Últimos Dias no Deserto

O Evangelho nos revela que Jesus foi para o deserto e por lá ficou, jejuando e orando por quarenta dias e quarenta noites, sendo tentado pelo diabo. O trecho é um dos mais conhecidos do Evangelho Segundo Mateus. Jesus, antes de realmente começar sua missão, teve que passar por esse teste de fé em uma das regiões mais hostis do planeta. Não há muitos detalhes nas escrituras, apenas é dito que após muitas tentações Jesus finalmente venceu o tentador, o diabo. Nada muito além disso nos é revelado pela Bíblia. Pois foi com base nesse trecho bíblico que o diretor e roteirista colombiano Rodrigo García escreveu o roteiro e o argumento de seu filme. Ele desenvolveu uma estória de ficção para mostrar o que teria supostamente acontecido com Jesus durante esse período decisivo de sua vida.

Assim quando o filme começa já encontramos Jesus caminhando pelo meio do deserto. Ele tem fome, sede e sofre com o calor escaldante do lugar. Isso porém não parece abalar em nada sua fé. Ao seu lado porém parece existir uma série de figuras sinistras, criaturas das trevas, que tentam fazer o filho de Deus renegar sua missão e sua crença em Deus. Há uma cena inicial muito interessante em que Jesus encontra uma velha senhora embaixo de um rochedo. Ela parece exausta e faminta. Jesus então se aproxima e lhe oferece um pouco de água, até perceber que aquela imagem apenas escondia a verdadeira face do mal, da serpente.

Por falar no mal, Jesus parece sempre estar acompanhado por Satã (que também é interpretado pelo ator Ewan McGregor). O anjo caído não perde tempo e está sempre sussurrando mentiras no ouvido de Jesus, tentando enganá-lo a todo custo, para que Ele deixe de acreditar em sua missão. O Jesus mostrado nesse filme é muito humano. Ele tem dúvidas, fraquezas e chega a se questionar como pregaria ao povo de Deus quando sua hora chegasse. Com o diabo tem interessantes diálogos, alguns com problemas teológicos bem claros, mas que nunca deixam de ser interessantes. Em um dos momentos mais curiosos, Jesus pergunta ao diabo como seria a face de Deus! Mais do que isso, ele pergunta se Deus teria uma face...

O centro da trama porém passa por uma família que Jesus casualmente encontra no deserto. A mãe está morrendo, o pai tem problemas de relacionamento com o filho (que deseja ir embora para Jerusalém) e Jesus, chamado de "Homem Santo" pelo personagem interpretado pelo excelente ator Ciarán Hinds, tenta ajudar a todos eles de alguma forma. Um aspecto que também gostei além da exploração do homem Jesus, foi a forma como o roteiro procurou mostrar Jesus de Nazaré. Ele é introspectivo, calmo, pensativo e com uma fé inabalável. O único ponto que me deixou um pouco decepcionado foi que o roteiro não explorou a tentação final do diabo em relação às todas as riquezas da Terra, que seriam dadas a Jesus caso ele o adorasse. Teria sido um clímax perfeito para o filme, mas infelizmente isso não acontece. De qualquer forma eu ainda recomendo essa película. Sim, ela toma várias liberdades sobre essa fase da vida de Jesus, mas nunca perde o respeito por esse que certamente foi o personagem histórico mais importante de todos os tempos. 

Últimos Dias no Deserto (Last Days in the Desert, Estados Unidos, 2015) Direção: Rodrigo García / Roteiro: Rodrigo García / Elenco: Ewan McGregor, Ciarán Hinds, Tye Sheridan, Ayelet Zurer, Susan Gray / Sinopse: Antes de iniciar sua missão, Jesus (McGregor) decide ir para o deserto com a intenção de jejuar e orar. Lá começa a ser tentado pelo diabo. Também encontra uma família que vive das rochas e pedras da região, cuja mãe está morrendo. Filme premiado pelo Sundance Film Festival.

Pablo Aluísio.

Joe, o Pistoleiro Implacável

Título no Brasil: Joe, o Pistoleiro Implacável
Título Original: Navajo Joe
Ano de Produção: 1966
País: Itália, Espanha
Estúdio: Dino de Laurentiis Cinematografica
Direção: Sergio Corbucci
Roteiro: Ugo Pirro, Piero Regnoli
Elenco: Burt Reynolds, Aldo Sambrell, Nicoletta Machiavelli, Fernando Rey, Tanya Lopert
  
Sinopse:
Após um brutal massacre envolvendo todos os seus familiares e amigos de sua tribo, o nativo conhecido apenas como Navajo Joe (Burt Reynolds) resolve partir para uma vingança sangrenta, procurando todos os responsáveis pelas mortes de todas aquelas mulheres, idosos e crianças inocentes. Seu sede de justiça e vingança não tardará a ser saciada.

Comentários:
Um western spaghetti estrelado pelo ator Burt Reynolds? Pois é, no mínimo curioso. Outro aspecto que chama a atenção é que o filme foi dirigido pelo mestre Sergio Corbucci, considerado um dos cineastas mais talentosos dessa fase do cinema europeu. Esse aliás foi seu segundo filme a ser rodado depois do grande sucesso de "Django" um ano antes. Ele vinha da realização de outro sucesso chamado "Ringo e Sua Pistola de Ouro", estrelado por Mark Damon e por essa razão havia uma certa expectativa nessa produção. "Navajo Joe" tem uma produção bem melhor do que a dos filmes anteriores. Isso porque Sergio Corbucci assinou com os estúdios pertencentes ao mega produtor Dino de Laurentiis. Todos os cinéfilos bem sabem que Dino podia ter muitos defeitos, mas realizar filmes pobres certamente não era um deles. Laurentiis, já por essa época, tinha fama de não economizar nos custos de suas produções e isso se faz sentir bem em "Navajo Joe". Um exemplo disso vem inclusive da própria contratação do astro americano Burt Reynolds, que na época era considerado um futuro e potencial superstar do cinema americano - algo que se confirmaria na década seguinte, durante os anos 70. Então basicamente é isso. Um filme italiano de faroeste, todo rodado nos desertos da Espanha, estrelado por um ator americano e dirigido por um verdadeiro artesão do spaghetti western. São boas qualificações que por si só já justificam assistir ao filme. Boa diversão.

Pablo Aluísio.

Um Estado de Liberdade

É muito triste (e ao mesmo tempo revelador e educativo) assistir a um filme como esse. Isso porque você se dá conta que o racismo e a escravidão eram realidades oficialmente reconhecidas pelo Estado até bem pouco tempo atrás (em termos históricos o fim da escravidão aconteceu praticamente ontem!). O roteiro é baseado em uma história real, o que agrava ainda mais essa situação. O enredo reconstrói a vida de Newton Knight (Matthew McConaughey). Durante a Guerra Civil americana ele se alistou para lutar ao lado dos Confederados. No campo de batalha começou a atuar como parte do corpo médico da unidade onde estava alistado. Sua função era trazer os feridos até as tendas dos médicos - onde a carnificina imperava por falta de recursos humanos e de materiais.

Depois da morte de seu sobrinho - que era apenas um garoto que infortunadamente  fora atingido por fogo inimigo dos ianques - ele finalmente decide ir embora. Pega o corpo do garoto e segue o caminho de volta para a fazenda de sua família. Um ato de deserção punido com enforcamento. Depois de tudo isso, para não ser preso e sofrer a pena capital, Knight resolve fugir para os pântanos da região, onde acaba encontrando escravos fugitivos, se tornando amigo de todos eles, abraçando então a causa da libertação dos negros no sul dos Estados Unidos. O filme assim vai se desenvolvendo a partir dessa pequena comunidade de foragidos que, vivendo nos pântanos do sul, começa a se levantar contra as leis de submissão e de conteúdo racial do próprio Estado Confederado de que faziam parte.

"Free State of Jones" causou polêmica nos estados americanos do sul durante o seu lançamento. Isso porque o protagonista do filme, Newton Knight, foi um desertor do exército confederado. Além disso ousou se apaixonar e ter filhos com uma escrava negra, algo que até hoje causa perplexidade em certos setores sulistas (sim, o racismo assumido, essa chaga, não parece ter desaparecido em certos rincões daquele país). Um dos aspectos históricos mais absurdos que o filme revela é que havia leis até bem pouco tempo atrás que proibiam o casamento entre brancos e negros no sul. É justamente sobre isso que se desenvolve a segunda linha narrativa do filme. Enquanto a primeira conta a vida de Knight nos pântanos do sul, a segunda mostra um de seus descendentes lutando em um tribunal do  Mississippi para se casar com uma mulher branca (a justiça entendeu que ele era na realidade um mestiço com sangue negro nas veias e que por essa razão jamais poderia desposar uma mulher sulista branca!).

Certamente é um bom filme. Porém apresenta alguns problemas em seu corte final. Embora a história seja importante e historicamente complexa (o filme explora vários anos na vida de Knight), a versão final que chegou aos cinemas americanos se revelou muito longa - chegando em alguns momentos a se tornar um pouco cansativa. Penso que um corte mais enxuto só traria melhoras ao filme. De resto tudo surge de primeira qualidade. A reconstituição de época é perfeita, a direção é segura e focada e todo o elenco está maravilhosamente bem. Até mesmo  Matthew McConaughey me surpreendeu por ter deixado de lado alguns de seus cacoetes mais irritantes. Então é isso. O que temos aqui é uma bela história de um homem que estava muitos anos à frente de seu tempo. Embora fosse branco sentiu na pele todo o racismo da sociedade confederada do Sul, que chegou ao ponto de ir para uma das guerras mais sangrentas da história simplesmente para defender o direito de um homem ter outro homem como seu bem particular. A escravidão seria abolida, mas as marcas que ela deixou ainda hoje ressoam, infelizmente. Veja o filme e entenda melhor todo esse processo histórico que ainda não chegou ao seu término.

Um Estado de Liberdade (Free State of Jones, Estados Unidos, 2016) Direção: Gary Ross / Roteiro: Leonard Hartman, Gary Ross / Elenco: Matthew McConaughey, Gugu Mbatha-Raw, Mahershala Ali / Sinopse: O filme narra a história de um soldado do exército confederado durante a Guerra Civil americana que certo dia resolve abandonar o campo de batalha. Caçado como desertor ele foge para os pântanos do sul, onde acaba conhecendo escravos fugitivos de seus donos. Lá cria uma sentimento de irmandade com eles, lutando ao lado daqueles homens em busca de uma verdadeira liberdade.

Pablo Aluísio.

Carnage Park

Título no Brasil: Carnage Park
Título Original: Carnage Park
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Diablo Entertainment
Direção: Mickey Keating
Roteiro: Mickey Keating
Elenco: Ashley Bell, Pat Healy, Alan Ruck, James Landry Hébert, Michael Villar, Bob Bancroft
  
Sinopse:
Após um roubo a banco, dois criminosos tentam fugir à toda velocidade pelas estradas empoeiradas de um deserto da Califórnia. Um deles, alvejado durante a fuga, logo morre no banco de trás do carro. O outro precisa então se livrar de seu corpo o mais rapidamente possível. Com a ajuda de uma refém (que estava no porta-malas) ele dirige até uma propriedade remota, onde deixa seu parceiro do crime. O que o criminoso não sabe é que o lugar pertence a um sujeito psicopata, que pensa estar em um verdadeiro campo de batalha. Agora ele irá caçar o bandido, ao mesmo tempo em que leva sua refém para o verdadeiro inferno na Terra.

Comentários:
Temos aqui um novo thriller de terror que se destaca não pelo roteiro (pois é dos mais simples), nem pela produção em si (que é até modesta) e muito menos pelo elenco (a maioria dos atores é esforçado, mas desconhecido). O destaque de "Carnage Park" vem da forma como o jovem diretor Mickey Keating conta sua estória sangrenta. Ele se utiliza de vários tipos de linguagem cinematográfica ao longo do filme. Além de uma fotografia saturada temos uma edição ágil, rápida, que não perde tempo com bobagens ou sutilezas desnecessárias. Obviamente se trata de um filme violento, com cenas inclusive bem ao estilo gore, não recomendado para os mais sensíveis, mas isso definitivamente é o de menos. Mesmo  em pequenos detalhes acabamos descobrindo que esse diretor sabe bem muito o que está fazendo com sua câmera. A trilha sonora, por exemplo, é composta por músicas e diálogos fora de rotação, como se estivéssemos ouvindo um velho vinil sendo tocado em uma vitrola quebrada! O elenco é bom, embora nenhum dos atores seja mais conhecido. O único nome que vai despertar alguma lembrança no público em geral é a do ator Alan Ruck (para quem não se lembra ele foi o amigo esquisito de Matthew Broderick no clássico juvenil "Curtindo a Vida Adoidado"). Bem diferente nos dias atuais, ele interpreta um xerife que precisa descobrir o que está acontecendo de errado na propriedade de seu irmão, o alucinado Wyatt Moss (Pat Healy). A trama também explora um tipo que anda bem mais comum nos dias de hoje, principalmente nos Estados Unidos, a do psicopata com delírios de militar que da noite para o dia se arma até os dentes e começa a fazer de outros seres humanos seus alvos ambulantes. Sim, é algo bem trágico, mas infelizmente cada vez mais comum. Nesse ponto o diretor Mickey também acertou seu próprio alvo, colocando em destaque a loucura bélica que reina dentro da doentia sociedade americana. Salve-se quem puder.

Pablo Aluísio.

O Mestre das Ilusões

Título no Brasil: O Mestre das Ilusões
Título Original: Lord of Illusions
Ano de Produção: 1995
País: Estados Unidos
Estúdio: 20th Century Fox
Direção: Clive Barker
Roteiro: Clive Barker
Elenco: Scott Bakula, Kevin J. O'Connor, Joseph Latimore, Sheila Tousey, Susan Traylor, Ashley Tesoro
  
Sinopse:
O detetive particular Harry D'Amour (Scott Bakula) é contratado para descobrir o que estaria por trás das inúmeras tentativas de assassinato de um famoso mágico da cidade, Phillip Swann (Kevin J. O'Connor). Seguindo as pistas deixadas pela esposa do ilusionista, o investigador acaba descobrindo uma ligação com o passado de uma seita de adoradores de Satã. No meio de seu caminho surgem tentativas de realização de um sacrifício humano. Para Harry agora o mais importante é descobrir a verdadeira identidade de todos os membros daquela sociedade satanista. Filme vencedor do Fangoria Chainsaw Awards na categoria de Melhor Trilha Sonora e do International Horror Guild na categoria de Melhor Filme de Suspense.

Comentários:
Pouca gente vai se lembrar desse filme. A principal referência obviamente vem do fato de ter sido dirigido por Clive Barker. O cineasta inglês (nascido em Liverpool, a mesma cidade natal dos Beatles) tinha se consagrado por causa do clássico de horror "Hellraiser - Renascido do Inferno". Depois de ter sido bastante elogiado pela crítica - e prestigiado pelo público mais antenado com filmes de terror - ele então lançou seu segundo filme, o mal sucedido "Raça das Trevas". Assim esse terceiro filme, "Lord of Illusions" vinha justamente para provar que ele tinha ainda potencial para o sucesso de bilheteria. Não foi bem como era esperado. Esse filme foi lançado em poucas salas de cinema nos Estados Unidos e Inglaterra e no Brasil foi lançado diretamente em vídeo (ainda nos tempos do mercado de fitas VHS). Na época em que o assisti pela primeira vez (por volta de janeiro de 1998) o filme realmente não me impressionou muito. De certa maneira foi um pouco decepcionante por causa justamente de "Hellraiser". Depois daquele filme sempre que o nome de Clive Barker surgia nos créditos ficava aquela expectativa maior, aquela sensação de que se iria assistir a algo fora do comum, surpreendente e inovador. Pois bem, "O Mestre das Ilusões" passa longe disso. Mesmo assim é um bom filme, bem feito, com uma ideia que se não chega a lhe deixar o espectador de queixo caído pelo menos tenta ser um pouco mais original. No geral o filme fica apenas na média do que era realizado em meados dos anos 90. Bem longe da genialidade de "Hellraiser" conseguiu pelo menos chamar alguma atenção por causa do nome de seu diretor, naqueles tempos considerado um verdadeiro mestre do gênero, um autor cult do horror moderno.

Pablo Aluísio.

Velocidade Máxima 2

Título no Brasil: Velocidade Máxima 2
Título Original: Speed 2 - Cruise Control
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures Studios
Direção: Jan de Bont
Roteiro: Graham Yost, Jan de Bont
Elenco: Sandra Bullock, Jason Patric, Willem Dafoe, Brian McCardie, Temuera Morrison, Christine Firkins, Colleen Camp
  
Sinopse:
Annie (Sandra Bullock) e Alex Shaw (Jason Patric) resolvem fazer um cruzeiro no Caribe. Ela ainda está se recuperando pelo que passou recentemente em Los Angeles, quando quase morreu em um ônibus desenfreado (no primeiro filme). Ele é um agente da SWAT que apenas quer curtir suas férias ao lado de sua namorada Annie. O que eles não poderiam imaginar é que o transatlântico em que estão viajando iria virar alvo do terrorista cibernético John Geiger (Willem Dafoe). Agora todos vão lutar para sobreviver a um desastre iminente!

Comentários:
O primeiro filme "Velocidade Máxima" foi certamente um dos melhores filmes de ação dos anos 90. Com roteiro bem escrito, se apoiando única e exclusivamente em apenas uma situação (a do ônibus sem freios), o filme foi um sucesso de público e crítica. Claro que uma sequência não tardaria. Infelizmente o que era original e bem bolado no filme original não voltou a se repetir. Esse "Speed 2: Cruise Control" é uma das piores continuações da história do cinema americano - sem exagero algum! Talvez prevendo o fiasco o ator Keanu Reeves resolveu cair fora da sequência. Anos depois ele mesmo explicaria em uma entrevista que ao ler o roteiro desse segundo filme viu claramente que não daria certo. O enredo se passava todo em um grande navio de cruzeiro e a pergunta que ele mesmo se fez foi básica: onde estaria a tal velocidade nesse tipo de situação? Acertou em cheio. Esse péssimo ponto de partida seria a principal causa do desastre dessa produção. Com roteiro ruim, mas boa produção (cheia de efeitos digitais inovadores), o filme afundou nas bilheterias (com total merecimento é bom frisar). Sandra Bullock nunca esteve tão ruim (e olha que pelas bombas que fez na carreira isso não era algo fácil de atingir). Jason Patric tentou compensar a ausência de Reeves, mas foi em vão. Até mesmo o ótimo ator Willem Dafoe saiu chamuscado de ter participado de um abacaxi desses! Enfim, fracasso completo de crítica e público, o filme hoje só serve para nos lembrar que muitas vezes a ganância dos estúdios vai um pouco longe demais.

Pablo Aluísio.

Outono de Paixões

Título no Brasil: Outono de Paixões
Título Original: August
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Anthony Hopkins
Roteiro: Julian Mitchell
Elenco: Anthony Hopkins, Leslie Phillips, Kate Burton, Gawn Grainger, Rhian Morgan, Rhian Morgan, Rhoda Lewis
  
Sinopse:
O filme é uma adaptação da peça teatral Tio Vânia, baseado na obra de Anton Tchecov. A estória se passa em uma bucólica pequena vila na costa do país de Gales. Ieuan Davies (Anthony Hopkins) é um velho professor que no outono de sua vida redescobre o amor e o prazer nas pequenas coisas da vida. Filme vencedor do BAFTA Awards na categoria de Melhor Filme - Drama (em língua inglesa).

Comentários:
Ao longo de sua bem sucedida carreira como ator, Anthony Hopkins só se aventurou três vezes na direção. A primeira foi no pequeno e alternativo "Dylan Thomas: Return Journey", um filme independente pouco conhecido pelo público em geral. A segunda incursão do ator na direção porém foi bem mais pretensiosa. Esse "August" é uma adaptação da peça teatral do dramaturgo Anton Chekhov. Como se trata de uma adaptação teatral o público já sabe mais ou menos de antemão o que encontrará pela frente: um texto essencialmente indicado para quem aprecia bons diálogos (especialmente declamados) e boas atuações, tudo em ambientações que muitas vezes nos lembram do teatro. Hopkins realizou uma obra discreta, elegante e refinada, que apresenta excelente fotografia - valorizada pela beleza natural do País de Gales - onde o ator e diretor nasceu. Em termos de enredo o argumento desenvolve uma temática bem introspectiva, valorizando as crises existenciais decorrente da passagem do tempo. Um bela filme, daqueles que trazem tomadas de cena que mais parecem pinturas renascentistas. Da carreira na direção de Anthony Hopkins esse é certamente seu filme mais bem acabado, mais bem elaborado, mais bem escrito. Um belo retrato da velhice e dos sentimentos que afloram nessa fase de nossas vidas.

Pablo Aluísio.

O Abominável Dr. Phibes

Título no Brasil: O Abominável Dr. Phibes
Título Original: The Abominable Dr. Phibes
Ano de Produção: 1971
País: Estados Unidos
Estúdio: American International Pictures (AIP)
Direção: Robert Fuest
Roteiro: James Whiton, William Goldstein
Elenco: Vincent Price, Joseph Cotten, Hugh Griffith
  
Sinopse:
O Dr. Anton Phibes (Vincent Price) é um cientista renomado e prestigiado que vê sua vida sair dos trilhos após um grave acidente. O carro em que viajava sai da estrada e ele fica desfigurado com a batida. Pior do que isso, sua amada esposa morre. Inconformado com os rumos do destino e sofrendo de alucinações o antes equilibrado e racional homem da ciência começa um plano de vingança contra todos aqueles que ele culpa pela tragédia.

Comentários:
É curioso que na fase final de sua carreira o ídolo dos filmes de terror Vincent Price tenha estrelado o maior sucesso comercial de sua filmografia. Sim, "The Abominable Dr. Phibes" foi o maior sucesso de bilheteria de Vincent Price. Ele mal sabia que ao aceitar o convite para atuar como o insano Phibes iria se tornar mais popular do que nunca. Um veterano das telas que realmente merecia esse reconhecimento. Bem recebido por público e crítica em seu lançamento o status cult desse filme só cresceu com o passar dos anos. Para os especialistas essa fita tinha uma primorosa direção de arte (a ponto de alguns deles afirmarem que era o último suspiro da era dos filmes barrocos de terror), um roteiro muito bem escrito (baseado em uma velha peça teatral londrina) e, é claro, a sempre marcante atuação de Price, com sua voz maravilhosa, uma de suas maiores marcas registradas. O curioso é que o ator passa grande parte do filme escondido nas sombras ou sob pesada maquiagem, mas nem isso atrapalhou. Esse "O Abominável Dr. Phibes" é realmente um de seus momentos mais marcantes nas telas. Price inclusive foi homenageado na Espanha, durante o Sitges - Catalonian International Film Festival, recebendo o prêmio de melhor ator. Mais do que merecido, não apenas pelo conjunto da obra, mas também por seu carisma à prova de falhas.

Pablo Aluísio.

O Mestre dos Gênios

Título no Brasil: O Mestre dos Gênios
Título Original: Genius
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Riverstone Pictures
Direção: Michael Grandage
Roteiro: John Logan
Elenco: Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman, Guy Pearce, Laura Linney, Dominic West, Vanessa Kirby
  
Sinopse:
O filme narra a história real do editor de livros Maxwell Evarts Perkins (Colin Firth). Trabalhando em uma editora de Nova Iorque ele acaba trabalhando ao lado de alguns dos maiores escritores da história americana como F. Scott Fitzgerald e Ernest Hemingway. Recebendo dezenas de textos novos todos os dias para analisar, ele acaba se interessando por um novo romance escrito por um jovem desconhecido chamado Thomas Wolfe (Jude Law). Com imenso talento para escrever, ele é um tipo explosivo, complicado de se lidar no dia a dia. Mesmo assim Maxwell resolve contratá-lo, iniciando a partir daí um relacionamento dos mais marcantes da história da literatura. Filme indicado ao Urso de Ouro do Berlin International Film Festival.

Comentários:
Esse é exatamente o tipo de filme que mais sinto falta nos dias atuais. Apostando em um roteiro mais sofisticado, inteligente e sutil, o texto aposta suas fichas no conturbado relacionamento profissional entre um famoso editor de livros e um jovem escritor, cheio de ideias inovadoras e com muita vontade de se consagrar no mundo da literatura. Certamente não é o tipo de produção que vai arrecadar milhões nas bilheterias, mas certamente será aquele tipo de filme que vai lhe trazer muito prazer em assistir, ainda mais se você faz do hábito da leitura um companheiro em suas horas vagas. E não estamos aqui falando de literatura de bolso de baixa qualidade ou importância, mas sim de alguns dos escritores mais importantes da literatura mundial em todos os tempos. O filme traz para a tela três deles: F. Scott Fitzgerald (em plena crise de criatividade, passando por um sério problema pessoal com o gradual processo de enlouquecimento de sua esposa), Ernest Hemingway (ainda expansivo como só ele sabia ser, prestes a escrever sua maior obra prima, "Por Quem os Sinos Dobram") e finalmente o novato do trio, o esfuziante Thomas Wolfe (chegando ao ponto de ser um figura constrangedora por causa de seu temperamento explosivo). O ponto de ligação de todos eles era justamente o veterano editor Maxwell Perkins (em contida interpretação do sempre correto Colin Firth). 

O enredo se passa na década de 1940, em um tempo em que os lares sequer tinham televisão (e onde todos se reuniam ao redor do rádio para ouvir as notícias e as radionovelas). Há uma deliciosa narrativa explorando a vida (muitas vezes sofrida) de todos esses consagrados escritores, mostrando que ser um editor naqueles tempos pioneiros não era certamente algo fácil, pois além de trabalhar bastante nos próprios livros, esse ainda tinha que ser amigo pessoal, psicólogo e braço direito. Era realmente um tipo de relação muito próxima, que ultrapassava em muito a mera aproximação profissional. Todo o elenco está bem, porém o destaque mesmo vai para Jude Law. O seu Thomas Wolfe lhe abre as melhores oportunidades de declarar os mais bem escritos diálogos do filme. Já o mesmo não se pode falar da estrela Nicole Kidman. Ela interpreta uma mulher perturbada psicologicamente por ter se envolvido com Wolfe, chegando ao ponto inclusive de tentar suicídio na própria editora de seu amado! De qualquer forma, mesmo em papel reduzido, Kidman acrescenta sempre algo nos filmes em que trabalha. Então é isso. Essa é uma boa indicação para quem esteja procurando por um tipo de produção mais sofisticada, como escrevi. Um filme de muito bom gosto, ótima produção, excelente direção de arte e reconstituição de época, que seguramente vai satisfazer até mesmo o gosto dos cinéfilos mais exigentes. É sem dúvida um filme altamente recomendado.

Pablo Aluísio.

Tomorrowland

Título no Brasil: Tomorrowland
Título Original: Tomorrowland
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Studios
Direção: Brad Bird
Roteiro: Damon Lindelof, Brad Bird
Elenco: George Clooney, Britt Robertson, Hugh Laurie, Raffey Cassidy, Tim McGraw, Keegan-Michael Key
  
Sinopse:
Durante a feira mundial de 1964 o garoto Frank Walker (Thomas Robinson) acaba sendo levado para um mundo futurista, com naves e inventos maravilhosos. Os anos passam e agora é a vez da garota Casey Newton (Britt Robertson) de ser levada até Tomorrowland! Antes porém ela precisará ser salva do ataque de robôs do futuro enviados pelo maquiavélico governador Nix (Hugh Laurie). Filme indicado ao Teen Choice Awards e ao Visual Effects Society Awards.

Comentários:
Esse filme acabou se tornando um dos maiores fracassos comerciais da história da Disney. Com orçamento próximo de 200 milhões de dólares não conseguiu render nem um terço disso nas bilheterias. Um fracasso merecido. A questão é que temos aqui um dos roteiros mais mal escritos que já vi na minha vida. Só para se ter uma ideia de como ele soa confuso na tela: o espectador fica perdido, no ar, sem saber direito tudo o que está acontecendo, por aproximadamente 90 minutos! (isso em um filme com pouco mais de 110 minutos de duração!). Haja paciência! Pouca coisa é explicada e quando a trama finalmente é revelada se torna uma decepção enorme por ser boba, vazia e sem novidades. Até mesmo a cena final é cheia de clichês saturados. Basicamente é uma ficção ao estilo aventura infanto-juvenil (para usar de uma expressão bem antiga), baseada em um universo com duas dimensões paralelas, uma que seria a nossa realidade e a outra, futurista, com um mundo perfeito. Não adianta tentar encontrar algo a mais porque simplesmente não há! O projeto nasceu quando a Disney resolveu levar para as telas um brinquedo temático de um de seus parques de diversões (isso mesmo, um filme baseado em um brinquedo!). A que ponto se chegou na falta de originalidade não é mesmo?... Pois bem, para isso criaram um enredo tão descartável que não é preciso ir muito além para saber que o filme se resume a uma orgia visual de efeitos visuais com roteiro praticamente inexistente. Uma perda de tempo. Depois que o filme afundou comercialmente o ator George Clooney explicou que fez o filme por causa de sua mensagem ao estilo "Vamos salvar o planeta enquanto há tempo!". Isso é o que dá ser chatinho e politicamente correto além da conta não é mesmo Sr. Clooney? Francamente...

Pablo Aluísio.

Atividade Paranormal

Título no Brasil: Atividade Paranormal
Título Original: Paranormal Activity
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Solana Films, Blumhouse Productions
Direção: Oren Peli
Roteiro: Oren Peli
Elenco: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs, Amber Armstrong, Ashley Palmer
  
Sinopse:
Um jovem casal se muda para uma nova casa no subúrbio. No começo tudo vai muito bem, eles estão apaixonados e felizes por estarem finalmente em sua casa própria. Os problemas porém não tardam e começam a surgir durante as madrugadas. Para registrar tudo o casal decide deixar câmeras filmando tudo, 24 horas por dia! O que estas imagens revelam deixam todos apavorados. Uma presença demoníaca ronda as noites escuras naquela casa. Filme indicado ao Fangoria Chainsaw Awards, ao Independent Spirit Awards e ao MTV Movie Awards.

Comentários:
Esse foi o primeiro filme da franquia "Paranormal Activity". Quem é fã de terror sabe muito bem que esse filme, para o bem ou para o mal, acabou sendo um dos mais influentes dos últimos anos. Isso se deve ao fato de que a estética que é utilizada nessa produção acabou virando uma febre entre filmes de terror mais recentes. A fórmula realmente é muito tentadora pois é muito barata, fácil de se produzir, contando com uma falsa realidade para assustar o público. É o estilo Mockumentary, mais conhecido entre nós como "falso documentário", ou seja, uma obra cinematográfica que tenta reproduzir filmagens amadoras, feitas por qualquer pessoa, captando eventos extraordinários. Tudo é colocado para o público como se fossem registros amadores verdadeiros e não pura ficção. Isso acaba criando uma identificação que ajuda bastante na construção do medo e do terror. Esse tipo de filme começou a virar recorrente com o sucesso de "A Bruxa de Blair" que tentou convencer o público de que tudo o que se via na tela era a mais pura (e assustadora) verdade. Com "Atividade Paranormal" a ideia vai além. O foco é aquela típica família suburbana americana sendo assustada por eventos paranormais que simplesmente não se pode explicar. Nos cinemas o trailer valorizava mais a reação do público do que o filme em si, mostrando as reais intenções dos realizadores desse tipo de filme. Deu certo. Com orçamento extremamente enxuto e econômico a fita rendeu uma excelente bilheteria que justificaria uma infinidade de sequências, cada vez mais fracas e ruins. Não importa, em Hollywood como diz o ditado "money talks", ou seja, o dinheiro manda. Enquanto houver público para esse tipo de filme certamente haverá continuações, ano após ano.

Pablo Aluísio.

O Chacal

Título no Brasil: O Chacal
Título Original: The Jackal
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Michael Caton-Jones
Roteiro: Kenneth Ross, Chuck Pfarrer
Elenco: Bruce Willis, Richard Gere, Sidney Poitier, Diane Venora, Mathilda May, J.K. Simmons, Jack Black
  
Sinopse:
Durante anos um assassino profissional conhecido apenas como "O Chacal" cometeu crimes em vários países do mundo. Agora ele está nos Estados Unidos, pronto para cumprir um contrato de setenta milhões de dólares para eliminar um influente político americano. O FBI e a CIA precisam descobrir seu paradeiro antes que o crime seja cometido, porém poucos conhecem o rosto do Chacal. Uma dessas pessoas é um ex-terrorista do grupo irlândes IRA. Assim o condenado Declan Mulqueen (Gere) aceita colaborar na caça do Chacal em troca de certos benefícios para si próprio.

Comentários:
A ideia original era até muito boa. Uma nova adaptação para o famoso livro "O Dia do Chacal", um dos mais consagrados livros de ficção dos últimos anos. O filme original de 1973, dirigido por Fred Zinnemann, é sem dúvida um dos maiores clássicos modernos do cinema. O problema é que logo que começou a adaptação o estúdio resolveu ir por outro caminho. Ao invés de adaptar o enredo original procurou-se criar uma nova trama, com outros rumos. Aí a coisa toda desandou. O filme virou uma fita de ação genérica (embora competente) que muito pouco utilizava do romance original. O grande atrativo assim saia das páginas da literatura para o puro cinema. Entre eles o fato do filme contar com um excelente elenco, com direito a presença do veterano Sidney Poitier. O diretor Michael Caton-Jones sem dúvida criou um filme muito ágil, com excelente sequências de ação, porém algo se perdeu nesse processo. Bruce Willis como o assassino profissional Chacal não convence muito, porque está de certo modo preguiçoso em cena. Melhor se sai, quem diria, Richard Gere. Com um modo de interpretação mais sofisticado, menos brutamontes, ele acabou roubando grande parte do filme para si. No geral é isso. uma fita competente de ação, mas que fica longe, bem longe, do clássico "O Dia do Chacal", aquele sim um dos melhores da história do cinema.

Pablo Aluísio.

Jovens Adultos

Título no Brasil: Jovens Adultos
Título Original: Young Adult
Ano de Produção: 2011
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Jason Reitman
Roteiro: Diablo Cody
Elenco: Charlize Theron, Patrick Wilson, Patton Oswalt, Elizabeth Reaser, Collette Wolfe, Jill Eikenberry
  
Sinopse:
Prestes a chegar aos 40 anos, a vida para Mavis Gary (Charlize Theron) parece não ir para frente. Ela está divorciada, se envolvendo com os homens errados em relacionamentos fracassados e casuais que não vão para lugar nenhum. Pior é olhar para o passado e se lembrar de seus tempos de escola quando era muito popular entre seus amigos. Agora ela descobre que sua antiga paixão da juventude está casado e muito feliz, pai de um lindo garotinho. Irritada com o seu destino Mavis resolve então voltar para sua velha cidadezinha natal onde pretende reconquistar o coração de seu namorado do passado. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Charlize Theron).

Comentários:
Bom filme, bem valorizado pela inspirada atuação da atriz Charlize Theron (que de certo modo deixou a vaidade de lado!). Ela interpreta uma mulher amarga, frustrada e magoada pelo tempo que tenta voltar para o passado, quando era admirada pelos amigos e colegas da escola. Um linda garota loira e popular dos tempos de escola que pareceu não ter dado muito certo! O problema é que esse passado obviamente não existe mais. Nem seu antigo namorado a quem ela nunca esqueceu tampouco é a mesma pessoa de antes. Mesmo assim ela resolve ignorar tudo e partir para o ataque, causando todos os tipos de constrangimentos, mal entendidos e problemas ao tentar voltar para um mundo ao qual ela não mais pertence. O filme é supostamente uma comédia, porém o humor que vemos aqui é obviamente bem negro, sarcástico até. O roteiro, escrito pela roteirista e stripper Diablo Cody explora muito bem a geração que já está nos "trinta e tantos" chegando perigosamente aos "quarenta e poucos", em um um momento da vida em que vários sonhos se evaporaram no ar e nada mais parece muito promissor pela frente. É um tipo de humor que também vai deixar uma estranha sensação de desconforto em que assiste ao filme. E é justamente por isso que vale a pena a sessão. Assista, se divirta e se possível se identifique. O sorriso amarelo logo surgirá, constrangido, em seu rosto.

Pablo Aluísio.

Quantico

Ontem assisti ao episódio piloto dessa nova série Quantico. De antemão já sabia que não era grande coisa. Basta dar uma olhada no elenco para verificar que não vinha nada de muito bom pela frente. O canal abc não se notabilizou por ser ousado em termos de séries. Como convém a uma canal aberto americano eles ficam por ali mesmo, no esquema mainstream, tudo formulaico e cheio de clichês. O alvo é o público médio, que apenas quer curtir um enlatado no fim da noite de um dia de trabalho duro. Não existe espaço para ousadias ou inovações. O tema é batido. Um grupo de jovens de todos os lugares e origens dos Estados Unidos vão até a cidade de Quantico onde funciona a academia do FBI. Eles sonham se tornar agentes federais. No meio do caminho para lá, numa viagem de trem, a futura agente Alex Parrish (interpretada pela bonita atriz indiana Priyanka Chopra) resolve dar uns pegas em um cara bonitão que encontra por acaso. Depois dos amassos ela o dispensa sem maiores rodeios, dizendo que ele não é o seu tipo. Mero sexo casual. Para sua surpresa acaba encontrando ele de novo, só que em Quantico! Pois é, ele também era um dos novatos da Academia.

Bom, pela simples menção dessa pequena sinopse já deu para perceber que a série é mais uma daquelas bem bobinhas da TV americana. Essa mania de usar um monte de atores que mais parecem modelos como policiais já se esgotou, principalmente em programas do tipo Chicago Fire, Chicago PD ou até mesmo Rookie Blue. Também não espere por roteiros bem escritos ou surpreendentes. Nesse piloto há duas linhas temporais. No passado vamos acompanhando a chegada dos novos alunos de Quantico, as primeiras experiências, antipatias e simpatias entre eles. Depois vamos descobrindo gradualmente que muitos deles escondem algo. Já no presente encontramos a agente Alex no meio de um prédio que acabou de sofrer um atentado terrorista. O seu chefe acredita que alguém de sua turma de formandos esteve envolvido na tragédia. Inclusive ela própria vira uma suspeita. Quem seria o terrorista? Pronto, acaba por aí mesmo. Não me convenceu, não me animou e muito provavelmente não seguirei acompanhando. Depois de muitos anos assistindo séries você vai criando um bom instinto sobre o que presta ou não presta nesse universo. Em se tratando de algumas séries você não precisa nem perder seu tempo.

Quantico (Quantico 1.01 - Run, EUA, 2015) Direção: Marc Munden / Roteiro: Joshua Safran / Elenco: Priyanka Chopra, Josh Hopkins, Jake McLaughlin. / Sinopse: Um grupo de jovens estudantes vão para Quantico para começar seus estudos na famosa academia policial do FBI. Série produzida pelo canal abc.

Pablo Aluísio.

Até o Fim

Título no Brasil: Até o Fim
Título Original: All the Way
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: HBO Films
Direção: Jay Roach
Roteiro: Robert Schenkkan
Elenco: Bryan Cranston, Frank Langella, Bradley Whitford, Melissa Leo, Stephen Root, Anthony Mackie
  
Sinopse:
Após o assassinato de JFK em Dallas, assume a presidência dos Estados Unidos seu vice, Lyndon Johnson (Bryan Cranston). Na Casa Branca seu grande desafio passa a ser a aprovação pelo Congresso da Lei dos Direitos Civis. Para isso ele passa a contar com o apoio do pastor e líder negro Martin Luther King, Jr (Anthony Mackie). Os desafios porém são muitos, inclusive dobrar a ferrenha oposição de parlamentares do Sul, região tradicionalmente mais racista daquele país. Enquanto tenta a aprovação da lei o presidente Johnson também precisa lidar com o crescente envolvimento militar americano em um país asiático distante chamado Vietnã. Filme indicado a oito prêmios Emmy, entre eles melhor filme, melhor direção (Jay Roach), melhor ator (Bryan Cranston) e melhor atriz (Melissa Leo).

Comentários:
Lyndon Johnson (1908 - 1973) foi um presidente americano diferente. Ele era um político tradicional e meio apagado que de repente se viu no meio do furação após o assassinato em Dallas do presidente John Kennedy. Como era o vice de JFK assumiu a presidência. Ao contrário de seu antecessor ele passava longe de ser um grande estatista. Meio bronco e chucro, um autêntico caipira sulista, ele tinha um jeito diferente de tratar com todos os problemas políticos que lhe surgiam pela frente. Era um sujeito pragmático, que nem sempre pensava com muita sensatez. Também sondava constantemente com a ilegalidade, como podemos ver no filme em suas delicadas relações com o diretor geral do FBI, J. Edgar Hoover. Esse presidente ficou marcado na história por dois eventos principais durante seu mandato, um positivo e outro negativo. O positivo foi a aprovação da lei dos direitos civis, uma velha bandeira de JFK. O negativo foi o envolvimento cada vez maior dos Estados Unidos na lama do Vietnã, o conflito armado mais desastroso da história daquela nação. Como ele não tinha muita visão de política internacional foi enviando cada vez mais tropas para o Vietnã, o que acabou causando aquele desastre imenso que bem conhecemos. 

O roteiro do filme porém pouco lida com a questão dessa guerra (que inclusive foi determinante para que ele depois desistisse de se reeleger por uma segunda vez). Ao invés disso prefere mostrar os esforços de Johnson em aprovar as leis de direitos civis em prol da população negra, sem desviar a atenção do presidente da tormentosa questão de sua própria reeleição. Quem interpreta o presidente nesse bom filme é o talentoso ator Bryan Cranston. Usando forte maquiagem para se parecer com Lyndon Johnson, ele pouco lembra de seu papel mais famoso, o do professor de química Walter White da série "Breaking Bad". Penso que nessa altura do campeonato ninguém mais tem dúvidas de como ele é um grande ator. Aqui, na pele do presidente Johnson, ele consegue simplesmente desaparecer em seu personagem (algo que apenas os grande atores conseguem realizar). Outro grande destaque vem da interpretação do veterano Frank Langella. Ele interpreta um velho senador do sul chamado Richard Russell, um político que luta para derrubar a lei que amplia os direitos dos negros, embora ele próprio seja um grande amigo pessoal do presidente. Enfim, muito bom esse filme. Historicamente bem realizado, é um interessante retrato desse presidente que se considerava acima de tudo um mero acidente da história.

Pablo Aluísio.

Quadrilha do Inferno

Título no Brasil: Quadrilha do Inferno
Título Original: Posse from Hell
Ano de Produção: 1961
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Herbert Coleman
Roteiro: Clair Huffaker
Elenco: Audie Murphy, John Saxon, Lee Van Cleef, Zohra Lampert Vic Morrow, Robert Keith, Rodolfo Acosta
  
Sinopse:
Uma quadrilha de bandoleiros violentos chega numa cidadezinha do velho oeste chamada Paradise e toma vários moradores como reféns. Eles querem assaltar o banco da cidade e para isso usam as pessoas como verdadeiros escudos humanos. O Xerife tenta evitar, mas cai em uma emboscada e morre. Depois que roubam o banco os bandidos fogem com uma refém, uma jovem chamada Helen (Zohra Lampert). Os moradores então resolvem forma um grupo de resgate, comandados pelo assistente do xerife, Banner Cole (Murphy). Juntos vão para o deserto para tentar capturar os criminosos e libertar a refém.

Comentários:
Faroeste B da Universal estrelado pelo astro da época Audie Murphy (que se tornou estrela em Hollywood após ser o soldado americano mais condecorado na II Guerra Mundial). Pois bem, o roteiro como se pode perceber na sinopse, é bem básico, praticamente uma caçada a ladrões de bancos pelo deserto. Murphy interpreta um personagem um pouco antipático, um sujeito durão que não parece estar muito preocupado em ser educado ou gentil com os que lhe ajudam nessa empreitada. Em certos aspectos o sujeito é bastante rude e mal-educado. Assim quem acaba se destacando são dois coadjuvantes. O primeiro deles é o ator John Saxon. Ele interpreta um almofadinha, um empregado que o banco que foi roubado envia junto da patrulha comandada por Audie Murphy. Um sujeito de Nova Iorque que não parece acostumado nem a montar um cavalo, quanto mais a usar uma arma de fogo. A despeito de sua falta de jeito acaba se revelando uma surpresa quando finalmente o bando de ladrões é confrontado. 

Outro destaque vem da presença de  Lee Van Cleef. Ele interpreta um bandido, em um papel sem maior importância. Para os fãs de suas fitas de western spaghetti (que iria realizar depois quando foi para a Itália), é no mínimo curioso ver o ator, ainda bem jovem, dando os seus primeiros passos em sua longa lista de homens maus que iria interpretar no cinema. Por fim um aspecto do roteiro que merece ser citado. A jovem que é sequestrada pela quadrilha deixa claro para o personagem de Audie Murphy que foi estuprada por todos os criminosos que a tinham como refém. A forma direta que isso é tratado pelo roteiro causa surpresas, pois na época esse tema ainda era considerado tabu dentro do cinema americano. No máximo um crime como estupro era sugerido pelos roteiros e não tratado de forma tão aberta! Ela inclusive fica tão enojada e envergonhada por ter sido estuprada que se recusa a voltar para sua antiga cidadezinha, com receios de ficar estigmatizada. Esse detalhe do roteiro certamente era algo bem inovador na época, demonstrando que o filme, pelo menos nesse quesito, foi bem inovador.

Pablo Aluísio.

O Maior Amor do Mundo

Título no Brasil: O Maior Amor do Mundo
Título Original: Mother's Day
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Lionsgate Pictures
Direção: Garry Marshall
Roteiro: Anya Kochoff, Matthew Walker
Elenco: Jennifer Aniston, Kate Hudson, Julia Roberts, Timothy Olyphant, Shay Mitchell, Margo Martinda
  
Sinopse:
Perto da chegada do dia das mães um grupo de mulheres, das mais diversas faixas etárias, precisa lidar com os problemas de relacionamento envolvendo suas mães e sua própria maternidade. Há a mãe divorciada (Aniston) que agora precisa lidar com o fato do ex-marido estar casado com uma jovem, praticamente uma adolescente, que poderia ser sua filha; uma esposa (Hudson) que esconde da própria mãe que se casou com um indiano (já que ela tem um claro preconceito contra imigrantes e estrangeiros) e uma irmã que agora vive um relacionamento gay escondido de seus pais. Tudo tratado com bom humor e leveza.

Comentários:
Esse é aquele tipo de filme feito por e para mulheres que dificilmente despertará o interesse do público masculino. Para o cinéfilo em geral o único atrativo virá realmente do elenco (que conta com três estrelas de Hollywood) e nada muito além disso. Como o título original sugere ("Mother's Day" ou Dia das Mães), o roteiro explora a maternidade em suas diversas fases e peculiaridades. Todas as protagonistas são mães que enfrentam todos os tipos de problemas e desafios em seu dia a dia. Embora o enredo tivesse um potencial dramático, envolvendo questões emocionais e familiares, tudo desanda para o humor bem mais leve, totalmente inofensivo e com carga dramática praticamente nula. Esse talvez seja o maior problema do filme. Não há espaço para conflitos entre os personagens, tudo parece ser solucionado com um sorrisinho no rosto, sem traumas, sem brigas, sem nada. O diretor Garry Marshall (falecido recentemente, sendo esse seu último filme) parecia ter receios de traumatizar seu público ou algo assim. De certa forma ele trata e subestima completamente o público, evitando qualquer tipo de cena mais forte ou mais relevante. Quando o filme fica inofensivo demais, mesmo sendo uma comédia romântica, a coisa toda desanda para a pura água com açúcar, tornando tudo tão plastificado e falso que fica complicado seguir o filme até o seu final (igualmente inócuo e desprovido de carga dramática). Outro problema vem do tratamento em relação aos homens. Não há figuras masculinas fortes no roteiro. Todos os homens parecem ou fracos ou idiotas, imbecilizados e idiotizados. Nenhum deles tem um papel positivo dentro da trama. Olyphant, por exemplo, é um boboca que se apaixona por uma jovem, ignorando que ela talvez só esteja atrás de seu dinheiro. De certa forma tudo parece se desenvolver em uma realidade fake, que definitivamente não convence ninguém. As situações são manipuladas demais e não são muito divertidas e nem particularmente engraçadas. É tudo tão bobinho pra falar a verdade... e não há como negar que o filme no geral é de um vazio absurdo! Assim as piores situações - como ver seu ex-marido se apaixonando por uma gatinha praticamente adolescente ou o preconceito racial de seus pais para com o seu marido de origem estrangeira - acabam virando meras piadinhas de salão, estorinhas engraçadas para você contar para suas amigas em sessões de fofocas e fuxicos. Francamente...

Pablo Aluísio.

Imperium

Foi meio enervante assistir a essa filme porque seu roteiro foi baseado em fatos reais! Quando tudo acaba você acaba sentindo um frio na espinha ao se dar conta de que vivemos em um mundo cheio de lunáticos, malucos e fanáticos perigosos. Na história do filme o ator Daniel Radcliffe interpreta um agente do FBI chamado Nate Foster. Ele é um sujeito meio tímido e por fora que acaba sendo escolhido para se infiltrar em um grupo de supremacia branca em Washington DC. Como se sabe há muitos grupos como esse, de tendências neonazistas, em praticamente todos os estados americanos.

Com o avanço do terrorismo islâmico eles foram deixados um pouco de lado pelo FBI, o que o bureau logo descobriu ter sido um erro e tanto já que eles também poderiam ser tão perigosos e letais como os violentos seguidores do Jihad muçulmano. Pois bem, determinada sua missão Nate recebe nova identidade (a de um veterano da marinha descontente com os rumos do governo) e começa a frequentar locais e manifestações desses seguidores do lema "White Power". Suas suspeitas maiores recaem sobre um locutor de rádio que mantém um programa de mensagens radicais e racistas. O tempo porém provará a Nate que o perigo não estava nesse sujeito, mas sim em alguém que parecia ser a pessoa mais sensata no meio de todo aquele fanatismo.

Essa história é bem preocupante porque demonstra como essas organizações são bem estruturadas, organizadas e o pior de tudo: possuem todos os meios para causar grandes danos aos seus inimigos, sejam eles reais ou imaginários. Sempre pregando uma mensagem de ódio racial contra negros, judeus e imigrantes, esses movimentos de tempos em tempos se degeneram para ações terroristas violentas. No caso do enredo do filme um pequeno, mas atuante grupo, decide fazer um atentado usando Césio 137 (o mesmo que causou uma tragédia no Brasil alguns anos atrás). Seu objetivo é causar o maior número de mortes em prol de uma suposta mensagem Hitleriana de dominação ariana - uma coisa de deixar qualquer um de cabelos em pé!

Além do tema importante o filme também se destaca pela boa direção do jovem cineasta Daniel Ragussis. Amigo pessoal do ator Daniel Radcliffe, ele soube aproveitar a oportunidade de dirigir esse seu primeiro longa-metragem e conseguiu realizar um filme bem redondinho, sem exageros ou erros, contando corretamente sua história. Entre o elenco eu destacaria a boa atuação de Sam Trammell. O fã de séries certamente o reconhecerá de "True Blood". Ele interpreta um sujeito que parece ser extremamente normal e equilibrado, com família e filhos, admirador de música clássica e tudo mais. Um verdadeiro pilar da comunidade. Mal se sabe que por debaixo de toda aquela fachada se esconde um insano e feroz seguidor das ideias racistas mais absurdas e enlouquecidas. Enfim, deixo aqui a dica desse muito bom "Imperium". Um filme para ver e refletir sobre os caminhos tortuosos pelas quais anda a humanidade ultimamente.

Imperium (Estados Unidos, 2016) Direção: Daniel Ragussis / Roteiro: Michael German, Daniel Ragussis / Elenco: Daniel Radcliffe, Toni Collette, Tracy Letts, Sam Trammell / Sinopse: Agente do FBI disfarçado se infiltra no meio de organizações de supremacia branca nos Estados Unidos para descobrir quem estaria por trás dos planos de um grande atentado terrorista na capital da nação. Roteiro baseado em fatos reais.

Pablo Aluísio.

Ciladas da Sorte

Título no Brasil: Ciladas da Sorte
Título Original: Albino Alligator
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax
Direção: Kevin Spacey
Roteiro: Christian Forte
Elenco: Matt Dillon, Faye Dunaway, Gary Sinise, William Fichtner, Viggo Mortensen, M. Emmet Walsh, Joe Mantegna
  
Sinopse:
Após cometerem crimes pela noite adentro, três ladrões são caçados pela força policial. Tentando escapar do cerco eles acabam em um modesto bar, localizado em um porão. Lá acabam fazendo cinco reféns, entre clientes e empregados do pequeno estabelecimento. O lugar é uma verdadeira arapuca, com apenas uma saída. Como eles poderiam sair vivos de um bar como aquele? Assim nasce a ideia desesperada de se utilizar um plano ao estilo "Albino Alligator", onde uma pessoa é sacrificada para atrair a atenção dos policiais, enquanto os outros fogem do cerco dos tiras.

Comentários:
Bom, que Kevin Spacey é um dos mais talentosos atores de sua geração isso praticamente todo mundo já sabe. Agora, como ele se saiu atrás das câmeras, como diretor de cinema? Quem estiver procurando por uma resposta a encontrará em apenas dois filmes (os dois únicos que ele dirigiu até hoje). Um deles é "Uma Vida Sem Limites" de 2004, uma bela homenagem do ator para com o cantor Bobby Darin. Nostálgico e com ótima trilha sonora é realmente um belo musical biográfico. Antes disso porém Spacey se aventurou na direção com esse "Albino Alligator". Aqui temos um thriller policial com toques teatrais em sua concepção que acabou funcionando muito bem. Como era de se esperar Spacey filmou pensando em seus atores. Tudo é direcionado para valorizar cada diálogo, cada detalhe de atuação. Para isso ele reuniu realmente um excelente elenco onde se destacaram os veteranos Joe Mantegna e Faye Dunaway. Outro destaque vem com o belo trabalho de Gary Sinise, que sempre teve um estilo de interpretação bem próximo do próprio Kevin Spacey. Seria o alter ego do diretor no filme? É possível. Em suma, deixamos aqui a dica desse bom filme policial dos 90s. Uma bela produção, um roteiro bem escrito e um elenco afiado marcam um filme que fez jus ao talento de Spacey e todo o seu elenco.

Pablo Aluísio.

Guerra de Canudos

Título no Brasil: Guerra de Canudos
Título Original: Guerra de Canudos
Ano de Produção: 1997
País: Brasil, Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures, Rio Filme
Direção: Sergio Rezende
Roteiro: Paulo Halm, Sergio Rezende
Elenco: José Wilker, Cláudia Abreu, Paulo Betti, Marieta Severo, José de Abreu, Selton Mello
  
Sinopse:
Filme baseado em um fato histórico real, "Guerra de Canudos" recria o terrível conflito armado que aconteceu no interior do nordeste brasileiro entre as forças armadas e um grupo de pessoas liderados por um líder religioso carismático chamado de Antônio Conselheiro (José Wilker). Pregando o fim dos tempos, ele conseguiu reunir uma grande população em um pequeno vilarejo chamado Canudos. Pregando contra o fim da monarquia e se declarando independente do resto do país, Conselheiro acabou se tornando um alvo para o governo, dando origem a um massacre sem precedentes na história do Brasil. 

Comentários:
Eu gosto bastante desse filme. Aliás sou meio suspeito para opinar pois sempre gostei de filmes adaptados de eventos marcantes da história do Brasil. O beato Antônio Conselheiro acabou sendo um desses protagonistas da história que até hoje segue sendo motivo de muitas controvérsias. Teria sido ele um lunático, um fanático religioso ou um homem com uma visão de mundo bem a frente de seu tempo? O bom roteiro dessa produção prefere apenas contar corretamente todos os fatos históricos, sem se tornar panfletário de uma causa ou uma mera propaganda ideológica. Assim acabou encontrando o caminho certo para o bom cinema. Até porque a história desse homem místico já é por si só demais interessante. Outro aspecto digno de nota que também vale ressaltar é o fato de que o massacre de Canudos jamais foi esquecido, mesmo após dois séculos. Um dos momentos mais curiosos e singulares da história do nosso país também deu origem a um banho de sangue que mesmo hoje em dia jamais podemos compreender bem. Que Antônio Conselheiro era um homem estranho, com ideias fora do comum, isso todos os historiadores já sabem bem. Agora, era necessário mesmo uma verdadeira guerra apenas por ele pensar diferente do poder dominante? Afinal qual seria a importância de uma vilazinha no meio do semi árido nordestino para o resto de um país continental como o Brasil? Assista ao filme e tente entender ou encontrar todas essas respostas.

Pablo Aluísio.

Tobruk

Nesse fim de semana resolvi assistir a um antigo filme clássico de guerra chamado "Tobruk". Por um desses esquecimentos da vida não conseguia mais recordar se tinha ou não assistido antes essa produção da Universal! A única certeza que tinha era que se tinha visto mesmo foi há muitos anos, a ponto da memória falhar completamente. Assim, na dúvida, resolvi conferir. Além disso o tema sempre me interessou pois gosto bastante de livros históricos sobre a II Guerra Mundial. Pois bem, se você sabe o mínimo sobre essa guerra vai lembrar da figura do general Rommel. Ele foi um dos maiores estrategistas da Alemanha Nazista. Sob o comando da Afrika Korps ele venceu várias batalhas importantes na guerra, mesmo com inúmeros problemas que envolviam as tropas sob seu comando. Sem dúvida era um gênio da estratégia militar.

Pois é justamente no cenário onde Rommel brilhou, localizado no norte da África, que o enredo de "Tobruk" se desenvolve. Aliás o nome Tobruk era referente ao importante porto onde Rommel mantinha uma incrível divisão de tanques do III Reich que estava apenas à espera da chegada das tropas aliadas para destroçar completamente com elas. Como deter o avanço dessa coluna mortal de armas de guerra? Ora, um tanque só funcionaria com combustível, como era óbvio deduzir. Toda essa gasolina estava armazenada em grandes depósitos situados no mesmo porto. Então essa era a missão dos homens, a maioria deles britânicos, em Tobruk: Localizar os depósitos e tocar fogo em todos eles. Pareceu fácil? Nada disso. A região era fortemente guarnecida pelo exército alemão. Como entrar lá então?

A única maneira de entrar além das linhas inimigas era se disfarçar dos próprios inimigos. Assim todos se vestem de nazistas e começam a viajar rumo a Tobruk. Rock Hudson, o eterno galã de Hollywood, interpretou nesse filme um Major canadense especializado na região onde estavam os grandes depósitos do Reich. Apenas ele poderia conduzir todos eles por aqueles desertos sem fim. George Peppard (lembra dele de "Esquadrão Classe A", série popular nos anos 80?) interpretava o Capitão Bergman que tinha que garantir que todos sairiam salvos daquela missão praticamente suicida.

Sob a competente direção do cineasta Arthur Hiller, um veterano diretor com mais de 70 filmes no currículo, que inclusive morreu recentemente no último dia 17 de agosto aos 92 anos de idade, o filme funciona muito bem. Ele criou um filme de guerra ao velho estilo, seguindo os dogmas da antiga escola de Hollywood. Não há muito espaço para dubiedades, pois todos os militares são heróis em potencial, mesmo quando surgem momentos de ironia ou humor. O filme é uma mistura de ficção e fatos históricos reais que satisfaz plenamente as exigências do cinéfilo que aprecia esse tipo de produção. Um dos destaques vem da bem realizada cena final quando Rock e seus companheiros precisam destruir imensos canhões de praia dos nazistas. Uma cena tão tecnicamente bem feita que legou ao filme sua única indicação ao Oscar na categorias de Efeitos Especiais. Até Rommel teria batido palmas se ainda estivesse vivo.

Pablo Aluísio.

Era uma Vez no Oeste

Título no Brasil: Era uma Vez no Oeste
Título Original: C'era una volta il West
Ano de Produção: 1968
País: Estados Unidos, Itália
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Sergio Leone
Roteiro: Sergio Donati, Sergio Leone
Elenco: Henry Fonda, Charles Bronson, Claudia Cardinale, Jason Robards, Gabriele Ferzetti, Paolo Stoppa
  
Sinopse:
Quando a bela Jill McBain (Claudia Cardinale) chega de viagem de New Orleans em uma pequenina cidade do velho oeste americano para se unir ao homem com o qual se casou e descobre que toda a sua família foi morta, ela percebe que sua vida praticamente acabou. O lugar está dominado pela quadrilha liderada pelo pistoleiro e sádico Frank (Henry Fonda), um mercenário que protege com extrema violência os interesses da companhia ferroviária, cujas linhas irião passar em breve pela região. O marido de Jill estava atrapalhando os planos da ferrovia e por essa razão foi eliminado por Frank e seus bandoleiros. Apenas dois homens parecem dispostos a proteger Jill da ameaça sempre constante de Frank, o rápido no gatilho Cheyenne (Jason Robards), um foragido da lei, e o introspectivo "Harmonica" (Bronson), um pistoleiro misterioso de origem desconhecida.

Comentários:
Para muitos críticos e especialistas em cinema esse é o melhor western spaghetti de todos os tempos. É a obra máxima que sintetiza como nenhuma outra a genialidade do mestre Sergio Leone. De fato, sob qualquer ponto de vista é impossível negar as qualidades cinematográficas desse verdadeiro clássico. Leone construiu uma verdadeira ópera visual, explorando com maestria todos os valores e dogmas sagrados do faroeste. Uma prova de seu inigualável talento acontece logo na primeira cena. Um grupo de pistoleiros mal encarados chegam em uma estação ferroviária. Eles esperam a chegada do próximo trem. Aqui Leone explora todas as possibilidades narrativas sem praticamente usar o recurso do diálogo. Tudo acontece apenas se utilizando os elementos que estão ao redor. O ruído de um velho moinho todo enferrujado, o som desolador do vento do deserto e até mesmo uma mosca incômoda que insiste em pousar no rosto do bandido, se tornam elementos narrativos extremamente ricos nas mãos de Leone. Essa sequência inicial aliás entrou na história do western como uma das mais bem realizadas já mostradas na história do cinema. Um verdadeiro toque de mestre. E assim seguirá no transcorrer de todo o filme. Sergio Leone não parece apressado em contar sua estória, mas sim em explorar todos os elementos narrativos e psicológicos possíveis. 

A simples chegada de um bando de assassinos numa fazenda já se torna para ele uma ótima oportunidade de mostrar e explorar toda a sua técnica de narração cinematográfica. Leone parecia realmente se deliciar com esse tipo de situação. O close nos olhos dos bandidos, as situações minuciosamente trabalhadas (como a da morte do irmão do personagem de Charles Bronson, ainda criança) demonstram bem como Leone era mestre nesse tipo de cena. Além do domínio completo na arte de narrar a estória de seu filme, o diretor ainda conseguiu a proeza de extrair ótimas interpretações de todo o seu elenco. Henry Fonda, por exemplo, um veterano, poucas vezes esteve tão assustador em cena. Claudia Cardinale, uma das atrizes mais bonitas do cinema europeu, nunca esteve tão talentosa como aqui sob a direção de Leone. Até mesmo Charles Bronson, com seus poucos recursos dramáticos, acaba se saindo muito bem como o pistoleiro calado, introspectivo e misterioso, sempre com uma gaita na boca, tentando com isso trazer alguma mensagem sombria que poucos conseguem decifrar. Enfim, se você tiver que ter apenas um western na sua coleção de filmes recomendamos esse grande clássico assinado por Sergio Leone. Uma obra prima maravilhosa, realmente indispensável para todo e qualquer cinéfilo que se preze.

Pablo Aluísio.

O Mar de Árvores

Existe uma floresta no Japão, aos pés do Monte Fuji, que ao longo dos anos acabou virando um lugar procurado por suicidas em geral. De complicado acesso, com mata fechada, o lugar acabou se tornando um refúgio para quem realmente desejava acabar com a própria vida. E é justamente para lá que vai o escritor americano Arthur (Matthew McConaughey). Sua vida está destruída depois que sua jovem esposa faleceu. O casamento ia de mal a pior, mas depois que ela foi diagnosticada com câncer eles se reaproximaram fortemente. A velha paixão reacendeu em seus corações. Muitas vezes as dificuldades da vida acabam também trazendo coisas positivas para um relacionamento que parecia falido. 

Antes dela morrer Arthur acaba jurando a ela que não iria embora dessa existência para outra em um hospital, cercado de pessoas desconhecidas. Ao invés disso iria procurar um lugar bonito, com muito verde, para se despedir dessa vida. Quando ela morre precocemente e de forma até inesperada, ele decide, depois de uma profunda depressão, acabar com tudo. Em seu interior fica completamente devastado. A floresta Aokigahara então se torna seu destino final. Sem malas, apenas com a roupa do corpo, compra uma passagem para o Japão. Ele só leva algumas pílulas consigo e mais nada. A intenção é realmente se suicidar. Adentra a mata e quando está prestes a consumar seu próprio suicídio é surpreendido por um homem que parece vagar a esmo pelo lugar. Com as roupas em frangalhos, aparentando estar com muita fome e sede, Arthur então resolve ajudá-lo. E assim começa verdadeiramente a trama de todo o filme.

Essa nova película do diretor Gus Van Sant lida com um tema que muitos provavelmente vão querer evitar. Afinal de contas quem realmente iria se interessar por um protagonista que no fundo só deseja mesmo acabar com a sua própria vida? O tema da morte já é por demais complicado para grande parte do público, agora imagine acrescentar a isso a dor do luto e da depressão pela morte de um ente querido! O roteiro não subestima a inteligência do espectador e nem tenta amenizar o que acontece. De certa forma essa escolha por um filme pesado, triste, mas ao mesmo tempo espiritualizado, seja o grande mérito cinematográfico dessa produção. Além disso a tal floresta dos suicidas realmente existe, o que torna tudo ainda mais interessante para quem ousar ter a coragem que encarar esse drama existencial sobre a morte e o fim dos sonhos. Partindo do grande Gus Van Sant (um cineasta de quem sempre gostei muito) essa coragem de lidar com algo tão delicado, melancólico e controvertido ao mesmo tempo realmente não me surpreendeu em nada.

O Mar de Árvores (The Sea of Trees, Estados Unidos, 2015) Direção: Gus Van Sant / Roteiro: Chris Sparling / Elenco: Matthew McConaughey, Naomi Watts, Ken Watanabe / Sinopse: Arthur (McConaughey) é um jovem escritor americano que decide acabar com sua própria vida após a morte da esposa, Joan (Watts). Assim ele decide ir para o Japão para morrrer em um lugar de mata fechada aos pés do Monte Fuji conhecido como a floresta dos suicidas. Quando está prestes a tomar as pílulas que irá acabar com sua vida ele é surpreendido pela chegada de Takumi (Ken Watanabe), um senhor que também tentou se matar ao perder o emprego, mas que agora deseja ir embora daquele lugar sinistro. Filme indicado à Palma de Ouro no Cannes Film Festival.

Pablo Aluísio.

Café Society

O octagenário e polêmico Woody Allen nos brinda com uma verdadeira pérola da sétima arte: o charmoso e envolvente "Café Society". Sob a batuta de um dos poucos cineastas vivos que realmente sabem fazer cinema de qualidade (o outro é Clint Eastwood), Allen - que também faz a narração do filme - entregou a responsabilidade de uma iluminação quase lisérgica nas mãos do genial Vittorio Storaro, o italiano responsável pelas fotografias de "Apolcalypse Now" e "O Último Tango em Paris".

O longa discorre sobre a história de Phil (Steve Carrel) um agente de sucesso e influência, com trânsito fácil entre os maiores atores de Hollywood da década de 30, a década de ouro do cinema. Phil recebe, num certo dia, o telefonema de sua irmã que mora em Nova York pedindo-lhe ajuda de emprego para seu filho caçula, Bobby Dorfman (Jesse Eisenberg - o Mark Zuckerberg de "A Rede Social"). O garoto, sobrinho de Phil, larga a joalheria dos pais, desembarca na charmosa e mítica Hollywood e passa a trabalhar no escritório de seu tio.

Não demora muito para que o sonhador e desajeitado Bobby apaixone-se pela ambiciosa, Vonnie (Kristen Stewart). Pouco depois do inicio do namoro, Bobby se decepciona com Vonnie, retorna para Nova York e lá com sua verve empreendedora, passa a prospectar restaurantes e bares da moda frequentados pela chamada "Café Society", movimento de ponta entre artistas famosos e grandes empresários da época. Bobby muda o rumo de sua vida, envereda-se pelo caminho empresarial, mas jamais esquece de sua vaporosa e bela Vonnie, seu verdadeiro amor.

Todos os elementos que sempre compuseram a obra artística de Allen, estão lá: a referência aos judeus, a homenagem ao cinema, o romance, com seus mistérios, seus acordes duvidosos e suas escolhas incertas, e, por fim, a comédia. Aliás, desta vez, Allen caprichou nos tons irônicos e na comédia. O longa, com seu descompromisso e com sua incrível leveza e simplicidade acerta em cheio em dois pontos nevrálgicos: o triângulo amoroso entre Phil, Bobby e Vonnie e na fotografia em tons que oscilam entre o sépia de Hollywood e o cinza de Nova York, que saíram da cartola do mágico, Vittorio Storaro. Um filme absolutamente notável e um dos melhores do famoso diretor neste século.

Café Society (Idem, Estados Unidos, 2016) Direção: Woody Allen / Roteiro: Woody Allen / Elenco: Kristen Stewart, Jesse Eisenberg, Steve Carell, Corey Stoll.

Telmo Vilela Jr.

O Duelo

Sem favor algum, temos aqui um dos melhores faroestes que assisti nos últimos anos. A premissa é das melhores. O governador do Texas resolve enviar um de seus Texas Rangers para uma pequena cidade da fronteira para investigar a morte do sobrinho de um poderoso general mexicano. A morte do rapaz criou uma tensão entre os governos dos Estados Unidos e México e tudo deve ser resolvido para evitar maiores problemas em um futuro próximo (inclusive, quem sabe, até mesmo uma guerra entre os dois países se tudo sair do controle e ninguém for punido pelo crime).  Assim o agente David Kingston (Liam Hemsworth) parte para sua missão, acompanhando de sua jovem esposa, a mestiça Marisol (interpretada pela brasileira Alice Braga). Ao chegar na cidadezinha descobre que todos parecem obedecer cegamente as ordens de um estranho sujeito chamado Abraham (Woody Harrelson, ótimo como sempre!). Ele é uma espécie de pregador fanático e assassino cruel. Veterano da guerra civil, agora impõe sua vontade para todos os moradores, usando para isso duas armas bem poderosas: a religião e o medo!

Para tornar tudo ainda mais interessante Abraham matou o pai de David durante a guerra, em um tipo de luta mortal onde dois homens eram amarrados entre si, com facas nas mãos! Apenas o último de pé conseguiria sobreviver. E como se isso ainda não fosse explosivo o bastante o próprio Abraham parece disposto a conquistar a esposa do agente David, colocando tudo em um caldeirão de rivalidade que fica pronto a explodir a qualquer momento! "O Duelo" se revela assim uma ótima opção para os fãs do western. Além de respeitar todos os dogmas sagrados do gênero ainda traz um background psicológico para todos os personagens que o torna realmente um western muito acima da média do que anda sendo produzido nesse estilo ultimamente. Há uma constante tensão no ar, com aquele tipo de sentimento que há algo muito violento e cruel prestes a surgir na próxima cena. Além disso a guerra psicológica que se instala entre os dois principais personagens acaba sendo um dos destaques desse roteiro que por si só já é realmente muito bom. Em suma, um ótimo filme que infelizmente anda sendo bem subestimado. Não deixe passar em branco.

O Duelo (The Duel, Estados Unidos, 2016) Direção: Kieran Darcy-Smith / Roteiro: Matt Cook / Elenco: Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Alice Braga, Emory Cohen, William Sadler / Sinopse: Um jovem Texas Ranger (Liam Hemsworth) é enviado em missão até uma cidadezinha da fronteira no velho oeste para descobrir sobre o desaparecimento e morte de mexicanos na região. O governador do Texas teme que as mortes criem uma tensão com o governo do México. Uma vez na região o Ranger descobre que um pregador fanático e pistoleiro (Harrelson) pode estar por trás de todas as mortes.

Pablo Aluísio.

Álamo - 13 Dias de Glória

Título no Brasil: Álamo - 13 Dias de Glória
Título Original: The Alamo - Thirteen Days to Glory
Ano de Produção: 1987
País: Estados Unidos
Estúdio: The Finnegan Company
Direção: Burt Kennedy
Roteiro: Lon Tinkle, Clyde Ware
Elenco: James Arness, Raul Julia, Brian Keith, Alec Baldwin
  
Sinopse:
O filme recria um dos eventos históricos mais importantes dos Estados Unidos. No século XIX um grupo de apenas 200 homens, entrincheirados no forte Álamo no Texas, conseguiu resistir bravamente por um determinado período de tempo a um ataque promovido por um imenso exército mexicano sob as ordens do general inimigo Antonio Lopez de Santa Ana (Raul Julia). Roteiro baseado em fatos reais. Filme indicado ao Primetime Emmy Awards na categoria de Melhor Fotografia (minissérie ou telefilme).

Comentários:
A história do forte Álamo se tornou célebre no cinema por causa daquela conhecida versão épica dirigida e estrelada pelo astro John Wayne. Ele fez uma ode aos que tombaram na ocasião, louvando a coragem e a fibra daqueles que se tornaram heróis para o povo texano - e americano em geral. Obviamente que sempre houve muito ufanismo em todas as versões que trataram sobre essa história. Nas mãos do veterano Burt Kennedy tivemos essa versão para a TV americana que conseguiu se destacar por tentar ser ao menos um pouco mais fiel aos fatos históricos reais. Com ótimo elenco (onde se destaca o talentoso ator Raul Julia como o vilão, o generalíssimo Santa Ana) e uma excelente reconstituição histórica, tudo aliado a uma boa produção, o que temos aqui é um caso raro de telefilme dos anos 80 que realmente não deixava nada a dever aos filmes que eram lançados no cinema na época. Esse capricho era até fácil de explicar, de certa forma. Os produtores obviamente não estavam apenas preocupados em fazer o melhor para a TV, mas também em explorar o filme depois no mercado de vídeo - o que acabou acontecendo, inclusive no Brasil, onde foi lançado diretamente em VHS. Assim deixo a indicação dessa obra. Não é a melhor versão já feita sobre o Álamo, mas certamente é uma das mais dignas e bem produzidas.

Pablo Aluísio.

Valdez, O Mestiço

Título no Brasil: Valdez, O Mestiço
Título Original: Valdez, il mezzosangue
Ano de Produção: 1973
País: Itália, Espanha, França
Estúdio: Produzioni De Laurentiis Company
Direção: John Sturges, Duilio Coletti
Roteiro: Lee Hoffman, Clair Huffaker
Elenco: Charles Bronson, Jill Ireland, Marcel Bozzuffi, Vincent Van Patten, Fausto Tozzi, Ettore Manni
  
Sinopse:
Chino Valdez (Bronson) é um mestiço (filho de pai branco e mãe índia) que vive no velho oeste, criando cavalos em seu rancho. Por ter pele vermelha ele demonstra ter uma grande habilidade com os animais, tornando-se um dos criadores mais bem sucedidos de sua região. Seu sucesso começa a incomodar os brancos do lugar, impulsionados principalmente pela inveja e preconceito. Valdez se torna, por essa razão, um sujeito mais isolado e solitário dentro daquela comunidade e tudo piora quando ele demonstra ter interesse numa jovem branca da cidade, a bela Catherine (Jill Ireland).

Comentários:
Esse western spaghetti fez um belo sucesso em seu lançamento justamente por não se contentar em apenas contar uma boa estória de cowboys, mas sim trazer também um fundo mais social, mostrando as dificuldades para vencer na vida de um mestiço dentro da sociedade americana do século XIX. Claro que nada é muito desenvolvido, ficando assim um tratamento mais superficial do tema. Mesmo assim, só pela inovação em seu roteiro (que foi baseado no romance escrito pelo autor Lee Hoffman) já vale pela curiosidade. Além disso se trata de uma produção do famoso Dino De Laurentiis, um produtor que sempre fez questão de trazer ao espectador filmes bem realizados, com bons cenários, figurinos, etc. No elenco o eterno durão Charles Bronson contracenou com a atriz inglesa Jill Ireland, que iria se tornar a segunda esposa do ator, ficando ao seu lado até o dia de sua morte em 1990, quando sucumbiu a um câncer de mama. Juntos realizaram muitos filmes, principalmente quando Bronson encontrou o caminho certo nas bilheterias ao estrelar violentos filmes de ação, deixando o gênero faroeste um pouco de lado em sua carreira. Em vista disso deixamos a recomendação desse bom western, que a despeito de ter sido realizado na Europa, mais parece um filme americano por causa de suas qualidades cinematográficas. Dino De Laurentiis era realmente um realizador acima da média, como bem é demonstrado aqui.

Pablo Aluísio.

Reze a Deus... e Cave Sua Sepultura

Título no Brasil: Reze a Deus... e Cave Sua Sepultura
Título Original: Prega Dio... e scavati la fossa!
Ano de Produção: 1968
País: Itália
Estúdio: Mila Cinematografica
Direção: Edoardo Mulargia
Roteiro: Edoardo Mulargia, Fabio Piccioni
Elenco: Robert Woods, Jeff Cameron, Cristina Penz, Calisto Calisti, Paco Hermandariz, Léa Nanni
  
Sinopse:
Um jovem casal de camponeses resolve fugir da fazenda onde trabalha após o senhor das terras exigir a primeira noite de núpcias da noiva, uma velha tradição feudal. Perseguidos, o jovem rapaz é morto de forma covarde. Anos depois alguém retorna para acertar contas com o rico dono das terras que desgraçou a vida daquele jovem e apaixonado casal. A ordem é exterminar todos aqueles que tiveram alguma coisa a ver com a morte do jovem esposo, um ato bárbaro que merece uma vingança à altura.

Comentários:
Ah os títulos dos filmes de western spaghetti!... Muito provavelmente eram a melhor coisa desse tipo de produção. Esse "Reze a Deus... e Cave Sua Sepultura" foi lançado nos cinemas brasileiros no começo da década de 1970 e depois foi relançado no mercado de vídeo com o título de "Sua Arma era o Colt" (um título muito mais americanizado, vamos dizer assim). O roteiro, como se pode perceber pela sinopse, apostou novamente no velho tema da vingança. Praticamente de cada dez filmes italianos de faroeste, oito ou nove apostavam nesse tipo de enredo. Sempre era alguém que havia sofrido uma grande injustiça em seu passado que retornava depois de anos para acertar as contas com seus algozes. Diz um velho ditado de que "Quem bate logo esquece, mas quem apanha jamais!". É bem por aí. O filme foi dirigido pelo diretor italiano nascido na ilha de Sardenha Edoardo Mulargia. Como era comum na época ele assinou o filme como Edward G. Muller, um nome também "americanizado". Já o astro do filme, Robert Woods, era realmente americano, nascido no Colorado. Com o cinema italiano funcionando em ritmo industrial ele foi para a Europa onde estrelou inúmeros filmes de faroeste como esse, com destaque para os sucessos "Minha Pistola Nunca Falha" e "7 Pistolas para os MacGregor". Chegou até a estrelar uma série de sucesso com o pistoleiro Pecos em filmes como "Pecos Acerta as Contas!" e "Pecos em Hong Kong", em suma o suprassumo dos filmes ruins daqueles tempos bem mais divertidos. 

Pablo Aluísio.