louváveis as tentativas de se segurar um pouco mais na história, mostrando aspectos negativos da personalidade de Kardec. Uma delas foi o fato dele ter plagiado a obra de uma conhecida, sem lhe dar os devidos créditos, ficando com todo o lucro da venda de seu primeiro livro sobre os espíritos. Pois é, até hoje paira sobre sua biografia a acusação de ter sido um escritor plagiador, que colheu os frutos de obra alheia.
E no meio disso também encontramos erros históricos cuja culpa não é diretamente dos roteiristas, mas da própria história do espiritismo contada por espíritas. Uma delas é a idade das meninas que recebiam recados do além. No filme elas são retratadas como duas garotinhas. Na vida real eram senhoritas de mais de 30 anos de idade, com muita experiência em ocultismo. Um erro histórico que os próprios livros de espiritismo repetem, justamente para dar maior credibilidade à história de Kardec. Também soa cansativo essa coisa de colocar os membros do clero católico como vilões. Sempre que eles aparecem o diretor os coloca em sombras, com fotografia escura. Que bobagem! Puro maniqueísmo para manipular o público. Enfim, se tem algo que prejudicou esse filme foi justamente isso, a vontade de fazer propaganda dessa religião que inclusive anda bem esquecida na própria França onde nasceu. Isso de certa forma estragou um filme que poderia ser bem mais promissor.
Pablo Aluísio.
Título Original: Kardec
Ano de Produção: 2019
País: Brasil
Estúdio: Conspiração Filmes
Direção: Wagner de Assis
Roteiro: L.G. Bayão, Wagner de Assis
Elenco: Leonardo Medeiros, Letícia Braga, Sandra Corveloni, Genésio de Barros, Christian Baltauss,
Sinopse:
Professor francês de ensino fundamental pede demissão e aposta numa carreira de escritor. Após ter contato com um novo fenômeno chamado de "mesas falantes" ele decide escrever sobre o tema. Adota o pseudônimo de Allan Kardec e escreve o primeiro de uma série de livros sobre o assunto. Seu primeiro livro chamado "O Livro dos Espíritos" se torna um grande sucesso de vendas na França.
Comentários:
O filme tem pontos positivos e negativos. Seguramente é um filme bem produzido, Figurinos, cenários, reconstituição histórica, nada a reclamar. Tem também um fotografia bonita de se ver. Os problemas surgem mesmo no roteiro. Ao invés de adotar uma postura imparcial da figura de Kardec, os roteiristas caíram na velha armadilha de fazer propaganda do espiritismo. Assim o filme deixa de se comunicar com todos os públicos para focar apenas naquele pequeno nicho de membros dessa religião. Apesar disso são louváveis as tentativas de se segurar um pouco mais na história, mostrando aspectos negativos da personalidade de Kardec. Uma delas foi o fato dele ter plagiado a obra de uma conhecida, sem lhe dar os devidos créditos, ficando com todo o lucro da venda de seu primeiro livro sobre os espíritos. Pois é, até hoje paira sobre sua biografia a acusação de ter sido um escritor plagiador, que colheu os frutos de obra alheia.
E no meio disso também encontramos erros históricos cuja culpa não é diretamente dos roteiristas, mas da própria história do espiritismo contada por espíritas. Uma delas é a idade das meninas que recebiam recados do além. No filme elas são retratadas como duas garotinhas. Na vida real eram senhoritas de mais de 30 anos de idade, com muita experiência em ocultismo. Um erro histórico que os próprios livros de espiritismo repetem, justamente para dar maior credibilidade à história de Kardec. Também soa cansativo essa coisa de colocar os membros do clero católico como vilões. Sempre que eles aparecem o diretor os coloca em sombras, com fotografia escura. Que bobagem! Puro maniqueísmo para manipular o público. Enfim, se tem algo que prejudicou esse filme foi justamente isso, a vontade de fazer propaganda dessa religião que inclusive anda bem esquecida na própria França onde nasceu. Isso de certa forma estragou um filme que poderia ser bem mais promissor.
Pablo Aluísio.
A Máquina do Tempo
Acabei gostando dessa nova versão cinematográfica para o clássico livro escrito por H.G. Wells. Ok, eu posso até concordar com algumas críticas da época do lançamento original do filme nos cinemas que diziam que exageraram um bocadinho na computação gráfica, tirando de certa maneira um pouco do charme vitoriano da estória do Wells. Isso realmente aconteceu. Porém também não se pode negar que a direção de arte do filme é de encher os olhos. O que hoje em dia é mais conhecido como design de produção está mais do que caprichado. Tudo surge na tela muito brilhante, muito dourado, bem no estilo do universo que esse genial escritor um dia imaginou em seus escritos.
O enredo continua o mesmo - afinal não poderia mudar. Um homem do século XIX resolve construir uma incrível máquina que o faz viajar pelo tempo, visitando eras distantes, passados remotos, interagindo com personagens históricos, etc. Esse é um dos velhos sonhos do homem, ter a possibilidade de um dia visitar o próprio passado, talvez para consertar certos erros, mudar algumas coisas que depois se tornam arrependimentos pela vida afora ou até mesmo mudar o próprio rumo da história da humanidade. Enfim, algo tão presente na mente dos seres humanos que foi explorado com perfeição pelo maravilhoso H.G. Wells, que diga-se de passagem era um gênio não apenas da literatura. Em seus inúmeros livros ele previu a invenção de máquinas que só iriam surgir muitos anos depois de sua morte como o avião, o helicóptero e o submarino. Ainda não conseguimos inventar uma máquina do tempo como bem imaginou Wellls, mas quem sabe um dia chegaremos lá... no mundo da ciência nada parece ser realmente impossível.
A Máquina do Tempo (The Time Machine, Estados Unidos, 2002) Direção: Simon Wells / Roteiro: David Duncan / Elenco: Guy Pearce, Yancey Arias, Mark Addy / Sinopse: Baseado na famosa novela de ficção escrita pelo genial escritor H.G. Wells em 1895, o filme conta a estória de um jovem cientista que consegue criar algo magnífico, uma máquina do tempo que consegue levar seus tripulantes para o passado e o futuro. Dentro da cabina da maravilhosa máquina ele passa então a viajar pelas eras passadas e futuras, se envolvendo em inúmeras aventuras. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Maquiagem (John M. Elliott Jr e Barbara Lorenz).
Pablo Aluísio.
O enredo continua o mesmo - afinal não poderia mudar. Um homem do século XIX resolve construir uma incrível máquina que o faz viajar pelo tempo, visitando eras distantes, passados remotos, interagindo com personagens históricos, etc. Esse é um dos velhos sonhos do homem, ter a possibilidade de um dia visitar o próprio passado, talvez para consertar certos erros, mudar algumas coisas que depois se tornam arrependimentos pela vida afora ou até mesmo mudar o próprio rumo da história da humanidade. Enfim, algo tão presente na mente dos seres humanos que foi explorado com perfeição pelo maravilhoso H.G. Wells, que diga-se de passagem era um gênio não apenas da literatura. Em seus inúmeros livros ele previu a invenção de máquinas que só iriam surgir muitos anos depois de sua morte como o avião, o helicóptero e o submarino. Ainda não conseguimos inventar uma máquina do tempo como bem imaginou Wellls, mas quem sabe um dia chegaremos lá... no mundo da ciência nada parece ser realmente impossível.
A Máquina do Tempo (The Time Machine, Estados Unidos, 2002) Direção: Simon Wells / Roteiro: David Duncan / Elenco: Guy Pearce, Yancey Arias, Mark Addy / Sinopse: Baseado na famosa novela de ficção escrita pelo genial escritor H.G. Wells em 1895, o filme conta a estória de um jovem cientista que consegue criar algo magnífico, uma máquina do tempo que consegue levar seus tripulantes para o passado e o futuro. Dentro da cabina da maravilhosa máquina ele passa então a viajar pelas eras passadas e futuras, se envolvendo em inúmeras aventuras. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Maquiagem (John M. Elliott Jr e Barbara Lorenz).
Pablo Aluísio.
quarta-feira, 21 de agosto de 2019
Resident Evil: O Hóspede Maldito
Esse é o primeiro filme da franquia. Engraçado, nunca consegui levar essa série de filmes muito à sério, em época nenhuma. Quando o filme saiu em vídeo no Brasil ainda gastei meu dinheiro para conferir, afinal muita gente estava falando sobre ele. Pessoalmente tinha ficado com um pé atrás por vários motivos. O primeiro deles por puro preconceito (admito!). Afinal nunca havia assistido um filme baseado em games que fosse bom! Bastava saber que era baseado em vídeogame para muitas vezes desistir de assistir. Além disso a "atriz" Milla Jovovich nem era considerada uma atriz de verdade. Era uma modelo que começava a fazer carreira no cinema. Coisas diferentes Então tinha assim um filme que não era bem um filme, mas um game, e uma atriz que não bem uma atriz, mas uma modelo ucraniana. Complicado.
Mesmo assim resolvi locar o filme em um daqueles pacotes do tipo alugue 5 filmes e pague 4 (quem lembra disso?). Pois é, no fim de semana você acabava levando um desses para completar o pacote. Depois de conferir vi que meus preconceitos em relação ao filme tinham sido parcialmente comprovados. O roteiro era muito derivativo, aquela velha coisa de zumbis sedentos atrás de cérebros. Para mudar um pouco inseriram um universo high tech na estorinha, com uma empresa multinacional malvada. Outro preconceito que se cumpriu foi com a Milla Jovovich. Ela realmente não era boa atriz. Com papel muito físico (correl pula, salta, luta, etc) ela até conseguiu disfarçar sua falta de talento, enganando muita gente, mas comigo não colou. Essa coisa de modelos tentando ser atrizes... já conhecemos bem essa história. O que salva o filme da pura perda de tempo são seus efeitos especiais, todos ótimos para a época. Fora isso, nada que George Romero já não tivesse feito antes e com muito mais talento e originalidade.
Resident Evil: O Hóspede Maldito (Resident Evil, Estados Unidos, 2002) Direção: Paul W.S. Anderson / Roteiro: Paul W.S. Anderson / Elenco: Milla Jovovich, Michelle Rodriguez, Ryan McCluskey / Sinopse: Após um apocalipse zumbi poucos são os sobreviventes. A maioria da humanidade foi infectada por um vírus mortal, que transformou todos em mortos-vivos. Por trás de tudo parece existir interesses corporativos de uma grande empresa.
Pablo Aluísio.
Mesmo assim resolvi locar o filme em um daqueles pacotes do tipo alugue 5 filmes e pague 4 (quem lembra disso?). Pois é, no fim de semana você acabava levando um desses para completar o pacote. Depois de conferir vi que meus preconceitos em relação ao filme tinham sido parcialmente comprovados. O roteiro era muito derivativo, aquela velha coisa de zumbis sedentos atrás de cérebros. Para mudar um pouco inseriram um universo high tech na estorinha, com uma empresa multinacional malvada. Outro preconceito que se cumpriu foi com a Milla Jovovich. Ela realmente não era boa atriz. Com papel muito físico (correl pula, salta, luta, etc) ela até conseguiu disfarçar sua falta de talento, enganando muita gente, mas comigo não colou. Essa coisa de modelos tentando ser atrizes... já conhecemos bem essa história. O que salva o filme da pura perda de tempo são seus efeitos especiais, todos ótimos para a época. Fora isso, nada que George Romero já não tivesse feito antes e com muito mais talento e originalidade.
Resident Evil: O Hóspede Maldito (Resident Evil, Estados Unidos, 2002) Direção: Paul W.S. Anderson / Roteiro: Paul W.S. Anderson / Elenco: Milla Jovovich, Michelle Rodriguez, Ryan McCluskey / Sinopse: Após um apocalipse zumbi poucos são os sobreviventes. A maioria da humanidade foi infectada por um vírus mortal, que transformou todos em mortos-vivos. Por trás de tudo parece existir interesses corporativos de uma grande empresa.
Pablo Aluísio.
terça-feira, 20 de agosto de 2019
A Cor do Dinheiro
Título no Brasil: A Cor do Dinheiro
Título Original: The Color of Money
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Martin Scorsese
Roteiro: Walter Tevis, Richard Price
Elenco: Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, Helen Shaver, John Turturro, Bill Cobbs
Sinopse:
Vincent Lauria (Tom Cruise) é o jovem jogador de sinuca que quer vencer na vida, aprender todos os segredos e manhas do esporte. Eddie Felson (Paul Newman) é o veterano que vê naquele rapaz impiedoso uma cópia dele mesmo em seu passado. Filme premiado pelo Oscar na categoria de Melhor Ator (Paul Newman).
Comentários:
Martin Scorsese sempre adorou o clássico "Desafio à Corrupção" de 1961. Em meados dos anos 80 ele decidiu que iria filmar uma sequência tardia dessa obra prima. Paul Newman que havia interpretado o personagem "Fast" Eddie Felson topou o convite de trazer o jogador de bilhar de volta às telas. Agora ele iria contracenar com o astro Tom Cruise, naquele momento no auge do sucesso, colhendo os frutos do blockbuster "Top Gun - Ases Indomáveis". O resultado dessa união não poderia ser melhor. O filme foi elogiado por público e crítica e de quebra deu finalmente o Oscar para Paul Newman, um mito da história do cinema que deveria ter sido premiado décadas antes. Corrigindo uma velha injustiça o filme acabou sendo sua redenção pessoal e profissional dentro da Academia. Anos depois, após a morte de Paul Newman, o diretor Martin Scorsese diria em uma entrevista que tinha muito orgulho desse filme, justamente pelo Oscar vencido por Paul Newman. E por falar nele, não há como comparar seu maravilhoso trabalho com o de Tom Cruise. Embora o jovem astro tenha se saído bem, não havia mesmo comparação. No caso a arte imitou a vida, já que assim como seus personagens, na vida real Tom Cruise não passava mesmo de um aluno diante de seu mestre. Foi um momento marcante na carreira de todos os envolvidos. Clássico moderno dos anos 80 que não pode passar em branco na coleção de nenhum cinéfilo que se preze.
Pablo Aluísio.
Título Original: The Color of Money
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Martin Scorsese
Roteiro: Walter Tevis, Richard Price
Elenco: Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, Helen Shaver, John Turturro, Bill Cobbs
Sinopse:
Vincent Lauria (Tom Cruise) é o jovem jogador de sinuca que quer vencer na vida, aprender todos os segredos e manhas do esporte. Eddie Felson (Paul Newman) é o veterano que vê naquele rapaz impiedoso uma cópia dele mesmo em seu passado. Filme premiado pelo Oscar na categoria de Melhor Ator (Paul Newman).
Comentários:
Martin Scorsese sempre adorou o clássico "Desafio à Corrupção" de 1961. Em meados dos anos 80 ele decidiu que iria filmar uma sequência tardia dessa obra prima. Paul Newman que havia interpretado o personagem "Fast" Eddie Felson topou o convite de trazer o jogador de bilhar de volta às telas. Agora ele iria contracenar com o astro Tom Cruise, naquele momento no auge do sucesso, colhendo os frutos do blockbuster "Top Gun - Ases Indomáveis". O resultado dessa união não poderia ser melhor. O filme foi elogiado por público e crítica e de quebra deu finalmente o Oscar para Paul Newman, um mito da história do cinema que deveria ter sido premiado décadas antes. Corrigindo uma velha injustiça o filme acabou sendo sua redenção pessoal e profissional dentro da Academia. Anos depois, após a morte de Paul Newman, o diretor Martin Scorsese diria em uma entrevista que tinha muito orgulho desse filme, justamente pelo Oscar vencido por Paul Newman. E por falar nele, não há como comparar seu maravilhoso trabalho com o de Tom Cruise. Embora o jovem astro tenha se saído bem, não havia mesmo comparação. No caso a arte imitou a vida, já que assim como seus personagens, na vida real Tom Cruise não passava mesmo de um aluno diante de seu mestre. Foi um momento marcante na carreira de todos os envolvidos. Clássico moderno dos anos 80 que não pode passar em branco na coleção de nenhum cinéfilo que se preze.
Pablo Aluísio.
Minority Report - A Nova Lei
Philip K. Dick foi um escritor genial. Ele conseguia criar os universos mais estranhos, provavelmente porque vivia viajando em fartas doses de LSD. Aqui Dick mostra um futuro onde a polícia agiria antes dos crimes ocorrerem. O quadro perfeito. Antes do assassino matar sua vítima os tiras chegavam no lugar e o levavam para a prisão. A vítima, com sua vida poupada, seguia então em frente com sua vida. Sem danos na sociedade. Em cima dessa ideia original o diretor Steven Spielberg chamou o astro Tom Cruise para levar para as telas as ideias inovadoras de Dick. O resultado ficou muito bom, com excelentes efeitos especiais. A direção de arte é um dos grandes destaques e a presença de grandes atores como Max von Sydow no elenco de apoio completam o quadro.
Agora é curioso que fiquei também com a sensação de que o filme poderia ser bem melhor. Assisti a essa ficção no cinema na época, com tudo o que de melhor havia em termos de tecnologia. Lá estava o Dolby Stereo e a projeção impecável para curtir todos os efeitos especiais, porém fiquei com a sensação de que era um filme que tinha tudo para ser uma obra prima, mas que não foi. Um filme que não cumpriu tudo o que prometia. E de fato é bem isso mesmo. Spielberg criou todo um mundo do futuro e tirou o máximo que podia em termos de originalidade do conto de Dick. A questão porém é que Spielberg não é Kubrick. Ele optou por fazer um filme mais convencional, popular, ao invés de Kubrick que certamente iria por outro caminho, tentando algo mais intelectual. O resultado assim é menos do que poderia ser. Cruise se esforça, dá tudo, mas seus cacoetes de interpretação também soam saturados. É bom conhecer, mas não espere por nada genial.
Minority Report - A Nova Lei (Minority Report, Estados Unidos, 2002) Estúdio: Twentieth Century Fox, DreamWorks SKG / Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Scott Frank, baseado na obra de Philip K. Dick / Elenco: Tom Cruise, Max von Sydow, Steve Harris, Neal McDonough, Colin Farrell / Sinopse: No futuro, em 2054, um policial chamado John Anderton (Tom Cruise) é acusado de ter cometer um crime, antes mesmo que possa colocar adiante seus atos criminosos. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Edição de Som.
Pablo Aluísio.
Agora é curioso que fiquei também com a sensação de que o filme poderia ser bem melhor. Assisti a essa ficção no cinema na época, com tudo o que de melhor havia em termos de tecnologia. Lá estava o Dolby Stereo e a projeção impecável para curtir todos os efeitos especiais, porém fiquei com a sensação de que era um filme que tinha tudo para ser uma obra prima, mas que não foi. Um filme que não cumpriu tudo o que prometia. E de fato é bem isso mesmo. Spielberg criou todo um mundo do futuro e tirou o máximo que podia em termos de originalidade do conto de Dick. A questão porém é que Spielberg não é Kubrick. Ele optou por fazer um filme mais convencional, popular, ao invés de Kubrick que certamente iria por outro caminho, tentando algo mais intelectual. O resultado assim é menos do que poderia ser. Cruise se esforça, dá tudo, mas seus cacoetes de interpretação também soam saturados. É bom conhecer, mas não espere por nada genial.
Minority Report - A Nova Lei (Minority Report, Estados Unidos, 2002) Estúdio: Twentieth Century Fox, DreamWorks SKG / Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Scott Frank, baseado na obra de Philip K. Dick / Elenco: Tom Cruise, Max von Sydow, Steve Harris, Neal McDonough, Colin Farrell / Sinopse: No futuro, em 2054, um policial chamado John Anderton (Tom Cruise) é acusado de ter cometer um crime, antes mesmo que possa colocar adiante seus atos criminosos. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Edição de Som.
Pablo Aluísio.
segunda-feira, 19 de agosto de 2019
Annabelle 3 - De Volta Para Casa
Título no Brasil: Annabelle 3 - De Volta Para Casa
Título Original: Annabelle Comes Home
Ano de Produção: 2019
País: Estados Unidos
Estúdio: Atomic Monster, New Line Cinema
Direção: Gary Dauberman
Roteiro: James Wan, Gary Dauberman
Elenco: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife, Michael Cimino
Sinopse:
O casal Warren consegue trazer a boneca amaldiçoada Annabelle para sua casa. Ela então é trancafiada em um armário de madeira, para nunca mais sair dali. Só que a amiga da babá de sua filha tem uma ideia diferente. Ela quer invocar o espírito de seu pai falecido e para isso decide usar a boneca. Uma péssima ideia que acabará criando o caos naquela casa.
Comentários:
Para quem acreditava que esses filmes dessa boneca amaldiçoada não iriam muito longe, aí está o terceiro filme da franquia. O fato é que essas produções são lucrativas demais. Cada filme não chega a custar nem 10 milhões de dólares e sempre apresentam um retorno seguro de bilheteria, muitas vezes ultrapassando os 250 milhões de faturamento. É uma mina de ouro cinematográfica. Então enquanto houver público, haverá novos filmes. Esse terceiro achei apenas mediano. Sigo dizendo que o segundo foi o melhor de todos em minha opinião. Esse número 3 é inegavelmente o mais fraquinho. Todo a trama se passa em apenas uma noite, dentro da casa do casal Warren. Só que eles estão fora e a filha fica sob responsabilidade da babá. Esse é uma daquelas jovens que conhece uma amiga que vai colocar tudo a perder. Ela entra na sala onde são guardados todos os objetos de maldição e bruxaria e resolve mexer em todos eles, colocando para fora até mesmo a boneca Annabelle. E aí o roteiro abre espaço para todo tipo de assombração com direito a um cão enviado do inferno, uma noiva com uma faca e outras bizarrices. É tudo muito simples e direto e o mais interessante é que a velha fórmula ainda funciona. Os sustinhos são garantidos. O diretor desse terceiro filme é um roteirista com experiência em filmes de terror, então ele sabia bem o que estava fazendo. Assim fica o veredito. È o mais fraco da trilogia, mas mesmo assim ainda consegue ser bem melhor do que muito filme de terror que anda sendo exibido por aí.
Pablo Aluísio.
Título Original: Annabelle Comes Home
Ano de Produção: 2019
País: Estados Unidos
Estúdio: Atomic Monster, New Line Cinema
Direção: Gary Dauberman
Roteiro: James Wan, Gary Dauberman
Elenco: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Mckenna Grace, Madison Iseman, Katie Sarife, Michael Cimino
Sinopse:
O casal Warren consegue trazer a boneca amaldiçoada Annabelle para sua casa. Ela então é trancafiada em um armário de madeira, para nunca mais sair dali. Só que a amiga da babá de sua filha tem uma ideia diferente. Ela quer invocar o espírito de seu pai falecido e para isso decide usar a boneca. Uma péssima ideia que acabará criando o caos naquela casa.
Comentários:
Para quem acreditava que esses filmes dessa boneca amaldiçoada não iriam muito longe, aí está o terceiro filme da franquia. O fato é que essas produções são lucrativas demais. Cada filme não chega a custar nem 10 milhões de dólares e sempre apresentam um retorno seguro de bilheteria, muitas vezes ultrapassando os 250 milhões de faturamento. É uma mina de ouro cinematográfica. Então enquanto houver público, haverá novos filmes. Esse terceiro achei apenas mediano. Sigo dizendo que o segundo foi o melhor de todos em minha opinião. Esse número 3 é inegavelmente o mais fraquinho. Todo a trama se passa em apenas uma noite, dentro da casa do casal Warren. Só que eles estão fora e a filha fica sob responsabilidade da babá. Esse é uma daquelas jovens que conhece uma amiga que vai colocar tudo a perder. Ela entra na sala onde são guardados todos os objetos de maldição e bruxaria e resolve mexer em todos eles, colocando para fora até mesmo a boneca Annabelle. E aí o roteiro abre espaço para todo tipo de assombração com direito a um cão enviado do inferno, uma noiva com uma faca e outras bizarrices. É tudo muito simples e direto e o mais interessante é que a velha fórmula ainda funciona. Os sustinhos são garantidos. O diretor desse terceiro filme é um roteirista com experiência em filmes de terror, então ele sabia bem o que estava fazendo. Assim fica o veredito. È o mais fraco da trilogia, mas mesmo assim ainda consegue ser bem melhor do que muito filme de terror que anda sendo exibido por aí.
Pablo Aluísio.
O Dom da Premonição
Os anos 90 não foram muito bons para o terror. Houve muitos filmes recheados de adolescentes passando por sustinhos na escola. Terror teen mesmo. A maioria deles insuportável. "O Dom da Premonição" foi lançado em 2000, mas filmado em 1999, o último ano daquela década perdida. Aqui pelo menos já notamos uma mudança para melhor nos roteiros. Ao invés das gatinhas dando gritos estridentes, fugindo de assassinos em séries com máscaras, o roteiro procurava ser pelo menos um pouco mais adulto. Afinal a maioria do público não estava mais no banco escolar. Era hora de crescer. Com isso os roteiros voltaram a ser mais bem elaborados, como nos anos 70, onde ai sim tivemos inúmeras obras primas do terror (alguém lembrou de "O Exorcista" por aí? Pois é...)
Assim vamos ao enredo. Annabelle 'Annie' Wilson (Cate Blanchett) é uma jovem viúva com dons sobrenaturais. Ela consegue ver o futuro das pessoas. Para sobreviver começa a realizar sessões de espiritualismo, leitura de cartas e até magia. Praticando o que se costumava conhecer no mundo antigo como necromancia (o nome original do que hoje alguns chamam de espiritismo, adivinhação, etc), ela acaba atraindo também intrigas e inimizades com alguns moradores da cidade onde mora. As coisas ficam ainda piores quando ocorre um assassinato. Poderia ela ajudar a resolver o crime com seus poderes de clarividência? Como se pode perceber esse filme tem uma pegada mais séria, mais terror das antigas. Por isso gostei do resultado. Não é bobinho, nem teen, o que já garante o interesse. Some-se a isso a presença da sempre enigmática e talentosa Cate Blanchett e você entenderá porque o filme se destacou no meio do lamaçal de tolices dos anos 90.
O Dom da Premonição (The Gift, Estados Unidos, 2000) Direção: Sam Raimi / Roteiro: Billy Bob Thornton, Tom Epperson / Elenco: Cate Blanchett, Katie Holmes, Keanu Reeves / Sinopse: Annabelle 'Annie' Wilson (Cate Blanchett) tem dons de premonição. Ela então passa a colaborar na solução de um mistério, um assassinato brutal acontecido na cidade onde mora, algo que acaba despertando a ira de alguns moradores mais tradicionais. Indicado ao prêmio Film Independent Spirit Awards e a cinco categorias do Saturn Award da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, entre eles o de Melhor Filme de Terror do ano.
Pablo Aluísio.
Assim vamos ao enredo. Annabelle 'Annie' Wilson (Cate Blanchett) é uma jovem viúva com dons sobrenaturais. Ela consegue ver o futuro das pessoas. Para sobreviver começa a realizar sessões de espiritualismo, leitura de cartas e até magia. Praticando o que se costumava conhecer no mundo antigo como necromancia (o nome original do que hoje alguns chamam de espiritismo, adivinhação, etc), ela acaba atraindo também intrigas e inimizades com alguns moradores da cidade onde mora. As coisas ficam ainda piores quando ocorre um assassinato. Poderia ela ajudar a resolver o crime com seus poderes de clarividência? Como se pode perceber esse filme tem uma pegada mais séria, mais terror das antigas. Por isso gostei do resultado. Não é bobinho, nem teen, o que já garante o interesse. Some-se a isso a presença da sempre enigmática e talentosa Cate Blanchett e você entenderá porque o filme se destacou no meio do lamaçal de tolices dos anos 90.
O Dom da Premonição (The Gift, Estados Unidos, 2000) Direção: Sam Raimi / Roteiro: Billy Bob Thornton, Tom Epperson / Elenco: Cate Blanchett, Katie Holmes, Keanu Reeves / Sinopse: Annabelle 'Annie' Wilson (Cate Blanchett) tem dons de premonição. Ela então passa a colaborar na solução de um mistério, um assassinato brutal acontecido na cidade onde mora, algo que acaba despertando a ira de alguns moradores mais tradicionais. Indicado ao prêmio Film Independent Spirit Awards e a cinco categorias do Saturn Award da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films, entre eles o de Melhor Filme de Terror do ano.
Pablo Aluísio.
domingo, 18 de agosto de 2019
Assassinato em Hollywood
Título no Brasil: Assassinato em Hollywood
Título Original: Sunset
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Blake Edwards
Roteiro: Rod Amateau, Blake Edwards
Elenco: Bruce Willis, James Garner, Malcolm McDowell, Mariel Hemingway, Kathleen Quinlan, M. Emmet Walsh
Sinopse:
Tom Mix e Wyatt Earp se unem para solucionar um crime, um assassinato, na Hollywood dos anos 1920. E tudo acontecendo na semana da entrega dos prêmios da academia cinematográfica. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Figurino (Patricia Norris).
Comentários:
Bruce Willis como o lendário ator e cowboy Tom Mix? Sim, o roteiro prometia bastante pois a premissa era realmente muito interessante, especialmente para quem sempre apreciou a história de Hollywood desde os seus primórdios, ainda nos tempos do cinema mudo. O problema é que o diretor Blake Edwards mais uma vez pesou a mão. Cineasta dado a excessos, principalmente na questão do humor, aqui ele novamente colocou elementos que não cabiam. Essa coisa de muitas vezes cair no pastelão de fato cansou muito em termos de filmografia de Edwards. De positivo não podemos deixar de elogiar a bonita fotografia e a bela reconstituição de época, inclusive contando com uma réplica do espalhafatoso carro de Tom Mix, uma ode ao exagero (e à breguice também!). A produção de fato é impecável, mas com um roteiro meio indeciso o filme deixou um pouco a desejar. Também foi pouco visto pois foi um tremendo fracasso de bilheteria, o primeiro da carreira de Bruce Willis. Pois é, não tem como acertar sempre.
Pablo Aluísio.
Título Original: Sunset
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Blake Edwards
Roteiro: Rod Amateau, Blake Edwards
Elenco: Bruce Willis, James Garner, Malcolm McDowell, Mariel Hemingway, Kathleen Quinlan, M. Emmet Walsh
Sinopse:
Tom Mix e Wyatt Earp se unem para solucionar um crime, um assassinato, na Hollywood dos anos 1920. E tudo acontecendo na semana da entrega dos prêmios da academia cinematográfica. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Figurino (Patricia Norris).
Comentários:
Bruce Willis como o lendário ator e cowboy Tom Mix? Sim, o roteiro prometia bastante pois a premissa era realmente muito interessante, especialmente para quem sempre apreciou a história de Hollywood desde os seus primórdios, ainda nos tempos do cinema mudo. O problema é que o diretor Blake Edwards mais uma vez pesou a mão. Cineasta dado a excessos, principalmente na questão do humor, aqui ele novamente colocou elementos que não cabiam. Essa coisa de muitas vezes cair no pastelão de fato cansou muito em termos de filmografia de Edwards. De positivo não podemos deixar de elogiar a bonita fotografia e a bela reconstituição de época, inclusive contando com uma réplica do espalhafatoso carro de Tom Mix, uma ode ao exagero (e à breguice também!). A produção de fato é impecável, mas com um roteiro meio indeciso o filme deixou um pouco a desejar. Também foi pouco visto pois foi um tremendo fracasso de bilheteria, o primeiro da carreira de Bruce Willis. Pois é, não tem como acertar sempre.
Pablo Aluísio.
Olha Quem Está Falando
Título no Brasil: Olha Quem Está Falando
Título Original: Look Who's Talking
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures,
Direção: Amy Heckerling
Roteiro: Amy Heckerling
Elenco: John Travolta, Kirstie Alley, Bruce Willis, Olympia Dukakis, George Segal, Jason Schaller
Sinopse:
Um casal jovem acaba recebendo a visita da cegonha de surpresa! Assim nasce o bebezinho Mikey (na voz de Bruce Willis) que passa a compartilhar com o espectador os seus pensamentos e visões do novo mundo que se abre ao seu redor.
Comentários:
Foi um dos filmes mais lucrativos dos anos 80. Custou a bagatela de 7 milhões de dólares e nas bilheterias faturou mais de 460 milhões de dólares! Números que realmente surpreendem. E qual era o segredo do sucesso? Simples, colocar os pensamentos de um bebezinho na voz irônica e mordaz de Bruce Willis. Claro, nada de muita acidez, a tônica aqui era meio bobinha mesmo, um típico produto "family friendly", feito para toda a família. Para John Travolta foi um alívio, pois o ator vinha colecionando fracassos por duas décadas e então surgiu esse sucesso estrondoso na carreira. Ele deve ter levantado as mãos aos céus agradecendo a Deus. Caso ficasse mais alguns anos na baixa sua carreira seguramente chegaria ao fim. E Bruce Willis, bem, ele não precisou fazer muitos esforços. Seu trabalho de dublagem foi muito bem feito, porém como ele mesmo disse depois não levou mais de três dias para ficar pronto. Alvo certo, dinheiro no bolso de todo mundo, a má notícia só veio pelo fato de que uma continuação bem ruinzinha iria ser realizada. Essa porém é uma outra história que depois contaremos por aqui. E sobre esse primeiro filme, bom, a coisa pode ser resumida em apenas poucas palavras: bobinho, mas simpático.
Pablo Aluísio.
Título Original: Look Who's Talking
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures,
Direção: Amy Heckerling
Roteiro: Amy Heckerling
Elenco: John Travolta, Kirstie Alley, Bruce Willis, Olympia Dukakis, George Segal, Jason Schaller
Sinopse:
Um casal jovem acaba recebendo a visita da cegonha de surpresa! Assim nasce o bebezinho Mikey (na voz de Bruce Willis) que passa a compartilhar com o espectador os seus pensamentos e visões do novo mundo que se abre ao seu redor.
Comentários:
Foi um dos filmes mais lucrativos dos anos 80. Custou a bagatela de 7 milhões de dólares e nas bilheterias faturou mais de 460 milhões de dólares! Números que realmente surpreendem. E qual era o segredo do sucesso? Simples, colocar os pensamentos de um bebezinho na voz irônica e mordaz de Bruce Willis. Claro, nada de muita acidez, a tônica aqui era meio bobinha mesmo, um típico produto "family friendly", feito para toda a família. Para John Travolta foi um alívio, pois o ator vinha colecionando fracassos por duas décadas e então surgiu esse sucesso estrondoso na carreira. Ele deve ter levantado as mãos aos céus agradecendo a Deus. Caso ficasse mais alguns anos na baixa sua carreira seguramente chegaria ao fim. E Bruce Willis, bem, ele não precisou fazer muitos esforços. Seu trabalho de dublagem foi muito bem feito, porém como ele mesmo disse depois não levou mais de três dias para ficar pronto. Alvo certo, dinheiro no bolso de todo mundo, a má notícia só veio pelo fato de que uma continuação bem ruinzinha iria ser realizada. Essa porém é uma outra história que depois contaremos por aqui. E sobre esse primeiro filme, bom, a coisa pode ser resumida em apenas poucas palavras: bobinho, mas simpático.
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 16 de agosto de 2019
Sob o Domínio do Medo
Título no Brasil: Sob o Domínio do Medo
Título Original: Straw Dogs
Ano de Produção: 1971
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: ABC Pictures
Direção: Sam Peckinpah
Roteiro: David Zelag Goodman, Sam Peckinpah
Elenco: Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan, T.P. McKenna, Donald Webster, Ken Hutchison
Sinopse:
O pacato matemático David Sumner (Hoffman) e sua esposa ficam encurralados por um grupo de psicóticos violentos e perigosos. O casal precisa então arranjar um jeito de sair daquela situação insana. Enquanto isso a violência vai se tornando cada vez mais sem limites. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Música Original (Jerry Fielding).
Comentários:
Sam Peckinpah foi um cineasta que transformou a estética da violência em uma nova forma de fazer cinema, de trazer renovação para os filmes dos anos 60 e 70. Claro, em um primeiro momento ele foi bastante criticado, principalmente por causa da violência explícita que trazia em seus filmes, porém com o tempo sua maneira de fazer cinema foi sendo compreendida melhor, perfeitamente entendida. Hoje seu status de grande diretor é uma unanimidade entre os especialistas em sétima arte. Esse filme aqui gerou bastante polêmica e controvérsia em seu lançamento original. Ele foi produzido e lançado na década de 1970, em uma época em que esse tipo de narrativa ainda era uma grande novidade. Por isso o diretor foi acusado de valorizar e glamorizar a brutalidade, a violência extrema. Nada mais longe da realidade. O filme é justamente uma bandeira contra essa mesma violência. A intenção de Sam Peckinpah foi justamente a oposta das acusações que lhe foram feitas. Com Dustin Hoffman ainda bem jovem e um elenco de apoio excelente, o filme é um dos mais marcantes da filmografia do diretor. Tentaram fazer um remake alguns anos depois, mas o resultado foi péssimo. Fique com o original. Esse sim é uma obra de arte do cinema.
Pablo Aluísio.
Título Original: Straw Dogs
Ano de Produção: 1971
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: ABC Pictures
Direção: Sam Peckinpah
Roteiro: David Zelag Goodman, Sam Peckinpah
Elenco: Dustin Hoffman, Susan George, Peter Vaughan, T.P. McKenna, Donald Webster, Ken Hutchison
Sinopse:
O pacato matemático David Sumner (Hoffman) e sua esposa ficam encurralados por um grupo de psicóticos violentos e perigosos. O casal precisa então arranjar um jeito de sair daquela situação insana. Enquanto isso a violência vai se tornando cada vez mais sem limites. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Música Original (Jerry Fielding).
Comentários:
Sam Peckinpah foi um cineasta que transformou a estética da violência em uma nova forma de fazer cinema, de trazer renovação para os filmes dos anos 60 e 70. Claro, em um primeiro momento ele foi bastante criticado, principalmente por causa da violência explícita que trazia em seus filmes, porém com o tempo sua maneira de fazer cinema foi sendo compreendida melhor, perfeitamente entendida. Hoje seu status de grande diretor é uma unanimidade entre os especialistas em sétima arte. Esse filme aqui gerou bastante polêmica e controvérsia em seu lançamento original. Ele foi produzido e lançado na década de 1970, em uma época em que esse tipo de narrativa ainda era uma grande novidade. Por isso o diretor foi acusado de valorizar e glamorizar a brutalidade, a violência extrema. Nada mais longe da realidade. O filme é justamente uma bandeira contra essa mesma violência. A intenção de Sam Peckinpah foi justamente a oposta das acusações que lhe foram feitas. Com Dustin Hoffman ainda bem jovem e um elenco de apoio excelente, o filme é um dos mais marcantes da filmografia do diretor. Tentaram fazer um remake alguns anos depois, mas o resultado foi péssimo. Fique com o original. Esse sim é uma obra de arte do cinema.
Pablo Aluísio.
Tinha Que Ser Você
Título no Brasil: Tinha Que Ser Você
Título Original: Last Chance Harvey
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Overture Films
Direção: Joel Hopkins
Roteiro: Joel Hopkins
Elenco: Dustin Hoffman, Emma Thompson, Kathy Baker, Richard Schiff, Liane Balaban, James Brolin
Sinopse:
Harvey Shine (Hoffman) é um pianista que ganha a vida escrevendo músicas para comerciais. Ele vai a Londres para o casamento da filha e descobre que ela já não o considera tanto, preferindo que seu padastro assuma as honrarias de sua cerimônia. Desiludido, ele acaba conhecendo a inglesa Kate Walker (Thompson) e se apaixona por ela.
Comentários:
Um bom filme que valoriza o romantismo já em um momento mais avançado da vida das pessoas. Os dois protagonistas, o casal central, já ultrapassou a fase da vida de namorar, conhecer alguém e se casar. O personagem de Dustin Hoffman já não tem mais tantas ilusões. Ele é divorciado, um tanto distante da filha que vai se casar e tem um clima pesado com a ex-mulher. Reencontrar a antiga família já não é um motivo de felicidade há anos. A personagem de Emma Thompson também tem seus problemas pessoais. É uma solteirona que vive sendo pressionada pela mãe idosa para se casar. Além disso carrega um trauma pois anos antes fez um aborto que a deixou com um grande sentimento de culpa. O curioso é que o roteiro, mesmo com esses personagens dramáticos, consegue levar o filme numa certa leveza. Nada é trágico ou melodramático demais, pelo contrário. O casal principal vai tentando se agarrar a uma última chance de ser feliz (como o título original do filme sugere), mas sem aquela coisa de derramar muitas lágrimas. Foi uma boa opção pois assim o filme se salvou de ser mais um daqueles dramalhões chatos. No geral gostei de tudo, mas especialmente das boas atuações de Hoffman e Thompson que nunca derrapam e nem caem na vala comum do novelão piegas.
Pablo Aluísio.
Título Original: Last Chance Harvey
Ano de Produção: 2008
País: Estados Unidos
Estúdio: Overture Films
Direção: Joel Hopkins
Roteiro: Joel Hopkins
Elenco: Dustin Hoffman, Emma Thompson, Kathy Baker, Richard Schiff, Liane Balaban, James Brolin
Sinopse:
Harvey Shine (Hoffman) é um pianista que ganha a vida escrevendo músicas para comerciais. Ele vai a Londres para o casamento da filha e descobre que ela já não o considera tanto, preferindo que seu padastro assuma as honrarias de sua cerimônia. Desiludido, ele acaba conhecendo a inglesa Kate Walker (Thompson) e se apaixona por ela.
Comentários:
Um bom filme que valoriza o romantismo já em um momento mais avançado da vida das pessoas. Os dois protagonistas, o casal central, já ultrapassou a fase da vida de namorar, conhecer alguém e se casar. O personagem de Dustin Hoffman já não tem mais tantas ilusões. Ele é divorciado, um tanto distante da filha que vai se casar e tem um clima pesado com a ex-mulher. Reencontrar a antiga família já não é um motivo de felicidade há anos. A personagem de Emma Thompson também tem seus problemas pessoais. É uma solteirona que vive sendo pressionada pela mãe idosa para se casar. Além disso carrega um trauma pois anos antes fez um aborto que a deixou com um grande sentimento de culpa. O curioso é que o roteiro, mesmo com esses personagens dramáticos, consegue levar o filme numa certa leveza. Nada é trágico ou melodramático demais, pelo contrário. O casal principal vai tentando se agarrar a uma última chance de ser feliz (como o título original do filme sugere), mas sem aquela coisa de derramar muitas lágrimas. Foi uma boa opção pois assim o filme se salvou de ser mais um daqueles dramalhões chatos. No geral gostei de tudo, mas especialmente das boas atuações de Hoffman e Thompson que nunca derrapam e nem caem na vala comum do novelão piegas.
Pablo Aluísio.
Shadowheart
Título no Brasil: Shadowheart
Título Original: Shadowheart
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: Desert Moon Pictures
Direção: Dean Alioto
Roteiro: Dean Alioto, Peter Vanderwall
Elenco: Angus Macfadyen, Justin Ament, Marnie Alton, Tonantzin Carmelo, Michael Spears, William Sadler
Sinopse:
O filho de um pastor vê o pai ser assassinado de forma covarde e injusta. Os anos passam e ele se torna um caçador de recompensas. Sua chance de fazer justiça surge quando ele encontra um cartaz de procura-se vivo ou morto trazendo justamente a foto do assassino de seu pai.
Comentários:
Fazer cinema é algo caro. Não se faz cinema com pouco dinheiro. Ainda mais em um gênero como o western em que se necessita de recursos para recriar os figurinos de época, as cidades de madeira, as diligências, etc. Esse faroeste aqui foi rodado com pouco mais de 10 mil dólares! Isso é praticamente nada em termos de indústria americana de cinema. Por isso a falta de um orçamento mínimo faz toda a diferença desde as primeiras cenas. Não que a história não seja boa, ela é interessante, mas a pobre produção incomoda muito a cada cena. O espectador sente a falta de melhores cenários, boa reconstituição de época, etc. Quem sabe algum dia um grande estúdio venha a se interessar por esse roteiro e aí sim teremos um filme de faroeste com potencial. Enquanto isso não acontece é melhor ignorar essa fraca produção que não vai a lugar nenhum.
Pablo Aluísio.
Título Original: Shadowheart
Ano de Produção: 2009
País: Estados Unidos
Estúdio: Desert Moon Pictures
Direção: Dean Alioto
Roteiro: Dean Alioto, Peter Vanderwall
Elenco: Angus Macfadyen, Justin Ament, Marnie Alton, Tonantzin Carmelo, Michael Spears, William Sadler
Sinopse:
O filho de um pastor vê o pai ser assassinado de forma covarde e injusta. Os anos passam e ele se torna um caçador de recompensas. Sua chance de fazer justiça surge quando ele encontra um cartaz de procura-se vivo ou morto trazendo justamente a foto do assassino de seu pai.
Comentários:
Fazer cinema é algo caro. Não se faz cinema com pouco dinheiro. Ainda mais em um gênero como o western em que se necessita de recursos para recriar os figurinos de época, as cidades de madeira, as diligências, etc. Esse faroeste aqui foi rodado com pouco mais de 10 mil dólares! Isso é praticamente nada em termos de indústria americana de cinema. Por isso a falta de um orçamento mínimo faz toda a diferença desde as primeiras cenas. Não que a história não seja boa, ela é interessante, mas a pobre produção incomoda muito a cada cena. O espectador sente a falta de melhores cenários, boa reconstituição de época, etc. Quem sabe algum dia um grande estúdio venha a se interessar por esse roteiro e aí sim teremos um filme de faroeste com potencial. Enquanto isso não acontece é melhor ignorar essa fraca produção que não vai a lugar nenhum.
Pablo Aluísio.
quinta-feira, 15 de agosto de 2019
Uma Segunda Chance
Título no Brasil: Uma Segunda Chance
Título Original: Regarding Henry
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Mike Nichols
Roteiro: J.J. Abrams
Elenco: Harrison Ford, Annette Bening, Michael Haley, Bruce Altman, Elizabeth Wilson, Donald Moffat
Sinopse:
O advogado Henry Turner (Harrison Ford) é conhecido por sua arrogância e frieza. Bem sucedido, rico e influente, ele pouco dá atenção até mesmo para sua família. Sua atitude muda após um assalto. Ele é ferido na cabeça, quase morre e decide finalmente ver o mundo de uma maneira diferente.
Comentários:
Harrison Ford dominou o mundo do cinema nas décadas de 1970 e 1980. Foram inúmeros sucessos de bilheteria. Nos anos 90 ele procurou diversificar mais sua carreira, procurando por roteiros melhores, diferentes do que ele vinha fazendo ano após ano. Esse filme aqui é um exemplo dos rumos diferentes que ele tentou seguir. É um filme, como se pode notar claramente pela sinopse, sobre as mudanças de personalidade que uma pessoa pode sofrer ao longo da vida após momentos de trauma físico e psicológico. No caso o ator interpreta um advogado cheio de si mesmo, egocêntrico e vazio, que se acha melhor do que as outras pessoas. Durante um assalto em um supermercado ele sai gravemente ferido e sobrevive. A perspectiva de encarar a morte assim tão de perto o faz mudar, só que haveria ainda espaço para isso? Ele então passa a conquistar todos aqueles que ele esnobou antes do ocorrido e nisso o filme vai tecendo sua história. Alguns poderiam dizer que a mensagem é de auto ajuda barata, mas penso que as intenções aqui justificaram os meios. O filme é bom, passa uma mensagem otimista e é bem realizado. Penso que diante de tudo isso já está de bom tamanho.
Pablo Aluísio.
Título Original: Regarding Henry
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Mike Nichols
Roteiro: J.J. Abrams
Elenco: Harrison Ford, Annette Bening, Michael Haley, Bruce Altman, Elizabeth Wilson, Donald Moffat
Sinopse:
O advogado Henry Turner (Harrison Ford) é conhecido por sua arrogância e frieza. Bem sucedido, rico e influente, ele pouco dá atenção até mesmo para sua família. Sua atitude muda após um assalto. Ele é ferido na cabeça, quase morre e decide finalmente ver o mundo de uma maneira diferente.
Comentários:
Harrison Ford dominou o mundo do cinema nas décadas de 1970 e 1980. Foram inúmeros sucessos de bilheteria. Nos anos 90 ele procurou diversificar mais sua carreira, procurando por roteiros melhores, diferentes do que ele vinha fazendo ano após ano. Esse filme aqui é um exemplo dos rumos diferentes que ele tentou seguir. É um filme, como se pode notar claramente pela sinopse, sobre as mudanças de personalidade que uma pessoa pode sofrer ao longo da vida após momentos de trauma físico e psicológico. No caso o ator interpreta um advogado cheio de si mesmo, egocêntrico e vazio, que se acha melhor do que as outras pessoas. Durante um assalto em um supermercado ele sai gravemente ferido e sobrevive. A perspectiva de encarar a morte assim tão de perto o faz mudar, só que haveria ainda espaço para isso? Ele então passa a conquistar todos aqueles que ele esnobou antes do ocorrido e nisso o filme vai tecendo sua história. Alguns poderiam dizer que a mensagem é de auto ajuda barata, mas penso que as intenções aqui justificaram os meios. O filme é bom, passa uma mensagem otimista e é bem realizado. Penso que diante de tudo isso já está de bom tamanho.
Pablo Aluísio.
A Costa do Mosquito
Título no Brasil: A Costa do Mosquito
Título Original: The Mosquito Coast
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Peter Weir
Roteiro: Paul Schrader
Elenco: Harrison Ford, Helen Mirren, River Phoenix, Jason Alexander, Jadrien Steele, Rebecca Gordon
Sinopse:
Allie Fox (Harrison Ford) é um inventor e cientista dado a utopias que decide levar toda a sua família para uma região isolada da América Central. Ele pretende construir um invento que irã mudar toda a história da humanidade! Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Harrison Ford) e Melhor Trilha Sonora Original (Maurice Jarre).
Comentários:
Para quem havia interpretado Han Solo e Indiana Jones foi uma surpresa e tanto quando Harrison Ford surgiu com esse filme nos cinemas em meados dos anos 80. Era uma proposta bem diferente, enfocando um pouco no humor e no drama de um personagem sonhador, dado a utopias, que resolvia levar toda a sua família para um experimento em uma região distante e praticamente incivilizada. Eu particularmente gostei do filme. Esse foi aquele projeto que Ford fez por amor à arte mesmo, sem se importar se seria sucesso ou não, até porque o filme não fez boa bilheteria, chegando a dar prejuízo para o estúdio, mesmo com orçamento modesto e contido. Nas locadoras de vídeo a fita se saiu melhor porque o público foi conhecendo o filme aos poucos, em um típico caso de propaganda positiva boca a boca. Já para os dias atuais um dos atrativos é a presença do jovem River Phoenix. Dito como um potencial astro do futuro nos anos 80 ele teve uma morte trágica e preocce, causada por uma overdose de drogas. Foi um choque para seu fã clube juvenil que tinha grandes apostas em seu futuro. Algo que infelizmente nunca chegou a acontecer. O roteiro foi baseado no romance escrito por Paul Theroux.
Pablo Aluísio.
Título Original: The Mosquito Coast
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Peter Weir
Roteiro: Paul Schrader
Elenco: Harrison Ford, Helen Mirren, River Phoenix, Jason Alexander, Jadrien Steele, Rebecca Gordon
Sinopse:
Allie Fox (Harrison Ford) é um inventor e cientista dado a utopias que decide levar toda a sua família para uma região isolada da América Central. Ele pretende construir um invento que irã mudar toda a história da humanidade! Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Harrison Ford) e Melhor Trilha Sonora Original (Maurice Jarre).
Comentários:
Para quem havia interpretado Han Solo e Indiana Jones foi uma surpresa e tanto quando Harrison Ford surgiu com esse filme nos cinemas em meados dos anos 80. Era uma proposta bem diferente, enfocando um pouco no humor e no drama de um personagem sonhador, dado a utopias, que resolvia levar toda a sua família para um experimento em uma região distante e praticamente incivilizada. Eu particularmente gostei do filme. Esse foi aquele projeto que Ford fez por amor à arte mesmo, sem se importar se seria sucesso ou não, até porque o filme não fez boa bilheteria, chegando a dar prejuízo para o estúdio, mesmo com orçamento modesto e contido. Nas locadoras de vídeo a fita se saiu melhor porque o público foi conhecendo o filme aos poucos, em um típico caso de propaganda positiva boca a boca. Já para os dias atuais um dos atrativos é a presença do jovem River Phoenix. Dito como um potencial astro do futuro nos anos 80 ele teve uma morte trágica e preocce, causada por uma overdose de drogas. Foi um choque para seu fã clube juvenil que tinha grandes apostas em seu futuro. Algo que infelizmente nunca chegou a acontecer. O roteiro foi baseado no romance escrito por Paul Theroux.
Pablo Aluísio.
quarta-feira, 14 de agosto de 2019
Sintonia de Amor
Título no Brasil: Sintonia de Amor
Título Original: Sleepless in Seattle
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Nora Ephron
Roteiro: Jeff Arch, Nora Ephron
Elenco: Tom Hanks, Meg Ryan, Ross Malinger, Bill Pullman, Rita Wilson, Victor Garber,
Sinopse:
Sam Baldwin (Tom Hanks) é um viúvo que tenta reconstruir sua vida após perder sua esposa. Annie Reed (Meg Ryan) é uma ouvinte de um programa de rádio que acaba conhecendo a história de Sam, se apaixonando por ele platonicamente. Algum tempo depois eles prometem se encontrar para dar início a uma grande história de amor.
Comentários:
Esse filme é na verdade um remake, uma refilmagem de um clássico do passado chamado "Tarde Demais Para Esquecer". Se no filme original tínhamos a dupla romântica formada pelo casal Cary Grant e Deborah Kerr. aqui temos a "namoradinha da América" Meg Ryan se apaixonando por Tom Hanks. O curioso é que Hanks que havia chegado ao sucesso com comédias escrachadas acabou se saindo muito bem em seu personagem. Ele e Meg Ryan formaram uma parceria de sucesso no cinema dos anos 90, com excelentes resultados comerciais nas bilheterias. Outro fato curioso é que o amor da vida do ator também esteve nesse filme, mas no caso não foi Meg Ryan, mas sim Rita Wilson que estava no elenco coadjuvante. Eles acabariam se casando. O filme acabou ganhando duas indicações ao Oscar, de melhor roteiro adaptado e melhor música (com a bela canção "A Wink and a Smile"). No mais é um filme bonito, que lida bem com seu romantismo, sem soar datado ou cafona. Tudo está muito bem encaixado nessa nova versão de uma antiga história de amor. Só não vale comparar com o clássico original, porque aí também seria pedir demais dos deuses do cinema.
Pablo Aluísio.
Título Original: Sleepless in Seattle
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Nora Ephron
Roteiro: Jeff Arch, Nora Ephron
Elenco: Tom Hanks, Meg Ryan, Ross Malinger, Bill Pullman, Rita Wilson, Victor Garber,
Sinopse:
Sam Baldwin (Tom Hanks) é um viúvo que tenta reconstruir sua vida após perder sua esposa. Annie Reed (Meg Ryan) é uma ouvinte de um programa de rádio que acaba conhecendo a história de Sam, se apaixonando por ele platonicamente. Algum tempo depois eles prometem se encontrar para dar início a uma grande história de amor.
Comentários:
Esse filme é na verdade um remake, uma refilmagem de um clássico do passado chamado "Tarde Demais Para Esquecer". Se no filme original tínhamos a dupla romântica formada pelo casal Cary Grant e Deborah Kerr. aqui temos a "namoradinha da América" Meg Ryan se apaixonando por Tom Hanks. O curioso é que Hanks que havia chegado ao sucesso com comédias escrachadas acabou se saindo muito bem em seu personagem. Ele e Meg Ryan formaram uma parceria de sucesso no cinema dos anos 90, com excelentes resultados comerciais nas bilheterias. Outro fato curioso é que o amor da vida do ator também esteve nesse filme, mas no caso não foi Meg Ryan, mas sim Rita Wilson que estava no elenco coadjuvante. Eles acabariam se casando. O filme acabou ganhando duas indicações ao Oscar, de melhor roteiro adaptado e melhor música (com a bela canção "A Wink and a Smile"). No mais é um filme bonito, que lida bem com seu romantismo, sem soar datado ou cafona. Tudo está muito bem encaixado nessa nova versão de uma antiga história de amor. Só não vale comparar com o clássico original, porque aí também seria pedir demais dos deuses do cinema.
Pablo Aluísio.
Linhas Cruzadas
Um filme feito por elas e para elas. Aqui a atriz Diane Keaton decidiu adaptar o livro escrito por Delia Ephron para o cinema. O interessante é que o roteiro acabaria sendo escrito também pela autora, o que criou um clima de autenticidade forte para o que se viu na tela depois. E partindo de seu prestígio pessoal Diane Keaton decidiu trazer um bom elenco para seu filme. Tudo feito na base da amizade pessoal. Convite de amigas para amigas. A primeira que aceitou participar foi a "namoradinha da América" (pelo menos até os anos 90) Meg Ryan. Ela já vinha tentando levantar sua carreira que vinha de mal a pior. A segunda a embarcar no projeto foi Lisa Kudrow. Vinda do sucesso da série "Friends" ela procurava consolidar sua carreira no cinema (algo que efetivamente nunca se concretizou, infelizmente).
Elas interpretavam três irmãs que descobriam após alguns anos que seu pai estava passando por inúmeros problemas, inclusive estando internado em um hospital de Los Angeles. Assim a reunião familiar se tornava inevitável. O filme procurou ter humor, mas sem esquecer também de desenvolver a personalidade de cada personagem, tudo colocando em primeiro plano a obsessão delas por longos telefonemas. Funcionou? Mais ou menos. Não é no final das contas um dos filmes mais memoráveis das carreiras delas. Obviamente Ryan e Lisa já fizeram coisas bem melhores. E nem vou falar de Diane Keaton pois seus filmes ao lado de Allen já ficariam anos luz desse filme meio esquecível. Então é isso, se gosta dessas atrizes arrisque, mas vá sabendo que não encontrará nada de muito relevante ou marcante. É um filme que funciona como mero passatempo e nada muito além disso.
Linhas Cruzadas (Hanging Up, Estados Unidos, 2000) Direção: Diane Keaton/ Roteiro: Delia Ephron / Elenco: Diane Keaton, Meg Ryan, Lisa Kudrow / Sinopse: Três irmãs, muitos problemas, vidas sentimentais confusas e um pai em um leito de hospital. Filme baseado no best-seller escrito por Delia Ephron, feito especialmente para o público feminino.
Pablo Aluísio.
Elas interpretavam três irmãs que descobriam após alguns anos que seu pai estava passando por inúmeros problemas, inclusive estando internado em um hospital de Los Angeles. Assim a reunião familiar se tornava inevitável. O filme procurou ter humor, mas sem esquecer também de desenvolver a personalidade de cada personagem, tudo colocando em primeiro plano a obsessão delas por longos telefonemas. Funcionou? Mais ou menos. Não é no final das contas um dos filmes mais memoráveis das carreiras delas. Obviamente Ryan e Lisa já fizeram coisas bem melhores. E nem vou falar de Diane Keaton pois seus filmes ao lado de Allen já ficariam anos luz desse filme meio esquecível. Então é isso, se gosta dessas atrizes arrisque, mas vá sabendo que não encontrará nada de muito relevante ou marcante. É um filme que funciona como mero passatempo e nada muito além disso.
Linhas Cruzadas (Hanging Up, Estados Unidos, 2000) Direção: Diane Keaton/ Roteiro: Delia Ephron / Elenco: Diane Keaton, Meg Ryan, Lisa Kudrow / Sinopse: Três irmãs, muitos problemas, vidas sentimentais confusas e um pai em um leito de hospital. Filme baseado no best-seller escrito por Delia Ephron, feito especialmente para o público feminino.
Pablo Aluísio.
terça-feira, 13 de agosto de 2019
A Aparição
Título no Brasil: A Aparição
Título Original: L'apparition
Ano de Produção: 2018
País: França, Bélgica
Estúdio: Curiosa Films
Direção: Xavier Giannoli
Roteiro: Xavier Giannoli, Jacques Fieschi
Elenco: Vincent Lindon, Galatéa Bellugi, Patrick d'Assumçao, Alicia Hava, Anatole Taubman, Elina Löwensohn
Sinopse:
O Vaticano decide contratar os serviços do jornalista investigativo Jacques Mayano (Vincent Lindon) para trabalhar ao lado de um grupo de investigadores que pesquisam sobre uma nova aparição da Virgem Maria no sudeste da França. Afinal haveria mesmo algum fundo de verdade em tudo o que estaria acontecendo?
Comentários:
O cinema francês está em ótima fase. Aqui o roteiro explora a questão da fé, de como a igreja Católica lida com aparições modernas de Nossa Senhora. No filme uma jovem francesa chamada Anna (Galatéa Bellugi) alega estar recebendo visitas da Virgem Maria. A história logo se espalha e peregrinos começam a lotar a cidade onde ela mora. Claro que sempre quando isso acontece o Vaticano forma um comitê de investigação, para determinar se as aparições possuem algum fundo de verdade ou se são apenas fraudes ou farsas. O protagonista é um jornalista, um homem sem ligação direta com a Igreja que aceita o serviço para investigar, ao lado de outros pesquisadores, sobre o que de fato estaria acontecendo. E aí o roteiro tem excelentes caminhos para expor sua estória. O cético jornalista começa a se aproximar da vidente e também começa a trilhar uma ampla investigação sobre seu passado, onde viveu, com quem conviveu, se já teve relacionamentos amorosos, etc. As surpresas então começam a aparecer, criando um mosaico bem interessante da jovem. Por falar na personagem da garota que afirma ver a Virgem Maria, temos um excelente trabalho de atuação da atriz Galatéa Bellugi. Mesmo com poucos e pontuais diálogos ela convence plenamente em seu papel de "santa" dos tempos modernos. Assista ao filme e tire suas próprias conclusões sobre esses fenômenos religiosos que de tempos em tempos surgem na Europa e em outros países de formação e tradição católica.
Pablo Aluísio.
Título Original: L'apparition
Ano de Produção: 2018
País: França, Bélgica
Estúdio: Curiosa Films
Direção: Xavier Giannoli
Roteiro: Xavier Giannoli, Jacques Fieschi
Elenco: Vincent Lindon, Galatéa Bellugi, Patrick d'Assumçao, Alicia Hava, Anatole Taubman, Elina Löwensohn
Sinopse:
O Vaticano decide contratar os serviços do jornalista investigativo Jacques Mayano (Vincent Lindon) para trabalhar ao lado de um grupo de investigadores que pesquisam sobre uma nova aparição da Virgem Maria no sudeste da França. Afinal haveria mesmo algum fundo de verdade em tudo o que estaria acontecendo?
Comentários:
O cinema francês está em ótima fase. Aqui o roteiro explora a questão da fé, de como a igreja Católica lida com aparições modernas de Nossa Senhora. No filme uma jovem francesa chamada Anna (Galatéa Bellugi) alega estar recebendo visitas da Virgem Maria. A história logo se espalha e peregrinos começam a lotar a cidade onde ela mora. Claro que sempre quando isso acontece o Vaticano forma um comitê de investigação, para determinar se as aparições possuem algum fundo de verdade ou se são apenas fraudes ou farsas. O protagonista é um jornalista, um homem sem ligação direta com a Igreja que aceita o serviço para investigar, ao lado de outros pesquisadores, sobre o que de fato estaria acontecendo. E aí o roteiro tem excelentes caminhos para expor sua estória. O cético jornalista começa a se aproximar da vidente e também começa a trilhar uma ampla investigação sobre seu passado, onde viveu, com quem conviveu, se já teve relacionamentos amorosos, etc. As surpresas então começam a aparecer, criando um mosaico bem interessante da jovem. Por falar na personagem da garota que afirma ver a Virgem Maria, temos um excelente trabalho de atuação da atriz Galatéa Bellugi. Mesmo com poucos e pontuais diálogos ela convence plenamente em seu papel de "santa" dos tempos modernos. Assista ao filme e tire suas próprias conclusões sobre esses fenômenos religiosos que de tempos em tempos surgem na Europa e em outros países de formação e tradição católica.
Pablo Aluísio.
segunda-feira, 12 de agosto de 2019
Spinning Man - Em Busca da Verdade
Título no Brasil: Spinning Man - Em Busca da Verdade
Título Original: Spinning Man
Ano de Produção: 2018
País: Estados Unidos
Estúdio: Film Bridge International
Direção: Simon Kaijser
Roteiro: Matthew Aldrich, George Harrar
Elenco: Guy Pearce, Pierce Brosnan, Minnie Driver, Alexandra Shipp, Odeya Rush. Jamie Kennedy
Sinopse:
Evan Birch (Pearce), um professor universitário de filosofia, passa a ser considerado suspeito da morte de uma jovem em um lago da região após o policial J. Malloy (Brosnan) encontrar algumas provas ligadas a ele. Teria sido o professor o verdadeiro assassino?
Comentários:
Outro bom filme que passou despercebido no Brasil. É aquele tipo de roteiro ideal para o público que gosta de desvendar mistérios envolvendo assassinatos. Aqui temos esse pacato professor universitário que se vê envolvido na morte de uma garota menor de idade. Contra ele pesam algumas provas como fios de cabelo da vítima que são encontrados em seu carro e um histórico de envolvimentos com alunas e meninas bem mais jovens do que ele. Algo que o fez ser demitido de seu último emprego, além de abalar bastante seu casamento. Até mudar de cidade ele teve que mudar, para evitar maiores escândalos dentro da comunidade onde vivia com a família. Pierce Brosnan, o ex-James Bond, aqui assumindo seus cabelos grisalhos e sua idade, vai atrás de pistas e encontra muitos elos de ligações entre o professor que passa a ser o principal suspeito e a garota que foi morta com requintes de crueldade. O roteiro manipula (e diverte) o espectador até o final. Ora somos convencidos que o suspeito é de fato o assassino, ora chegamos na conclusão contrária, a de que ele não teve nada a ver com a morte. Só no final é que o mistério é revelado. Assim se você aprecia esse tipo de filme, pode ir conferir sem receios. O resultado ficou muito bom.
Pablo Aluísio.
Título Original: Spinning Man
Ano de Produção: 2018
País: Estados Unidos
Estúdio: Film Bridge International
Direção: Simon Kaijser
Roteiro: Matthew Aldrich, George Harrar
Elenco: Guy Pearce, Pierce Brosnan, Minnie Driver, Alexandra Shipp, Odeya Rush. Jamie Kennedy
Sinopse:
Evan Birch (Pearce), um professor universitário de filosofia, passa a ser considerado suspeito da morte de uma jovem em um lago da região após o policial J. Malloy (Brosnan) encontrar algumas provas ligadas a ele. Teria sido o professor o verdadeiro assassino?
Comentários:
Outro bom filme que passou despercebido no Brasil. É aquele tipo de roteiro ideal para o público que gosta de desvendar mistérios envolvendo assassinatos. Aqui temos esse pacato professor universitário que se vê envolvido na morte de uma garota menor de idade. Contra ele pesam algumas provas como fios de cabelo da vítima que são encontrados em seu carro e um histórico de envolvimentos com alunas e meninas bem mais jovens do que ele. Algo que o fez ser demitido de seu último emprego, além de abalar bastante seu casamento. Até mudar de cidade ele teve que mudar, para evitar maiores escândalos dentro da comunidade onde vivia com a família. Pierce Brosnan, o ex-James Bond, aqui assumindo seus cabelos grisalhos e sua idade, vai atrás de pistas e encontra muitos elos de ligações entre o professor que passa a ser o principal suspeito e a garota que foi morta com requintes de crueldade. O roteiro manipula (e diverte) o espectador até o final. Ora somos convencidos que o suspeito é de fato o assassino, ora chegamos na conclusão contrária, a de que ele não teve nada a ver com a morte. Só no final é que o mistério é revelado. Assim se você aprecia esse tipo de filme, pode ir conferir sem receios. O resultado ficou muito bom.
Pablo Aluísio.
domingo, 11 de agosto de 2019
Os Últimos Cavaleiros
Título no Brasil: Os Últimos Cavaleiros
Título Original: Last Knighs
Ano de Produção: 2015
País: Inglaterra
Estúdio: Lionsgate Pictures
Direção: Kazuaki Kiriya
Roteiro: Michael Konyves, Dove Sussman
Elenco: Clive Owen, Morgan Freeman, Aksel Hennie, Cliff Curtis, Giorgio Caputo, James Babson
Sinopse:
Inglaterra, Idade Média. Sir Amistal Raiden (Clive Owen) é um cavaleiro feudal que resolve partir em busca de vingança após seu senhor, o íntegro e honesto John Bartok (Morgan Freeman) ser morto por se recusar a pagar suborno a um importante e poderoso ministro da corte do Imperador. Dado como irrelevante e decadente, ele está disposto a tudo para honrar o nome de seu clã de cavaleiros guerreiros.
Comentários:
Na Europa medieval um rico senhor feudal, Lord Bartok (Morgan Freeman), é convocado para comparecer na corte, no gabinete do ministro Gezza Mott (Aksel Hennie). Ele é um membro corrupto do governo imperial e está atrás de puro suborno. O nobre Bartok porém se recusa a lhe dar uma grande fortuna em dinheiro, pois entende que isso corrompe os valores mais importantes da nação. Agindo assim acaba ganhando um inimigo poderoso, que estará disposto a tudo para colocar o seu clã Bartok em desgraça. O íntegro e honesto Lord só conta porém com a ajuda do comandante Raiden (Clive Owen), seu braço direito. A luta pela busca do poder será brutal. "Last Knights" (no Brasil, "Os Últimos Cavaleiros") é uma aventura medieval que foi lançada sem muito alarde em nossos cinemas. A proposta era realizar um filme à moda antiga, passada na era medieval, embora o roteiro nunca deixe claro em que exato período histórico se passe a estória. Isso é bem curioso e a direção de arte do filme, que usa elementos de culturas diferentes, parece confirmar a intenção de seus realizadores em não determinar em que momento na história se desenvolve todo o enredo. Em termos de elenco se destaca novamente Morgan Freeman. Sua participação porém dentro do roteiro é breve. Embora seja um dos personagens centrais do argumento ele logo deixa a cena, abrindo margem para a sede de vingança do personagem interpretado por Clive Owen. A produção é bem feita, embora não seja excepcional. Nos tempos atuais não há mais a construção de grandes cenários, sendo tudo criado em computador, em pura realidade virtual. Assim os grandes castelos e muralhas são apenas técnicas da mais pura computação gráfica. Algumas vezes funciona, mas devo confessar que em certos momentos tudo me pareceu pouco convincente. Não me passou veracidade. O roteiro também não traz maiores novidades, se concentrando na velha fórmula da vingança pessoal. Há uma quebra de ritmo na segunda metade do roteiro que poderá desagradar a algumas pessoas. De bom mesmo eu apontaria as boas cenas de lutas de espadas e uma ou outra bem realizada sequência de ação. "Last Knights" não chega a ser um grande filme, mas até que diverte bem, sem maiores pretensões.
Pablo Aluísio.
Título Original: Last Knighs
Ano de Produção: 2015
País: Inglaterra
Estúdio: Lionsgate Pictures
Direção: Kazuaki Kiriya
Roteiro: Michael Konyves, Dove Sussman
Elenco: Clive Owen, Morgan Freeman, Aksel Hennie, Cliff Curtis, Giorgio Caputo, James Babson
Sinopse:
Inglaterra, Idade Média. Sir Amistal Raiden (Clive Owen) é um cavaleiro feudal que resolve partir em busca de vingança após seu senhor, o íntegro e honesto John Bartok (Morgan Freeman) ser morto por se recusar a pagar suborno a um importante e poderoso ministro da corte do Imperador. Dado como irrelevante e decadente, ele está disposto a tudo para honrar o nome de seu clã de cavaleiros guerreiros.
Comentários:
Na Europa medieval um rico senhor feudal, Lord Bartok (Morgan Freeman), é convocado para comparecer na corte, no gabinete do ministro Gezza Mott (Aksel Hennie). Ele é um membro corrupto do governo imperial e está atrás de puro suborno. O nobre Bartok porém se recusa a lhe dar uma grande fortuna em dinheiro, pois entende que isso corrompe os valores mais importantes da nação. Agindo assim acaba ganhando um inimigo poderoso, que estará disposto a tudo para colocar o seu clã Bartok em desgraça. O íntegro e honesto Lord só conta porém com a ajuda do comandante Raiden (Clive Owen), seu braço direito. A luta pela busca do poder será brutal. "Last Knights" (no Brasil, "Os Últimos Cavaleiros") é uma aventura medieval que foi lançada sem muito alarde em nossos cinemas. A proposta era realizar um filme à moda antiga, passada na era medieval, embora o roteiro nunca deixe claro em que exato período histórico se passe a estória. Isso é bem curioso e a direção de arte do filme, que usa elementos de culturas diferentes, parece confirmar a intenção de seus realizadores em não determinar em que momento na história se desenvolve todo o enredo. Em termos de elenco se destaca novamente Morgan Freeman. Sua participação porém dentro do roteiro é breve. Embora seja um dos personagens centrais do argumento ele logo deixa a cena, abrindo margem para a sede de vingança do personagem interpretado por Clive Owen. A produção é bem feita, embora não seja excepcional. Nos tempos atuais não há mais a construção de grandes cenários, sendo tudo criado em computador, em pura realidade virtual. Assim os grandes castelos e muralhas são apenas técnicas da mais pura computação gráfica. Algumas vezes funciona, mas devo confessar que em certos momentos tudo me pareceu pouco convincente. Não me passou veracidade. O roteiro também não traz maiores novidades, se concentrando na velha fórmula da vingança pessoal. Há uma quebra de ritmo na segunda metade do roteiro que poderá desagradar a algumas pessoas. De bom mesmo eu apontaria as boas cenas de lutas de espadas e uma ou outra bem realizada sequência de ação. "Last Knights" não chega a ser um grande filme, mas até que diverte bem, sem maiores pretensões.
Pablo Aluísio.
sexta-feira, 9 de agosto de 2019
Aladdin
Título no Brasil: Aladdin
Título Original: Aladdin
Ano de Produção: 2019
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Pictures
Direção: Guy Ritchie
Roteiro: John August, Guy Ritchie
Elenco: Will Smith, Mena Massoud, Naomi Scott, Marwan Kenzari, Navid Negahban, Nasim Pedrad
Sinopse:
Aladdin (Mena Massoud) é um rapaz que vive de pequenos golpes e roubos pelas ruas da cidade. Um dia conhece uma jovem e se apaixona por ela, sem desconfiar que se trata de uma princesa. Sua vida muda completamente quando coloca as mãos em uma lâmpada mágica, com um gênio dentro disposto a lhe conceder três desejos.
Comentários:
Mais uma adaptação da Disney de seus antigos sucessos. O que era animação agora vira live action, com atores de carne e osso (e pixels). Assim como ocorreu com o recente "Dumbo" fizeram um excelente trabalho, tecnicamente irretocável. Tudo perfeito, aquilo que poderíamos chamar de o produto Disney padrão. Já é um dos grandes sucessos de bilheterias da década, superando a marca invejável de 1 bilhão de dólares arrecadados ao redor do mundo. O curioso é que em certos aspectos temos Hollywood imitando o estilo de Bollywood, com muitas danças, músicas e cenas coreografadas. Em relação ao elenco o grande destaque é mesmo Will Smith como o gênio da lâmpada. Ele acertou em sua atuação, principalmente por não tentar copiar Robin Williams da animação original. Não tem o mesmo tipo de humor de metralhadora giratória e nem a maluquice típica de Robin. Usando de seu próprio estilo, mais contido, Will Smith acertou em cheio, bem no alvo. Para os personagens de Aladdin e princesa Jasmine o estúdio escolheu dois jovens pouco conhecidos. Também foi escolha acertada. Eles são bons e deram conta do recado. Enfim, um filme com a marca Disney que seguramente não vai decepcionar ninguém. Eu ainda prefiro o desenho, mas esse filme também ficou excelente, é preciso reconhecer.
Pablo Aluísio.
Título Original: Aladdin
Ano de Produção: 2019
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Pictures
Direção: Guy Ritchie
Roteiro: John August, Guy Ritchie
Elenco: Will Smith, Mena Massoud, Naomi Scott, Marwan Kenzari, Navid Negahban, Nasim Pedrad
Sinopse:
Aladdin (Mena Massoud) é um rapaz que vive de pequenos golpes e roubos pelas ruas da cidade. Um dia conhece uma jovem e se apaixona por ela, sem desconfiar que se trata de uma princesa. Sua vida muda completamente quando coloca as mãos em uma lâmpada mágica, com um gênio dentro disposto a lhe conceder três desejos.
Comentários:
Mais uma adaptação da Disney de seus antigos sucessos. O que era animação agora vira live action, com atores de carne e osso (e pixels). Assim como ocorreu com o recente "Dumbo" fizeram um excelente trabalho, tecnicamente irretocável. Tudo perfeito, aquilo que poderíamos chamar de o produto Disney padrão. Já é um dos grandes sucessos de bilheterias da década, superando a marca invejável de 1 bilhão de dólares arrecadados ao redor do mundo. O curioso é que em certos aspectos temos Hollywood imitando o estilo de Bollywood, com muitas danças, músicas e cenas coreografadas. Em relação ao elenco o grande destaque é mesmo Will Smith como o gênio da lâmpada. Ele acertou em sua atuação, principalmente por não tentar copiar Robin Williams da animação original. Não tem o mesmo tipo de humor de metralhadora giratória e nem a maluquice típica de Robin. Usando de seu próprio estilo, mais contido, Will Smith acertou em cheio, bem no alvo. Para os personagens de Aladdin e princesa Jasmine o estúdio escolheu dois jovens pouco conhecidos. Também foi escolha acertada. Eles são bons e deram conta do recado. Enfim, um filme com a marca Disney que seguramente não vai decepcionar ninguém. Eu ainda prefiro o desenho, mas esse filme também ficou excelente, é preciso reconhecer.
Pablo Aluísio.
Ali
Título no Brasil: Ali
Título Original: Ali
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Michael Mann
Roteiro: Gregory Allen Howard, Stephen J. Rivele
Elenco: Will Smith, Jamie Foxx, Jon Voight, Mario Van Peebles, Ron Silver, Jeffrey Wright
Sinopse:
O filme se propõe a contar a história do lutador de boxe Cassius Clay. Desportista polêmico, sempre envolvido em lutas sociais e de direitos civis em relação aos negros americanos, ele se tornou um ícone de contestação durante a década de 1960. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor ator (Will Smith) e melhor ator coadjuvante (Jon Voight).
Comentários:
Claro, é louvável que Hollywood tenha contato essa biografia única. Porém o filme apresenta alguns problemas. A figura do boxeador Cassius Clay / Muhammad Ali ainda era muito presente quando esse filme foi lançado. Mesmo sofrendo do Mal de Parkinson o veterano esportista era sempre visto em grandes eventos esportivos, em homenagens, etc. Havia também excelentes documentários sobre sua carreira. Por isso não cheguei a gostar completamente desse filme. Sim, é bem produzido, tem ótimas cenas, mas faltou aquele elemento de veracidade para me convencer plenamente. Colocar um grande astro como Will Smith para interpretar Ali foi um problema em minha visão. Ele não conseguiu emergir dentro de seu personagem e no final das contas ficou sendo apenas Will Smith tentando ser Muhammad Ali. Isso estraga qualquer filme como esse. Se tivessem escolhido algum ator menos conhecido e mais parecido com o lutador a situação teria sido melhor. Do jeito que ficou eu terminei com aquela sensação de superficialidade no ar, de algo plastificado, enlatado. Com isso parte da magia dessa cinebiografia simplesmente desapareceu no ar. Uma pena, o filme tinha grande potencial.
Pablo Aluísio.
Título Original: Ali
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Michael Mann
Roteiro: Gregory Allen Howard, Stephen J. Rivele
Elenco: Will Smith, Jamie Foxx, Jon Voight, Mario Van Peebles, Ron Silver, Jeffrey Wright
Sinopse:
O filme se propõe a contar a história do lutador de boxe Cassius Clay. Desportista polêmico, sempre envolvido em lutas sociais e de direitos civis em relação aos negros americanos, ele se tornou um ícone de contestação durante a década de 1960. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor ator (Will Smith) e melhor ator coadjuvante (Jon Voight).
Comentários:
Claro, é louvável que Hollywood tenha contato essa biografia única. Porém o filme apresenta alguns problemas. A figura do boxeador Cassius Clay / Muhammad Ali ainda era muito presente quando esse filme foi lançado. Mesmo sofrendo do Mal de Parkinson o veterano esportista era sempre visto em grandes eventos esportivos, em homenagens, etc. Havia também excelentes documentários sobre sua carreira. Por isso não cheguei a gostar completamente desse filme. Sim, é bem produzido, tem ótimas cenas, mas faltou aquele elemento de veracidade para me convencer plenamente. Colocar um grande astro como Will Smith para interpretar Ali foi um problema em minha visão. Ele não conseguiu emergir dentro de seu personagem e no final das contas ficou sendo apenas Will Smith tentando ser Muhammad Ali. Isso estraga qualquer filme como esse. Se tivessem escolhido algum ator menos conhecido e mais parecido com o lutador a situação teria sido melhor. Do jeito que ficou eu terminei com aquela sensação de superficialidade no ar, de algo plastificado, enlatado. Com isso parte da magia dessa cinebiografia simplesmente desapareceu no ar. Uma pena, o filme tinha grande potencial.
Pablo Aluísio.
quinta-feira, 8 de agosto de 2019
Ártico
Título no Brasil: Ártico
Título Original: Arctic
Ano de Produção: 2018
País: Islândia
Estúdio: Armory Films, Pegasus Pictures
Direção: Joe Penna
Roteiro: Joe Penna, Ryan Morrison
Elenco: Mads Mikkelsen, Maria Thelma Smáradóttir, Tintrinai Thikhasuk, Christopher Lemole, Michael Raimondi
Sinopse:
Um avião comercial cai em uma região desconhecida do Ártico. Seu piloto (Mads Mikkelsen) tenta sobreviver naquela imensidão gelada, esperando por resgate, algo que a cada dia vai ficando cada vez mais distante. Como sair vivo daquele ambiente tão hostil?
Comentários:
Muito bom esse filme passado na Islândia. Os ingleses chamam essa ilha distante e isolada do Atlântico norte de Iceland, ou seja, a Terra do Gelo. Nome bem adequado. O filme explora muito bem essa região distante do mundo, onde apenas ursos polares conseguem viver. O filme mostra um sobrevivente de desastre aéreo que tenta sobreviver enquanto seu resgate não vem. Ele consegue pescar fazendo pequenos buracos no gelo e ter abrigo, dentro do próprio avião caído. O ator Mads Mikkelsen não tem muitas linhas de diálogo para falar em cena, afinal na maior parte do tempo ele fica completamente sozinho no meio daquele oceano desolador de gelo. Só quando surge uma jovem acidentada de um helicóptero de resgate que foi atingido por uma tempestade é que ele troca algumas palavras com ela. Nada demais, apenas algumas frases soltas para que ela não morra sem esperança. Pior é ter que levar ela, praticamente em coma, montanha acima, em busca de socorro. Algo desesperador. A melhor cena acontece durante um ataque de um urso polar faminto. A adrenalina sobe nessa hora, com certeza. Enfim, grande filme, gostei realmente. Mostra a luta pela sobrevivência e os limites do corpo humano em situações extremas.
Pablo Aluísio.
Título Original: Arctic
Ano de Produção: 2018
País: Islândia
Estúdio: Armory Films, Pegasus Pictures
Direção: Joe Penna
Roteiro: Joe Penna, Ryan Morrison
Elenco: Mads Mikkelsen, Maria Thelma Smáradóttir, Tintrinai Thikhasuk, Christopher Lemole, Michael Raimondi
Sinopse:
Um avião comercial cai em uma região desconhecida do Ártico. Seu piloto (Mads Mikkelsen) tenta sobreviver naquela imensidão gelada, esperando por resgate, algo que a cada dia vai ficando cada vez mais distante. Como sair vivo daquele ambiente tão hostil?
Comentários:
Muito bom esse filme passado na Islândia. Os ingleses chamam essa ilha distante e isolada do Atlântico norte de Iceland, ou seja, a Terra do Gelo. Nome bem adequado. O filme explora muito bem essa região distante do mundo, onde apenas ursos polares conseguem viver. O filme mostra um sobrevivente de desastre aéreo que tenta sobreviver enquanto seu resgate não vem. Ele consegue pescar fazendo pequenos buracos no gelo e ter abrigo, dentro do próprio avião caído. O ator Mads Mikkelsen não tem muitas linhas de diálogo para falar em cena, afinal na maior parte do tempo ele fica completamente sozinho no meio daquele oceano desolador de gelo. Só quando surge uma jovem acidentada de um helicóptero de resgate que foi atingido por uma tempestade é que ele troca algumas palavras com ela. Nada demais, apenas algumas frases soltas para que ela não morra sem esperança. Pior é ter que levar ela, praticamente em coma, montanha acima, em busca de socorro. Algo desesperador. A melhor cena acontece durante um ataque de um urso polar faminto. A adrenalina sobe nessa hora, com certeza. Enfim, grande filme, gostei realmente. Mostra a luta pela sobrevivência e os limites do corpo humano em situações extremas.
Pablo Aluísio.
Amores em Conflito
Título no Brasil: Amores em Conflito
Título Original: Sweet Hearts Dance
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos
Estúdio: Brightstar Films, Chestnut Hill Productions
Direção: Robert Greenwald
Roteiro: Ernest Thompson
Elenco: Don Johnson, Susan Sarandon, Jeff Daniels, Elizabeth Perkins, Kate Reid, Justin Henry
Sinopse:
Depois de vinte anos de casamento, Wiley Boon (Don Johnson) e sua esposa Sandra (Susan Sarandon), percebem que o relacionamento está indo de mal a pior. A ideia do divórcio então bate a porta da vida do casal que terá que superar todos esses problemas.
Comentários:
Esse filme é um drama familiar dos anos 80 com temática bem clara, focando no divórcio de um casal com 20 anos de casamento. Obviamente os traumas surgem quando um relacionamento de tanto tempo vai à falência emocional. Assim temos um daqueles roteiros que tentam mostrar os problemas que uma situação como essa pode causar. E nem sempre é algo fácil de resolver. Sempre há a busca por culpados, mesmo que eles não existam de fato. E o ressentimento que fica é o pior lado desse tipo de situação. Além de ser um bom drama, com roteiro bem escrito, ainda temos um elenco acima da média. Não deixa de ser curioso ver um ator como Don Jonhson, mais afinado com filmes policiais e de ação, atuando bem ao lado da veterana Susan Sarandon. Ativista, politicamente consciente e ótima atriz ela dá um banho de atuação no parceiro, mas no geral ambos estão até mesmo sintonizados. Um filme que merece um resgate, pois hoje em dia anda bem esquecido.
Pablo Aluísio.
Título Original: Sweet Hearts Dance
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos
Estúdio: Brightstar Films, Chestnut Hill Productions
Direção: Robert Greenwald
Roteiro: Ernest Thompson
Elenco: Don Johnson, Susan Sarandon, Jeff Daniels, Elizabeth Perkins, Kate Reid, Justin Henry
Sinopse:
Depois de vinte anos de casamento, Wiley Boon (Don Johnson) e sua esposa Sandra (Susan Sarandon), percebem que o relacionamento está indo de mal a pior. A ideia do divórcio então bate a porta da vida do casal que terá que superar todos esses problemas.
Comentários:
Esse filme é um drama familiar dos anos 80 com temática bem clara, focando no divórcio de um casal com 20 anos de casamento. Obviamente os traumas surgem quando um relacionamento de tanto tempo vai à falência emocional. Assim temos um daqueles roteiros que tentam mostrar os problemas que uma situação como essa pode causar. E nem sempre é algo fácil de resolver. Sempre há a busca por culpados, mesmo que eles não existam de fato. E o ressentimento que fica é o pior lado desse tipo de situação. Além de ser um bom drama, com roteiro bem escrito, ainda temos um elenco acima da média. Não deixa de ser curioso ver um ator como Don Jonhson, mais afinado com filmes policiais e de ação, atuando bem ao lado da veterana Susan Sarandon. Ativista, politicamente consciente e ótima atriz ela dá um banho de atuação no parceiro, mas no geral ambos estão até mesmo sintonizados. Um filme que merece um resgate, pois hoje em dia anda bem esquecido.
Pablo Aluísio.
quarta-feira, 7 de agosto de 2019
Godzilla II: Rei dos Monstros
Título no Brasil: Godzilla II: Rei dos Monstros
Título Original: Godzilla: King of the Monsters
Ano de Produção: 2019
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Michael Dougherty
Roteiro: Michael Dougherty, Zach Shields
Elenco: Kyle Chandler, Vera Farmiga, Millie Bobby Brown, Ken Watanabe, Bradley Whitford
Sinopse:
Uma organização descobre que há vários titãs espalhados pelo mundo e não apenas Godzilla. Captando em um aparelho eletrônico a frequência de comunicação daqueles monstros uma cientista decide acordar todos eles, causando um verdadeiro caos apocalíptico em todo o planeta Terra.
Comentários:
Pois é, na falta de novas ideias o cinema continua indo ao passado em busca de "ícones", ou seja, personagens que o público possa reconhecer sem muito esforço. O dinossauro atômico Godzilla é um fruto da paranoia da guerra fria. Seus primeiros filmes não escondiam que se tratava mesmo de um filme de monstros destruindo uma Tóquio de papelão. O sabor trash nipônico era a cereja do bolo. Agora Hollywood resolve trazer de volta esse monstro. Claro, não se trata mais de precários filmes antigos. Agora é uma superprodução de 170 milhões de dólares. O que mais me surpreendeu é que os técnicos de efeitos especiais decidiram manter o visual clássico dos monstros, não apenas Godzilla, mas de seus inimigos também. Conseguir fazer isso, com todos aqueles visuais espalhafatosos, sem cair no ridículo, já foi um feito e tanto! No mais o filme entrega exatamente aquilo que promete, ou seja, brigas homéricas entre os titãs gigantes que vão devastando o planeta enquanto trocam "gentilezas" entre eles. Do lado dos humanos até a personagem de Vera Farmiga muda de lado para manter o interesse. Enfim, diversão pura, muito competente tecnicamente falando e um verdadeiro presente para os saudosistas do passado, do espírito do velho Godzilla. Esses certamente vão adorar tudo. No meu caso pessoal devo dizer que inegavelmente me diverti bastante. Por isso deixo a recomendação. É cinema pipoca de qualidade.
Pablo Aluísio.
Título Original: Godzilla: King of the Monsters
Ano de Produção: 2019
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Michael Dougherty
Roteiro: Michael Dougherty, Zach Shields
Elenco: Kyle Chandler, Vera Farmiga, Millie Bobby Brown, Ken Watanabe, Bradley Whitford
Sinopse:
Uma organização descobre que há vários titãs espalhados pelo mundo e não apenas Godzilla. Captando em um aparelho eletrônico a frequência de comunicação daqueles monstros uma cientista decide acordar todos eles, causando um verdadeiro caos apocalíptico em todo o planeta Terra.
Comentários:
Pois é, na falta de novas ideias o cinema continua indo ao passado em busca de "ícones", ou seja, personagens que o público possa reconhecer sem muito esforço. O dinossauro atômico Godzilla é um fruto da paranoia da guerra fria. Seus primeiros filmes não escondiam que se tratava mesmo de um filme de monstros destruindo uma Tóquio de papelão. O sabor trash nipônico era a cereja do bolo. Agora Hollywood resolve trazer de volta esse monstro. Claro, não se trata mais de precários filmes antigos. Agora é uma superprodução de 170 milhões de dólares. O que mais me surpreendeu é que os técnicos de efeitos especiais decidiram manter o visual clássico dos monstros, não apenas Godzilla, mas de seus inimigos também. Conseguir fazer isso, com todos aqueles visuais espalhafatosos, sem cair no ridículo, já foi um feito e tanto! No mais o filme entrega exatamente aquilo que promete, ou seja, brigas homéricas entre os titãs gigantes que vão devastando o planeta enquanto trocam "gentilezas" entre eles. Do lado dos humanos até a personagem de Vera Farmiga muda de lado para manter o interesse. Enfim, diversão pura, muito competente tecnicamente falando e um verdadeiro presente para os saudosistas do passado, do espírito do velho Godzilla. Esses certamente vão adorar tudo. No meu caso pessoal devo dizer que inegavelmente me diverti bastante. Por isso deixo a recomendação. É cinema pipoca de qualidade.
Pablo Aluísio.
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