O Amanhã Que Não Virá

Título no Brasil: O Amanhã Que Não Virá
Título Original: Kiss Tomorrow Goodbye
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Gordon Douglas
Roteiro: Harry Brown, Horace McCoy
Elenco: James Cagney, Barbara Payton, Helena Carter

Sinopse:
Ralph Cotter (James Cagney) é um prisioneiro condenado que decide fugir após uma distração dos guardas. Na fuga seu colega de cela acaba sendo morto. Isso porém não é problema para Cotter que está desesperado em ser novamente um homem livre, para dar continuidade em sua vida no crime. De volta às ruas, ele acaba se envolvendo em um roubo, mas após ser pego pelo inspetor de polícia descobre que ele pode ser corrompido por dinheiro. Isso coloca o policial nas mão de Cotter, que agora não vê mais limites para seus planos no mundo do crime.

Comentários:
James Cagney foi o mais adorado vilão do cinema americano. Baixinho, atarracado e com cara de mau, ele construiu toda a sua carreira interpretando bandidos, assassinos e gangsters, todos com raro brilhantismo. Na era de ouro do cinema clássico ele foi o mais famoso "homem mau" das telas de cinema. Aqui Cagney volta a interpretar um criminoso, um sujeito que em nenhum momento tenta se fingir de bonzinho ou ser dado a crises de consciência. Pelo contrário, seu personagem Ralph Cotter é um escroque assumido. Após gravar o inspetor de polícia negociando com ele uma propina ele começa a ter o tira nas mãos. Ao lado de um advogado também sujo (Luther Adler, em excelente atuação como Keith 'Cherokee' Mandon) ele acaba percebendo que não haverá mais limites para seus golpes no mundo da criminalidade. Como porém nada é perfeito, acaba cometendo dois erros, justamente ao se envolver com as mulheres erradas, a irmã de seu companheiro morto na fuga e a filha de um milionário e político influente. Quem conhece a carreira de James Cagney sabe que em todo filme seu personagem deveria protagonizar uma cena de extrema violência. Algumas vezes ele amassava uma fruta na cara de alguma mulher que ousasse lhe enfrentar. Aqui ele perde a cabeça após ser agredido por uma garota e lhe dá uma surra com toalhas de banho - imagine algo assim em plenos anos 1950, onde o moralismo era muito presente, inclusive em filmes. O público adorava até porque todos tinham pago para ver o lado mais perverso e cruel de Cagney e certamente saíam plenamente satisfeitos do cinema após verem cenas como essa.

Pablo Aluísio.

A Piscina Mortal

Título no Brasil: A Piscina Mortal
Título Original: The Drowning Pool
Ano de Produção: 1975
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Stuart Rosenberg
Roteiro: Tracy Keenan Wynn, Lorenzo Semple Jr.
Elenco: Paul Newman, Joanne Woodward, Anthony Franciosa

Sinopse:
O detetive Harper (Paul Newman) é contratado por uma antiga namorada, que agora vive como rica dama da sociedade em New Orleans, para desvendar um mistério envolvendo aspectos obscuros de seu ciclo familiar e social. Seguindo pistas e descobrindo relações ilícitas, Harper acaba desvendando uma complexa rede criminosa envolvendo figurões da cidade.

Comentários:
Um raro momento em que Paul Newman voltou a interpretar o mesmo personagem em uma sequência, isso porque "The Drowning Pool" nada mais é do que uma continuação de "Harper - O Caçador de Aventuras" de 1966. O detetive Lew Harper, com todo seu jeito de sujeito malandro que consegue se sair das maiores enrascadas, pelo visto cativou mesmo Newman que retornou ao mesmo papel quase dez anos depois. Como não poderia ser diferente Newman resolveu trazer também sua esposa de longa data, Joanne Woodward, para o elenco. A Warner aliás já vinha tentando filmar esse script há muitos anos, mas sempre esbarrava na negativa de Paul Newman, já que naquela época sequências não eram tão comuns como hoje em dia. Depois de ter sido reescrito várias vezes finalmente o roteiro foi considerado satisfatório pelo ator que resolveu topar encarnar o cínico detetive mais uma vez. Nesse segundo filme - que passa bem longe de ser tão bom quanto o original - o personagem de Newman desvenda uma trama (típica de produções como essa) bem menos complicada. A cena final no grande tanque do balneário quase levou o filme a ser indicado ao Oscar na categoria Melhores Efeitos Especiais. Por fim, como mera curiosidade, esse filme foi também um dos primeiros da carreira da atriz Melanie Griffith que aqui interpreta a personagem coadjuvante Schuyler. No saldo final vale a pena assistir, embora não seja dos melhores filmes do mito Paul Newman.

Pablo Aluísio.

No Velho Chicago

Título no Brasil: No Velho Chicago
Título Original: In Old Chicago
Ano de Produção: 1937
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Henry King
Roteiro: Lamar Trotti, Sonya Levien
Elenco: Tyrone Power, Alice Faye, Don Ameche

Sinopse:
O filme narra a épica história de uma família de irlandeses que se muda para a cidade de Chicago para um recomeço em suas vidas. Após viverem anos bem duros na cidade a prosperidade começa finalmente a abençoar seus integrantes até que todos são atingidos pelo grande incêndio que praticamente destruiu toda a cidade, em um dos eventos mais terríveis da história americana. Filme indicado a seis Oscars, inclusive Melhor Filme, Direção e Roteiro. Vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Atriz Coadjuvante (Alice Brady) e Melhor Assistente de Direção (Robert D. Webb).

Comentários:
"In Old Chicago" foi uma das produções mais caras da história dos estúdios Fox. Na época - década de 1930 - eles ousaram reconstruir em cenários grandiosos toda a arquitetura da velha Chicago só para depois queimar tudo em um incêndio que recriasse na tela a grande tragédia da história daquela cidade. De certa forma o roteiro, personagens e o enredo são meros panos de fundo para essa cena que até os dias de hoje causa impacto por causa da excelente reconstituição histórica. O filme de certa forma acabou se tornando o predecessor de todo um gênero cinematográfico, a do cinema catástrofe, que teria seu auge muitas décadas depois, nos anos 1970, quando se tornou realmente uma febre nas bilheterias. O cineasta Henry King teve que enfrentar tantos problemas na realização desse filme que sofreu um ataque cardíaco em plena filmagem. Como não poderia ser interrompida a filmagem continuou, sendo assumida por seu jovem assistente, Robert D. Webb, que acabaria sendo premiado com um Oscar numa categoria que já não existe mais. Assim deixamos a dica desse filme que mostra, acima de tudo, a grande excelência técnica que o cinema americano sempre teve, mesmo em seus primórdios.

Pablo Aluísio.

Deus Sabe Quanto Amei

Uma coisa Frank Sinatra sabia fazer muito bem: escolher os roteiros certos para atuar. Um exemplo é esse "Deus Sabe Quanto Amei", filme lançado em 1958 que acabou sendo indicado em várias categorias do Oscar, Não espere ver o cantor interpretando alguma bela canção no filme. Aqui o foco é bem outro. Quando o filme começa o encontramos cochilando em uma cadeira de ônibus. Depois de uma noite de bebedeiras seus colegas de farda o colocaram em um ônibus que ia em direção à sua cidade natal. Quando ele acorda já está de volta ao velho lar, numa cidadezinha de Indiana. Chega também ao seu lado a corista e garota de farras interpretada por Shirley MacLaine. O porre foi tão grande que ele nem sequer lembra dela! Pior, agora que seu serviço militar acabou ele precisa encontrar algo com que trabalhar. Seu desejo sempre foi ser escritor, mas muito indisciplinado e dado a farras, jamais conseguiu ter sucesso na carreira. Isso apesar de ter realmente talento com as letras.

O jeito então passa a ser procurar pelo irmão, que não vê há anos. Ele se tornou um comerciante bem sucedido no ramo de joias. Os dois não se dão muito bem, por arestas não aparadas no passado. Porém nem tudo é desilusão e amargura. Dave (o personagem de Sinatra) também acaba conhecendo e se apaixonando pela professora Gwen French (Martha Hyer). Ela resiste, uma vez que o estilo de vida de Dave é tudo o que ela reprova. Completando o quadro de personagens interessantes desse bom drama temos ainda um jogador de cartas inveterado, sempre com um grande chapéu texano na cabeça, interpretado pelo sempre carismático Dean Martin. Enfim, é um drama romântico muito bom, com excelente roteiro. Com mais de duas horas de duração jamais cai no marasmo ou cansa o espectador, pelo contrário, mantém o interesse até o final. Como eu escrevi antes, Frank Sinatra sabia muito bem escolher onde trabalhar em Hollywood. Era um sujeito esperto e inteligente, disso não tenho a menor dúvida.

Deus Sabe Quanto Amei (Some Came Running, Estados Unidos, 1958) Direção: Vincente Minnelli / Roteiro: John Patrick, baseado no romance escrito por James Jones / Elenco: Frank Sinatra, Dean Martin, Shirley MacLaine, Martha Hyer, Arthur Kennedy / Sinopse: Após prestar o serviço militar, Dave Hirsh (Sinatra) está de volta à sua cidade natal. Ele precisa encontrar algo o que fazer da vida. Ele tem planos de ser um escritor, mas isso ainda não se concretizou. Acaba se apaixonando por uma professora que, mesmo gostando dele, não se entrega à nova paixão. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor atriz (Shirley MacLaine), melhor ator coadjuvante (Arthur Kennedy), melhor atriz coadjuvante (Martha Hyer), melhor figurino (Walter Plunkett) e melhor música original ("To Love and Be Loved").

Pablo Aluísio.

Noites de Rumba

Título no Brasil: Noites de Rumba
Título Original: Las Vegas Nights
Ano de Produção: 1941
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Ralph Murphy
Roteiro: Ernest Pagano, Harry Clork
Elenco: Constance Moore, Bert Wheeler, Tommy Dorsey, Frank Sinatra, Phil Regan, Lillian Cornell

Sinopse:
Um número de vaudeville herda um prédio velho e destruído e decide tentar transformá-lo em uma nova boate da moda. Primeiro filme da carreira do cantor Frank Sinatra. Musical da Paramount Pictures.

Comentários:
Qual foi o primeiro filme de Frank Sinatra? A resposta está aqui! É esse "Noites de Rumba", onde ele apareceu como cantor da orquestra maravilhosa de Tommy Dorsey. Seu personagem nem foi creditado com um nome, afinal ele não passava de um figurante de luxo, embora cantasse em cena uma bela canção. Note o ano em que o filme foi lançado, 1941, em plena segunda guerra mundial. Sinatra teve que enfrentar acusações de que era um covarde que não foi lutar na guerra ao lado de outros patriotas. Pura besteira. De uma forma ou outra esse filme acabou sendo indicado a um Oscar. Para a primeira vez de Sinatra no cinema até que não foi uma estreia ruim.

Pablo Aluísio.

O Álamo

Título no Brasil: O Álamo
Título Original: The Alamo
Ano de Produção: 2004
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: John Lee Hancock
Roteiro: Leslie Bohem, Stephen Gaghan
Elenco: Dennis Quaid, Billy Bob Thornton, Jason Patric, Patrick Wilson, Emilio Echevarría

Sinopse:
Em San Antonio, no ano de 1836, um grupo de americanos encurralados no forte Álamo decide ficar e resistir ao enorme exército liderado pelo general mexicano Antonio Lopez de Santa Ana. Eles estão em menor número e com pouco armamento mas mesmo assim resolvem lutar com honra e bravura, uma atitude de coragem que entrou para a história do Texas.

Comentários:
Mais um remake, dessa vez do clássico filme dirigido por John Wayne. O enredo é o tradicional, já bem conhecido dos fãs de western em geral. Obviamente há todo aquele clima de ufanismo sempre presente quando levam essa história para as telas, pois afinal de contas esse é o tipo de enredo que exige uma certa postura de seus realizadores pois caso contrário podem mexer com um vespeiro, principalmente em relação aos texanos. Talvez por causa desse excessivo respeito esse novo filme sobre o Álamo tenha ficado muito burocrático, sem vida, sem impacto. Certo, a história é mostrada de forma muito correta, mas em minha forma de ver correção demais, sem espaço para uma visão mais original sobre tudo, só acaba rendendo muita chatice. Outro ponto que me deixou desapontado foi a escolha de certos atores para determinados personagens. Ok, gosto muito de Dennis Quaid, mas ele está muito mal na pele de Sam Houston (cujo nome batizaria a futura capital do Texas). Billy Bob Thornton como o famoso Davy Crockett também não me convenceu em nada. Aqui temos realmente um filme cujo medo de reações adversas acabou estragando o resultado final. Um pouquinho mais de ousadia cairia muito bem. Filme indicado ao Harry Awards.

Pablo Aluísio.

O Homem Intrépido

Título no Brasil: O Homem Intrépido
Título Original: The Kansan
Ano de Produção: 1943
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: George Archainbaud
Roteiro: Harold Shumate, Frank Gruber
Elenco: Richard Dix, Jane Wyatt, Albert Dekker

Sinopse:
Durante um assalto ao banco local realizado pela infame quadrilha de Jesse James, o cowboy John Bonniwell (Richard Dix) acaba sendo ferido em um intenso tiroteio com os bandidos. Levado ao hospital da cidade acaba ficando vários dias inconsciente e quando acorda descobre, surpreso, que foi eleito pela população como o novo xerife da região. Com certo receio acaba aceitando o cargo, porém terá que bater de frente com um poderoso banqueiro, que ambiciona controlar a tudo e a todos com o poder de seu dinheiro. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Música (Gerard Carbonara).

Comentários:
"The Kansan" foi realizado bem no meio da II Guerra Mundial. Enquanto os soldados ianques lutavam na Europa e no Pacífico a vida continuava para os americanos em geral e o cinema não perdia tempo em faturar em cima da imagem do herói tipicamente norte-americano, a do cowboy. Nesse "O Homem Intrépido" o ator Richard Dix interpreta mais um xerife honesto e honrado que decide impor seu ponto de vista em uma região dominada por bandoleiros, foras-da-lei e banqueiros inescrupulosos e gananciosos. O roteiro aliás explora um aspecto muito interessante da colonização do oeste, pois muitas vezes os grupos armados de bandidos que infestavam as cidades eram bancados por cidadãos supostamente honestos e acima de qualquer suspeita! Diante disso muitos xerifes tinham que viver no fio da navalha, tentando se manter no cargo, embora cientes que havia muita corrupção nas altas esferas do poder. No elenco podemos destacar a figura da bela atriz Jane Wyatt, que apesar do nome não tinha parentesco com o mais famoso xerife de todos os tempos, Wyatt Earp. Ela traz uma certa doçura necessária a um filme repleto de sujeitos mal encarados, sujos e violentos. Assim deixamos a dica desse "The Kansan", mais um bom faroeste da década de 1940 que explora a figura sempre lendária e mitológica do xerife no velho oeste americano.

Pablo Aluísio.

Semeando a Morte no Texas

Título no Brasil: Semeando a Morte no Texas
Título Original: Seminò Morte... Lo Chiamavano il Castigo di Dio
Ano de Produção: 1972
País: Itália
Estúdio: Virginia Cinematografica
Direção: Roberto Mauri
Roteiro: Roberto Bianchi Montero, Roberto Mauri
Elenco: Brad Harris, José Torres, Vassili Karis

Sinopse:
Django (Brad Harris) acaba caindo numa armadilha. Estando no lugar errado, na hora errada, ele acaba sendo acusado de um roubo de banco. Assim é jogado na cadeia junto ao bandoleiro Spirito Santo (José Torres). Depois de algumas tentativas finalmente consegue fugir para encontrar os verdadeiros criminosos, que ao que tudo indica, contam com o apoio de pessoas importantes, inclusive de autoridades públicas que seriam os verdadeiros autores intelectuais do crime.

Comentários:
O diretor Roberto Mauri (assinando sob o pseudônimo americano de Robert Johnson) ficou conhecido pelos faroestes italianos de baixo orçamento que dirigiu. "A Vingança é o Meu Perdão" de 1968 e "Sartana no Vale dos Gaviões" de 1970 até possuem seus admiradores dentro do gênero Western Spaghetti. O problema é que a partir de determinado momento Mauri começou a diminuir ainda mais os orçamentos de seus filmes, chegando ao ponto de tudo parecer muito fraco e mal produzido na tela. A crítica italiana não perdoou isso nessa fita, chegando ao ponto de chamar o filme de "Um exercício de incompetência"! De fato há pouca coisa realmente boa nessa produção. Os diálogos são mínimos e as cenas de ação são de uma gratuidade espantosa. O simples ato de servir um whisky quente em um saloon já serve de desculpas para um tiroteio sem fim envolvendo quase duas dezenas de cowboys mal encarados e fedorentos. Pior será o pobre azarado que se deparar com uma cópia dublada em inglês pois o serviço de dublagem que realizaram foi realmente de péssima qualidade. As poucas falas mais desenvolvidas são ditas pelo vilão, Scott (Vassili Karis), que passa tempo demais explicando nos menores detalhes seus planos para liquidar Django. Há muitos ângulos distorcidos e cenas mal realizadas. De bom mesmo temos apenas uma trilha sonora pra lá de excêntrica e uma direção de arte muito boa no poster original do filme. Fora isso é de fato um faroeste bem decepcionante de modo em geral. Só recomendado para fãs radicais e hardcore do pistoleiro Django.

Pablo Aluísio.

Marcado para Morrer

Título no Brasil: Marcado para Morrer
Título Original: Ride the Man Down
Ano de Produção: 1952
País: Estados Unidos
Estúdio: Republic Pictures
Direção: Joseph Kane
Roteiro: Mary C. McCall Jr, Luke Short
Elenco: Brian Donlevy, Rod Cameron, Ella Raines

Sinopse:
Após a morte do dono de um extenso e produtivo rancho numa nevasca, se forma uma severa disputa entre criadores de gado da região para tomar posse da propriedade. Acontece que ele morreu sem deixar herdeiros. Em uma época onde as leis de sucessão não eram muito claras, começa uma verdadeira guerra entre os fazendeiros para dominar o local. Bide Marriner (Brian Donlevy) e Red Courteen (Jim Davis) são os candidatos mais propensos para ganhar o rancho. As coisas mudam porém quando o cowboy Ray Cavanaugh (Paul Fix) mata John Evarts (James Bell), que estava administrando o rancho, atirando covardemente pelas suas costas, ficando claro a partir desse crime que a disputa será resolvida mesmo na base das armas em punho.

Comentários:
Esse western estrelado por Brian Donlevy tem um roteiro curioso que mostra um aspecto histórico na conquista do oeste americano. Acontece que a Constituição dos Estados Unidos afirmava que as terras seriam ocupadas pela posse dos colonos por sua ordem de chegada na região. Trocando em miúdos, a terra seria de quem chegasse primeiro por lá, naquelas regiões selvagens! Não havia necessariamente direito de propriedade reconhecido em cartório ou algo sequer parecido a isso. Quando um rancheiro morria sem deixar herdeiros era comum haver uma disputa sangrenta pelo rancho, principalmente se ele fosse valioso, bem localizado, com terras produtivas e boas para a criação de gado. É justamente essa a situação central do enredo desse filme. O fato porém é que a Republic Pictures tinha um complexo roteiro para filmar, mas com orçamento pequeno. Assim uma estória que daria margem a um filme com mais de duas horas e meia de duração acabou sendo condensado em meros 70 minutos de projeção. Nem preciso dizer que tudo ficou muito truncado por causa disso. Some-se a isso o fato de que muitas cenas rodadas de noite foram prejudicadas por problemas de iluminação. Mesmo assim, com esses pequenos problemas pontuais, "Ride the Man Down" ainda consegue ser um bom entretenimento, principalmente se você tiver algum interesse em história americana da colonização do velho oeste. 

Pablo Aluísio.

Os Canhões de San Sebastian

Título no Brasil: Os Canhões de San Sebastian
Título Original: La Bataille de San Sebastian
Ano de Produção: 1968
País: Itália, França, México
Estúdio: Compagnie Internationale de Productions Cinématographiques
Direção: Henri Verneuil
Roteiro: William Barby Faherty, Serge Gance
Elenco: Anthony Quinn, Anjanette Comer, Charles Bronson, Sam Jaffe

Sinopse:
Leon Alastray (Anthony Quinn) é um bandoleiro que acaba sendo confundido com um sacerdote assassinado. Ao chegar na aldeia de San Sebastian ele entende que aquele povo vive em constante medo causado pelos ataques regulares ao povoado, onde seus poucos bens e sua comida viram alvos de ladrões violentos que chegam na região, aterrorizam os moradores e depois vão embora com o produto de seu saque. Assim Leon logo decide ajudar aquelas pessoas injustiçadas a se defenderem desses bandidos, organizando um verdadeiro exército de resistência.

Comentários:
Western Spaghetti que fez muito sucesso nos cinemas durante os anos 1960. Uma produção internacional envolvendo três países, Itália, França e México, e que contou em seu elenco com dois famosos atores do cinema americano, Anthony Quinn e Charles Bronson. Isso demonstrava que a indústria de cinema italiano estava forte o suficiente para contratar atores americanos para suas películas. O curioso é que esses profissionais eram considerados, até de forma injusta, como atores de segundo escalão em Hollywood. Assim eles deixaram a Califórnia para trás e foram para a Europa, onde contaram com produções melhores para se tornarem estrelas por lá. O mesmo caminho trilhou Clint Eastwood no começo de sua carreira. Uma vez com o sucesso dessas produções, podiam retornar para Hollywood onde ganhavam um novo status, conquistado pela farta bilheteria de seus faroestes spaghettis. Anthony Quinn, por exemplo, tinha uma personalidade expansiva e extrovertida, excelente para esses filmes onde muitas vezes o exagero dava o tom de seus roteiros. Já Charles Bronson era o tipo ideal para encarnar sujeitos durões, de poucas palavras e muita ação. Uma dupla que casou perfeitamente bem em cena, a se lamentar apenas o fato de terem trabalhado poucas vezes juntos. Assim o que temos aqui é uma das produções mais ousadas do Western Spaghetti, um filme que não envelheceu tanto como era de se esperar. Uma excelente diversão para quem curte esse tipo de produção italiana com muitos tiros e pouca conversa fiada.

Pablo Aluísio.

O Covil da Desordem

Título no Brasil: O Covil da Desordem
Título Original: Showdown at Abilene
Ano de Produção: 1956
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Charles F. Haas
Roteiro: Berne Giler, Clarence Upson Young
Elenco: Jock Mahoney, Martha Hyer, Lyle Bettger

Sinopse:
Depois de passar vários anos nas fileiras do exército confederado durante a guerra civil americana, Jim Trask (Jock Mahoney) finalmente retorna para seu lar em Abilene. As coisas por lá porém estão bem mudadas. A mulher com quem iria se casar antes da guerra está noiva de seu amigo, Dave Mosely (Lyle Bettger). Há uma guerra não declarada entre criadores de gado e fazendeiros e a região está infestada de foras da lei. Trask havia sido xerife antes da guerra, mas agora rejeita a ideia de voltar a usar a estrela de prata após tantas mortes presenciadas durante o conflito.

Comentários:
Considerei um faroeste elegante que em seu roteiro lida com a complicada volta para casa daqueles que lutaram por longos anos na Guerra Civil. Logo no caminho de volta Jim Trask (Mahoney) reencontra um velho amigo de infância, só que enquanto ele ostenta uma farda cinza confederada o outro está devidamente vestido de ianque, com o azul típico da União. Essa cena é muito bem representativa pois mostra o que de fato foi a guerra civil americana, onde no fundo irmão lutava contra irmão. Depois quando Trask finalmente chega em Abilene ele entende o preço a ser pago por sua ausência. A paixão de sua vida está comprometida com outro homem e para piorar o noivo é um amigo de infância, que inclusive perdeu sua mão por causa do próprio Trask. Impedido de lutar pela garota por causa da fidelidade de sua amizade, ele precisa se resignar nessa situação toda. Some-se a isso a complicada carga emocional que carrega após tantos anos de combate, pois acaba desenvolvendo certos traumas de guerra. O ator Jock Mahoney tinha ótima presença de cena, alto e elegante, ele acaba trazendo muita dignidade para seu papel. Em certos momentos chegou até mesmo a me lembrar de Gary Cooper. Então deixamos a recomendação desse filme que chegou a ser exibido em nossa TV aberta durante a década de 1980. Bons tempos aqueles para fãs de western em nosso país.

Pablo Aluísio.

Deus Criou o Homem e o Homem Criou o Colt

Título no Brasil: Deus Criou o Homem e o Homem Criou o Colt
Título Original: Quella Sporca Storia Nel West
Ano de Produção: 1968
País: Itália
Estúdio: Daiano Film, Leone Film
Direção: Enzo G. Castellari
Roteiro: Sergio Corbucci, Tito Carpi, Francesco Scardamaglia
Elenco: Andrea Giordana, Gilbert Roland, Horst Frank

Sinopse:
No caminho de volta da Guerra Civil, Johnny Hamilton (Andrea Giordana) é visitado em seus sonhos pelo fantasma de seu pai, que permite que ele saiba que ele foi assassinado e que lhe pede para vingá-lo. De volta ao rancho da família, Johnny descobre que não apenas o seu pai foi morto, mas que Gertrude, sua mãe, se casou com o irmão de seu falecido marido Claude. Ele é agora o proprietário da fazenda e de todos os bens do falecido. Poderia ter sido ele o verdadeiro assassino de seu pai?

Comentários:
Com o sucesso comercial dos faroestes italianos o famoso diretor Sérgio Leone também resolveu atacar de produtor. Ele se tornou acionista de uma empresa cinematográfica, a Leone Film, e começou a produzir e depois exportar essas fitas para o exterior, em especial Estados Unidos e América Latina. O retorno financeiro foi excelente, haja vista que o cineasta sabia bem o que o povão queria consumir. Os roteiros muitas vezes eram simples pretextos para bem coreografadas cenas de violência, sendo que essa muitas vezes surgia na tela não com a proposta de ser realista, mas sim estilizada, exacerbada e visualmente atraente. Isso acabou dando origem a um gênero que até hoje serve de referência e fonte de influências. O primeiro filme produzido pela empresa de Leone foi "O Herdeiro de Satanás", seguido de mais aproximadamente 30 títulos, todos bem lucrativos. Outro nome importante desse momento do cinema italiano que fez parte da realização desse filme foi o de Sergio Corbucci, que criou a estória original e assinou o roteiro (que acredite, foi inspirado no clássico "Hamlet" escrito por William Shakespeare!). No Brasil, dando sequência a tradição de títulos nacionais enormes e divertidos, a fita recebeu o nome de "Deus Criou o Homem e o Homem Criou o Colt", o que causou problemas para os donos de cinemas pois era tão grande que mal conseguia caber nas marquises de seus estabelecimentos. De qualquer forma a fita fez bastante sucesso por aqui, a ponto de ficar vários meses em exibição nos chamados cinemas de bairro, que hoje em dia já não existem mais, infelizmente. Com preços promocionais, esses filmes faziam a alegria de grande parte de nossa população de baixa renda.

Pablo Aluísio.

A Cobiça do Ouro

Título no Brasil: A Cobiça do Ouro
Título Original: Gunmen of Abilene
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Republic Pictures
Direção: Fred C. Brannon
Roteiro: M. Coates Webster
Elenco: Allan Lane, Black Jack, Eddy Waller, Roy Barcroft 

Sinopse:
A cidade de Abilene está aterrorizada com uma onda de pistoleiros e bandoleiros que usam a região como esconderijo de seus crimes nefastos. O chefe da quadrilha é um farmacêutico local, Henry Turner (Peter Brocco), que descobriu haver muito ouro nas montanhas que circulam a cidade. Sua intenção é expulsar os moradores para colocar as mãos naquela grande riqueza mineral. Para isso porém terá que passar por cima de Rocky Lane (Allan Lane), um cowboy disposto a defender os pobres e oprimidos moradores de Abilene.

Comentários:
A Republic Pictures se notabilizou por produzir dezenas de faroestes B em ritmo industrial durante os anos 1940 e 1950. Essas fitas eram realizadas com orçamentos baratos e sem grandes estrelas no elenco, até porque eram exibidas em matinês onde o preço do ingresso também tinha a metade do valor da entrada normal. Esse western de matinê foi estrelado por Allan "Rocky" Lane, que se tornou bem famoso em sua época, principalmente para a garotada que lotava as sessões de fim de semana. Carismático, ele acabou protagonizando muitos filmes rápidos da Republic, além de seriados infanto-juvenis, que também representavam uma grande força nas bilheterias. Seus personagens íntegros e completamente honestos eram adorados pelos jovens que sonhavam também com essas grandes aventuras no velho oeste. Seu cavalo "Blackjack" ganhou também muito destaque, chegando ao ponto de ser estrela de seu próprio álbum de figurinhas. Inteligente e muito bem treinado, geralmente roubava as atenções no filmes com Allan Lane. Curiosamente o que foi produzido como divertimento barato e simples para o fim de semana acabou ganhando status de grande arte. Hoje em dia o faroeste B da época é preservado em instituições públicas americanas como o Museu de História do Kansas, onde várias dessas produções estão ao alcance do estudioso e fã de cinema. Como se pode notar, nos Estados Unidos a memória do cinema é caprichosamente bem preservada, bem ao contrário do que acontece em nosso país, infelizmente.

Pablo Aluísio.

Emboscada em Cimarron Pass

Título no Brasil: Emboscada em Cimarron Pass
Título Original: Ambush at Cimarron
Ano de Produção: 1958
País: Estados Unidos
Estúdio: Regal Films
Direção: Jodie Copelan
Roteiro: Robert A. Reeds, Robert W. Woods
Elenco: Scott Brady, Margia Dean, Clint Eastwood, Irving Bacon, Frank Gerstle, Ray Boyle

Sinopse:
Dirigido por Jodie Copelan, com Scott Brady e Margia Dean no elenco, o roteiro baseado em um livro escrito por Robert A. Reeds, contava uma história que se passava em 1867 no velho oeste americano. Clint interpretava um sujeito chamado Keith Williams. Ele era um homem que tentava sobreviver em um território distante, uma reserva Apache em guerra, onde soldados do exército americano, da União, literalmente caçavam ex-soldados confederados que tinham se tornado bandoleiros e assassinos.

Comentários:
Clint Eastwood não planejou sua carreira de ator como astro de filmes de western. As coisas simplesmente foram acontecendo. Em 1958 ele conseguiu um papel em um faroeste B chamado "Emboscada em Cimarron Pass" (Ambush at Cimarron Pass). Essa é uma produção bem difícil de se achar nos dias de hoje. É um filme pouco conhecido, obscuro, que poucos colecionadores possuem. Quase ninguém assistiu. Vale sobretudo por trazer Clint Eastwood ainda bem jovem, já no papel de cowboy, o tipo que iria consagrar sua carreira. Fora isso nada de muito relevante em termos cinematográficos. Anos depois Clint Eastwood não iria ser refinado ao se lembrar desse filme, dizendo que ele era "provavelmente o pior western que já existiu!". Sua opinião não incomodaria os produtores. Depois que Clint se tornou um astro de Hollywood, o estúdio resolveu relançar o filme nos cinemas, já durante a década de 60. Era impossível perder a chance de faturar alto com seu nome, afinal de contas era um faroeste com Clint Eastwood, que mesmo sendo ruim ainda poderia gerar um bom faturamento nas bilheterias.

Pablo Aluísio.

A Desforra do Estranho

Bom western. Em um pequeno vilarejo chamado Arbonville, chega um estranho, um cowboy. Interpretado pelo ator Jock Mahoney, ele não diz a que veio, apenas anda pelas ruas da cidade que parece deserta. Somente a adolescente Jody (Luana Patten) aparece para trocar poucas e tímidas palavras com ele. Segundo a garota a cidade está sem ninguém porque todos estão trabalhando em um poço de petróleo localizado em um pequeno rancho próximo. O estranho cavaleiro resolve ir até lá para dar uma olhada. A propriedade pertencia a um velho índio, que desapareceu sem deixar vestígios. Com isso as pontas soltas começam a fazer sentido. O petróleo, os gananciosos membros da comunidade por lá, tudo vai se encaixando. Provavelmente os moradores assassinaram o velho nativo para colocar as mãos na fazenda, sonhando fazer fortuna com o ouro negro que jorra de suas terras.

Jock Mahoney era um sujeito alto, esbelto, com boa presença de cena. Ele nunca chegou ao primeiro time de astros de western em sua época, mas era um bom ator, muito eficiente para esse tipo de produção. Luana Patten era linda. Uma adolescente com rosto de anjo que fez muito sucesso entre o público teen. Descoberta ainda na infância pelos estúdios Disney, ela aqui tinha um de seus primeiros papéis na fase em que tinha se transformado numa verdadeira "teen angel". O roteiro do filme é muito bom, centrado mais no aspecto psicológico do que meramente na ação, na troca de tiros. O desfecho da trama também me deixou muito satisfeito. Um faroeste que era para ser mais um filme B da Universal Pictures, mas que acabou se tornando mesmo um western classe A da do estúdio.

A Desforra do Estranho (Joe Dakota, Estados Unidos, 1957) Direção: Richard Bartlett / Roteiro: Norman Jolley, William Talman / Elenco: Jock Mahoney, Luana Patten, Charles McGraw / Sinopse: Cowboy errante chega em um pequeno vilarejo do Arizona e lá descobre que um velho nativo simplesmente desapareceu, pois seu pequeno rancho se tornou alvo de cobiça dos moradores locais após a descoberta de petróleo em suas terras.

Pablo Aluísio.

Atire Para Viver e Reze Pelos Mortos

Título no Brasil: Atire Para Viver e Reze Pelos Mortos
Título Original: Prega il morto e ammazza il vivo
Ano de Produção: 1971
País: Itália
Estúdio: Castor Film
Direção: Giuseppe Vari
Roteiro: Adriano Bolzoni
Elenco: Klaus Kinski, Victoria Zinny, Paolo Casella, Dino Strano, Antonio La Raina, Fortunato Arena

Sinopse:

Após mais um grande roubo, um grupo de criminosos violentos, uma quadrilha formada por bandoleiros e pistoleiros, foge no meio do deserto, sendo seguidos por homens da lei e caçadores de recompensas. Eles precisam sobreviver no meio daquele lugar infernal para continuar sua vida de crimes em pequenas cidades do velho Oeste. 

Comentários:
Klaus Kinski tinha um rosto muito marcante, com cara de psicótico, ideal para filmes italianos de faroeste que por sí só já eram bem caricatos. Não é de se estranhar então que esse ator alemão tenha feitos tantos filmes de western spaghetti ao longo dos anos 70. Era uma escolha meio óbvia para os produtores italianos. Aqui ele interpreta um pistoleiro chamado Dan Hogan. Ao lado dos homens de sua quadrilha rouba 100 mil dólares em barras de ouro. Uma fortuna. Só que os Rangers vão atrás em perseguição a eles. No meio do caminho eles precisam atravessar um deserto realmente infernal. O objetivo é chegar do outro lado da fronteira, no México. Para isso acabam contratando um guia que conhece bem a região, só que esse homem que apenas diz se chamar John é um sujeito estranho, que pode ser tanto a salvação de Dan e seu bando, como também sua ruína, pois ele pode ser um traidor, os levando direto para uma corda de enforcamento, onde serão enforcados de forma impiedosa. Especialmente indicado para os fãs do trabalho de Klaus Kinski em seus bons anos. 

Pablo Aluísio.

Os Dois Indomáveis

Faroeste dos anos 1970 que uniu duas gerações de atores. A geração jovem era representada pelo ator Ryan O'Neal, naquela época considerado um dos jovens mais promissores de Hollywood. E representando os veteranos tínhamos dois grandes nomes do cinema americano: William Holden e Karl Malden. O universo era a dos cowboys, os trabalhadores rurais que cuidavam do gado nas grandes fazendas do velho oeste. Quando o filme começa há uma certa tensão entre os criadores de gado e os de ovelhas. Dizia-se que as ovelhas destruíam o pasto, trazendo prejuízo para os que criavam gado. Uma dessas fazendas é de propriedade de Walter Buckman (Karl Malden). Homem austero, mas justo. Muitos cowboys trabalhavam em suas terras, entre eles Ross Bodine (William Holden) e Frank Post (Ryan O'Neal). O primeiro é um veterano, há décadas trabalhando como cowboy. O segundo é um jovem, novato no trabalho. A luta diária é pesada e o salário nada bom.

Assim a dupla decide fazer algo impensado e imprudente. Eles decidem assaltar o banco da cidade. Fazem a família do gerente de refém e limpam o cofre do banco. Claro que isso desencadeia uma série de eventos contra eles. Uma equipe de perseguição é formada e parte rumo ao deserto em busca dos assaltantes. O filme tem um ritmo próprio, nada apressado. As coisas acontecem ao seu tempo. O roteiro também se preocupa muito mais em explorar a amizade entre o velho e o jovem cowboy do que qualquer outra coisa. Há cenas de ação, mas isso nem é o mais importante. Além disso há ótimas sequências, inclusive a final, aos pés do Monument Valley, cenário de tantos clássicos do western norte-americano. Então é isso, um bom filme, bem desenvolvido que termina de maneira mais trágica do que poderia se esperar.

Os Dois Indomáveis (Wild Rovers, Estados Unidos, 1971) Direção: Blake Edwards / Roteiro: Blake Edwards / Elenco: William Holden, Ryan O'Neal, Karl Malden, Tom Skerritt / Sinopse: Ross Bodine (William Holden) e Frank Post (Ryan O'Neal) são dois cowboys que trabalham na fazenda de Walter Buckman (Karl Malden). Uma noite eles decidem fazer uma loucura, roubar o banco da cidadezinha próxima. O assalto acaba dando começo a uma perseguição sem trégua pelas areias do deserto do Arizona.

Pablo Aluísio.

O Homem da Floresta

Título no Brasil: O Homem da Floresta
Título Original: Man of the Forest
Ano de Produção: 1933
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Henry Hathaway
Roteiro: Jack Cunningham, Zane Grey
Elenco: Randolph Scott, Verna Hillie, Harry Carey, Noah Beery, Barton MacLane, Buster Crabbe

Sinopse e comentários:
"O Homem da Floresta" (Man of the Forest, Estados Unidos, 1933) trazia um Randolph Scott ainda bem jovem, magro, com bigodinho ao estilo Errol Flynn (na época um dos maiores astros de Hollywood). Era um western dirigido pelo grande Henry Hathaway, ainda também em começo de carreira. O roteiro era baseado em um livro escrito por Zane Grey. Esse escritor era tão popular na época que seu nome ganhava grande destaque nos materiais promocionais dos filmes feitos a partir de seus romances e novelas.

Randolph Scott era o xerife na história, que de forma ousada lidava com temas complicados, envolvendo o sequestro de uma jovem garota e um vilão astuto, mestre em jogar a culpa de seus crimes nos outros. O filme tem uma sequência de perseguição em um desfiladeiro nos arredores de Los Angeles que acabou ferindo um dos dublês que caiu com seu cavalo de uma altura considerável. O próprio Scott escapou também de descer ladeira abaixo nessa cena. Anos depois ele ainda se recordaria desse dia de filmagens que quase lhe custou a vida.

Pablo Aluísio.

Sartana no Vale dos Gaviões

Título no Brasil: Sartana no Vale dos Gaviões
Título Original: Sartana nella valle degli avvoltoi
Ano de Produção: 1970
País: Itália
Estúdio: Elios Studios
Direção: Roberto Mauri
Roteiro: Roberto Mauri
Elenco: William Berger, Wayde Preston, Aldo Berti

Sinopse e comentários:
Mais um filme que tentou faturar em cima do nome "Sartana". No faroeste italiano isso era até bem comum. Nomes de personagens como Django, Sabata, Sartana, etc era usados sem qualquer critério dentro do roteiro, pensando apenas em chamar o público para as salas de cinemas. Dezenas de filmes traziam o nome Django, por exemplo, sem nem ao menos ter o pistoleiro no enredo.

Coisas de um tempo mais simplório em termos de cinema. Ninguém estava preocupado em concorrer ao Oscar ou fazer algo mais artístivo. O apelo aqui era para fazer bilheteria em cinemas do tipo poeira ao redor do mundo. Na década de 1970 havia muitos cinemas de bairro que exibiam justamente esse tipo de faroeste. Obviamente os produtores estavam visando faturar justamente nesse tipo de cinema pequeno, de cidadezinhas, com ingressos a preços promocionais.

Pois é, nesse filme aqui o protagonista se chama Lee Calloway, interpretado pelo veterano ator William Berger. Ele faz parte de uma família de criminosos. Quando três de seus irmãos são presos ele resolve ajudá-los a fugirem da cadeia, só que para isso ele cobra um preço. Eles terão que dividir com ele um carregamento de ouro roubado anos atrás. Irmãos são irmãos, mas negócios de bandidos devem ser feitos nessa base. William Berger era um astro espaguetti bacana, que mantém o interesse no filme até o final. Esse austríaco só não convencia muito bem como bandoleiro americano no velho oeste, mas isso no final das contas nem pesa muito. O filme vale pela diversão e nada mais.

Pablo Aluísio.

Gunsmoke

Título no Brasil: Gunsmoke
Título Original: Gunsmoke
Ano de Produção: 1955 - 1975
País: Estados Unidos
Estúdio: CBS Television
Direção: Andrew V. McLaglen, Harry Harris, Ted Post
Roteiro: Jim Byrnes, Dudley Bromley
Elenco: James Arness, Milburn Stone, Amanda Blake
  
Sinopse:
"Gunsmoke" narra a história do xerife Matt Dillon (James Arness) que junto ao seu filho chega em Dodge City, infame cidade do velho oeste conhecida por ser um lugar sem lei e nem ordem, infestada de bandidos, bandoleiros e foras-da-lei procurados pela justiça. Juntos tentarão trazer de volta o respeito à lei naquela desolada e distante região, esquecida por tudo e todos. Famosa série de TV que originou 635 episódios ao longo de vinte anos de exibição no canal norte-americano CBS. Série vencedora dos prêmios Globo de Ouro, Emmy, TV Land Awards e Western Heritage Awards.

Comentários:
Uma das séries mais populares da história da TV americana. "Gunsmoke" atravessou três décadas e no total teve incríveis 20 temporadas, todas com excelentes índices de audiência. Era uma época muito rica entre as emissoras de televisão nos Estados Unidos. Todas elas mantinham de alguma forma séries regulares de western em sua grade de programação. Sobre isso há dois aspectos a considerar. Alguns acreditam que as séries de faroeste contribuíram de alguma forma para a decadência do gênero no cinema, afinal de contas para que se pagaria um ingresso se era possível assistir em casa, completamente de graça? Para outros a forma de entender o sucesso do western na TV era completamente oposta. O sucesso das séries ajudou a criar toda uma nova geração de fãs do gênero, o que acabou resultando em uma sobrevida do Western nos cinemas. De uma forma ou outra é bom salientar que seriados como "Gunsmoke" eram produzidos com requinte, com tudo o que de bom o espectador tinha direito, bons figurinos, roteiros bem escritos e atores carismáticos. Não é assim de se estranhar que tenha ficado tantos anos no ar. Qualidade não lhe faltava. Um clássico do faroeste na TV, até hoje ainda muito cultuado e lembrado pelos fãs em geral.

Pablo Aluísio.

Genius

A primeira temporada de Genius mostra em dez episódios a vida do cientista Albert Einstein. Nos primeiros episódios ele é mostrado no começo de sua vida acadêmica, quando começa seus primeiros estudos na universidade. Nos primeiros episódios, em sua fase de juventude, Einstein é interpretado pelo ator Johnny Flynn. Aqui também se mostra as primeiras aproximações com a jovem que iria se tornar sua primeira esposa, Mileva Maric. Ela também era uma estudante brilhante, com futuro promissor, que de certa maneira abriu mão de sua carreira para criar os filhos e cuidar do casamento que em pouco tempo iria afundar. A série também se preocupa nessa primeira fase em mostrar a importância dela no desenvolvimento das teorias de Einstein. Na segunda fase, já com o fim de seu casamento, se desenvolve a saída de Einstein da Europa por causa da perseguição nazista aos judeus e sua nova vida nos Estados Unidos. Nessa fase final de sua vida Einstein é interpretado por Geoffrey Rush. Aqui vamos seguir o cientista até o fim de sua vida, quando já aposentado, precisa lidar com o fato de que a imprensa o associou ao surgimento da bomba atômica. Para ele, um pacifista, foi um choque e um título que o constrangia. Excelente série que acompanhei com bastante interesse. Segue abaixo uma lista de episódios comentados.

Episódios Comentados:

Genius 1.01 - Einstein: Chapter One
Essa nova série é uma produção conjunta entre a Fox e a National Geographic, o que acaba unindo um ótimo roteiro (com precisão histórica) a um excelente elenco e direção. Essa primeira temporada conta a história do cientista Albert Einstein. São duas linhas temporais, duas linhas narrativas. A primeira se passa em 1895. Nessa época Einstein era apenas um jovem estudante que não sabia ao certo que rumo tomar na vida. Quando seu pai decide se mudar para a Itália, Einstein fica sozinho na Alemanha, precisando lidar com a ausência dos pais. Ele inicialmente estuda para entrar na universidade de Berlim, porém logo depois muda de ideia, indo estudar na escola politécnica de Zurique, algo que irrita bastante seu pai. Na outra linha narrativa encontramos Einstein mais velho, já casado e dando aulas em uma universidade alemã. O ano é 1932 e o nazismo começa a se espalhar, principalmente pela ação dos camisas pardas, a juventude de Hitler que começa a ameaçar e agredir judeus pelas ruas. Inicialmente Einstein, que era judeu, se recusa a deixar a Alemanha como queria sua esposa, mas depois começa a perceber que ir embora pode salvar sua vida. Ele tem convites para ensinar nos Estados Unidos e isso parece ser uma boa opção. A última cena desse episódio mostra Einstein passando por uma tensa entrevista na embaixada americana. A primeira esposa de Einstein se envolveu com grupos radicais de esquerda, o que talvez o impeça de entrar na América. Ótimo episódio inicial, com destacada reconstituição de época e uma bela interpretação do ator Geoffrey Rush como o famoso físico. Essas duas linhas narrativas, pelo visto vão seguir nos próximos episódios, unindo momentos temporais diferentes na vida de Einstein. Nada mais conveniente uma vez que o cientista sempre defendeu que o tempo nada mais era do que um aspecto relativo das leis do universo. / Genius 1.01 - Einstein: Chapter One (Estados Unidos, 2017) Direção: Ron Howard / Roteiro: Noah Pink / Elenco: Geoffrey Rush, Johnny Flynn, Samantha Colley.

Genius 1.07 - Einstein: Chapter Seven
Estou chegando ao final da primeira temporada da série "Genius". Cada temporada irá enfocar um gênio da humanidade. Na primeira tivemos Albert Einstein e na segunda, já em exibição nos Estados Unidos, Picasso. É uma produção muito boa, que coloca em evidência o lado mais humano dessas pessoas que muitas vezes colocamos em patamares inalcançáveis, simplesmente pela posição que conseguiram calcar em vida. O interessante é que ao entrarmos em suas vidas pessoais percebemos que (óbvio) eram pessoas comuns, muitas vezes com problemas comuns. Veja o caso de Einstein. Ele se casou na universidade com uma colega da academia. O casamento não foi feliz. A esposa era do tipo durona demais, mandona, cheia de problemas psicológicos a enfrentar. Além do fato de ser uma mulher no meio acadêmico, o que na época era bem incomum, ainda carregava o fardo de ter uma deficiência física que a impedia de andar normalmente. O Einstein da vida privada até era um sujeito comum, que procurava ser um bom pai, porém o relacionamento dele com a esposa era tão ruim que não demorou e ele começou a ter casos extraconjugais. Assim, seu casamento que nunca foi bom foi se deteriorando cada vez mais. O pior é que ela não aceitava o divórcio e isso só foi concretizado quando Einstein concordou em lhe dar o dinheiro ganho com o Prêmio Nobel de Física. Grandes pensadores envolvidos em problemas medíocres. Outro ponto que mostra bem os desafios que o cientista teve que enfrentar foi a ascensão do nazismo. Cientistas invejosos de sua posição e de suas descobertas, alinhados com o partido nazista, logo começaram a usar a força do partido para persegui-lo dentro da Alemanha. Afinal ele era um judeu, o alvo perfeito naquele momento histórico. O bom saber é que Einstein logo percebeu a teia que se formava ao seu redor e sabiamente foi embora de seu país. Se tivesse ficado por lá provavelmente teria sido mais uma vítima inocente nas câmaras de gás dos campos de concentração. / Genius 1.07 - Einstein: Chapter Seven (Estados Unidos, 2017) Direção: James Hawes / Roteiro:  Kelly Souders, Walter Isaacson / Elenco: Geoffrey Rush, Johnny Flynn, Samantha Colley.

Genius 1.08 - Chapter Eight
Com a popularização do nazismo na Alemanha e o ódio aos judeus aumentando a cada dia, Albert Einstein (Geoffrey Rush) não viu outra saída a não ser tentar uma mudança para os Estados Unidos antes que a situação colocasse em risco a sua vida e a de sua família. Esse episódio da ótima série "Genius" explora justamente a entrevista que ele teve que fazer com um agente do FBI para assim conseguir um visto para ir morar na América. O interessante é que o encontro acaba sendo um duelo de personalidades. O agente, sob ordens de J. Edgar Hoover, sondava se Einstein tinha alguma ligação com o partido comunista alemão. Hoover, o chefe supremo do FBI, tinha uma obsessão em perseguir comunistas nos EUA e não estava disposto a deixar Einstein entrar em seu país com a suspeita de que ele tinha ideias subversivas socialistas. Afinal Einstein era ou não um marxista? Como o roteiro desse episódio deixa bem claro, Einstein estava bem acima dessas paixões políticas, afinal ele foi um dos maiores gênios da ciência. A política em seu ponto de vista era um aspecto menor na vida de um homem como ele. / Genius 1.08 - Chapter Eight (Estados Unidos, 2017) Direção:  Kenneth Biller / Roteiro: Angelina Burnett, Francesca Butler / Elenco: Geoffrey Rush, Michael McElhatton, Emily Watson.

Genius 1.09 - Einstein: Chapter Nine
Atualmente algumas séries são melhores do que os filmes que estão em cartaz nos cinemas. Sinal dos tempos. Nessa "Genius" descobrimos questões históricas bem curiosas e interessantes. Como se sabe a primeira temporada é em cima da figura de Einstein. Aqui ele já está refugiado nos Estados Unidos. Fugindo da perseguição nazista ele encontra trabalho e um novo lar na América. É quando se descobre que os cientistas de Hitler estão desenvolvendo o primeiro projeto da bomba atômica. Amigos de Einstein imploram que ele escreva uma carta ao presidente Roosevelt relatando o perigo de existir um bomba nuclear nas mãos de Hitler. Outro aspecto que me chamou muito a atenção foi o fato de saber que Einstein teve um relacionamento com uma mulher bem mais jovem, russa, que se dizia sua admiradora. Só que ela na verdade era uma espiã alemã disfarçada, infiltrada na vida pessoal do cientisa justamente para descobrir os planos americanos em relação ao desenvolvimento de uma arma nuclear. Episódio acima de média que termina com Einstein desolado, recebendo um exemplar da revista Time o colocando na capa ao lado de uma grande explosão atômica. Para um pacifista como ele deve ter sido mesmo um péssimo momento. / Genius 1.09 - Einstein: Chapter Nine (Estados Unidos, 2017) Estúdio: Imagine Television / Direção: Kenneth Biller / Roteiro: Kenneth Biller, Raf Green / Elenco: Geoffrey Rush, Ralph Brown, Richard Topol, Michael McElhatton, Emily Watson, T.R. Knight. 

Genius 1.10 - Einstein: Chapter Ten
Último episódio da primeira temporada de "Genius". Como se sabe essa série procura mostrar a vida de alguns dos grandes gênios da humanidade. Cada temporada explora a biografia de uma dessas mentes brilhantes. E nessa primeira tivemos uma visão ampla da vida de Albert Einstein. Logo na primeira cena já temos o corpo do velho cientista no necrotério. O médico legista se prepara para retirar seu cérebro, pois ele entende que ele pertence à ciência. O filho de Einstein hesita um pouco oem aceitar, mas depois cede. O resto do corpo de seu pai foi cremado, atendendo um pedido seu. Depois disso somos levados para os últimos dias do gênio. Ele passava os dias em casa, de pijamas. Mal tinha ânimo de ir até seu escritório na universidade, pois se dizia sem novas ideias. Uma nova física estava nascendo, explorando partículas quânticas e Einstein já não fazia mais parte dessa revolução científica. Ele conhece uma menina da vizinhança e se afeiçoa a ela pois a garotinha era bem inteligente, cheia de perguntas que ainda conseguiam tirar o velho cientista de seu estado melancólico. Também procurou se aproximar de seu filho nos momentos finais, pois tinha tido uma péssima relação com ele por anos. Por fim o episódio também demonstra a perseguição por parte do diretor do FBI J. Edgar Hoover. Tudo muito bem feito, roteirizado e atuado. Quem tem interesse em conhecer melhor a vida de Albert Einstein não pode mesmo perder essa primeira temporada. É excelente em todos os aspectos. / Genius 1.10 - Einstein: Chapter Ten  (Estados Unidos, 2017) Estúdio: Imagine Television / Direção: Kenneth Biller / Roteiro: Mark Lafferty, Walter Isaacson / Elenco: Geoffrey Rush, Johnny Flynn, Samantha Colley, T.R. Knight, Dixie Egerickx, Ed Stoppard

Pablo Aluísio.

Doce Trapaça

Elenco demais para filme de menos. Veja, ter Sigourney Weaver e principalmente Gene Hackman no mesmo filme já era uma garantia de interesse por parte do público. Infelizmente os produtores desperdiçaram a dupla nesse filme muito fraquinho, uma comédia romântica mais ácida, vamos colocar assim. O enredo é um tanto bobinho. Mãe e filha, duas golpistas, seduzem homens ricos. Depois do casamento uma delas dá em cima do marido da outra. Com o escândalo sobram de presente parte da fortuna dos enganados, além de uma gorda indenização de danos morais.

E assim elas vão levando a vida, dando um golpe atrás do outro. Nesse cambalacho Sigourney Weaver é a mãe e Jennifer Love Hewitt a filha. A Jennifer Love Hewitt para quem não se recorda foi uma atriz pop teen bem popular no começo dos anos 2000. Depois de um tempo sumiu! Então é isso, produzir um filme tão cheio de vácuos como esse, mesmo contando com um bom elenco, definitivamente não valeu a pena!

Doce Trapaça (Heartbreakers, Estados Unidos, 2001) Direção: David Mirkin / Roteiro: Robert Dunn, Paul Guay / Elenco: Sigourney Weaver, Jennifer Love Hewitt, Gene Hackman / Sinopse: Mãe e filha vivem de dar golpes em homens ricos, ficando com a fortuna deles, até o dia em que os planos não saem exatamente como elas planejavam.

Pablo Aluísio.

Maus Momentos no Hotel Royale

Esse diretor Drew Goddard já tinha chamado minha atenção em "O Segredo da Cabana", filme que tentava desconstruir o gênero terror. Agora ele retorna com esse filme que tem uma trama bem elaborada. Tudo começa quando um homem desconhecido aluga um quarto em um hotel na fronteira de Nevada e Califórnia. Ele pega a chave e imediatamente começa a tirar a madeira do piso, tentando abrir um buraco no chão para colocar uma maleta. Não demora muito e uma segunda pessoa surge e o mata ali mesmo, sem maiores explicações. O tempo passa e dez anos depois, no mesmo hotel Royale, chega um grupo estranho de novos hóspedes. Jeff Bridges interpreta um suposto padre, que se hospeda ali para passar a noite. Na mesma hora em que entra no velho hotel encontra um vendedor de eletrodomésticos para donas de casa, aqui na pele do bom ator Jon Hamm de "Mad Men". Completando o quadro de novos visitantes estão uma cantora negra fracassada e uma mulher com cara de poucos amigos, na interpretação de Dakota Johnson.

Desconfie de tudo o que verá nas primeiras cenas, principalmente nas identidades daquelas pessoas. Nem tudo é o que aparenta ser. O próprio Hotel Royale não é apenas um cenário, mas praticamente um personagem no meio do enredo. Um daqueles estabelecimentos comerciais que faziam sucesso nos anos 1960, mas que depois entraram em franca decadência, com poucos hóspedes, geralmente viajantes perdidos em busca de uma boa noite de sono e nada mais. Para falar a verdade é quase uma nova versão do "Bates Motel" de Psicose, mas com decoração vintage mais colorida e brega. Enfim, um bom filme que me agradou. De modo em geral gosto desse tipo de enredo que vai se construindo aos poucos, ligando diversos personagens que parecem não ter qualquer ligação entre si. Uma amostra de bom roteiro, muito bem escrito.

Maus Momentos no Hotel Royale (Bad Times at the El Royale, Estados Unidos, 2018) Direção: Drew Goddard / Roteiro: Drew Goddard / Elenco: Jeff Bridges, Jon Hamm, Dakota Johnson, Cynthia Erivo, Chris Hemsworth, Lewis Pullman / Sinopse: Um grupo de desconhecidos chega em um velho hotel decadente da fronteira entre dois estados americanos, cada um deles com um propósito próprio, não muito claro. Qual seria a ligação que existiria entre cada uma daquelas pessoas?

Pablo Aluísio.

A Última Noite de Bóris Grushenko

Filme da fase ainda inicial da carreira de Woody Allen. Não deixa de ser interessante assistir a uma comédia como essa para perceber bem como o humor do cineasta foi mudando com o passar do tempo. Aqui temos um estilo bem mais simples, apelando até mesmo para alguns momentos pastelão! Allen ainda usava sua imagem, a de baixinho, magro e de óculos, como muleta para fazer o público rir. Só em momentos mais pontuais arriscava encaixar algum diálogo mais bem elaborado, mas inteligente. O roteiro é praticamente uma paródia do clássico da literatura "Guerra e Paz". O cenário é o mesmo, nos tempos da Rússia czarista, prestes a ser invadida pelas tropas de Napoleão Bonaparte. Allen interpreta o protagonista, um sujeito que só quer viver sua vida em paz, escrevendo seus péssimos poemas, mas que é jogado no meio da guerra pois naqueles tempos era impensável não defender a grande nação dos invasores estrangeiros. Uma oportunidade para Allen criar situações divertidas e engraçadas.

Assim Woody Allen usa do estilo de vida militar para fazer suas piadas, nenhuma particularmente muito original. Charles Chaplin e Jerry Lewis já tinham explorado esse mesmo tema em seus filmes. O resultado assim se torna bem mediano. Gostaria inclusive de saber o que Allen, após tantos anos, acharia ao rever um filme como esse, de seus primórdios. Acredito que ele teria até mesmo uma pontinha de vergonha pelas cenas mais apelativas, como aquela em que ele se torna uma bala de canhão, literalmente. No mais ainda vale pela presença de uma jovem e bela Diane Keaton, também tentando emplacar no cinema, fazendo humor. Fora isso é preciso reconhecer também que esse filme envelheceu muito mal. Hoje em dia dificilmente arrancaria gargalhadas dos fãs atuais do diretor.

A Última Noite de Bóris Grushenko (Love and Death, Estados Unidos, 1975) Direção: Woody Allen / Roteiro: Woody Allen / Elenco: Woody Allen, Diane Keaton, Georges Adet / Sinopse: Durante a invasão de Napoleão Bonaparte na Rússia, um jovem intelectual e poeta acaba sendo enviado para o campo de batalha. Desajeitado e nada vocacionado para a guerra acaba virando um herói nacional! Filme premiado no Berlin International Film Festival.

Pablo Aluísio.

O Homem Que Inventou o Natal

Excelente filme. O roteiro foca em um período da vida do escritor Charles Dickens (Dan Stevens) em que ele estava escrevendo um dos maiores clássicos da literatura, o livro "A Christmas Carol" (lançado no Brasil com o título de "Um Conto de Natal"). Sem ideias, atolado em dívidas e precisando urgentemente de dinheiro ele decidiu escrever esse novo livro às pressas. O problema é que livros sobre o natal estavam em baixa. Seus três últimos romances também não tinham vendido bem. Os editores não colocavam fé e ele então resolveu arriscar tudo na publicação de seu novo livro. Bancando a publicação, pagando tudo do próprio bolso e ainda tendo que criar o conto, tudo parecia perdido. O mais brilhante desse roteiro é que o espectador literalmente entra na mente do protagonista, compartilhando com ele as dificuldades de criação, mostrando Dickens interagindo com os próprios personagens do livro, dissecando as origens de muitas das ideias que foram colocadas no enredo de seu conto de natal. O sucesso foi absoluto, se tornando o best-seller mais vendido de toda a sua vida. Um êxito enorme de vendas!

Quem conhece a obra original sabe que o personagem mais importante em suas páginas é um velho industrial, homem seco e ganancioso chamado Scrooge (Christopher Plummer). Ele é visitado por três fantasmas que estão ali para mostrar como sua vida está errada, como a falta de valores em sua vida o condenam ao esquecimento. Assim o velho aos poucos vai mudando seu modo de agir, numa verdadeira renovação, o que seria o próprio espírito do natal. Tudo é magistralmente desenvolvido, com ótima produção e elenco afiado. Um filme adorável onde todos os aspectos parecem bem encaixados, resultando numa excelente dica para esse período de natal. É um dos melhores de sua espécie e se você é fã dos livros de Dickens se torna indispensável.

O Homem Que Inventou o Natal (The Man Who Invented Christmas, Canadá, Irlanda, 2017) Direção: Bharat Nalluri / Roteiro: Susan Coyne, Les Standiford, baseados no livro "The Man Who Invented Christmas" de Les Standiford / Elenco: Dan Stevens, Christopher Plummer, Jonathan Pryce, Ger Ryan, Anna Murphy, Miles Jupp / Sinopse: O escritor Charles Dickens (Dan Stevens) passa por um período ruim em sua carreira. Seus últimos livros fracassaram em vendas e as editoras não querem mais publicar seus novos romances. Procurando por inspiração e precisando de dinheiro ele cria um conto de natal, cujo personagem principal seria o famigerado Sr. Scrooge (Christopher Plummer).

Pablo Aluísio.

Alta Fidelidade

Fim de ano chegando é uma boa oportunidade para rever alguns filmes do passado, alguns que não assistia há quase vinte anos! É o caso desse "Alta Fidelidade" que só havia visto uma vez, em seu lançamento original. Continua sendo uma boa fita, valorizada por um roteiro muito bom, cheio de boas ideias e ótimos diálogos. O protagonista é um cara chamado Rob (John Cusack). Ele já está no seus trinta e poucos anos, mas nunca acertou nos relacionamentos. Quando leva mais um fora, dessa vez de uma garota em que ele apostava, tudo o leva de volta a uma reflexão sobre o seu próprio passado. Detalhe importante: Rob é dono de uma loja de discos de vinil. Ele sempre está fazendo listas, do tipo "top 5" sobre música em geral e decide rever e fazer sua própria lista de maiores foras que levou. Mais radical do que isso. Ele decide ir atrás de suas antigas namoradas para ver o que aconteceu com elas, o que estão fazendo da vida, talvez descobrir com isso o que estaria errado com ele mesmo em seus relacionamentos amorosos. Quem sabe elas poderiam dar uma pista...

Durante o tempo todo a chamada quarta parede é ignorada, o que faz com que Rob converse o tempo todo com o espectador. Claro que isso cria uma certa cumplicidade com o público, além de ser uma jogada marota do roteiro para criar carisma no personagem principal. O clima é de romantismo mais sarcástico, tudo embalado com um clima vintage, nostálgico, que vai bater forte em quem curte não apenas cinema, mas também música antiga. E de quebra o filme ainda traz um elenco coadjuvante muito bom, a começar por uma linda e ainda jovem Catherine Zeta-Jones. Ela foi a top 5 na vida de Rob, mas em seu reencontro parte daquele encanto se vai. Claro, para contrabalancear, também temos que aturar os excessos de Jack Black, mas nem ele consegue estragar esse bom filme sobre amor, discos de vinil e problemas pessoais, não necessariamente nessa ordem. Reveja e no mínimo tenha saudades de um tempo que já é passado distante para muitos... quem diria...

Alta Fidelidade (High Fidelity, Estados Unidos, 2000) Direção: Stephen Frears / Roteiro: D.V. DeVincentis / Elenco: John Cusack, Catherine Zeta-Jones, Jack Black, Tim Robbins, Lisa Bonet, Iben Hjejle, Todd Louiso, Joan Cusack / Sinopse: O filme acompanha a vida de Rob (Cusack) que tem uma loja de discos de vinil e muitos problemas de relacionamento com as mulheres, de seu passado e do seu presente. Filme premiado pelo Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator (John Cusack).

Pablo Aluísio.

Aquaman

O grande mérito de Aquaman é que pela primeira vez a DC Comics não ficou com receios de produzir um filme para o cinema que fosse a cara dos quadrinhos. Tudo é muito colorido, movimentado, ao espectador fica a impressão de que está mesmo vendo uma revista em quadrinhos. E isso se refere a praticamente tudo, inclusive a aventura e a trama que é meio bobinha, isso é certo, mas que funciona bem na tela. Isso não significa que o filme não tenha problemas, longe disso. Um deles é que aquele espectador que não comprar seu estilo não vai gostar nada, nada do que verá. O mundo debaixo do oceano, os figurinos exagerados, alguns parecendo mais fantasias de carnaval, quem não curtir esse tipo de coisa exagerada vai ficar muito irritado com sua direção de arte kitsch.

Só que isso nem é o grande problema do filme. Em minha opinião o grande erro foi escalar o grandalhão brutalizado Jason Momoa para interpretar Aquaman. Nos quadrinhos ele é um sujeito forte, tudo bem, mas também é um loiro com cara de galã e até bons modos. Com Momoa ele virou quase um bárbaro (quem lembrou do Conan?) que prefere sair no braço do que ter uma boa conversa. Além disso, não vamos deixar de dizer, não tem nada a ver com a beleza sofisticada de Nicole Kidman, sua mãe no filme. Ficou forçado. Porém como é um filme de pura ação e fantasia, poucos vão reclamar. O que vai valer no final das contas são os cenários exagerados (diria alguns até mesmo meio bregas) que desfilam pela tela. Nesse aspecto o filme até que funciona muito bem. É uma aventura colorida e escapista. Não espere nada muito além disso.

Aquaman (Estados Unidos, 2018) Direção: James Wan / Roteiro: David Leslie Johnson-McGoldrick, Will Beall / Elenco: Jason Momoa, Patrick Wilson, Nicole Kidman, Amber Heard, Willem Dafoe, Dolph Lundgren, Yahya Abdul-Mateen II / Sinopse: Adaptação para o cinema das aventuras do personagem Aquaman, criado em 1941 por Paul Norris e Mort Weisinger, cuja primeira aparição nos quadrinhos se deu na revista More Fun Comics #73.

Pablo Aluísio.

Halloween

Michael Myers está de volta! 40 anos depois da estreia do primeiro filme da franquia "Halloween" os estúdios decidiram que não poderiam deixar passar essa data em branco. Assim tiraram o velho psicopata da aposentadoria para faturar mais alguns milhões nas bilheterias. E sob o ponto de vista comercial o filme deu muito certo mesmo, faturando quase 250 milhões de dólares - um número bem satisfatório em termos de filmes de terror, ainda mais quando se gastou apenas 10 milhões em sua produção. Lucro certo e de certa maneira bem fácil. É a força do nome de certas franquias que trazem esse tipo de retorno lucrativo para os produtores. Tiro certo e no alvo! Já sob o ponto de vista puramente cinematográfico... bem, não há outro veredito: o filme é fraco mesmo. Basicamente uma forçada de barra para trazer Myers de volta às ruas na noite de Halloween. Quando o filme começa um casal de jornalista investigativos decide ir até o manicômio onde Myers vive para tentar tirar pelo menos uma palavra de sua boca. Ele está há décadas sem falar nada, com ninguém, nem com seu médico. A tentativa de entrevista fracassa, mas o destino parece estar a favor de Myers. Quando ele é transferido para outro estabelecimento prisional o ônibus onde está derrapa e sofre um acidente. De repente o antigo matador está de volta às ruas, em plena liberdade. E o que ele faz quando isso acontece? Ora, simples de saber, ele sai matando a esmo pelas ruas da cidade.

Pior para Laurie Strode (Curtis). Ela foi uma de suas primeiras vítimas. Tem verdadeira obsessão com o passado, o que a tornou uma mulher completamente paranoica e estranha. Agora ela vai precisar defender não apenas sua filha, mas também sua neta, da sede de morte de Mike Myers. E o roteiro é basicamente isso. Claro que o final se revela logo dúbio, para deixar uma porta aberta para futuros filmes. Produtores não são bobos, eles esperam para ver o resultado comercial do filme. Como deu certo nas bilheterias é bem provável que uma nova leva de filmes venha por aí. Haja sangue jorrando...

Halloween (Estados Unidos, 2018) Direção: David Gordon Green / Roteiro: Jeff Fradley, Danny McBride / Elenco: Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Andi Matichak / Sinopse: Depois de ficar décadas aprisionado numa instituição para loucos homicidas, o assassino em série Michael Myers está de volta às ruas após seu ônibus de transporte sofrer um acidente. Andando solto na noite de Halloween ele finalmente vai saciar sua sede de sangue humano.

Pablo Aluísio.

Um Refúgio

O filme se passa na Guerra Civil americana. Logo na introdução os produtores colocaram uma frase do general da União William Sherman, um dos mais notórios e infames carniceiros daquele conflito que devastou os Estados Unidos. Na opinião de Sherman a guerra sempre seria um lugar de crueldade e violência, não importando as outras coisas que se atribuíam a ela. Nesse ponto ele tinha razão, haja visto que ele promovia todos os tipos de atrocidades por onde passava. Foi certamente uma figura histórica desprezível. Pois bem, o filme mostra uma fazenda no sul prestes a ser invadida pelas tropas de Sherman. Sua tática era destruir não apenas os exércitos confederados, mas também o espírito dos sulistas. Para isso valia de tudo, até mesmo crimes de guerra como estupros, assassinatos à sangue frio e violência irracional. E é justamente isso que ocorre quando dois batedores do exército da União chegam em um pequeno povoado do sul.

Ao se depararem com a bela Augusta (Brit Marling) eles resolvem persegui-la, indo até sua fazenda no meio rural. O pior é que Augusta está praticamente indefesa. Os homens da casa foram embora lutar na guerra e lá ficaram apenas ela, sua irmã mais jovem que está doente e uma escrava negra. Os yankees estão chegando com toda a brutalidade conhecida e Augusta precisa defendê-las! Para isso conta apenas com um velho rifle e muita coragem. O roteiro explora basicamente essa situação e o faz muito bem.

Obviamente em temos de guerra era de se esperar por muita violência e isso certamente você encontrará no filme. Há inclusive cenas de estupro e assassinatos sumários. O ponto de vista de uma mulher, civil, tentando sobreviver a uma guerra insana como aquela, é o grande triunfo desse roteiro, porque ao invés de explorar as grandes batalhas ele foca sua ponto de vista para o medo e a agonia de quem está fora do campo de batalha, em casa, mas que teve que lidar com tudo após a própria guerra chegar em sua porta. Um bom filme, valorizado por algumas belas cenas como a que está no poster, com Augusta vendo o horizonte vermelho por causa das explosões no front de batalha.

The Keeping Room (Estados Unidos, 2014) Direção: Daniel Barber / Roteiro: Julia Hart / Elenco: Brit Marling, Hailee Steinfeld, Sam Worthington / Sinopse: Três mulheres tentam sobreviver em uma velha casa de fazenda do sul quando os primeiros soldados da União chegam na região durante a Guerra Civil Americana. Em tempos de vida ou morte apenas as mais fortes conseguirão sobreviver.

Pablo Aluísio.

Fúria em Alto Mar

Quando o filme começa dois submarinos, um americano e um russo, atravessam o mar embaixo de grossas camadas de gelo. De repente algo acontece com o submarino russo que vai ao fundo. Depois a embarcação americana é igualmente atacada por um torpedo e afunda. O que teria acontecido? Para a missão de investigação e resgate é enviado o capitão Joe Glass (Gerard Butler). Ele não tem muito experiência de comando, mas conta com uma boa tripulação em um submarino nuclear de última geração. Assim começa esse "Fúria em Alto Mar" que tinha tudo para dar certo. Boa produção, elenco muito bom, efeitos digitais bem feitos. Tudo parecia se encaixar. O problema vem do roteiro. É um velho problema desses novos filmes de Hollywood. Os roteiristas subestimam completamente a inteligência dos espectadores e começam a forçar a barra com situações bobas, juvenis, inverossímeis ao extremo.

Tudo bem fazer um filme sobre submarinos. Esse é aliás um dos estilos de filmes de guerra mais consagrados. O problema é fazer um filme bobo. Para se ter uma ideia do tamanho da bobagem, em determinado momento a missão do submarino comandado pelo personagem de Butler passa a ser ir até um dos mais seguros portos da marinha russa, onde está metade da frota daquele país, para resgatar o próprio presidente russo de um golpe militar! Que bobagem! Com isso nem mesmo a mais bem feita produção e nem mesmo o melhor elenco conseguem escapar da vergonha alheia. Se tivessem apostado numa trama adulta e séria, esse seria um grande filme sobre a marinha. Do jeito que ficou só aborrece e causa decepção!

Fúria em Alto Mar (Hunter Killer, Estados Unidos, 2018) Direção: Donovan Marsh / Roteiro: Arne Schmidt, Jamie Moss / Elenco: Gerard Butler, Gary Oldman, Common, Alexander Diachenko, Michael Nyqvist / Sinopse: Joe Glass (Gerard Butler) é o capitão de um submarino americano que é enviado para uma missão extremamente perigosa, que poderá até mesmo causar uma guerra nuclear entre as potências mundiais.

Pablo Aluísio.

A Última Estação

Excelente filme que conta a história das últimas semanas de vida do escritor russo Leon Tolstói (Christopher Plummer). Ele ficou mundialmente conhecido ao escrever verdadeiras obras primas da literatura mundial como Guerra e Paz (1869) e Anna Karenina (1877). No filme seu editor e amigo de longa data manda um jovem rapaz chamado Valentin (James McAvoy) para trabalhar como seu secretário particular. Uma vez na casa de Leon Tolstói ele passa a vivenciar tudo o que estava acontecendo em sua vida pessoal, inclusive seu conturbado relacionamento com a esposa, Sofya (Helen Mirren), uma mulher de temperamento forte e explosivo. Um dos aspectos mais interessantes é que o velho escritor tinha planos de levar em frente um movimento baseado em uma nova forma de encarar a vida. Entre as coisas que pregava estava o desprendimento de coisas materiais. O problema é que ele próprio era um conde, membro da elite e da nobreza russa, vivendo em uma bela mansão, com muitos servos trabalhando em sua propriedade rural. Até que um dia ele acaba brigando com a esposa e decide colocar em prática seus ensinamentos, com consequências trágicas. Tudo o que se vê na tela foi baseado em fatos históricos reais.

Além de ter um ótimo roteiro, esse filme ainda conta com um elenco primoroso, a começar por Christopher Plummer, com longa barba grisalha e quase irreconhecível em sua caracterização de Tolstói; Helen Mirren dispensa maiores apresentações, uma das grandes damas do cinema atual. E completando o elenco de talentos temos até mesmo Paul Giamatti como o amigo de longa data e editor de Leon Tolstói. Ele tem uma posição interessante no meio de tantos personagens marcantes, porque no fundo almeja que o velho escritor doe todos os direitos autorais de sua obra para a humanidade, algo que enfurece a esposa do autor, afinal esse seria o grande tesouro para a família dele. Enfim, ótimo filme que conta uma história que se não fosse baseada em tudo o que aconteceu, poderia facilmente se passar por mais um romance escrito pelo próprio Tolstói.

A Última Estação (The Last Station, Inglaterra, Alemanha, Rússia, 2009) Direção: Michael Hoffman / Roteiro: Michael Hoffman, Jay Parini / Elenco: Christopher Plummer, Helen Mirren, James McAvoy, Paul Giamatti / Sinopse: No fim de sua vida, o escritor russo Leon Tolstói (Christopher Plummer) decide colocar em prática tudo aquilo que pregou em vida na sua obra literária. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Helen Mirren) e Melhor Ator (Christopher Plummer). Também indicado ao Globo de Ouro e ao Screen Actors Guild Awards nas mesmas categorias.

Pablo Aluísio.

Bel Canto

Um filme fraco, apesar de contar com um bom elenco. Na estória um grupo de pessoas influentes da alta sociedade se reúne para a apresentação da cantora lírica Roxanne Coss (Julianne Moore). Tudo acontece em Lima, no Peru. No meio do concerto um grupo de guerrilheiros de esquerda invade o lugar e toma todas as pessoas presentes de reféns. Exige como resgate a libertação de todos os presos políticos do país, além da presença do presidente da república. Duas reivindicações impossíveis de serem cumpridas. Enquanto o impasse ocorre todos os reféns ficam nas mãos dos guerrilheiros. E aí começa o grande erro do filme. O roteiro começa a simpatizar com o grupo criminoso. Eles são retratados como revolucionários de boa índole! Como assim? São sequestradores que ameaçam pessoas inocentes de morte! A cantora até mesmo começa a ensinar e dar aulas de canto para um dos paramilitares. A partir daí o filme despenca por causa de todas as suas péssimas intenções.

Mal realizado e com um roteiro absurdo desses tudo vai por água abaixo. Não há salvação. Nem o bom elenco salva o filme. Julianne Moore já fez tantos filmes bons ao longo de sua carreira que esse aqui vai se tornar apenas uma mancha em sua filmografia. Christopher Lambert, que chegou a ser bem popular nos anos 80, ressurge para um papel de refém sem maior importância. Até Ken Watanabe não tem muito o que fazer. Enfim, um filme realmente fraco e sem mensagem. Pura perda de tempo.

Bel Canto (Estados Unidos, 2018) Direção: Paul Weitz / Roteiro: Paul Weitz, Anthony Weintraub / Elenco: Julianne Moore, Ken Watanabe, Christopher Lambert, María Mercedes Coroy, Sebastian Koch / Sinopse: Roxanne Coss (Julianne Moore) é uma cantora lírica americana que vai se apresentar em Lima, no Peru e lá acaba refém de um grupo guerrilheiro de esquerda.

Pablo Aluísio.