Inferno Vermelho

Durante décadas os russos foram os vilões preferidos dos filmes americanos. Não é de se admirar uma vez que o mundo vivia a Guerra Fria onde o mundo era basicamente dividido entre o bloco ocidental capitalista liderado pelos Estados Unidos e o bloco oriental comunista liderado pela União Soviética (formada pela Rússia e vários pequenos países satélites). Esse quadro começou a mudar com a subida ao poder de Mikhail Gorbachev que promoveu uma série de mudanças em seu país, levando finalmente ao desmantelamento daquele regime em 1989 com a queda do Muro de Berlim. Esse clima de novos ares acabou sendo captado por filmes como esse “Inferno Vermelho” que já não via os russos como vilões sem alma, muito pelo contrário, o roteiro do filme colocava o astro austríaco como um policial soviético chamado Ivan Danko (Arnold Schwarzenegger) que trabalhava em cooperação com o tira americano (interpretado pelo ator e comediante James Belushi) com o objetivo de prender um perigoso assassino e traficante russo.

O personagem interpretado por Arnold Schwarzenegger surgia como um policial soviético austero, disciplinado mas longe da caracterização de vilão, papel que era sempre reservado para personagens vindos de Moscou nos filmes americanos da época. Como não poderia deixar de ser o policial interpretado por James Belushi era um clichê ambulante baseado naquela visão um tanto quanto boba que os americanos tem de si mesmos. Um sujeito boa praça, chegado numa piada, sempre mascando chicletes, ou seja, o extremo oposto do russo feito por Arnold Schwarzenegger. De qualquer modo, mesmo com todos os clichês possíveis e imagináveis, “Inferno Vermelho” se revelou um bom filme de ação e o mais importante de tudo, com roteiro bem antenado com o que acontecia no mundo naquele momento. O diretor Walter Hill já havia trabalhado em bons filmes como “Ruas de Fogo”, “48 Horas” e “A Encruzilhada” e manteve o bom nível técnico aqui. Enfim, “Inferno Vermelho” é certamente uma fita de ação dos anos 80 que não irá decepcionar os fãs do estilo. Se ainda não assistiu não deixe de conferir.

Inferno Vermelho (Red Heat, Estados Unidos, 1988) Direção: Walter Hill / Roteiro: Walter Hill, Harry Kleiner / Elenco: Arnold Schwarzenegger, James Belushi, Peter Boyle / Sinopse: Dois policiais, um soviético (Arnold Schwarzenegger) e um americano (James Belushi), unem forças para colocar na prisão um perigoso assassino e traficante russo que se encontra solto pelas ruas de Chicago.

Pablo Aluísio.

Linha de Ação

Título no Brasil: Linha de Ação
Título Original: Broken City
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Allen Hughes
Roteiro: Brian Tucker
Elenco: Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta-Jones, Jeffrey Wright
  
Sinopse:
O prefeito Hostetler (Russell Crowe) anda desconfiado de sua jovem esposa. Ele tem até bastante razão para desconfiar dela, que parece ter um relacionamento com ele apenas por causa do status e dinheiro do político. Para confirmar suas suspeitas ele contrata os serviços do detetive particular Billy Taggart (Mark Wahlberg) para seguir os passos de sua esposa infiel, o que dará inicio a uma série de eventos perigosos e mortais.

Comentários:
Detetives sempre renderam excelentes filmes ao longo dos anos. Pena que esse “Linha de Ação” não confirme a regra. É uma produção que não deixa de ser boa, mas fica longe de ser excepcional. O filme narra a vida do detetive particular Billy Taggart (Mark Wahlberg). Ex-membro do Departamento de Polícia de Nova Iorque ele agora ganha a vida espionando esposas infiéis e trapaceiros em geral. Em crise por causa da falta de pagamento de muitos de seus clientes, Billy parece tirar a sorte grande quando o próprio prefeito da cidade (Russel Crowe) o contrata para seguir os passos de sua esposa (interpretada por Catherine Zeta-Jones). O astuto político não parece muito preocupado com a traição em si mas sim na possibilidade de vir a ser o centro de um grande escândalo de teor pessoal o que poderia arruinar sua carreira política. E como todos sabemos isso é apenas o começo de uma intrigada rede que envolverá algo bem maior, inclusive assassinato. A primeira coisa que chama a atenção em “Linha de Ação” é a presença do astro Russel Crowe no papel de um político enfadonho e traído. Parece que a carreira de Crowe está mesmo chegando em um impasse pois em seus dias de glória ele jamais aceitaria interpretar um personagem coadjuvante para um ator como Mark Wahlberg que, diga-se de passagem, nunca teve o mesmo status em sua carreira do que Crowe. A fita é um mediano thriller de suspense e ação que serve muito bem aos seus propósitos de entreter o espectador. Não se trata de nenhuma obra prima policial e nem muitos menos de um filme que será lembrado com muita frequência no futuro, mas mesmo assim merece a recomendação. “Linha de Ação”, apesar de não ser marcante, não se torna em nenhum momento um desperdício de tempo do público.

Pablo Aluísio.

Homem de Ferro 3

Filmes de número 3 sempre são problemáticos. Há uma certa tradição em dizer que geralmente são os piores de várias trilogias (com raras exceções). Infelizmente “Homem de Ferro 3” vem para confirmar essa regra! Poucos pensariam que um filme tão equivocado fosse feito após o sucesso de público e crítica de “Os Vingadores”. A impressão porém é que a Marvel, completamente entupida de dólares, esqueceu de caprichar no produto, entregando praticamente qualquer coisa para os fãs de quadrinhos consumirem. “Homem de Ferro 3” erra em muitos aspectos mas o pior deles é seu roteiro que preguiçosamente tenta dar alguma agilidade a várias cenas de ação mal explicadas que passam a sensação de pura embromação (o espectador ficaria assim distraído do argumento capenga da produção). Outro problema muito visível é a atuação de Robert Downey Jr como Tony Stark. Esse ator tem que sempre estar em rédeas curtas pois caso contrário seus maneirismos e atitudes bobas dominam a cena.
   
Em “Homem de Ferro 3” ele está fora de controle. Como toda celebridade que se preze o astro interferiu em muitos aspectos do roteiro inserindo uma quantidade enorme de piadas sem graça em cada momento. Em certa altura o espectador começa a questionar se está assistindo a um filme de super-herói ou uma comédia boboca cheia de “cacos” inseridos pelo ator principal. Outro problema muito sério desse filme: nenhuma adaptação de quadrinhos funciona sem um grande vilão por trás. Esse aliás sempre foi o segredo do sucesso de todos os filmes da franquia Batman. Infelizmente o Homem de Ferro sempre foi carente nesse aspecto (até nos quadrinhos) e aqui o problema se repete. O tal de Mandarim mais parece um palhaço do que um antagonista de verdade. Fazer de sua participação uma mera escada cômica é seguramente um enorme equívoco. Em suma, “Homem de Ferro 3” é uma terceira seqüência digna de Hollywood: preguiçosa, com atuações negligentes, sem novidades e esbanjando sinais de cansaço por todos os lados. Melhor encerrar a franquia por aqui.

Homem de Ferro 3 (Iron Man 3, Estados Unidos, 2013) Direção: Shane Black / Roteiro: Shane Black, Drew Pearce / Elenco: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Guy Pearce, Ben Kingsley, Paul Bettany, Rebecca Hall / Sinopse: O milionário industrial Tony Stark (Robert Downey jr) tem que enfrentar um novo vilão ao mesmo tempo em que tenta lidar com inúmeros problemas pessoais e profissionais.

Pablo Aluísio.

The Bridge

Título no Brasil: The Bridge
Título Original: The Bridge
Ano de Produção: 2013
País: Estados Unidos
Estúdio: FX
Direção: Gwyneth Horder-Payton, Alex Zakrzewski
Roteiro: Elwood Reid, Björn Stein, Meredith Stiehm
Elenco: Diane Kruger, Demian Bichir, Annabeth Gish

Sinopse: 
O corpo de uma mulher é encontrado na linha que separa a fronteira entre Estados Unidos e México. Inicialmente o caso fica sob jurisdição da polícia de El Paso mas depois que se descobre que na verdade são pedaços de duas mulheres diferentes, uma americana e uma mexicana, a solução do crime passa a ser de competência tanto da polícia dos Estados Unidos como da do México.

Comentários:
Nova série do canal FX (uma subsidiária dos estúdios Fox) que tem feito grande sucesso na TV americana. A premissa é interessante pois coloca dois estilos de investigação bem diferentes (a americana e a mexicana) tentando solucionar o caso. A policial de El Paso é uma mulher com alguns problemas de comportamento, com tendências de sofrer de transtorno obsessivo compulsivo. Já o policial mexicano é um veterano que não está muito empenhando em descobrir ou ir a fundo no crime (na verdade a polícia mexicana é retratada na série da pior forma possível, como um bando de sujeitos que não estão nem aí com a explosão da violência que assola seu país). "The Bridge" na verdade é um remake (pensou que só no cinema acontecia esse tipo de coisa?) de uma série européia de grande sucesso. O grande diferencial é que aqui o foco se transfere para explorar as diferenças culturais existentes entre dois países tão diferentes quanto Estados Unidos e México. Apesar do olhar preconceituoso em certos momentos o programa certamente vale a pena, confirmando mais uma vez a explosão de criatividade que impera nas séries americanas atualmente.

Pablo Aluísio.

O Implacável

O filme é um remake de um antigo filme estrelado por Michael Caine em 1971 chamado “Carter, o Vingador”, que por sua vez foi baseado no livro “Jack´s Return Home” de autoria de Ted Lewis. Na trama o mafioso de Las Vegas Jack Carter (Sylvester Stallone) volta para sua cidade natal para acompanhar os funerais de seu irmão. Chegando lá ele acaba descobrindo que a morte não foi acidental mas sim uma execução. O que parecia um acidente na verdade foi um assassinato. A partir desse ponto Carter começa a ligar os fios da história da morte de seu irmão para chegar na identidade dos verdadeiros assassinos, iniciando uma onda de violência e vingança que parece não ter mais limites. “O Implacável” foi uma clara tentativa de levantar a carreira de Stallone que parecia ter perdido o brilho para seus grandes êxitos de bilheteria do passado. Infelizmente não deu certo e o resultado foi decepcionante, não conseguindo sequer recuperar seu investimento, seu custo, um verdadeiro fracasso comercial.

Aqui Stallone está em cena com um cavanhaque fora de moda em atuação muito fraca, realmente inexpressiva, se limitando a distribuir socos e pontapés por onde passa. Mickey Rourke volta a ser vilão em um filme de ação. O personagem de Rourke, Cyrus, não é muito relevante. Aqui ele é o antagonista para o astro Sylvester Stallone. Como seu personagem não era central ele pelo menos foi poupado de ser acusado de ser o culpado por mais esse fracasso em sua filmografia. Na época eram apenas dois astros da década de 80 tentando reencontrar o rumo do sucesso. Eles só voltariam a dar a volta por cima alguns anos depois. O curioso é saber que esse roteiro tão derivativo e sem imaginação foi escrito por um bom roteirista, David MacKeena, do excelente “Um Outra História Americana”. Pelo jeito nem sempre a união de estrelas, bons roteiristas e direção promissora resulta necessariamente em bons filmes.

O Implacável (Get Carter, Estados Unidos, 2000) Direção: Stephen Kay / Roteiro: David McKenna / Elenco: Sylvester Stallone, Miranda Richardson, Rachael Leigh Cook, Alan Cumming, Mickey Rourke, Michael Caine / Sinopse: Mafioso de Las Vegas descobre que o irmão não morreu em um acidente como foi levado a crer. Agora partirá para sua vingança pessoal contra os responsáveis pela morte dele.

Pablo Aluísio.

Glória Feita de Sangue

Provavelmente seja o melhor filme já realizado enfocando a I Guerra Mundial. Esse foi um conflito terrível onde as batalhas eram travadas por meses a fio, sem movimentação, em trincheiras imundas e enlameadas onde as tropas literalmente apodreciam de doenças e frio enquanto os oficiais do alto comando viviam em ambientes luxuosos, verdadeiros palacetes, se auto reverenciando com suas medalhas sem honra. Stanley Kubrick criou uma obra prima a partir de uma estória até mesmo simples mas muito significativa. Na trama uma ordem sem qualquer base na realidade é passada entre os oficiais sedentos por novas condecorações e promoções. A meta é tomar uma posição praticamente inexpugnável em uma colina íngreme e fortemente defendida pelo exército inimigo. O grande Kirk Douglas interpreta o Coronel francês Dax que acaba tendo que cumprir as ordens provenientes de dois generais sem qualquer contato com a realidade do front. Ele sabe que o ataque é impossível em vista da situação de seus homens mas tem que ir em frente para cumprir as ordens de seus superiores.

Na hora do ataque uma parte dos soldados franceses simplesmente se recusa a avançar por ser um ato praticamente suicida. Em vista disso uma corte marcial é instaurada, com soldados inocentes sendo levados para a pena capital como meros bodes expiatórios. Stanley Kubrick, de forma genial, expõe as vísceras do exército francês durante o conflito. Generais insanos, embriagados em sua própria glória infame, tenentes covardes, soldados abandonados à própria sorte e um Coronel tentando a todo custo trazer de volta a verdadeira honra para as fileiras de um alto comando condenado do ponto de vista moral. O roteiro é um primor e foge completamente da fórmula dos filmes da época, evitando sempre cair na armadilha fácil e boba do patriotismo ufanista, erguendo ao invés disso uma bandeira de realismo que soa completamente revolucionária para os filmes de guerra daqueles anos. No final não sobra pedra sobre pedra. O filme no fundo mostra a pior situação que um bom soldado pode se encontrar numa guerra, quando seu comando é completamente inepto e enlouquecido. Um filme muito atual e completamente essencial para quem gosta do gênero. Obra prima certamente.

Glória Feita de Sangue (Paths of Glory, Estados Unidos, 1957) Direção: Stanley Kubrick / Roteiro: Stanley Kubrick, Calder Willingham / Elenco: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou / Sinopse: Durante a Primeira Guerra Mundial um General francês almejando subir ainda mais na hierarquia militar promove um ataque suicida sem qualquer possibilidade de sucesso. O desastre acaba levando alguns soldados à corte marcial acusados injustamente de covardia. Para defende-los um Coronel ético e idealista tenta evitar que sejam executados por não terem levado em frente aquelas ordens superiores sem qualquer base na realidade do front.

Pablo Aluísio.

Amor

Esse é um filme muito humano, muito digno, que retrata os últimos dias de vida em comum do casal formado por Anne (Emmanuelle Riva) e Georges (Jean-Louis Trintignant). São músicos talentosos, pianistas, intelectuais, que vivenciam a velhice, as doenças e os problemas inerentes à sua idade. O filme adota um tom melancólico, triste, em que a câmera do diretor atesta a decadência física dos protagonistas que vão aos poucos tomando consciência do fim mas que se recusam a perder a dignidade, mesmo sob condições completamente adversas. A filha é também uma música erudita, como os pais, mas mantém uma vida independente e também distante deles. A família que sempre adotou uma postura racional e até mesmo distante sente o peso da nova situação quando a mãe Anne sofre um grave acidente que lhe coloca em risco sua vida. A partir daí os laços emocionais e afetivos da família são colocados à prova.

O diretor Michael Haneke, com raro talento, conseguiu captar toda a sensibilidade que o tema exige e extraiu de seus atores atuações simplesmente perfeitas. De fato esse é um dos poucos filmes que assisti recentemente que conseguiram lidar com os desafios próprios da terceira idade de seus personagens com o devido respeito e sensibilidade. O roteiro foge da armadilha fácil de cair em um dramalhão pesado para propor uma reflexão mais profunda sobre os caminhos da vida e os lugares para onde um dia todos nós iremos. Por essa razão não é surpresa nenhuma a coleção de prêmios e indicações que o filme vem recebendo desde o seu lançamento. Além de ter vencido o Oscar de Mlehor filme estrangeiro também recebeu indicações nas categorias de Melhor Filme, Atriz (Emmanuelle Riva), Diretor e Roteiro Original. Também se tornou vencedor na categoria de Melhor Filme Estrangeiro no Globo de Ouro, Bafta e César (O Oscar do cinema francês). Assim fica a dica mais do que preciosa: “Amor”, um filme delicado, especialmente indicado para pessoas sensíveis e emotivas.

Amor (Amour, França, 2012) Direção: Michael Haneke / Roteiro: Michael Haneke / Elenco: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert, Alexandre Tharaud / Sinopse: “Amor” narra os desafios, lutas e batalhas de um casal de idosos na terceira idade.

Pablo Aluísio. 

Drogas S.A.

Sempre gostei bastante dos programas e documentários do canal National Geographic e isso não é de hoje. Eu me recordo bem que o selo foi um dos pioneiros no lançamento de documentários em nosso país. Na época do mercado de vídeo VHS não existia ainda o advento dos canais a cabo e as fitas lançadas pela National Geographic eram praticamente a única opção para se assistir a algo com mais conteúdo e cultura. Agora já temos no conforto de nossas casas o canal Nat Geo em que programas e documentários de alto nível são exibidos diariamente. Entre tantos eu destaco essa série chamada “Drogas S.A”. Os produtores desse programa se propõem a expor o lado mais disseminado das drogas dentro da cultura americana, mostrando o lado mais comercial, sem freios ou regras, que impera entre traficantes, usuários e o departamento de repressão do governo americano, o DEA. Existem programas temáticos – como por exemplo aqueles que mostram uma droga especifica como cocaína, maconha, heroína, etc – ou então que mostram a situação das drogas em determinadas cidades americanas.

Desse último tipo eu chamo a atenção para os episódios que mostram as drogas em Hollywood e em Las Vegas. Para quem cresceu amando filmes americanos é muito chocante ver a realidade das ruas próximas aos famosos letreiros de Hollywood. Muitos moradores de rua, prostitutas baratas e viciados em drogas. A chamada calçada da fama – onde estão os nomes dos grandes ídolos do cinema do passado e do presente – nada mais é do que uma rua decadente localizada numa área barra pesada nos arredores de Los Angeles. O documentário mostra um veterano da guerra do Vietnã que pede esmolas no local para turistas para depois comprar crack com o dinheiro que as pessoas lhe dão. Em outro momento um sem-teto viciado em metafentamina (a droga dos pobres, muito popular hoje nos EUA) monta sua barraca a poucos metros do famoso letreiro. Ele vive nas colinas de Hollywood HIlls, passa fome, mas não deixa de adquirir suas drogas diárias. Muitos dos que perambulam pelas ruas são pessoas que foram até Hollywood em busca do sonho de se tornarem astros famosos. Infelizmente só encontram a sarjeta a lhes esperar. Uma viciada em heroína resume tudo a comparar o brilho de Hollywood com uma ilusão. Outro, um ator desempregado que virou traficante de drogas, afirma que apenas 1% dos artistas que vivem por lá conseguem viver de sua arte. O resto se torna morador de rua, viciado em crack ou então prostituta (isso se tiveram atributos físicos para isso). Assim a verdadeira face do sonho americano se revela sem meias verdades. Um tapa na cara para quem ainda acredita em estrelas que não estão no céu.

Drogas S.A. (Drugs, Inc, Estados Unidos, 2010 - 2013) Direção: David Herman, Tom Willis / Produzido por National Geographic / Apresentado por Mike Secher / Sinopse: A série mostra o lado mais terrível do comércio de drogas nos EUA. Traficantes, usuários e policiais são entrevistados mostrando um dos maiores problemas da nação: o disseminado uso de drogas entre a população americana.

Pablo Aluísio.

The Wicked

Um grupo de jovens decide passar o fim de semana em um acampamento no meio da floresta. Nesse local há uma lenda envolvendo uma bruxa que havia sido queimada durante o século XVII. Sua casa ainda se encontra de pé no meio da floresta sinistra e está abandonada há séculos. Sabendo dessa velha estória de fantasma os jovens decidem ir conhecer a velha cabana da bruxa. Chegando lá eles começam a jogar pedras na casa e são surpreendidos pela presença de uma entidade maligna em trajes medievais. Agora terão que pegar por suas brincadeiras juvenis! Sinceramente há pouco coisa boa a dizer desse “The Wicked”. As bruxas não tem tido muita sorte em Hollywood gerando uma sucessão de filmes ruins, de baixo orçamento, com roteiros previsíveis e sem inspiração. Aqui nessa produção temos uma enxurrada de clichês batidos sem nenhuma originalidade.

Os jovens obviamente começam a ser caçados no meio da floresta pela tal bruxa e eventualmente acabam em seu moedor de carne humana nos fundos do porão da casa da bruxa! As situações são todas batidas e pouca coisa convence. Será que nunca vão se cansar dessa coisa de jovens se dando mal em cabana no meio da floresta? O roteiro também tem muitos furos. A tal bruxa aparece e desaparece ao seu bel prazer dentro de uma nuvem de fumaça escura mas depois fica presa dentro de um dos cômodos da casa! Vai entender uma coisa dessas... Há cenas grotescamente mal realizadas com efeitos especiais amadores e mal realizados. Para completar o festival de clichês aqui também temos uma dupla de policiais patetas para completar o quadro. Em suma pouca coisa realmente presta aqui nesse “The Wicked”. Tudo é muito derivativo, mal feito e bobo. Melhor procurar por algo melhor dentro do gênero.

The Wicked (Idem, Estados Unidos, 2013) Direção: Peter Winther / Roteiro: Michael Vickerman / Elenco: Devon Werkheiser, Diana Hopper, Nicole Forester / Sinopse: Bruxa secular resolve voltar a atacar após um grupo de jovens perturbar seu descanso numa velha cabana perdida no meio de uma floresta sinistra.

Pablo Aluísio.

FTW

Frank T. Wells (Mickey Rourke) sai da prisão após longos anos encarcerado. De volta à liberdade ele pretende retomar sua carreira de cowboy de rodeios, onde sempre brilhou antes de ser preso. Ele quer se endireitar e levar uma vida honesta até que conhece Scarlett (Lori Singer) uma ladra de bancos que lhe convence a participar de um grande roubo que vai lhe trazer muito dinheiro, em um assalto considerado fácil e sem problemas. Como verá mais tarde essa será realmente uma péssima idéia. Passado no atual universo Country & Western americano, o filme FTW (também conhecido como “Last Ride”) foi um projeto pessoal do ator Mickey Rourke, feito em cima de um argumento original escrito por ele mesmo. Assim como aconteceu em “Homeboy” aqui o ator também assina o roteiro em uma produção modesta, quase um telefilme, que poucos viram na época e que hoje se tornou uma verdadeira raridade. O título do filme, com as iniciais FTW (Fuck The World), foram consideradas de extremo mau gosto na época mas segundo o próprio Rourke esse nome era na realidade um desabafo das coisas pelas quais vinha passando em sua carreira e em sua vida na época. Além disso eram as iniciais do nome de seu personagem.

Como era um projeto muito pessoal, Mickey Rourke trouxe para dirigir o filme o desconhecido Michael Karbelnikoff. Seu trabalho não se torna marcante e nem muito menos memorável mas diante das pretensões modestas de todo o projeto até que não faz feio. O filme obviamente não conseguiu espaço nos cinemas brasileiros sendo lançado diretamente no mercado de vídeo e mesmo assim em edição limitada, sem grande repercussão nas locadoras, isso apesar de Rourke ser considerado um ator popular aqui no Brasil. Após assistir ao filme chegamos na conclusão de que apesar das boas intenções de Rourke o argumento não é dos melhores. Rourke que aqui interpreta Frank Wells que após um período na prisão tenta reerguer sua vida como peão de rodeios, não convence muito. Apesar de curioso por explorar esse mundo de competições de rodeio o filme não consegue decolar, não conseguido atingir qualquer impacto, seja do público, seja da crítica. Fica apenas como curiosidade para os fãs do trabalho do ator e nada mais.

FTW (FTW, Estados Unidos, 1994) Direção: Michael Karbelnikoff / Roteiro: Mickey Rourke, Mari Kornhauser / Elenco: Mickey Rourke, Aaron Neville, Peter Berg / Sinopse: Após cumprir pena um ex-peão de rodeios tenta reerguer sua vida participando de competições pelo interior dos EUA. Seu envolvimento com  uma criminosa irá mudar os rumos de sua vida.

Pablo Aluísio.

A Ilha do Dr Moreau

Um aspecto que poucos cinéfilos sabem é que o ator Marlon Brando era intensamente interessado em ciência em geral. Ele estava sempre se atualizando sobre os últimos avanços científicos, lendo revistas especializadas e publicações das principais universidades americanas. Não é de se admirar então que tenha aceitado trabalhar nesse “A Ilha do Dr Moreau”, adaptação do famoso livro de autoria de H.G. Wells. Embora tenha sido escrito em 1921 o texto conseguia ser incrivelmente atual pois tratava de uma parte da ciência que era incrivelmente sedutora para Brando: a engenharia genética. A possibilidade de manipulação nas espécies e o resultado desses experimentos eram a base dessa estória clássica. Dr. Moreau (Marlon Brando) é um cientista brilhante que vive em uma ilha isolada no meio do oceano pacifico. Lá ele desenvolve uma série de testes genéticos, criando com suas experiências vários híbridos entre homens e animais. Seu objetivo é criar aquela que seria a criatura ideal, unindo a inteligência e os mais altos valores morais do ser humano com a força e a destreza das feras selvagens. Infelizmente enquanto vai tentando chegar nesse ser perfeito Moreau acaba criando uma série de pequenos monstros que passam a conviver ao seu lado na distante ilha. Não tarda porém para que as criaturas se voltem contra seu criador.

Uma das mais interessantes leituras dessa obra clássica é a questão da ética que move esse tipo de experiência. Em voga atualmente nos principais centros científicos,  dado o avanço das pesquisas genéticas, o roteiro poderia ser a base de discussão de valores envolvendo justamente essa nova postura, a bioética que deveria imperar nesse novo ramo da ciência. Assim queria Brando ao aceitar fazer o filme, levantar o debate sobre os rumos perigosos que a ciência poderia tomar. Infelizmente não era bem essa a intenção do diretor e nem do estúdio que queria em suma apenas realizar um filme de monstros que vivem numa ilha ao lado de um cientista louco. Quando as filmagens começaram Brando entendeu as reais intenções de seus realizadores e ficou obviamente decepcionado. Para não ser arruinado financeiramente por um pesado processo resolveu ir até o fim do filme, mesmo que a empolgação inicial tenha se transformado em decepção completa. Realmente “A Ilha do Dr Moreau” se revela muito fraco em seu resultado final. O único interesse nesse roteiro capenga é a presença de Brando que para aliviar o tédio de participar de algo assim tão obtuso caprichou no figurino esquisito (em determinada cena ele surge todo de branco, com forte maquiagem, tal como um Buda dos trópicos). No saldo final não há outra conclusão “A Ilha do Dr Moreau” é um equívoco, uma produção bem decepcionante apesar de contar em seu elenco com um dos maiores atores da história do cinema americano.

A Ilha do Dr. Moreau (The Island of Dr. Moreau, Estados Unidos, 1996) Direção: John Frankenheimer / Roteiro: Richard Stanley baseado na obra de H.G. Wells / Elenco: Marlon Brando, Val Kilmer, David Thewlis / Sinopse: Brilhante cientista, o Dr. Moreau (Marlon Brando) deseja criar uma criatura perfeita que uma a inteligência do ser humano com as prestezas dos animais selvagens. Vivendo em uma ilha isolada ele logo terá que lidar com a rebelião das feras que ele mesmo criou.

Pablo Aluísio.

Um Novato na Máfia

Outro filme da fase final da carreira do mito Marlon Brando em que ele contracena com um jovem e talentoso ator. Aqui temos Brando dividindo a tela com o ator Matthew Broderick (o eterno Ferris Bueller de “Curtindo a Vida Adoidado”). Seu personagem é claramente uma homenagem / paródia ao seu mais famoso papel, o Don Vito Corleone de “O Poderoso Chefão”. O fato de Brando brincar com esse ícone da história do cinema não foi totalmente bem aceito por muitos críticos que viram na postura do ator um ato de desvalorização com seu trabalho na saga de Francis Ford Coppola. Bobagem, Brando já estava em uma fase da vida que podia até mesmo tripudiar sobre seu próprio mito sem necessariamente sair arranhado em seu prestígio por isso. Aqui ele usa praticamente seu figurino tradicional de chefões italianos mas ao contrário de Corleone que tinha como única preocupação proteger seu clã tudo o que o personagem de Brando deseja aqui é realizar um grande jantar gourmet cujo prato principal era uma iguaria exótica, um animal em extinção.
   
E para transportar o tal réptil surge o tal “freshman” (novato, calouro) do título original, que tentará cumprir sua missão. Em sua autobiografia Brando admite que fez o filme única e exclusivamente por dinheiro. Estava precisando de altas somas pois os inúmeros processos judiciais em que se envolveu ao longo da vida (envolvendo ex-mulheres, filhos, filhas e tudo o mais) o tinham deixado esgotado financeiramente. Mesmo assim o ator deixa claro que gostou do resultado final. O clima no set era ameno e Brando sempre gostou de trabalhar em ambientes assim . Fora isso aconteceu fatos curiosos durante as filmagens. O filme foi rodado na chamada “Little Italy”, bairro de Nova Iorque com forte presença de imigrantes italianos. Brando conta em seu livro que não conseguiu pagar uma só conta nos restaurantes dessa região. Assim que entrava nos lugares era saudado como um verdadeiro herói pelos italianos donos desses estabelecimentos. Some-se a isso o fato de seu prato preferido (Lula) ser de conhecimento notório de todos, o que deixou o ator atônito sobre o vazamento dessa informação pelo bairro (fato que ele atribuiu a Máfia que deixou claro que ele deveria ser tratado com todas as regalias enquanto estivesse em “Little Italy”). Enfim, “Um Novato da Máfia” certamente não é nenhuma obra prima e não pode ser comparado a qualquer outro grande clássico da filmografia de Brando – mas mesmo assim é divertido, agradável, embora inofensivo. Vale como curiosidade e para os fãs de Brando se torna simplesmente imperdível. 

Um Novato na Máfia (The Freshman, Estados Unidos, 1990) Direção: Andrew Bergman / Roteiro: Andrew Bergman / Elenco: Marlon Brando, Matthew Broderick, Bruno Kirby / Sinopse: Jovem inexperiente é contratado por mafioso veterano para realizar uma pequeno serviço: levar uma espécime em extinção para seu restaurante.

Pablo Aluísio.

Don Juan DeMarco

Por falar em Johnny Depp não há como esquecer de um de seus filmes mais curiosos, “Don Juan DeMarco”. Na trama ele interpreta um sujeito que está convencido que é o próprio Don Juan dos livros ultra românticos de Lord Byron. Levado ao consultório de um analista (interpretado pelo mito Marlon Brando) ele começa a contar as estórias de sua vida, o que acaba mudando os rumos e o modo de pensar do próprio psiquiatra que começa a ter arroubos de romantismo e sedução com sua companheira. Eu credito a esse “Don Juan deMarco” o título de ser um dos últimos filmes realmente bons da carreira de Marlon Brando. O ator interpreta seu personagem com doce frescor, muita suavidade e carinho, fruto obviamente da longa experiência que ele próprio teve em sua vida com esse tipo de profissional. Em sua autobiografia Brando narra várias experiências com analistas com quem se tratou por décadas. Alguns, como ele mesmo brinca, “eram mais malucos que seus próprios pacientes” mas de maneira em geral o ator prezava por esse tipo de tratamento.
   
O primeiro analista que Brando procurou foi ainda na década de 50. Ele estava esgotado emocionalmente e teve uma crise nervosa. Aconselhado por um amigo entrou no ciclo de análises que jamais abandonou, nem mesmo sem seus últimos dias. A parceria com o ator Johnny Depp também chama a atenção. Brando se afeiçoou ao jovem ator e viu nele um tipo de postura ousada e independente que o fez lembrar de si próprio no começo da carreira. Johnny era inclusive um dos poucos profissionais que eram constantemente convidados a visitar a mansão do ator situada em uma colina escondida nos arredores de Los Angeles. Brando até mesmo aceitou participar de outro filme ao lado de Depp, um drama sobre as duras condições em que viviam índios pobres nos EUA. Já aqui em “Don Juan DeMarco” não há nada parecido. O filme, apesar de bem dirigido e atuado, não passa de um agradável passatempo. Com trilha sonora de sucesso, puxada pela canção de Bryan Adams (o canadense de baladas românticas e pegajosas) e muito romantismo “Don Juan de Marco” é uma boa pedida para se assistir a dois. Um filme que no final das contas cumpriu bem seu papel.

Don Juan DeMarco (Idem, Estados Unidos, 1994) Direção: Jeremy Leven / Roteiro: Jeremy Leven inspirado no personagem Don Juan de Lord Byron / Elenco: Marlon Brando, Johnny Depp, Faye Dunaway / Sinopse: Analista recebe um curioso paciente em seu consultório. Um jovem que está plenamente convencido que é o próprio Don Juan dos livros românticos.

Pablo Aluísio.

Edward Mãos de Tesoura

Essa foi a primeira parceria entre o diretor Tim Burton e o ator Johnny Depp. É curioso porque na época de seu lançamento o filme causou certa perplexidade pois não havia nada igual no mundo do cinema parecido com aquilo. Era uma fábula com toques sombrios, uma direção de arte dark e original e um enredo muito estranho e fora dos padrões. Para completar “Edward Mãos de Tesoura” era estrelado por um jovem ídolo adolescente da TV, o quase garoto Johnny Depp, que na época estampava inúmeras revistas de teens por causa de seu sucesso na série policial “Anjos da Lei”. Ninguém também conhecia Tim Burton. As únicas referências diziam que ele era um diretor de curtas de animação que havia saído da Disney após ter alguns desentendimentos com o estúdio. Esse ar de novidade e originalidade foi um dos grandes trunfos de “Edward Mãos de Tesoura”. O personagem principal se vestia todo de couro negro e tinha ao invés de mãos, tesouras em seus braços. Seu criador, um homem bondoso, interpretado pelo fascinante ídolo de filmes de terror do passado, Vincent Price, completava o clima sombrio de fantasia e magia para o filme que apesar disso não poderia ser qualificado como uma fita de terror.
   
Depois do sucesso de público e crítica de “Edward Mãos de Tesoura” a dupla formada por Depp e Burton não mais se largou – e segue junta até os dias atuais. Com altos e baixos formaram uma extensa filmografia que ia tanto para o lado mais cômico como para o lado mais assustador, passando até mesmo por musicais. Como bem esclareceu recentemente o ator eles desenvolveram uma parceria tão bem sucedida que hoje em dia nem mais precisam da palavra para se comunicarem no set de filmagem. Basta um olhar, um gesto, que Depp imediatamente entende o que Burton deseja em cada cena. Outro fato marcante digno de nota sobre esse filme foi o famoso namoro que Johnny Depp teve com sua parceira de trabalho, a atriz Winona Ryder. Muitos anos antes de Brad Pitt e Angelina Jolie ou Tom Cruise e Nicole Kidman, o casal do momento em Hollywood era Depp e Winona. Ele inclusive, em um ato impensado, mandou tatuar em seu braço a expressão “Winona Forever”, algo que iria se arrepender depois quando o romance finalmente chegou ao fim. Enfim, fica a dica desse “Edward Mãos de Tesoura”, um filme diferente que marcou época e ainda hoje segue sendo bem interessante. 

Edward Mãos de Tesoura (Edward Scissorhands, Estados Unidos, 1990) Direção: Tim Burton / Roteiro: Tim Burton, Caroline Thompson / Elenco: Johnny Depp, Winona Ryder, Dianne Wiest / Sinopse: Edward é um jovem que tem no lugar das mãos, tesouras, que ele usa para aparar os gramados ou cortar os cabelos das madames de sua cidade. Tudo começa a mudar em sua bucólica existência quando se apaixona por uma linda jovem.

Pablo Aluísio.

Sem Destino

A década de 1960 foi muito efervescente do ponto de vista cultural. O movimento hippie estava no ar e os jovens pensavam que tudo se resolveria através da singela filosofia da “Paz e Amor”. Infelizmente os fatos provaram que não era bem assim. Bom se todos aqueles movimentos se mostraram inócuos na vida real pelo menos na arte os anos 60 legaram para a posteridade ótimos discos, peças de teatro e filmes. Um dos mais celebrados foi justamente esse “Sem Destino”. O projeto nasceu de uma proposta de trabalho de Peter Fonda e Dennis Hopper que procuravam viabilizar a realização de filmes com baixo orçamento mas muitas idéias novas na cabeça. Peter, filho do ícone Henry Fonda, queria se afastar dos grandes estúdios e seus executivos, que não conseguiam mais entender a nova geração que estava aí. Ele racionalizou e entendeu que no máximo precisaria das grandes companhias cinematográficas apenas na fase de distribuição, já que na questão de produção e filmagem poderia bancar tudo praticamente sozinho. Hopper,  um notório “maluco beleza” daqueles anos, entendia que tudo o que precisava para realizar um bom filme era captar os novos tempos que pairavam dentro da sociedade americana naquele momento. Se afastar o máximo possível da mera ficção com o objetivo de retratar a realidade do cotidiano das pessoas ao redor.

E foi com esse espírito independente que nasceu seu maior filme, “Sem Destino”. Peter Fonda se uniu aos amigos Jack Nicholson (antes de virar um grande astro de Hollywood) e Dennis Hopper (símbolo da contracultura e do cinema de vanguarda) para literalmente cair na estrada, sem lenço e nem documento. Juntos a uma pequena equipe de filmagens saíram pelas highways americanas filmando tudo o que de interessante encontravam pela frente. Como a produção deveria ter custo mínimo o roteiro foi sendo escrito no calor dos acontecimentos, conforme as filmagens avançavam. Havia certamente uma linha narrativa muito tênue a seguir escrita pelo roteirista Terry Southern, mas o resto da estória foi sendo criado in loco por Fonda e Hopper durante as gravações. Uma das maiores ironias do elenco era certamente a presença de Jack Nicholson, um notório malucão dos anos 60, aqui interpretando um personagem careta! Assim que chegou nas telas o resultado comercial se revelou espetacular. “Sem Destino” custou a bagatela de meros 400 mil dólares e rendeu mais de 70 milhões de bilheteria, se tornando um dos filmes mais lucrativos da história. Peter Fonda se tornou um homem rico praticamente da noite para o dia, pois havia trocado seu cachê por um percentual nos lucros. “Sem Destino” no final das contas se revelou um ótimo produto do sistema capitalista americano que criticava, quem diria...

Sem Destino (Easy Rider, Estados Unidos, 1969) Direção: Dennis Hopper / Roteiro: Peter Fonda, Dennis Hopper, Terry Southern / Elenco: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson / Sinopse: Dois motoqueiros vagam pelas estradas americanas em busca de aventuras. Em seu caminho conhecem os mais diferentes tipos de pessoas, desde caretas até hippies tentando viver o sonho da filosofia “Paz e Amor”. Premiado no Festival de Cannes com o prêmio de melhor filme de diretor estreante (Dennis Hopper). Indicado a Palma de Ouro. Indicado aos Oscars de melhor ator coadjuvante (Jack Nicholson) e melhor roteiro original.

Pablo Aluísio.