Ilha do Medo

Esse é um dos mais recentes filmes de Martin Scorsese. Ilha do Medo é o típico filme que engana. Você vai ao cinema pensando que vai assistir um tipo de gênero e acaba encontrando outro completamente diferente. Eu, por exemplo, fui assistir convencido que iria me deparar com um bom filme de suspense policial, com muito clima noir. Pensei que iria assistir algo no estilo de Chinatown, mas acabei vendo um curioso derivado de Um Estranho no Ninho. Dito isso quero deixar claro que o filme não é ruim, em hipótese alguma. Ele passeia muito bem pelos estilos com desenvoltura e prende a atenção do espectador. Não é para menos já que Scorsese é um dos diretores mais brilhantes da história do cinema. Então se você vai ao cinema assistir A Ilha do Medo pensando tratar-se de um filme de terror, suspense policial ou trama de espionagem, esqueça. O roteiro usa desses gêneros apenas para contar uma outra estória, bem mais pesada e trágica do que o típico filme de detetives. Não vou aqui estragar a surpresa de ninguém, por isso quanto menos contar melhor. O que posso adiantar é que Di Caprio está muito bem no papel (não chega a ser excepcional mas apresenta uma boa atuação). Ben Kingsley também mantém o alto nível do elenco mas é Max Von Sydow que se sobressai, apesar de suas cenas serem pequenas e esporádicas.

Em termos de produção, atuação e direção não há o que reclamar, Scorsese é praticamente um gênio e nesses aspectos técnicos só se poderia esperar o melhor mesmo. O grande ponto negativo do filme realmente é seu roteiro. Não que seja ruim, longe disso, mas é previsível. Quem tiver o mínimo de atenção logo irá matar o "segredo" do filme. Várias dicas são deixadas ao longo da projeção - algumas inclusive bem óbvias. Em certo sentido me lembrei de um dos meus filmes preferidos, Coração Satãnico, onde também havia um pretexto inicial do roteiro que desbancava para uma grande reviravolta nos momentos finais. Mas o que era sobrenatural em Angel Heart aqui se torna introspectivo, pesado e principalmente psicológico. Por isso digo que quem mais irá apreciar o filme no final serão os estudantes e estudiosos de psiquiatria e psicologia. Esses realmente terão um prato cheio para debater depois da exibição.

Ilha do Medo (Shutter Island, Estados Unidos, 2009) Direção: Martin Scorsese / Roteiro: Laeta Kalogridis / Elenco: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Dennis Lynch./ Sinopse: Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) é um detetive contratado para descobrir o paradeiro de uma mulher acusada de assassinato. Sua última localização foi em um hospital psiquiátrico instalado na isolada Ilha Shutter Lá começa a juntar as peças de um grande quebra cabeças envolvendo a todos, inclusive ele próprio.

Pablo Aluísio.

Gran Torino

Os Estados Unidos sempre foram uma nação de imigrantes porém nos último anos o fluxo se intensificou e a sociedade americana ficou mais miscigenada do que nunca. Ao contrário do padrão WASP (sigla em inglês que significa "Branco, Anglo Saxão e Protestante") o que se vê hoje naquele país é o aumento de latinos (brasileiros incluídos nesse grupo), orientais e outras etnias nas grandes cidades da América. O americano tradicional, médio, ficou um pouco perplexo com essa nova situação. Os vizinhos já não eram tão familiares como antes e muitos deles sequer sabiam falar inglês. De fato em poucos anos se falará mais espanhol nos EUA do que inglês segundo algumas pesquisas. Para a mentalidade do americano tradicional essa verdadeira "invasão" de seu país significou menos emprego, barateamento da mão de obra, além do aumento da criminalidade e miséria. Essa é de certa forma uma visão simplista sobre o problema mas de fato os Estados Unidos estão bem longe daquele país do American Way of Life da década de 50. Hoje predomina a massa imigrante. Tentando entender essa nova realidade social o diretor e ator Clint Eastwood resolveu colocar à frente esse "Gran Torino", um filme muito interessante que lida com as mudanças que a sociedade americana vive nesse momento.

O enredo mostra um americano típico. Sujeito conservador, de ideais e valores tradicionais que agora tem que lidar com gangues formadas por latinos e asiáticos. Nesse processo de aumento de criminalidade ele acaba tendo seu querido carro da marca Gran Torino sendo cobiçado por meliantes provenientes de famílias imigrantes. Esse argumento analisado assim se torna até perigoso pois o roteiro poderia desbancar para a xenofobia mas Clint Eastwood evitou cair na armadilha, o que de certa forma me surpreendeu pois ele é notório membro do Partido Republicano que defende medidas restritivas contra estrangeiros nos Estados Unidos (fator aliás que fez com que fossem derrotados nas últimas eleições presidenciais, vencendo Obama o preferido justamente dos imigrantes, mulheres e negros). Ao invés de adotar uma postura de crítica contra o estrangeiro que supostamente estaria "emporcalhando" o sonho americano, Clint mostra uma faceta bem mais amistosa e tolerante com essas pessoas. Eu costumo dizer que esse é tipicamente um "filme-tese" onde Eastwood debate a atual onda de imigração desenfreada ao seu país. Recebido friamente por crítica e público o filme merecia ter melhor destino uma vez que toca em um tema delicado e atual. Afinal de contas, estaria mesmo desaparecendo os Estados Unidos dos puritanos e dos pioneiros para dar lugar a uma nova nação, mais latina, mais hispânica e asiática? Assista ao filme e tire suas próprias conclusões.

Gran Torino (Gran Torino, Estados Unidos, 2008) Direção: Clint Eastwood / Roteiro: Nick Schenk, Dave Johannson / Elenco: Clint Eastwood, Geraldine Hughes, John Carroll Lynch, Cory Hardrict, Dreama Walker, Brian Haley. / Sinopse: Walt Kowalski (Clint Eastwood) é um americano tradicional, veterano de guerra e conservador que começa a ser ameaçado por um grupo de jovens latinos que formam uma gangue de ladrões da região onde mora. Para superar o problema terá que mudar de atitude, inclusive colocando em dúvida antigos valores que considerava primordiais em sua vida.

Pablo Aluísio.

Flor do Deserto

O cinema não deve ser visto apenas como puro entretenimento. Um dos aspectos mais importantes da sétima arte é a conscientização dos espectadores. Um exemplo maravilhoso nesse sentido é esse "Flor do Deserto", um filme muito marcante e tocante que expõe um dos lados mais tristes da condição feminina em certos países. O roteiro foi baseado no livro autobiográfico da modelo somali Waris Dirie (interpretada aqui por Liya Kebede). Em um ato de coragem digno de aplausos ela expõe um drama de sua vida pessoal para conscientizar o mundo de um problema ainda muito atual em vários países africanos: a mutilação genital feminina. Assim ela conta como aos cincos anos foi circuncidada de acordo com um antigo costume tribal. Essa mutilação genital é vista com normalidade no lugar onde nasceu. A prática visa retirar da mulher toda e qualquer possibilidade de em sua vida adulta vir a ter algum prazer sexual. Obviamente se trata de uma tradição que em essência é uma verdadeira barbaridade. Como se não bastasse o direito de escolha também é tirado dessas mulheres pois elas são vendidas logo na infância em casamentos completamente arranjados por familiares e mercadores. 

No caso de Waris Dirie ela conseguiu fugir de sua região indo parar em Mogadishu, capital da Somália. Lá finalmente conseguiu se alfabetizar (a educação também é proibida para as mulheres no local onde nasceu). Após arranjar  um emprego em um restaurante de fast food finalmente conseguiu chamar a atenção de um renomado fotógrafo que viu nela todas as qualidades das grandes top models. Após ir para os Estados Unidos ela iniciou uma carreira de sucesso que dura até os dias de hoje. Uma história com final feliz que ensina muito sobre a precária condição feminina em certos lugares do mundo. O livro da modelo (e o excelente filme feito a partir dele) não deve despertar pena do leitor / espectador. Pelo contrário, o sentimento é de admiração pela coragem e bravura dessa mulher que ousou expor um trauma pessoal para levar ao mundo essa denúncia sobre o que ocorre na Somália e em outros países da África. Infelizmente as mulheres ainda não alcançaram a plenitude de seus direitos mas conforme estamos acompanhando já há grandes avanços nesse aspecto. Organizações internacionais tentam erradicar essa prática monstruosa em lugarejos atrasados e arcaicos. Um dia certamente essa monstruosidade será finalmente banida da vida de todas essas mulheres. 

Flor do Deserto (Desert Flower, Estados Unidos, 2009) Direção: Sherry Horman / Roteiro: Smita Bhide / Elenco: Liya Kebede, Sally Hawkins, Craig Parkinson, Meera Syal, Anthony Mackie, Juliet Stevenson, Timothy Spall, Soraya Omar-Scego / Sinopse: "Flor do Deserto" conta a história real da modelo Waris Dirie que sofreu mutilação genital feminina ainda em sua infância. A obra é um alerta e uma denúncia contra essa terrível prática que ainda persiste em certos países africanos.

Pablo Aluísio.

Mar em Fúria

Bastante subestimada essa boa aventura "Mar em Fúria" que foi na verdade mais um meio promocional para lançar George Clooney no mundo do cinema. Na época ele ainda tentava fazer a complicada transição das séries de TV para os filmes nas telas de cinema. O roteiro é bem escrito, enxuto e consegue tirar excelente proveito da trama interessante. Aqui acompanhamos a embarcação Andrea Gal, capitaneada por Billy Tyne (George Clooney). É um barco comercial que vai até regiões isoladas do Oceano para recolher um tipo especial de pescado muito valorizado no mercado americano. O problema é que bem no meio da viagem todos são surpreendidos por uma "Tempestade Perfeita", uma denominação usada para caracterizar a fusão de uma série de fatores climáticos que criam uma tempestade feroz, formando ondas no Oceano do tamanho de um prédio de dez andares. No meio do caos em que se encontram todos os membros da tripulação tentam sobreviver da melhor forma possível. Esse é um daqueles argumentos de tirar o fôlego, onde não sobra muito tempo para o espectador respirar. Inspirado no romance de aventuras escrito por Sebastian Junger.o filme consegue deixar a adrenalina alta, sem cair no marasmo em nenhum momento.

O filme obviamente usa e abusa de efeitos digitais, todos extremamente bem realizados. Como se sabe sempre houve grande desafio em recriar digitalmente com sucesso o Oceano. Aqui tudo soa muito bem feito, criando realmente a sensação de se estar vendo imagens reais do pequeno barco no meio da imensidão azul em fúria. O orçamento foi milionário (140 milhões de dólares) e a aposta ousada pois não se sabia ao certo se o público compraria a idéia de ver um grupo de marujos comerciais enfrentando uma tempestade épica no meio do mar. Depois do lançamento todos respiraram aliviados pois a produção conseguiu fazer sucesso de bilheteria. Muito do mérito do sucesso cabe ao diretor Wolfgang Petersen que já tinha conseguido grande êxito em um filme levemente semelhante,"O Barco - O Inferno no Mar". De qualquer modo ele deveria ter deixado esse tema um pouco de lado pois depois afundou de forma monumental com o remake de "Poseidon", um grande fracasso de público e crítica. Isso porém é tema para outra resenha. Aqui deixo a dica de "Mar em Fúria" uma boa aventura com o mesmo espírito dos antigos filmes do mar que tanto conhecemos. Um bom programa de entretenimento em suma.

Mar Em Fúria (The Perfect Storm, Estados Unidos, 2000) Direção: Wolfgang Petersen / Roteiro: William D. Wittliff / Elenco: George Clooney, Mark Wahlberg, Diane Lane, Mary Elizabeth Mastrantonio, Karen Allen, William Fichtner, Michael Ironside./ Sinopse: Navio comercial de pesca se vê envolvida por uma enorme tempestade em alto mar. Para sobreviver os tripulantes terão que partir para uma verdadeira luta contra as forças da natureza.

Pablo Aluísio.

A Aparição

Um grupo de jovens universitários decide fazer uma experiência científica para tentar estudar se seria possível realmente se comunicar com os mortos. No meio da experiência porém algo sai muito errado e um portão entre o mundo dos vivos e dos mortos é aberto. De lá surge uma entidade poderosa que começa a deixar um rastro de destruição por onde passa. Anos depois um jovem casal vai morar numa bela casa em um bairro afastado de Los Angeles e começa a notar estranhos eventos no local: móveis se movendo, mofo nas paredes e uma estranha sensação de que eles não estão sozinhos naquela casa. Bem, pela sinopse já deu para perceber que estamos na presença de mais um filme sobre casas mal assombradas, só que esse nem se pode comparar com os grandes filmes desse gênero. O roteiro tenta criar um clima mais científico para o tema mas naufraga totalmente. A produção de orçamento mínimo não consegue assustar e nem criar clima. O casal de atores é muito fraco e o argumento não tem um gancho para manter o espectador interessado.

Some-se a isso a sua curta duração (pouca mais de 70 minutos) e você terá algo completamente desnecessário. A entidade que surge nas sombras é sem graça e a tentativa de explicar tudo soa infantil e bobo. Logo no começo quando vi a marca da Dark Castle já fiquei com um pé atrás pois essa produtora anda deixando muito a desejar em seus últimos filmes. Sem dinheiro tudo é reciclado e o gosto de prato requentado incomoda. Não espere também ver nada de bom em termos de maquiagem ou efeitos especiais em A Aparição. Tudo é muito pobre nesse aspecto. A direção do jovem Todd Lincoln que só havia dirigido curtas antes, soa amadora e sem timing. Enfim, não adianta mais apontar os defeitos de A Aparição, eles são muitos. Procure por algo melhor para ver pois esse aqui é bem decepcionante.

A Aparição (The Apparition, Estados Unidos, 2012) Direção: Todd Lincoln / Roteiro: Todd Lincoln / Elenco: Ashley Greene, Sebastian Stan, Tom Felton / Sinopse: Jovem casal vai morar numa casa onde começa a surgir estranhos fenômenos como móveis se movendo sozinhos, mofo nas paredes e sombras que parecem observar seus moradores. Seria uma alma em busca de redenção ou uma estranha entidade que conseguiu deixar o mundo dos mortos para aterrorizar os vivos?

Pablo Aluísio.

Frankenstein de Mary Shelley

O sucesso de Drácula de Bram Stoker fez com que naturalmente os estúdios procurassem o mais rápido possível adaptar outros livros clássicos de terror. Assim a Tri-Star Pictures colocou em andamento um projeto ambicioso: adaptar o famoso livro de Mary Shelley, Frankenstein. A fórmula seria a mesma que foi usada em Drácula, ser o mais fiel possível ao texto original, ignorando todos os filmes anteriores sobre o tema. Não era uma missão fácil. O design da criatura dos filmes da Universal faz parte da cultura pop até os dias atuais. A estória todos já conheciam mas como adaptação dos mesmos filmes. Era uma mitologia muito conhecida afinal. As surpresas vieram logo quando o nome do diretor e ator Kenneth Branagh foi anunciado para dirigir o novo filme. Ele era muito mais associado às adaptações de William Shakespeare e não tinha muita intimidade com o universo dos filmes de terror tradicionais. Maior surpresa ocorreu depois quando o estúdio anunciou o grande ator Robert De Niro para viver a criatura! Essa seguramente foi a escolha de elenco mais improvável da história de Hollywood. De Niro interpretando o monstro seria no mínimo esquisito. Fora isso a nova versão de Frankenstein teve o melhor em termos de produção e estrutura. Nesse meio tempo o diretor Roger Corman em mais um lance de oportunismo lançou sua própria versão de Frankenstein. Um filme pra lá de bizarro que chegou até mesmo a ser lançado em nossas locadoras na época.

De qualquer modo as pessoas ansiavam mesmo pela produção classe A de De Niro  e Branagh. O filme finalmente foi lançado em novembro de 94. A crítica se dividiu. Para muitos a produção era sem inspiração, preguiçosa e maçante. Para outros era válida a iniciativa de se revisar o texto original de Mary Shelley. Em meu conceito Frankenstein é bem irregular mas não credito todos os problemas apenas ao filme em si. De certa forma o próprio texto de Mary Shelley envelheceu terrivelmente. Escrito como uma aposta da autora que queria produzir o romance mais aterrorizante de sua época,  Frankestein é uma obra que intencionalmente carrega nas tintas a todo momento. Nunca teve a sofisticação dos textos de Bram Stoker. Essa falta de sutileza assim se torna óbvio no transcorrer do filme. Além do mais a segunda parte da trama soa muito ultrapassada nos dias atuais. Com tantos problemas no texto original não é de se estranhar que o filme tenha tantos problemas. A produção de primeira linha está lá, um bom diretor e um elenco de ótimos profissionais também, mas o filme não empolga, não surpreende em nenhum momento. A nova visão do livro de Mary Shelley fez sucesso nas telas mas jamais conseguiu se tornar uma unanimidade como o filme de Francis Ford Coppola. Sem dúvida deixa a desejar em vários aspectos.

Frankenstein de Mary Shelley (Frankestein, Estados Unidos, 1994) Direção: Kenneth Branagh / Roteiro: Steph Lady baseado na obra de Mary Shelley / Elenco: Robert De Niro, Kenneth Branagh, Tom Hulce, Helena Bonham Carter, Aidan Quinn, Ian Holm, John Cleese, Richard Briers / Sinopse: Victor Frankenstein (Kenneth Branagh) é um cientista vitoriano que decide utilizar as recentes descobertas sobre eletricidade para tentar criar vida a partir de restos humanos de pessoas falecidas. Seus experimentos acabam dando origem a uma estranha criatura (Robert De Niro) que a despeito de sua precária condição consegue expressar e desenvolver muitos dos mais nobres sentimentos humanos. 

Pablo Aluísio.

O Homem Bicentenário

Muito malhado na época de seu lançamento, O Homem Bicentenário não conseguiu também agradar integralmente os fãs de ficção. O fato é que o filme foi baseado em famosa obra de Isaac Asimov e toda adaptação  desse autor é bem complicada. Para piorar os produtores resolveram realizar algo mais pop e menos existencialista que é a chave do livro original. A trama é até singela: Uma família compra um robô de tarefas domésticas chamado Andrew (Robin Williams). O que parecia ser apenas mais um objeto para facilitar a vida de todos acaba surpreendendo pois ele é um robô diferente, que consegue exteriorizar muita personalidade e caráter, duas características próprias do ser humano. Andrew consegue mostrar sentimentos para com as pessoas, começa a elaborar dúvidas sobre si mesmo e entra em conflito na sua convivência com os membros da família. Suas atitudes seriam a materialização de um velho sonho dos cientistas em desenvolver uma inteligência artificial? Só assistindo para conferir. 

Em minha concepção O Homem Bicentenário é bem abaixo da profundidade da obra literária original. O que ameniza é saber que nem sempre há como adaptar Asimov com fidelidade (outras adaptações são mais medonhas do que essa). No final temos um produto cinematográfico que consegue trazer, mesmo que em pequenas doses, alguns dos questionamentos mais relevantes do autor. No final o que prejudicou o filme foi seu custo elevado para a época (mais de 100 milhões de dólares de orçamento) e a escalação do diretor errado, Chris Columbus, que tem mais intimidade com o universo infanto-juvenil, nunca tendo antes dirigido uma ficção desse nível. Assim o filme não conseguiu agradar ao público do universo Sci-fi e nem atraiu a garotada que forma a maior parte da platéia de Columbus. Apesar disso o filme não foi o fracasso todo que dizem - certamente teve um prejuízo mas foi relativamente pequeno diante da ousadia de se produzir algo assim. Hoje em dia é interessante ser visto, mesmo sabendo de antemão que é em essência um produto meramente pop, bem longe da expressividade da obra de Asimov. 

O Homem Bicentenário (Bicentennial Man, Estados Unidos, 1999) Direção: Chris Columbus / Roteiro: Nicholas Kazan. baseado na obra de Isaac Asimov / Elenco: Robin Williams, Sam Neill, Oliver Platt, Embeth Davidtz, Wendy Crewson./ Sinopse: Um robô criado para realizar tarefas rotineiras e domésticas começa a desenvolver traços humanos.

Pablo Aluísio.

Drácula de Bram Stoker

Drácula de Bram Stoker (1847 - 1912) é um clássico absoluto da literatura de terror. Publicado originalmente em 1897 o livro é considerado o marco zero na mitologia moderna sobre vampiros. Obviamente que a lenda sobre vampirismo atravessou séculos mas foi Stoker, com raro brilhantismo, que conseguiu unir seus principais elementos em um texto único, extremamente bem trabalhado e rico em detalhes e nuances que anos depois seria usado exaustivamente pela sétima arte. O que fez o genial Stoker foi reunir em um só romance as lendas, os mitos e até as histórias reais (como a da Condessa Isabel Bathory) para criar um personagem singular, um Conde que esconde uma maldição secular em seu castelo sombrio. Foi justamente com a intenção de ser o mais fiel possível a essa obra que Francis Ford Coppola realizou sua versão de Drácula em 1992. Considerado por muitos como a obra definitiva sobre o personagem o filme ainda hoje impressiona por sua brilhante direção de arte, seu clima soturno e o excelente trabalho do roteiro em mostrar um lado até então pouco explorado em todos os filmes sobre Drácula: o aspecto mais romântico da personalidade do Conde. De fato seu maior fardo é a sua dor pela perda de sua amada, dor essa que atravessa os séculos, tornando-se o verdadeiro martírio do monstro. Ao explorar esse aspecto o filme traz uma carga humana muito intensa ao personagem, tornando tudo muito mais real e visceral.

Passados 20 anos de seu lançamento ouso dizer que Drácula foi a última grande obra prima do mestre Coppola. É uma constatação penosa, haja visto que sem dúvida ele foi um dos cineastas mais brilhantes de Hollywood. Seu grande trabalho aqui se revela na escolha do elenco ideal (Gary Oldman personifica as várias faces do vampiro de forma maravilhosa), no uso correto e pontual de ótimos efeitos especiais (todos recriando uma oportuna atmosfera Vitoriana) e na fidelidade ao texto original. O resultado de tanto talento se vê nas telas de forma grandiosa. Ao custo de 40 milhões de dólares o filme demonstra ter todas as peças perfeitamente encaixadas, resultando em um trabalho magnífico, uma obra de arte realmente. O velho Stoker certamente ficaria orgulhoso.

Drácula de Bram Stoker (Dracula, Estados Unidos, 1992) Direção: Francis Ford Coppola / Roteiro:  James V. Hart baseado na obra de Bram Stoker / Elenco: Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves, Richard E. Grant, Billy Campbell, Sadie Frost, Tom Waits, Monica Bellucci / Sinopse: Jonathan Harker (Keanu Reeves) vai a um distante e isolado castelo com a missão de vender uma propriedade a um estranho e recluso Conde chamado Drácula (Gary Oldman). Ao ver o retrato de sua amada o monstro fica admirado com a semelhança com sua antiga paixão, uma jovem falecida há muitos séculos. Não tardará para que o Conde vá ao seu encontro.

Pablo Aluísio.

À Espera De Um Milagre

A recente morte do ator Michael Clarke Duncan trouxe novamente á tona essa pequena obra prima da década de 1990. O filme tem uma estória muito lírica e bonita que certamente agradou a muitos, tanto na época de seu lançamento como agora. É curioso porque eu me recordo que a recepção foi um tanto fria por parte da crítica, embora o público tenha adorado. O tempo porém lhe fez justiça e mostrou quem realmente tinha razão. Um dos seus grandes méritos é o argumento espiritualista que consegue uma grande proeza, não se tornando panfletário em nenhum momento. Credito isso a essa bem sucedida parceria entre dois grandes talentos:  Frank Darabont e Stephen King. O cineasta Frank Darabont já havia chamada bastante a atenção em seu filme anterior, Um Sonho de Liberdade, outra crônica extremamente inspirada sobre um homem comum numa situação limite. Aqui ele retorna ao sistema penitenciário para contar a estória de John Coffey (Michael Clarke Duncan), um prisioneiro afro-americano de mais de dois metros de altura condenado à morte pelo assassinato de duas garotas brancas no sul racista dos Estados Unidos. O título original, The Green Mile, se refere justamente ao chamado "corredor da morte", onde criminosos perigosos que cometeram crimes bárbaros esperam pela hora de sua execução.

O comportamento de Coffey logo chama a atenção do guarda Paul Edgecomb (Tom Hanks) que percebe que ele na realidade é uma pessoa muito espiritual. Assim vamos acompanhando os acontecimentos, inclusive em flashbacks, onde os eventos que levaram Coffey à prisão são mostrados, demonstrando que nada é o que realmente aparenta ser. Além da produção primorosa e elegante, "À Espera de um Milagre" conta com elenco inspirado, a começar pelo próprio Michael Clarke Duncan que concorreu o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante mas não foi premiado, de forma bem injusta aliás. Embora tenha sido também indicado a praticamente todas as categorias principais da Academia saiu de mãos abanando na noite de entrega. Como afirmei antes atribuo isso ao fato da crítica especializada ter torcido o nariz para o filme em seu lançamento. Não faz mal, o tempo fez jus a Green Mile e hoje a obra é considerada uma produção cult por excelência, vencendo o desafio do tempo. Maior prêmio do que esse não há.

À Espera De Um Milagre (The Green Mile, Estados Unidos, 1999) Direção: Frank Darabont / Roteiro: Frank Darabont baseado na obra de Stephen King / Elenco: Tom Hanks, David Morse, Bonnie Hunt, Michael Clarke Duncan, James Cromwell, Michael Jeter, Graham Greene, Doug Hutchison, Gary Sinise, Sam Rockwell / Sinopse: Prisioneiro no corredor da morte acaba demonstrando a um guarda seus grandes poderes espirituais.

Pablo Aluísio.

Os Irmãos Cara de Pau

Nós éramos felizes nos anos 80 e não sabíamos. A década, que deixou muitas saudades nos tiozinhos e tiozinhas de hoje, foi extremamente rica em termos de cultura pop, embora muito lixo tenha sido produzido em abundância também. De qualquer forma sair da ultra kitsch década de 70 e da influência abrangente dos anos 60 já era um bom começo. A trilha sonora do filme The Blues Brothers (estupidamente traduzida no Brasil como "Os irmãos Cara de pau") demonstra como era rico o cenário musical e cinematográfico daqueles anos distantes. Afinal em que outra década você encontraria uma trilha sonora tão musicalmente maravilhosa em termos de sonoridade como essa? O filme é aquele negócio: comédia ultra exagerada com o  comediante do Saturday Night Live, John Belushi, aqui acompanhado de seu amigo de trupe Dan Aykroyd. A dupla do filme inclusive foi criada para esse famoso programa de humor dos EUA (que ainda está no ar, mesmo depois de tantos anos). 

No programa eles tinham um quadro básico, até mesmo simples, onde apresentavam números musicais vestidos de blueseiros brancos com cara de mau.  Quando se decidiu levar a idéia para a tela grande um novo roteiro foi escrito e o diretor John Landis foi contratado. Novas situações foram criadas e uma estória foi bolada para os dois irmãos. O filme pode até não ter nada demais em termos de roteiro e argumento mas seu charme até hoje é inegável. Quem nunca se divertiu com as aventuras dos irmãos Elwood que atire a primeira pedra! Infelizmente um dia a festa tinha que chegar ao fim... e chegou. John Belushi, o grande mentor do The Blue Brothers, morreu de overdose de drogas em 1982, sem nem ao menos curtir todo o seu merecido sucesso como comediante. Em uma vida de excessos Belushi resolveu experimentar uma mistura de cocaína com heroína, após curtir uma semana de farras em seu apartamento. O coração não aguentou e o humorista faleceu na flor da idade, com uma imensa carreira ainda pela frente que se perdeu para sempre. Foi a primeira grande vítima do sucesso nos anos 80. Não faz mal, trabalhos como esse The Blues Brothers lhe garantiram a imortalidade.

Os Irmãos Cara de Pau (The Blues Brothers, Estados Unidos, 1980) Direção: John Landis / Roteiro: John Landis, Dan Aykroyd / Elenco: John Belushi, Dan Aykroyd, Carrie Fisher, John Candy, Ray Charles, James Brown / Sinopse: Dois imrãos, cantores de blues, decidem ajudar o orfanato onde foram criados. Para isso terão que reunir sua antiga banda, os Blues Brothers.
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Pablo Aluísio.