Arnold Schwarzenegger,

 Arnold Schwarzenegger,

10 Curiosidades - ...E o Vento Levou

1. Embora o estúdio só tenha creditado o cineasta Victor Fleming na direção, o filme na realidade teve três diretores diferentes. Além de Fleming trabalharam na complicada produção os diretores George Cukor e Sam Wood. Cada um deles, ao seu modo, também contribuíram para esse grande clássico da história do cinema.

2. A atriz Vivien Leigh não se deu muito bem com Clark Gable durante as filmagens. O astro era conhecido em Hollywood por sempre tentar seduzir as estrelas com quem trabalhava. Leigh não tinha nenhuma atração pessoal por Gable e isso criou um certo clima de tensão entre eles. Nos dias atuais, pelos padrões da nossa sociedade, poderia se dizer que Gable assediou Vivien Leigh de uma forma nada profissional.

3. O filme até hoje é considerado a maior bilheteria da história do cinema americano. Embora em números absolutos essa bilheteria tenha sido superada por outros filmes ao longo dos anos, o fato é que se fazendo cálculos de atualização monetária, nenhum outro filme rendeu tanto como "...E O Vento Levou", que chegou nas telas de cinema pela primeira vez em 1939.

4. A diferença de cachê entre Vivien Leigh e Clark Gable foi absurdo. Ele ganhou quarenta vezes a mais que sua parceira de cena. A razão era que Gable já era um superstar quando o filme foi feito. Ele era um dos astros mais populares de Hollywood. Já Vivien Leigh era considerada na época apenas uma atriz de sorte que acabou sendo escolhida para interpretar uma das personagens mais cobiçadas pelas estrelas de Hollywood.

5. Hattie McDaniel se tornou a primeira atriz negra a ser indicada e premiada pelo Oscar por sua atuação no filme.

6. Durante a pré-produção o estúdio ficou com sérias dúvidas se o filme seria colorido ou em preto e branco. Na época alguns executivos defenderam a ideia de que sendo em preto e branco o filme teria mais chances no Oscar. Depois o chefão da MGM decidiu que o filme seria rodado em cores. Nesse aspecto "... E O vento Levou" acabou sendo o grande pioneiro, se tornando assim a primeira produção colorida da história a vencer o Oscar de Melhor Filme.

7. Também se tornou o filme mais longo da história a ser premiado em todas as grandes categorias do Oscar. A média dos vencedores anteriores era de uma hora e meia de duração. "...E O Vento Levou" derrubou esse paradigma com seus longos 240 minutos de duração.

8. Segundo descobriu-se anos depois em documentos, mais de mil atrizes foram entrevistadas para interpretar Scarlett O'Hara. Dessas, 400 foram chamadas para testes. No final de um processo exaustivo de seleção a MGM finalmente escolheu a atriz inglesa Vivien Leigh para interpretá-la, algo que causou controvérsia por causa de sua nacionalidade não americana.

9. Vivien Leigh confidenciaria anos depois em uma entrevista que a parte mais complicada de fazer o filme foi aturar o mau hálito de Clark Gable. O ator era fumante inveterado e tinha alguns problemas de estômago, o que piorava ainda mais a situação. E Leigh tinha que passar a impressão que era apaixonada por ele nas telas.

10. O produtor David O. Selznick procurou por Alfred Hitchcock, perguntando se ele estava disposto a trabalhar no filme. Educadamente Hitchcock disse que não era o tipo de filme em que ele costumava trabalhar. Mesmo recusando o convite aceitou ajudar em apenas uma cena do filme, em que o estúdio não considerava muito bem dirigida.

Pablo Aluísio.

500 Milhas

Esse filme estrelado por Paul Newman é bem curioso. Passa longe de ser um de seus mais conhecidos trabalhos no cinema mas também tem curiosidades que o fazem único. A primeira delas é o fato do tema do filme ser uma das grandes paixões do ator em sua vida pessoal: o automobilismo. Apaixonado por carros de corrida, Newman nunca mais abandonou as pistas depois das filmagens desse longa, tanto que anos depois acabou fundando sua própria equipe, a Newman / Racing, que acabou se tornando uma das principais escuderias da Formula Indy. De fato, ao se assistir 500 milhas percebemos bem que estamos na presença de um astro que bancou uma produção complicada apenas para homenagear sua grande paixão.

O filme até tenta colocar uma certa profundidade em seu roteiro. O personagem de Newman, por exemplo, se envolve com uma mulher divorciada (interpretada por sua esposa na vida real, Joanne Woodward) mas esse lado do filme logo naufraga. Mesmo tentando o ator não consegue convencer nas cenas dramáticas. Newman aparece apático e sem empolgação nesses momentos, algo completamente diverso do que ocorre nas cenas em que corre nas pistas. No volante de um carro possante Newman se transforma completamente e aí entendemos a razão de ser da produção, pois no fundo tudo se resume ao fato do ator se divertir no circo da Indy. As próprias locações refletem isso. Não satisfeito em filmar no templo de Indianapolis, Paul Newman faz um verdadeiro tour pelas principais pistas e categorias da época. Obviamente para quem gosta do esporte certamente é um prato cheio.

O grande destaque fica mesmo nas cenas de corrida. Nesse ponto o diretor demonstra que as tomadas e os ângulos de câmera que foram produzidas justificaram plenamente a existência do filme. Realmente as cenas de competição estão entre as melhores já mostradas nas telas de cinema. São empolgantes e bem documentadas. O interessante é que além de extremamente bem fotografadas dentro dos circuitos, o filme mostra ainda um panorama bem abrangente de toda a movimentação que cercava todos esses grandes prêmios. Enfim, Winning jamais será mais lembrado que os grandes clássicos da carreira de Newman, mas certamente mostra um dos aspectos mais curiosos e interessantes da personalidade do ator. Não vai mudar sua vida mas também não será nada penoso se divertir por duas horas no volante ao lado de Paul Newman.

500 Milhas (Winning, Estados Unidos, 1969) Estúdio: Universal Pictures / Direção: James Goldstone / Produção: John Foreman / Roteiro: Howard Rodman / Elenco: Paul Newman, Joanne Woodward, Robert Wagner, Richard Thomas Jr, David Sheiner / Sinopse: Capua (Paul Newman) é um piloto de corridas tenta se tornar o campeão em uma das corridas mais importantes do automobilismo americano, as 500 milhas de Indianapolis.

Pablo Aluísio. 

James Bond - Roger Moore

O ator Roger Moore faleceu no último dia 23 de maio em sua casa na Suíça. O ator vinha lutando contra um câncer devastador, descoberto apenas recentemente. Ao longo de sua carreira Moore atuou em muitos filmes e séries, na TV e no cinema. No total foram 95 títulos, demonstrando como foi vasta, rica e interessante sua filmografia. Porém o fato inegável é que Roger Moore sempre será lembrado por seus filmes como James Bond. Ele atuou em sete produções, se tornando assim o ator que mais interpretou James Bond no cinema até hoje! Moore veio para substituir Sean Connery e George Lazenby no papel do famoso agente inglês. Connery era considerado insubstituível nesse quesito, algo que Lazenby sentiu na pele ao ver seu filme como Bond fracassar nas bilheterias. Apenas Roger Moore conseguiu levar em frente a franquia com sucesso após a saída de Sean Connery. Ele segurou o posto durante as décadas de 1970 e 1980. Abaixo segue todos os filmes de Moore como Bond, com seus altos e baixos. É a nossa singela homenagem a Roger Moore e seu legado cinematográfico como Bond.

1. Com 007 Viva e Deixe Morrer (1973)
Depois que Sean Connery resolveu abandonar de uma vez por todas o personagem do agente secreto James Bond a pergunta mais frequente passou a ser se outro ator conseguiria levar adiante a franquia. Após a saída de Connery houve uma tentativa com o modelo George Lazenby, mas definitivamente o público não gostou (embora o filme estrelado por ele fosse, em si, muito bom). Então eis que em 1973 a MGM apresentou finalmente o nome do novo James Bond, Roger Moore! Para quem conhecia os bastidores da série seu nome não foi exatamente uma novidade. A verdade é que Moore quase foi escolhido no lugar de Sean Connery no passado, mas o carisma do ator escocês falou mais alto. Agora com Connery fora do caminho começaria uma nova era nas aventuras do agente secreto mais famoso da história do cinema. Esse "Live and Let Die" porém não ficou conhecido apenas por ter sido a estreia de Roger Moore. Dois outros fatos contaram positivamente em seu favor. O primeiro foi a trilha sonora escrita e composta por Paul McCartney. Verdade seja dita, a canção tema é uma das melhores (isso se não for a melhor) de toda a filmografia Bond. Paul conseguiu como poucos capturar a essência do personagem, transformando sua canção em um hit e em um sucesso também de crítica (a ponto de ter sido indicada ao Oscar e ao Grammy). Inclusive até hoje Paul a usa em seu repertório fixo, se tornando um dos pontos altos de seus concertos mundo afora. Outro ponto que chama bastante a atenção do espectador é que nesse filme já surge o humor acentuado em primeiro plano, algo que seria a marca registrada dos filmes com Roger Moore. Claro que por ser uma estreia as coisas ainda andaram um pouco dentro da normalidade, algo que nos filmes seguintes se tornaria um pouco mais exagerado. De qualquer maneira gosto bastante desse filme e acredito que foi um dos mais felizes e bem sucedidos de todos os filmes da série. Com Roger Moore os filmes ganhariam uma nova etapa, retornando o personagem ao topo das bilheterias, para alegria dos fãs de James Bond em todo o mundo. / Com 007 Viva e Deixe Morrer (Live and Let Die, Inglaterra, 1973) Direção: Guy Hamilton / Roteiro: Tom Mankiewicz / Elenco: Roger Moore, Yaphet Kotto, Jane Seymour.

2. 007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro (1974)
O serviço secreto inglês descobre que seu agente James Bond (Roger Moore) está na mira de um assassino profissional conhecido como Francisco Scaramanga (Christopher Lee). Suas intenções de liquidar 007 ficam óbvias após ser encontrado uma bala de ouro com o código de Bond impresso nela. Há suspeitas que o mesmo assassino tenha matado friamente o agente 002 numa missão. Para evitar maiores problemas a agência de espionagem resolve assim afastar Bond de seus serviços por um tempo. Livre de cumprir uma agenda de missões, Bond resolve então ir atrás por conta própria de Scaramanga. Como pista usa a própria bala que foi dirigido a ele. Em pouco tempo James Bond segue seu rastro em lugares tão distantes como Beirute, Hong Kong e Macau. O infame assassino profissional usa uma arma de ouro, com calibre próprio. Para Bond essa seria uma pista segura para se chegar até ele. Esse foi o segundo filme de Roger Moore como James Bond. O primeiro, "Com 007 Viva e Deixe Morrer", foi sucesso de público e crítica. Uma alívio para os produtores que temiam que a franquia chegasse ao fim com a saída de Sean Connery. Esse segundo filme não é tão bom quanto o anterior, mas inegavelmente tem seus méritos. O maior deles talvez seja a presença do ótimo ator Christopher Lee como o vilão Scaramanga. Ele é um tipo bizarro, com uma característica física incomum (tem três mamilos!) e um assistente anão tão perverso quanto o próprio. Esse papel foi interpretado pelo ator Hervé Villechaize (que ficou muito conhecido no Brasil interpretando o personagem Tatu na série "A Ilha da Fantasia", que fez bastante sucesso na TV brasileira durante os anos 70). O roteiro não tem muitos mistérios ou tramas internacionais a se revelar, se resumindo muitas vezes a ser apenas uma disputa de vida ou morte entre Bond e Scaramanga. Esse porém não é um problema exclusivo do filme em si. O livro escrito por Ian Fleming em 1965 também foi criticado por essa razão. Enfim, um bom filme da safra com Roger Moore que com ele se estabeleceria definitivamente como Bond, só deixando a série em meados da década seguinte. / 007 Contra o Homem com a Pistola de Ouro (The Man with the Golden Gun, Inglaterra, 1974) Direção: Guy Hamilton / Roteiro: Richard Maibaum, Tom Mankiewicz, baseados no livro escrito por Ian Fleming / Elenco: Roger Moore, Christopher Lee, Hervé Villechaize, Britt Ekland / Sinopse: O agente inglês James Bond (Roger Moore) passa a ser caçado pelo assassino profissional Francisco Scaramanga (Christopher Lee), dando início a uma disputa de vida e morte entre eles. Filme premiado pelo Saturn Award na categoria Best DVD / Blu-Ray Collection.

3. 007 - O Espião Que Me Amava (1977)
Nessa terceira aventura de Roger Moore como James Bond, o agente inglês 007, ele precisa desvendar uma grande conspiração internacional envolvendo submarinos nucleares das grandes potências, tramas de espionagem e, é claro, um novo envolvimento amoroso com uma agente russa da temida KGB. Esse filme da franquia oficial acabou ficando conhecido por várias cenas marcantes, porém hoje em dia é mais recordado por trazer a bela atriz  Barbara Bach como a Major Anya Amasova, uma agente do serviço secreto soviético. É curioso que em plena guerra fria os filmes de Bond tenham investido em uma Bondgirl vermelha, comunista e assassina. A atriz Barbara Bach na época era casada com o ex-Beatle Ringo Starr, o que não diminuiu os rumores de que ela havia se envolvido com Roger Moore durante as filmagens. Outro aspecto sempre lembrado desse filme foi o fato de aparecer pela primeira vez na franquia o vilão Jaws, interpretado pelo ator (e gigante) Richard Kiel. Ele era bem cartunesco em cena, conseguindo as maiores proezas (como mastigar fios de alta tensão) e fez tanto sucesso que acabou voltando no filme seguinte. Por fim um fato curioso: esse filme de James Bond conseguiu a proeza de ser indicado em três categorias do Oscar, Melhor Direção de Arte (Ken Adam e Peter Lamont), Melhor Trilha Sonora Incidental (Marvin Hamlisch) e Melhor Música original ("Nobody Does It Better", de autoria de Marvin Hamlisch e Carole Bayer Sager). Também arrancou duas indicações ao Globo de Ouro nessas mesmas últimas categorias. Não é de se admirar que com tantas músicas românticas bonitas tenha sido considerado o filme mais romântico de James Bond com Roger Moore. / 007 - O Espião Que Me Amava (Inglaterra, Estados Unidos,1977) Direção: Lewis Gilbert / Roteiro: Christopher Wood, Richard Maibaum / Elenco: Roger Moore, Barbara Bach, Curd Jürgens.

4. 007 Contra o Foguete da Morte (1979)
O Agente James Bond (Roger Moore) é enviado pelo serviço secreto para investigar um suposto plano internacional envolvendo armas espaciais. No meio das investigações acaba descobrindo que se trata de algo bem maior do que se pensava, um projeto visando dar origem a um verdadeiro genocídio no planeta Terra. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais. É uma pena que logo o filme em que James Bond veio ao Brasil seja considerado um dos piores da franquia. A intenção seria modernizar o personagem, o colocando no meio de um enredo que lembrava até mesmo o grande marco de bilheteria da época, "Guerra Nas Estrelas". O problema é que o tiro saiu pela culatra. O enredo não ajuda em nada, os efeitos especiais revistos hoje em dia parecem completamente toscos e sem noção (apesar de terem sido indicados ao Oscar na época) e Roger Moore... bem, ele continuou sendo Roger Moore, fanfarrão até dizer chega, cheio de piadinhas e cenas supostamente cômicas que só estragam o resultado final. Jamais parece levar algo à sério durante todo o filme. De certa forma "Moonraker" serve apenas como uma forma de demonstrar que em plenos anos 70 o personagem perdia cada vez mais força e relevância. De bom mesmo apenas algumas boas sequências de ação, uma delas com o famoso vilão Jaws (interpretado pelo ator Richard Kiel, um grandalhão recentemente falecido) que luta com Bond nos bondinhos do Rio de Janeiro, imagine você! No geral não há muito por onde ir, "007 Contra o Foguete da Morte" é de fato muito ruim mesmo. Pelo jeito o Brasil fez mal a 007, Um James Bond para esquecer. / 007 Contra o Foguete da Morte (Moonraker, Estados Unidos, 1979) Direção: Lewis Gilbert / Roteiro: Christopher Wood / Elenco: Roger Moore, Lois Chiles, Michael Lonsdale.

5. 007 - Somente Para Seus Olhos (1981)
Um embarcação da frota britânica afunda e com isso uma importante arma secreta desaparece de forma misteriosa. Para investigar o paradeiro dela o serviço de inteligência real envia o agente 007, James Bond (Roger Moore), para dar solução a todo o mistério, pois caso a arma caia em mãos inimigas o mundo correrá um grande risco. Filme indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro na categoria Melhor Canção Original (Bill Conti e Michael Leeson pela música "For Your Eyes Only"). Quinto filme de Roger Moore na pele de James Bond. O ator segurou as pontas por duas décadas, de 1973 (quando realizou o primeiro filme com o personagem em "Com 007 Viva e Deixe Morrer") até 1985 (quando se despediu de Bond em "007 - Na Mira dos Assassinos"). Esse "007 - Somente Para Seus Olhos" seria seu antepenúltimo filme como o mais famoso agente inglês do cinema. Por essa época os produtores já se movimentavam para dar um novo fôlego para as aventuras de 007. Roger Moore já estava ficando velho para o papel e seu estilo, mais escrachado, quase indo para a galhofa completa, estava minando a credibilidade do personagem como herói de ação. Revisto hoje em dia muito dos filmes de Moore se tornam anacrônicos, datados, pouco atrativos, justamente por trilhar muitas vezes o caminho da auto paródia. Claro que Roger Moore foi importante dentro da franquia, principalmente após Sean Connery decidir abandonar os filmes de Bond, mas também trouxe um certo desgaste para a série de uma forma em geral. Não gosto muito desse filme em particular pois acho que teve uma das mais fracas produções, embora algumas cenas - como a perseguição na neve e o ataque de tubarões - tenham algum valor. A música tema também é bonita, embora ande esquecida. Em suma, um Bond de rotina na era de Roger Moore. / 007 - Somente Para Seus Olhos (Inglaterra, Estados Unidos,1981) Direção: John Glen / Roteiro: Richard Maibaum, Michael G. Wilson / Elenco: Roger Moore, Carole Bouquet, Topol.

6. 007 Contra Octopussy (1983)
Após a morte de um importante agente, um plano criminoso que envolve falsificação de obras de arte é descoberto. James Bond (Roger Moore) é designado para o caso mas acaba descobrindo algo maior, envolvendo até mesmo o uso de armas nucleares para dominar toda a Europa. No centro de tudo o agente inglês acaba se deparando com a perigosa contrabandista Octopussy (Maud Adams), que está disposta a tirar 007 de seu caminho. Filme indicado ao prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy Horror Films nas categorias Melhor Filme e Melhor Atriz Coadjuvante (Maud Adams). Mais um filme de James Bond na era Roger Moore que será exibido essa semana pela TV a cabo brasileira. "Octopussy" é um dos mais conhecidos filmes com Moore e também um dos mais bem sucedidos de bilheteria - o que deu uma sobrevida ao ator na pele do agente secreto inglês. Mesmo com a boa recepção do público, a crítica achou que as palhaçadas (literalmente falando) em cima do personagem já tinham passado do limite. Existem cenas tão absurdas que acabam transformando o filme numa auto paródia de humor involuntário. Como se não bastasse ainda temos que encarar Bond dando uma de Jim das Selvas em momento tão sem graça como constrangedor. De bom mesmo apenas as boas locações na Índia - com destaque para o famoso Taj Mahal, além da produção bem mais caprichada e bem realizada do que a do filme anterior. Também merecem destaque algumas boas cenas de ação, entre elas aquela em que Bond pilota o que é chamado de menor jato do mundo (uma geringonça que mais parece um ultraleve turbinado) e outra, quando fica pendurado no teto de um avião em pleno vôo (um maravilhoso trabalho do dublê do filme). Esse seria o penúltimo filme de Moore no papel, algo que para muitos deveria ser o último. De qualquer maneira, como é um Bond da franquia oficial (pois o filme de Sean Connery estava saindo nesse mesmo ano nos cinemas para disputar nas bilheterias), vale a pena ser assistido por pelo menos uma vez na vida, afinal os fãs de 007 não deixariam passar mais essa aventura em branco. / 007 Contra Octopussy (Estados Unidos, 1983) Direção: John Glen / Roteiro: George MacDonald Fraser, Richard Maibaum / Elenco: Roger Moore, Maud Adams, Louis Jourdan

7. 007 - Na Mira dos Assassinos (1985)
É o último filme de Roger Moore como James Bond. Assistindo realmente chegamos na conclusão que era o fim da linha para Moore. Ele já estava velho demais para bancar o agente inglês (sinais da idade estão em toda parte, até seu pescoço, por exemplo, que mostra claros sinais da passagem do tempo). Além disso ele surge usando um cabelo estranho, de cor nada natural, bem artificial. Roger Moore foi um bom ator para a franquia. Ele nunca se levava muito à sério, seu filmes sempre tinham um lado de chanchada bem diferente dos que foram feitos por Sean Connery que apresentavam uma postura mais séria com o personagem. O roteiro é baseado em um pequeno conto de Ian Fleming publicado em 1960 (praticamente todos seus livros já tinham sido adaptados e por isso tiveram que apelar para pequenos textos deixados pelo autor). Para completar a trama misturaram com outros filmes de James Bond e o resultado de tanta mistura surge em cena. O filme não é ruim, tanto que anos depois o próprio Roger Moore confessou ser esse seu filme preferido com o personagem, mas a sensação de Deja Vu é muito forte. Os vilões são bacanas - o antagonista de Bond, o industrial Zorin, é interpretado por um Christopher Walken com peruca loira totalmente fake (o que torna tudo ainda mais divertido). Ele está totalmente sem freios em cena! Já a vilã é feita por uma estranha Grace Jones (ok, seu tipo exótico era bem curioso mas não tem como negar que ela era uma péssima, péssima atriz, daquelas que não conseguem falar uma linha de diálogo com veracidade). A trilha sonora é assinada pelo grupo Duran Duran (grupo extremamente popular na década de 1980). O interessante é que em seu último trabalho como o agente inglês as antigas galhofas que faziam parte dos filmes com Roger Moore são deixadas de lado. "007 Na Mira dos Assassinos" é bem mais sisudo e menos galhofeiro do que os outros filmes feitos por ele mas mantém o interesse por causa de algumas cenas legais (como as feitas na Torre Eiffel em Paris e na Ponte de São Francisco). Claro que a trama é uma bobagem, mas releve! Vale a curtição de se ver (ou rever). / 007 Na Mira dos Assassinos (A View to a Kill, EUA / UK, 1985) Direção: John Glen / Roteiro: Richard Maibaum, Michael G. Wilson / Elenco: Roger Moore, Tanya Roberts, Christopher Walken, Grace Jones, Patrick Macnee, Fiona Fullerton, Desmond Llewelyn, Robert Brown./ Sinopse: James Bond (Roger Moore) é o agente do serviço secreto inglês que tem que enfrentar o industrial Max Zorin (Christopher Walken), um empresário francês que planeja provocar um grande terremoto para destruir o Vale do Silício, na Califórnia, se tornando assim o único a explorar o mercado de tecnologia.

Pablo Aluísio.

O Grande Segredo

Gary Cooper foi um dos grandes astros de Hollywood nos anos dourados do cinema americano. Como cinéfilo sempre me interessei em assistir filmes antigos e clássicos e Cooper sempre despertou minha atenção em especial. Isso é fácil de explicar porque quanto mais raro se torna a filmografia de um ator do passado mais me interesso em sua carreira e em conhecer seus filmes. Gary Cooper se enquadra perfeitamente nessa situação. Embora tenha feito mais de cem filmes em sua longa carreira em Hollywood raros são os títulos disponíveis do ator para assistir no Brasil. Como todo grande astro ele tinha grande prestígio entre os fãs de cinema no passado, porém o que se percebe é que o fato de ter morrido há quase cinquenta anos dificulta e muito o acesso aos seus filmes. Tirando seus grandes sucessos (como o clássico do Western Matar ou Morrer ou então Sargento York), que foram regularmente lançados por aqui, nada mais se encontra. 

A realidade é que existe uma lacuna enorme de títulos pois quase 90% de sua obra cinematográfica permanece inédita em nosso país. Então foi com grande satisfação que recentemente tive a oportunidade de assistir um de seus filmes menos conhecidos. Trata-se de O Grande Segredo, filme de espionagem de 1946, lançado logo após o final da II Grande Guerra Mundial. O interessante dessa película é que aqui Cooper foi dirigido por um dos grandes diretores da história do cinema, Fritz Lang. Só por essa razão o filme já seria extremamente curioso, para não dizer obrigatório. Confesso que pouco sabia sobre o roteiro, a repercussão ou a importância desse momento de Cooper no cinema, que para minha surpresa foi quase que completamente esquecido.

O astro, que sempre se dava melhor em filmes de Western aqui faz um papel bem atípico em sua carreira, interpretando um cientista recrutado pelo órgão governamental de inteligência norte-americano. Sua missão é tentar resgatar uma importante cientista que poderia ser usada pelos alemães para a construção da bomba atômica nazista. O filme tem ótimo desenvolvimento e diálogos. Cooper está bem contido em sua interpretação. Geralmente ele interpretava o tipo caladão e tímido, porém virtuoso ao extremo. Aqui ele troca o rifle pelo giz. Não deixa de ser engraçada a cena em que ele aparece fazendo cálculos para "passar o tempo"! O filme é pura diversão e deve ter empolgado bastante os militares recém chegados na volta ao lar depois do fim da Guerra. 

Se tenho uma crítica a fazer em relação ao filme é em razão de seu final, que lembra bastante o epílogo do clássico Casablanca. Mas isso é de menor importância. O que realmente importa é que isso em nada comprometeu a ótima experiência de conhecer mais um filme da extensa - e bastante desconhecida - filmografia do mito Gary Cooper. Agora com o surgimento do Blu Ray bem que as produtoras poderiam olhar com mais atenção a quase completa ausência de filmes de Cooper no mercado brasileiro. Os admiradores da época de ouro de Hollywood agradeceriam bastante.

O Grande Segredo (Cloak and Dagger, Estados Unidos, 1946) Direção: Fritz Lang / Roteiro: Albert Maltz, Ring Lardner Jr./ Elenco: Gary Cooper, Robert Alda, Lilli Palmer / Sinopse: Gary Cooper interpreta um cientista recrutado pelo órgão governamental de inteligência norte-americana. Sua missão é tentar resgatar uma importante cientista que poderia ser usada pelos alemães para a construção da bomba atômica nazista.

Pablo Aluísio.

Fuga de Sobibor

A primeira vez que assisti "Fuga de Sobibor" foi na TV aberta, durante os anos 80. Na realidade essa é uma minissérie que de tempos em tempos era reprisada pelo SBT. Depois acabou sendo lançada no mercado de vídeo (ainda nos tempos do VHS) como filme, com nova edição e montagem. Sempre considerei um grande filme de guerra, principalmente por mostrar a luta dos prisioneiros nesse campo de extermínio nazista. Eu me recordei dessa produção ao ler alguns trechos da biografia do líder nazista Heinrich Luitpold Himmler.

Em determinado momento da guerra ele chegou na conclusão de que campos de concentração como Auschwitz não davam mais certo. Essa coisa de manter uma multidão de prisioneiros judeus estava custando muito caro para os cofres da Alemanha nazista. Assim criou-se o conceito de campos menores como Sobibor. Praticamente não passavam de paradas de trens com câmaras de gás. Os prisioneiros desciam dos trens e eram selecionados. Homens com capacidade de trabalho eram poupados da morte. Mulheres, crianças e idosos eram exterminados imediatamente. Não havia comida e nem instalações para todas essas pessoas. Assim dentro de uma mentalidade de barbárie absoluta os judeus eram enviados diretamente para as câmaras de gás para morte imediata.

No fim do filme descobrimos que Sobibor foi destruída em parte antes do fim da guerra. Era um crime contra a humanidade sem precedentes. Himmler mandou destruir as câmaras de gás, colocando no mesmo lugar uma floresta de pinheiros. Não adiantou esconder seus crimes de guerra porque nesse local houve uma das mais bem sucedidas fugas em massa da história (algo que é a base do roteiro do filme). Mais de 300 prisioneiros ganharam a liberdade, depois de um bem sucedido plano de matar os oficiais da SS, para que os soldados ucranianos do campo ficassem sem comando, levando os prisioneiros a fugirem pelo próprio portão da frente da prisão! O testemunho desses prisioneiros provou o que havia acontecido em Sobibor. Os nazistas não conseguiram apagar isso da história.

Acredito que um filme como esse tem uma importância vital pois nos últimos anos surgiram vários autores revisionistas da história negando inclusive a existência dessas câmeras de gás, como essas que existiam em Sobibor. Essas pessoas - algumas até historiadores com diploma - prestam um grande mal para a história em geral. Ao negarem esse passado tenebroso corre-se o risco de repeti-lo. As novas gerações, tão afundadas em sua busca pelo hedonismo completo, correm o risco de não conhecerem os horrores do holocausto. Por isso um filme como "Fuga de Sobibor" deveria ser exibido em escolas e instituições de ensino. É uma lição de história para nunca mais se esquecer.

Pablo Aluísio.

Mestres do Passado: Vincent Price e Christopher Lee

Recentemente tive a oportunidade de assistir a dois filmes clássicos de terror estrelados por dois dos maiores símbolos do gênero no passado: Christopher Lee e Vincent Price. Sempre fui fã de filmes de terror desde a minha adolescência. Naqueles anos acompanhava os filmes que passavam pelas madrugadas nos canais abertos de TV. Estou falando da segunda metade dos anos 80 onde tive a oportunidade de assistir alguns dos grandes filmes que Hollywood produziu nesse estilo. Entre os que mais gostava estavam os filmes estrelados por Christopher Lee onde ele interpretava o ícone maior dos vampiros: o Conde Drácula. Em tempos de Crepúsculo, True Blood e The Vampire Diaries, fica complicado para um jovem dos dias atuais conhecer a vasta filmografia de um dos grandes estúdios de terror da História: A Hammer.

A Hammer era uma produtora inglesa que não contava com muitos recursos financeiros mas compensava isso com muita imaginação e estilo. Um exemplo é "Drácula: O Perfil do Diabo" que assisti essa semana. O filme é um dos menos conhecidos da longa linhagem que foi estrelada por Christopher Lee, mas traz todas as características que fizeram da Hammer uma das produtoras mais cultuadas pelos fãs de terror até hoje. O roteiro é simples e mostra Drácula, renascido novamente após ser destruído no filme anterior (pensou que era apenas o Jason que não morria em seus filmes?) e que agora tem que retornar ao seu castelo o mais rápido possível mas é impedido porque um padre teria exorcizado sua entrada. O argumento nesse caso é o que menos importa. O interessante é admirar a direção de arte dos estúdios Hammer e o capricho que eles tinham na produção. Até mesmo a falta de efeitos especiais conta a favor. Como não havia técnica desenvolvida naquela época tudo era superado com ideias bem boladas e imagens bem editadas.

A interpretação de Christopher Lee no papel de Drácula é outro destaque. Longe dos vampiros românticos da atualidade o Drácula da Hammer não tinha nada de cavalheiresco ou nobre, era apenas um monstro de capa, que nem pensava duas vezes em puxar o cabelo das mulheres quando achava necessário! Também não era de muito bate papo, Lee inclusive mal fala durante toda a projeção, apenas o mínimo necessário, geralmente dando ordens aos seus servos. Pois é, quem te viu e quem te vê, os vampiros do passado não davam moleza nenhuma para as suas partners em cena. Embora ele novamente vá atrás de sua "amada imortal" também nesse filme, o faz sem nenhum gesto de romantismo ou galanteio. Simplesmente a enfeitiça e tenta levar a donzela para seu castelo no alto da montanha, demonstrando que o velho conde de bobo não tinha nada...

E por falar em interpretação não poderia deixar de citar um dos grandes mestres do terror: Vincent Price. Ontem assisti um de seus clássicos: "A Casa dos Maus Espiritos"! Ao contrário do Drácula monossilábico de Lee, o personagem de Vincent Price nesse filme esbanja elegância e sofisticação. Fazendo o papel de um milionário que convoca um estranho grupo para passar a noite em uma casa assombrada ao preço de dez mil dólares, Price demonstra como era um ótimo ator, mesmo nas produções mais simples. O filme, que foi dirigido pelo ótimo William Castle, tem um roteiro cheio de humor negro. Para quem gosta certamente encontrará um prato cheio, inclusive em seu próprio título pois ao final descobrimos quem são realmente os tais "maus espíritos"! Com desenvolvimento rápido e esperto o filme fez grande sucesso de bilheteria e inspirou vários clássicos que viriam, como o próprio Psicose de Hitchcock. Seu roteiro é tão interessante que o filme acabou ganhando um remake intitulado "A Casa na Colina", que não chega nem aos pés do original. Também convenhamos o mestre Vincent Price carrega o filme nas costas e é responsável direto por seu grande êxito. Enfim, duas amostras de uma época em que os filmes de terror tinham um charme inigualável. Morra de inveja Robert Pattinson...

Pablo Aluísio.

O Superman dos anos 50

A foto ao lado é muito significativa. Mostra um típico garotinho dos anos 50 ao lado do ator George Reeves, devidamente fantasiado de Superman, personagem ao qual interpretou em um seriado de TV de grande sucesso na década de 1950. O curioso em relação a Reeves é que sua biografia é uma parábola da própria sociedade americana dos chamados "anos dourados". Uma sociedade que vivia uma fachada de perfeição e prosperidade, mas que no fundo apenas ocultava um lado bem doentio do American Way of Life.

Recentemente o filme Hollywoodland retratou muito bem esse aspecto. Nele somos apresentados à história de George Reeves em Hollywood. Um ator de segundo escalão que, para sobreviver, teve que encarnar o personagem de quadrinhos na TV. Embora hoje estrelar um filme ou um seriado sobre Superman seja considerado a sorte grande para qualquer ator, nos anos 50 isso era simplesmente o fim da picada, o mais baixo que um aspirante ao estrelado poderia chegar. Para Reeves (cujo sobrenome é extremamente parecido com o de outro ator que também interpretou o homem de aço, Christopher Reeve), fazer um seriado para crianças nos anos 50 era o símbolo máximo do fracasso de sua carreira.

Embaixo da fantasia havia um homem que escondia vários problemas em sua vida particular. Sempre em busca de bons papéis George Reeves não pensou duas vezes ao se envolver com a mulher do vice presidente da MGM, Toni Mannix. Se envolvendo romanticamente com uma mulher mais velha, porém poderosa dentro do Star System em Hollywood, Reeves procurava chegar nas melhores produções do cinema na época. Até conseguiu, ao fazer uma ponta em A um Passo da Eternidade, mas parou por aí. Como todo ator que um dia chegou a interpretar um ícone da cultura pop, como Superman, ele ficou marcado para sempre pelo papel, o que tornava extremamente difícil ser levado a sério em outros papéis. Com o cancelamento do seriado o que era previsível aconteceu: Reeves ficou sem trabalho, passando por dificuldades financeiras.

Em 1959, segundo relatos oficiais, George Reeves se matou com um tiro. Sua morte porém sempre gerou dúvidas entre a imprensa e a comunidade em Hollywood. Será que realmente cometeu suicídio? Ao se envolver com uma mulher de um figurão da MGM Reeves também mexeu em um vespeiro. As teorias são muitas: para alguns o que aconteceu realmente foi homicídio, não se sabe cometido pelo vice presidente da MGM ou por sua esposa, que havia sido trocada por George Reeves por uma mulher mais jovem. A verdade provavelmente jamais será descoberta.

O filme Hollywoodland, estrelado por Ben Afleck (provavelmente em seu primeiro papel não canastrão em anos) e Adrien Brody, é uma pequena obra prima que deve ser descoberta. Retrata como poucos a hipocrisia reinante no círculo das grandes estrelas na capital do cinema durante os anos 50. Mostra o sórdido jogo de interesses existente por baixo da luzes das marquises de cinema, o uso de favores sexuais em troca de bons papéis, a verdade sobre os astros da época que não se faziam de rogados para chegar ao topo da carreira. Recentemente vários livros estão surgindo no mercado mostrando o verdadeiro lado obscuro de muitos mitos da época, como Marilyn Monroe e Clark Gable, desmascarando o jogo sujo da indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Certamente esse não era exclusividade apenas do ator que um dia foi mais rápido que uma bala e mais veloz do que um trem.

Pablo Aluísio.

Brigitte Bardot

A musa e ícone do cinema Brigitte Bardot completou 82 anos de idade no último dia 28 de setembro. Ela nasceu em Paris, a cidade-luz, no ano de 1934. Poucos sabem, mas seu nome real completo é Brigitte Anne-Marie Bardot. No auge de seu sucesso como atriz e modelo, Bardot foi reconhecida por várias revistas e jornais da época como a "Mulher mais bonita do mundo!".

Além do título (que foi mais do que merecido), Bardot também foi se destacando ao longo dos anos por manter uma vida sentimental livre de amarras e moralismos, se tornando uma mulher de seu tempo, independente e moderna. Como atriz sempre causou controvérsias. Para muitos críticos ela seria apenas uma mulher bela que conquistava o público apenas por sua beleza. Para outros havia realmente um talento nato embaixo de sua estética fenomenal.

Além do cinema Bardot também ficou conhecida por sua luta em defesa dos direitos dos animais. Ela esteve sempre presente em todas as propostas de projetos de lei do parlamento francês que procurava manter e garantir os direitos de todas as espécies animais, o que fez com que ganhasse alguns desafetos dentro da imprensa. Esses sempre procuram explorar o fato de que Bardot envelheceu, perdendo sua exuberante beleza, o que não deixa de ser uma covardia e um despautério, pois todos os seres humanos um dia vão também envelhecer.

Sobre isso a atriz certa vez disparou a um jornalista que estava lhe perturbando: "Se eu ainda aparentasse ter 20 anos alguma coisa estaria errada comigo não é mesmo? Eu tenho rugas, e daí?". Depois mais filosoficamente falou: "Sim, muitas vezes é triste envelhecer, porém é muito bom amadurecer".

Hoje em dia Bardot segue em sua luta pelos animais abandonados, doentes e contra a caça de espécies em extinção como as baleias. Sobre isso ela nunca recusou declarações a imprensa. Questionada porque dava tanto de seu tempo em prol dos animais ela explicou: "Quando se é capaz de lutar por animais, também se é capaz de lutar por crianças ou idosos. Não há bons ou maus combates, existe somente o sofrimento dos mais fracos, que não podem se defender." Por essas e outras decisões corajosas e certas deixamos aqui nossos parabéns para essa que foi um verdadeiro mito da sétima arte. Como gostam de lembrar seus fãs: BB Forever!

Pablo Aluísio.

Gene Wilder

A morte do ator Gene Wilder no último dia 29 de agosto fez com que todos lembrassem de sua inesquecível interpretação de Willy Wonka no clássico "A Fantástica Fábrica de Chocolate" de 1970. O filme, um dos campeões de exibição na TV brasileira, realmente trazia um daqueles momentos vitais na carreira de qualquer ator, porém Wilder teve uma carreira muito mais interessante do que muitos possam imaginar inicialmente.

O ator nasceu em uma família de imigrantes judeus nos Estados Unidos. Não havia qualquer tipo de tradição familiar no mundo das artes, mas Wilder, um grande fã de cinema e teatro, decidiu bem jovem que queria ser um ator dramático, como Marlon Brando que admirava desde a juventude. Assim ele começou a procurar escolas de arte dramática em Milwaukee, onde nasceu. As oportunidades porém era poucas e raras. Além disso, mesmo que se formasse em alguma universidade ou escola da região para ser ator não haveria mesmo muitas oportunidades de trabalho em sua terra natal. Era preciso ir embora atrás de seus sonhos. Sua saída seria ir morar em Nova Iorque onde estavam as melhores escolas de formação de atores dos Estados Unidos.

Na grande cidade Wilder conseguiu ser aceito no prestigiado Actors Studio, a mesma escola de arte dramática que Marlon Brando havia estudado vinte anos antes. Pelo visto seus planos de se tornar um grande ator estavam dando muito certo. Porém nas aulas seus professores descobriram que o grande talento de Wilder não vinha dos textos dramáticos, mas sim do humor. Ele tinha um grande talento para a comédia, além disso suas feições (com grandes e expressivos olhos) pareciam adequados para personagens que exploravam essa característica. Precisando trabalhar e convencido dos argumentos de seus mestres Wilder resolveu então apostar nessa linha de atuação. Ele seria comediante.

Sob um ponto de vista crítico Wilder realmente teve muita sorte na carreira. Logo em um de seus primeiros filmes, o clássico "Bonnie e Clyde - Uma Rajada de Balas", ele teve uma pequena, mas marcante participação, que logo chamou a atenção dos produtores de Hollywood. Sua amizade pessoal com a atriz Anne Bancroft também lhe ajudou muito. Esposa do diretor Mel Brooks, Anne conseguiu que Gene fosse escalado para outro filme marcante da época, a adaptação para o cinema do clássico teatral "Primavera Para Hitler". O sucesso de público e crítica abriu ainda mais as portas da indústria para Wilder que a partir daí teria a fase mais bem sucedida de toda a sua carreira. Por esse filme também ganhou sua primeira indicação ao Oscar, um feito e tanto para alguém que mal começara a atuar no cinema.

"A Fantástica Fábrica de Chocolate" de Mel Stuart acabou transformando Wilder em um astro. O filme, uma fábula divertida e ao mesmo tempo delicada e emocional, sobre um pobre jovem que conseguia tirar a sorte grande ao achar um convite para conhecer a famosa fábrica de chocolates de sua cidade natal, mudando sua vida para sempre, é ainda hoje considerado um dos melhores filmes já realizados no gênero. Wilder tinha um carinho muito especial pelo filme, sempre destacando que aquele havia sido realmente um ponto de mudança completa em sua filmografia.

Depois de dar vida ao inesquecível Willy Wonka, Wilder deu prosseguimento em sua excelente e muito produtiva parceria ao lado do diretor Mel Brooks, que o adotou como ator símbolo de seus filmes. Ao lado do cineasta, Wilder rodou grandes sucessos de público e crítica como "Banzé no Oeste" (uma divertida sátira ao western americano) e "O Jovem Frankenstein" (outra sátira, só que dirigida aos filmes de terror). Esse último filme aliás trouxe uma surpresa e tanto para Wilder quando acabou sendo indicado ao Oscar por seu roteiro (que ajudou a escrever junto ao diretor Brooks). E ele não pararia por aí. Com Woody Allen rodou uma participação impagável em "Tudo o Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo E Tinha Medo de Perguntar", uma das melhores comédias do diretor.

Gene Wilder também se aventurou na direção com ótimos resultados. Dirigiu filmes tão interessantes como "O Irmão mais Esperto de Sherlock Holmes" (ótima brincadeira com o famoso personagem detetive) e "A Dama de Vermelho" (provavelmente seu filme mais lembrado como diretor, aproveitando a beleza da atriz Kelly LeBrock). Depois de mais uma divertida comédia, "Lua de Mel Assombrada", Wilder resolve se afastar do cinema, devastado pela morte da esposa por um agressivo câncer.

Depois dessa tragédia pessoal o ator passou por momentos complicados em sua vida pessoal, desenvolvendo uma depressão que o acompanhou por muitos anos. Só aceitou voltar a trabalhar em pequenos projetos, comédias menos pretensiosas, geralmente ao lado do amigo e comediante Richard Pryor. São dessa fase fitas como "Cegos, Surdos e Loucos!" e "Um Sem Juízo, Outro Sem Razão". Nenhum desses filmes era exatamente um clássico, mas serviam para deixar Wilder em cartaz, trabalhando. Em 1991 Wilder deixou o cinema para sempre, só voltando a atuar em pequenas participações eventuais e esporádicas em séries e pequenos telefilmes. O ator considerava concluída sua carreira. Ela já havia feito (e muito) pela sétima arte. Disso certamente ninguém iria discordar.

Pablo Aluísio.