Johnny Cash

Ele nunca foi um galã conquistador como Elvis Presley, nem um grande guitarrista como Chuck Berry. Desde o começo de sua carreira Cash descobriu que trilharia seu próprio caminho, muitas vezes fora de qualquer categoria musical que a imprensa quisesse que fizesse parte. Ele foi literalmente o homem comum, o "Working Man" que conseguiu vencer no mundo da música.

Antes de se definir como um músico ele tentou vários meios de vida. Foi vendedor de porta em porta, operário de fábrica, militar de baixa patente e o que mais lhe aparecesse pela frente. O importante era sobreviver. E foi atrás de um meio de sobrevivência que Cash bateu às portas da famosa gravadora Sun Records em Memphis em busca de alguma oportunidade de ganhar dinheiro com sua música, quem sabe! Afinal a propaganda da Sun era clara: "Gravamos qualquer coisa, a qualquer hora".

O começo foi complicado. Sam Phillips viu potencial em Cash mas ele soava muito duro, muito rústico. Essa rudeza em seu som nos anos que viriam seria seu grande diferencial. Percebendo que ficaria no mínimo patético cantando musiquinhas de amor para adolescentes, Cash resolveu abraçar o lado mais barra pesada da vida. Cantou sobre os prisioneiros (os reais, não os de cinema como em "Jailhouse Rock" de Elvis) e sobre as traições, desilusões e fracassos da vida do homem comum, como ele próprio se considerava.

Chegou a ser acusado de ser um "falso cantor de rock" após abraçar sem receios a música country e com ela seguir caminho até o fim de seus dias. Na verdade nem ligou para o que diziam. O fato é que Johnny Cash odiava rótulos. Ele jamais gravaria algo apenas para satisfazer o que as pessoas desejavam dele. Cash era autêntico demais para fazer pose e por essa razão cantava a América dos marginalizados, dos desesperados e dos miseráveis. Cantava apenas aquilo que queria, sem fazer nenhum tipo de concessão para produtores e nem gravadoras.

Ao longo da carreira acabou formando um público muito fiel que sempre ficou ao seu lado mesmo no período mais complicado de sua vida quando afundou no mundo das drogas pesadas. Só não morreu como Elvis porque foi salvo pelo amor que sentia por aquela que foi sua musa, sua diva e grande amiga e esposa, June Carter.

No final da vida finalmente encontrou algum tipo de paz. Reverenciado como um dos grandes nomes da história da música americana resolveu levar uma vida pacata em seu rancho em Madison, Tennessee. Acordava cedo, lá pelas seis da manhã e fazia longas caminhadas até uma pequena cabana onde ficava horas lendo seus livros preferidos, inclusive romances e a Bíblia. Cash não se sentia bem em ambientes luxuosos demais. Preferia uma casa de madeira, com as botas meladas de lama. Era sua forma de ser mais uma vez uma pessoa honesta consigo mesmo, relembrando suas raízes humildes. Também criou gosto pela jardinagem. Quem diria, o homem de preto passou seus últimos dias como um típico americano do interior, feliz por suas conquistas e saudoso de seu passado. Nada mais do que merecido.

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - If Every Day Like Christmas

Embora tenha lançado algumas poucas músicas realmente relevantes em 1966 o fato é que Elvis estava em um momento ruim da carreira por essa época. Seus filmes eram severamente criticados pelos críticos de cinema e as trilhas sonoras vendiam cada vez menos a cada ano. Até a crítica musical que antes ainda se importava em criticar as músicas dos filmes, começou a ignorar seus álbuns com músicas de filmes. Afinal para que se importar se o material soava igual todos os anos? Como Elvis afinal era visto em 1966? Basicamente como um cantor que havia sido essencial no surgimento do rock ´n´ roll na década anterior, mas que estava totalmente perdido na carreira, sem rumo, fazendo filmes adolescentes para um público que nem sequer existia mais.

Afinal de contas os produtores não entenderam que os fãs de Elvis não eram mais os adolescentes dos anos 50, pois o tempo havia passado, eles tinham se casado, eram pais de famílias com mais de 30 anos e não iriam gastar seu suado dinheiro com aquele tipo de material. E os jovens dos anos 60, os verdadeiros adolescentes, seguiam outros ídolos de sua idade e não Elvis que já era considerado um astro de uma outra geração. Assim Elvis foi morrendo artisticamente. Ele perdeu o compasso com seus antigos admiradores. Seus antigos fãs ignoravam seus discos novos e a juventude simplesmente o achava um astro de Hollywood ao velho estilo, em musicais pouco interessantes para eles! Uma situação nada boa para um talento como Elvis Presley. O caminho era virar adulto também na carreira musical, mas infelizmente isso iria demorar ainda um pouco a acontecer.

No meio dessa situação de estagnação artística que tinha se transformado sua outrora gloriosa carreira musical, chegou nas lojas, muito timidamente, sem publicidade alguma, esse single natalino. Para os que ainda insistiam em seguir Elvis (verdadeiros heróis da resistência pois a maioria dos fãs tinham ido embora), o compacto trazia uma novidade e tanto, uma canção inédita de Elvis. Sim, era de natal, o que afastava uma parte do público que achava esse tipo de música ultrapassada, mas era algo novo - e não uma centésima reedição das canções natalinas de 1957. A RCA, desesperada pelas baixas vendas dos produtos com Elvis, resolveu que seria uma boa ideia ele gravar algo para o natal. Quem sabe não faria algum sucesso...

A música era uma composição muito bonita do amigo e guarda-costas de Elvis, Red West. A faixa havia sido gravada em junho, em Nashville, e contava com a maravilhosa participação do grupo vocal The Imperials Quartet, que iria ser extremamente importante na carreira de Elvis nos anos 70. O single não chegou a ser um fenômeno de vendas, passou muito longe de se destacar nas paradas, mas satisfez as expectativas da gravadora. Pelo menos não foi um fracasso comercial completo, como vinha acontecendo com regularidade nos lançamentos de Elvis ultimamente. No ano seguinte ainda seria reeditado, mostrando que havia ali uma centelha de força comercial ainda brilhando na cambaleante carreira musical do agora considerado ex-Rei do Rock Elvis Presley.

If Every Day Was Like Christmas
I hear the bells / Saying christmas is near / They ring out to tell the world / That this is the season of cheer / I hear a choir / Singing sweetly somewhere / And a glow fills my heart / I'm at peace with the world / As the sound of their singing fills the air / Oh why can't every day be like christmas / Why can't that feeling go on endlessly / For if everyday could be just like christmas / What a wonderful world this would be / I hear a child / Telling santa what to bring / And the smile upon his tiny face / Is worth more to me than anything.

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - Surrender / Lonely Man

Logo no começo de 1961 a RCA Victor lançou no mercado o novo single de Elvis Presley. Era um compacto com "Surrender" no lado A e "Lonely Man" no lado B. Esse single é bem curioso porque ambas as canções eram de certa forma símbolos da nova fase da carreira de Elvis. "Surrender" era claramente uma tentativa de repetir o sucesso comercial de "It´s Now Or Never" do ano anterior. Uma outra adaptação de uma música italiana, dessa vez da conhecida música napolitana "Torna a Surriento" de autoria de Giambattista e Ernesto de Curtis. Além disso era uma canção do começo do século XX (1902) tal como "Are You Lonesome Tonight?", o hit anterior de Elvis. Afinal se havia dado tão certo com "O Sole Mio" poderia dar certo novamente aqui. E deu.

A canção, embora não tivesse chegado ao mesmo nível de sucesso de "It´s Now or Never", conseguiu se destacar muito bem nas paradas, chegando ao primeiro lugar entre os mais vendidos. A gravação foi complicada para Elvis. A nota final exigia uma maturidade e poder vocal que intrigou o cantor. Mesmo assim ele topou o desafio. Vários takes foram produzidos apenas para essa parte final e depois de várias tentativas a escolhida por Elvis foi unida a um outro take da canção dando origem a versão oficial que conhecemos. A canção foi produzida durante as sessões de gravação do álbum religioso "His Hand In Mine" visando justamente seu lançamento em single logo no começo de 1961. Elvis ficou particularmente satisfeito com a performance, tanto que chegou a comentar com amigos que "Surrender" tinha de fato sido um desafio para ele dentro dos estúdios. Era até de certa forma uma homenagem a um de seus grandes ídolos no mundo da música, Mario Lanza. 

Já "Lonely Man" era do novo filme de Elvis que ainda nem chegara nas salas de cinema. O drama "Wild In The Country" (Coração Rebelde) prometia ser mais um passo de Elvis em direção a uma carreira de ator sério em Hollywood. Novamente rodado na Fox a película era mais uma tentativa de Elvis em emplacar na capital do cinema. Um dos destaques, além de seu belo acompanhamento instrumental era a própria letra, bem evocativa e sincera. Mesmo tendo suas qualidades infelizmente acabou sendo ignorada. Assim os fãs tinham que se contentar com um fato que era mais do que claro: Elvis se distanciava cada vez mais de seu antigo estilo musical, o bravo Rock ´n´ Roll.

Embora esse single se tornasse o quarto consecutivo a chegar ao primeiro lugar na parada Billboard as pessoas começaram a se perguntar quando Elvis finalmente lançaria um novo rock nas lojas. Seu romantismo era apreciado e até mesmo seus filmes eram prestigiados por essa época por seus fãs mas as baladas românticas começavam a tomar um espaço excessivo dentro dos lançamentos do outrora aclamado "Rei do Rock"! Essa situação meio embaraçosa levou o Los Angeles Times a pela primeira vez perguntar em uma reportagem se Elvis ainda poderia ser chamado de Rei do Rock, afinal o antes selvagem e barulhento ritmo que tanto fama lhe trouxe parecia ter sumido de seus lançamentos recentes. O tempo mostraria que não era bem assim mas o questionamento ainda seria feito muitas e muitas vezes nos anos que viriam, criando uma consciência nas pessoas de que Elvis havia abandonado o estilo musical que o tinha transformado no astro musical número 1 da América.

Pablo Aluísio.

Elton John - Honky Château

Recentemente adquiri esse álbum de 1972 do Elton John. É um disco muito agradável de se ouvir, principalmente pelo fato de que ele escolheu um repertório que é justamente isso, proporcionando uma audição bem agradável aos ouvidos. Elton John também amenizou os arranjos de metais, deixando as canções com aquela sensação de leveza. As harmonias das músicas se inspiram claramente no estilo Honky-Tonk, muito popular nos bares e estabelecimentos comerciais mais populares, principalmente no sul dos Estados Unidos. Foi uma escolha acertada.

A primeira faixa do disco, a animada "Honky Cat" já mostra a que veio. Aliás ela daria nome ao disco como um todo e Elton John só mudou de ideia sobre isso no último momento, poucos dias antes da prensagem das primeiras cópias. O produtor Gus Dudgeon o convenceu que um nome mais estiloso ficaria melhor. Assim Elton John surgiu com esse título "Honky Château", algo como o castelo do  Honky-Tonk. Ficou bom, bem melhor do que o primeiro título que seria usado.

A segunda faixa do disco é uma balada, a boa "Mellow". Há quem implique com o refrão usado à exaustão. Bom, digamos que o bom e velho Elton sabia muito bem que um refrão pegajoso, que grudasse na mente do ouvinte já na primeira audição seria um potencial hit nas paradas. É uma bela música, gosto dela. A única coisa que envelheceu bastante foi o órgão que sola na segunda parte da canção. É um tipo de instrumento que evoca ao passado, não sendo muito utilizado em discos após os anos 70. De qualquer forma e música já havia sido salva pelo piano tocado por Elton John. Não há muito o que reclamar sobre isso. Não sejamos tão chatos!

Não é segredo para ninguém que o grande hit desse disco, o grande sucesso que fez o álbum vender milhões de cópias na época de seu lançamento original foi a canção "Rocket Man" Não é para menos. Essa balada é até hoje considerada uma das obras primas da carreira de Elton John. É o mais curioso de tudo é que sua letra é muito diferente do que ele estava acostumado a escrever na época. Esse tipo de tema era mais associado a artistas como David Bowie.

A letra contava as agruras e sentimentos de um astronauta que tinha de ir para o espaço, para cumprir mais uma missão enquanto deixava as pessoas amadas na Terra. Isso ficava bem claro em versos como: "Eu sinto tanta falta da Terra / Eu sinto saudades da minha esposa / É tão solitário no espaço / Em um vôo tão eterno". Naqueles tempos, em plenos anos 70, ainda se pensava que em poucos anos o homem iria fazer viagens a outros planetas com uma certa facilidade e regularidade. 50 anos depois e ainda estamos na Lua, ou melhor dizendo, nem na Lua, pois faz décadas que o homem não pisa por lá novamente.

Outra balada que gosto desse disco é "Salvation" que abria o lado B do vinil original. Existem aqueles que consideram o refrão cheio de clichês musicais, algo banal. Pode até ser, mas é impossível negar que mesmo sendo algo meio batido, ainda funcionava muito bem. A dobradinha de arranjos usando apenas instrumentos tradicionais de uma banda de rock e um bonito coro ao fundo completam a sonoridade agradável, acima de tudo. Aliás uma das melhores decisões de Elton John nesse disco foi deixar tudo mais clean, sem exageros desnecessários.

 "I Think I'm Gonna Kill Myself" é uma das faixas que mais lembram o verdadeiro estilo Honk-Tonk. Por isso ela se parece muito com aquelas antigas músicas do começo do século XX, mais precisamente da década de 1920. Aqui Elton John caprichou mesmo, embora seu refrão em coro no meio da faixa seja algo bem anos 1970. Assim Elton John acabou unindo duas décadas do século XX em apenas uma canção. Ficou excelente.

"Susie (Dramas)" é uma boa música. Sua sonoridade é um pouco fora do comum. Começa praticamente como uma súplica, então vai subindo o tom conforme a canção avança. Nesses álbuns dessa época o Elton John valoriza bastante também os arranjos da bateria. Claro, o piano sempre estaria em primeiro plano, mas isso não significava que ele não valorizasse os efeitos de percussão. A guitarra também surge em bonito solo. Uma boa canção do disco, mas em minha opinião não está entre as melhores.

"Slave" em inglês significa "escravo". Aqui Elton John compôs uma bela balada, toda arranjada tal como foi composta, com um bonito violão de doze cordas se destacando. O Elton também acrescentou efeitos de Slide-Guitar. A intenção dele assim se tornou bem clara e óbvia. Ele quis aqui cantar e tocar uma balada country ao velho estilo, ao estilo de Nashville. Ficou bonita, sem dúvida. O ouvinte até se pega imaginando estar andando naquelas estradas do sul dos Estados Unidos, nas antigas plantações de algodão onde havia, em um passado nem tanto distante assim, escravos trabalhando de sol a sol. Tempos de escravidão, tempos de vergonha.

Outra canção com nome de garota, "Amy" é um Honkey Tonkey mais nervosinho. Começa com acordes de balada, mas vai acelerando aos poucos, coisas de Elton John. Depois tudo explode no refrão. Os arranjos são interessantes, com destaque para o longo e bonito solo de guitarra. É um lado B do disco. Não fez sucesso, nem se destacou na época em nenhuma parada, porém inegavelmente é uma boa faixa desse álbum. Elton John em grande forma.

"Mona Lisas and Mad Hatters" é muito conhecida. Basta os primeiros acordes tocaram para lembrar dela. Não digo que seja um "Golden Hit" da carreira do Elton John, mas inegavelmente é bem conhecida. Tanto isso é verdade que quando coloquei o disco para tocar a primeira vez me lembrei imediatamente dessa faixa e isso sendo um conhecedor pouco aprofundado da discografia do Elton John. Ouvi a música e me lembrei na hora. Acredito que quem viveu os anos 70 vai lembrar dessa melodia.

E como acontece em praticamente todas as gravações desse disco, tudo é executado com um grande bom gosto. Elton John ao piano sempre foi um presente aos ouvintes de bom gosto. E para melhorar ainda mais a bela melodia ele colocou uns instrumentos clássicos ao fundo. Penso que há até mesmo a presença de uma Balalaica (ou balalaika, como dizem alguns), tradicional instrumento da música folclórica russa. Coisa de mestre. Ficou bela a canção.

"Hercules" é a música que fecha o álbum. Som agradável, melodia idem. Tem uma bonita introdução de violão (bem tocado, é claro), bem ao estilo do country and western de Nashville. Se tem uma coisa boa que Elton John fez nesse disco foi simplificar os arranjos. E outra coisa que merece aplausos foi esse vocal de apoio, muito bom, lembrando velhas músicas dos anos 50. Muito nostálgico, muito bom. É uma faixa para cima que fecha o LP original de maneira perfeita. Muito bom momento de Elton John e sua banda. Nota 10 mesmo, sem favor algum.

O disco "Honky Château" chegou nas lojas do mundo em 19 de maio de 1972. Foi sucesso imediato. O conjunto das músicas havia sido gravado em Château d'Hérouville, Hérouville, França, em janeiro daquele mesmo ano. Elton John sempre priorizou viver bem e trabalhar em lugares agradáveis também. Está certo. Os trabalhos foram produzidos por Gus Dudgeon, mas obviamente o prórpio Elton John comandou o show, embora ele pedisse que seu nome fosse retirado dos créditos na produção. Sujeito modesto e muito talentoso esse Elton John.

Pablo Aluísio.

David Bowie - Blackstar

Esse é o último CD do cantor David Bowie. Eu confesso, logo de cara, que nunca fui seu fã. Obviamente sempre respeitei sua importância para o mundo da música, porém não era realmente o tipo de som que tocava em minha lista de preferidos. Talvez minhas reservas em relação a Bowie nem tenha muito a ver com sua música, mas com sua imagem. Aqui estou escrevendo apenas como um ouvinte comum, uma pessoa normal que tem seus gostos pessoais, como qualquer outra. Gostar de um cantor, uma banda ou um artista, tem muito a ver com empatia. Os próprios produtores e executivos do meio musical sabem muito bem disso. Por essa razão também as imagens dos músicos geralmente são minuciosamente trabalhadas, justamente para criar empatia com o maior número possível de pessoas, gerando a partir daí o tão esperado sucesso.

Pois bem, eu nunca consegui criar empatia com David Bowie. Sempre achei sua figura muito excessiva, diria até estrambólica demais da conta (pelo menos em minha forma de pensar). Seu estilo completamente kitsch me afastou de sua música. Eu nunca embarquei em coisas como Ziggy Stardust - até achava original e bem criativo, porém ficava aquela sensação de algo muito parecido com o cinema trash de ficção (esse sim do qual gostava realmente). Suas roupas estranhas, seu cabelo cor de laranja, tudo conspirava para que eu não fosse atrás de Bowie como artista, nunca comprasse seus álbuns ou fosse em busca de seu trabalho para ouvir com maior atenção. É uma questão de puro gosto pessoal e não existe nada de errado nisso. Bowie realmente não era a minha praia.

Dito isso devo dizer que esse seu último álbum me agradou. Bowie, já na beira da morte, procurou se livrar de todos os excessos, de todas as perucas, roupas espaciais, androginia, saltos altos, etc. Aqui ele se mostrou da forma mais simples e honesta possível e talvez por essa razão eu tenha finalmente gostado de seu trabalho. De certa maneira isso já havia acontecido antes, em especial com o cantor Cazuza. Na beira da mortalidade, sob pressão psicológica total, esse tipo de artista parece retomar a sobriedade, tentando dar o melhor de si antes do momento final. Uma das coisas mais curiosas é que nesse último adeus, Bowie procurou pelo mais tradicional, pelo bom e velho jazz.

Um cantor que se notabilizou toda a vida por destruir velhos padrões sonoros e de comportamento acabou abraçando o conservadorismo musical em seu último momento. Como eu disse, a partir do momento que se chega na hora da verdade, muitos se transformam e no caso de Bowie essa transformação foi para melhor. Os dias de Ziggy Stardust também tinham ficado para trás definitivamente e isso fez muito bem a Bowie. Assim esse último CD me fez parar para uma reavaliação. Não vou aqui mentir dizendo que começarei a gostar de seus discos anteriores, isso não tem volta. Eles estão no passado e se depender da minha vontade ficarão lá para sempre. Porém uma coisa é certa, "Blackstar" sempre terá um espaço na minha coleção de CDs, tanto pelo fato de ser o último suspiro de Bowie como principalmente por ser um belo trabalho musical. Esse realmente vale a pena.

David Bowie - Blackstar (2015)
Blackstar
Tis a Pity She Was a Whore
Lazarus
Sue (Or in a Season of Crime)
Girl Loves Me
Dollar Days
I Can’t Give Everything Away

Pablo Aluísio.

Stevie Wonder - Send One Your Love

Um dos clássicos do repertório de Stevie Wonder. A canção lançada em single em 1979 conseguiu chegar ao primeiro (e cobiçado) primeiro lugar da disputada parada Billboard Hot 100. Aqui Wonder mostra que finalmente tinha conseguido chegar na fórmula certa para emplacar nas principais paradas americanas e não apenas naquelas mais categorizadas como Soul (na qual sempre reinou).

Nessa época o artista ainda fazia parte da gravadora Motown, aquele selo mitológico tão importante para a música negra dos Estados Unidos. Curiosamente a gravadora tratava seus artistas com mão de ferro mas Wonder conseguiu impor suas decisões, tanto que aqui surge como produtor também, algo que seria impensável nos primeiros anos da Motown, sempre controlando excessivamente todas as gravações a ponto de alguns astros deixarem o selo por se sentirem literalmente sufocados pela ditadura de Berry Gordy.

O que temos aqui é uma balada muito agradável, com ótimo acompanhamento instrumental. A música depois seria inserida no belo álbum "The Secret Life of Plants", até hoje considerado um dos momentos mais inspirados da carreira do cantor e compositor. No lado B para amenizar os custos de produção, Gordy resolveu colocar a mesma canção, só que apenas instrumental. Isso é curioso porque os colecionadores de vinil sabem bem como isso era comum, até mesmo em outros artistas. Uma pena pois o Lado B com músicas inéditas nos singles eram bem mais saborosos, tanto que daria origem a uma expressão que significava justamente isso, belas canções pouco conhecidas. Aqui não temos um lado B nesse estilo mas o single certamente é maravilhoso. Item para colecionador sem a menor sombra de dúvida.

Pablo Aluísio.

Jimmie Rodgers - Secretly

A primeira vez que esse single caiu em minhas mãos eu ainda era um jovem colegial bem interessado em materiais históricos do rock americano da virada dos anos 1950 para 1960. Havia uma garota no meu colégio que também curtia muito esse tipo de "arqueologia musical" e assim estávamos sempre trocando figurinhas e conhecimento sobre esse assunto entre as aulas, nos intervalos - e isso em uma época (anos 80) em que sequer existia a internet.

Eu já naquele tempo curtia muito o som melódico do Jimmie Rodgers. Sua geração era muito malhada pela crítica porque ele e todos os cantores que surgirem nesses anos suavizaram bastante o rock e por isso foram tachados de açucarados, cantores teens e coisas semelhantes.

É óbvio que esse tipo de pensamento também era um preconceito (um conceito criado antes de observar bem a música em si). Hoje em dia eu vejo toda essa geração do rock "sugar" americano de uma maneira bem mais amena, diria até simpática. Muitos deles foram chamados de "Mini-Elvis", porque naquela virada de década, dos 50´s para os 60´s, Elvis era apenas um recruta na Alemanha cumprindo seu serviço militar. Assim um vácuo foi aberto com sua saída dos Estados Unidos e muitos jovens com topetes vistosos procuraram seguir os passos do garoto de Memphis.

Paul Anka, Neil Sedaka, até Frankie Avalon, nadaram nessas mesmas ondas. O Rodgers é menos conhecido, o que é uma tremenda pena pois adoro seu rock mais sentimental, cheio de paixão e arranjos que são até hoje o suprassumo da sonoridade do fim dos anos 1950 e começo dos anos 1960. Essa canção "Secretaly" é seu maior sucesso no Brasil pois fez parte da trilha sonora internacional da novela "Estúpido Cupido", um grande sucesso de audiência da TV brasileira.

Aliás outro fato bem curioso é que Jimmie Rodgers cruzaria com Elvis nos estúdios da RCA Victor de Nashvillie, um encontro de duas gerações que se encontravam de forma inesperada. Segundo Priscilla o próprio Elvis tinha receios de ser trocado pela juventude justamente por ídolos mais jovens como Rodgers. Um velho trauma que ele carregou por anos. Mas enfim, essa é uma outra história... Por enquanto deixo aqui a dica de Jimmie Rodgers e seus amores adolescentes... Uma ótima nostalgia dos tempos em que os namoros eram bem mais inocentes e sentimentais, românticos e belos... uma era de ouro do romantismo ao estilo rocker americano.

Pablo Aluísio.

The Doors - Love Her Madly

Quando os Doors terminaram as gravações do álbum "L.A. Woman" eles enviaram as fitas para a Elektra Records. Os executivos da gravadora iriam escolher as canções que viriam a ser trabalhadas nas rádios, além das que seriam escolhidas para fazer parte dos singles (que eram os compactos simples, sempre trazendo a chamada "música de trabalho" para divulgar todo o álbum). "Love Her Madly" foi uma das escolhidas. O próprio Jim Morrison ficou muito surpreso com isso pois achava a canção a mais simples do disco. Em um trabalho tão cheio de blues e músicas mais enraizadas e profundas, era mesmo de se admirar que a simpática, mas nada complexa, "Love Her Madly" seria lançada em single para divulgar o resto do disco.

Jim obviamente deu de ombros. Ele já tinha comprado sua passagem para Paris onde pretendia escrever um novo livro de poemas. Ao seu lado viajaria sua eterna namorada Pam. Só uma coisa deixava Jim feliz: o fato da canção ser do guitarrista Robbie Krieger. Ele era seu melhor amigo na banda, o que não deixava de ser uma surpresa já que Robbie era um sujeito introvertido, fechado, que não era muito de fazer amizades. Com Jim acabou se dando muito bem. Era o extremo oposto do bateria John Densmore, que vivia brigando com Jim em todas as ocasiões. Ambos se odiavam na verdade. John queria mais profissionalismo por parte de Jim e esse como todos sabemos era um porra louca, típico dos anos 60. Jim sabia que John conspirava para ele ser expulso da banda, bem ao contrário de Robbie com quem tinha amizade verdadeira. Assim sempre que Robbie fosse valorizado (como nesse caso de "Love Her Madly") ele ficaria duplamente satisfeito. Afinal amigos são feitos justamente para esse tipo de situação.

Pablo Aluísio.