Bone Tomahawk

Obviamente que o maior atrativo para assistir a esse filme vem justamente da presença de Kurt Russell no elenco. O ator não fazia um faroeste desde 1993 quando interpretou o lendário xerife Wyatt Earp em "Tombstone - A Justiça Está Chegando", ou seja, fazia mais de vinte anos que ele não estrelava um filme de velho oeste. Kurt nunca foi uma presença constante em filmes do gênero, o que sempre me deixou surpreso, já que definitivamente ele tem os atributos para estar em filmes como esses. Talvez o fato dele ter tido o auge de sua carreira no boom de filmes de ação tenha contribuído para que ele nunca se tornasse uma figurinha fácil em filmes de western. Ao invés disso Kurt colecionou atuações em filmes de pancadaria ao estilo anos 80.

Não há nada de errado nisso. Apenas podemos lamentar ele não ter realizado mais incursões no velho oeste. Dito isso temos que dar os devidos créditos para essa nova produção. Ela foi escrita e dirigida por S. Craig Zahler, um novato, que apenas agora assina sua primeira direção. Mais ligado ao cinema independente ele foi de tudo um pouco, desde roteirista até diretor de fotografia de alguns filmes menores. Aqui ele pretendeu em parte realizar um filme ao velho estilo, mas que fosse também atraente para o público mais jovem. A receita que encontrou para unir essas duas coisas foi escrever um enredo que embora fosse um western tradicional, também explorasse elementos de filmes de terror.

O resultado é bom. Há uma tensão constante, muita aridez (inclusive em termos técnicos com quase completa ausência de trilha sonora incidental, por exemplo), além de uma trama que me remeteu imediatamente a velhos clássicos com o mito John Wayne. Todo filme de western que explore a jornada de busca de um grupo de homens em salvar inocentes raptados me faz lembrar de produções como "Rastros de Ódio". Claro que digo isso levando em conta todas as devidas proporções, afinal de contas não é qualquer obra cinematográfica que pode sequer ser comparado a essa obra prima imortal. As semelhanças se restringem a parte do enredo e não ao filme em si, como um todo. Outro destaque que faz valer a pena assitir ao filme vem do elenco.

Além de Kurt Russell temos o retorno de outra estrela dos anos 80. Poucos vão perceber sua presença, mas lá no meio dos atores surge discretamente a atriz Sean Young vivendo a personagem Mrs. Porter. Sean Young foi uma das atrizes mais badaladas da década de 80. Ela trabalhou em clássicos daquela era como "Wall Street - Poder e Cobiça", "Duna", "Sem Saída" e principalmente "Blade Runner, o Caçador de Androides" onde interpretou a icônica Rachael. Sua imagem assustadora e sensual ao mesmo tempo ficou na mente dos fãs de cinema daquela época. Sua carreira entrou em decadência por causa de problemas sérios de saúde que enfrentou por longos anos. Sua presença no elenco foi uma sugestão do próprio Kurt Russell que resolveu lhe ajudar nesse retorno. Em suma, não deixe de conferir. Um western moderno, dos dias atuais, com um sabor nostálgico de um passado glorioso e distante.

Pablo Aluísio.

Domador de Motins

Mais um bom faroeste com o astro do western Randolph Scott. Aqui ele interpreta um tipo incomum em sua filmografia. Scott é Ned Britt. No passado ele fora um pistoleiro temido no velho oeste, principalmente no norte do Texas. Com o tempo ele passou a entender que seria morto mais cedo ou mais tarde pois sempre haveria alguém tentando ter a honra de ter matado o mais rápido do gatilho. Assim ele decide abandonar as armas, se dedicando a ser um jornalista. Isso mesmo. Com uma prensa mecânica em uma carruagem, Ned e sua pequena equipe se tornam jornalistas itinerantes, indo de cidade em cidade para publicar seu pequeno diário.

Depois de muito rodar ele acaba parando em sua terra natal, a pequena Fort Worth, no mesmo Texas que um dia deixou para tentar o começo de uma nova vida. Seu retorno acaba também trazendo problemas. Sua antiga namorada (e amor de sua vida) está para casar com o seu melhor amigo. Para piorar tudo, a presença de alguém disposto a publicar um jornal na cidade logo desperta ódios, principalmente dos bandidos e malfeitores da região. A liberdade de imprensa já existia nos Estados Unidos naqueles tempos pioneiros, porém não eram poucos os jornalistas que acabavam sendo mortos por aquilo que escreviam. Afinal de contas o oeste ainda era selvagem.

O interessante é que o personagem de Scott evita a todo custo em voltar a usar as armas. Ele acredita sinceramente que o poder das palavras é mais forte e imponente do que o poder das armas de fogo. Sua relutância em voltar ao velho estilo - de acertar todas as rivalidades com um cano fumegante - logo o deixa vulnerável contra os facínoras de Fort Worth. Ele só muda de ideia mesmo quando seu sócio é morto covardemente na própria sede do jornal Fort Worth Star que dirige. A partir daí não sobra outra alternativa. O velho e bom Randolph Scott então resolve acertar as contas ao velho estilo, em duelos face a face (algo que certamente fez a festa dos fãs do ator na época).

Embora seja um western bem na média do que Scott era acostumado a estrelar - ou seja, uma fita B, mas com muito bom gosto e com todos os elementos necessários presentes - o que mais me chamou a atenção nesse filme foi o bom roteiro, com inúmeras reviravoltas envolvendo todos os personagens. Ora Scott pensa contar com seu velho amigo, ora descobre que está entrando em uma verdadeira cilada, com traição à vista. E para não faltar nada mesmo, o filme ainda traz ótimas sequências de ação, como a corrida em direção a uma locomotiva em chamas e uma grande sequência de acerto de contas de Scott com todos os vilões do filme. Em suma, um faroeste para fã do gênero nenhum colocar defeito. Scott era realmente muito eficiente nesse tipo de produção. Bons tempos aqueles.

Domador de Motins (Fort Worth, EUA, 1951) Direção: Edwin L. Marin / Roteiro: John Twist / Elenco: Randolph Scott, David Brian, Phyllis Thaxter / Sinopse: Após viajar numa caravana em que um garotinho morre esmagado depois do estouro incontrolável de uma manada, o cowboy e jornalista Ned Britt (Scott) decide voltar para sua terra natal, Fort Worth. Lá reencontra o grande amor de seu passado e seu antigo melhor amigo,  Blair Lunsford (David Brian), um homem que se tornou extremamente rico, com ambições políticas. O problema é que ele parece ter enriquecido através de métodos ilegais e ilícitos. Será que a amizade entre Ned e Blair sobreviverá agora que tudo parece ter mudado na velha cidade?

Pablo Aluísio.

Os Cowboys

John Wayne - Os Cowboys
Ontem aproveitei o fim de noite para rever o faroeste "Os Cowboys". O western foi estrelado pelo maior mito americano do gênero, o imortal John Wayne. Em uma carreira longa e produtiva o veterano ator incorporou como poucos o símbolo do pioneiro americano rumo a um velho oeste selvagem, perigoso e violento. Nesse filme em particular temos uma variação bem interessante de seu tipo habitual. Ao invés de ser um membro da cavalaria enfrentando tribos de nativos hostis, o ator interpretou um velho rancheiro que precisa levar seu gado até a Califórnia. Sem homens para contratar (pois estão todos nas montanhas na chamada busca ao ouro) ele não vê outra alternativa a não ser contratar um bando de guris, garotos de escola mesmo, para lhe ajudar a tocar a boiada durante a viagem, atravessando as longas planícies áridas do oeste americano. O roteiro, baseado na novela escrita por William Dale Jennings, parte justamente dessa premissa para construir todo o enredo do filme. De um lado temos um velho cowboy, veterano da guerra civil, já calejado pelos anos, com muita experiência de vida. Do outro um bando de meninos que acabam se espelhando nele para crescer, se tornando enfim homens de verdade.

Curioso é que se fosse lançado hoje em dia "Os Cowboys" poderia muito bem criar problemas com o politicamente correto que impera nos dias atuais. Afinal de contas o personagem de John Wayne recruta todos aqueles garotos para um trabalho duro, arriscado. Hoje algo assim seria visto com reservas certamente. No caminho os meninos tomam conhecimento de aspectos da vida adulta como bebidas (imagine a confusão que isso iria dar) e até mulheres de vida fácil!!! Numa das cenas mais interessantes dois dos adolescentes encontram uma carruagem cheia de mulheres, coristas que vão se apresentar nos saloons do velho oeste. Elas se apresentam praticamente despidas, pois estão tomando banho em um rio da região. Claro que pela pouca idade eles até se assustam com a desenvoltura das moças que acabam achando eles tão bonitinhos, montados em seus cavalos, até parecendo cowboys de verdade! Tal cena certamente iria chocar para os padrões conservadores dos dias atuais. Conheço pessoas que ficariam escandalizadas com algo desse tipo!

O roteiro porém não se limita a isso. Há a questão racial também. O cozinheiro do grupo é Jebediah Nightlinger (Roscoe Lee Browne), um senhor negro, que chegou a também lutar na guerra civil e que agora ganha a vida cozinhando em caravanas. Os meninos que agora trabalham para o personagem de Wayne jamais tinham visto um negro antes! Numa das melhores cenas eles perguntam ao velho Jebediah se ele é igual aos outros homens (no caso, os brancos). O velho que já presenciou tantos momentos movidos pelo racismo acaba virando o jogo, contando uma velha lenda envolvendo seu pai, ao qual seria um velho guerreiro mouro em um mundo das mil e uma noites - o que obviamente acaba encantando todos aqueles jovens. Roscoe era um grande ator e nesse monólogo em particular prova bem isso. No final ele acaba liderando o bando de meninos em um momento crucial da trama, mostrando que a amizade e o respeito sempre vencem qualquer tipo de barreira racial que venha a existir entre brancos e negros.

Por fim, além da garotada, outro fato marcou muito esse "Os Cowboys". Encurralados e cercados por bandidos o personagem de John Wayne acaba sendo morto de forma covarde (pelas costas) pelo vilão Long Hair (Bruce Dern). Eu me recordo que quando assisti a esse filme pela primeira vez, ainda adolescente e nos anos 80, ao lado de meu pai, ele ficou visivelmente chocado e perturbado por ver o seu herói Wayne tombar em cena! Afinal John Wayne não poderia jamais morrer em seus próprios filmes, era um absurdo! O fato porém foi que esse tipo de situação veio muito bem a calhar pois trouxe a dose de realismo que faltava em sua carreira. Afinal o típico personagem de John Wayne poderia ser um bravo, um homem íntegro e honesto, representando tudo o que de valioso havia do homem do velho oeste americano, mas certamente não poderia ser imortal também! Por essas e outras é que esse "Os Cowboys" é da fato um filme tão marcante e inesquecível. Um ótimo western que todos os cinéfilos precisam ter em sua coleção.

Os Cowboys (The Cowboys, EUA, 1972) Direção: Mark Rydell / Roteiro: William Dale Jennings, Irving Ravetch / Elenco: John Wayne, Roscoe Lee Browne, Bruce Dern / Sinopse: Em plena corrida do ouro nas montanhas, o rancheiro Wil Andersen (John Wayne) acaba ficando sem cowboys para tocar seu gado do Colorado até a Califórnia onde os animais serão vendidos. Para resolver seu problema de mão de obra Andersen acaba tomando uma decisão radical: contratar um grupo de garotos para realizar a longa jornada oeste adentro.

Pablo Aluísio.

Spirit - O Corcel Indomável

Título no Brasil: Spirit - O Corcel Indomável
Título Original: Spirit - Stallion of the Cimarron
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: DreamWorks Animation
Direção: Kelly Asbury, Lorna Cook
Roteiro: John Fusco
Elenco: Matt Damon, James Cromwell, Daniel Studi
  
Sinopse:
Um garanhão selvagem chamado Spirit (Matt Damon) é capturado por seres humanos e levado para uma incrível aventura de muita emoção e perigos. Aos poucos ele vai perdendo a vontade de resistir ao treinamento imposto por seus novos donos, sem no entanto perder a vontade de reconquistar novamente sua tão amada liberdade. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Animação (Jeffrey Katzenberg). Também indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Canção ("Here I Am" de Hans Zimmer, Bryan Adams e Gretchen Peters). Vencedor de quatro prêmios no Annie Awards, considerado o Oscar da animação.

Comentários:
Desde que criou seu próprio estúdio, a DreamWorks, Steven Spielberg determinou aos seus executivos que dessem especial atenção para o mundo da animação. Isso se deveu não apenas aos números envolvidos nesse mercado (onde giram milhões e até bilhões de dólares em bilheteria), mas também para o fator prestígio. Todo grande estúdio de Hollywood que se preze precisa ter um bem elaborado departamento de animação. Pois bem, aqui está mais uma tentativa por parte de Spielberg em fincar posições no competitivo mundo da animação do cinema americano. O filme, como era de se esperar, é tecnicamente muito bem realizado. Além disso aposta numa proposta diferente, diria até mesmo mais clássica, explorando o velho oeste americano. Os protagonistas são cavalos e os humanos meros coadjuvantes. Gostei bastante do resultado final. É de um bom gosto à toda prova. Pena que não teve muita apelação ao público jovem dos dias de hoje o que resultou em uma bilheteria meramente morna. Em termos de elenco quem se destaca no quesito dublagem é o ator Matt Damon, dando vida ao personagem Spirit. É de se surpreender sua boa caracterização pois essa foi sua primeira experiência na area. Enfim, fica a recomendação de um western diferente, uma animação com o selo de qualidade de Steven Spielberg.

Pablo Aluísio.

Uma Mente Brilhante

Segue sendo o trabalho mais memorável tem termos de atuação da carreira do ator Russell Crowe. Ele interpreta um gênio da matemática chamado John Nash. O filme, que é baseado numa história real, mostra Nash em seus primeiros anos, quando se torna um aluno brilhante numa das melhores universidades do mundo. Como é considerado um verdadeiro talento em sua área, acaba sendo procurado pelo governo para trabalhar no deciframento de códigos criptográficos. O que começa até bem logo desanda quando Nash começa a afirmar que está sendo perseguido, se tornando alvo de um complô extremamente complexo para lhe assassinar.

Verdade ou fruto de sua cabeça? O roteirista Akiva Goldsman joga o tempo todo com as duas possibilidades, dando um verdadeiro nó na cabeça dos espectadores. O filme só não é melhor porque o cineasta Ron Howard sempre foi muito convencional, nunca indo para caminhos mais desafiantes. Ele sempre preferiu mesmo o feijão com arroz do dia a dia. Sem esse tipo de coragem o filme acaba perdendo um pouco, até porque o diretor parece nunca estar à altura do roteiro, esse realmente acima da média, muito bem escrito. Fico imaginando um material como esse nas mãos de um Stanley Kubrick, por exemplo. Seria definitivamente uma das maiores obras primas da história do cinema.

Do jeito que ficou está OK, mas como sempre gosto de dizer, poderia ser bem melhor. De uma maneira ou outra o filme acabou se consagrando no Oscar com quatro importantes prêmios: Melhor direção (para Howard, um exagero!), Melhor Atriz Coadjuvante (Jennifer Connelly, a garota de "Labirinto" que cresceu e virou uma boa atriz), Melhor Roteiro (O prêmio mais merecido da noite) e Melhor Filme (achei um pouco forçado). Russell Crowe também foi indicado ao Oscar como Melhor Ator, mas não levou, naquela que foi a chance mais desperdiçada de sua carreira. Nunca mais ele voltaria a concorrer, mostrando que foi mesmo uma chance de ouro que ele perdeu de levantar a estatueta. Em conclusão considero um bom filme, com aquele tipo de roteiro que anda cada vez mais raro nos dias atuais. Muitos vão dizer que é tudo bem inconclusivo no final das contas, porém penso diferente, sendo esse aspecto uma das qualidades mais louváveis de seu texto.

Uma Mente Brilhante (A Beautiful Mind, Estados Unidos, Inglaterra, 2001) Direção: Ron Howard / Roteiro: Akiva Goldsman, baseado no livro escrito por Sylvia Nasar / Elenco: Russell Crowe, Ed Harris, Jennifer Connelly, Christopher Plummer, Paul Bettany, Josh Lucas/ Sinopse: John Nash (Russell Crowe) é um gênio da Matemática que é procurado pelo governo americano para trabalhar na decifração de códigos de países inimigos. Em pouco tempo Nash começa a temer por sua vida, pois o que parecem ser agentes do governo, começam a persegui-lo, colocando em risco sua vida. Seria verdade ou apenas fruto de sua mente perturbada? Filme indicado também ao Oscar nas categorias de Melhor Edição (Mike Hill, Daniel P. Hanley), Melhor Maguiagem (Greg Cannom, Colleen Callaghan) e Melhor Música (James Horner). Vencedor do Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Ator - Drama (Russell Crowe), Melhor Atriz - Drama (Jennifer Connelly) e Melhor Roteiro (Akiva Goldsman).

Pablo Aluísio. 

A Guerra de Hart

Esse filme foi uma pausa para Bruce Willis. Ele deu um tempo nos filmes de ação ao estilo pura porrada, para estrelar algo mais sofisticado, com um roteiro melhor, mais intelectualizado. Ele interpreta um Coronel americano em um campo de prisioneiros dos alemães durante a II Guerra Mundial. Quando um militar negro é acusado de assassinato de um colega de farda ele passa a desempenhar o papel de advogado desse sujeito. Ele não é um advogado de fato, quando a guerra explodiu era apenas um estudante do 2º ano de Direito, mas acaba aceitando o encargo. Bruce Willis então deixa as interpretações fáceis de sua carreira de lado para encarar um papel mais complexo, mais bem construído. O fato de tudo se passar na guerra torna ainda mais interessante o filme como um todo.

"Hart's War" como se vê parte de uma boa premissa, um enredo interessante. Tem um bom elenco de apoio que conta, dentre outros, com um jovem Colin Farrell, ainda no começo da carreira e tentando se encontrar na profissão de ator. Dito isso também encontramos problemas. Um tribunal do jurí, mesmo feito nas circunstâncias do filme, em uma situação excepcional e fora do comum, jamais poderia ser encarado como algo que estivesse sob controle de um estudante de Direito de segundo ano. É inverossímil. Não haveria conhecimento jurídico para entrar numa situação dessas, seria mesmo um desastre. De qualquer maneira se você conseguir ignorar essa falha de lógica pode ser que ainda vá se divertir. Interessante lembrar também que não foram poucos os que acusaram o filme na época de seu lançamento de ser lento e em muitos aspectos chato. Quem diria que um dia alguém iria reclamar de lentidão em um filme estrelado por Bruce Willis, o rei da metralhadora dos filmes de ação...

A Guerra de Hart (Hart's War, Estados Unidos, 2002) Direção: Gregory Hoblit / Roteiro: Billy Ray, baseado na novela escrita por John Katzenbach / Elenco: Bruce Willis, Colin Farrell, Terrence Howard / Sinopse: O Coronel William A. McNamara (Bruce Willis), um militar de formação ainda muito restrita de Direito, acaba aceitando a incumbência de defender um jovem negro acusado de assassinato. Filme premiado no Shanghai International Film Festival na categoria de Melhor Ator (Colin Farrell).

Pablo Aluísio.

Coco Antes de Chanel

Como não conhecia praticamente nada da vida da famosa estilista Coco Chanel acabei gostando bastante desse filme. De maneira em geral gosto de biografias. Aqui o roteiro se concentra em mostrar os primeiros anos de sua vida, antes de criar sua grife que segue sendo, até os dias de hoje, uma das mais importantes do mundo da moda. Ela nasceu Gabrielle Chanel. Criada em um orfanato mantido pela igreja católica, sempre teve que lutar por sua vida. Quando se tornou adulta começou a se apresentar em cabarés e casas noturnas. Nessas apresentações em troca de trocados ela cantava uma popular música tradicional francesa que contava a história de um cachorrinho chamado Coco. Por isso seu apelido. Ao lado de uma amiga ela desenvolvia seu lado artístico nesses números de canto e dança.

O gosto pela moda veio cedo. Coco estava sempre observando o figurino das madames e mademoiselles da classe alta. Só faltava uma oportunidade de entrar no meio dessa gente, da elite. A oportunidade surge quando ela conhece Étienne Balsan (Benoît Poelvoorde), um ricaço inconsequente de bom coração. Coco teve um caso com ele, mas era algo um tanto superficial, do tipo chove, não molha. O mais importante desse relacionamento é que ela teve a oportunidade de conhecer pessoas que iriam ser fundamentais em sua nova carreira, a de estilista de moda. O filme também aproveita para mostrar um pouco da grande paixão da vida de Chanel, um inglês chamado Boy Capel (Alessandro Nivola). Ela que sempre se orgulhou de sua racionalidade e equilíbrio, de repente se viu apaixonada e boba por esse britânico. 

É um bom filme, elegante, sofisticado, tal como Chanel. A atriz Audrey Tautou está perfeita no papel principal. Ela não é apenas muito parecida fisicamente com Coco Chanel, como também conseguiu captar aspectos da personalidade da estilista de uma maneira surpreendente. Além disso sempre é um prazer assistir a filmes franceses, muito por causa da bela sonoridade da língua nativa. O francês tem mesmo uma bela melodia em suas palavras. É uma das mais bonitas línguas clássicas da Europa (ao lado do latim, espanhol e do nosso português). 

Coco Antes de Chanel (Coco avant Chanel, França, 2009) Direção: Anne Fontaine / Roteiro: Anne Fontaine, baseada no livro escrito por Edmonde Charles-Roux / Elenco: Audrey Tautou, Benoît Poelvoorde, Alessandro Nivola / Sinopse: "Coco Antes de Chanel" é uma cinebiografia que conta parte da história da estilista francesa Coco Chanel. O filme explora sua infância, quando foi criada em um orfanato católico, e sua juventude, quando acaba se envolvendo com dois homens bem diferentes entre si. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Figurino (Catherine Leterrier). Vencedor do César Awards nessa mesma categoria.

Pablo Aluísio.

Legalmente Loira

Esse filme é uma bobeirinha que caiu no gosto do público americano, rendendo uma ótima bilheteria em seu lançamento. Só para se inteirar nos números: o filme custou meros 18 milhões de dólares e rendeu no total quase 250 milhões dentro do mercado americano e ao redor do mundo! Nada mal não é mesmo? Com esse tipo de lucro é que entendemos porque o cinema americano é o mais rico do mundo, posição que provavelmente nunca perderá. Pois bem, deixando a chuva de dólares de lado o que sobra é uma comediazinha muito simplória que se sustenta basicamente toda no carisma da atriz Reese Witherspoon.

Ela interpreta Elle Woods, uma típica patricinha (e coloca patricinha nisso) que consegue entrar em uma das mais disputadas universidades dos Estados Unidos e logo no curso de Direito!!! Imaginem o choque de ver os demais alunos (todos sérios, estudiosos e vestidos com total sobriedade) ao lado dessa loira cor de rosa, com cachorrinho de lado, se tornando o suprassumo da futilidade. Fica óbvio que o roteiro não é lá essas coisas (é fútil igual sua personagem principal), mas os jovens adoraram e então não deu outra... caixa recheada de verdinhas para o estúdio. Uma sequência foi lançada alguns anos depois (alguém duvidaria que isso iria acontecer?), mas essa continuação conseguia ser pior do que o filme original! Sim, isso foi possível.

Legalmente Loira (Legally Blonde, Estados Unidos, 2001) Direção: Robert Luketic / Roteiro: Karen McCullah, baseada no livro escrito por Amanda Brown / Elenco: Reese Witherspoon, Luke Wilson, Selma Blair, Raquel Welch / Sinopse: Patricinha que só se veste de rosa, acaba entrando numa das melhores universidades de Direito dos Estados Unidos, causando um choque de diferenças entre ela e seus novos colegas de curso! Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Comédia ou Musical e Melhor Atriz (Reese Witherspoon).

Pablo Aluísio.

Amor & Tulipas

Esse filme é um folhetim. Assim se você gosta de novelas muito provavelmente vai gostar desse "Amor & Tulipas". E como todo folhetim esse roteiro também tem um enredo com romances, traições e reviravoltas. Tudo se passa no século XVII, na Holanda. O rico comerciante Cornelis Sandvoort (Christoph Waltz) ficou viúvo após a morte da esposa em trabalho de parto. Ele pretende reconstruir sua vida e para isso precisa de um herdeiro. Em suas próprias palavras: "Um homem precisa deixar seu nome e sua fortuna para um filho!". Como já é um senhor com uma certa idade ele não vai mesmo conquistar nenhuma beldade da cidade onde vive, a não ser que seja uma interesseira.

Para resolver seus problemas ele decide ir até um orfanato mantido pela Igreja Católica. Lá existem muitas moças bem educadas, mas pobres, que só esperam por um bom casamento. Acaba encontrando o que procura em Sophia (Alicia Vikander). Eles se casam e tudo corre bem, a não ser pelo fato dela não conseguir engravidar, justamente o que Cornelis mais desejava. Pior do que isso, a jovem Sophia acaba se apaixonando por outro homem, um pintor contratado pelo marido para fazer um quadro clássico do casal. E a parti daí já sabemos mais ou menos o que virá. O marido é um bom homem, muito dedicado ao seu casamento, mas ela não o ama como deveria. Seu coração pertence mesmo ao jovem pintor interpretado por Dane DeHaan.

O filme tem boa produção, com excelente reconstituição de época, inclusive reproduzindo os estranhos figurinos daquele período histórico. O melhor ator em cena é justamente Christoph Waltz interpretando o marido traído. Mais contido do que o habitual, sem exageros dramáticos, ele procura escapar um pouco dos personagens de vilões que andou fazendo ultimamente. Outro destaque, com menos espaço na história, é a presença da grande dama do teatro e cinema Judi Dench. Ela interpreta uma freira que cuida de uma plantação de tulipas no convento onde mora. O roteiro aliás mostra um estranho mercado de vendas dessas flores que viraram objetos de especulação na época, com algumas delas valendo pequenas fortunas. Por fim há também a presença do comediante Zach Galifianakis em mais um papel de porcalhão bêbado. É o alívio cômico da trama. No geral é um bom filme, nada demais, um pouco folhetinesco além da conta, mas que cumpre seu papel.

Amor & Tulipas (Tulip Fever, Estados Unidos, 2017) Direção: Justin Chadwick / Roteiro: Deborah Moggach, Tom Stoppard / Elenco: Christoph Waltz, Judi Dench, Zach Galifianakis, Alicia Vikander, Holliday Grainger, Dane DeHaan / Sinopse: Jovem mocinha, criada em um orfanato católico, é dada em casamento a um rico comerciante holandês. Ele quer um herdeiro pois se tornou viúvo no casamento anterior. A nova esposa é submissa e leal, mas não consegue engravidar. Pior do que isso, depois de algum tempo ela acaba se apaixonando por um jovem pintor.

Pablo Aluísio.

Lembranças de um Verão

Falou em adaptação para o cinema de uma obra de Stephen King logo todos pensam em filmes de terror, suspense, etc. Só que King também escreveu dramas, dramas nostálgicos e existenciais. Um exemplo é justamente esse "Lembranças de um Verão". Não há vampiros, lobisomens e nem palhaços assassinos. Ao invés disso temos uma história simples, da amizade de um garoto e um senhor mais velho que vai morar na casa ao lado. Bobby Garfield (Anton Yelchin) é um garoto de 11 anos, filho de uma mãe solteira que luta para sobreviver. Eles são pobres e não há muito espaço para ter todos os presentes que ele sempre quis. Ted Brautigan (Anthony Hopkins) é o senhor idoso que se torna seu vizinho. Um homem de passado misterioso, mas que parece ser uma pessoa bondosa, sempre com observações pertinentes, embora pareça estar sempre pensativo e contemplativo, com o olhar perdido no horizonte.

E é basicamente isso. King não traz personagens fantásticos, sobrenaturais, nada disso. Aliás essa é uma das tramas mais humanas criadas pelo escritor. Parte dos acontecimentos são baseados em suas próprias lembranças da infância, por isso o clima de nostalgia percorre cada cena, cada acontecimento. Anthony Hopkins, bem contido em sua interpretação, me agradou bastante. Esse é um ator que não precisa de muito para desempenhar grandes atuações. No seu caso o "menos" sempre é "mais". Quanto mais introvertido seu personagem, mais Hopkins se sai bem. O filme de forma em geral pode vir a decepcionar os fãs de Stephen King justamente por causa de seu convencionalismo. Não tem ET, não tem monstros e nem aquele clima de contos de horror que nos acostumamos quando vemos o nome de Stephen King impresso nos posters de cinema. Ainda assim o autor acerta em cheio, principalmente se você for aquele tipo de espectador mais sensível.

Lembranças de um Verão (Hearts in Atlantis, Estados Unidos, 2001) Direção: Scott Hicks / Roteiro: William Goldman, baseado no livro de Stephen King / Elenco: Anthony Hopkins, Anton Yelchin, Hope Davis / Sinopse: Um homem relembra os acontecimentos de sua vida quando tinha apenas 11 anos de idade. Vivendo em uma pequena cidade do interior ele recorda as pessoas e as experiências que viveu naquele período que agora parece mágico de sua vida.

Pablo Aluísio.

Onze Homens e um Segredo

Esse filme nasceu por acaso. O ator George Clooney estava hospedado em um hotel de Las Vegas quando assistiu na TV o clássico original com Frank Sinatra e seus amigos do rat pack. Ele então se perguntou porque ninguém tinha ainda feito um remake desse filme! Imediatamente contactou seu agente e esse saiu em busca dos direitos da obra cinematográfica. Com tudo pronto contratou o diretor Steven Soderbergh e no mesmo espírito que deu origem ao filme de Sinatra saiu convidando seus amigos mais próximos em Hollywood para fazer parte do elenco. Afinal Clooney sempre foi um dos atores mais bem relacionados dentro da indústria, tendo mesmo cacife para reunir tanta gente famosa em apenas uma produção.

Se você não tem ideia ainda do que se trata (o que acho bem difícil), o roteiro mostra um grupo de criminosos que decide roubar um grande cassino em Las Vegas. O plano, como era de se esperar, é simplesmente mirabolante, praticamente uma orquestra bem afinada formada por ladrões. O clima é bem ameno, quase levado às últimas consequências. Nenhum ator do elenco parece levar muito à sério o que acontece, o que é um ponto positivo a mais para o filme. Lançado em 2001 esse remake foi um grande sucesso de bilheteria, se tornando um blockbuster certeiro, mostrando que George Clooney tinha jeito (e sorte) também como produtor de cinema. Como deu origem a várias continuações (todas inferiores) ainda considero esse o melhor dessa nossa safra. Claro, nenhum desses novos filmes conseguiu ser mais legal e bacana do que o de Frank Sinatra e cia, mas no geral também não fez feio. É acima de tudo uma diversão bem-vinda ao estilo soft, tudo bem descompromissado.

Onze Homens e um Segredo (Ocean's Eleven, Estados Unidos, 2001) Direção: Steven Soderbergh / Roteiro: George Clayton Johnson, Jack Golden Russell / Elenco: George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts, Matt Damon, Andy Garcia, Don Cheadle, Casey Affleck, Bernie Mac, Joshua Jackson, Steven Soderbergh / Sinopse: Danny Ocean (George Clooney) decide formar um grupo de especialistas, ladrões de bancos, para um roubo milionário em um dos maiores e mais ricos cassinos de Las Vegas. Filme indicado ao César Awards (França) na categoria de Melhor filme estrangeiro (USA) e ao Art Directors Guild.

Pablo Aluísio.

A Sombra do Vampiro

"Nosferatu" é um clássico do terror. Filmado ainda na era do cinema mudo era uma adaptação não autorizada do livro "Drácula" de Bram Stoker. Durante muitos anos se especulou bastante sobre o ator que interpretava o vampiro, um alemão  chamado Max Schreck. Nesse universo de lendas urbanas criou-se o mito de que ele não era apenas um ator interpretando um vampiro, mas sim um vampiro de verdade! O roteiro desse filme "A Sombra do Vampiro" então parte justamente dessa ideia para contar as filmagens de Nosferatu, sustentando que Schreck era mesmo, de fato, uma criatura da noite. Bem criativo não é mesmo? Willem Dafoe interpreta Schreck e John Malkovich  dá vida ao cinesta Friedrich Wilhelm Murnau, mestre das sombras e do estilo noir. Tudo nos eixos, o filme parecia muito promissor, principalmente para quem gosta da história do cinema, só que... acabei não gostando do resultado final. Achei meio decepcionante, pouco criativo e com ritmo arrastado. A produção é boa, nada a reclamar nesse aspecto, mas o roteiro falha inúmeras vezes em desenvolver sua trama.

A premissa que parece muito interessante - a do ator vampiro que na verdade é um vampiro apenas fingindo ser um ator - não se sustenta por muito tempo, falhando em manter o interesse do espectador. Dafoe está perfeito em sua caracterização de um ser rastejante e nojento, porém não tem muito mais a trabalhar além de sua bem feita maquiagem. O roteiro apenas dá voltas e mais voltas sem chegar a um ponto certo em sua dramaturgia. Mesmo assim seus esforços lhe valeram indicações ao Oscar e ao Globo de Ouro, que vindas para um filme como esse não deixaram de surpreender muita gente na época. Pena que seu parceiro de cena não tenha se saído tão bem. É incrível que o excelente John Malkovich tenha errado a mão, tornando seu diretor muito caricato. Assim o filme não cumpre tudo aquilo que promete. É uma boa ideia que foi desperdiçada, infelizmente.

A Sombra do Vampiro (Shadow of the Vampire, Estados Unidos, 2000) Direção: E. Elias Merhige / Roteiro: Steven Katz  / Elenco: John Malkovich, Willem Dafoe, Udo Kier, Cary Elwes / Sinopse: Durante a década de 1920, ainda na era do cinema mudo, um diretor chamado F.W. Murnau (John Malkovich) decide contratar o estranho Max Schreck (Willem Dafoe) para interpretar um personagem de vampiro em seu filme, o Conde Graf Orlok. Só que ele não é apenas um ator comum, é um vampiro de verdade!  Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Willem Dafoe) e Melhor Maquiagem (Ann Buchanan e Amber Sibley). Também indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator Coadjuvante (Willem Dafoe).

Pablo Aluísio.

Assassinato no Expresso do Oriente

Sempre gostei das adaptações dos livros de Agatha Christie para o cinema. Grandes filmes do passado mantiveram bem essa tradição. Provavelmente o livro mais famosa dessa escritora seja exatamente esse, "Assassinato no Expresso do Oriente". Aqui você encontrará todos os ingredientes que fizeram dessa pacata velhinha inglesa uma das maiores vendedores de livros de todos os tempos. Sempre há um mistério a se resolver e vários suspeitos geralmente em ambientes fechados. É quase uma experiência empírica. Com o ambiente controlado fica mais fácil estudar os objetos de estudo, que são justamente as pessoas suspeitas do crime que move toda a trama. Esse sempre foi o grande atrativo da obra de Agatha Christie: resolver um caso misterioso e desvendar a identidade do verdadeiro autor do crime.

Pois bem, nem faz muito tempo que assisti a versão de 1974. Um filme muito bom por sinal. Agora o ator e diretor Kenneth Branagh resolveu apostar numa nova adaptação. Como é de praxe nesse tipo de filme ele contou também com um elenco numeroso, cheio de nomes famosos, do passado e do presente. O problema é que Kenneth Branagh decidiu que iria fazer um produto fast food, de rápida digestão, a ser exibido nos cinemas comerciais de shopping center mundo afora. Uma decisão lamentável. Tudo parece acontecer rápido demais, sem explorar o clima e nem os personagens que rondam esse assassinato que ocorre justamente nesse trem tão famoso, o Orient Express. Esse aliás é o grande problema desse novo filme: a pressa. Praticamente tudo vai se atropelando, sem muita sofisticação, sem muita preocupação em se criar todo um ambiente sofisticado para contrastar justamente com o lado grotesco de um homicídio.

Em um filme assim temos que ter também uma caracterização perfeita do detetive Hercule Poirot. Nesse quesito nenhum ator até hoje conseguiu superar Peter Ustinov que foi a mais perfeita encarnação de Poirot no cinema. Talvez envaidecido por sua própria fama, o diretor Kenneth Branagh cometeu o erro fatal de se auto escalar como Poirot. Ficou péssimo. Ele não tem nem a corporação física de ser Poirot que sempre foi um figura bonachona, com quilinhos a mais e QI acima do normal. Tentando ser Poirot  Kenneth Branagh só se tornou muito chato! E o que dizer daquele bigode simplesmente horrível que ele ostenta no filme? Com o personagem central mal escalado tudo fica mais difícil. Para piorar ainda mais a situação a pressa não dá chance nenhuma para nenhum dos atores desse rico elenco se sobressair. Eles possuem apenas pequenos momentos, pequenos trechos que não fazem muita diferença. Assim o meu veredito final não é bom. Não gostei dessa nova versão que peca por querer ser comercial demais. Ficou com cara mesmo de fast food descartável.

Assassinato no Expresso do Oriente (Murder on the Orient Express, Estados Unidos, Inglaterra, 2017) Direção: Kenneth Branagh / Roteiro: Michael Green, baseado na obra escrita por Agatha Christie / Elenco: Kenneth Branagh, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Michelle Pfeiffer, Judi Dench,  Johnny Depp / Sinopse: Durante uma viagem no Expresso do Oriente um homem é morto misteriosamente em sua cabine. Para descobrir o crime entra em cena o detetive Hercule Poirot que acaba descobrindo que praticamente cada um dos passageiros do trem teria um motivo para assassinar o tal sujeito.

Pablo Aluísio.

O Livro de Henry

Meu irmão mais velho se chama também Henry. Assim resolvi assistir a esse filme, por pura curiosidade mesmo. OK, não é o melhor motivo para se ver um filme, mas de vez em quando é interessante escolher dessa forma. O curioso é que o roteiro gira em torno da história de dois irmãos. Eles moram com a mãe solteira em uma pequena cidade do interior dos Estados Unidos. O Henry do título é um dos meninos, só que ele definitivamente não é um garoto normal. Extremamente inteligente, curioso e culto, ele é o orgulho da sua mãe. Uma criança com o QI muito acima da média de seus coleguinhas da escola.

A vida vai seguindo até que Henry tem um ataque durante a noite. A partir daí começa o drama da família, já que no hospital ele é diagnosticado com um tumor cerebral. A partir desse ponto é conveniente não revelar muito mais sobre o enredo para não estragar as surpresas. Basta dizer apenas que a partir do momento em que Henry descobre que tem uma doença séria o filme muda de direção, infelizmente não para melhor, pois em determinado momento pensei que tudo iria se perder por causa dessa reviravolta. Ainda bem que os roteiristas recobraram a razão e o bom senso prevaleceu no final. Se tivesse seguido pelos rumos que tudo ia tomando certamente teria se tornado um dos filmes mais estranhos e bizarros que assisti nos últimos anos.

De qualquer forma não precisa se preocupar. O filme que parece familiar é mesmo "family friendly", para toda a família. No elenco o destaque vai para o garotinho Jaeden Lieberher como Henry. Parece ter sido natural para ele interpretar esse pequeno gênio. Tudo soa muito tranquilo em sua interpretação. Provavelmente o ator mirim seja também um desses prodígios. Naomi Watts interpreta sua mãe. Essa atriz tem se mostrado bem corajosa ultimamente, largando os papéis de mulheres bonitas para embarcar numa nova fase da carreira, ao estilo mais dramático. Outro ator que você vai reconhecer é o Dean Norris. Ele foi o cunhado de Walter White em "Breaking Bad", uma série fenomenal. Então é isso. "O Livro de Henry" não decepciona, apesar de em determinado momentos deixar uma sensação no espectador que tudo pode desmoronar de uma hora para outra. Isso não acontece, felizmente. Assista sem receios.

O Livro de Henry (The Book of Henry, Estados Unidos, 2017) Direção: Colin Trevorrow / Roteiro: Gregg Hurwitz / Elenco: Naomi Watts, Jaeden Lieberher, Dean Norris, Jacob Tremblay, Maddie Ziegler / Sinopse: Mãe solteira cria seus dois filhos numa pequena cidade do interior. Apesar da ausência do pai, eles são felizes. O filho mais velho Henry é um pequeno gênio de 12 anos de idade. A rotina deles muda quando Henry é diagnosticado com uma séria doença.

Pablo Aluísio.

Feito na América

O astro Tom Cruise vinha mesmo devendo um bom filme nesses últimos anos. Ele se limitou nesse tempo a estrelar produções milionárias de ação com roteiros bem cretinos. Aqui há uma pausa nesse estigma. Esse novo "American Made" conta uma história real bem interessante. É a história de um jovem piloto comercial da TWA que acaba se envolvendo com um agente da CIA. Em troca de um pagamento melhor ele aceita pilotar pequenos e velozes aviões em incursões pela América Central. São missões não oficiais que de certa forma fazem o jogo sujo do governo americano por debaixo dos panos.

Em uma dessas viagens ele acaba tomando contato com traficantes colombianos, eles mesmos, a quadrilha de Pablo Escobar e cia, que iria se denominar Cartel de Medellín! Nada poderia ser mais lucrativo do que aquilo. Voar em baixa altitude, levando cocaína da Colômbia para os Estados Unidos. Todos voos arriscados, onde o próprio piloto jogava a "carga" nos pântanos da Louisiana. Apesar do risco tudo começou a dar muito certo, a ponto do personagem de Cruise trazer outros pilotos para trabalharem para ele. Imaginem o tamanho do dinheiro que jorrou nessas operações. O mais bizarro de tudo é que ele não deixou de trabalhar para a CIA, traficando cocaína enquanto transportava armas para grupos armados patrocinados ilegalmente pelo governo dos Estados Unidos. Uma loucura completa, um caos!

O filme me agradou bastante. Claro, há alguns probleminhas. A escalação de Tom Cruise foi muito criticada. O verdadeiro piloto da histórica chamado Barry Seal era um sujeito gordinho, de cabeça grande, nada parecido com o galã Cruise. Isso porém não vejo com uma falha ou erro, mas apenas como uma opção na escalação do elenco. Claro que em certos momentos Cruise mais parece um remake de seu filme "Top Gun", mas não chega a atrapalhar. A única crítica que faria ao roteiro é que ele cai em certos clichês desse tipo de filme, como os exageros no tocante ao dinheiro ganho pelo piloto. De repente ele se vê em montanhas de maços de dinheiro, que ele precisa esconder em todos os lugares, até nos estábulos, no meio dos cavalos de sua propriedade. Exageros narrativos à parte, esse "Feito na América" é uma boa pedida para quem quer saber mais um pouco da história do crime, como também para quem estiver em busca de um bom filme no circuito mais comercial. Coisa bem rara hoje em dia.

Feito na América (American Made, Estados Unidos, 2017) Direção: Doug Liman / Roteiro: Gary Spinelli / Elenco: Tom Cruise, Domhnall Gleeson, Sarah Wright / Sinopse: Barry Seal (Tom Cruise) é um piloto de aviões comerciais que decide mudar de vida. Trabalhando na TWA, grande companhia de aviação dos Estados Unidos, ele decide largar o emprego para fazer missões secretas não oficiais para a CIA na América Central. Não satisfeito, descobre um jeito de ganhar muito dinheiro, traficando cocaína da Colômbia para seu país, sob as ordens do infame Cartel de Medellín, chefiado por Pablo Escobar.

Pablo Aluísio.

Regressão

Esse é um filme de suspense cujo tema explora a existência de seitas satânicas nos Estados Unidos. Baseado em fatos reais, a história se passa no começo dos anos 90. Bruce Kenner (Ethan Hawke) é um policial de interior que precisa desvendar um caso bem estranho, envolvendo uma jovem chamada Angela Gray (Emma Watson). Ela afirma que foi abusada sexualmente pelo próprio pai durante um ritual de satanismo envolvendo vários membros da comunidade. Kenner assim fica numa situação bem delicada, pois a investigação começa a desvendar a existência mesmo de um grupo satanista na sua cidade. Pior do que isso, até mesmo policiais de sua delegacia estariam envolvidos nisso.

O filme não pode ser qualificado como de terror, no estilo clássico que conhecemos. Claro, por se basear em uma história real nem tudo acontece do jeito que os fãs de terror esperariam. O roteiro explora as diversas nuances da história contada por Angela, que parece ser chocante demais para ser verdade. Assim o tira interpretado por Ethan Hawke entra até mesmo em crise, pois sendo ele um cético, que não acredita em nada, em mundo espiritual, deuses, anjos e demônios, tudo se torna ainda mais complicado de aceitar. O roteiro procura por essa razão manter os pés no chão, embora adicione cenas bem interessantes de cultos demoníacos.

A primeira coisa que me chamou atenção no elenco desse filme foi a presença de Emma Watson. Ela é uma ativista feminista, sempre pregando o empoderamento das mulheres. Assim quando o filme começou fiquei bem desconfiado. Sua personagem parece bem tímida, recatada, vulnerável! Não era bem o tipo que esperaríamos ver Emma interpretando. Por isso pensei comigo mesmo: tem coisa aí. E realmente o filme dá uma reviravolta, que obviamente não vou contar aqui. Quando as coisas finalmente se revelam você percebe e entende exatamente o que Emma estaria fazendo nesse filme. No geral é um bom thriller de suspense, porém não foge muito do lugar comum. O interesse se mantém até o final que infelizmente não entrega tudo o que poderia se esperar. Mesmo assim vale a pena assistir, nem que seja pelo menos uma vez.

Regressão (Regression, Estados Unidos, 2015) Direção: Alejandro Amenábar / Roteiro: Alejandro Amenábar / Elenco: Ethan Hawke, Emma Watson, David Thewlis / Sinopse: Angela Gray (Emma Watson), uma jovem garota tímida, decide denunciar o abuso sexual que sofreu nas mãos de seu próprio pai. Além disso resolve denunciar uma seita satânica que funcionava e realiza cultos em sua cidade, contando com membros influentes dentro da comunidade. O policial Bruce Kenner (Ethan Hawke) é designado pelo departamento para investigar o caso, mas acaba se surpreendendo com o que acaba encontrando.

Pablo Aluísio.

Bingo: O Rei das Manhãs

O filme é uma adaptação da vida real de um dos atores que interpretaram o palhaço Bozo no SBT durante os anos 80. Arlindo Barreto era o seu nome. Ator de filmes de pornochanchada ele acabou indo até o canal de Silvio Santos para um teste. Afinal precisava trabalhar. Acabou sendo aceito, interpretando o palhaço americano em um programa infantil que acabou fazendo bastante sucesso. Enquanto fazia o divertido personagem na frente das câmeras, afundava no vício em cocaína fora delas, o que o levou a situações absurdas, todas aproveitadas pelo roteiro.

O que vemos na tela porém é apenas parcialmente verdade. O roteiro do filme é uma mescla de histórias reais com pura ficção. Obviamente para evitar processos, os produtores não usaram o nome Bozo que é marca registrada de uma empresa americana. Mudaram para Bingo e criaram também um canal de ficção (SBT e Globo são citados no filme, mas com nomes diferentes). O próprio Arlindo também esclareceu que algumas cenas nunca aconteceram, como a que vemos o ator sangrando pelo nariz em pleno palco por causa do excesso de cocaína cheirada no camarim. Ele era divorciado, sua mãe era uma antiga estrela de TV, mas não morreu desprezada e depressiva como vemos no filme. 

Embora seja um bom filme, com temática interessante, "Bingo" não é tudo aquilo que foi dito por alguns críticos de cinema. É um filme bem realizado, mas que tropeça em alguns momentos, principalmente na parte mais dramática envolvendo os dramas pessoais do protagonista. Em certos momentos ficou com jeitão de novela da Globo, o que nem sempre é uma boa notícia. O ator Vladimir Brichta é seguramente um profissional talentoso que traz muita alma ao filme, mas o roteiro nem sempre está à sua altura. Na vida real havia cinco atores fazendo o Bozo, mas no filme tudo recai sobre ele. No geral é um bom filme nacional, apesar de pequenos e eventuais problemas de desenvolvimento. Dá para ver numa boa, sem maiores aborrecimentos.

Bingo: O Rei das Manhãs (Brasil, 2017) Direção: Daniel Rezende / Roteiro: Luiz Bolognesi, Fabio Meira / Elenco: Vladimir Brichta, Leandra Leal, Emanuelle Araújo, Raul Barreto / Sinopse: Baseado parcialmente em fatos reais o filme conta a história de um ator desempregado que acaba indo parar em um programa infantil interpretando um palhaço americano chamado Bingo! Com o sucesso de audiência vem também os exageros, como o uso de drogas e a companhia de mulheres bonitas. Seu relacionamento com o filho porém começa a se deteriorar.

Pablo Aluísio.

Três é Demais

Título no Brasil: Três é Demais
Título Original: Rushmore
Ano de Produção: 1998
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Wes Anderson
Roteiro: Wes Anderson, Owen Wilson
Elenco: Jason Schwartzman, Bill Murray, Luke Wilson, Olivia Williams, Brian Cox

Sinopse:
Jovem adolescente chamado Max Fischer (Jason Schwartzman) se apaixona perdidamente por sua nova professora. Tentando conquistá-la, ele comete o erro de pedir conselhos a Herman Blume (Bill Murray), pai de um de seus amigos. Herman então decide ele mesmo conquistar a professora, para a tristeza de Max. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator Coadjuvante (Bill Murray).

Comentários:
Para um filme que tinha a proposta de ser uma comédia achei tudo bem chato. O humor de Wes Anderson não é para todo mundo. Ele é bem queridinho da crítica, por causa das temáticas muitas vezes estranhas de seus filmes, dos roteiros diferentes, das direções de arte bizarras, mas no geral sempre achei muito discurso teórico para poucas risadas. Filmes como "Os Excêntricos Tenenbaums", "Viagem a Darjeeling" e "A Vida Marinha com Steve Zissou" sempre me deixaram mais com tédio e sono do que qualquer outra coisa. Esse filme só não é o pior de sua carreira porque ele é salvo mais uma vez pela presença de Bill Murray. Embora Bill tenha em determinado momento de sua filmografia adotado um tipo de filme mais cult, cabeça, do que suas habituais comédias, aqui ele volta de certa forma ao seu velho estilo de fazer rir, com aquele sorriso de cinismo divertido que o fez famoso. Claro que não pode ser considerado um de seus melhores trabalhos, mas ele no final das contas acaba se tornando uma das poucas razões para se assistir a esse filme bem esquecível, que não conseguiu fugir do esquecimento depois de alguns anos. Wes Anderson não superou sua característica principal de ser um cineasta bem chato, para dizer a verdade.

Pablo Aluísio.

A Filha da Luz

Título no Brasil: A Filha da Luz
Título Original: Bless the Child
Ano de Produção: 2000
País: Estados Unidos
Estúdio:  Paramount Pictures
Direção: Chuck Russell
Roteiro: Thomas Rickman
Elenco: Kim Basinger, Jimmy Smits, Rufus Sewell, Christina Ricci, Ian Holm, Michael Gaston

Sinopse:
Baseado na novela escrita por Cathy Cash Spellman, o filme "A Filha da Luz" conta a história de     
Maggie O'Connor (Kim Basinger), uma mulher que precisa cuidar da sobrinha autista depois que sua irmã a abandona, por ser viciada em drogas. Com o passar dos anos o que parecia ser apenas um caso de autismo na menina se revela muito mais, com poderes espirituais que ninguém poderia prever.

Comentários:
Quando o brilho de determinadas estrelas começa a se apagar, não tem jeito. Ok, a Kim Basinger nunca foi uma grande estrela de cinema, mas teve lá seu período de popularidade e fama, principalmente nos anos 80. Quando chegou os anos 90 a carreira dela começou a afundar, até chegar nesse ponto, já na virada do milênio, com esse filme muito fraco e ruim que não conseguiu fazer sucesso, isso apesar de seu tema que supostamente poderia atrair a atenção do público mais jovem. O diretor Chuck Russell só teve mesmo um filme bacana em sua filmografia que foi justamente "O Máskara". O resto vai de mediano a ruim como "O Escorpião Rei" e "A Hora do Pesadelo 3: Os Guerreiros dos Sonhos". Essa fitinha com a Kim não o ajudou muito nesse aspecto. Diante de tudo fica a pergunta inevitável: alguma coisa vale a pena nesse filme? Sim, para surpresa de muita gente o elenco de apoio é excepcionalmente bom, contando com o ótimo ator Rufus Sewell, com a estranha Christina Ricci e, como não poderia deixar de citar, a presença elegante de Ian Holm como um reverendo. Pena que nenhum deles teve muito espaço, afinal o estrelismo se apagando de Kim Basinger acabou ofuscando todo mundo. Uma pena.

Pablo Aluísio.

Liga da Justiça

Essas adaptações de quadrinhos para o cinema estão se tornando cada vez mais cansativas, principalmente quando são pretensiosas demais além da conta. Essa nova tentativa da DC em acertar nas telas de cinema é um exemplo disso. Aqui houve a reunião de um grupo de super-heróis, todos reunidos nessa liga da justiça. Estão lá o Batman, a Mulher-Maravilha, o Flash, o Aquaman e o Cyborg. O Superman também retorna depois de um breve período como morto! O roteiro não ajuda. Mesmo com tantos personagens famosos, pouca coisa funciona bem nesse filme. O vilão é genérico, mais um daqueles que querem trazer o apocalipse para o nosso mundo. Nada de novo no front. As cenas digitais mais incomodam do que qualquer outra coisa. Parece um game comum.

O diretor  Zack Snyder teve que abandonar o filme antes de encerradas as filmagens. Houve uma tragédia em sua família. Penso que nem se ele tivesse terminado seu trabalho a coisa ficaria melhor. O problema é que a trama é banal demais, nada muito original ou diferente do que você já viu em outros filmes desse estilo. Nem momentos que supostamente teriam potencial para ajudar se salvam da banalidade. A volta de Superman ao mundo dos vivos é um desses momentos. Nada muito inspirador, nada muito bem feito. Na verdade é uma decepção. Todos os personagens se tornam bem vazios, porque não há tempo de desenvolver nenhum deles. Quando fui assistir a essa nova produção da DC / Warner, fui com as expectativas baixas pois o filme foi severamente criticado. Nem as resenhas dos leitores habituais dos quadrinhos foram positivas. Devo concordar com todos eles. Esse "Liga da Justiça" é realmente bem fraco.

Liga da Justiça (Justice League, Estados Unidos, 2017) Direção: Zack Snyder / Roteiro: Chris Terrio, Joss Whedon / Elenco: Ben Affleck, Henry Cavill, Gal Gadot, Jason Momoa, Amy Adams, Jeremy Irons, Diane Lane, J.K. Simmons, Ray Fisher, Ezra Miller, Ciarán Hinds / Sinopse: O Batman (Affleck) resolve formar uma liga de super-heróis, contando com a ajuda da Mulher-Maravilha (Gadot), Aquaman (Momoa), Flash (Miller) e Superman (Cavill). Todos precisam enfrentar um vilão vindo do espaço, o Lobo da Estepe (Hinds) que de posse de três artefatos poderosos, deseja trazer o apocalipse até o nosso mundo.

Pablo Aluísio. 

O Mundo em Seus Braços

Título no Brasil: O Mundo em Seus Braços
Título Original: The World in His Arms
Ano de Produção: 1952
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Raoul Walsh
Roteiro: Borden Chase, Horace McCoy
Elenco: Gregory Peck, Ann Blyth, Anthony Quinn
  
Sinopse:
O Capitão Jonathan Clark (Gregory Peck) lidera uma tripulação de veleiros que realiza viagens periódicas até o distante Alaska. O objetivo é trazer novas cargas de peles de focas para serem vendidas nas grandes cidades americanas. De volta a San Francisco ele resolve se hospedar em um hotel chique e luxuoso. Sua intenção é vender sua carga e aproveitar seus dias de folga com muitas festas, bebidas e mulheres. Nesse ínterim é procurado por uma condessa russa, Marina Selanova (Ann Blyth), que deseja contratar seus serviços para viajar até o Alaska, onde seu tio é governador. Clark não se anima muito com a ideia, afinal de contas ele detesta russos em geral. O que ele definitivamente não contava era se apaixonar perdidamente pela amável e linda nobre.

Comentários:
Aventura com doses de humor marcam esse "The World in His Arms". O diretor Raoul Walsh obviamente se inspirou nos antigos filmes de Michael Curtiz, estrelados pelo astro Errol Flynn, para criar sua obra. O contexto histórico vai até o século XVIII, quando os Estados Unidos começavam a pensar seriamente em comprar o vasto território do Alaska da Rússia Czarista. O personagem interpretado por Gregory Peck é um americano que vai até lá para caçar e depois vender as peles das focas no continente. Isso claro o coloca em confronto com autoridades russas que ainda dominavam a região. O roteiro porém não tem muita preocupação em ser historicamente correto. Ao invés disso aposta mesmo no romance do capitão com a condessa. Ela é interpretada pela linda atriz Ann Blyth que havia se destacado em filmes como "Alma em Suplício" (1945), "Mildred Pierce" (também de 1945, quando arrancou uma indicação ao Oscar) e "O Grande Caruso" (1951). Ann era inegavelmente talentosa, mas aqui com forte maquiagem, só consegue mesmo ser um bibelô de luxo na tela. Já Peck passa por um sufoco para não ser ofuscado pela vigorosa interpretação de Anthony Quinn. Ele interpreta um navegador português, falastrão e expansivo, que vira e mexe tenta passar a perna no personagem de Gregory Peck. A personalidade do personagem de Quinn acaba sendo uma das coisas mais divertidas do filme, principalmente quando solta algumas palavras em nosso idioma, tudo claro com aquele sotaque macarrônico que torna tudo ainda mais engraçado. A produção é boa, com cenas gravadas usando o sistema de Back Projection, ou seja, os atores atuavam em estúdio, com cenas do Alaska sendo projetadas em uma tela atrás deles. Na época isso era bem comum, até porque levar toda uma equipe de filmagem até aquela região distante e fria seria impensável. Enfim é isso. Um filme sem maiores pretensões a não ser o puro divertimento. Aventura, humor e cenas de mar para os que adoram esse tipo de produção.

Pablo Aluísio.

Sonho de Amor

Título no Brasil: Sonho de Amor
Título Original: Song Without End
Ano de Produção: 1960
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Charles Vidor, George Cukor
Roteiro: Oscar Millard
Elenco: Dirk Bogarde, Capucine, Geneviève Page
  
Sinopse:
Biografia do famoso pianista e compositor clássico Franz Liszt (1811 - 1886). Nascido na Hungria o jovem Liszt logo se torna um dos mais celebrados concertistas de Paris. Através de apresentações memoráveis ele vira um astro da música na cidade. Após conhecer uma nobre condessa francesa, Marie D'Agoult (Geneviève Page), ele resolve se casar e se retirar dos palcos, aproveitando seu talento apenas para compor grandes peças clássicas. A vida fora do palco porém não lhe traz felicidade. Isolado, ele decide retornar para um concerto em Paris, mesmo contra a vontade da esposa. Depois atendendo a pedidos de uma nobre russa, a princesa Carolyne Wittgenstein (Capucine), resolve ir até a Rússia para se apresentar ao próprio Czar em pessoa. A viagem porém acaba despertando o amor entre ele e a princesa. O problema é que ambos são casados, o que desencadeia um grande escândalo em toda a Europa. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhor Música (Morris Stoloff e Harry Sukman). Filme vencedor do Globo de Ouro na categoria Melhor Filme - Musical.

Comentários:
Belo romance histórico que mostra uma fase particularmente complicada na vida do celebrado maestro e pianista clássico Franz Liszt (Dirk Bogarde). Ele tinha tanto talento para fazer concertos maravilhosos como para se envolver em problemas pessoais fora dos palcos. Um romântico incurável que acabou se envolvendo em um grande escândalo pessoal quando se apaixonou por uma princesa russa casada com um dos homens de confiança do Czar. A questão é que o próprio Liszt também era casado com uma condessa francesa, tinha dois filhos e muitos problemas em sua vida amorosa. Seu casamento não era feliz, pois sua esposa considerava a profissão de pianista pouco segura e de certa maneira em sua visão nobre e esnobe, tinha certa vergonha do marido ser um músico. Preconceitos da época. Assim tentou transformar Liszt em um compositor de renome, ficando fora dos palcos, algo que ela também considerava indigno. Pressionado por essa visão mesquinha da mulher ele acabou encontrando sua alma gêmea em uma princesa russa (interpretada pela bela atriz Capucine). Infelizes em seus respectivos casamentos tentaram de todas as formas lutar por esse amor, mas era uma situação considerada extremamente escandalosa pela sociedade da época. Em um tempo em que o divórcio não era aceito nem pelas autoridades públicas e nem pela Igreja, Franz Liszt e sua amada Carolyne Wittgenstein tiveram então de ir contra tudo e contra todos para concretizar sua paixão. Além de ter uma trama muito bem escrita o filme também se destaca pelas excelentes cenas musicais. O ator Dirk Bogarde tinha certa formação musical, mas jamais poderia tocar com as próprias mãos as complicadas peças de Liszt ao piano. Assim acabou sendo dublado por um especialista. Isso porém jamais transparece em cena pois ele demonstra grande talento em "dublar" muito bem os concertos. A direção de arte é primorosa e a reconstiuição de época magistral. Filmado em Vienna, na Austria, o filme é uma maravilhosa fusão de música clássica com cinema clássico. Uma bela obra cinematográfica com muito estilo, elegância e finesse. Um show de cultura para o público em geral. 

Pablo Aluísio.

Quando Descem as Sombras

Título no Brasil: Quando Descem as Sombras
Título Original: The Night Walker
Ano de Produção: 1964
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: William Castle
Roteiro: Robert Bloch
Elenco: Robert Taylor, Barbara Stanwyck, Hayden Rorke, Judi Meredith
  
Sinopse:
Irene Trent (Barbara Stanwyck) é casada há muitos anos com Howard Trent (Hayden Rorke), mas não o ama. Ele está cego, velho e paranóico, pois tem certeza que sua esposa o está traindo com um homem mais jovem, alto e bonito. A vida para Irene assim perde o interesse, a felicidade e ela começa a sofrer inúmeros pesadelos com uma pessoa idealizada que definitivamente não consegue identificar. Com a ajuda do advogado Barry Morland (Robert Taylor) ela tentará desvendar esse mistério, agravado ainda mais com a morte inexplicável de Howard.

Comentários:
O produtor e diretor William Castle foi uma espécie de Alfred Hitchcock mais popularesco e menos talentoso. Ao longo de sua carreira ele investiu em um cinema bem fantasioso e de certa maneira também bastante sensacionalista. Mesmo assim conseguiu alcançar o êxito comercial, criando uma verdadeira legião de fãs na época (em grande parte formado por crianças e adolescentes). Aqui Castle investe no misterioso mundo dos sonhos e pesadelos. Sua personagem principal não consegue mais separar sonhos de realidade e sofre bastante com isso, agravado ainda mais pelo fato de ser uma mulher infeliz e frustrada, afundada em um casamento sem amor, sem afeto e cheio de problemas. Ela sonha com uma vida sentimental plena, mas isso parece cada dia mais distante. Ao invés de viver com o amor de sua vida ela leva uma vida medonha ao lado do marido, um sujeito rico, porém desalmado, desconfiado e até mesmo violento (em determinada cena a espanca com sua bengala). Castle porém não está interessado em filmar um drama sobre desilusões amorosas e sim um suspense de terror e crime. Assim o velho Howard logo morre em circunstâncias inexplicáveis, o que dá origem a uma série de eventos estranhos, bizarros que passam a atormentar a mente de Irene. Apesar de ter alguns bons momentos, como o sinistro casamento rodeado de bonecos de cera, o roteiro não se sustenta por muito tempo. O que começa de forma promissora vai decaindo de qualidade ao longo do filme. Surgem desdobramentos na trama sem explicação e a solução do mistério acaba se tornando inverossímil demais para ser levado à sério. No final das contas só recomendamos o filme para os que já são fãs do cinema de William Castel. Para os demais tudo soará mesmo como algo ultrapassado demais para ser levado em conta.

Pablo Aluísio.

Jack, o Estripador

Título no Brasil: Jack, o Estripador
Título Original: Jack the Ripper
Ano de Produção: 1958
País: Inglaterra
Estúdio: Mid Century Film Productions
Direção: Robert S. Baker, Monty Berman
Roteiro: Jimmy Sangster, Peter Hammond
Elenco: Lee Patterson, Eddie Byrne, Betty McDowall
  
Sinopse:
1888. Londres. Uma série de mulheres são encontradas mortas. Todos os assassinatos possuem algo em comum, levando a polícia londrina a ter certeza que o autor dos crimes é a mesma pessoa. Com a ajuda de um policial americano e sob pressão da Scotland Yard, o inspetor O'Neill (Eddie Byrne) precisa desesperadamente descobrir a identidade do verdadeiro assassino e o colocar atrás das grades o mais rapidamente possível, algo que não será tão simples de realizar. História baseada em fatos reais.

Comentários:
Apesar do tema interessante, envolvendo um dos mais famosos serial killers da história, esse filme apresenta muitos problemas. O principal deles é apostar em um enredo puramente ficcional. Tirando as mortes do assassino, que de fato aconteceram e chocaram a Inglaterra vitoriana, nada mais do que você verá em cena foi real ou aconteceu realmente. Tudo bem que a verdadeira identidade de Jack jamais foi solucionada inteiramente (embora recentemente estudos envolvendo até mesmo DNA comprovem que ele teria sido Aaron Kosminski, um imigrante russo que foi para a Inglaterra em busca de novas oportunidades de vida), mas a questão é que deveriam ter caprichado um pouco mais. Para falar a verdade é um filme que, apesar de hoje em dia ostentar um certo status cult, não passa de uma produção simples e sem maiores atrativos. Logo após as mortes o roteiro sugere que o assassino seria um renomado médico de Londres, um sujeito com título de nobreza (uma velha suspeita que teria envolvido até mesmo o médico da casa real na época dos crimes). Depois as pistas vão sendo deixadas ao espectador, sendo que a maioria delas não passam de farelos de pão para confundir o caminho em direção ao verdadeiro culpado. As mortes das prostitutas, que deveria ser um dos pontos altos do filme, jamais se mostram bem feitas. Não são bem realizadas e contém erros grosseiros em relação ao que aconteceu. Na verdade as vítimas sequer surgem estripadas, ignorando até mesmo o nome que tornou infame o assassino por todos esses anos. Em suma, para quem estiver em busca de um bom filme sobre esse famoso serial killer não recomendaria essa antiga produção. Muito ultrapassada, com óbvio jeito de filme B. Ela é modesta demais em seus objetivos e resultados e deixa bastante a desejar. Esqueça!

Pablo Aluísio.

Meu Maior Amor

Título no Brasil: Meu Maior Amor
Título Original: My Foolish Heart
Ano de Produção: 1949
País: Estados Unidos
Estúdio: RKO Radio Pictures
Direção: Mark Robson
Roteiro: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein
Elenco: Susan Hayward, Dana Andrews, Kent Smith, Lois Wheeler
  
Sinopse:
Após vários anos de casamento, Eloise Winters (Susan Hayward) não consegue mais esconder sua frustração e infelicidade. Acontece que ela se casou com um homem que não amava. Para superar isso bebe cada vez mais, algo que se torna insuportável para seu marido. Após vários meses sem rever sua amiga Mary Jane (Lois Wheeler) ela a recebe em casa e começa a recordar os anos felizes do passado, quando viveu uma grande história de amor ao lado do militar Walt Dreiser (Dana Andrews). O destino porém não quis que esse grande romance se eternizasse. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Susan Hayward) e Melhor Música Original ("My Foolish Heart" de Victor Young e Ned Washington).

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Um belo drama romântico cujo roteiro extremamente sentimental procura explorar a vida infeliz e cheia de mágoas da protagonista Eloise Winters. Interpretada com maestria pela talentosa atriz Susan Hayward, ela é uma mulher que não conseguiu encontrar a verdadeira felicidade em sua vida amorosa. Após ver o grande amor de sua vida partir, ela afunda em um mar de sentimentos de ressentimento, mágoas e frustrações que não consegue mais lidar. Para suportar começa a beber e afiar cada vez mais a sua acidez verbal, usando como alvo justamente seu atual marido, um homem que ela definitivamente nunca amou! Em situações assim a vida conjugal logo se torna um verdadeiro inferno doméstico, o que faz com que a iminência do divórcio se torne cada vez mais presente. O roteiro é na verdade um longo flashback. Após receber a amiga Mary Jane em seu lar problemático, Eloise começa a recordar o passado e assim o espectador é levado até os anos em que ela era apenas uma jovem estudante. Durante um baile conhece o bonito e charmoso Walt Dreiser (Dana Andrews) e fica logo perdidamente apaixonada por ele. Um caso de amor à primeira vista! Ao contrário dos outros homens de sua idade, Dreiser também tem um bom humor à toda prova, o que o torna ainda mais atraente. Depois de alguns encontros e desencontros eles começam finalmente um romance ardente, mas os Estados Unidos entram na Segunda Guerra Mundial e Dreiser é logo convocado para servir em um dos bombardeiros da força aérea americana sobre a Europa. A partir daí a vida de Eloise muda para sempre. Particularmente gostei de tudo no filme, do seu ritmo, do clima romântico, nostálgico e afetuoso, mas principalmente da atuação de Susan Hayward. Indicada ao Oscar merecidamente por essa atuação ela está em estado de graça em cena. É interessante porque é um dos filmes em que a atriz está mais bonita, valorizada enormemente por uma bela fotografia em preto e branco, além de um figurino elegante que realça ainda mais sua beleza. Para os que admiram a carreira de Susan esse é certamente um filme obrigatório. Já para os românticos de plantão será com certeza um excelente programa para assistir a dois. Está mais do que recomendado. 

Pablo Aluísio.