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quinta-feira, 22 de fevereiro de 2024

Priscilla

Título no Brasil: Priscilla
Título Original: Priscilla
Ano de Lançamento: 2023
País: Estados Unidos
Estúdio: American Zoetrope
Direção: Sofia Coppola
Roteiro: Sofia Coppola
Elenco: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Tim Post, Dagmara Dominczyk, Ari Cohen, Dan Beirne

Sinopse:
Uma adolescente americana, vivendo na Alemanha, por ser filha de militar, acaba conhecendo o famoso cantor Elvis Presley. Após um primeiro contato ele pede que ela retorne em sua casa, dando origem a um caso amoroso que iria durar por muitos anos, mudando a vida deles de forma definitiva. Baseado no livro "Elvis e Eu" de Priscilla Presley. 

Comentários:
Eu não gostei desse filme. Penso que é um filme muito seco, frio, sem calor humano. Ora, essa é, queiram ou não, uma história de amor passada nos anos 50. Minha percepção é que as pessoas naqueles tempos eram bem mais românticas. Em especial Elvis, que era um cantor, cuja sensibilidade estava sempre à flor da pele. Mas não se vê isso no filme. O casal tem pouca química, não parecem verdadeiramente apaixonados. Para ser bem sincero, essa história, que já foi filmada antes, pareceu bem melhor naquela série de TV dos anos 80 que inclusive foi baseado no mesmo livro da Priscilla. Aqui a situação romântica simplesmente não flui, não passa para a tela. A frieza que a diretora Sofia Coppola passou para o filme, o estraga. Além disso é inegável também que as passagens históricas da carreira de Elvis vão se atropelando, se mostrando bem superficiais. No final de tudo, nem o fã de Elvis vai gostar, pela superficialidade, e nem os que gostam de filmes românticos vão apreciar, pela frieza. 

Pablo Aluísio.

Um Momento, Uma Vida

Título no Brasil: Um Momento, Uma Vida
Título Original: Bobby Deerfield
Ano de Lançamento: 1974
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Sydney Pollack
Roteiro: Erich Maria Remarque, Alvin Sargent
Elenco: Al Pacino, Marthe Keller, Anny Duperey

Sinopse:
Bobby Deerfield (Al Pacino), um famoso piloto americano de corridas, disputa prêmios no circuito europeu de velocidade e acaba se apaixona pela enigmática Lillian Morelli (Marthe Keller). Só que sua felicidade não vai durar muito pois infelizmente ela está com uma doença terminal.

Comentários: 
Um filme esquecido do Al Pacino, lançado logo após o grande sucesso de "Um Dia de Cão". No aspecto puramente esportivo não vá esperando por muita coisa. Embora o filme tenha captado o circo da Fórmula 1 da época, o que sempre é interessante para quem é fã desse esporte, esse aspecto não é o que importa no desenvolvimento da história. Esse é na verdade um drama romântico com pitadas de tragédia. Tudo é muito bonito, lindamente fotografado, com aquelas tomadas muito românticas de pôr do sol europeu, mas nada vai muito além disso. Al Pacino está bem e convence plenamente como um Romeu moderno, muito apaixonado pela mulher que ama, mas sabendo que esse, a longo prazo, será um romance simplesmente impossível de se consolidar. Então ele tenta viver o momento, da melhor forma que seja possível. Enfim, bom filme, merece ser recuperado do esquecimento onde se encontra atualmente. 

Pablo Aluísio.

sábado, 17 de fevereiro de 2024

Paixão Proibida

Título no Brasil: Paixão Proibida
Título Original: Jude
Ano de Lançamento: 1996
País: Reino Unido
Estúdio: BBC Films
Direção: Michael Winterbottom
Roteiro: Hossein Amini, Thomas Hardy
Elenco: Christopher Eccleston, Kate Winslet, Liam Cunningham

Sinopse:
O filme narra a história de um jovem casal inglês vivendo no século XIX. Eles possuem seus sonhos, seus projetos de vida, como ir para uma universidade, mas a vida e a luta pela sobrevivência acabam falando mais alto, fazendo com que eles acabem indo por outros caminhos. 

Comentários:
O cinema britânico já é elegante por natureza. A sofisticação e o requinte já fazem parte do estilo dessa cinematografia. Agora quando são filmes adaptados de romances de época, com ótima produção, figurinos perfeitos e um elenco em estado de graça, tudo fica ainda melhor. Esse é um romance clássico, ideal para quem aprecia esse tipo de produção inglesa. E temos ainda uma jovem Kate Winslet já se destacando muito, com ótima presença de cena, dicção perfeita e aquele sotaque que traz todo o charme para esse tipo de romance nas telas. Um filme muito bom, muito recomendado para quem estiver em busca de uma bela história de amor com muito requinte e sofisticação. 

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 15 de fevereiro de 2024

Destemida

Título no Brasil: Destemida
Título Original: True Spirit
Ano de Lançamento: 2023
País: Austrália
Estúdio: Resonate Entertainment
Direção: Sarah Spillane
Roteiro: Sarah Spillane, Rebecca Banner
Elenco: Teagan Croft, Anna Paquin, Cliff Curtis, Alyla Browne,  Vivien Turner, Freya Callaghan

Sinopse:
O filme conta a história real de uma adolescente de 16 anos de idade que decidiu que iria dar a volta ao mundo, pelo oceano, no seu pequeno veleiro. A aventura chamou muito atenção da mídia e ela acabou se tornando uma espécie de heroína do povo australiano. Jessica Watson queria se tornar a pessoa mais jovem a dar a volta ao mundo sozinha, desafiando os perigos dos sete mares. 

Comentários:
Um filme muito bom, produzido na Austrália, que conta a história dessa jovem que alcançou um feito realmente extraordinário. Sobre essa história, eu fiquei com um sentimento dúbio. De um lado aplaudo as conquistas dessa adolescente. Realmente dar a volta ao mundo em um veleiro nos dias atuais é algo realmente impressionante. Uma viagem que durou mais de 1 ano. Por outro lado fico me perguntando se essa menina (sim, ela era uma menina) não foi alvo da ganância dos próprios pais. Afinal que tipo de gente aceitaria colocar a própria filha em algo tão perigoso assim, ainda mais se tratando de uma menor de idade? Tudo tem limite. Pais que realmente amam seus filhos jamais aceitariam ou deixariam seus filhos participarem de algo desse tipo. Os perigos eram muitos, como bem mostrados no filme. Ela quase morreu nessa jornada. Então eu realmente fiquei com um pé atrás em relação aos pais dela. No Brasil não iria acontecer. Temos leis como o Estatuto da Criança e do Adolescente que protegem pessoas dessa idade. De qualquer maneira ela foi lá e fez. Não recomendaria e nem aprovaria algo assim, mas ao mesmo tempo deixo aqui meus aplausos por sua conquista. 

Pablo Aluísio.

sábado, 5 de dezembro de 2020

A Época da Inocência

Título no Brasil: A Época da Inocência
Título Original: The Age of Innocence
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Martin Scorsese
Roteiro: Jay Cocks
Elenco: Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer, Winona Ryder, Richard E. Grant, Alec McCowen, Geraldine Chaplin

Sinopse:

Baseado no romance histórico escrito por Edith Wharton, o filme "A Época da Inocência" conta a história de um aristocrata americano vivendo em Nova Iorque no século XIX. Mesmo casado, ele não se furta em ter vários romances com jovens da sociedade, criando um grande escândalo entre a elite da cidade.

Comentários:
Excelente drama de época, vencedor do Oscar na categoria de melhor figurino (Gabriella Pescucci). Concorreu ainda ao Oscar nas categorias de melhor atriz (Winona Ryder) e melhor atriz coadjuvante (Winona Ryder). Também concorreu ao Globo de Ouro na categoria de melhor filme, no gênero drama. Poderia ter vencido em todas essas categorias que todas as premiações seriam justas. O roteiro se baseia em um triângulo amoroso que se forma na alta sociedade de Nova Iorque durante o século XIX. Ali está o aristocrata que posa perante aos seus pares ricos como um homem impecável, moralista, conservador e todo o pacote que bem conhecemos. Por trás das cortinas é um sujeito infiel, sem muitos sentimentos de culpa pelas mulheres que seduz. O ator Daniel Day-Lewis deveria ter sido premiado com o Oscar porque seu trabalho de atuação é perfeito. Martin Scorsese também deveria ter levado a estatueta naquele ano. Ele fez seu filme mais bonito. Toda cena parece um quadro clássico pintado. Tudo extremamente caprichado. É o ápice do romantismo cinematográfico em sua brilhante carreira.
 
Pablo Aluísio.

sexta-feira, 4 de dezembro de 2020

Sem Medo de Viver

Título no Brasil: Sem Medo de Viver
Título Original: Fearless
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Spring Creek Productions
Direção: Peter Weir
Roteiro: Rafael Yglesias
Elenco: Jeff Bridges, Isabella Rossellini, Rosie Perez, Tom Hulce, Benicio Del Toro, Deirdre O'Connell

Sinopse:

Baseado na novela escrita por Rafael Yglesias, o filme "Sem Medo de Viver" conta a história de Max Klein (Jeff Bridges), um homem cuja personalidade muda drasticamente depois de sobreviver a um grande acidente aéreo. Filme indicado ao Oscar na categoria de melhor atriz (Rosie Perez).

Comentários:
Esse é um daqueles filmes que se propõem a discutir qual é o real significado da vida, da existência humana. O protagonista muda sua forma de encarar a vida depois de sobreviver milagrosamente a um grande acidente de avião. Ele sobrevive, mas a grande questão que passa a ser discutida é qual seria seu novo sentido de existir, de viver? Então ele passa a viver sem medo, sem receios, aproveitando cada nova experiência que surge em sua frente. É um bom roteiro, que coloca até mesmo questões filosóficas sobre a mesa, mas sem soar chato ou petulante. No final o que se sobressair é a excelente interpretação de Jeff Bridges, que inclusive deveria ter sido ao menos indicado ao Oscar naquele ano por seu trabalho de atuação. Melhor se saiu sua parceira de cena, Rosie Perez. Com trilha sonora do grupo de rock U2, esse filme cumpre o que promete. Faz refletir, tem boa mensagem e um belo elenco para manter o interesse do ciinéfilo por toda a duração do filme. Eu particularmente gostei bastante da proposta desse roteiro.

Pablo Aluísio.

domingo, 15 de novembro de 2020

Hotel Ruanda

Título no Brasil: Hotel Ruanda
Título Original: Hotel Rwanda
Ano de Produção: 2004
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: Terry George
Roteiro: Keir Pearson, Terry George
Elenco: Don Cheadle, Nick Nolte, Joaquin Phoenix, Sophie Okonedo, Fana Mokoena, Hakeem Kae-Kazim

Sinopse:
Com roteiro baseado em fatos reais, o filme "Hotel Ruanda" conta a história de Paul Rusesabagina (Don Cheadle), o gerente de um hotel na capital de Ruanda, uma país africano. Quando a guerra civil começa e um verdadeiro genocídio se alastra pelas ruas de sua cidade, ele tenta de todas as formas manter a salvo sua família, os empregados e os hóspedes no hotel onde trabalha.  Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor ator (Don Cheadle), melhor atriz coadjuvante (Sophie Okonedo) e melhor roteiro original.

Comentários:
Houve um genocídio em Ruanda. Naquela nação africana havia basicamente duas etnias, os Hutus e os Tutsis. Uma odiava a outra. Quando o presidente foi assassinado, uma grande explosão de insanidade e violência explodiu por todo o país. Os Hutus começaram uma limpeza étnica, matando a facões os membros da etnia Tutsi. Um crime contra a humanidade. Estima-se que mais de 1 milhão de pessoas foram mortas. Esse filme mostra tudo sob  a ótica de um gerente de hotel que tenta sobreviver no meio daquele banho de sangue. A sua situação é bem delicada, porque embora ele seja um Hutu, é casado com uma Tustsi. Além da história ser muito relevante do ponto de vista histórico, esse filme ainda apresenta um ótimo elenco de apoio, com destaque para Nick Nolte como um coronal da ONU, que tenta proteger os estrangeiros hospedados naquele hotel e Joaquin Phoenix como um jornalista, um correspondente de guerra, que consegue filmar as pessoas sendo mortas no meio da rua. Quando a civilidade acaba, começa a reinar a barbárie. E tudo isso, claro, sem deixar de destacar o ótimo trabalho do ator Don Cheadle. Enfim, um filme que também serve como um alerta. O ódio quando explode costuma destruir nações inteiras, desencadeando tudo em atos de isanidade e violência brutal.

Pablo Aluísio.

sábado, 14 de novembro de 2020

Febre da Selva

Título no Brasil: Febre da Selva
Título Original: Jungle Fever
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Spike Lee
Roteiro: Spike Lee
Elenco: Wesley Snipes, Annabella Sciorra, Samuel L. Jackson, John Turturro, Anthony Quinn, Spike Lee, Halle Berry, Ossie Davis

Sinopse:
Em Nova Iorque, durante a década de 1990, Flipper Purify (Wesley Snipes) se envolve com Angie Tucci (Annabella Sciorra). O que poderia ser um caso como tantos outros, acaba causando muitas reações negativas nos familiares e amigos do casal. A razão? Ele é negro e ela faz parte da comunidade italiana da cidade, cusando todo tipo de reações preconceituosas das pessoas próximas.

Comentários:
Nesse filme o diretor e roteirista Spike Lee voltou a tratar da questão racial nos Estados Unidos. Para demonstrar como o preconceito também pode afetar os relacionamentos pessoais, ele colocou como protagonistas de seu filme um casal, formado por um homem negro e uma mulher branca, de origem italiana. Eles se conhecem, gostam um do outro e começam a se relacionar. O problema são os amigos, parentes, vizinhos, todos querendo atrapalhar o romance, tudo causado pelo preconceito racial. Embora o tema possa parecer pesado em um primeiro momento, levando o espectador a pensar que vai ver um drama, o diretor optou por algo até bem mais leve. Há humor e ironia envolvendo as situações. Não é um filme trágico, como alguns poderiam pensar. E o mais interessante de tudo é que Spike Lee e Samuel L. Jackson, acabaram sendo premiados em Cannes naquele ano, justamente pelo trabalho que fizeram nesse filme. Quem poderia imaginar? Enfim, bom filme, tratando de um tema relevante, mas sem exagerar nas tintas dramáticas, o que no final se revelou ser uma decisão acertada do diretor.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 12 de novembro de 2020

O Piano

Título no Brasil: O Piano
Título Original: The Piano
Ano de Produção: 1993
País: Austrália, Nova Zelândia, França
Estúdio: Jan Chapman Productions
Direção: Jane Campion
Roteiro: Jane Campion
Elenco: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin, Kerry Walker, Tungia Baker

Sinopse:
No século XIX, uma mulher chamada Ada McGrath (Holly Hunter) chega na distante Nova Zelândia para recomeçar sua vida. Ele tem problemas de fala desde os seis anos de idade. Também tem uma pequena filha. Ela chega nesse novo país para se casar com um homem da região. Um casamento que está destinado ao fracasso. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor filme, melhor direção, melhor direção de fotografia (Stuart Dryburgh), melhor figurino (Janet Patterson) e melhor edição (Veronika Jenet).

Comentários:
Belíssimo filme de época, com ótimo roteiro e elenco inspirado, formado por atores, atrizes (e também jovens atrizes) que impressionam pelo talento. O filme é uma amostra da posição inferior que as mulheres tinham que se contentar no século XIX. A protagonista é uma mulher talentosa, que toca piano, ama as artes, mas que a despeito de suas qualidade pessoais precisa arranjar um casamento de todo jeito, para ter um lugar dentro daquela sociedade patriarcal e atrasada. Como já tem uma filha e é muda, acaba tendo que se contentar com o que aparece. E o seu novo marido é um homem rude, grosso, o exato contraste com sua própria personalidade. Um verdadeiro choque de cultura e sensibilidade. "O Piano" foi recebido com muitos aplausos pela crítica internacional, a tal ponto que foi indicado a oito categorias do Oscar, inclusive o de melhor filme. Acabou vencendo na categoria de melhor atriz para Holly Hunter, no papel de sua vida. Outra surpresa foi o Oscar vencido pela garotinha (na época) Anna Paquin. O roteiro, primoroso, também foi premiado pela academia. Prêmio justíssimo. Enfim, um festival de premiações para um filme realmente maravilhoso. Esse mereceu mesmo todos os aplausos e elogios. É uma grande obra de arte cinematográfica.

Pablo Aluísio.

O Americano Tranqüilo

Título no Brasil: O Americano Tranqüilo
Título Original: The Quiet American
Ano de Produção: 2002
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax
Direção: Phillip Noyce
Roteiro: Christopher Hampton
Elenco: Michael Caine, Brendan Fraser, Rade Serbedzija, Holmes Osborne,Thi Hai Yen Do, Ferdinand Hoang

Sinopse:
Com roteiro baseado na obra literária escrita por Graham Greene, o filme "O Americano Tranquilo" conta a história de amor envolvendo um velho jornalista inglês e um jovem médico que disputam entre si o afeto de uma bela mulher vietnamita. Filme indicado ao Oscar na categoria de melhor ator (Michael Caine).

Comentários:
Quem primeiro se interessou em levar uma adaptação ao cinema desse livro foi Marlon Brando. Ele chegou inclusive a comprar os direitos do livro. Ele se identificava pessoalmente com o enredo, colocando um americano perdidamente apaixonado por uma oriental. Como se sabe todas as esposas de Brando eram estrangeiras, orientais. Pois bem, depois de alguns anos ele vendeu esses direitos e a Miramax os comprou. Essa companhia cinematográfica acertou em duas escolhas para esse filme, mas errou em uma. Acertou na bela produção, no investimento sem cortes, o que resultou em um filme muito bonito de se ver, com ótima fotografia. Acertou também em escolher Michael Caine para interpretar o personagem britânico. Sua atuação foi tão boa que ele foi indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro naquele ano. Porém os executivos erraram em escalar Brendan Fraser para o papel do jovem médico americano que vai até um Vietnã prestes a explodir em um grande conflito armado. Fraser é fraco demais para convencer. Foi uma jogada comercial para atrair mais público, mas que acabou prejudicando demais o filme. Escolhas certas, escolhas erradas. No meio de tudo pelo menos o filme saiu com dignidade, até porque a direção precisa de Phillip Noyce não deixou o filme cair no desastre que muitos esperavam.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 10 de novembro de 2020

Já Estou Com Saudades

Título no Brasil: Já Estou Com Saudades
Título Original: Miss You Already
Ano de Produção: 2015
País: Inglaterra
Estúdio: S Films, New Sparta Film
Direção: Catherine Hardwicke
Roteiro: Morwenna Banks
Elenco: Drew Barrymore, Toni Collette, Jacqueline Bisset, Dominic Cooper, Grace Schneider, Sophie Holland

Sinopse:
O filme conta a história de duas amigas, interpretadas pelas atrizes Drew Barrymore e Toni Collette. São proximas desde a infância e juntas passam por momentos crucais em suas vidas. Enquanto uma descobre que está com câncer de mama, a outra se vê grávida pela primeira vez, após anos tentando ter um filho.

Comentários:
Bom drama sobre as adversidades da vida. O roteiro celebra a vida, a amizade, ao mesmo tempo em que procura mostrar também a fragilidade da vida humana, onde tudo pode mudar em questão de dias. A personagem de Toni Collette está morrendo de câncer. Ela sofre bastante com o tratamento, com a quimioterapia que a faz perder peso e seus cabelos. O filme se foca bastante em seu sofrimento pessoal, mas não fica apenas nisso. Ele também traz a alegria da personagem interpretada pela atriz Drew Barrymore, que consegue ficar grávida após anos de tentativas ao lado de seu marido. Mulheres bem comuns, ligadas pelos traços de amizade que as une por décadas. Pelo tema tratado eu indicaria esse filme especialmente para pessoas que estejam passando por esse tipo de drama, com pessoas e familiares sofrendo com essa terrível doença. A forma como o roteiro explora esse tema é bem respeitosa e ao mesmo tempo até didática. A personagem de Toni Collette tem filhos menores, crianças, que precisam entender o conceito da morte, algo sempre complicado de se fazer nessa dura realidade. Assim deixo a recomendação de um bom drama, valorizado pelo trabalho da dupla central de atrizes, ambas em momento de puro talento na tela.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 19 de março de 2015

Código de Honra

Dois jovens advogados (Chris Evans e Mark Kassen) tentam mover uma ação contra uma poderosa empresa de produtos hospitalares. Em posse de documentos e fatos tentam provar que uma nova forma de agulha evitaria acidentes de trabalho envolvendo médicos e enfermeiros em hospitais dos EUA. O problema é que a poderosa e influente empresa não quer que tal produto seja comercializado pois isso vai contra seus interesses comercias. Está assim armado o conflito ou como se diz no mundo do direito, a lide. O filme "Código de Honra" me lembrou bastante de algumas outras produções que partem de uma situação bem parecida: pequenos advogados, sem maiores recursos, que tentam vencer nos tribunais grupos poderosos. Aqui temos um diferencial interessante. O advogado interpretado por Chris Evans é totalmente viciado em drogas pesadas. Imaginem toda a pressão do mundo sobre ele somada a esses problemas de dependência química! Eu pessoalmente sempre achei o Chris Evans um ator apenas correto mas aqui em "Código de Honra" seu trabalho dá um salto de qualidade. Ele realmente convence o espectador que é um sujeito com sérios problemas com cocaína e outras drogas (incluindo o famigerado Crack). Sua interpretação é acima da média, não há como negar.

O filme é dirigido por dois irmãos, Mark e Adam Kassen (sendo que o primeiro também está em cena ao lado de Evans). Gostei do trabalho deles. O roteiro não cai em nenhum momento na chatice (algo perigoso em filmes desse estilo). Além disso eles se contentam em contar de forma eficiente os fatos, em metragem adequada (o filme não é longo demais, pelo contrário, é na medida certa). No final não há como não se surpreender com a história que é, pasmem, baseada em fatos reais! O grande mérito de "Código de Honra" é, no apagar da luzes, mostrar que no mundo do direito (seja aqui ou seja nos EUA) nem sempre a justiça vence! Enfim, recomendo bastante, sem medo de errar.

Código de Honra (Puncture, Estados Unidos, 2011) Direção de Adam Kassen e Mark Kassen / Elenco: Chris Evans, Vinessa Shaw Michael Biehn, Kate Burton / Sinopse: Dois jovens advogados (Chris Evans e Mark Kassen) tentam mover uma ação contra uma poderosa empresa de produtos hospitalares. Em posse de documentos e fatos tentam provar que uma nova forma de agulha evitaria acidentes de trabalho envolvendo médicos e enfermeiros em hospitais dos EUA. O problema é que a poderosa e influente empresa não quer que tal produto seja comercializado pois isso vai contra seus interesses comercias. Filme vencedor do Houston Film Critics Society Awards na categoria de Melhor Filme Independente. Também vencedor do New Hampshire Film Festival na categoria de Melhor Filme e Melhor Direção.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 2 de janeiro de 2012

El Cid

El Cid segue sendo um grande filme épico medieval. Mais um ponto alto na carreira do ator Charlton Heston. Logo ele, um dos mais bem sucedidos atores de todos os tempos nesse estilo cinematográfico. Basta lembrar de clássicos absolutos como "Ben-Hur" e "Os Dez Mandamentos". De fato bastaria apenas esses dois filmes para colocar Heston entre os grandes nomes da era de ouro de Hollywood. Porém ele foi além, estrelando também outros grandes filmes. El Cid é certamente um dos melhores deles. É uma grande produção. O filme não economizou nos custos. Há uma infinidade de figurantes, batalhas épicas e exércitos. Na época nada disso poderia ser feito de forma digital como se faz hoje em dia, assim tudo o que se vê na tela é real e até hoje impressiona, principalmente na batalha final travada nas praias do castelo de Valença. O Produtor Samuel Bronston tinha fama de não economizar nos custos de seus filmes. Assistindo El Cid entendemos bem a razão dessa sua fama.

O filme conta a história desse personagem histórico ainda hoje muito conhecido, o guerreiro e cavaleiro El Cid, venerado em alguns países europeus como um dos grandes heróis da história. Essa visão é meio distorcida. O roteiro de El Cid segue esse erro pois é pouco correto do ponto de vista histórico. No filme o cavaleiro é visto como um homem de atitudes grandiosas, nobres. O fato porém é que El Cid era algo que hoje em dia poderia ser definido facilmente como mercenário, ou seja, após ser exilado ele colocava seu exército particular à disposição de quem lhe pagasse mais, sejam cristãos ou mouros. Outro fato que foge da realidade histórica se refere à própria morte de El Cid. No filme seu final vai de encontro ao famoso poema medieval que o enobrecia como símbolo de virtude. Na história real sua morte foi bem mais banal e comum pois faleceu em seu castelo e não em luta de forma heroica como mostrada no filme.

A direção do filme ficou em boas mãos. Anthony Mann dirigiu grandes filmes ao longo de sua carreira, inclusive "Winchester 73" (western com excelente elenco, contando com Rock Hudson e James Stewart), "A Queda do Império Romano". "Cimarron" entre outros. Definitivamente "El Cid" foi o filme mais caro que se envolveu. As filmagens ocorreram na Espanha e Itália com equipe estrangeira e não deve ter sido nada fácil organizar e dirigir uma produção desse nível. Mesmo assim o resultado grandioso ficou muito bom, embora se perceba vários "vácuos" no filme, isso apesar dele ter mais de três horas de duração. A impressão que tive foi que o diretor se perdeu um pouco no corte ideal para o filme, pois há sequências enormes e desnecessárias, como o longo romance entre os personagens do casal Heston e Loren. Já outros personagens importantes na história não mereceram a mesma atenção. Como diretor ele deveria ter feito um filme mais enxuto e focado na minha opinião.

Outros problemas podem ser encontrados ao longo do filme. O romance entre Charlton Heston e Sophia Loren, por exemplo, não decola no filme. Na minha opinião o problema é a falta de talento da bela atriz. Sophia Loren tinha exageros de caracterização, cacoetes que ela trazia do cinema italiano e isso nem sempre funcionava bem. Heston, por sua vez, repete suas atuações de personagens épicos, que são virtuosos e acima do bem e do mal. Os atores que interpretam os dois reis em conflito (na realidade eram quatro) são fracos, em especial John Fraser que interpreta o Rei Alfonso. Muito afetado, ficou mais parecendo uma versão medieval de Calígula. Mesmo assim, com esse pequenos problemas em detalhes, não há como negar as qualidades cinematográficas dessa obra.

El Cid (El Cid, Estados Unidos, Itália, 1962) Direção: Anthony Mann / Roteiro: Fredric M. Frank, Philip Yordan / Elenco: Charlton Heston, Sophia Loren, Raf Vallone / Sinopse: Épico que narra a história do guerreiro medieval El Cid que lutou contra as invasões mouras na Península Ibérica durante a alta idade média. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Música (Miklós Rózsa). Indicado no Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme - Drama, Melhor Direção e Melhor Trilha Sonora Original (Miklós Rózsa).

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 25 de fevereiro de 2010

Dragão: A História de Bruce Lee

Título no Brasil: Dragão - A História de Bruce Lee
Título Original: Dragon - The Bruce Lee Story
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Rob Cohen
Roteiro: Robert Clouse, Linda Lee Cadwell
Elenco: Jason Scott Lee, Lauren Holly, Robert Wagner

Sinopse:
Cinebiografia do ator e lutador de artes marciais Bruce Lee (1940 - 1973). Aclamado como campeão nos ringues ele procura levar para o cinema suas técnicas de luta. Bem sucedido inicialmente numa série de filmes B de baixo orçamento ele acaba morrendo de uma forma até hoje pouco explicada. Seu filho, o também ator Brandon Lee, tentaria seguir os passos do pai muitos anos depois.

Comentários:
Filme baseado no livro escrito por Linda Lee Cadwell, esposa do ator Bruce Lee. É interessante porque procura mostrar o lado mais pessoal do ídolo. Como se sabe Bruce Lee morreu muito jovem ainda, em circunstâncias nebulosas, o que ajudou a aumentar ainda mais seu mito. Cinematograficamente falando seus filmes são pouco relevantes, produções B cheias de artes marciais, clichês e pouco roteiro. Mesmo assim fizeram muito sucesso nos cinemas, até porque trouxe aos ocidentais uma nova forma de fazer cinema que até então era pouco explorada. "Dragon" por sua vez é um filme correto, bem realizado, mas também um pouco burocrático em certos momentos. Embora bem produzido a impressão de se estar assistindo a um telefilme nunca deixa o espectador. Jason Scott Lee é bem parecido com o Bruce Lee mas teve que ser "dublado" nas cenas de artes marciais pois obviamente não tinha a técnica do Lee da vida real. No geral é uma produção curiosa e interessante, embora não surpreendente em nenhum momento. Vale para conhecer melhor a história do mito Bruce Lee. Filme indicado aos prêmios Chicago Film Critics Association Awards e MTV Movie Awards. Vencedor do prêmio da Political Film Society. 

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 24 de fevereiro de 2010

Julie & Julia

Julie Powell (Amy Adams) cria um blog onde conta suas experiências culinárias ao tentar reproduzir todas as receitas contidas no livro de uma famosa escritora de gastronomia, Julia Child (Meryl Streep). "Julie & Julia" como se percebe pela sinopse é um filme leve, divertido, bem escrito, redondinho e que tem um charme e um clima de nostalgia à prova de falhas. O único problema é que ao assisti-lo o espectador certamente vai terminar com um apetite daqueles, com água na boca, já que saborosos pratos vão passeando pela tela ao longo de toda sua duração. Achei muito bem bolado o argumento do filme que conta ao mesmo tempo duas histórias reais, de duas "Julias" diferentes, que tem em comum um livro clássico de receitas culinárias.

A primeira personagem é a Julia Child, brilhantemente interpretada pela Mery Streep, uma americana esposa de diplomata que se atreve a entrar no restrito mundo da alta gastronomia francesa. Além de aprender ela ainda tenta levar todos aqueles pratos sofisticadas para os EUA, escrevendo um livro de receitas que deveria ser lido e usado por donas de casa simples de seu país. Seu objetivo era levar os segredos dos grandes pratos franceses para o cotidiano suburbano norte-americano. No começo até achei a caracterização da Meryl Streep um pouquinho caricatural mas depois olhando no Youtube a verdadeira Julia Child (ela também tinha um popular programa de TV) pude perceber como estava fiel o trabalho desenvolvido pela Meryl (que sinceramente é um atriz que dispensa maiores comentários).

A outra Julia, a blogueira Julie Powell cuja sua história se passa em 2002 no filme, também é outro ponto forte. Não sou particularmente fã da Amy Adams mas aqui ela está muito bem, nada exagerada, bem na medida certa, sem ofuscar a Meryl mas também sem perigo de estragar o filme com uma interpretação fraca. O resto do elenco de apoio também é todo bom, de Stanley Tucci (que já gosto há muito tempo) até Jane Lynch (a treinadora de Glee, aqui sob pesada maquiagem).

Ponto positivo também para a diretora Nora Ephron que vinha de um tremendo fracasso, "A Feiticeira", mas que felizmente aqui demonstra sinais de estar voltando ao caminho certo. Tomara que reencontre mesmo pois ela costuma fazer bons filmes, como esse. Foi bastante acertada a decisão de entregar a direção para uma mulher já que esse tipo de produção exige um tipo de sensibilidade que dificilmente seria encontrado em um cineasta do sexo masculino. Em conclusão "Julie & Julia" é uma boa pedida para quem deseja encontrar um entretenimento leve mas bem realizado que traz como bônus mais uma bela interpretação da grande Meryl Streep.

Julie & Julia (Idem, EUA, 2009) Direção de Nora Ephron / Roteiro: Nora Ephron baseado no livro de Julie Powell / Elenco: Amy Adams, Meryl Streep, Stanley Tucci, Chris Messina / Sinopse: Julie Powell (Amy Adams) cria um blog onde conta suas experiências culinárias ao tentar reproduzir todas as receitas contidas no livro de uma famosa escritora de gastronomia, Julia Child (Meryl Streep). Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Atriz (Meryl Streep). Vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz - Comédia ou Musical (Meryl Streep). Também indicado ao prêmio de Melhor Filme - Comédia ou Musical.

Pablo Aluísio.

Cine Majestic

Título no Brasil: Cine Majestic
Título Original: Cine Majestic
Ano de Produção: 2001
País: Estados Unidos
Estúdio: Castle Rock Entertainment, Village Roadshow
Direção: Frank Darabont
Roteiro: Michael Sloane
Elenco: Jim Carrey, Martin Landau, Bob Balaban

Sinopse:
Peter Appleton (Jim Carrey) é um roteirista americano que acaba caindo na infame lista negra do Macartismo. Acusado de ser comunista ele vê sua carreira acabar literalmente da noite para o dia. Até mesmo sua namorada, um relacionamento de longos anos do qual ele realmente acreditava, chega ao fim. Numa noite particularmente depressiva, durante a chuva, Peter sofre um acidente, perde sua memória e vai parar numa cidadezinha do interior. Lá ele acaba sendo confundido com outra pessoa, o filho do dono da única sala de cinema da região. Esse verdadeiro recomeço em sua vida o marcará para sempre. 

Comentários:
Esse filme foi a aposta do comediante Jim Carrey em ser levado finalmente à sério como ator. A aposta foi bastante alta mas a produção, apesar de suas boas intenções, não conseguiu emplacar. O estúdio tentou vender a produção como um "Cinema Paradiso" americano mas na verdade convenceu pouca gente. Para se ter uma ideia de como foi pretensiosa a realização desse filme o ator Jim Carrey declarou em várias entrevistas que tinha muita esperança de que fosse indicado ao Oscar de Melhor Ator por seu personagem. Na verdade ele ia além, deixando sua modéstia de lado chegou a dizer que merecia o prêmio naquele ano. Hollywood não abre mão de certas tradições e uma delas é raramente premiar comediantes. Isso não é algo novo. Nem mesmo Charles Chaplin, um gênio do cinema, conseguiu ser premiado por alguns de seus filmes (só muitos anos depois, já envelhecido, recebeu um prêmio de consolação pelo "conjunto da obra"). Assim "Cine Majestic" acabou sendo vítima de suas próprias aspirações descabidas. Não é um filme ruim no final das contas, e até interessante e bem realizado, mas seu erro maior talvez tenha sido mesmo querer ir longe demais. Filme premiado pela Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria "Melhor Lançamento em DVD / Coleção".

Pablo Aluísio.

terça-feira, 16 de fevereiro de 2010

Coração Louco

Eu sempre gostei do mundo musical e mais ainda dos bastidores da música; Sempre me interessei sobre a biografia dos cantores e bandas de que admiro e como todos podem ver em meus textos sobre música sempre tive grande prazer em tratar sobre o tema. Por isso fui com grandes expectativas assistir Coração Louco, o filme que deu o Oscar de Melhor ator para o carismático Jeff Bridges. Embora o filme seja dirigido por Scott Cooper a verdade é que em tudo se aparenta como um projeto bem pessoal tocado por Bridges e seu amigo de longa data Robert Duvall (ambos são produtores creditados). Esse fato, de ser um filme tocado com paixão e carinho pelos dois amigos, é um ponto extremamente positivo.

Jeff Bridges nos entrega uma atuação perfeita. Fazendo o decadente astro de outrora da música country ele está simplesmente impecável. Suas cenas de bebedeiras e consequentes ressacas (algumas homéricas) valem o filme. Seu prêmio da Academia foi mais do que merecido. Também era altamente previsível que ele levantasse a estatueta já que o Oscar adora personagens assim, que encontram a redenção de alguma forma (no caso do filme a mola propulsora da mudança vem através do amor que ele encontra em uma jornalista). Maggie Gyllenhaal, sua partner romântica, está muito bem, fazendo um belíssimo trabalho de apoio para Bridges esbanjar seu talento em cena. O filme nesse quesito de atuação é muito bom, acima da média, inclusive posso afirmar que todo o elenco se destaca de uma ou outra forma, menos Colin Farrell que achei bem inadequado no papel de um cantor country da nova geração (ele é irlandês, tem jeito de irlandês, canta mal e não se sai nem um pouco bem interpretando um redneck da country music).

Confesso que esperava mais do roteiro pois estava convencido que ele iria mostrar mais detalhes da vida artística do personagem de Bridges. Mas isso não aconteceu. Ao invés disso ele procurou se concentrar muito mais no romance com sua nova namorada e em sua tumultuada vida pessoal. Dessa forma os bastidores e o universo do mundo country foram de certa forma colocados de lado, principalmente na terça parte final do filme. Não faz mal. Em tempos de poucos filmes realmente inspirados foi um bom programa assistir a um filme como esse, que tem alma e coração, mesmo que seja louco.

Coração Louco (Crazy Heart, EUA, 2009) Direção: Scott Cooper / Roteiro de Scott Cooper baseado na novela de Thomas Cobb / Elenco: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Colin Farrell / Sinopse: Cantor country decadente (Jeff Bridges) tena redimir sua vida pelo amor de uma mulher (Maggie Gyllenhaal).

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 15 de fevereiro de 2010

Amor Sem Escalas

De todos os filmes que estão concorrendo ao Oscar esse "Amor Sem Escalas" foi na minha opinião o mais interessante. Com um roteiro aparentemente simples o filme consegue retratar questões importantes do cotidiano do homem moderno. Temas como solidão, vida profissional, desemprego e o vazio da vida atual são colocados no centro da trama de forma muito sutil e eficaz, muitas vezes sem nem ao menos o espectador se dar conta disso. O enredo mostra o dia a dia de um profissional sui generis que cruza os EUA de costa a costa com a função de demitir funcionários das empresas. Em tempos de crise financeira o tema se torna ainda mais atual e relevante. O drama de quem perde o emprego é mostrado de uma forma realista, sem maquiagem, usando inclusive depoimentos reais de pessoas que realmente foram demitidas nessa crise que assola a economia americana. George Clooney está perfeito no papel pois esbanja cinismo, charme e insensibilidade em doses exatas. Retratando um profissional cuja frieza não é apenas bem vinda mas também necessária o ator entrega ao grande público uma de suas melhores atuações. Tanto que vem sendo reconhecido em vários prêmios com indicações mais que merecidas. A própria transformação pelo qual passa seu personagem realça ainda mais o talento do ator, que em recentes entrevistas tem demonstrado o desejo de se dedicar apenas ao trabalho de diretor em seus próximos projetos. Após assistir esse filme torço para que mude de ideia.

E é justamente essa transformação interior que traz um certo desconforto no filme. Conforme o roteiro avança vamos presenciando as mudanças na forma de pensar do personagem de Clooney, que começa a refletir sobre a solidão em que vive, a sua falta de laços emocionais e o vazio de uma vida sem objetivos a alcançar. Amor Sem Escalas é um filme curioso pois apresenta em um primeiro momento a trajetória de um homem extremamente individualista, egocêntrico e vazio que se sente plenamente à vontade com sua vida. Somente após vários eventos é que aos poucos vai se dando conta do vazio existencial em que se encontra.

Talvez esse seja o único ponto a se criticar no filme. Em certo momento o personagem de Clooney, que se mostrava feliz com sua condição no começo da estória, vai se tornando amargurado por não ter uma família estruturada ou alguém para compartilhar sua vida. Soa bastante forçado essa brusca mudança de personalidade, principalmente quando o vemos na primeira parte do filme defender de forma tão veemente o fato de ser um solteirão convicto que detesta a ideia do casamento e filhos. A súbita mudança de atitude só se justifica mesmo pelo moralismo familiar que o roteiro tenta impor ao espectador. A mensagem subliminar é a de que a felicidade só será alcançada com o casamento e filhos e que pessoas solteiras não poderiam ser felizes. Bobagem. Esse tipo de pensamento saiu de moda com a revolução sexual e nesse ponto o argumento soa ultrapassado. De qualquer forma isso é um aspecto menor que não desmerece o filme como um todo. No fundo é apenas reflexo do moralismo que reina na sociedade do Tio Sam. Enfim, "Amor Sem Escalas" é um filme a se conhecer, pois além de bom entretenimento faz refletir, coisa cada vez mais rara em tempos de filmes ocos e escapistas como Avatar. Não deixe de assistir e boa viagem.

Amor Sem Escalas (Up in the Air, EUA, 2009) Direção: Jason Reitman / Roteiro: Jason Reitman e Sheldon Turner, baseados em obra de Walter Kirn / Elenco: Jason Bateman, George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga, Melanie Lynskey, Danny McBride, Chris Lowell, Tamala Jones / Sinopse: Executivo tem como função primordial em seu trabalho demitir funcionários de outras empresas. Cínico, sem laços familiares ou sociais, ele é abalado em seu modo de viver após conhecer interessante mulher.

Pablo Aluísio.

O Mensageiro

The Messenger, que estreia esse fim de semana no Brasil, é um bom retrato do outro lado das guerras em que os EUA estão envolvidos nesse momento. O roteiro mostra a rotina de trabalho de dois soldados americanos que tem como missão básica informar a morte dos combatentes aos seus familiares. Nem é preciso dizer da intensa carga emocional que essas situações geram. O interessante desse bom roteiro escrito por Oren Moverman e Alessandro Camon é que ele nos mostra os bastidores da guerra, o lado mais humano das perdas de vidas e a dor e o sofrimento daqueles que perderam seus entes queridos. De certa forma lembra muito um outro filme chamado O Retorno de um Herói, um belo trabalho de atuação do "eterno coadjuvante" Kevin Bacon. Ele inclusive tem recebido diversos prêmios por sua atuação inspirada.

Aqui temos a dupla formada pelos também ótimos atores Ben Foster e Woody Harrelson. O primeiro tem se destacado bastante nos filmes que tem feito e o segundo é velho conhecido dos cinéfilos, tendo atuado em filmes marcantes ou divertidos como O Povo Contra Larry Flint e Zombieland. Tenho lido algumas críticas sobre o filme em que se afirma que o tema dele logo se esgota e o argumento se repete em demasia ao longo da projeção. Não penso assim. Ao lado da tarefa desempenhada pelos soldados vamos conhecendo também os problemas emocionais deles, os traumas causados pelo front e as dificuldades de desenvolver uma relação estável com alguém. O filme não é cansativo e cria situações interessantes do ponto de vista dramático, como a questão ética de se envolver com a viúva de um militar morto em combate ou a falta de sensibilidade e envolvimento emocional por parte dos notificadores com a dor dos familiares. The Messenger levanta questões interessantes que devem ser debatidas. É um bom programa de cinema de qualidade no fim de semana.

O Mensageiro (The Messenger). EUA, 2009. Direção: Oren Moverman / Roteiro: Oren Moverman e Alessandro Camon. Com Ben Foster, Jena Malone, Eammon Walker, Woody Harrelson, Samatha Morton, Steve Buscemi, Yaya da Costa.

Pablo Aluísio.

domingo, 14 de fevereiro de 2010

Anticristo

O filme "Antichrist" do diretor Lars Von Trier não é indicado para todos os tipos de público, muito pelo contrário. Na realidade poucas pessoas irão compreender na totalidade todas as nuances e subtextos inclusos nele durante sua projeção. A maior prova disso aconteceu justamente em Cannes quando o diretor acabou se aborrecendo com as perguntas dos jornalistas sobre qual seria o verdadeiro significado desse filme. Ora, este é o tipo de produto cinematográfico que não é para ser explicado para a coletividade como um todo e sim compreendido por cada um à sua própria maneira, da forma que melhor lhe couber. Explicar ou tentar explicitar as verdadeiras razões do filme seria tirar pelo menos metade de seu conteúdo e fascínio. Antichrist não é para ser explicado ou entendido, ao invés de levantar respostas ele serve justamente para o oposto disso, ou seja, formular ainda mais dúvidas em quem o assiste.

O argumento em si pode soar banal para alguns. Um casal sofre a perda de seu único filho, que cai da janela de seu apartamento. Após essa tragédia o casal resolve se refugiar em um bosque, numa casa isolada, para tentar superar o trauma da perda da criança. Assim durante praticamente todo o filme só temos dois personagens em cena, justamente a esposa e seu marido, cujos os nomes em nenhum momento são citados. Simplesmente são identificados como "ele" e "ela". Willem Dafoe, como o marido, está muito bem. Como terapeuta ele tenta ajudar a esposa na dura batalha de superação da morte do filho. O grande destaque porém em termos de interpretação fica com a excelente e talentosa atriz francesa Charlotte Gainsbourg. Seu trabalho no filme é digno de aplausos, pois a personagem principal em crise exige uma entrega ao papel fora do comum. Ela está perfeita em cena, a série de emoções que tem que passar ao público demonstra que estamos realmente na presença de uma atriz acima da média.

Apesar do título, Antichrist não é nem de longe um filme de terror ou algo semelhante. Na realidade a violência, a angústia e o desespero são retratados de forma intimista, bem mais interior. O diretor confessou em entrevista que concebeu o filme quando estava passando por uma série crise de depressão. No caso notamos isso em cada minuto de projeção. O filme é tenso, soturno e sombrio. O cenário, dentro da floresta, deixa tudo ainda mais depressivo. O uso de cenas fortes (inclusive breves momentos de sexo e violência explicitas) deixam claro que o filme não é, em nenhum momento, um passatempo agradável ou de fácil assimilação. Os subtextos sobre o jardim do Éden, do casal isolado na floresta, do filho com defeitos congênitos (seria ele o anticristo realmente?), da força da natureza, tudo nos leva à reflexão após o assistir. Em dias atuais, onde o cinema está cada vez mais pipoca e juvenil do que nunca, isso não é pouca coisa. Que venham outros brilhantes trabalhos de Lars Von Trier, os cinéfilos agradecem. Afinal de contas o caos reina!

Anticristo (Antichrist, Suécia, Polônia, Alemanha, França, Itália, Dinamarca, 2009) Direção: Lars von Trier / Roteiro: Lars von Trier / Elenco: Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg, Storm Acheche / Sinopse: Após a morte de seu único filho um casal se isola em uma floresta distante para repensar e superar o trauma e o choque da perda. O isolamento do local porém dá margem ao surgimento dos instintos mais básicos e violentos do ser humano.

Pablo Aluísio.