As Vidas de Marilyn Monroe - Parte 11

Na noite de natal de 1960 Marilyn Monroe subiu no parapeito da janela de seu apartamento em Nova Iorque e ficou lá, por alguns minutos, olhando para o vão abaixo de si. Vestindo apenas uma camisola branca, Marilyn estava disposta a pular. Ela queria acabar com tudo, dar um fim para a dor emocional que vinha sentindo. Quem a salvou do suicídio foi sua empregada, Lena Pepitone. Quando entrou na sala e viu Marilyn pendurada na moldura externa da janela do apartamento, Lena correu e se agarrou com Marilyn que, em prantos, começou a dizer: "Lena, não! Deixe-me morrer! Eu quero morrer! Eu mereço morrer! O que eu fiz da minha vida? Quem é que eu tenho? É natal!"

Marilyn estava passando por mais uma crise depressiva, fazendo com que ela tentasse o suicídio mais uma vez! A depressão havia se tornado insuportável justamente na noite de natal quando Marilyn se viu completamente sozinha em seu apartamento. A maior estrela do mundo do cinema, tão desejada, admirada e amada por milhões de fãs ao redor do mundo, não tinha ninguém para celebrar a ceia da noite de natal ao seu lado! Como entender tamanho paradoxo? Por que nenhuma pessoa próxima a Marilyn estava disposta a passar a noite de natal em sua companhia? Essa situação levou a atriz para um colapso nervoso. Ela que já vinha há semanas depressiva, chegou na conclusão que era hora de acabar com tudo.

Na verdade para entender isso é interessante saber como a vida de Marilyn estava na época. Em poucas palavras a vida pessoal e profissional da atriz estava completamente caótica. Ela havia decidido se divorciar de Arthur Miller depois de um casamento opaco, sem amor, marcado por muitas indiferenças e problemas de relacionamento. No final do casamento não é errado dizer que Miller não passava de um mero empregado de Marilyn, um carregador de malas da atriz. Ela o tratava mal, como a um capacho. Miller também não ajudava, demonstrando total servidão, sem personalidade, praticamente um homem sem pulso ou amor próprio. Com isso Marilyn simplesmente se cansou dele. Ela nunca gostou de homens fracos, manobráveis. Marilyn queria alguém que a tratasse pelo menos de igual para igual.

Como se isso não fosse problemático o suficiente, Marilyn resolveu se envolver com um homem casado, o ator e cantor Yves Montand com quem atuara no filme "Adorável Pecadora". O romance saiu das telas e invadiu o mundo real. A esposa de Montand, Simone Signoret, se considerava amiga pessoal de Marilyn até saber que ela estava tendo um caso com seu marido. Mulher culta, elegante e fina, Signoret resolveu enfrentar Marilyn face a face. De maneira polida e educada pediu que Marilyn não procurasse e nem se encontrasse mais com Montand. A forma como ela fez esse pedido acabou deixando Marilyn ainda mais depressiva. Afinal, pensou ela, que tipo de mulher ela era? Uma que nem ao menos respeitava os maridos das próprias amigas? Tomada por uma forte crise de consciência, Marilyn resolveu aceitar o pedido de Simone e encerrou o caso com Montand de forma definitiva.

Uma das poucas pessoas que havia sobrado em sua vida pessoal era a assessora de imprensa Pat Newcomb. Pouca gente tinha conseguido se adaptar tão bem ao modo estranho de viver de Marilyn do que Pat. Ela acabou se tornando com os anos a verdadeira amiga da atriz. Sempre que Marilyn tinha que viajar, Pat seguia na frente para acertar tudo. Quando esteve na Inglaterra Marilyn exigiu que seu apartamento em Londres ficasse completamente igual ao que mantinha em Nova Iorque, com todos os móveis brancos, sem qualquer sinal de outra cor no ambiente. Além disso todas as janelas deveriam ser cobertas por espessas cortinas também brancas. Marilyn gostava de viver em ambientes completamente alvos, brancos ao extremo, como se estivesse no Polo Norte. Cabia justamente a Pat providenciar esse tipo de coisa. Provavelmente se não fosse a prestativa assistência de Newcomb na vida de Marilyn ela teria morrido muitos anos antes. Pode-se dizer que ela, ao lado da empregada doméstica de Marilyn, salvou a vida da atriz muitas e muitas vezes.

Pablo Aluísio.

Marlon Brando - Hollywood Boulevard - Parte 16

A estrela de Marlon Brando começou a se apagar no início da década de 1960. Durante exatos dez anos Brando foi um dos campeões de bilheteria em Hollywood. Seu nome sempre estava no Top 10 dos astros mais populares. A partir de 1960 porém seus filmes começaram a fracassar. O ponto de virada aconteceu com o faroeste "A Face Oculta". Essa produção era uma aposta certeira rumo ao sucesso por parte da Paramount Pictures, mas Brando brigou logo nos primeiros dias com o diretor e depois de muitos problemas ele mesmo assumiu a direção. Acontece que Brando nunca havia dirigido um filme antes na carreira. O resultado era previsível. O orçamento estourou, os gastos ficaram fora do controle e Brando não conseguiu dar uma forma ideal do ponto de vista comercial ao filme. O resultado foi que o público não comprou a ideia e assim o ator teve seu primeiro grande fracasso de bilheteria.

As coisas só pioraram depois disso. Brando começou a encarar os estúdios como verdadeiros inimigos e passou a recusar roteiros sugeridos pelas companhias. Ao invés de estrelar grandes produções, ele optou pelos pequenos filmes, de diretores iniciantes, cujos roteiros dificilmente fariam sucesso nas bilheterias. Uma exceção foi exatamente o remake de um antigo filme estrelado por Clark Gable chamado "O Grande Motim". Brando que poderia ter atuado em um dos maiores filmes de todos os tempos (Lawrence da Arábia) recusou o convite do diretor David Lean para literalmente afundar em um filme cuja produção nos mares do sul do Pacífico se revelou um enorme desastre financeiro. A MGM perdeu milhões com esse fracasso e nem pensou duas vezes antes de culpar o próprio Marlon Brando pelo prejuízo que teve.

Nos anos seguintes Brando foi colecionando fracassos comerciais: "Quando Irmãos se Defrontam", "Dois Farristas Irresistíveis", "Morituri" e "Caçada Humana" não foram bem de bilheteria. Em pouco mais de quatro anos Brando se tornou um dos atores menos bem sucedidos da indústria. Seu nome foi caindo na lista dos astros mais rentáveis. Ele que sempre havia ficado entre os "10 mais" agora não conseguia ficar nem entre os 40 mais bem sucedidos! A imprensa, que nunca havia gostado muito de Brando, começou a bater. Ele foi chamado de decadente, fracassado, careca, gordo e outras ofensas que só serviam para afundá-lo ainda mais dentro da indústria do cinema.

Em 1967 pintou uma boa oportunidade de se reerguer. Brando soube que Charles Chaplin iria dirigir uma comédia chamada "A Condessa de Hong Kong". Marlon sabia que ele não tinha um bom timing para o humor, mas mesmo assim estava disposto a não perder a oportunidade de trabalhar ao lado de um dos grandes gênios da sétima arte, Chaplin. O problema é que o roteiro não era bom e Chaplin, já bem envelhecido, não tinha mais a mesma genialidade de seu auge. Para piorar Brando não gostou dos métodos de trabalho do veterano e nem de sua pessoa. Em sua autobiografia Brando destroçou Chaplin o chamado de uma das pessoas "mais sádicas e cruéis que havia conhecido em toda a sua vida". Isso porque Chaplin humilhava seu próprio filho, na frente de todos, durante as filmagens.

Assim as previsões pessimistas logo se confirmaram. Quando chegou aos cinemas o filme fracassou de forma monumental. Brando nem quis defender o filme pois sabia que ele não era bom. Tinha um humor ultrapassado, um enredo sem graça e uma produção fraca. Nas próprias palavras do ator o filme "A Condessa de Hong Kong" acabou se transformando em um de seus "maiores desastres". Foi embaraçoso para todo mundo. Quando todos pensavam que Brando havia chegado ao fundo do poço ele ainda caiu mais em "Candy" e "Queimada"! Os filmes não foram apenas novos fracassos, mas também eram muito ruins! O próprio Brando reconhecia isso. Na verdade Marlon Brando só iria reencontrar o caminho do sucesso quando soube que a Paramount iria filmar o romance "O Poderoso Chefão" de Mario Puzo. Se conseguisse o papel do mafioso Corleone poderia ter uma nova chance na carreira. Ele sabia que tinha que interpretar o personagem de qualquer jeito... mas essa é obviamente uma outra história...

Pablo Aluísio.

Marlon Brando - Hollywood Boulevard - Parte 15

Em meados dos anos 1950 o ator Marlon Brando foi até o distante Japão para atuar em seu novo filme chamado "A Casa de Chá do Luar de Agosto" (The Teahouse of the August Moon, EUA, 1956). Embora fosse um americano típico do meio-oeste ele iria interpretar na verdade um personagem japonês, um nativo de nome Sakini. Era obviamente uma aposta arriscada. Ninguém sabia ao certo se a maquiagem iria fazer o espectador esquecer que Brando era um norte-americano ou se tudo ficaria completamente ridículo. O filme dirigido pelo cineasta Daniel Mann contava em seu elenco ainda com outro astro, muito popular na época, Glenn Ford. Antes de desembargar em Tóquio porém Brando resolveu conhecer outros vários países asiáticos. Ele tinha planos de produzir um filme denúncia que mostrasse a pobreza ao redor do mundo, tudo feito em conjunto com a UNESCO.

Assim Brando foi até as Filipinas e outras nações do sudeste asiático para escolher locações, histórias e situações que pudesse explorar em seu documentário. Em cada país que chegou foi recebido como um verdadeiro astro de Hollywood, algo que não o agradava e o deixava até mesmo incomodado. "Não quero ser tratado dessa maneira" - ia logo esclarecendo onde chegava. A imprensa local obviamente o recebia com grande estardalhaço e assim Brando aproveitou para também dar inúmeras entrevistas, a maioria delas falando mal de Hollywood, sua indústria de cinema e da política internacional equivocada promovida pelo governo americano. Para Brando: "Tudo o que o governo dos Estados Unidos faz ao redor do mundo está terrivelmente errado!" Sobre a rotina de ser um ator em Los Angeles ele declarou: "É uma das coisas mais estúpidas do mundo. Você procura fazer um bom trabalho, mas os jornalistas americanos não estão preocupados com arte e sim com fofocas. Eles exploram minha vida pessoal como abutres. Ninguém se importa com os filmes que faço. Eles querem mesmo é saber com quem me deito". Sobre o cinema americano ele resumiu: "Muito comercial, vazio e estúpido".

Ao chegar em Tóquio para o começo das filmagens Brando percebeu que nem tudo seriam flores. O estúdio havia escolhido a época errada para as tomadas de cena, pois chovia todos os dias na capital japonesa. Os produtores não conheciam as estações climáticas do Japão e tinham escolhido a pior delas - a das chuvas torrenciais - para rodar o filme. Sem condições de trabalhar Brando resolveu conhecer a cultura japonesa a fundo. Ele havia frequentado os bairros orientais de Nova Iorque para conhecer melhor o estilo de vida dos japoneses, justamente para parecer mais convincente no filme, porém nada disso poderia significar algo maior do que estar no próprio coração da civilização japonesa. Brando passou a maior parte de seus dias andando pela capital do sol nascente, frequentando seus restaurantes, casas de massagens, absorvendo tudo, a culinária, o idioma (que fez questão de aprender, dando inclusive uma entrevista coletiva em japonês) e convivendo com o japonês comum, o homem médio, o trabalhador (tal como seu papel no filme). Sobre isso falou: "Não me interessa os políticos ou os figurões. Quero conhecer o povo japonês e seu modo de viver".

O projeto porém de filmar o filme no Japão logo se mostrou um desastre. Assim os diretores e executivos da Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) decidiram que toda a equipe deveria voltar para os Estados Unidos, para que o filme fosse feito dentro do estúdio em Los Angeles, algo que deixou Brando realmente furioso. Para o ator o filme iria perder muita da sua autenticidade se fosse feito nos Estados Unidos e não no Japão. Embora tenha protestado não houve jeito. Todos voltaram. Pior do que isso, Brando descobriu que a MGM havia escolhido ele para ser o bode expiatório do fracasso no Japão. A imprensa começou a atacar Marlon dizendo que ele havia criado problemas em Tóquio. Não era verdade! Assim o ator começou a surgir no estúdio para trabalhar sem a menor motivação, com cara fechada e obviamente contrariado. A duras penas concluiu sua parte e depois disparou: "O filme não vai convencer. Não fiquei bem com maquiagem de japonês. Melhor esquecer tudo!". O velho rebelde Marlon Brando, pelo visto, não havia perdido seu jeito de criar polêmicas e dar o troco em quem ele achava que o havia apunhalado pelas costas.

Pablo Aluísio.

Marlon Brando - Hollywood Boulevard - Parte 14

Logo no começo de sua carreira Brando conheceu a atriz Anna Kashfi. Ela era indiana e tinha ido até Hollywood em busca do sucesso no cinema americano. Kashfi tinha uma beleza exótica, bem diferente das loiras americanas. Brando sempre foi atraído por esse tipo de mulher e o fato dela ser muito independente, de forte personalidade, fez com que Marlon ficasse ainda mais caído por ela. Desde seus primeiros amores Marlon Brando sempre se interessou por mulheres de etnias diferentes da sua. Ele tinha intensa predileção por mulatas, negras e latinas. Também se interessava muito por mulheres do Taiti. Assim em termos de visual Kashfi tinha tudo o que precisava para seduzir Brando. Apaixonado, o ator a pediu em namoro, mas ela, para sua completa surpresa, o recusou. Isso atiçou ainda mais o lado conquistador de Brando que estava decidido a conquistá-la de todas as formas. Depois de muitas recusas ela finalmente cedeu. Brando ficou completamente encantado a ponto de pensar pela primeira vez em sua vida no casamento. Sabendo que poderia ganhar o grande prêmio na capital mundial do cinema ela acabou manipulando o ator e em pouco tempo eles estavam casados. Esse foi um erro que Brando iria se arrepender pelo resto de sua vida.

Infelizmente a união passou longe de ser um casamento feliz. Marlon Brando não estava disposto a deixar suas inúmeras amantes. Nunca havia sido fiel em sua vida e não seria agora que as coisas mudariam. As traições viraram rotina. Brando estava sempre dando alguma desculpa para ficar longe de sua casa e se divertia a valer com as muitas mulheres (e dizem, homens) que frequentavam sua cama. Anna Kashfi ficou furiosa com seu comportamento. Mulher de gênio forte jamais iria aceitar esse tipo de humilhação pública (sim, Brando surgia com suas amantes em restaurantes e festas, na frente de todos, sem um pingo de arrependimento). Seu comportamento não iria dar em algo bom e realmente não deu.

Numa noite Brando chegou de madrugada em casa logo após uma noite de farras. Anna Kashfi o estava esperando na cozinha, fora de si, com uma faca na mão. Assim que Marlon entrou no recinto ela tentou lhe esfaquear. A agilidade salvou o ator da morte certa. Ele conseguiu se desviar no último segundo. Com a faca na mão Anna não desistiu e saiu correndo atrás de Brando que correu com toda a velocidade para a piscina. Agora imaginem a cena, o ator mais bem pago de Hollywood dando voltas em sua piscina com sua mulher enfurecida com uma faca na mão decidida a matá-lo! No outro dia empregados de Marlon e Anna abriram a boca e em pouco tempo o escândalo já tinha se tornado público e notório. O que ninguém sabia e nem Marlon é que Anna era bipolar, sofria de problemas mentais e em sua família várias mulheres tinham apresentado esse problema ao longo dos anos. Para piorar ela começou a dar entrevistas escandalosas para jornalistas. Dizia que Brando era bissexual, que levava para cama qualquer pessoa que lhe interessasse. Que não tinha respeito por ela, nem por ninguém, que era um promíscuo, que era um vagabundo e por aí vai, ladeira abaixo. A baixaria por parte dela não tinha limites. Era uma vergonha em Hollywood. Quando um repórter perguntou a Brando o que ele achava das declarações da mulher ele se resumiu a dizer: "Eu me casei com uma louca delirante!".

Depois disso Brando resolveu dar um basta, pediu divórcio e começou uma longa, custosa e penosa briga na justiça pela guarda do filho Christian Brando. Esse foi certamente o filho mais problemático da vida de Marlon Brando, herdando muitos problemas da mãe. Alguns anos depois Christian seria julgado pela morte do marido da própria irmã e condenado, cumpriria uma longa pena de prisão por assassinato em primeiro grau. As custas judiciais pelo divórcio e pela guarda definitiva e exclusiva de seu único filho custaram muito a Brando. Ele gastou milhões com advogados e teve que conviver com o assédio implacável da imprensa. Para piorar a carreira começou a ir mal, a má publicidade nos jornais influenciou o público que deixou de ir conferir seus últimos filmes. De repente Brando via sua vida profissional e sentimental em frangalhos. Muito bem humorado o ator dizia que nada disso importava, o que mais lhe preocupava era o fato de estar ficando rapidamente careca! Era uma forma que Marlon Brando encontrava para aliviar um pouco o stress absurdo que tinha que passar. Quando finalmente escreveu sua autobiografia ele admitiu que apesar de posar de rebelde e indiferente, ele ficava mesmo muito magoado e deprimido com os ataques que sofria, principalmente os que vinham da imprensa, sempre sensacionalista em relação à sua vida pessoal.

Pablo Aluísio.

Marlon Brando - Hollywood Boulevard - Parte 13

Aos 32 anos Marlon Brando aceitou o convite da Warner Bros para trabalhar no filme "Sayonara". Ele não havia gostado muito do roteiro, mas sentia que devia um favor ao diretor Joshua Logan. O cineasta havia arranjado trabalho para sua irmã em um momento complicado da vida dela, quando estava desempregada em Hollywood. Assim como forma de gratidão Brando decidiu a que iria trabalhar ao lado de Logan. Além disso ir para o Japão fazer o filme iria trazer para ele um pouco de paz e distância de Hollywood, algo que ele vinha buscando já há algum tempo.

Infelizmente para Brando as filmagens foram problemáticas. Chovia muito na cidade japonesa onde a equipe ficou. Quase nunca havia um clima bom para as cenas, causando muitos atrasos no cronograma da produção do filme. A imprensa americana começou a culpar Brando, mesmo sem ele ter nenhuma culpa nos atrasos. Não era novidade a antipatia mútua que Brando sentia por jornalistas e isso só se agravou durante o filme. Mais grave ainda, o escritor Truman Capote o embebedou durante uma tarde e Brando começou a falar mal de todo mundo em Hollywood. Assim que voltou aos Estados Unidos Capote escreveu um artigo devastador sobre o ator e publicou tudo numa revista. Brando se sentiu completamente traído e enganado por ele.

Para piorar Brando não se deu bem com a comida japonesa. Ele ficou doente, com diarreias recorrentes por causa de todo aquele "peixe cru", como ele gostava de ironizar. A atriz que havia sido escalada para trabalhar ao seu lado era praticamente uma novata, quase amadora, chamada Miiko Taka. Brando assim precisou ser colega e professor ao mesmo tempo pois ela começou a ter crises de medo e pânico antes das filmagens. O diretor Logan também teve uma forte crise de depressão durante os trabalhos, o que fez com que Brando praticamente dirigisse a si mesmo, por causa do estado psicológico do cineasta.

O filme acabou sendo sucesso de bilheteria. Brando cumpriu seu contrato e voltou para os Estados Unidos. Durante as filmagens a Warner exigiu que ele perdesse de oito a dez quilos pois os produtores acharam que ele estava aparentando estar muito gordo nas primeiras tomadas. Por pressão contratual Brando cumpriu a tarefa, emagreceu rapidamente, mas acabou descontando tudo quando voltou a Los Angeles. Segundo sua esposa na época, o ator caiu pesado nos doces e sorvetes, o que fez com que ele em poucos dias ganhasse todos os quilos que havia perdido no Japão. A partir desse ponto Brando iria ter com mais frequência problemas com a balança. E precocemente ele começou a se sentir velho demais para se importar com esse tipo de coisa.

Pablo Aluísio.

Marlon Brando - Hollywood Boulevard - Parte 12

Em 1953 Marlon Brando entrou no set de seu novo filme, "The Wild One" que no Brasil seria intitulado "O Selvagem". Brando, já naquela altura considerado o maior rebelde de Hollywood, iria interpretar o papel de um jovem motoqueiro chamado Johnny Strabler. A direção seria do cineasta húngaro Laslo Benedek que havia dirigido a adaptação para o cinema do clássico da literatura "A Morte do Caixeiro Viajante" dois anos antes. Inicialmente Brando não viu grande coisa no roteiro. Para ele seria um filme apenas para cumprir contrato com o produtor Stanley Kramer. Como era um filme pequeno, de curta duração e com enredo simples, não haveria muito trabalho à vista. Nada que poderia se comparar com os filmes anteriores do ator, verdadeiras obras primas como "Espíritos Indômitos", "Uma Rua Chamada Pecado", "Viva Zapata!" e principalmente "Júlio César" que havia exigido muito dele em termos de atuação. Afinal de contas Brando havia suado a camisa para se sair bem em seus primeiros filmes, em especial o último, uma complicada adaptação para o cinema da famosa peça escrita por William Shakespeare, sob direção do austero Joseph L. Mankiewicz. Assim interpretar Johnny era quase como um passeio no parque. Além do mais Brando adorava motos e o universo que as cercava, então foi mesmo a união de algo que gostava de fazer em sua vida pessoal com a possibilidade de dar um tempo nos filmes mais sérios e desafiadores.

Para sua surpresa porém o filme virou um dos maiores cult movies da história. Inicialmente Brando não gostou da película. Como ele próprio recordou em suas memórias a primeira vez que assistiu a "O Selvagem", logo após sua estreia nos cinemas, não gostou mesmo do que viu. Achou o filme violento e sem conteúdo. Curiosamente a fita acabou virando o estopim de uma série de revoluções comportamentais ocorridas na juventude americana nos anos 1950, desembocando na revolução cultural que iria estourar nos anos 1960. Para Brando foi tudo uma grande surpresa. Ele não tinha consciência na época que havia todo um sentimento reprimido por parte dos jovens e que seu filme seria usado para aprofundar todos esses anseios. Johnny, na visão de Brando, era apenas mais um personagem a interpretar. A juventude da época porém viu de outro modo. Aquele motoqueiro, vestido de couro preto da cabeça aos pés, era a personificação da liberdade. O roteiro dava a ele uma conotação ruim, algo que não poderia ser usado como modelo, mas como um aviso contra a delinquência juvenil. Para reforçar isso o estúdio colocou um texto avisando sobre os males de se seguir o exemplo dos personagens. Brando percebeu que o tiro sairia pela culatra. A juventude em geral ignorou a mensagem moralista quadrada e obsoleta e abraçou o personagem como um ícone, um mito, um exemplo a seguir. Para Brando não poderia ser melhor e ele foi elevado à altura de símbolo máximo entre os jovens da época.

Realmente, do ponto de vista puramente cinematográfico "O Selvagem" não pode ser comparado aos demais clássicos que Brando rodou por essa época em sua carreira. Já do ponto de vista meramente cultural e sociológico é de fato um dos mais marcantes momentos de sua carreira no cinema. Isso porque o filme não pode ser visto apenas sob a ótica do que se vê na tela, e sim muito mais além disso, pois teve enorme influência dentro da sociedade, principalmente entre os jovens, que viram ali um modelo de liberdade incrível. Numa época em que havia grande repressão e os controles morais eram extremos, ver Johnny atravessando a América de moto, sem dar satisfações a ninguém, e vivendo com um grupo de rebeldes como ele, era de fato um impacto para o jovem americano típico dos anos 1950. Depois que Brando surgiu com aquela imagem ícone, nasceu toda uma cultura jovem no país, até porque a juventude de um modo em geral era completamente ignorada dentro da sociedade até então, sendo considerada apenas uma transição entre a infância e a vida adulta. Depois de Brando vieram James Dean - o maior símbolo de juventude que o cinema jamais produziu - o Rock ´n´ Roll, Elvis Presley e toda a iconografia da cultura jovem que conhecemos hoje em dia.

Para Brando o filme passou logo, mas os efeitos dele se tornaram duradouros. Assim que terminou as filmagens da fita ele foi procurado novamente por Elia Kazan. Ele o convidou para participar do filme "On the Waterfront" (no Brasil, "Sindicato de Ladrões"). Assim que leu o roteiro Brando entendeu do que se tratava. Era uma grande metáfora em forma de película, que justificava de certa forma o comportamento do próprio Kazan durante o Macartismo, onde ele havia dedurado vários colegas de profissão. Depois disso a biografia do cineasta havia sido manchada para sempre. Ele tencionava com o filme resgatar parte de seu prestígio dentro da comunidade cinematográfica, ao mesmo tempo em que justificava seu ato e pedia desculpas pelo que fez. No começo Brando relutou em fazer o filme. Desde sempre ele se considerava um liberal e o que Kazan havia feito era realmente algo desprezível. A vontade porém de realizar mais uma obra prima foi maior do que seus escrúpulos pessoais. Assim, ainda vestido de Johnny, ele se encontrou nos corredores da MGM e assinou o contrato com Kazan. Mal sabia que estaria prestes a realizar um dos maiores filmes de toda a sua carreira.

Pablo Aluísio.

Guerra e Paz

Baseado no romance escrito por Leo Tolstoy o filme "Guerra e Paz" conta a história de uma série de personagens que vivem na Rússia no momento em que sua nação é invadida por tropas comandadas por Napoleão Bonaparte. Entre os que sentem na pele os efeitos da guerra está Natasha Rostova (Audrey Hepburn), uma doce jovem da pequena nobreza e Pierre Bezukhov (Henry Fonda), um moscovita que se torna herdeiro de uma grande fortuna. Adaptar o romance "Guerra e Paz" para o cinema nunca foi algo simples ou fácil de fazer. Recentemente assisti a uma minissérie da BBC e mesmo nesse formato percebemos que ainda falta muito para trazer todo o universo de Tolstoy para a tela. Se é assim para uma série, imagine para um filme!

O diretor King Vidor sempre teve a mão pesada e aqui ela ficou ainda mais pesada por causa do material que precisou adaptar. O resultado foi um filme com três horas e meia de duração, com muitos personagens, que em muitas ocasiões se torna cansativo. A produção é ótima pois o filme foi rodado em Roma, nos estúdios da  Cinecittà, com produção do grande Dino De Laurentiis e Carlo Ponti, dois dos maiores produtores da história do cinema europeu, porém nem a grande pompa e luxo escondeu alguns problemas do roteiro. Para se ter uma ideia foram necessários nove roteiristas para se chegar numa versão final do texto. Mesmo assim não ficou tão tão bom.

Era necessário enxugar ainda mais a história, para que não ficasse tão dispersa. Bom, mesmo com eventuais problemas como esses que foram citados, é inegável que se trata de um grande filme, um daqueles épicos que não são feitos mais hoje em dia. Outro ponto que merece destaque é o elenco. Henry Fonda me pareceu um pouco perdido em seu personagem, que era muito mais jovem do que sua idade na época em que o filme foi feito. Sua presença ainda assim é um dos grandes atrativos do filme. Melhor se sai a bela e carismática Audrey Hepburn! Ela só não se torna melhor porque sua personagem não foi tão bem tratada pelo roteiro. Do jeito que ficou, por exemplo, sua paixão por um outro pretendente, enquanto seu noivo prometido está na guerra, acabou soando pouco verossímil. A questão é justamente essa, mesmo com três horas de duração o filme não conseguiu dar conta de tantos personagens complexos e relevantes para a trama. Adaptar Tolstoy para o cinema realmente nunca foi algo simples.

Guerra e Paz (War and Peace, Estados Unidos, Itália, 1956) Estúdio: Paramount Pictures / Direção: King Vidor / Roteiro: Bridget Boland / Elenco: Henry Fonda, Audrey Hepburn, Mel Ferrer, Vittorio Gassman, Anita Ekberg, Tullio Carminati / Sinopse: Durante a Rússia Czarista um jovem acaba recebendo uma grande fortuna de herança. Ele porém não tem a experiência de vida e nem a vivência para lidar com essa riqueza. Pior do que isso, sua nação está prestes a ser invadida pelas tropas do general francês Napoleão Bonaparte, algo que mudará a vida de todas as pessoas daquele período histórico. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção (King Vidor), Melhor Fotografia (Jack Cardiff) e Melhor Figurino (Maria De Matteis).

Pablo Aluísio.

Jezebel

A atriz Bette Davis costumava dizer que o diretor William Wyler era um verdadeiro tirano durante as filmagens e que paradoxalmente a isso ele havia conseguido lhe tirar as melhores interpretações de sua carreira. O filme "Jezebel" vem justamente para confirmar as afirmações de Davis. Aqui ela interpreta Julie Marsden, uma jovem dama sulista na New Orleans do século XIX. Mimada, geniosa e dada a ataques de capricho, ela coloca seu romance com o banqueiro Preston Dillard (Henry Fonda) em risco, justamente por causa de sua personalidade. Preston gosta dela, é verdadeiramente apaixonado, porém a paciência vai se acabando. Durante um tradicional baile sulista, onde as jovens solteiras sempre vão com lindos vestidos brancos, numa tradição muito valorizada no sul, Julie decide aparecer com um vestido todo vermelho, bem berrante, para escândalo da sociedade local. Essa "vergonha" começa a minar o romance dela com o jovem banqueiro, que afinal de contas é muito suscetível a qualquer problema dentro das regras daquela sociedade, uma vez que é um banqueiro que precisa preservar sua imagem perante seus clientes.

Dois aspectos históricos bem interessantes acompanham o enredo de "Jezebel". O primeiro é o fato da história se passar apenas poucos anos antes do começo da guerra civil americana. Já naquela época os ânimos surgem bem aflorados, dominando as conversas dos sulistas pelos salões das cidades. Outro é o surgimento da febre amarela no sul, levando morte e destruição em uma escala jamais vista. Essa doença que se dissemina com extrema rapidez vai ser essencial no desenrolar da história, culminando numa forte cena final que certamente marcou época e é o grande momento de todo o filme.

"Jezebel" foi baseado numa peça escrita por Owen Davis. De certa forma foi uma produção que antecipou em um ano o impacto do clássico "E o Vento Levou". As duas histórias dos filmes são bem parecidas, com enredos se passando no sul escravocrata, nos tempos da guerra civil. As duas protagonistas também são bem semelhantes. Até mesmo em termos de premiação da academia temos semelhanças pois Bette Davis foi merecidamente premiada com a estatueta de melhor atriz do ano com essa interpretação. Ela era ainda bem jovem, mas já imprimia a marca de sua forte personalidade em sua personagem. Décadas mais tarde, após o falecimento de Bette Davis, o diretor Steven Spielberg compraria o Oscar que ela havia sido premiada por esse filme e que estava à venda em um leilão em Londres. Ele comprou a estatueta e a devolveu para o museu da academia em Hollywood. Um gesto de preservação da história do cinema. Em suma, esse é de fato um dos melhores filmes históricos desse momento crucial na história dos Estados Unidos. Um clássico absoluto do cinema americano em sua era de ouro.

Jezebel (Jezebel, Estados Unidos,1938) Direção: William Wyler / Roteiro: Clements Ripley, Abem Finkel / Elenco: Bette Davis, Henry Fonda, George Brent / Sinopse: Julie (Bette Davis) é uma jovem mimada e de personalidade forte. Ela tem um romance com um jovem banqueiro chamado Preston (Fonda), mas esse vai aos poucos perdendo a paciência com seus inúmeros caprichos. Quando a febre amarela assola a região o casal se colocará a prova, principalmente quando Julie descobrir que o grande amor de sua vida se casou com uma jovem do norte após o rompimento de seu conturbado namoro. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Fotografia (Ernest Haller) e Melhor Música (Max Steiner). Vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Bette Davis) e Melhor Atriz Coadjuvante (Fay Bainter).

Pablo Aluísio. 

Lolita

É interessante notar que mesmo tendo sido diretor por várias décadas, Stanley Kubrick dirigiu poucos filmes. No total foram apenas 16 direções assinadas por ele. Em quatro décadas de trabalho ele de fato dirigiu poucos filmes. Passou longe de ter uma filmografia extensa. Acontece que Kubrick ficava trabalhando nos roteiros por anos e anos. E só depois de muito pensar, finalmente assinava um contrato com os estúdios de cinema. E por ficar muito tempo sem ter novos filmes, cada vez que algo dele chegava aos cinemas chamava bastante atenção dos críticos e cinéfilos. Em 1962 ele chocou a todos quando seu novo filme chegou nos cinemas da Europa e Estados Unidos. Era uma adaptação da controversa e polêmica obra escrita por Vladimir Nabokov. O livro havia sofrido ataques por todos os setores da sociedade. Para os mais conservadores o seu texto trazia uma espécie de apologia à pedofilia, mesmo que de forma muito sutil e camuflada.

Stanley Kubrick tinha uma outra visão sobre tudo. Para ele era apenas um filme romântico, embora o casal protagonista estivesse fora dos padrões esperados pelos conservadores. Certamente a jovem adolescente Lolita (Sue Lyon) e o cinquentão Prof. Humbert Humbert (James Mason) não estavam dentro do que se esperaria de um casal na época. Um homem de sua idade se relacionar com uma ninfeta como Lolita era mesmo um escândalo. O curioso é que a obra de Vladimir Nabokov ainda hoje causa muita controvérsia. Penso inclusive que nos dias atuais o filme (e o livro) despertem ainda mais incômodo, porque afinal o politicamente correto jamais aceitaria um enredo como o que vemos por aqui.

Stanley Kubrick tinha bastante receio de adaptar esse livro para o cinema, não por causa dos padrões morais que ele infringia, mas sim porque em sua opinião seria muito complicado achar uma atriz para interpretar Lolita. Ela tinha que ser uma adolescente com certo ar ainda infantil, mas ao mesmo tempo ter muita malícia. Levar isso para o público não seria fácil. Para sorte de Kubrick ele acabou achando a atriz certa. A loirinha Sue Lyon acabou sendo a escolha perfeita. Ela não apenas era linda, como também era uma ótima atriz! Ela já tinha 18 anos quando fez o filme, mas com traços de menina mais jovem, convencia plenamente como Lolita. James Mason também se arriscou. Mesmo contra a vontade de seu agente ele aceitou fazer o filme. Outro destaque vem da presença do comediante Peter Sellers, aqui em um papel até mesmo bem perturbador. Nada de humor em seu personagem. Enfim, se você gosta do cinema de Stanley Kubrick esse filme se torna indispensável. Caso a história seja um pouco fora dos padrões de sua moralidade pessoal, então basta ignorar o filme como um todo. Caso contrário não deixe de assistir.

Lolita (Lolita, Estados Unidos, Inglaterra, 1962) Direção: Stanley Kubrick / Roteiro: Stanley Kubrick, Vladimir Nabokov, baseado na obra de Vladimir Nabokov / Elenco: James Mason, Sue Lyon, Shelley Winters, Peter Sellers / Sinopse: Escritor cinquentão fica perdidamente apaixonado por uma adolescente chamada Lolita. Ele tenta superar de todas as formas a atração que sente pela jovem, mas acaba cedendo aos seus desejos, ainda mais depois de perceber que ela também se mostra interessada em seus avanços. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor roteiro adaptado.

Pablo Aluísio. 

As Chuvas de Ranchipur

Para superar problemas no casamento o rico Lord inglês Albert Esketh (Michael Rennie) e sua elegante esposa Lady Edwina Esketh (Lana Turner) decidem viajar até a distante Índia, província do império britânico, para fazer turismo e comprar cavalos de raça para seu plantel na Inglaterra. Seu destino é a região de Ranchipur. Uma vez lá Lady Edwina acaba se apaixonando por um médico idealista, o Dr. Major Rama Safti (Burton), dando origem a um perigoso triângulo amoroso. Todo o intenso jogo romântico porém é interrompido por um enorme desastre natural que se abate sobre o exótico lugar. Aventuras exóticas em países distantes fizeram muito sucesso na época de ouro do cinema clássico americano. Havia um frescor em conhecer outras culturas sendo bastante para isso apenas a compra de um ingresso de cinema que custava poucos centavos de dólar. Assim houve no começo da década de 1950 um verdadeiro boom de interesse por parte do público diante desse tipo de filme.

E se o estúdio colocasse pitadas de romance com astros e estrelas de sucesso a boa bilheteria certamente seria certa. Todos esses ingredientes podem ser encontrados aqui em "The Rains of Ranchipur". Estrelado por Lana Turner e Richard Burton o roteiro explorava justamente esse nicho de mercado. Romance, aventura, terras exóticas e ação. Hoje em dia o filme é lembrado bastante por causa de seus bem realizados efeitos especiais (que chegaram a concorrer ao Oscar na categoria). De certa maneira é uma antecipação do que viria a se tornar bem popular algumas décadas depois, quando grandes desastres da natureza se tornavam o tema principal dos filmes que passaram a ser conhecidos como "cinema catástrofe". Tudo isso porque no enredo há um grande cataclisma natural. Se esse tipo de situação não lhe interessa é bom saber que a produção desfila um belo figurino em cena, principalmente nos trajes elegantes usados pelo personagem de Richard Burton. Lana Turner também não fica atrás, sempre tão fina e sofisticada. Em suma, uma aventura ao velho estilo, valorizado por um glamour tipicamente Hollywoodiano.

As Chuvas de Ranchipur (The Rains of Ranchipur, Estados Unidos, Inglaterra, 1955) Estúdio: Twentieth Century Fox / Direção: Jean Negulesco / Roteiro: Louis Bromfield, Merle Miller / Elenco: Lana Turner, Richard Burton, Fred MacMurray, Joan Caulfield / Sinopse: Um elegante e nobre casal inglês decide fazer uma viagem de turismo na exótica Índia, naquele momento uma colônia do poderoso império britânico. O que eles não poderiam prever é que iriam estar no país indiano bem no meio de um grande desastre natural.  Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais (Ray Kellogg e Cliff Shirpser).

Pablo Aluísio.