quinta-feira, 18 de fevereiro de 2010

O Coração da Justiça

Título no Brasil: O Coração da Justiça
Título Original: The Heart of Justice
Ano de Produção: 1992
País: Estados Unidos
Estúdio: Amblin Television
Direção: Bruno Barreto
Roteiro: Keith Reddin
Elenco: Eric Stoltz, Jennifer Connelly, Dermot Mulroney, Dennis Hopper, William H. Macy, Vincent Price

Sinopse:
Investigando um caso de assassinato, o detetive David Leader (Eric Stoltz) acaba conhecendo a família Burgess, uma gente estranha, mas muito rica, que parece girar em todos os aspectos em torno de sua filha, a perigosa, mas sedutora Emma Burgess (Jennifer Connelly).

Comentários:
Filme fraquinho feito para a TV americana, com direção do brasileiro Bruno Barreto. O telefilme foi produzido pela produtora de Steven Spielberg. Tudo muito convencional, sem pretensão de ser algo a mais ou inovador. Se vale por alguma coisa, temos que admitir que a atriz Jennifer Connelly estava linda, bem na fase de sua transição de filmes adolescentes para algo mais sério. Já Eric Stoltz não ajuda muito. Sempre foi um ator por demais genérico, sem maiores atrativos. Desde que ele perdeu o papel do jovem McFly em "De Volta Para o Futuro", nunca mais acertou na carreira. De qualquer forma hoje em dia é um filme bem complicado de achar. Chegou a ser lançado no Brasil em VHS, mas depois desapareceu, inclusive da programação das TVs a cabo. No elenco, é sempre bom salientar, há a presença de dois veteranos importantes na história do cinema: Dennis Hopper e Vincent Price. Provavelmente a dupla seja a melhor razão para ver esse filme hoje em dia.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 17 de fevereiro de 2010

Cegueira Histérica

Título no Brasil: Cegueira Histérica
Título Original: Hysterical Blindness
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: HBO Films
Direção: Mira Nair
Roteiro: Laura Cahill
Elenco: Uma Thurman, Juliette Lewis, Gena Rowlands, Ben Gazzara, Justin Chambers, Anthony DeSando

Sinopse:
O filme conta a história de Debby Miller (Uma Thurman), uma jovem de New Jersey que sofre de uma estranha síndrome, onde perde a visão em momentos de tensão e stress. Filme premiado no Globo de Ouro na categoria de melhor atriz (Uma Thurman). Indicado na categoria de melhor atriz coadjuvante (Gena Rowlands).

Comentários:
A HBO produziu muita coisa interessante em seus primórdios. Geralmente a companhia pegava roteiros que não encontravam espaço entre os grandes estúdios de cinema de Hollywood e os produzia, com bom elenco e boa direção. O curioso é que depois de algum tempo a HBO deixou de lado a produção de filmes independentes e ousados como esse, procurando seguir por outro caminho. Hoje em dia esse setor de produção própria é mais voltada para as séries, deixando os filmes em segundo plano. Uma pena. Nesse filme até bem pouco conhecido nos dias de hoje a atriz Uma Thurman interpreta uma protagonista que sofre de cegueira histérica, uma condição médica rara, mas que realmente existe no mundo real. E isso, claro, serve de ponto de partida para esse filme que se propõe a ser um drama com pontuais momentos de suspense e tensão. É um filme que até chamou uma certa atenção em seu lançamento original, muito embora nos dias de hoje quase ninguém mais se lembre dele. Um bom motivo para redescobrir essa produção, ainda mais para quem aprecia o trabalho da alta e loira (aqui ruiva) Uma Thurman. E de quebra ainda leva boas interpretações da louquinha Juliette Lewis e da fina Gena Rowlands.

Pablo Aluísio.

Viagem Sem Destino

Título no Brasil: Viagem Sem Destino
Título Original: Interstate 60 - Episodes of the Road
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: Fireworks Pictures
Direção: Bob Gale
Roteiro: Bob Gale
Elenco: Gary Oldman, Kurt Russell, Michael J. Fox, James Marsden, Christopher Lloyd, Jonathan Whittaker

Sinopse:
Neal Oliver, um jovem estranho ao seu modo, decide fazer uma viagem de uma vida na estrada desconhecida que não existe em nenhum dos mapas, indo parar em lugares que ele nunca ouviu falar, procurando uma resposta para a paixão que sente em relação à sua garota dos sonhos. E nessa jornada também acaba encontrando os mias diversos tipos de pessoas (algumas tão estranhas quanto ele mesmo).

Comentários:
Bob Gale, que dirigiu esse pequeno filme independente que quase ninguém conhece, foi o roteirista dos três filmes da franquia "De Volta Para o Futuro". Curiosamente ele aqui conseguiu reunir novamente Michael J. Fox e Christopher Lloyd (os astros daquela série) em um mesmo filme. Acredito inclusive que isso só aconteceu mesmo uma única vez e foi justamente aqui. Fruto da amizade do roteirista com esses atores, amizade essa que nasceu justamente nas filmagens dos 3 filmes da marca "Back to the Future". Já em relação a esse "Viagem sem Destino" diria que é apenas razoável. Tem alguns elementos de fantasia, um bom elenco, contando inclusive com os dois atores já citados e o sempre bom Gary Oldman, mas no geral é aquele tipo de filme que nunca decola. Você fica esperando por algo melhor acontecer, mas isso não se torna realidade. O espectador fica a ver navios, nas nuvens. De repente vem a última cena e o filme acaba, sem marcar ou impressionar. De qualquer maneira, se você curte "De Volta para o Futuro" essa produção ao menos vai servir como uma mera curiosidade cinematográfica. E isso é tudo.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 16 de fevereiro de 2010

Coração Louco

Eu sempre gostei do mundo musical e mais ainda dos bastidores da música; Sempre me interessei sobre a biografia dos cantores e bandas de que admiro e como todos podem ver em meus textos sobre música sempre tive grande prazer em tratar sobre o tema. Por isso fui com grandes expectativas assistir Coração Louco, o filme que deu o Oscar de Melhor ator para o carismático Jeff Bridges. Embora o filme seja dirigido por Scott Cooper a verdade é que em tudo se aparenta como um projeto bem pessoal tocado por Bridges e seu amigo de longa data Robert Duvall (ambos são produtores creditados). Esse fato, de ser um filme tocado com paixão e carinho pelos dois amigos, é um ponto extremamente positivo.

Jeff Bridges nos entrega uma atuação perfeita. Fazendo o decadente astro de outrora da música country ele está simplesmente impecável. Suas cenas de bebedeiras e consequentes ressacas (algumas homéricas) valem o filme. Seu prêmio da Academia foi mais do que merecido. Também era altamente previsível que ele levantasse a estatueta já que o Oscar adora personagens assim, que encontram a redenção de alguma forma (no caso do filme a mola propulsora da mudança vem através do amor que ele encontra em uma jornalista). Maggie Gyllenhaal, sua partner romântica, está muito bem, fazendo um belíssimo trabalho de apoio para Bridges esbanjar seu talento em cena. O filme nesse quesito de atuação é muito bom, acima da média, inclusive posso afirmar que todo o elenco se destaca de uma ou outra forma, menos Colin Farrell que achei bem inadequado no papel de um cantor country da nova geração (ele é irlandês, tem jeito de irlandês, canta mal e não se sai nem um pouco bem interpretando um redneck da country music).

Confesso que esperava mais do roteiro pois estava convencido que ele iria mostrar mais detalhes da vida artística do personagem de Bridges. Mas isso não aconteceu. Ao invés disso ele procurou se concentrar muito mais no romance com sua nova namorada e em sua tumultuada vida pessoal. Dessa forma os bastidores e o universo do mundo country foram de certa forma colocados de lado, principalmente na terça parte final do filme. Não faz mal. Em tempos de poucos filmes realmente inspirados foi um bom programa assistir a um filme como esse, que tem alma e coração, mesmo que seja louco.

Coração Louco (Crazy Heart, EUA, 2009) Direção: Scott Cooper / Roteiro de Scott Cooper baseado na novela de Thomas Cobb / Elenco: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Colin Farrell / Sinopse: Cantor country decadente (Jeff Bridges) tena redimir sua vida pelo amor de uma mulher (Maggie Gyllenhaal).

Pablo Aluísio.

Risco Total

Não se sabe bem qual foi a razão mas em determinado momento de sua carreira, após grandes sucessos de bilheteria, Sylvester Stallone resolveu que queria ser um comediante. Ninguém entendeu direito mas como ele vinha de vários sucessos ninguém ousou contestar o ator. O resultado dessa má ideia foi a realização de dois péssimos filmes, “Oscar – Minha Filha Quer Casar” e “Pare, Senão Mamãe Atira!”. Desnecessário dizer que ambos os filmes foram enormes fracassos de público e crítica. Essa por sua vez se sentiu gratificada, após bater em Stallone por anos seguidos agora tinha o público ao seu lado, finalmente. De fato não há como negar que essas comédias são realmente horrendas. Enredos sem graça e Stallone tentando fazer rir de forma constrangedora. Recentemente o ator reconheceu o erro em uma entrevista explicando que seu ego o tinha cegado à realidade. De qualquer modo passada a repercussão negativa de ambos os filmes, Stallone resolveu voltar para sua zona de conforto, a dos filmes de ação e aventura. A solução foi se reunir ao cineasta Renny Harlin, na época em ótimo momento na carreira, para estrelar esse filme que usava e abusava de ótima fotografia, com tomadas maravilhosas de alpinismo e aventura. Era uma volta triunfal ao gênero que sempre o havia consagrado.

As filmagens foram complicadas mas Stallone estava disposto a voltar ao topo (da carreira, não das montanhas onde o filme foi realizado). A produção ficou a cargo da Carolco, a mesma que havia realizado os filmes da série Rambo. Stallone quis realizar ele próprio várias das cenas mas foi convencido a não ir em frente pois nenhuma seguradora do mundo bancaria o filme assim. Ao custo de 65 milhões de dólares as filmagens tiveram início nos famosos estúdios Cinecittà em Roma. Já as cenas externas, onde foram capturadas as melhores sequências de alpinismo, foram realizadas nas Montanhas Rochosas no Colorado e em Dolomites na Itália. O resultado foi muito bom, tanto em termos de bilheteria como de crítica. O filme rendeu mais de 250 milhões apenas no mercado externo e os jornais especializados pouparam Stallone de mais um massacre, elogiando a boa fotografia do filme e o fato dele ser um produto diferente, que fugia dos costumeiros Rambos e Rockys. Em suma, um bom momento na carreira de Sly, que recuperou assim seu prestígio e seu sucesso nos cinemas.

Risco Total (Cliffhanger, EUA, 1993) Direção: Renny Harlin / Roteiro: John Long, Michael France / Elenco: Sylvester Stallone, John Lithgow, Michael Rooker / Sinopse: Um famoso alpinista, Gabe Walker (Sylvester Stallone) é contratado para levar uma equipe de resgate que parte em busca de um grupo desaparecido nas montanhas. Durante a jornada porém Gabe acaba descobrindo que nada é o que aparentava ser.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 15 de fevereiro de 2010

Amor Sem Escalas

De todos os filmes que estão concorrendo ao Oscar esse "Amor Sem Escalas" foi na minha opinião o mais interessante. Com um roteiro aparentemente simples o filme consegue retratar questões importantes do cotidiano do homem moderno. Temas como solidão, vida profissional, desemprego e o vazio da vida atual são colocados no centro da trama de forma muito sutil e eficaz, muitas vezes sem nem ao menos o espectador se dar conta disso. O enredo mostra o dia a dia de um profissional sui generis que cruza os EUA de costa a costa com a função de demitir funcionários das empresas. Em tempos de crise financeira o tema se torna ainda mais atual e relevante. O drama de quem perde o emprego é mostrado de uma forma realista, sem maquiagem, usando inclusive depoimentos reais de pessoas que realmente foram demitidas nessa crise que assola a economia americana. George Clooney está perfeito no papel pois esbanja cinismo, charme e insensibilidade em doses exatas. Retratando um profissional cuja frieza não é apenas bem vinda mas também necessária o ator entrega ao grande público uma de suas melhores atuações. Tanto que vem sendo reconhecido em vários prêmios com indicações mais que merecidas. A própria transformação pelo qual passa seu personagem realça ainda mais o talento do ator, que em recentes entrevistas tem demonstrado o desejo de se dedicar apenas ao trabalho de diretor em seus próximos projetos. Após assistir esse filme torço para que mude de ideia.

E é justamente essa transformação interior que traz um certo desconforto no filme. Conforme o roteiro avança vamos presenciando as mudanças na forma de pensar do personagem de Clooney, que começa a refletir sobre a solidão em que vive, a sua falta de laços emocionais e o vazio de uma vida sem objetivos a alcançar. Amor Sem Escalas é um filme curioso pois apresenta em um primeiro momento a trajetória de um homem extremamente individualista, egocêntrico e vazio que se sente plenamente à vontade com sua vida. Somente após vários eventos é que aos poucos vai se dando conta do vazio existencial em que se encontra.

Talvez esse seja o único ponto a se criticar no filme. Em certo momento o personagem de Clooney, que se mostrava feliz com sua condição no começo da estória, vai se tornando amargurado por não ter uma família estruturada ou alguém para compartilhar sua vida. Soa bastante forçado essa brusca mudança de personalidade, principalmente quando o vemos na primeira parte do filme defender de forma tão veemente o fato de ser um solteirão convicto que detesta a ideia do casamento e filhos. A súbita mudança de atitude só se justifica mesmo pelo moralismo familiar que o roteiro tenta impor ao espectador. A mensagem subliminar é a de que a felicidade só será alcançada com o casamento e filhos e que pessoas solteiras não poderiam ser felizes. Bobagem. Esse tipo de pensamento saiu de moda com a revolução sexual e nesse ponto o argumento soa ultrapassado. De qualquer forma isso é um aspecto menor que não desmerece o filme como um todo. No fundo é apenas reflexo do moralismo que reina na sociedade do Tio Sam. Enfim, "Amor Sem Escalas" é um filme a se conhecer, pois além de bom entretenimento faz refletir, coisa cada vez mais rara em tempos de filmes ocos e escapistas como Avatar. Não deixe de assistir e boa viagem.

Amor Sem Escalas (Up in the Air, EUA, 2009) Direção: Jason Reitman / Roteiro: Jason Reitman e Sheldon Turner, baseados em obra de Walter Kirn / Elenco: Jason Bateman, George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga, Melanie Lynskey, Danny McBride, Chris Lowell, Tamala Jones / Sinopse: Executivo tem como função primordial em seu trabalho demitir funcionários de outras empresas. Cínico, sem laços familiares ou sociais, ele é abalado em seu modo de viver após conhecer interessante mulher.

Pablo Aluísio.

O Mensageiro

The Messenger, que estreia esse fim de semana no Brasil, é um bom retrato do outro lado das guerras em que os EUA estão envolvidos nesse momento. O roteiro mostra a rotina de trabalho de dois soldados americanos que tem como missão básica informar a morte dos combatentes aos seus familiares. Nem é preciso dizer da intensa carga emocional que essas situações geram. O interessante desse bom roteiro escrito por Oren Moverman e Alessandro Camon é que ele nos mostra os bastidores da guerra, o lado mais humano das perdas de vidas e a dor e o sofrimento daqueles que perderam seus entes queridos. De certa forma lembra muito um outro filme chamado O Retorno de um Herói, um belo trabalho de atuação do "eterno coadjuvante" Kevin Bacon. Ele inclusive tem recebido diversos prêmios por sua atuação inspirada.

Aqui temos a dupla formada pelos também ótimos atores Ben Foster e Woody Harrelson. O primeiro tem se destacado bastante nos filmes que tem feito e o segundo é velho conhecido dos cinéfilos, tendo atuado em filmes marcantes ou divertidos como O Povo Contra Larry Flint e Zombieland. Tenho lido algumas críticas sobre o filme em que se afirma que o tema dele logo se esgota e o argumento se repete em demasia ao longo da projeção. Não penso assim. Ao lado da tarefa desempenhada pelos soldados vamos conhecendo também os problemas emocionais deles, os traumas causados pelo front e as dificuldades de desenvolver uma relação estável com alguém. O filme não é cansativo e cria situações interessantes do ponto de vista dramático, como a questão ética de se envolver com a viúva de um militar morto em combate ou a falta de sensibilidade e envolvimento emocional por parte dos notificadores com a dor dos familiares. The Messenger levanta questões interessantes que devem ser debatidas. É um bom programa de cinema de qualidade no fim de semana.

O Mensageiro (The Messenger). EUA, 2009. Direção: Oren Moverman / Roteiro: Oren Moverman e Alessandro Camon. Com Ben Foster, Jena Malone, Eammon Walker, Woody Harrelson, Samatha Morton, Steve Buscemi, Yaya da Costa.

Pablo Aluísio.

domingo, 14 de fevereiro de 2010

Anticristo

O filme "Antichrist" do diretor Lars Von Trier não é indicado para todos os tipos de público, muito pelo contrário. Na realidade poucas pessoas irão compreender na totalidade todas as nuances e subtextos inclusos nele durante sua projeção. A maior prova disso aconteceu justamente em Cannes quando o diretor acabou se aborrecendo com as perguntas dos jornalistas sobre qual seria o verdadeiro significado desse filme. Ora, este é o tipo de produto cinematográfico que não é para ser explicado para a coletividade como um todo e sim compreendido por cada um à sua própria maneira, da forma que melhor lhe couber. Explicar ou tentar explicitar as verdadeiras razões do filme seria tirar pelo menos metade de seu conteúdo e fascínio. Antichrist não é para ser explicado ou entendido, ao invés de levantar respostas ele serve justamente para o oposto disso, ou seja, formular ainda mais dúvidas em quem o assiste.

O argumento em si pode soar banal para alguns. Um casal sofre a perda de seu único filho, que cai da janela de seu apartamento. Após essa tragédia o casal resolve se refugiar em um bosque, numa casa isolada, para tentar superar o trauma da perda da criança. Assim durante praticamente todo o filme só temos dois personagens em cena, justamente a esposa e seu marido, cujos os nomes em nenhum momento são citados. Simplesmente são identificados como "ele" e "ela". Willem Dafoe, como o marido, está muito bem. Como terapeuta ele tenta ajudar a esposa na dura batalha de superação da morte do filho. O grande destaque porém em termos de interpretação fica com a excelente e talentosa atriz francesa Charlotte Gainsbourg. Seu trabalho no filme é digno de aplausos, pois a personagem principal em crise exige uma entrega ao papel fora do comum. Ela está perfeita em cena, a série de emoções que tem que passar ao público demonstra que estamos realmente na presença de uma atriz acima da média.

Apesar do título, Antichrist não é nem de longe um filme de terror ou algo semelhante. Na realidade a violência, a angústia e o desespero são retratados de forma intimista, bem mais interior. O diretor confessou em entrevista que concebeu o filme quando estava passando por uma série crise de depressão. No caso notamos isso em cada minuto de projeção. O filme é tenso, soturno e sombrio. O cenário, dentro da floresta, deixa tudo ainda mais depressivo. O uso de cenas fortes (inclusive breves momentos de sexo e violência explicitas) deixam claro que o filme não é, em nenhum momento, um passatempo agradável ou de fácil assimilação. Os subtextos sobre o jardim do Éden, do casal isolado na floresta, do filho com defeitos congênitos (seria ele o anticristo realmente?), da força da natureza, tudo nos leva à reflexão após o assistir. Em dias atuais, onde o cinema está cada vez mais pipoca e juvenil do que nunca, isso não é pouca coisa. Que venham outros brilhantes trabalhos de Lars Von Trier, os cinéfilos agradecem. Afinal de contas o caos reina!

Anticristo (Antichrist, Suécia, Polônia, Alemanha, França, Itália, Dinamarca, 2009) Direção: Lars von Trier / Roteiro: Lars von Trier / Elenco: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg, Storm Acheche / Sinopse: Após a morte de seu único filho um casal se isola em uma floresta distante para repensar e superar o trauma e o choque da perda. O isolamento do local porém dá margem ao surgimento dos instintos mais básicos e violentos do ser humano.

Pablo Aluísio.

Scarface

Al Pacino é um dos grandes atores do século. Disso tenho certeza poucas pessoas ainda tem dúvidas. Recentemente assisti um filme dele que me deixou bastante desapontado. Intitulado 88 minutos, o filme é um completo equívoco. Roteiro fraco, situações clichês e o pior: um Pacino atuando no piloto automático. Muito longe dos seus dias de glória quando apresentava atuações tão brilhantes que salvavam até mesmo filmes medianos ou com certos problemas de script e argumento. Um desses filmes que foram salvos completamente pelo talento de Pacino foi o (agora) clássico "Scarface", dirigido por Brian De Palma. Uma refilmagem atualizada de "Scarface, a Vergonha de uma Nação", filmado na década de 30 e que acabou sendo o grande precursor dos chamados filmes de Gangsters. Nessa nova versão o então roteirista Oliver Stone mudou completamente o foco do filme, tirando o cenário de uma Chicago empoeirada dos anos de ouro de Capone para uma Flórida ensolarada, atual e cheia de imigrantes provenientes de Cuba.

Entre esses cubanos que saíram da ilha de Fidel Castro está justamente Tony Montana, o personagem de Pacino. Com ficha criminal ele é praticamente banido pelo governo cubano para ir como refugiado aos EUA. Obviamente uma estratégia dos comunistas para expulsar a escória da sociedade cubana, visando justamente transferir o problema para os "irmãos" ianques. Como todo imigrante que chega na América seu grande sonho é aproveitar as oportunidades que a sociedade capitalista lhe oferece para subir na vida rapidamente. Porém como um cubano sem instrução formal e sem formação profissional tudo o que lhe resta é tentar subir no escalão das organizações criminosas, participando do submundo do tráfico de drogas.

Scarface não envelheceu muito. Seu roteiro é bem escrito e com situações bem armadas. Tem boa produção e conta com a sempre inspirada direção de Brian De Palma, aqui prestes a entrar na melhor fase de sua carreira, que iria se prolongar por toda a década de 80 e que culminaria na obra prima "Os Intocáveis", seguramente um dos melhores filmes sobre a era dos grandes gangsters já realizados. No elenco duas presenças de peso: Al Pacino e Michele Pfeiffer. Ele, ainda está esbanjando juventude, recém saído de uma década brilhante de sucessos nos anos 70 e prestes a afundar na pior fase de sua carreira, com o super fracasso "Revolução" e ela, mais bela do que nunca, esbanjando charme e sofisticação.

Embora seja excessivamente longo, pois a estória poderia muito bem ser contada em duas horas, o filme resistiu bem ao tempo e deixou várias referências aos filmes que viriam. Basta assistir "Cassino", por exemplo, de Scorsese para verificar como "Scarface" fez escola (A personagem de Sharon Stone em Cassino é praticamente a mesma de Pfeiffer em Scarface, só mudando levemente de enfoque). Embora para muitos o final de "Scarface" soe hoje demasiadamente exagerado e kitsch, a mais pura verdade é que tudo aquilo que acontece condiz certamente com a personalidade e a trajetória do personagem de Tony. Quem viveu de excessos só poderia encontrar seu final daquela forma. Em suma, se por acaso você gosta do gênero ao estilo "Os Bons Companheiros", "Cassino" ou até mesmo "Os Intocáveis", "Scarface" é mais do que bem recomendado.

Pablo Aluísio.

sábado, 13 de fevereiro de 2010

Inimigos Públicos

Michael Mann volta a acertar a mão na cinebiografia do lendário criminoso John Dillinger. Talvez seu grande mérito tenha sido contar a história real do Gangster sem muitas liberdades criativas, o que certamente estragou um pouco a outra biografia que tinha dirigido antes, "Ali" com Will Smith. O roteiro do filme é simples e conta parte da vida do famoso bandido, desde o momento em que consegue fugir de um presidio de segurança máxima após cumprir dez longos anos de pena até a noite em que encontrou seu trágico fim nas mãos dos agentes do FBI. Entre esses dois pontos cruciais do filme o espectador é apresentado a vários dos arrojados assaltos feitos por Dillinger e sua gangue durante a grande depressão que arrasava a economia dos EUA naqueles anos. O filme não é tão movimentado como alguns possam pensar, só existem duas grandes cenas de ação durante as mais de duas horas de duração. Não esperem por isso uma chuva de balas em cada cena, pois o diretor foi bem sucedido em tomar outra direção ao mostrar, mesmo que de forma rápida e sem muita profundidade, aspectos da vida pessoal do personagem, dando destaque para o romance de Dillinger com Billie, o grande amor de sua vida.

No elenco dois nomes se destacam: Johnny Deep como John Dillinger está, como sempre, ótimo, mas aqui um pouco mais contido do que o normal. Não há a menor sombra de exageros como seus outros personagens mais famosos como em Piratas do Caribe ou A Fantástica Fábrica de Chocolate. Ele faz um Dillinger bem mais soturno e realista, um bandido que vive o presente pois sabe que na vida que leva não terá um futuro. Já Christian Bale no papel do principal agente na caçada de Dillinger, Melvin Purvis, não consegue empolgar em nenhum momento. Para falar a verdade o ator repete o problema de Exterminador do Futuro 4, quando sua falta de carisma atrapalha o desenvolvimento de seus personagens. Mesmo fazendo o papel do homem da lei sua atuação não empolga e é apática.De qualquer maneira esse é o tipo de filme obrigatório nesse ano para quem gosta de cinema. Provavelmente ganhará algumas indicações ao Oscar na próxima premiação, pois sem dúvida é um filme feito para brilhar na noite de entrega dos prêmios da Academia. A produção é de luxo e sua estréia nos EUA já demonstra que será um grande sucesso de bilheteria.

Inimigos Públicos (Public Enemy, EUA, 2009) / Direção: Michael Mann / Elenco: Johnny Depp, Christian Bale, Marion Cotillard, Giovanni Ribisi, Channing Tatum, Stephen Dorff, David Wenham, Stephen Graham. / Sinopse: Durante a grande depressão nos anos 30, o FBI forma uma equipe especial para caçar o bando de assaltantes liderados por John Dillinger. Eleito o inimigo número 1 dos EUA todos os esforços são concentrados para colocar o criminoso atrás das grades.

Pablo Aluísio.

A Onda

Hoje em dia está tão complicado assistir bons filmes que quando encontramos algo realmente interessante logo nos empolgamos. Ultimamente tenho me dedicado a assistir muitos clássicos do passado e só de vez em quando procuro me atualizar sobre os filmes atuais. Uma boa surpresa dessa nova safra que está chegando em DVD agora no Brasil é justamente "A Onda", filme alemão extremamente interessante que levanta várias questões de relevância sobre a natureza do ser humano. O roteiro parte de uma premissa interessante: tentando atrair a atenção de seus alunos um professor resolve colocar em prática as aulas sobre "autocracia" que está lecionando. Para isso impõe para a sua classe todos os princípios e diretrizes que formam esse tipo de sistema ditatorial de Estado. Conceitos como disciplina, nacionalismo e ordem saem das páginas dos livros para se tornar parte do cotidiano de cada um dos alunos.

O problema é que embora utilizasse as bases da autocracia para que todos desenvolvessem um espírito crítico sobre o tema o tiro acaba saindo pela culatra e os jovens que formam seu alunado acabam tomando gosto pela coisa toda e invertem completamente seus valores, abraçando as ideias que deveriam criticar durante o curso que frequentam. "A Onda" é interessante pois demonstra que apesar de todas as lutas e todas as batalhas travadas contra regimes ditatoriais e fascistas ainda resiste no espírito humano as sementes que fizeram germinar coisas como o Nacional Socialismo (Nazismo) e o próprio Fascismo italiano. Como é brilhantemente exposto pelo professor tudo o que se precisa para que regimes autoritários voltem à ordem do dia é uma crise, um líder carismático, palavras de ordem, símbolos e uma ideologia de intolerância para que tudo volte a tomar forma.

"A Onda" demonstra como é fácil moldar e formar a mentalidade das pessoas mais jovens, bastando para isso reforçar a identidade do grupo e o espírito de união. Como o final trágico demonstra em pouco tempo a personalidade pessoal e individual é anulada em favor do grupo, do pensamento coletivo, por mais absurdas e obtusas que sejam as ideias que dão base a todo tipo de ideologia de força. Um filme que nos faz pensar sobre a atual conjuntura mundial, pois estamos vivendo atualmente um momento de crise econômica mundial, muito próxima do contexto histórico que fez com que homens como Adolf Hitler subissem ao poder supremo em seus respectivos países.

E por falar em ditaduras históricas: um dos fatos mais relevantes desse filme em particular é que ele foi inteiramente rodado na Alemanha atual. Maior simbolismo do que esse não há. O país que levou o mundo à II Grande Guerra enfrenta seu passado de peito aberto e com extrema sinceridade em um tema extremamente melindroso e perigoso. A grande lição que temos sobre o filme a "A Onda" é justamente esse. Se para muitos os fantasmas do nazismo e do fascismo estão inteiramente soterrados para outros nunca se deve baixar a guarda, pois a qualquer momento esse tipo de ideologia pode despertar e ganhar terreno rapidamente, principalmente entre os mais jovens. A natureza do ser humano jamais pode ser subestimada, tanto para o lado do mal como para o lado do bem. Assista "A Onda" e tire suas próprias conclusões.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 12 de fevereiro de 2010

Bastardos Inglórios

Bastardos Inglórios é o novo filme do cineasta Quentin Tarantino. Como sempre acontece em seus filmes, Tarantino inverte a lógica dos gêneros nos quais se envolve e procura produzir algo original e único. É justamente o que acontece aqui. Embora o filme não fuja de muitos clichês dos clássicos filmes de guerra o diretor procura deixar sua marca registrada em cada minuto de exibição da película. Assim embora os vilões do filme sejam naturalmente (como sempre) soldados e oficiais alemães sem alma e piedade, um toque singular de seu roteiro procura trazer sempre algo de novo nessas velhas caracterizações.

E é justamente na figura do Coronel nazista Hans Landa (brilhantemente interpretado por Christoph Waltz) que se encontra o melhor de todo o filme. Hans Landa traz todas as características que eram valorizadas nas fileiras da SS. Embora sádico e impiedoso ao extremo, era possuidor também de uma finesse e gentileza típicos das melhores famílias prussianas. Com encanto pessoal e charme promovia as maiores atrocidades e barbaridades em nome do Reich mas sem jamais perder a postura e elegância tanto valorizada nas fileiras dos principais oficiais do comando alemão. A atuação do ator Christoph Waltz, desconhecido do grande público, é certamente, como já escrevi antes, brilhante e digna de aplausos. Como Tarantino procurou valorizar as cenas em que há longos diálogos, a presença de excelentes atores como Waltz praticamente segura boa parte do filme como um todo, sua interpretação prende a atenção do espectador e em nenhum momento ficamos cansados ou entediados nos duelos travados nas cenas mais vitais do filme.

Embora esse seja o ponto forte de Bastardos Inglórios, ele também tem sua dose de problemas. Os principais são os equívocos históricos cometidos. Claro que um diretor como Tarantino ao se deparar com material envolvendo a II Guerra Mundial não cometeria tantos pecados históricos se não fosse proposital. Mas mesmo agindo assim, conscientemente, temos que nos ater pelo menos aos fatos históricos mais notórios. A forma como Tarantino trata a figura histórica de Adolf Hitler é simplesmente caricatural e boba. Depois que brilhantes filmes sobre o líder nazista foram lançados, como a "A Queda", por exemplo, fica complicado aceitar uma visão tão superficial e ultrapassada como a que o diretor tenta nos passar. Para piorar o caldo desanda de uma vez nos minutos finais do filme, deixando decepcionado quem pretendia assistir um filme sério de guerra. Muitos irão se perguntar nessa hora: Então tudo não passava de uma bobagem?!

Para finalizar temos Brad Pitt. Bom, a participação do ator, a despeito do uso massivo de sua imagem nos posters e na publicidade do filme, não passa de coadjuvante. Pitt, embora importante para o desenvolvimento da estória e do roteiro, aparece pouco, em momentos pontuais. Os bastardos, grupo que dá nome ao filme e do qual o personagem de Brad faz parte, também não chega a dominar a trama em nenhum momento. Embora esteja creditado como o ator principal e estrela, Pitt é totalmente ofuscado por outros atores, em especial Christoph Waltz. Nas cenas que compartilham juntos podemos notar bem a diferença do nível de atuação, pois não há como negar que em sua presença Pitt simplesmente desaparece. Enfim, como diversão ligeira Bastardos Inglórios cumpre sua função, como retrato histórico é um desastre, e como meio de promoção de seu astro principal é apenas tímido.

Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds, Estados Unidos, 2009) Direção: Quentin Tarantino / Roteiro: Quentin Tarantino / Elenco: :Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Diane Kruger, Eli Roth, Michael Fassbender / Sinopse: Na França ocupada pelos Nazistas durante a II Guerra Mundial um grupo de soldados americanos e judeus são designados para caçar e matar o maior número de alemães possível.

Pablo Aluísio.

Distrito 9

No meio do lugar comum que impera em Hollywood atualmente, Distrito 9 é uma pequena amostra de que um pouco de originalidade não faz mal nenhum, principalmente para quem deseja assistir algo diferente. O filme, que só saiu após o projeto de Halo de Peter Jackson ser cancelado pela produtora, inova em vários aspectos e trata o tema Aliens de forma bem diferente. Com ares de filme independente Distrito 9 tenta mostrar da forma mais realista possível o que aconteceria se uma nave extraterrestre chegasse à terra com uma população de alienígenas. Longe de ser uma ameaça esses ETs nada mais seriam do que verdadeiros refugiados acolhidos pelo governo da África do Sul. O roteiro, por mais estranho que possa parecer, começa de forma interessante mas infelizmente logo se perde em soluções fáceis, tipicamente Hollywoodianas.

No começo o tom adotado é de um reality show que acompanha um simples funcionário público na tarefa de retirar grande parte da população de extraterrestres de uma área de isolamento chamada Distrito 9. O filme se desenvolve até bem nesse ponto. O espectador inclusive vai demorar um pouco para se situar no começo frenético do filme. O personagem principal não é nenhum pouco atraente, mais parecendo aquele ator da série The Office. Chato e terrivelmente convencional vamos sendo apresentados a ele, bem no meio de preparativos para a tal evacuação do Distrito 9 (tudo transformado agora em uma grande favela terceiro mundista). O problema do filme reside justamente no segundo ato do filme. Se no começo tínhamos um ponto de partida original, no desenrolar dos acontecimentos vamos sucessivamente perdendo as esperanças pois os clichês vão se amontoando aos montes, um atrás do outro. Não falta, por exemplo, a eterna perseguição "gato e rato" típica dos filmes de Hollywood, a luta para conseguir o antídoto que salvará o mocinho, as más intenções do governo americano, os interesses bélicos das grandes corporações, as explosões e tiros e, claro, os africanos do terceiro mundo, malvados, armados até os dentes e que só servem mesmo para traficarem drogas.

Nesse ponto o filme desanda. O próprio governo da Nigéria barrou a entrada do filme em seu país e em nota explicou a medida: "O filme ilustra os nigerianos como gangsters e canibais. Além disso mostra mulheres nigerianas mantendo relações sexuais com não humanos. Também diz que os nigerianos se alimentam de carne humana e acreditam em rituais mágicos e no vodu". Realmente tenho que concordar que a forma como são retratados os cidadãos nigerianos (e de países pobres da África) é realmente assustadoramente preconceituosa e maniqueísta. A impressão que deixou foi que apesar dos esforços do diretor estreante Neill Blomkamp em fazer algo novo, a força do estúdio falou mais alto e seu produtor Peter Jackson, sem poder contar com seus orcs de plantão, resolveu transferir esse papel para os africanos de uma forma em geral. Mas exagerou na dose de preconceito. Enfim o filme nada mais é do uma boa idéia que ficou pelo meio do caminho.

Distrito 9 (District 9, Estados Unidos, 2009) Direção: Neill Blomkamp / Roteiro: Neill Blomkamp, Terri Tatchell / Elenco: Sharlto Copley, David James, Jason Cope / Sinopse: ETs são restritos a um gueto na terra aonde são rigidamente controlados por autoridades da terra.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 11 de fevereiro de 2010

Deixa Ela Entrar

Essa pequena obra prima é uma das gratas surpresas do ano nas telas de cinema do Brasil. "Deixa Ela Entrar" tem todo os ingredientes que vão agradar aos fãs de terror, além dos que gostam de bom cinema de uma forma em geral. Baseado em um livro de sucesso do escritor John Lindqvist o filme tem um desenvolvimento único e cativante, que prende a atenção do espectador desde o primeiro momento. Como o filme é sueco ficamos salvos dos velhos clichês que imperam nos filmes de vampiro provenientes de Hollywood. Não há profusão de sangue e nem de efeitos especiais, tudo é realizado e mostrado de forma sutil e delicada, com cadência, o que exalta ainda mais as virtudes do roteiro inteligente e bem escrito. 

 O argumento em si é simples. Logo no começo do filme somos apresentados à tediosa rotina de vida do garotinho Oskar (Kare Hedebrant). Ele vive em um conjunto habitacional de prédios em sua cidade na Suécia. De dia frequenta o colégio, onde logo vira alvo de bullying de alguns garotos de sua classe. Solitário e sem amigos uma noite ele encontra uma garotinha de 12 anos chamada Eli (Lina Leandersson) no pátio em frente ao local onde mora. Logo nasce uma bela amizade entre os dois. Ao mesmo tempo a pequena cidade onde vive vira inexplicavelmente palco de inúmeras mortes de moradores locais, embora isso pareça ter pouca importância para Oskar nos divertidos momentos em que passa ao lado de sua amiguinha. O que ele provavelmente nem desconfie é que ambas as situações tem ligação entre si.

O filme tem um roteiro extremamente impactante. Em tempos de moda, o vampirismo ganha uma nova conotação e um novo enfoque, completamente originais. Curiosamente os produtores suavizaram um pouco o teor do livro original que é bem mais pesado e mais enigmático. Flashbacks que explicam a história de Eli foram completamente omitidos em prol de uma maior leveza no desenvolvimento da trama. Outro aspecto que foi mudado foi o próprio sexo de Eli. No original se tratava de um garoto, andrógino ao extremo, que acaba se envolvendo com Oskar, mas a direção do filme resolveu dar características femininas ao personagem principal para não chocar o público. 

Além disso o homem que auxilia Eli no filme não tem sua origem explicada. Já no livro o papel desse companheiro é bem claro: se trata de um pedófilo que havia tentado violentar Eli no passado e que agora lhe serve como escravo. Nenhuma dessas mudanças porém comprometem em absoluto as qualidades desse filme. "Deixa ela entrar" é inovador, original e traz um sopro de qualidade ao tão batido tema dos filmes de vampiros. Em tempos de Crepúsculo e outras bobagens é sempre bom assistir um filme que respeite a longa tradição dos sugadores de sangue da noite, mesmo que no final, temos que admitir, essa herança tenha sido salva justamente por uma garotinha pré adolescente. Em tempo: já está acertado o remake do filme em Hollywood. Só nos resta rezar para que tudo não seja destruído nas mãos dos produtores americanos.

Deixa Ela Entrar (Låt den rätte komma in, Suécia, 2008) Direção: Tomas Alfredson / Roteiro: John Ajvide Lindqvist, John Ajvide Lindqvist / Elenco: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar / Sinopse: Garotinho de nome Oskar (Kåre Hedebrant) sofre bullying escolar mas encontra apoio em sua nova vizinha, a garota Eli (Lina Leandersson)

Pablo Aluísio.

O Segredo do Abismo

Título no Brasil: O Segredo do Abismo
Título Original: The Abyss
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: James Cameron
Roteiro: James Cameron
Elenco: Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn

Sinopse:
Equipe formada por mergulhadores, exploradores e cientistas é contratada para descer até as profundezas do oceano com o objetivo de resgatar um submarino nuclear desaparecido. Uma vez na fossa oceânica descobrem que há no local uma estranha presença de seres desconhecidos da ciência. Intrigados tentarão levar o resgate até o final, embora sejam surpreendidos pela natureza daquelas entidades alienígenas. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais. 

Comentários:
Analisando de um ponto de vista bem imparcial já podemos encontrar nessa ficção "The Abyss" todos os pontos positivos e negativos que iriam acompanhar James Cameron em toda a sua carreira. Entre os pontos positivos podemos citar o uso de tecnologia de ponta em termos de efeitos especiais. Aqui nessa produção James Cameron já antecipava o que viria a mostrar em "O Exterminador do Futuro 2", ou seja, criaturas que mais parecem fluidos sem definição. Nesse aspecto não há como negar que o filme seja extremamente bem realizado, até mesmo se levarmos em conta o padrão atual da tecnologia digital usada no cinema americano. Por outro lado temos também os velhos erros que sempre acompanharam Cameron desde o começo de sua filmografia, sendo o mais visível deles o próprio roteiro escrito pelo diretor. Os personagens são vazios e as situações bem clichês. James Cameron pode até ser um bom coordenador de equipes especializadas em efeitos especiais, mas como diretor de elenco e escritor de roteiros ele deixa mesmo a desejar. Assim se você estiver em busca de um filme que exponha o lado bom e ruim de Cameron, "O Segredo do Abismo" é sem dúvida uma boa pedida.

Pablo Aluísio.