Almas Desesperadas

Esse foi um filme feito pela atriz Marilyn Monroe antes dela se tornar uma das maiores estrelas da história de Hollywood. Na época Marilyn era apenas uma garota bonita com um certo potencial. Uma starlet. E o mais interessante de tudo é que ela se saiu muito bem como atriz, sem apelar tanto para seu Sex Appeal. Claro, sua beleza e sensualidade natural sempre iriam chamar a atenção, mas esse não foi o foco do filme em si. A trama é engenhosa. Um casal deixa sua pequena filha aos cuidados da sobrinha do ascensorista do hotel onde estão hospedados. O problema é que a nova babá, chamada Nell Forbes (Marilyn Monroe), sofre de graves problemas psicológicos e mentais. A aproximação de um outro hóspede, Jed Towers (Richard Widmark), na vida de Nell só piora ainda mais a situação. Com isso a situação que já era delicada, se torna explosiva e altamente perigosa.

"Almas Desesperadas" foi o primeiro filme em que Marilyn Monroe realmente se destacou, surgindo com um papel importante. Até aquele momento ela se resumia a fazer papéis pequenos, sem grande importância. A maioria deles apenas aproveitando de sua beleza. Tudo muda aqui. Marilyn Monroe está em praticamente todas as cenas de um roteiro que se passa quase em tempo real, todo em uma só noite, dentro de um quarto de hotel. Muitos biógrafos e críticos afirmam que o papel da babysitter mentalmente perturbada era muito forte para uma Marilyn Monroe ainda tão jovem e inexperiente. De fato, não deve ter sido nada fácil interpretar um personagem assim com apenas 26 anos de idade, mas sinceramente discordo dos que criticam a atuação da atriz nesse filme. Achei sua atuação muito digna e correta. Marilyn, em nenhum momento, cai no exagero ou na caricatura. Para uma jovem estrela, sem muita experiência dramática, devo dizer que ela se saiu extremamente bem. O filme só funcionaria se Marilyn atuasse de forma satisfatória - e ela fez isso, com muita garra e sensibilidade, tenham certeza.

E como poderíamos definir esse filme? "Almas Desesperadas" é, em essência, um drama com toques de suspense e tensão. Quase cinema noir. A estrutura narrativa inclusive lembra uma peça de teatro. Os personagens estão concentrados em um ambiente fechado, dentro de uma situação limite. Poderia ter ficado pesado e chato, mas não, o filme se desenvolve muito bem em seus curtos 76 minutos. Richard Widmark segue a trilha da boa atuação de Marilyn Monroe e desfila elegância e charme durante as cenas. Aliás seu figurino chama bem a atenção pois revela a moda masculina na primeira metade dos anos 1950 com ternos enormes, folgadões, que alguns anos depois viriam a virar moda novamente. E ele era certamente o ator ideal para atuar nesse tipo de papel. Geralmente interpretava personagens que eram anti-heróis ou vilões assumidos. Nunca foi um ator de papéis de sujeitos bonzinhos ao longo de toda a sua carreira.

Para uma produção B da Fox, achei tudo de bom gosto. O hotel onde se passa a estória foi bem recriado e os demais figurinos são bonitos. E por falar em beleza, Marilyn estava linda, maravilhosa na época. Ainda com o frescor da juventude ela fotografou muito bem nas cenas. Com cabelos mais escuros que o normal, os fãs da atriz foram presenteados com vários closes de seu rosto inesquecível. Mesmo fazendo papel de maluquinha sua sensualidade acabou explodindo em cada tomada. Não foi à toa que ela se tornou um dos grandes símbolos sexuais do século XX. Embora seu papel não fosse essencialmente sensual, ela o tornava assim naturalmente. A Fox inclusive investiu bem nisso, a começar pelo poster do filme explorando a sensualidade de Marilyn de forma bem ostensiva e descarada. Em conclusão podemos afirmar que "Almas Desesperadas" não decepciona. É um registro histórico da ascensão de um dos maiores mitos da história do cinema! Só isso já o torna obrigatório.

Almas Desesperadas (Don't Bother to Knock, Estados Unidos, 1953) Direção: Roy Ward Baker / Roteiro: Daniel Taradash baseado na novela de Charlotte Armstrong / Elenco: Richard Widmark, Marilyn Monroe, Anne Bancroft, Donna Corcoran, Jeanne Cagney / Sinopse: Casal que vai a um jantar de gala contrata jovem babá chamada Nell Forbes (Marilyn Monroe) para cuidar de sua filhinha. A babá é sobrinha do ascensorista do hotel e desde que seu namorado morreu na guerra sofre de crises mentais. E esse se torna o grande problema daquela noite.

Pablo Aluísio.

Laranja Mecânica

Sem dúvida o filme mais polêmico do mestre Stanley Kubrick. O diretor escreveu o roteiro, adaptando o estranho livro de Anthony Burgess. Lançada em 1962, a obra literária não foi totalmente compreendida na época. Para muitos o livro era violento demais. Porém a intenção do autor era justamente fazer um texto que criticasse a violência da juventude de sua época. De quebra tecia inúmeras críticas a sistemas estatais autoritários. E por não ter sido entendido, o livro acabou sendo acusado justamente daquilo que criticava de forma inteligente. Isso de certa forma também aconteceu com o filme. Kubrick queria mandar a mensagem do livro original para as telas de cinema, mas novamente não foi bem interpretado. Nesse processo criou-se uma grande polêmica que de certa forma segue ainda nos dias de hoje.

E essa acabou sendo a marca principal dessa controvertida obra de Kubrick. Mesmo após tantos anos de seu lançamento o impacto ainda continua, pois "Laranja Mecânica" continua despertando ódios e paixões na mesma intensidade. Para muitos especialistas na filmografia do diretor a película não é a obra prima definitiva do cineasta, mas certamente é um de seus filmes mais intrigantes e complexos. A trama pode até soar absurda, vulgar e ofensiva para muitos, porém esse é o tipo de filme em que sua verdadeira riqueza não está na superfície do que se vê nas telas, mas sim em seu subtexto, naquilo que o diretor quis passar para o público.

A trama começa mostrando um grupo de jovens rebeldes cujos interesses podem ser resumidos em ultra violência, sexo e música clássica, não necessariamente nessa ordem. Os jovens não possuem qualquer perspectiva de futuro e por isso passam todo o seu tempo barbarizando a civilização, tal como imposta por um Estado opressor. Assim invadem uma casa, estupram uma mulher na frente de seu marido, espancam, humilham e colocam para fora todos os seus instintos mais viscerais, selvagens e obtusos. Kubrick capta tudo, como se estivesse até mesmo tendo prazer em mostrar aquilo. Ele transforma os atos irracionais de seus personagens em uma opereta insana.

A violência extrema de “Laranja Mecânica” chocou o público em seu lançamento (aliás choca até hoje). O diretor teve que lidar com uma saraivada de críticas e ofensas e muitas pessoas abandonaram a sala com menos de 20 minutos de exibição. De fato não há como negar que é um filme extremo, que mexe com os instintos mais básicos do público. Muitos se sentiram ofendidos e o filme enfrentou problemas em alguns países. Aqui no Brasil ele foi censurado por anos. Em plena ditadura militar a obra foi considerada grotesca e até pornográfica. Nas cenas de nudez a censura mandou colocar "bolinhas saltitantes" em cima das genitálias femininas das personagens, mesmo sendo o filme proibido para menores de 18 anos. E isso após muito esforço para lançar o filme em nossos cinemas. Até mesmo porque sua mensagem contra regimes autoritários ia contra tudo o que a ditadura militar no Brasil representava.

Na verdade “Laranja Mecânica” é um manifesto contra a opressão, o autoritarismo e a invasão das liberdades individuais por um Estado de exceção. Kubrick faz uma dura crítica aos meios repressivos mais incisivos. Isso é bem demonstrado quando os delinquentes do filme são capturados e começam a passar por uma verdadeira lavagem cerebral onde seus valores são todos trocados pelos valores que o Estado entende ser os adequados. O indivíduo é apagado, virando um reflexo amorfo da coletividade estatal, forte, onipresente, incontrastável. É realmente uma pena que poucas pessoas tenham entendido essa mensagem na época (e muitas não entenderam até hoje). No meio de tudo fica apenas o registro da genialidade do excêntrico Kubrick, que não estava preocupado em agradar a ninguém a não ser ele mesmo e sua arte.

Laranja Mecânica (A Clockwork Orange, Estados Unidos, Inglaterra, 1971) Direção: Stanely Kubrick / Roteiro: Stanley Kubrick, baseado no livro de Anthony Burgess / Elenco: Malcolm McDowell, Patrick Magee, Michael Bates / Sinopse: Em um futuro indeterminado um grupo de jovens delinquentes caem nas garras de um Estado opressor que começa um sistema de lavagem cerebral para mudar sua forma de pensar e se comportar. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Roteiro, Direção e Edição. Indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Direção e Melhor Ator (Malcolm McDowell).

Pablo Aluísio.

Ao Mestre Com Carinho

Esse é um clássico do cinema, muito querido inclusive no Brasil. Na história temos como protagonista Mark Thackeray (Sidney Poitier), um professor americano negro que chega para ensinar numa escola pública na região mais pobre de Londres. Os alunos são todos indisciplinados, rebeldes e desmotivados. Um deles chega a se referir a uma pilha de livros como porcaria! Inicialmente hostilizado, intimidado e ridicularizado o professor aos poucos vai conquistando a simpatia de sua classe, tudo a custa de muita dignidade, exemplo e postura. Depois de algum tempo o mestre consegue compreender que as atitudes de seus alunos são reflexos de suas vidas familiares desajustadas e disfuncionais. A violência verbal e física que sofrem de seus próprios pais se reflete depois em seu comportamento escolar. A escola também funciona como ponto de parada final para alunos que nenhuma outra escola de Londres mais aceita – e para onde só vão os desajustados, incorrigíveis e violentos. Com calma, paciência e disciplina, o mestre espera conquistar a consideração e a atenção de seus jovens alunos, que parecem completamente perdidos em suas vidas.

“Ao Mestre Com Carinho” é seguramente um dos maiores clássicos do cinema em seu tema. O assunto já havia sido explorado muito bem antes em “Sementes da Violência” (curiosamente com Poitier interpretando um aluno rebelde), mas ganha uma roupagem mais de acordo com a década de 1960. Em seu argumento são mostrados aspectos sociais, culturais e raciais da sociedade. O professor é negro, vindo de origem pobre e sofre inicialmente por causa disso. Apenas sua firmeza de caráter lhe garante o respeito devido a que merece. Na época de seu lançamento, o filme foi muito elogiado por sua coragem e sensibilidade pois temas considerados complicados eram retratados com bastante cautela. A classe mostrada no filme nada mais é do que um microcosmo da parte mais pobre da capital inglesa e disseca uma série de jovens sem um grande futuro pela frente. Além do texto socialmente consciente “Ao Mestre Com Carinho” também mostrou-se relevante do ponto de vista musical. Sua trilha sonora foi premiada com o Grammy e a canção "To Sir, with Love", cantada por Lulu, se tornou um grande sucesso popular. Assim fica a dica desse belo momento do cinema da década de 1960 que consegue com maestria discutir os problemas educacionais de seu tempo de forma impecável.

Ao Mestre Com Carinho (To Sir, with Love, Estados Unidos, Inglaterra, 1967) Direção: James Clavell / Roteiro: James Clavell baseado no livro “To Sir, With Love” de E. R. Braithwaite / Elenco: Sidney Poitier, Christian Roberts, Judy Geeson, Suzy Kendall, Lulu / Sinopse: O filme mostra a chegada de um professor americano negro (Sidney Poitier) para ensinar em uma escola pública Londrina. Com uma classe formada por alunos rebeldes e violentos, ele tentará lhes ensinar lições de cidadania, cortesia e boa educação. Filme indicado ao Grammy Awards. Vencedor do Laurel Awards.

Pablo Aluísio 

Os Cavaleiros da Távola Redonda

Ótima produção da  Metro-Goldwyn-Mayer que não poupou esforços em realizar um belo filme para contar a também bela lenda do Rei Arthur e os Cavaleiros da Távola Redonda. O roteiro, muito bem escrito por sinal, mostra desde o surgimento de Arthur como aspirante ao trono até sua subida ao poder, suas lutas, guerras, glórias e queda do lendário monarca. O enredo começa logo após a saída do Império Romano da Bretanha. Seu vácuo de poder leva a ilha a uma encruzilhada de guerras sem fim. Vários senhores feudais brigando juntos pela posse do maior território possível. Para parar a anarquia reinante era necessária a centralização do poder na figura de um único soberano inglês.

É justamente aí que entra a figura de Arthur (Mel Ferrer). O mago Merlin (Felix Aylmer) avisa aos nobres que a lenda afirma que apenas o futuro rei da Inglaterra poderia retirar a espada Excalibur do metal de uma bigorna. Após vários candidatos tentarem - e falharem - resta ao desacreditado Arthur (considerado um filho bastardo, sem nobreza) retirar a mágica espada para se tornar o soberano absoluto de todos os senhores feudais britânicos. Isso daria origem ao seu famoso reinado, ao lado de seus cavaleiros como Lancelot (Robert Taylor) e Percival (Gabriel Woolf), o cavaleiro em busca do cálice sagrado. Além deles temos ainda todos os demais personagens cativantes que tanto conhecemos dessa mitologia.

"Os Cavaleiros da Távola Redonda" realmente é uma produção de encher os olhos. Figurino, cenários (a produção foi rodada na Inglaterra) e os diálogos são todos muito bem trabalhados, diria até refinados, dando aquele ar de produção classe A que só os antigos épicos possuíam. Claro que o argumento não tira maiores liberdades com a estória de Arthur, procurando de forma às vezes quase didática, seguir a versão oficial que chegou até nós através da música, dos poemas e das cantigas dos antigos menestréis e trovadores. No auge da popularidade do cinema em cores e da tecnologia do Technicolor, o que vemos é uma infinidade de figurinos coloridos, vibrantes, como convém ao vestuário típico da Idade Média daquele período. É um filme bonito de se ver.

Em termos de elenco o destaque é a atriz Ava Gardner  como a rainha adúltera Guinevere. Ela está belíssima em cena. Nem um pouco deslocada com o material medieval, ela surge maravilhosa, mostrando aquela estampa de fina postura que só as antigas estrelas do cinema tinham. Aliás o texto fica bastante focado na complicada relação da rainha com o cavaleiro Lancelot (na pele de um afetado Robert Taylor). Arthur, o mago Merlin e os demais membros da Távola Redonda, ficam assim até mesmo parecendo meros coadjuvantes diante da tensão sexual entre Gardner e Taylor. Afinal de contas a lenda do Rei Arthur não se resume apenas a um retrato de um rei mitológico, mas também ao complicado caso de um amor impossível entre Lancelot e Guinevere. Pelo visto nem mesmo Camelot escapou da infidelidade conjugal. Assim deixo a dica desse ótimo épico medieval com ares de romance e duelos entre nobres cavaleiros. Sem dúvida um belo filme.

Os Cavaleiros da Távola Redonda (Knights of the Round Table, Estados Unidos, 1953) Direção: Richard Thorpe / Roteiro: Talbot Jennings, Jan Lustig / Elenco: Robert Taylor, Ava Gardner, Mel Ferrer, Stanley Baker, Anne Crawford, Felix Aylmer, Gabriel Woolf / Sinopse: O filme narra as mitológicas aventuras do Rei Arthur e seus Cavaleiros da Távola Redonda. Ao levantar a espada Excalibur ele se torna um dos mais celebrados Reis da história da Inglaterra.

Pablo Aluísio.

El Cid

El Cid segue sendo um grande filme épico medieval. Mais um ponto alto na carreira do ator Charlton Heston. Logo ele, um dos mais bem sucedidos atores de todos os tempos nesse estilo cinematográfico. Basta lembrar de clássicos absolutos como "Ben-Hur" e "Os Dez Mandamentos". De fato bastaria apenas esses dois filmes para colocar Heston entre os grandes nomes da era de ouro de Hollywood. Porém ele foi além, estrelando também outros grandes filmes. El Cid é certamente um dos melhores deles. É uma grande produção. O filme não economizou nos custos. Há uma infinidade de figurantes, batalhas épicas e exércitos. Na época nada disso poderia ser feito de forma digital como se faz hoje em dia, assim tudo o que se vê na tela é real e até hoje impressiona, principalmente na batalha final travada nas praias do castelo de Valença. O Produtor Samuel Bronston tinha fama de não economizar nos custos de seus filmes. Assistindo El Cid entendemos bem a razão dessa sua fama.

O filme conta a história desse personagem histórico ainda hoje muito conhecido, o guerreiro e cavaleiro El Cid, venerado em alguns países europeus como um dos grandes heróis da história. Essa visão é meio distorcida. O roteiro de El Cid segue esse erro pois é pouco correto do ponto de vista histórico. No filme o cavaleiro é visto como um homem de atitudes grandiosas, nobres. O fato porém é que El Cid era algo que hoje em dia poderia ser definido facilmente como mercenário, ou seja, após ser exilado ele colocava seu exército particular à disposição de quem lhe pagasse mais, sejam cristãos ou mouros. Outro fato que foge da realidade histórica se refere à própria morte de El Cid. No filme seu final vai de encontro ao famoso poema medieval que o enobrecia como símbolo de virtude. Na história real sua morte foi bem mais banal e comum pois faleceu em seu castelo e não em luta de forma heroica como mostrada no filme.

A direção do filme ficou em boas mãos. Anthony Mann dirigiu grandes filmes ao longo de sua carreira, inclusive "Winchester 73" (western com excelente elenco, contando com Rock Hudson e James Stewart), "A Queda do Império Romano". "Cimarron" entre outros. Definitivamente "El Cid" foi o filme mais caro que se envolveu. As filmagens ocorreram na Espanha e Itália com equipe estrangeira e não deve ter sido nada fácil organizar e dirigir uma produção desse nível. Mesmo assim o resultado grandioso ficou muito bom, embora se perceba vários "vácuos" no filme, isso apesar dele ter mais de três horas de duração. A impressão que tive foi que o diretor se perdeu um pouco no corte ideal para o filme, pois há sequências enormes e desnecessárias, como o longo romance entre os personagens do casal Heston e Loren. Já outros personagens importantes na história não mereceram a mesma atenção. Como diretor ele deveria ter feito um filme mais enxuto e focado na minha opinião.

Outros problemas podem ser encontrados ao longo do filme. O romance entre Charlton Heston e Sophia Loren, por exemplo, não decola no filme. Na minha opinião o problema é a falta de talento da bela atriz. Sophia Loren tinha exageros de caracterização, cacoetes que ela trazia do cinema italiano e isso nem sempre funcionava bem. Heston, por sua vez, repete suas atuações de personagens épicos, que são virtuosos e acima do bem e do mal. Os atores que interpretam os dois reis em conflito (na realidade eram quatro) são fracos, em especial John Fraser que interpreta o Rei Alfonso. Muito afetado, ficou mais parecendo uma versão medieval de Calígula. Mesmo assim, com esse pequenos problemas em detalhes, não há como negar as qualidades cinematográficas dessa obra.

El Cid (El Cid, Estados Unidos, Itália, 1962) Direção: Anthony Mann / Roteiro: Fredric M. Frank, Philip Yordan / Elenco: Charlton Heston, Sophia Loren, Raf Vallone / Sinopse: Épico que narra a história do guerreiro medieval El Cid que lutou contra as invasões mouras na Península Ibérica durante a alta idade média. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Música (Miklós Rózsa). Indicado no Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme - Drama, Melhor Direção e Melhor Trilha Sonora Original (Miklós Rózsa).

Pablo Aluísio.

Fugindo do Inferno

Esse é um dos clássicos sobre a II Guerra Mundial mais lembrados pelos cinéfilos. E também é um dos filmes mais famosos do astro Steve McQueen, aqui em plena forma, prestes a se tornar um dos mais bem sucedidos atores de sua geração. Seus filmes começavam a se destacar no topo dos grandes sucessos de bilheteria e ele por sua vez entrava na lista dos mais bem pagos de Hollywood. O sucesso finalmente batia em sua porta, dessa vez para ficar. A história do filme foi baseada em fatos históricos reais, porém com toques mais dramáticos para trazer agilidade e ação ao filme como um todo. O enredo era pura emoção e adrenalina.

Tudo se passa dentro de um campo de prisioneiros de guerra do III Reich, da Alemanha nazista. Um grupo de prisioneiros ingleses e americanos tenta de todas as formas fugir desse campo. O interessante é que pelo menos nessa época os alemães separavam militares inimigos presos no campo de batalha das pobres vítimas do holocausto. Depois com a deterioração completa da Alemanha as coisas ficaram mais complicadas, misturando priscioneiros de guerra com judeus. Todos acabavam nos campos de extermínio. Era uma violação direta de tratados internacionais sobre guerras mundiais como essa. 

Essa prisão retratada no filme, por outro lado, foi especialmente construída pelo Terceiro Reich para abrigar os maiores mestres em fugas sob custódia no conflito. Esse é certamente um dos filmes mais lembrados quando se trata de fitas sobre fugas espetaculares. Além disso é considerado uma das produções mais populares estreladas pelo carismático Steve McQueen, na época no auge de sua popularidade como astro de filmes de ação. Embora pouca gente perceba isso, o fato é que "The Great Escape" tem grande "parentesco" com outro clássico estrelado por McQueen, o clássico e aclamado faroeste "Sete Homens e Um Destino". Ambos foram dirigidos pelo mesmo cineasta e conta com praticamente a mesma equipe no mesmo estúdio de cinema. São produções irmãs, vamos colocar nesses termos.

E se comparar bem os dois filmes veremos que "Fugindo do Inferno" conta com uma produção bem acima da média. Melhor do que o faroeste anterior. Tudo fruto, é óbvio, do grande sucesso do primeiro filme. Nesse filme de guerra a direção do cineasta John Sturges se destaca. Sempre o considerei um diretor subestimado na história de Hollywood. Provavelmente não lhe davam o devido valor porque seus filmes eram bem populares e tinham grande apelo junto ao público. O velho preconceito contra filmes que eram considerados comerciais demais. Bobagem. Pessoalmente considerado esse filme aqui uma verdadeiro obra-prima do cinema.

O roteiro foi baseado no livro de memórias de um participante da fuga, que realmente aconteceu em 1944, já na fase final da II Guerra Mundial. Claro que o filme toma enormes liberdades com o material original, o livro de Paul Brickhill. O túnel que vemos em cena certamente é irreal, tal o seu grau de sofisticação. Obviamente que a escavação real mais parecia com um mero buraco do que qualquer outra coisa, muito longe do que vemos na tela. A cena em que Steve McQueen pula a cerca do campo com uma moto também é puramente ficcional. Acabou se tornando a cena mais famosa do filme. De qualquer forma isso não desmerece as qualidades do filme. Afinal cinema tem sua própria linguagem e em determinados momentos exige uma certa mudança do que efetivamente aconteceu no mundo real. "Fugindo do Inferno" é certamente um dos melhores filmes de guerra já feitos. Movimentado, bem escrito e com muito suspense e emoção. Um marco nesse gênero cinematográfico.

Fugindo do Inferno (The Great Escape, Estados Unidos, 1963) Direção: John Sturges / Roteiro: James Clavell, W.R. Burnett baseados no livro de Paul Brickhill / Elenco: Steve McQueen, James Garner, Richard Attenborough, James Donald, Charles Bronson, Donald Pleasence, James Coburn, Hannes Messemer, David McCallum / Sinopse: Durante a Segunda Guerra Mundial um grupo de prisioneiros é enviado para um campo de prisioneiros do exército alemão. Os que estão ali são especializados em fugas, por isso o lugar passa a ter forte esquema de segurança, o que não impede dos militares aliados de procurarem por novos meios de fugir daquele inferno. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Edição (Ferris Webster). Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme - Drama.

Pablo Aluísio. 

Os Heróis de Telemark

Título no Brasil: Os Heróis de Telemark
Título Original: The Heroes of Talemark                    
Ano de Produção: 1965
País: Estados Unidos
Estúdio: Benton Film Productions
Direção: Anthony Mann
Roteiro: Ivan Moffat, Ben Barzman
Elenco: Kirk Douglas, Richard Harris, Ulla Jacobsson, Michael Redgrave, David Weston, Alan Howard

Sinopse:
A história do filme é baseada em fatos históricos reais. Tudo se passa na fria e distante Noruega. Membros locais da resistência à ocupação nazista e agentes da inteligência britânica se unem na missão de impedir que o III Reich venha a fabricar sua bomba atômica. Um comando especial é enviado em missão secreta para sabotar todos os planos do exército alemão. A intenção é colocar tudo abaixo, para que os nazistas não consigam ter em mãos essa arma de destruição em massa.

Comentários:
A década de 1960 foi a última dos filmes de guerra ao velho estilo. Esses roteiros bem patrióticos, ufanistas até, seriam substituídos por temas mais tensos, mais críticos. Na década de 1970 filmes como "Apocalypse Now" colocariam um fim a essa antigo forma de retratar os soldados e combatentes nos fronts de batalha. A própria guerra do Vietnã e seus problemas sociais iriam se tornar um muro para a produção de filmes como esses. Dito isso, sobre essa ar meio antigo, um tanto ultrapassado em termos de filmes de guerra, esse "The Heroes of Telemark" tem seus bons momentos. O grande atrativo vem do elenco e da direção. A presença de Kirk Douglas em qualquer filme já vale a sessão, mas quem brilha mesmo é Richard Harris! Que grande ator ele foi. Domina da primeira à última cena em que aparece. Grande talento. Por fim temos também a direção de Anthony Mann. Seus grandes filmes foram os de faroeste que rodou ao lado de James Stewart. Aqui também não perdeu a mão, concluindo um filme de guerra eficiente e bem conduzido. Acima de tudo o filme mantém o interesse porque o roteiro é bom. E é bom justamente porque conta uma história por demais interessante. Havia na guerra uma disputa para saber qual lado iria construir a primeira arma nuclear da história. Claro que esse tipo de bomba jamais poderia ser produzida por Hitler pois o custo humano de milhões de vidas iria ser alto. Por essa razão os militares do filme acabaram se tornando grandes heróis na II Guerra Mundial. O que eles evitaram sem dúvida não pode ser nem ao menos calculado. Nessa missão eles certamente salvaram milhões de vidas de inocentes.

Pablo Aluísio.

Bravura Indômita

Não existe nada mais perigoso no mundo do cinema do que refilmar antigos clássicos absolutos do passado. Quando o remake de "Bravura Indômita", western clássico com John Wayne, foi anunciado eu temi pelo pior. Não havia esquecido ainda de vários remakes desastrosos que foram feitos como "Psicose", por exemplo. Se é um marco da história do cinema, qual é a finalidade de refazer tal filme? Além da falta de originalidade os remakes sofrem de outro problema, sempre caindo em uma verdadeira armadilha: ou seguem literalmente o filme original e aí se tornam inúteis ou então tentam inovar correndo o risco de despertar a fúria dos fãs da obra original. As duas opções, convenhamos, não são nada boas.

Eu fiz questão de rever o original poucos dias antes de assistir a esse remake justamente para ter uma base melhor de comparação com o filme dos irmãos Coen. A minha impressão é a de que essa nova versão preferiu seguir o caminho da refilmagem mais fiel ao original, sem inovações impertinentes ou banais. Os diretores tiveram um certo respeito pelo filme original. Embora seguindo lado a lado com o filme de John Wayne, o remake também apresenta pequenas e pontuais novidades. Afinal os irmãos Coen, tão autorais em sua filmografia, não iriam dirigir um filme totalmente desprovido de originalidade.

Não resta dúvida, por exemplo, que essa nova versão tem um roteiro bem mais explicativo do que o filme de 1969, mostrando mais aspectos do livro que deu origem aos dois filmes. A reconstituição histórica também segue mais condizente com a época em que se passa a história. Esses são certamente pontos positivos aqui. É um filme, como disse antes, muito bem feito, com tudo colocado no lugar certo, mas curiosamente sem grandes surpresas, chegando a ser até mesmo um pouco convencional, isso claro se compararmos com o primeiro filme. Burocrático? Não chega a incomodar nesse aspecto. Respeitoso em excesso com o filme original? Certamente.

Um dos grandes méritos dessa nova versão vem de seu elenco. E aqui temos que destacar o trabalho do ator Jeff Bridges. É fato que Rooster Cogburn é um personagem à prova de falhas, pois foi ótimo para John Wayne e novamente caiu muito bem na caracterização de Bridges. O que mais me chamou a atenção é que a interpretação no novo remake é quase uma homenagem velada ao desempenho anterior de Wayne. Até a entonação vocal é extremamente semelhante. Bridges, em certos momentos, é quase uma paródia de Wayne, tudo muito igual e parecido. É uma homenagem ao grande ator do passado, que inclusive foi premiado com o Oscar, após longos anos de carreira, justamente pela interpretação desse personagem. Palmas para Jeff Bridges! No final de tudo, gostei desse novo filme. Penso que o caminho certo a seguir por remakes é justamente esse. Ser bem fiel ao livro original, preservando aspectos do filme clássico.

Bravura Indômita (True Grit, Estados Unidos, 2010) Direção: Ethan Coen, Joel Coen / Roteiro: Joel Coen, Ethan Coen baseado na novela escrita por Charles Portis / Elenco: Jeff Bridges, Matt Damon, Hailee Steinfeld / Sinopse: Jovem garota (Hailee Steinfeld) resolve contratar velho agente federal gordo e bêbado chamado Rooster Cogburn (Jeff Bridges) para encontrar um grupo de criminosos que mataram seu pai. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Ator (Jeff Bridges), Melhor Atriz Coadjuvante (Hailee Steinfeld), Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Fotografia (Roger Deakins), Melhor Figurino, Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem de Som e Melhor Direção de Arte.

Pablo Aluísio.

Os Jovens Pistoleiros

A década de 1980 produziu bons filmes de western. Claro, a era de ouro desse gênero cinematográfico ocorreu nos tempos de John Wayne e Randolph Scott, mas inegavelmente bons filmes de faroteste chegaram aos cinemas durante os anos 80. Um deles foi esse "Os Jovens Pistoleiros". A intenção era muito interessante, contar a história de Billy The Kid, sem o aspecto mais romanceado das versões anteriores. Era uma tentativa de se chegar o mais próximo possível da história real do famoso pistoleiro. É fato que o filme não chegou a ser cem por cento realista, mas temos que admitir que o resultado ficou muito bom. 

O curioso é que esse filme acabou ganhando uma continuação que foi mais popular e mais bem sucedida comercialmente do que esse primeiro filme. A sequência intitulada "Jovens Demais Para Morrer" fez um grande sucesso de bilheteria. Também teve uma trilha sonora que vendeu muito na época. Era um filme muito mais pop do que esse primeiro, que tem uma tônica mais séria, mais centrada em contar os primeiros anos de Billy The Kid.

E por falar em Billy, o ator Emilio Estevez está muito bem em seu papel. Irmão de Charlie Sheen e filho do grande Martin Sheen, ele teve aqui seu melhor papel na carreira. E era ainda bem jovem, muito concentrado em capturar pelo menos em tese a figura do pistoleiro Kid. E o roteiro colaborava bem para isso. Pena que as informações históricas sobre Billy The Kid sejam escassas. Conhecemos bem suas "façanhas" criminosas, suas fugas espetaculares dos homens da lei de sua época, mas não se sabe, por exemplo, como era a personalidade dele. Estevez fez um bom trabalho nesse sentido. Ele trouxe uma jovialidade ao personagem que é um dos grandes méritos do filme como um todo.

Os Jovens Pistoleiros (Young Guns, Estados Unidos 1988) Direção: Christopher Cain / Roteiro: John Fusco / Elenco: Emilio Estevez, Kiefer Sutherland, Lou Diamond Phillips, Charlie Sheen, Jack Palance, Terence Stamp / Sinopse: O filme procura resgatar a história do pistoleiro e criminoso Billy The Kid, que ficou famoso no velho oeste por causa de suas fugas e pela caçada dos homens da lei para aprisioná-lo. Nesse primeiro filme é contado os primeiros anos da vida de bandoleiro e pistoleiro do velho oeste.

Pablo Aluísio. 

Caçada Sádica

Num belo dia de sol, enquanto o machista, mulherengo e violento Brandt Ruger (Gene Hackman) se diverte dentro de um trem particular com amigos e prostitutas, sua belíssima mulher Melissa (Candice Bergen) é sequestrada na porta de casa pelo bando de Frank Calder (Oliver Reed). O mais incrível disso tudo é que apesar da situação angustiante e tenebrosa, o sequestrador não está querendo dinheiro; ele só quer que Melissa o ensine a ler e escrever. Quando fica sabendo do sequestro, Ruger, juntamente com alguns amigos caçadores e exímios atiradores, lança-se à caça do sequestrador de forma impiedosa e letal, utilizando poderosos rifles com mira telescópica (uma novidade para a época).

Para piorar as coisas e deixar o caçador Brandt Ruger ainda mais furioso, o coração de sua bela Melissa pode estar apaixonado pelo belo par de olhos azuis do bandidão que, ao contrário do marido estúpido e grosseiro, cuida de Melissa com amor e carinho. Caçada Sádica (The Hunting Party - 1971) dirigido por Don Medford (A Organização) foi alinhavado em torno de um cenário árido, quente, cruel e sem espaços para a poesia. As cenas de caça ao sequestrador e seu bando são impressionantes e extremamente bem feitas; não só pela reverberação do som dos tiros, como também pela inacreditável distância em que são executados, levando Calder e seu bando à beira da loucura. Uma ótima produção inglesa encabeçada por um elenco de primeira linha e com Gene Hackman como sempre atuando em alto nível. Nota 8.

Caçada Sádica (The Hunting Party, Inglaterra, 1971) Direção: Don Medford / Roteiro: Gilbert Ralston, Lou Morheim / Elenco: Gene Hackman, Oliver Reed, Candice Bergen / Sinopse: O violento Brandt Ruger (Gene Hackman) sai no encalço de Frank Calder (Oliver Reed) e seu bando por terem sequestrado sua esposa Melissa (Candice Bergen). Violento western da década de 70 com Gene Hackman em ótima forma.

Telmo Vilela Jr.