Espionagem Internacional

Título no Brasil: Espionagem Internacional
Título Original: Triple Cross
Ano de Produção: 1966
País: Inglaterra, França
Estúdio: Cineurop
Direção: Terence Young
Roteiro: René Hardy, baseado no livro de Frank Owen
Elenco: Christopher Plummer, Yul Brynner, Romy Schneider, Trevor Howard
  
Sinopse:
Durante a Segunda Guerra Mundial o ladrão de cofres inglês Eddie Chapman (Christopher Plummer) é preso na França e condenado a 14 anos de prisão. Quando a França é invadida por tropas nazistas ele propõe um acordo com o diretor da prisão onde está encarcerado: como inglês ele pode facilmente se infiltrar nas linhas inimigas, espionando para o Terceiro Reich. Após forjarem sua morte - para evitar futuras suspeitas - Chapman acaba sendo submetido a um intenso treinamento para em breve sair em campo, espionando sua antiga nação em prol da Alemanha de Hitler. Roteiro baseado em fatos reais. Filme premiado pela Bambi Awards na categoria de Melhor Ator coadjuvante (Gert Fröbe). 

Comentários:
"Espionagem Internacional" é um filme de guerra que tenta fugir um pouco do óbvio. Ao invés de mostrar a guerra dos campos de batalha, do front, seu roteiro se concentra em explorar a intensa guerra de espionagem que se criou entre países aliados e países do eixo. Entre as armas usadas nessa linha de frente havia a procura pelo recrutamento de nacionais das nações inimigas. É justamente isso que ocorre quando o serviço de inteligência da Alemanha Nazista resolve trazer para suas fileiras um inglês, o ladrão de cofres Eddie Chapman (Christopher Plummer). Para ele seria uma troca interessante: condenado a 14 anos de prisão nada poderia cair melhor do que começar uma carreira de espião para os alemães, sendo devidamente pago com isso, além da possibilidade de ir embora da prisão de uma vez por todas. Então Chapman começa seu treinamento. Inicialmente ele é submetido a vários testes de lealdade, para só depois ser enviado em uma missão para valer. Acontece que Eddie não se furta a também começar a trabalhar para os ingleses, se tornando dessa maneira um agente duplo, sempre caminhando no fio da navalha. 

Ora parece passar planos e informações importantes dos britânicos para os nazistas, ora realiza a direção inversa, entregando os alemães para os ingleses. Coisas de alguém que precisa ser muito sutil (e nada ético) para sobreviver naquele meio insano, perigoso e altamente violento. Acaba se saindo tão bem que é condecorado até mesmo com uma Cruz de Ferro, a mais alta condecoração militar alemã. O filme como um todo é muito bom, com boa trama (obviamente focada no mundo da espionagem) e luxos de produção, como por exemplo, contar com os famosos Yul Brynner e Romy Schneider como meros coadjuvantes. Mesmo sendo dirigido por um especialista nesse tipo de produção (o diretor Terence Young que dirigiu vários filmes da franquia James Bond) temos também que admitir que existem certos problemas, principalmente de ritmo e desenvolvimento. A todo momento ficamos torcendo para que uma edição mais eficiente surja, embora depois tenhamos a consciência que isso realmente nunca vai acontecer. Mesmo assim, com eventuais falhas, o filme como um todo é plenamente indicado, principalmente para quem curte esse estilo de história. Uma visão diferente da II Guerra Mundial que certamente agradará aos fãs do tema.

Pablo Aluísio.

As Minas do Rei Salomão

Título no Brasil: As Minas do Rei Salomão
Título Original: King Solomon's Mines
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Compton Bennett e Andrew Marton
Roteiro: Helen Deutsch, baseada no livro de H. Rider Haggard
Elenco: Deborah Kerr, Stewart Granger, Richard Carlson, Lowell Gilmore
  
Sinopse:
Uma aristocrata britânica chamada Elizabeth Curtis (Deborah Kerr) decide contratar os serviços do explorador e caçador Allan Quatermain (Stewart Granger) para localizar seu marido desaparecido em terras desconhecidas do continente africano. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Filme. Vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Direção de Fotografia (Robert Surtees) e Melhor Edição (Ralph E. Winters e Conrad A. Nervig). Também vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Direção de Fotografia.

Comentários:
Ontem assisti a versão de 1950 para a clássica história de "As Minas do Rei Salomão" de H. Rider Haggard. Na literatura esse livro é considerado um dos grandes ícones da aventura e no cinema temos várias versões interessantes sobre as aventuras de Allan Quatermain pelo continente africano selvagem. Nessa produção temos como estrelas o grande caçador branco Stewart Granger e Deborah Kerr. Ela interpreta Elizabeth Curtis, uma inglesa que desesperada após o desaparecimento do próprio marido na África, resolve procurá-lo indo até a região onde ele foi visto pela última vez. O sujeito estava com a ideia fixa de encontrar as mitológicas e lendárias minas de diamantes que um dia pertenceram ao Rei Salomão. Em posse de um mapa antigo resolveu encarar uma expedição em território hostil e nunca antes explorado por homens brancos. Depois que entrou naquele lugar simplesmente sumiu sem deixar vestígios. Assim Elizabeth resolve contratar os serviços do caçador, explorador e aventureiro Allan Quatermain (Stewart Granger). Há muitos anos vivendo na África ele ganha a vida organizando safáris para britânicos endinheirados em busca de alguma aventura em suas vidas. A exploração que Elizabeth pensa fazer porém é algo bem diferente. Significa ir em terras distantes, inexploradas e sem mapeamento confiável. Inicialmente Allan recusa a oferta porém cinco mil libras o fazem mudar de ideia. Ele que pretende um dia voltar para a Inglaterra vê aquele dinheiro como uma saída da África para voltar a Londres onde pode ajudar seu filho. Juntos, Allan Quatermain e Elizabeth Curtis, saem então em direção ao desconhecido, começando uma aventura inesquecível.

Essa versão clássica de "As Minas do Rei Salomão" tem vários aspectos interessantes que não deixaram o filme em si envelhecer tanto como era esperado. O roteiro, sempre com um pé no chão, apostando no realismo (ao contrário da boba versão dos anos 80 estrelada por Richard Chamberlain), aposta no exótico da natureza selvagem africana, no relacionamento dos protagonistas e nas maravilhosas cenas tomadas em locações reais. Esse aliás é o grande diferencial do filme como um todo. Se os produtores tivessem filmado a produção em estúdio, na velha Hollywood, certamente teríamos uma sensação ruim, de coisa falsa. Ao contrário disso toda a equipe técnica e elenco foram realmente para a África, com cenários naturais reais, tudo feito in loco. Isso tornou o filme de certa maneira imune ao tempo. Afinal de contas excelentes cenas naturais nunca envelhecem. Talvez o que realmente envelheceu e saiu de moda seja o próprio personagem Allan Quatermain. Ele é um caçador de animais e hoje em dia nada é mais odiado pela mentalidade ecológica predominante do que caçadores em geral (vide aquele recente caso envolvendo a caça e morte daquele leão em um santuário africano que ganhou todas as manchetes mundo afora). E como agravante o filme traz a morte real de um elefante logo nas suas primeiras cenas. O magnífico animal foi comprado pelos produtores e morto de fato para impressionar o público na época. A cena aliás é tristemente realista pois após levar o tiro certeiro o elefante cai no chão, tremendo, em estado de choque, tentando sobreviver enquanto outros elefantes fazem de tudo para levantá-lo do chão. Sob o ponto de vista moderno foi algo desprezível de se fazer, chocante mesmo! Provavelmente cenas como essa deixem o filme com um selo ruim, de algo maldito, que não deve ser mais refeito nos dias de hoje. Em minha visão isso é um olhar que não leva em conta o contexto histórico do momento em que o filme foi lançado, há mais de 60 anos atrás. Afinal de contas naquela época ser um caçador na África ainda era visto como algo heroico e altamente engrandecedor. Os tempos mudam.

Pablo Aluísio.

A Dama da Madrugada

Título no Brasil: A Dama da Madrugada
Título Original: All in a Night's Work
Ano de Produção: 1961
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Joseph Anthony
Roteiro: Edmund Beloin, Maurice Richlin
Elenco: Dean Martin, Shirley MacLaine, Cliff Robertson, Charles Ruggles
  
Sinopse:
Após a morte de seu tio, um rico dono de empresas de comunicações, o playboy e boa vida Tony Ryder (Dean Martin) se torna seu único herdeiro. Nadando em dinheiro, ele precisa antes abafar algo escandaloso que aconteceu na noite em que seu tio milionário morreu. Segundo as investigações da polícia ele estaria acompanhado de uma mulher misteriosa e todas as pistas levam para uma de suas próprias funcionárias, a jovem Katie Robbins (Shirley MacLaine). Depois que Tony a conhece pessoalmente, ele se convence que ela estaria chantageando a empresa indiretamente, exigindo uma fortuna para se calar sobre tudo o que aconteceu. Seria apenas um mal-entendido ou haveria algum fundo de verdade em todas essas suspeitas?

Comentários:
Esse roteiro foi originalmente escrito para ser estrelado pela atriz Marilyn Monroe, mas acabou sendo recusado por ela que queria naquele momento da carreira queria se livrar de uma vez por todas do velho estigma de somente interpretar personagens loiras e burras. Como era um bom script acabou indo parar na Paramount que convenceu a atriz Shirley MacLaine a fazer o filme. Isso deu um aspecto muito interessante ao quesito atuação pois não era bem do estilo de MacLaine interpretar mocinhas tão tolinhas e bobinhas como essa. Mesmo assim ela acabou se saindo muito bem, até porque Shirley tinha um rosto angelical na época, o que combinava muito bem com o papel que interpretava. Ao seu lado surge o cantor Dean Martin como galã romântico, pero no mucho, que se apaixona perdidamente por ela. Quem escalou Martin foi justamente a atriz pois ela o tinha conhecido no set de filmagens de "Onze Homens e um Segredo". Conversa vai, conversa vem, Dean disse que ambos deveriam trabalhar juntos e quando a oportunidade bateu a porta, Shirley convenceu os produtores a contratarem o cantor que naquela época ainda tentava se firmar em uma carreira solo após o rompimento com Jerry Lewis. 

Aliás o produtor desse filme era justamente Hal Wallis, que havia produzido inúmeras fitas da dupla no passado (ele também ficou bem associado a Elvis Presley no cinema pois também produziu vários filmes do Rei do Rock, inclusive o grande sucesso de bilheteria "Feitiço Havaiano", lançado nesse mesmo ano de 1961). Pois bem, o roteiro é o de uma comédia de erros, ou seja, todo o enredo se desenvolve baseando-se na imagem errada que fazem da personagem de Shirley MacLaine. Seu novo padrão (Martin) pensa que ela é na verdade uma chantagista que estaria atrás de dinheiro após se envolver com o falecido tio dele, dono do império de revistas e publicações que herdou. Já para os pais de seu noivo ela teria algo a esconder pois teria dinheiro demais para comprar um fino casaco de peles, apesar de ser apenas uma trabalhadora comum (fato que o roteiro explica tudo, com bom muito bom humor!). Enquanto todos pensam mal dela a verdade pura e simples é que a garota é apenas uma ingênua mocinha que nunca fez mal a ninguém. A grande virtude desse "All in a Night's Work" é que o diretor Joseph Anthony optou por realizar uma comédia ágil, eficiente, com ótimo ritmo e desenvolvimento, além de ter curta duração o que evita o espectador de se aborrecer. Com um humor ligeiro e até inocente (para os padrões atuais) o filme cumpre o que promete, divertir e entreter o espectador, tudo apoiado no grande carisma da dupla central, MacLaine e Martin. Está de bom tamanho.

Pablo Aluísio.

Entre o Amor e o Pecado

Título no Brasil: Entre o Amor e o Pecado
Título Original: Forever Amber
Ano de Produção: 1947
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Otto Preminger
Roteiro: Philip Dunne, Ring Lardner Jr
Elenco: Linda Darnell, Cornel Wilde, Richard Greene, George Sanders, Jessica Tandy, Glenn Langan

Sinopse:
Durante o reinado de Charles II da Inglaterra, uma camponesa chamada Amber St. Clair (Linda Darnell) se apaixona pelo aventureiro e corsário Bruce Carlton (Cornel Wilde). Seguindo seu coração, ela decide segui-lo até Londres, onde ela toma contato pela primeira vez com a corte real. Seu amado vai para o mar e a deixa, mas Amber não desiste. Embora venha a se relacionar com outros nobres ao longo do anos, ela jamais consegue esquecer o grande amor de sua vida. E passa a esperar pela chance de voltar um dia aos seus braços.

Comentários:
Filme romântico muito bem produzido. É um romance de época, passado no século XVII. Isso significa ter uma bela produção, com excelentes figurinos. Tão caprichado é o filme que conseguiu ser até mesmo indicado ao Oscar na categoria de Melhor Música (de autoria de David Raksin). O roteiro também é muito bem escrito, explorando uma época particularmente complicada da história da Inglaterra. Há uma guerra civil a ser superada, um rei com problemas e a presença da peste negra, matando milhares de pessoas por todo o reino. É justamente nesse cenário de caos que a bela donzela Amber (em boa interpretação de Linda Darnell) tenta viver. Ela é o que hoje em dia poderia se chamar de "alpinista social". De origem humilde ela começa a se relacionar com nobres ricos e poderosos, incluindo um Duque bem mais velho do que ela, com quem acaba se casando. Seus bons contatos sociais a levam até mesmo ao rei Charles II (Sanders) que não perde a oportunidade de cortejá-la! Seu coração porém pertence apenas a um homem, um corsário, um capitão de caravelas que passa mais tempo nos mares do que em casa. Ela tem um filho dele e jamais o esquece, embora seu romance seja cheio de sobressaltos e dramas. No geral é um daqueles romances ao velho estilo que merecem uma revisão. Tudo muito bem trabalhado, escrito, ambientado. O enredo original vem de um romance vitoriano escrito pela autora Kathleen Winsor. Tudo muito romântico e dramático, especialmente indicado para o público feminino, que certamente vai apreciar bastante esse bom drama romântico de época. Um filme até mesmo inspirador, para corações apaixonados que não desistem de viver o grande amor de sua vida.

Pablo Aluísio.

O Príncipe Negro

Título no Brasil: O Príncipe Negro
Título Original: The Dark Avenger
Ano de Produção: 1955
País: Inglaterra
Estúdio: Allied Artists Pictures
Direção: Henry Levin
Roteiro: Daniel B. Ullman
Elenco: Errol Flynn, Joanne Dru, Peter Finch, Yvonne Furneaux, Michael Hordern, Moultrie Kelsall

Sinopse:
Idade Média. Durante a Guerra dos Cem Anos entre Inglaterra e França, após uma violenta batalha em solo francês, o Rei Edward VIII (Michael Hordern) resolve voltar para a Inglaterra, pois seu reino também está sofrendo com rebeliões internas. Para cuidar, proteger e administrar de seus territórios franceses recém conquistados o Rei resolve deixar seu filho, o Príncipe de Gales (Flynn), responsável por tudo. Não será algo fácil. Os senhores feudais franceses querem a expulsão dos ingleses a todo custo e farão de tudo para reconquistarem suas terras e castelos.

Comentários:
Produção medieval B ao estilo capa e espada dos estúdios ingleses Allied Pictures. O grande destaque vem da presença do antigo astro da Warner Errol Flynn. No passado ele havia estrelado algumas das mais caras e ricas produções de Hollywood, muitas sob direção de Michael Curtiz. Quando realizou esse filme porém Flynn já estava em fim de carreira. O ator havia destruído parte de sua fama nos Estados Unidos por causa de bebidas, drogas e mulheres. Além disso, como foi descoberto depois por alguns biógrafos, ele também colaborou com os nazistas durante a II Guerra Mundial, se tornando um espião de Berlim em Hollywood. Tudo isso obviamente colaborou para que ele entrasse em decadência. Quando foi para Inglaterra atuar nesse "O Príncipe Negro" ele já estava praticamente acabado. E isso se nota bem no filme. Flynn está com um aspecto envelhecido, fora de forma (inchado para falar a verdade), com pouca disposição em atuar bem. Pior do que isso, ele está muito velho no papel, pois no roteiro o príncipe que interpreta era apenas um jovem inexperiente que acaba causando surpresa em todos por causa de sua coragem e valentia. Ora, o personagem deveria ter no máximo 20 anos de idade, mas quando Flynn o interpretou já estava com 45! Assim tudo soa pouco convincente. Outro aspecto que chama a atenção nesse filme é que a fotografia é bem mais escura do que o habitual, tudo para esconder o orçamento limitado da própria produção. Um velho artifício dos filmes noir que foi usado por essa produção de aventuras medievais. Em suma, um momento menor de um grande astro do cinema clássico em Hollywood que deixou tudo lhe escapar por causa dos excessos que cometeu em sua breve e conturbada vida. Vale porém pela curiosidade histórica, especialmente indicado para os fãs de Errol Flynn.

Pablo Aluísio.

As Noivas do Vampiro

Título no Brasil: As Noivas do Vampiro
Título Original: The Brides of Dracula
Ano de Produção: 1960
País: Inglaterra
Estúdio: Hammer Films
Direção: Terence Fisher
Roteiro: Jimmy Sangster, Peter Bryan
Elenco: Peter Cushing, Martita Hunt, David Peel, Yvonne Monlaur
  
Sinopse:
Durante uma viagem pela Transilvânia a jovem professora Marianne Danielle (Yvonne Monlaur) se vê sem transporte pois seu cocheiro resolve desaparecer, muito provavelmente por estar apavorado com aquele sinistro lugar. Abandonada numa taverna local e sem ter para onde ir ela resolve aceitar o gentil convite da Baronesa Meinster (Martita Hunt) para passar a noite em seu castelo no alto das montanhas. O que Danielle não sabe é que o filho da Baronesa é um vampiro, mantido acorrentado em seus aposentos desde que virou uma sedenta criatura da noite. Como ela poderá sobreviver a essa terrível noite de terror?

Comentários:
Em 1958 o diretor Terence Fisher realizou o maior sucesso de bilheteria da Hammer, o filme "O Vampiro da Noite", onde o ator Christopher Lee interpretava o lendário Conde Drácula. O filme foi um grande êxito comercial porém havia um problema para realizar sua continuação: Drácula havia sido morto na última cena. Como então retomar a franquia? A solução encontrada pelos roteiristas foi explorar potenciais infectados pelo Conde no filme anterior, afinal ele havia atacado várias pessoas em sua jornada de horror. Um desses infectados seria justamente o jovem Barão Meinster (David Peel). Depois que vira um vampiro sua mãe o deixa preso em seu quarto, aprisionado por pesadas correntes. Quando uma jovem professora em visita à mansão, Marianne Danielle (Yvonne Monlaur), descobre esse fato fica imediatamente horrorizada, afinal que tipo de mãe aprisionaria seu próprio filho daquela maneira? Inocente da situação e iludida pelas falsas boas intenções do Barão vampiresco ela decide libertá-lo após roubar as chaves do cadeado que o mantém preso. 

Solto, livre e sedento de sangue o Barão então começa sua fileira de vítimas a começar por sua própria mãe a quem ele não parece nada disposto a perdoar. Para salvar os moradores da pequena vila ao pé da montanha, o padre local decide chamar o cientista e especialista no assunto Dr. Van Helsing (Peter Cushing) que precisará enfrentar o Barão ao mesmo tempo em que tenta salvar a vida de jovens donzelas que foram mordidas pelo monstro e que agora são chamadas de "As Noivas de Drácula" (daí o título original da fita). Esse clássico terror da Hammer não poderia ser mais charmoso. Ao lado de uma maravilhosa direção de arte - com cenários bem construídos, efeitos especiais que para a época funcionavam muito bem e muito clima sombrio - se soma um roteiro bem escrito que resgata todos os pontos mais centrais dessa mitologia de vampiros (e que até hoje segue sendo utilizados, é bom frisar). Dessa maneira o diretor Terence Fisher acabou realizando uma pequena obra prima do gênero, fugindo do aspecto puramente comercial, o que poderia certamente se transformar na ruína do filme como um todo. Vale a indicação, principalmente para os que adoram esse tipo de produção ao velho estilo. Tudo muito sofisticado e de bom gosto.

Pablo Aluísio.

O Incrível Homem Que Encolheu

O filme mostra a incrível estória de Scott Carey que em férias acaba sendo contaminado por uma nuvem radioativa. Inicialmente nada parece mudar em sua vida e em sua saúde até que passado algum tempo ele começa a sofrer com uma incrível diminuição em seu tamanho, o tornando finalmente numa criatura menor do que um alfinete! Agora terá que sobreviver em sua própria casa, enfrentando insetos e animais domésticos que devido à sua pequenez se tornam monstros terríveis! Grande clássico de ficção científica dos anos 1950 que vai muito além de seus criativos e bastante eficientes efeitos visuais. A estória é simples, mas seu conteúdo difere do tradicional ao realizar uma viagem "literal" de um homem em constante luta em sua determinação de provar sua existência, por mais que tudo esteja contra ele. Desde o inicial constrangimento (a perda do amor de sua esposa) passando pela ferrenha luta pela vida (sua morte pode vir de uma simples aranha de casa), até quando sua vontade de viver irá prevalecer?

Se formos analisar bem esse roteiro veremos algumas características bem interessantes da época em que o filme foi feito. A paranoia em relação a tudo que se relacionasse com radioatividade é uma delas. Em pleno auge da guerra fria havia um sentimento de insegurança e paranoia envolvendo armas nucleares e tudo aquilo que envolvesse tecnologia atômica. Assim os roteiristas dos anos 50 usavam a radioatividade como desculpa para tudo, inclusive mutações terríveis ou eventos inexplicáveis. O mal uso da tecnologia nuclear tanto podia dar origem a monstros imensos - como o famoso Godzilla e criaturas semelhantes - como aumentar ou diminuir o tamanho dos seres vivos - aranhas gigantes ou então seres humanos se tornando criaturas pequeninas. Aliás esse filme iria inspirar uma das séries mais populares da TV americana, "Terra de Gigantes" que iria também se tornar campeã de audiência no Brasil. De uma maneira ou outra "The Shrinking Man" é certamente um clássico Sci-Fi de uma época em que o cinema era mais romântica e até mesmo inocente - e cativamente envolvente.  Amarrado com ótimas cenas de tensão, o filme termina de forma ousada, em momento de existencialismo filosófico, coisa pouco comum, principalmente para a época. E para os interessados no enredo o livro saiu há pouco no Brasil, numa coletânea de histórias do Richard Matheson, Indicadíssimo!

O Incrível Homem Que Encolheu (The Shrinking Man, EUA, 1957) Direção: Jack Arnold / Roteiro: Richard Matheson, baseado na novela escrita por Richard Matheson / Elenco: Grant Williams, Randy Stuart, April Kent / Estúdio: Universal Pictures / Sinopse: Homem sofre os efeitos da radiotividade e se torna minúsculo. Agora terá que sobreviver a um novo mundo, onde insetos e animais domésticos se tornam grande ameaças - seres monstruosos em relação ao seu pequenino tamanho. Filme vencedor do Hugo Awards na categoria de Melhor Direção e Roteiro Adaptado.

Pablo Aluísio. 

O Abominável Homem das Neves

Título no Brasil: O Abominável Homem das Neves
Título Original: The Abominable Snowman
Ano de Produção: 1957
País: Inglaterra
Estúdio: Clarion Films, Hammer Films
Direção: Val Guest
Roteiro: Nigel Kneale
Elenco: Peter Cushing, Forrest Tucker, Maureen Connell
 
Sinopse:
O Dr. Rollason (Peter Cushing) é um cientista que vai até o Himalaia para estudar plantas raras da região do Tibete. Ele procura entender os segredos da natureza de um dos lugares mais inóspitos do planeta. Quando o caçador Tom Friend (Forrest Tucker) chega também por lá para uma expedição nos picos gelados das montanhas o Dr. Rollason resolve aceitar o convite para seguir com eles na escalada. O que o pesquisador não sabe é que Friend almeja encontrar o mitológico Yeti, conhecido como Abominável Homem das Neves, um primata gigante e ainda desconhecido da ciência que supostamente vive nas neves eternas daquele lugar desconhecido do homem.

Comentários:
Também conhecido como "O Monstro do Himalaia" esse filme mostra porque os estúdios ingleses da Hammer são tão cultuados até hoje em dia. O filme é muito bom, sob qualquer ponto de vista que se analise. Inicialmente o espectador pode pensar que tudo não passa de um filme sobre monstros, mas o roteirista Nigel Kneale reservou algumas surpresas. Para os anos 50 o filme traz uma curiosa mensagem ecológica fazendo um curioso paralelo entre o homo sapiens (o ser humano moderno) e aquela espécie primata ainda desconhecida, provavelmente o elo perdido da evolução da humanidade. Contribui muito para isso o muito bem escrito personagem interpretado por Peter Cushing. Como cientista ele está acima de tudo interessado em desvendar esses caminhos perdidos da teoria da evolução de Darwin, o que lhe faz logo ter um confronto de ideias com Friend (Tucker), o líder da expedição, que só pensa em capturar o Yeti para lucrar com ele. Em suma, o primeiro está ali pela ciência e o outro apenas pelo aspecto comercial que poderia lhe trazer ao prender em jaulas um animal tão raro como aquele. Para criar o clima adequado o cineasta Val Guest joga com a sutileza e o suspense. Nada de banalizar a figura da criatura. Ela permanece nas sombras até os dois últimos minutos finais, quando a mensagem do roteiro muda radicalmente levando o espectador para uma reflexão maior sobre sua existência. Pode parecer pretensioso demais, mas o fato é que "The Abominable Snowman" é muito mais do que um mero filme de monstros dos anos 50. Basta ser um pouco mais inteligente e perspicaz para entender isso. Mesmo após tantas décadas de seu lançamento o filme seguramente segue sendo o melhor sobre o tema. Muito bom, merece aplausos. A Hammer era realmente diferenciada nesse aspecto. Assista e comprove você mesmo.

Pablo Aluísio.

As Profecias do Dr. Terror

Título no Brasil: As Profecias do Dr. Terror
Título Original: Dr. Terror's House of Horrors
Ano de Produção: 1965
País: Inglaterra
Estúdio: Amicus Productions
Direção: Freddie Francis
Roteiro: Milton Subotsky
Elenco: Christopher Lee, Peter Cushing, Donald Sutherland, Roy Castle
  
Sinopse:
Durante uma viagem, em um vagão de trem, um homem misterioso que se diz chamar Dr. Schreck (Peter Cushing) começa a colocar cartas de tarot para os demais passageiros, mostrando através delas o futuro de cada um deles. Isso dá origem a uma série de contos de terror onde elementos fantásticos cruzam o caminho do destino de todos eles.

Comentários:
Um filme de terror inglês muito bem realizado, com boa produção e um elenco realmente acima da média. São cinco contos de terror, todos eles profetizados pelo Dr. Terror (Cushing), um dos passageiros em uma viagem de trem. No primeiro denominado "Werewolf" um arquiteto é contratado para ir até uma velha casa. Sua proprietária quer reformar o lugar. Ao descer no porão o sujeito descobre por acaso uma tumba que supostamente teria pertencido a um homem que em um passado distante se transformava em lobisomem nas noites de lua cheia. Em "Creeping Vine" uma planta misteriosa parece ter inteligência, matando todos os que cruzam seu caminho. No terceiro conto chamado "Voodoo" um músico inglês em viagem a um país caribenho debocha de uma antiga divindade vodu. Ele resolve copiar a música usada em cultos religiosos a essa divindade e a leva de volta a Londres com consequências terríveis para todos. "Disembodied Hand" mostra um arrogante e petulante crítico de arte, Franklyn Marsh (Christopher Lee), que parece ter imenso prazer em desmoralizar o trabalho de alguns pintores. Ao ser humilhado por um deles, resolve se vingar, passando com seu carro em cima da mão desse artista. Ele morre, mas sua mão resolve voltar do além para acertar contas com o assassino. Por fim, fechando o filme, surge o quinto conto, "Vampire". Um jovem médico, o Dr. Bob Carroll (Donald Sutherland) tem sua vida, que parecia tão perfeita, virada de cabeça para baixo ao descobrir que sua jovem e bela esposa é na verdade uma vampira. Todas as estórias possuem uma fina ironia, típica do humor negro inglês, que melhora ainda mais o resultado final. Como era de se esperar alguns contos são melhores do que os outros, mas de uma maneira em geral tudo é muito divertido, nostálgico e até mesmo saboroso. Um exemplo perfeito do charme do cinema inglês em seu momento de auge criativo no gênero terror. Imperdível realmente.

Pablo Aluísio.

Diário de um Louco

Título no Brasil: Diário de um Louco
Título Original: Diary of a Madman
Ano de Produção: 1963
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: Reginald Le Borg
Roteiro: Robert E. Kent
Elenco: Vincent Price, Nancy Kovack, Chris Warfield, Elaine Devry, Ian Wolfe, Stephen Roberts
 
Sinopse:
Baseado na obra do escritor francês Guy de Maupassant, o filme narra a estranha estória do magistrado Simon Cordier (Vincent Price). Após sua morte, o seu diário pessoal é aberto e seu conteúdo revelado. Em suas páginas o respeitado juiz então relembra o caso Girot. Um homem havia sido condenado à morte pelo assassinato de várias pessoas. Ele porém se defendia até o último momento dizendo que não havia realmente cometido os crimes, mas sim uma entidade demoníaca que tomou controle de sua mente. Após conhecer pessoalmente o acusado Louis Girot em sua cela, o juiz Cordier começa a ter estranhas alucinações com a mesma entidade que o prisioneiro alegava existir! Loucura ou mais um caso inexplicável de possessão?

Comentários:
Esse é certamente um dos filmes mais interessantes da carreira do ator Vincent Price. Isso porque seu roteiro tem uma elegância e um desenvolvimento tão sui generis que acabam se destacando em sua vasta filmografia. Price interpreta um juiz muito íntegro e honesto que se vê envolvido em uma situação do qual não consegue mais ter controle. Viúvo e solitário, ele começa a se envolver com uma jovem ambiciosa que deseja apenas colocar as mãos em sua fortuna. Ela já é casada com um pobre pintor, um artista que não consegue vender nem seus próprios quadros. Cansada dele, resolve dar o golpe do baú no velho magistrado. O problema é que o veterano juiz começa a ter alucinações, ouvindo vozes de uma entidade sobrenatural. Essas crises começaram logo após ele visitar um homem acusado de assassinatos que alegava que essas mesmas vozes o levava a cometer atrocidades. Depois desse dia essa voz - essencialmente maquiavélica - começa então a torturar a mente do magistrado Cordier (Price) e ele aos poucos vai trilhando o caminho da loucura. Uma forma do juiz tentar se livrar delas vem justamente nesse novo romance improvável que surge em sua vida. O problema é que sendo a garota uma aproveitadora, ela poderá se tornar facilmente uma das suas próximas vítimas. O curioso roteiro também surpreende ao tentar dar uma explicação ao estranho fenômeno o denominando de "horla". Em nenhum momento é revelado ao espectador que estaria havendo algum tipo de possessão demoníaca em tudo o que está acontecendo, embora em determinada cena a aversão dessa entidade a uma cruz que surge demonstre justamente o contrário. Assim o texto do escritor do século XIX Guy de Maupassant se mostra mais complexo do que se possa imaginar. Em relação a Price o grande destaque é a possibilidade dele desfilar na tela toda a sua elegância natural e seus modos de um típico cavalheiro. Na vida real Price era um gentleman, um homem muito culto e refinado, que aqui encontrou um personagem à altura de sua verdadeira personalidade. Em suma, um filme de terror psicológico que se diferencia por sua inteligência e complexidade. É seguramente um dos filmes mais recomendados de Vincent Price. Não deixe de conhecer.

Pablo Aluísio.

A Revolta dos Sete Homens

Título no Brasil: A Revolta dos Sete Homens
Título Original: Guns of the Magnificent Seven
Ano de Produção: 1969
País: Estados Unidos
Estúdio: The Mirisch Production Company
Direção: Paul Wendkos
Roteiro: Herman Hoffman
Elenco: George Kennedy, James Whitmore, Fernando Rey, Michael Ansara, Monte Markham, Frank Silvera
  
Sinopse:
Uma pequena vila no México é oprimida pelas forças militares do violento Coronel Diego (Michael Ansara). Comandando a oposição a seu regime brutal surge o líder popular Quintero (Fernando Rey), porém sua atuação é logo reprimida. Ele é preso em uma igreja antiga e levado para uma prisão de segurança máxima no meio do deserto, um lugar fortemente protegido. Para tentar libertá-lo o povo decide contratar sete mercenários americanos liderados pelo pistoleiro Chris (George Kennedy). Ao lado de seus homens ele tentará libertar Quintero da prisão, dando início a uma grande revolta popular.

Comentários:
Está em cartaz atualmente nos cinemas brasileiros o remake do clássico "Sete Homens e um Destino" de 1960. Poucos sabem porém que esse faroeste inesquecível rendeu em sua própria época uma série de filmes que procuravam levar adiante seu sucesso. Um deles foi esse tardio "Guns of the Magnificent Seven". Como já foi comentado aqui no blog antes dele houve ainda o lançamento de um segundo filme chamado "A Volta dos Sete Homens" em 1966. Pois bem, esse aqui é a terceiro filme com a marca "The Magnificent Seven". Não esperava muito, até porque tudo levaria a crer que estaríamos diante de mais uma continuação ao estilo caça-níqueis. Afinal o segundo filme, que ainda contava com parte do elenco original, já era por si só meio decepcionante. O que esperar então dessa terceira parte sem nenhum ator do elenco do clássico? Absolutamente nada! Surpreendentemente essa terceira produção não é tão ruim como era de se pensar. O filme tem seus méritos. O roteiro obviamente segue a mesma linha básica de todos os outros filmes. Temos uma população mexicana oprimida e um grupo de mercenários americanos que os libertam. Nada muito diferente. O que se inova aqui são os personagens principais, que não possuem qualquer ligação com os filmes anteriores. O elenco é muito bom, com destaque para o ator veterano George Kennedy, aqui em raro papel principal em sua carreira. Outro bom destaque vem da presença de Fernando Rey. Para quem não se lembra ele foi o vilão refinado e violento do filme "Operação França". Aqui ele interpreta um político honesto que luta pela libertação de seu povo. Em termos gerais é um faroeste realmente bom, muito melhor do que eu esperava. Obviamente passa longe da qualidade do primeiro filme, mas isso seria esperar demais. De qualquer forma temos aqui também o inesquecível tema escrito por Elmer Bernstein. A música funciona como um verdadeiro atestado de legitimidade para a produção. Em suma, pode conferir sem receios. É definitivamente um bom western, até acima da média. 

Pablo Aluísio.

Para Lá da Estrada

Título no Brasil: Para Lá da Estrada
Título Original: The Trail Beyond
Ano de Produção: 1934
País: Estados Unidos
Estúdio: Paul Malvern Productions
Direção: Robert N. Bradbury
Roteiro: Lindsley Parsons
Elenco: John Wayne, Noah Beery, Verna Hillie, Robert Frazer, James A. Marcus, Earl Dwire
  
Sinopse:
Com roteiro baseado no livro "The Wolf Hunters" de James Oliver Curwood, esse western conta a estória de Rod Drew (John Wayne), um cowboy e explorador que é enviado para minas distantes nas montanhas para localizar e encontrar um mineiro desaparecido e sua filha. Chegando lá ele descobre que o homem que procura provavelmente encontrou um importante veio de ouro e que por essa razão muito foi morto por aqueles que queriam a localização dessa fortuna em minerais. Caberá a Drew descobrir o que de fato se passou naquela região distante e esquecida.

Comentários:
Mais um faroeste dos primeiros anos da carreira do mito John Wayne. Aqui o roteiro não se contentava em apenas contar uma estória típica de bandidos e mocinhos, tiroteios e duelos, mas também em desvendar um segredo: quem teria matado o mineiro que o personagem de John Wayne teria ido resgatar? O roteiro, como era de supor, daria margem a uma boa história de detetive, assassinatos e suspense, porém como se trata de uma fita curtinha (meros 55 minutos de duração!) não havia mesmo como ir muito adiante. Assim tudo é resolvido de forma muito rápida, sem muita sofisticação ou mistério. Curiosamente o livro que deu origem ao filme, "The Wolf Hunters" (em tradução livre: "Caçadores de Lobos"), é bem mais rico nesse aspecto. Aliás esse roteiro poderia ter sido aproveitado por Wayne anos depois, quando nos anos 50 ele já estrelava filmes mais bem elaborados e bem produzidos. O ator inclusive adquiriou os direitos de adaptação dessa estória para filmar depois, mas curiosamente nunca o fez. Dizem algumas biografias que ele nunca chegou a gostar de nenhum roteiro adaptado do livro, fazendo com que uma nova versão jamais fosse feita. Uma pena.

Pablo Aluísio.

Killer Kid

Título no Brasil: Killer Kid
Título Original: Killer Kid
Ano de Produção: 1966
País: Itália
Estúdio: Elsio Mancuso Films
Direção: Leopoldo Savona
Roteiro: Sergio Garrone, Leopoldo Savona
Elenco: Anthony Steffen, Luisa Baratto, Fernando Sancho, Giovanni Cianfriglia, Howard Nelson Rubien, Virginia Darval
  
Sinopse:
Um capitão do exército, John Morrison (Anthony Steffen), é designado para combater revolucionários mexicanos que infestam as fronteiras entre México e Estados Unidos. Ele precisa localizar e matar um "Senhor da guerra", um sujeito que vive de vender armas contrabandeadas para os rebeldes. Perseguido pelos federais, ele é salvo da captura por um jovem rebelde que o leva para um acampamento de revolucionários onde o militar toma contato com a causa revolucionárias, aderindo a sua luta.

Comentários:
Western Spaghetti cujo roteiro foi obviamente escrito por um escritor de tendência esquerdista. É a velha estória: os revolucionários vermelhos, que tencionam iniciar uma revolução de cunho socialista, almejam tomar o poder através das armas. Os ocupantes do poder são geralmente retratados como corruptos, insanos e violentos, enquanto os revolucionários vermelhos são o suprassumo da bondade, da honradez e da pureza de intenções. Como bem sabemos isso tudo é bem maniqueísta. Deixando esse viés ideológico viciado de lado até que o filme é um bom faroeste italiano, valorizado por algumas cenas de combates realmente bem produzidas. O ator Anthony Steffen (1930 - 2004) que tinha pinta de americano (esse parecia ser um pré-requisito não escrito para se tornar um astro do western spaghetti) foi um veterano do cinema europeu, tendo atuado em diversas produções, de praticamente todos os gêneros cinematográficos. Curiosamente depois de alguns anos resolveu se mudar para o Rio de Janeiro, onde veio a falecer em 2004. Ele ficou encantado pela beleza natural da cidade maravilhosa e decidiu que iria curtir sua aposentadoria por lá. Quem poderia culpá-lo por isso?

Pablo Aluísio.

Wyatt Earp - O Retorno a Tombstone

Título no Brasil: Wyatt Earp - O Retorno a Tombstone
Título Original: Wyatt Earp - Return to Tombstone
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Broadcasting System (CBS)
Direção: Paul Landres, Frank McDonald
Roteiro: Daniel B. Ullman, Rob Word
Elenco: Hugh O'Brian, Harry Carey Jr, Bruce Boxleitner, Paul Brinegar, Bo Hopkins, Don Meredith
  
Sinopse:
Anos depois de ter ido embora da cidadezinha de Tombstone, o ex-xerife Wyatt Earp (Hugh O'Brian) retorna para o lugar que o tornou célebre dentro da mitologia do velho oeste americano. A região está diferente, a cidade cresceu e novos colonos se mudaram para lá em busca de uma vida melhor. Velhas rixas porém se negam a morrer e a volta de Earp a Tombstone revive velhas rivalidades que voltam à tona com sua presença. Um clima de duelo e acerto de contas começa então a pairar sobre as ruas empoeiradas de Tombstone.

Comentários:
A história do xerife Wyatt Earp (1858 - 1929) se recusa a morrer. De tempos em tempos novos filmes são feitos, tentando recontar a história desse homem da lei. Nesse telefilme americano exibido pelo canal CBS nos anos 90 temos algumas peculiaridades bem interessantes. Uma delas foi o uso de cenas antigas do seriado "The Life and Legend of Wyatt Earp" (1955) nos flashbacks da produção. Sempre que o xerife Earp lembra de algum evento de sua passado surgem essas sequências da série dos anos 50 como complemento de suas recordações. Como a série original foi exibida em preto e branco a CBS resolveu colorizar as partes que foram usadas nesse filme. É um tipo de homenagem e resgate de um dos programas americanos mais populares de sua época. O curioso é que mesmo tendo em vista esse recurso narrativo o fato é que "Wyatt Earp - Return to Tombstone" funciona também muito bem como um complemento a todos os filmes já feitos sobre esse personagem histórico. Isso se deve ao fato de que nas produções antigas (e também nas atuais) os roteiros terminam no duelo do OK Curral, não se importando muito em contar o que aconteceu depois disso (com a honrosa exceção do filme de Kevin Costner que foi além). Assim o roteiro desse filme avança muito a frente do que estamos acostumados a ver. É, em suma, um bom faroeste, valorizado pelas ótimas paisagens naturais do Arizona. Chegou a ser lançado no Brasil em DVD, mas hoje em dia é uma filme bem complicado de se achar. Se tiver a oportunidade de assistir não deixe passar em branco.

Pablo Aluísio.

O Vale do Paraíso

Título no Brasil: O Vale do Paraíso
Título Original: Paradise Canyon
Ano de Produção: 1935
País: Estados Unidos
Estúdio: Republic Pictures
Direção: Carl Pierson
Roteiro: Lindsley Parsons, Robert Emmett Tansey
Elenco: John Wayne, Marion Burns, Reed Howes, Earle Hodgins, Gino Corrado, Yakima Canutt
  
Sinopse:
John Wyatt (John Wayne) é um agente do governo americano, devidamente disfarçado de cowboy, que vai até uma pequena cidade da fronteira para investigar uma quadrilha de falsificadores, especializados em falsficações de dinheiro e documentos federais. O chefe do bando de bandidos atende pelo nome de Curly Joe Gale (Yakima Canutt), um ex-coronel confederado que almeja destruir o governo da União. Seu desejo de vingança porém terá que passar por cima dos planos de Wyatt.

Comentários:
Os filmes mais antigos da carreira de John Wayne nem sempre são muito lembrados. Os cinéfilos esquecem que John Wayne já era extremamente popular nos anos 30, quando começou a atuar em uma série infindável de filmes de western em estúdios como a Republic. De fato o ator foi se transformando em um astro justamente por essa época. A grande maioria dessas fitas eram produções simples, baratas, de orçamentos bem modestos e pequenos, que rendiam verdadeiras fortunas nas matinês de fim de semana. O público alvo era mesmo os mais jovens, a garotada. Por isso os filmes eram também de curta duração (esse aqui, "Paradise Canyon", por exemplo, só tinha 52 minutos de duração, incluindo os créditos!). John Wayne nessa época fazia uma linha que lembrava o maior ídolo do cinema de bang-bang: Tom Mix! Isso mesmo, o ator procurava seguir os passos de Mix, tanto na caracterização de seus personagens, como também nos figurinos. Wayne surgia em cena com enormes chapéus brancos que era uma das marcas registradas justamente do astro máximo Tom Mix. Curiosamente o tempo faria com que Mix fosse esquecido, enquanto John Wayne se transformaria no mito que todos conhecemos. O roteiro, como era de se esperar, era bem básico, o que não significava que fosse ruim, muito pelo contrário, era apenas característico daqueles tempos distantes e inocentes do cinema americano, onde a diversão era o mais importante de tudo em um filme. Sob esse ponto de vista conseguiram certamente chegar no que queriam."O Vale do Paraíso" é pura diversão pipoca!

Pablo Aluísio.

Na Pista do Traidor

Título no Brasil: Na Pista do Traidor
Título Original: Riders of Destiny
Ano de Produção: 1933
País: Estados Unidos
Estúdio: Republic Pictures
Direção: Robert N. Bradbury
Roteiro: Robert N. Bradbury
Elenco: John Wayne, Cecilia Parker, Forrest Taylor, George 'Gabby' Hayes, Yakima Canutt, Al St. John
  
Sinopse:
James Kincaid (Forrest Taylor) é um bandoleiro fora-da-lei que começa a dominar as fontes de água em uma região com muitos desertos no velho oeste americano. Ele planeja ter o controle de todas elas para extorquir os fazendeiros e criadores de gado. O governo americano então envia um agente disfarçado, Singin' Sandy Saunders (John Wayne), para garantir o acesso à água de todos os cidadãos e moradores do lugar, o que obviamente dá origem a um confronto entre ele o bandido, tudo culminando em um duelo mortal pelas areias escaldantes do deserto.

Comentários:
Mais um filme pioneiro de John Wayne nos estúdios da Republic. Durante muitas décadas pensou-se que essas primeiras fitas com o astro John Wayne tinham se perdido para sempre, pois os acervos de velhos estúdios, há muito fechados, como a Republic, tinham desaparecido. Para alguns tudo teria sido destruído em um grande incêndio nos anos 50. Assim se pensou até que nos anos 70 um antigo colecionador, fã de John Wayne, resolveu doar suas cópias (as únicas ainda existentes) para uma instituição de preservação de filmes antigos da Califórnia. Esse "Riders of Destiny" fazia parte dessa coleção. Nos anos 90 a maioria desses curtas e média-metragens - que tinham no máximo 60 minutos de duração - foram lançados em boxes nos Estados Unidos e Europa no formato de DVD. Uma excelente notícia pois dessa forma essas obras cinematográficas se tornam mais preservadas para a posteridade. De modo em geral o filme segue uma linha industrial que era bem comum na época. Os roteiros são bem simplificados, explorando o eterno duelo entre o bem e o mal. John Wayne, ainda bem jovem, já se destacava, com seus maneirismos típicos. A lenda ainda não estava completamente formada, mas já demonstrava sinais do que um dia iria se tornar.

Pablo Aluísio

Homens em Revolta

Título no Brasil: Homens em Revolta
Título Original: Untamed Frontier
Ano de Produção: 1952
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Hugo Fregonese
Roteiro: Gerald Drayson Adams, John Bagni
Elenco: Joseph Cotten, Shelley Winters, Scott Brady, Lee Van Cleef, Suzan Ball, Minor Watson, José Torvay
  
Sinopse:
Após matar um homem desarmado, Glenn Denbow (Scott Brady) é acusado de assassinato. Sua única esperança de não ser enforcado é que a única testemunha do crime, a garçonete Jane Stevens (Shelley Winters), não testemunhe contra ele no tribunal. Como ela sempre teve uma quedinha por ele, Glenn decide se casar às pressas com a garota, pois assim Jane não poderia ir ao tribunal prestar testemunho contra seu próprio marido. Glenn é um sujeito rico, filho de um clã poderoso de criadores de gado, mas não se endireita na vida, sempre se envolvendo em problemas, o que aumenta ainda mais o desgosto de seu pai, o latifundiário Matt Denbow.

Comentários:
Esse é um faroeste da Universal que nem é muito conhecido, mas que vale a pena por ter uma boa estória e um bom roteiro. A trama gira em torno da família Denbow, um clã rico, dono de vastas terras na fronteira entre o Texas e o México. Com 40 mil cabeças de gado eles começam a ter problemas com invasores de sua propriedade, colonos que viajam rumo ao oeste. Isso acaba criando uma grande tensão na região. Para piorar o herdeiro Glenn é um sujeito pusilânime, mau caráter e criador de problemas. Ele se casa com uma garçonete (Winters) para fugir da lei, porém mesmo depois de casado não melhora em nada, continuando com as bebedeiras e as brigas nos saloons da cidade. Seu pai assim acaba elegendo seu sobrinho, o correto Kirk Denbow (interpretado pelo astro do filme, Joseph Cotten), como seu braço direito na condução da fazenda. Ele, por sua vez, acaba se apaixonando pela esposa do primo... Jane (Winters)! Nem é preciso ser muito perspicaz para entender que algo assim definitivamente não poderia acabar bem. O filme é muito interessante, bem fotografado e apesar da curta duração não decepciona em nenhum momento. A grande estrela desse western vem da presença de Shelley Winters. Ela tem a personagem mais bem desenvolvida e se formos pensar bem todo o enredo gira em torno justamente dela. É uma garota pobre que acaba entrando em uma rica família latifundiária, se destacando por causa de sua personalidade firme e cheia de boas opiniões. Até o velho patriarca acaba gostando dela, apesar das circunstâncias nada normais envolvendo seu casamento com o filho. No geral não posso negar, acabei gostando bastante. Sim, é um faroeste até simples, porém bem eficiente. Vale a sessão.

Pablo Aluísio.

O Gaúcho

Título no Brasil: O Gaúcho
Título Original: Way of a Gaucho
Ano de Produção: 1952
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Jacques Tourneur
Roteiro: Philip Dunne
Elenco: Rory Calhoun, Gene Tierney, Richard Boone, Hugh Marlowe, Everett Sloane, Enrique Chaico
  
Sinopse:
Baseado no romance escrito por Herbert Childs, o filme narra a estória de Martin Penalosa (Rory Calhoun), um típico gaúcho dos Pampas argentinos. Durante uma festa na fazenda de seu patrão ele discute com outro empregado e ambos entram em uma feroz luta de punhais, onde ele acaba matando seu oponente. Preso e condenado, é levado para um distante grupamento do exército para servir como soldado (na época era comum penas serem cumpridas dessa forma). Depois de um ataque de nativos da região ele decide desertar. Foge e acaba se tornando líder de um grupo de bandoleiros na fronteira.

Comentários:
Um filme diferente onde sai de cena o cowboy dos Estados Unidos para entrar o Gaúcho argentino dos Pampas. Logo no começo do filme o espectador é informado que grande parte do que verá na tela foi realmente filmado na Argentina, o que no mínimo trouxe uma bonita fotografia para a produção. Como era de se esperar de um filme como esse, filmado nos anos 1950, o roteiro é dos mais simples. O ator Rory Calhoun interpreta um gaúcho da fronteira que se torna um bandoleiro perigoso, líder de um grupo de rebeldes. Adotando o nome revolucionário de Valverde ele espalha medo e pânico entre as opressivas autoridades da região. Até aí tudo bem, o problema é que ele tem um relacionamento muito próximo com um deputado, político influente de Buenos Aires, o filho de seu antigo padrão, que sempre o tratou como se fosse a um irmão. Esse faz de tudo para que ele abandone a vida do crime e se entregue para ser julgado. Além disso está apaixonado pela bela Teresa Chavez (Gene Tierney) que, a despeito de sua vida de fugitivo, resolve se casar com ele. O ator Rory Calhoun tinha pouco carisma, talvez por isso nunca tenha se tornado um astro de verdade. Seu personagem, o do gaúcho bandoleiro, tem problemas, pois em essência é um bandido, um fora-da-lei, que promove assaltos e roubos. Não na linha de um romântico Robin Hood argentino, mas sim como bandoleiro mesmo, capaz de atos completamente reprováveis. Como transformar alguém assim em mocinho? Complicado! Para contrabalancear isso resolveram destacar seu lado religioso, mas no geral a tentativa de transformá-lo em um verdadeiro herói vai por água abaixo. Por ser uma fita curta, que mal chega nos 80 minutos de duração, o filme se torna assistível, porém nunca chega a ser grandioso ou nada do tipo. Obviamente está muito datado em diversos aspectos (como o romance pouco convincente), mas até que apresenta algumas boas cenas de ação e combates. Em termos amplos é apenas uma diversão romântica ligeira de um passado nostálgico.

Pablo Aluísio.

Duelo Sangrento

Título no Brasil: Duelo Sangrento
Título Original: The Kid from Texas
Ano de Produção: 1950
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Kurt Neumann
Roteiro: Robert Hardy Andrews
Elenco: Audie Murphy, Gale Storm, Albert Dekker, Shepperd Strudwick, William Talman, Martin Garralaga

Sinopse:
O jovem William Bonney (Audie Murphy) chega em uma nova cidade do condado de Lincoln em busca de trabalho. Ele acaba conhecendo um rancheiro que lhe oferece apoio e amizade, lhe arranjando emprego e moradia. Pouco tempo depois seu patrão é covardemente assassinado. Assim Bonney, agora conhecido como "Billy The Kid", resolve vingar sua morte.

Comentários:
A década de 1950 começou e finalmente Audie Murphy encontrou seu caminho em Hollywood. O filme se chamava "Duelo Sangrento" e era a produção ideal que Murphy tanto esperava. Nesse western que tinha o título original de "The Kid from Texas", Murphy interpretava nada mais, nada menos do que um dos personagens históricos mais famosos da mitologia do velho oeste, o pistoleiro William Bonney, mais conhecido como 'Billy the Kid'. É curioso que quando a Universal contratou o diretor Kurt Neumann para dirigir o faroeste esse indicou ao estúdio o próprio Audie Murphy com quem havia trabalhado no filme anterior. Não haveria ninguém melhor para atuar como Kid. A crítica de um modo geral gostou do filme. Para muitos seria um "bom pequeno filme". Outra atração é que ele foi lançado em cores, considerado ainda na época como um sinal de capricho, de que a produção era realmente boa e que o estúdio confiava no sucesso. Historicamente o filme não era muito preciso. Billy The Kid não nasceu no Texas, como fazia supor o roteiro, ele havia nascido em Nova Iorque. Porém de uma maneira em geral aspectos históricos reais da vida de Kid foram mantidos, como seu envolvimento na guerra do condado de Lincoln.

Pablo Aluísio.

Audácia Entre Adversários

Título no Brasil: Audácia Entre Adversários
Título Original: Wild Horse Mesa
Ano de Produção: 1932
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Henry Hathaway
Roteiro: Zane Grey, Harold Shumate
Elenco: Randolph Scott, Sally Blane, Fred Kohler, Lucille La Verne, Charley Grapewin, James Bush

Sinopse:
O roteiro desse western é bem interessante, mostrando os conflitos e lutas de um rancheiro chamado Chane Weymer (Randolph Scott). Ele é um homem de bem, honesto, que apenas deseja tocar sua vida em uma região inóspita, bem no meio do deserto do Arizona, mas que para isso terá que enfrentar vilões e facínoras.

Comentários:
O diretor Henry Hathaway voltou a pedir ao estúdio que contratasse Randolph Scott para mais um faroeste. Ele havia assinado para trabalhar na direção da adaptação para as telas de cinema do romance de Zane Grey. Em sua visão apenas Scott tinha os atributos para interpretar o personagem principal, um cowboy chamado Chane Weymer. O filme iria se chamar "Wild Horse Mesa" (no Brasil recebeu o título de "Audácia Entre Adversários"). As filmagens foram feitas em locações desérticas, algo que exigiu muito do elenco e da equipe técnica. Scott ficou bem amigo da estrela do filme, Sally Blane. Essa aproximação (que não passava de simples amizade) acabou caindo nas revistas de fofocas, onde se dizia que os dois atores estavam tendo um caso no set de filmagens. "Pura mentira, mas que ajudava a promover o filme" - relembraria anos depois o próprio ator. "Wild Horse Mesa" foi sucesso de bilheteria. Ainda hoje é cultuado pelos fãs do gênero western. Um bom filme certamente, embora não fugisse muita da mitologia auto centrada que os estúdios de cinema tinham criado para os filmes de faroeste. Havia o mocinho, a mocinha que seria conquistada, os vilões malvados e, é claro, a exuberância dos cenários naturais. A diferença é que o filme foi dirigido pelo grande e talentoso cineasta Henry Hathaway que iria se notabilizar em Hollywood pela diversidade de filmes que dirigiu. Embora tenha feito também grandes filmes de western, inclusive ao lado de John Wayne, esse cineasta procurava ser o mais eclético possível, passeando por todos os tipos de filmes, sem ficar preso a nenhum gênero.

Pablo Aluísio.

A Arte de Ser Elegante e Discreto

Eu era um jovem estudante Marista quando ouvi pela primeira vez uma frase escrita por Dom Bosco que dizia: "Fale pouco de você e menos ainda dos outros". Nunca mais me esqueci desse conselho. Ao longo da vida procurei seguir de perto esse tipo de conselho em minha existência. Antes disso já agia assim, apesar da pouca idade. Fazia parte da minha personalidade. Quando conheci a frase me identifiquei completamente. Geralmente quando você faz parte de uma família grande, com muitas pessoas, você acaba percebendo o quanto é danoso ser invasivo. É normal que no meio de tanta gente sempre haja aquele tipo de fofoca maldosa, aquele diz que me disse e tudo mais. Eu sempre associei esse tipo de comportamento a um tipo de pessoa pouco refinada, nada educada. E poucas coisas são tão desanimadoras como ter esse tipo de pessoa ao redor. Não soma e nem acrescenta em absolutamente nada na sua vida.

A discrição vem justamente na frase de Dom Bosco que aconselha que cada um fale pouco de si. Nunca seja um elogiador de si mesmo. Um egocêntrico. Lembre-se que Narciso morreu afogado deslumbrado com sua própria aparência. Apenas com as pessoas muito próximas você deve se abrir ou contar algo mais privativo. Ser discreto acaba tornando você também uma pessoa elegante, pois certamente não vai ficar querendo saber da vida de ninguém. Falo com sinceridade, espero que as pessoas sejam felizes nessa longa jornada chamada vida. O fofoqueiro de alguma forma torce justamente pelo contrário, pelo insucesso dos outros, muitas vezes para se deliciar com o fracasso alheio. É triste! A queda de outrem ou a fase ruim pela qual passa acaba virando o glacê da fofoca. Sempre me espanto quando vejo alguém tentando passar uma fofoca sobre algo ruim que aconteceu com os outros. Que tipo de mecanismo horroroso movimenta a mente de alguém assim? Citando Chaplin eu não quero o mal para ninguém, muito pelo contrário, nossa humanidade deseja a felicidade do próximo. Isso é ser humano no significado mais intrínseco da palavra. Isso nos define.

Há tantas coisas interessantes para se conversar. O mundo é cheio de possibilidades e muitos fatos deveriam nos prender a atenção. Nesse momento, por exemplo, há descobertas maravilhosas da ciência acontecendo. Alguém realmente puxa um assunto sobre isso? Dificilmente. Preferem falar de algo ruim que está acontecendo com fulana ou sicrano. Lamentável esse tipo de atitude. Ocupe sua mente com coisas interessantes. O que vale para as amizades também vale para o amor. Uma das coisas mais importantes em um relacionamento a dois é a preservação de sua própria intimidade. O que acontece entre um casal só diz respeito a ambos. Abrir a vida pessoal é um dos maiores erros que alguém pode cometer em sua vida. Não transforme jamais os aspectos íntimos de sua relação sentimental em algo público, à disposição de quem queira saber. Agindo assim você não apenas estará abrindo sem autorização a intimidade de quem está com você, como também sendo uma pessoa pouco refinada, nada elegante, correndo inclusive o risco de transformar sua vida emocional em uma piada de salão para os outros.

É uma moeda de dupla face. Ao mesmo tempo em que você se torna discreto, não invasivo, respeitando o espaço de terceiros, espera o retorno deles nesse mesmo sentido. Mais cedo ou mais tarde todos vão compreender e também vão respeitar a sua vida privada. O fato é que você só ganhará na vida sendo elegante e discreto. Outro fato muito importante que aprendi em minha existência é que agindo dessa forma você acaba atraindo pessoas com o mesmo sentimento positivo para perto de sua vida. Outro dia relembrei sobre a minha primeira namoradinha aqui mesmo no blog. Ela foi uma das pessoas mais educadas, finas e elegantes que conheci em toda a minha vida! Fazendo uma analogia com o cinema eu a poderia comparar com Audrey Hepburn. Aquele mesmo tipo de elegância e charme pessoal. Ter um relacionamento com ela me marcou para sempre e me deixou uma bela lição de vida de como me comportar com o sexo oposto. Olhando para o passado posso dizer que tive muita sorte em conhecê-la naquele momento da adolescência pois a partir dali eu sempre soube como tratar uma mulher da forma adequada - algo que muitos homens jamais aprendem, mesmo depois de velhos. Assim encerro esse pequeno texto reflexivo sobre a importância de se saber comportar adequadamente, não só em ambientes mais refinados, mas como também em todos os lugares onde você estiver. Seja discreto, não vire um pavão de arrogância e vaidade. Mantenha uma boa postura, respeite o próximo. Dessa forma será um bom ser humano, discreto e elegante na medida certa. Guarde a frase de Dom Bosco em sua mente e seja feliz, o que no final é o que realmente importa para todos nós.

Pablo Aluísio. 

Rejeição Amorosa

Provavelmente seja uma das dores emocionais mais fortes e sofridas na vida sentimental de uma pessoa. A paixão não correspondida pode jogar a auto estima no chão, causar depressão, entre outros problemas mais sérios. Na realidade o mais importante em uma situação assim é tentar recuperar o equilíbrio da forma mais rápida possível. Tentar entender a situação sob um ponto de vista mais racional. O fato é que nem sempre nossos sentimentos estão em sintonia com os da pessoa amada. Embora apaixonados podemos perceber claramente que essa paixão não está vindo do outro lado. Quando isso acontece o melhor é recuar, tentar melhorar a situação e só depois tentar investir. Se por acaso você não agiu assim e acabou sendo rejeitado (a) é interessante recobrar o ânimo e entender o que aconteceu.

Muitas pessoas apaixonadas não conseguem raciocinar direito. Muitas vezes nem sequer conhecem a outra pessoa, não tem maior contato, não as conhece de perto, mas acabam ficando cegas pela paixão, investindo em algo que, pela lógica do mundo (e não do apaixonado), certamente não dará em nada, ou melhor dizendo, dará sim, mas na rejeição amorosa. Se não há sentimento envolvido por parte da outra pessoa, se as possibilidades são mínimas, inexistentes ou pequenas e mesmo assim há a investida, muitas vezes de forma atrapalhada, sem noção, sem cautela e sem estratégia, a rejeição será praticamente certa! O erro será seu, por ter agido sem cautela e sem prudência. E aquele que o rejeita não deve ser vilanizado e nem muito menos agredido. Na realidade se pensarmos bem, ele acabou sendo o único a agir com equilíbrio nesse tipo de situação. Você deveria até mesmo agradecer a ele!

Por essa razão não vá procurar defeitos naquele que lhe rejeitou, ou pior do que isso, não tente ofender ou ridicularizá-lo. Isso é um sinal de sua própria fraqueza emocional, pois foi apaixonada por ele e após a rejeição o tenta atingir, o atacando. Isso é baixeza moral e só expõe sua própria fraqueza sentimental. Seja forte, equilibrada, procure entender as razões. Muitas vezes, lamento dizer isso, a rejeição é culpa do próprio rejeitado, que não soube agir certo, não soube se aproximar, não entender a outra pessoa, foi inconveniente, fora de proposito, não soube se comportar de forma adequada. Para quem age assim o famoso "chute na bunda", com gostam de dizer os jovens, é algo mais do que previsível.

Assim os cautelosos e os equilibrados geralmente não levam "foras". Eles sabem antever o que virá. Isso se chama Q.E, que significa Quociente Emocional. Pessoas com Q.E. elevados quase sempre se saem melhor no mundo da sedução, do charme e a da relação amorosa. São pessoas com senso de posicionamento melhor. Elas sabem quando agir e quando não agir. Saber esperar o momento certo numa investida amorosa é uma arte! Algumas vezes um grande amor começa com uma grande amizade. Mesmo apaixonada a pessoa que sabe investir na hora certa, conta muitos pontos a seu favor. Certamente viver na "friendzone" pode ser complicado, porém quem tiver paciência certamente colherá belos frutos ao lado do ser amado no futuro.

Se infelizmente não é o seu caso e você foi rejeitado, bom, chegou a hora de manter a dignidade pessoal, aquilo que é mais importante nesse momento. Não saia falando mal do outro, não o atinja usando terceiros, fique firme, tenha boa postura e o mais importante de tudo... saiba entender seus motivos. Também não implore por amor, nem vire um mendigo emocional. Isso acabará com sua imagem, destruindo qualquer tipo de amor próprio que sobreviveu. Levante a cabeça, mantenha uma atitude, mesmo que o coração esteja em pedaços. Caso contrário você será além de rejeitado, também uma pessoa fragilizada, mostrando a todos a sua fraqueza.

Outro conselho que consideramos importante é baseado em uma frase escrita por um famoso escritor e pensador católico chamado Dom Bosco. Em certo momento de sua vida ele soltou uma máxima muito relevante, quando afirmou: "Fale pouco de você e menos ainda dos outros", ou seja, não transforme sua rejeição em um escândalo público, uma novela dramática na boca de todos, em uma fofoca espalhada por você mesmo. O momento da rejeição também é o momento da discrição, do conhecimento interior e não da baixaria. Ao espalhar sua rejeição aos outros saiba que mais cedo ou mais tarde tudo chegará nos ouvidos daquele que a rejeitou. E ele certamente ficará com uma imagem ainda pior de você! Se recolha, junte seus cacos, se recomponha, tudo feito da forma mais discreta possível. Agindo assim você perceberá, depois de se recuperar, que a dor será bem menos sofrida. Você levantará a cabeça e partirá para a próxima, sem ter que explicar ou dar satisfações a absolutamente ninguém.

Pablo Aluísio.

Não alimente pensamentos negativos!

Recentemente descobri algumas coisas interessantes lendo sobre o Mal de Parkinson. Procurando saber mais sobre essa doença descobri que apesar da ciência não ter uma certeza sobre sua causa estudos provam que pessoas negativas, que alimentam pessimismo na alma, que se cobram muito de si mesmos e que vivem estressados possuem mais chances de desenvolver esse tipo de enfermidade. Isso me abriu os olhos. Não que eu fosse uma pessoa negativa em minha vida - longe disso - mas que a forma como você leva sua vida pode determinar mais cedo ou mais tarde o tipo de problema de saúde que você enfrentará no futuro.

Seja positivo! Não alimente sentimentos ruins, isso estraga sua alma, seu bom humor, tira o brilho da vida. Não faça coro com aqueles que estão sempre dizendo que nada vai dar certo, que é inútil lutar, que todo o mundo é hipócrita e que não existem pessoas boas ao redor. Certamente você não deve se comportar feito um tolo, dando sorrisos amarelos forçados mas cultivar pensamentos de esperança fazem um grande bem à saúde. Outra coisa que comprovadamente faz bem é manter uma crença em algo mais, ter uma religião. Pessoas que não cultivam nenhum tipo de espiritualidade acabam secando como as folhas do quintal que deixam de ser regadas.

Também evite falar mal dos outros. Quando você fala mal de alguém, seja por qual motivo for, energias negativas acabam chegando em seu meio. Além de ser eticamente errado, soltar farpas contra pessoas próximas só servem para que você próprio vire um alvo pois quem atinge alguém também será atingido, cedo ou tarde. E se alguém falar mal de você, simplesmente ignore. Mantenha a boa postura, a outra pessoa certamente entenderá seu equívoco. Gosto muito de um pensamento católico que aprendi na juventude que diz: "Fale pouco de você e menos ainda dos outros". É um conselho de ouro. Ser discreto, positivo e humilde ajuda muita em sua humanidade, espiritualidade e traz qualidade de vida, boa saúde. Não duvide disso.

E para quem acha que isso é apenas a opinião de um leigo em medicina indico alguns textos reveladores do Dr. Drauzio Varella onde ele afirma justamente isso que estou escrevendo agora. Outro aspecto a considerar é que o sujeito rabugento, que só fala coisas negativas tende a espantar as demais pessoas ao seu redor. Afinal quem deseja ficar horas ouvindo as reclamações sem fim de um ranzinza? Acredito que ninguém. Também evite ao máximo criar uma rotina de puro stress, de tarefas chatas que você no fundo não gosta. Pare, respire, vá ouvir um pouco de música, assista a um bom filme, acompanhe uma série, ouça uma piada, tenha um hobbie, sorria, afinal de contas ninguém nega que ser feliz faz muito bem à vida!

Pablo Aluísio.

Esqueça os ídolos...

Essa recente visita desse cantor e ídolo teen Justin Bieber me fez pensar na frase que dá título a esse texto. Qual é afinal a serventia de se ter ídolos? Quando você é adolescente geralmente fica fã de algum ídolo da música ou do cinema, até penso que isso é muito natural, faz parte do desenvolvimento emocional do ser humano. A questão é que você cresce, inclusive intelectualmente, e chega na conclusão de que tudo isso não passa de uma grande bobagem. E quando me refiro a ídolos não estou resumindo isso ao mundo das artes, mas a todos os setores, afinal existem pessoas que cultivam ídolos nos esportes, na política (sim, acredite nisso!) e em vários segmentos. É tudo um grande equívoco. O fã que se deslumbra com seu ídolo perde a noção do certo e do errado, do bom senso e acaba virando um tolo na frente das demais pessoas.

Assim são tolos os fãs de Justin Bieber que não enxergam que seu ídolo está debochando deles quando cospe em cima de suas admiradoras de um hotel cinco estrelas e é igualmente tolo um partidário cego que não consegue ver a realidade da corrupção de seus ídolos políticos. Absolutamente ninguém deve se colocar numa posição de cegueira em relação a esse tipo de coisa pois ídolos são pessoas comuns, muitas vezes, para falar a verdade, nem são boas pessoas, não tem bom caráter e nem merecem que você perca seu precioso tempo com eles, os idolatrando inutilmente. Alguns são verdadeiros crápulas e sujeitos desprezíveis que não merecem absolutamente nada de você. Afinal a própria ideia de se cultivar um ídolo é uma grande besteira pois todos os seres humanos, independente de sua condição social ou poder financeiro, fama, etc estão no mesmo patamar.

Agora o caldeirão fica explosivo mesmo quando se misturam fanatismo, idolatria e obsessão. Há um filme muito interessante estrelado por Robert De Niro chamado "O Fã" que mostra bem isso. O sujeito que idolatra seu ídolo perde a noção de normalidade e fica obcecado por seu objeto de desejo. Casos extremos estão em toda parte, como no triste caso de John Lennon que foi morto por um fã obcecado e enlouquecido dos Beatles. E isso foi uma ironia trágica porque Lennon sempre lutou contra esse tipo de atitude. Não raro passava sermões em seus fãs, conscientizando-os de que ele era uma pessoa normal e que parassem de o tratar como uma espécie de divindade na Terra. Aliás esse desejo de andar nas ruas e viver como um cidadão como qualquer outro acabou sendo bem trágico para ele mesmo. Uma ironia do destino mesclada com humor negro sem graça.

Claro que já tive ídolos em minha vida. Isso como eu disse á algo normal mas hoje em dia embora goste da arte de muitos cantores, atores e artistas em geral não aponto mais absolutamente ninguém como um ídolo a se seguir. Ídolos são de barro, como diz o ditado popular. E isso é a mais pura verdade. Depois que você os conhece mais a fundo e descobre seu lado negro e menos lisonjeiro tudo se desfaz como um castelo de areias. E não se engane, isso vai acontecer com qualquer ídolo pois todos são humanos e todos são imperfeitos. Nessa semana que passou vi muitos documentários sobre o presidente JFK e pude testemunhar como os americanos o elegeram como um ídolo político simplesmente perfeito no imaginário popular. O idolatraram e o colocaram em um patamar que como escrevi em texto anterior pouco tem a ver com a realidade histórica. JFK no fundo só é perfeito na imaginação de seus admiradores.

Assim procure não cultivar ídolos. Ouça boa música, assista bons filmes, reconheça o trabalho desses artistas mas jamais os coloque em uma posição de idolatria ou divindade. Isso é uma enorme perda de seu tempo. Sempre os veja como são de verdade, seres humanos de carne e osso, cheios de defeitos, com problemas de caráter, emocional, etc. Nunca veja um defeito de seu ídolo como algo positivo pois em pouco tempo você poderá até cometer os mesmos erros em sua vida pessoal. Esqueça essa coisa de achar que um ídolo é alguém mais especial do que você mesmo. Mude sua postura. Faça isso caso contrário vão cuspir em sua cara e você, da forma mais idiota possível, vai acabar chorando emocionado achando tudo aquilo o máximo. Não passe por essa vergonha, pois se arrependerá muito depois. Descarte todos os ídolos de sua vida, assim você será bem mais feliz.

Pablo Aluísio.

Transformers: O Último Cavaleiro

Essa franquia "Transformers" é um bom exemplo de tudo o que está errado no cinema mais comercial de Hollywood. O diretor Michael Bay, que adora explodir tudo em seus filmes, dá um passo a mais no seu conhecido exagero (algo que vamos convir não era muito fácil de superar!). Como sabemos esses filmes se sustentam completamente em uma orgia de efeitos digitais. O roteiro, quando existe, é mínimo e mixuruca. Tudo desculpa para desfilar pela tela os robôs gigantes que o Bay adora destruir. Agora Bay resolveu chutar definitivamente o balde do pouco de bom senso que ainda lhe restava, misturando as lendas que envolvem o Rei Arthur, Merlin, a espada Excalibur com... os Transformers! Que coisa mais idiota! Há uma cena ridícula em que os famosos cavaleiros estão sentados na távola redonda com os imensos robôs atrás deles! Quanta bobagem...

E então chegamos no elenco, talvez a única coisa que faça alguém com mais de 12 anos assistir a esse filme. Acompanho há muitos anos a carreira de Anthony Hopkins. Sempre vou considerá-lo um dos grandes atores da história do cinema. Dito isso, fico com a seguinte questão em minha mente: ele precisava mesmo fazer um filme como esse? O que uma produção como essa irá adicionar em sua brilhante filmografia? Acredito que em nada. Todos sabemos que Hopkins aceitou atuar aqui (em um papel patético, é bom frisar) apenas pelo vil metal, pelo dinheiro. Será que após tantos anos de carreira ele ainda precisava de um trabalho tão mercenário como esse? Não juntou uma fortuna por todos esses anos? Complicado entender... O pior de tudo no final nem é a falta de roteiro, a presença constrangedora de Anthony Hopkins nesse filme sem importância nenhuma, mas sim a duração da fita! Michael Bay não é apenas megalomaníaco nas cenas em que tritura as latas velhas de seus robôs, mas também na metragem do filme! São duas horas e meia que parecem nunca acabar... Depois de tanto quebra pau ficamos até mesmo com dor de cabeça. Enfim, tirando Hopkins nada mais se salva nessa lataria... Essa franquia já deveria estar em um ferro velho há muito, muito tempo...

Transformers: O Último Cavaleiro (Transformers: The Last Knight, Estados Unidos, Inglaterra, 2017) Direção: Michael Bay / Roteiro: Michael Bay, Art Marcum, Matt Holloway / Elenco: Mark Wahlberg, Anthony Hopkins, Josh Duhamel, Laura Haddock, Stanley Tucci / Sinopse: Transformers bonzinhos e Transformers malvadões brigam entre si para colocar as mãos em artefatos milenares (dos tempos do Rei Arthur) para com eles dominarem todo o mundo. No meio do quebra pau generalizado um nobre inglês, Sir Edmund Burton (Anthony Hopkins), tenta alcançar os cobiçados objetos antes de todos os outros. Filme indicado ao Golden Trailer Awards e ao Teen Choice Awards.

Pablo Aluísio.

Homem-Aranha: De Volta ao Lar

Esse novo filme do Spider-Man não tem nada a ver com a trilogia original estrelada por Tobey Maguire, tampouco com aquela mais recente franquia inaugurada com o filme "O Espetacular Homem-Aranha", que tinha como ator o Andrew Garfield. Na verdade essa nova linha de filmes nasce quase como um spin-off do último filme dos Vingadores. Isso fica bem claro logo nas primeiras cenas, que foram retiradas justamente do filme anterior. Aqui o Peter Parker é apenas um colegial de 15 anos. Entre os problemas escolares ele tenta cair nas graças do industrial Tony Stark (Robert Downey Jr.). Ele mesmo, o Homem de Ferro. Enquanto um convite para fazer parte dos vingadores não sai, ele vai enfrentando os problemas próprios da idade, como a garota que ele é afim, que não lhe dá muita bola e o amigo nerd, que mais atrapalha do que ajuda. E para complicar ainda mais sua vida surge um novo vilão, o Abutre, interpretado por Michael Keaton. Para quem já foi Batman e Birdman nas telas, nada de novo! O roteiro é muito divertido, virando praticamente um filme de adolescente dos anos 80. Poderíamos até dizer que seria um tipo de "Ferris Bueller encontra Peter Parker" (usando aqui como referência o filme "Curtindo a Vida Adoidado", clássico de John Hughes). Claro que isso também significa que temos pela frente uma série de clichês desse tipo de produção, como o baile de formatura, os valentões dos corredores da escola, a garota amada platonicamente e coisas do tipo. Nada realmente muito original.

Porém a despeito disso há também excelentes cenas. Dizem que para um filme ser considerado realmente muito bom deve haver pelo menos 3 boas cenas. Aqui temos todas elas. A primeira quando o Homem-Aranha tenta salvar os estudantes no monumento de Washington, a segunda no barco que vai se partindo ao meio e a terceira, no clímax, quando finalmente o cabeça de teia enfrenta o abutre com suas asas mecânicas. Para encaixar ainda mais clichês de filmes adolescentes os roteiristas colocaram o vilão como o pai da garota que Peter Parker é apaixonado - uma sacada óbvia, mas que funciona muito bem! Entre tantas boas cenas e muita ação, recheadas com o melhor que os efeitos digitais conseguem reproduzir na tela do cinema, temos assim um dos blockbusters mais divertidos do ano. Em nenhum momento ofende a inteligência do espectador e nem a sensibilidade (sempre à flor da pele) dos leitores dos quadrinhos. A Marvel aliás vive um momento estranho em sua história, acertando quase sempre no cinema e errando absurdamente nas suas publicações em quadrinhos! Enquanto na sétima arte eles só tem acertos, na nona arte estão derrapando feio! Quem diria...

Homem-Aranha: De Volta ao Lar (Spider-Man: Homecoming, Estados Unidos, 2017) Direção: Jon Watts / Roteiro: Jonathan Goldstein, John Francis Daley, baseados nos personagens criados por Stan Lee, Steve Ditko e Jack Kirby / Elenco: Tom Holland, Michael Keaton, Robert Downey Jr, Marisa Tomei, Jon Favreau, Gwyneth Paltrow, Chris Evans / Sinopse: O jovem Peter Parker (Holland) precisa enfrentar os problems típicos de sua idade, ao mesmo tempo em que investiga a venda de armas ilegais no mercado negro. Os armamentos baseados em tecnologia extraterrestre foram criados por Adrian Toomes (Michael Keaton), um inescrupuloso empreiteiro da construção civil. 

Pablo Aluísio.

Hannibal

O primeiro filme "O Silêncio dos Inocentes" já é considerado um clássico moderno do cinema. Muito bom, acima da média, não há o que discutir sobre isso. Já esse segundo filme dessa franquia, intitulado "Hannibal", é seguramente uma das piores sequências que já assisti em minha vida. O que não deixa de ser surpreendente pois foi dirigido por um grande mestre, Ridley Scott. Além disso o elenco era inegavelmente excelente, contando com Julianne Moore e Gary Oldman, além de trazer de volta  Anthony Hopkins como o Dr. Hannibal Lecter. O que deu errado então? Em minha opinião o maior problema dessa sequência não foi necessariamente cinematográfico, mas sim literário. Explico. Thomas Harris escreveu um livro muito ruim, justamente o que foi usado para adaptação pelo roteiro desse filme. Como o material original já não tinha qualidade como esperar então que o filme ficasse bom? Simplesmente impossível.

A história é péssima. O que era sutil e elegante no primeiro filme aqui se tornou apenas grotesco.  Anthony Hopkins continua perfeito em sua caracterização, mas como já escrevi, a trama não ajuda. Provavelmente o escritor Thomas Harris estava com alguma crise de criatividade quando começou a escrever esse enredo. Provavelmente pressionado pelas editoras, que cobiçavam novamente obter ótimas vendas, ele acabou escrevendo qualquer coisa, estragando de certa maneira sua própria criação. O que sobrou foi apenas uma cópia pálida e mal feita do livro original. Nem o talentoso David Mamet salvou o roteiro de ser um desastre! Diante de tudo isso o diretor Ridley Scott até tentou fazer algo, usando inclusive de uma bonita fotografia (a cargo do diretor de fotografia John Mathieson), mas no final todo esse esforço acabou sendo em vão. Fui assistir ao filme no cinema e fiquei decepcionado na época. O tempo também não ajudou em nada. Numa revisão anos depois não melhorou em nada. É uma decepção pura e simples. Apenas isso.

Hannibal (Estados Unidos, 2001) Direção: Ridley Scott / Roteiro: David Mamet e Steven Zaillian, baseados na obra original escrita por Thomas Harris / Elenco: Anthony Hopkins, Julianne Moore, Gary Oldman, Ray Liotta / Sinopse: De volta às ruas e exilado, bem distante, para evitar ser preso novamente por seus crimes, o médico e psicopata Dr. Hannibal Lecter (Hopkins) resolve se reconectar novamente com a agente Clarice Starling (Julianne Moore), criando um estranho vínculo entre ambos. Filme lançado posteriormente no box "The Hannibal Lecter Anthology" em DVD, com cenas adicionais.

Pablo Aluísio.