A Lei do Bravo

Título no Brasil: A Lei do Bravo
Título Original: White Feather
Ano de Produção: 1955
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: Robert D. Webb
Roteiro: Delmer Daves, Leo Townsend
Elenco: Robert Wagner, Jeffrey Hunter, John Lund

Sinopse:
Uma tropa da cavalaria americana viaja até o distante território do Wyoming durante a década de 1870 para pacificar a região, celebrando tratados de paz e cooperação com os principais chefes nativos daquelas terras. Tudo corre relativamente bem até que questões de sucessão entre os índios Cheyennes colocam em perigo a paz e a prosperidade entre os dois povos.

Comentários:
"A Lei do Bravo" anda injustamente esquecido, mas não se engane, se trata de um western realmente acima da média. O título original que pode ser traduzido como "Pena da Paz" já dá uma ideia do que está por vir. O roteiro trabalha na complicada questão indígena que foi durante muitos anos um problema e tanto para o governo americano. Sempre em busca de paz, evitando assim novos conflitos, muitas tropas da cavalaria foram enviadas para regiões distantes, com o objetivo de costurar a paz com os líderes nativos. Isso nem sempre era fácil, seja por causa dos próprios índios, seja por falta de comprometimento do próprio homem branco, que muitas vezes rasgava os pactos assinados, ignorando completamente o que havia sido prometido aos caciques e chefes tribais. No meio de tudo ficava a velha questão do choque de civilizações entre os americanos brancos empenhados em colonizar o velho oeste e os nativos peles vermelhas que tradicionalmente ocupavam suas terras. Em termos de produção nada a criticar, pois tudo surge de forma muito bem realizada e caprichada. Idem para o elenco formado por dois galãs famosos da época, Robert Wagner e Jeffrey Hunter, que funcionam como um belo bônus para o público feminino. Muitos vão sentir talvez a falta de um pouco mais de ação e combates, mas isso é um erro, pois a moral de toda a história contada é apenas uma: apenas a paz pode gerar bons frutos entre povos inimigos.

Pablo Aluísio.

Comanche

Título no Brasil: Comanche
Título Original: Comanche
Ano de Produção: 1956
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: George Sherman
Roteiro: Carl Krueger
Elenco: Dana Andrews, Kent Smith, Nestor Paiva

Sinopse:
Na fronteira mais distante e inóspita do velho oeste do século XIX, um grupo de soldados americanos enviados por Washington precisa costurar um acordo de paz com a nação Comanche para evitar que ocorra um novo banho de sangue entre tropas da cavalaria e guerreiros nativos, que já se encontram com suas tradicionais pinturas de guerra. O acordo, como logo se mostra desde o começo, não será dos mais fáceis de conseguir.

Comentários:
"Comanche" mostra as dificuldades que existiam entre o governo americano, destemido em alargar as fronteiras do país rumo ao oeste selvagem e a natural resistência que nascia contra essa política de tribos nativas, entre elas a dos Comanches, que ficaram conhecidos na história como uma das nações mais guerreiras e bravas daquele período. Como se trata de um típico faroeste dos anos 50, já sabemos de antemão que tudo foi realmente produzido de forma muito romanceada, com claros objetivos de transformar os soldados americanos da cavalaria em heróis e os índios em impiedosos vilões. No meio de um clima de guerra há até espaço para namoricos e romances (até porque se não fosse assim as atrizes não teriam razão nenhuma de participar do filme). É uma visão que no fundo retrata a mentalidade da época. Colocando isso de lado sobra ao espectador muita diversão ao velho estilo bangue-bangue do cinema americano. Há várias cenas tradicionais de combate entre soldados e índios, algo que fará a alegria dos nostálgicos. Como diferencial o diretor George Sherman resolveu ele mesmo e sua equipe atravessar a fronteira filmando tudo no México, perto da cidade de Durango. Isso trouxe algo de novo ao filme em si, pois aquela terra deserta como o inferno, se torna um componente importante na condução do enredo. No saldo final temos um western muito interessante e divertido, acima de tudo.

Pablo Aluísio.

Sayonara

Sayonara

Major da Força Aérea Americana (Marlon Brando) se apaixona por jovem japonesa e tem que enfrentar a dura disciplina militar que explicitamente proíbe tal relacionamento durante a estadia de militares americanos no Japão. Basta ler a sinopse para entender porque o ator Marlon Brando se interessou pelo papel. Sempre envolvido em causas sociais (principalmente as que envolviam preconceito racial) Brando achou que seria bastante interessante tocar em um tema polêmico ao indagar até que ponto o código de ética militar das forças armadas americanas era moralmente aceitável. Que direito tinha de determinar quem poderia ou não se envolver com os soldados e oficiais americanos? Não seria uma invasão da vida pessoal dessas pessoas? 

O fato é que mesmo com a proibição muitos militares acabavam se apaixonando pelas mulheres nativas e sofriam sanções por isso. Brando adorou o roteiro desde a primeira vez que o leu mas recusou fazer o filme até que aceitassem reescrever o trágico final original. Aceitos os seus termos o ator fez as malas e junto da equipe viajou ao distante Japão para as filmagens, que não foram fáceis. O problema é que foram na época errada do ano, uma estação muito chuvosa que atrasou absurdamente o cronograma do filme. Em suas memórias Brando relembrou que havia semanas em que não conseguiam filmar nem ao menos uma tomada sequer. Pressionado e criticado pelo estúdio o diretor Joshua Logan entrou em depressão deixando o filme totalmente à deriva nas ilhas nipônicas. Isso se refletiu no resultado final. O filme tem um corte ruim, com mais de duas horas e meia de duração. Marlon acabou atribuindo isso à falta de controle do diretor Logan que se perdeu dentro do projeto.

Apesar de todos os problemas não considero "Sayonara" um filme ruim, pelo contrário. Ele pode ser levemente disperso e com várias cenas desnecessárias mas nunca se torna banal. Há certos deslizes na produção, é verdade, como a maquiagem nada convincente de Ricardo Montalban (fazendo um personagem japonês ora vejam só!) mas isso é de certo modo apenas pontual. A atriz que faz o par romântico de Brando também nada acrescenta, pois tem o talento dramático muito limitado (de fato não seguiu carreira depois). Outro problema é que inexiste química entre ela e Brando, o que para um filme pretensamente romântico é quase um desastre completo. Enfim, para fãs de Brando o filme é obrigatório, até mesmo para vê-lo em um papel de certa forma diferenciado em sua carreira (bancando o herói romântico) mas fica a observação pois o filme poderia ser bem melhor do que realmente é.

Sayonara (Sayonara, Estados Unidos, 1957) Direção de Joshua Logan / Roteiro: Paul Osborn baseado no romance de James Michener / Elenco: Marlon Brando, Patricia Owens, Red Buttons, Miiko Taka, Ricardo Montalban / Sinopse: Major da Força Aérea Americana (Marlon Brando) se apaixona por jovem japonesa e tem que enfrentar a dura disciplina militar que explicitamente proíbe tal relacionamento durante a estadia de militares americanos no Japão.

Pablo Aluísio.

Raposa do Espaço

Raposa do Espaço

Robert Mitchum era um ator da velha guarda de Hollywood que de velha guarda não tinha nada. Sua biografia pouco comum fugia bem do padrão dos astros da época. O ator interpretava personagens diferenciados que geralmente tinham em comum o fato de serem anti-heróis, pessoas bem à margem do American Way of Life. Para quem nasceu em uma família sem muitos recursos e que via a profissão de ator como uma boa forma de ganhar muito dinheiro sem fazer muito esforço, nada mais natural que levar para as telas o outro lado da sociedade americana dos anos 50. Nesse tipo de papel o ator foi insuperável pois ninguém fazia isso melhor do que ele. Em sua extensa filmografia Mitchum não poupou o público de encontrar nas salas de cinema com alguns dos tipos mais incomuns da tela grande. Havia um perdedor bêbado em algum filme? Mitchum encarava o desafio. O papel era de um sádico psicopata que perseguia as pessoas que o havia colocado na prisão? Mitchum era o ator a se socorrer nessas horas... Mesmo quando tentavam enquadrar o ator em algum papel mais, digamos, tradicional, Mitchum mostrava que as coisas não sairiam assim tão fácil para produtores e diretores. Um exemplo é o filme Raposa do Espaço - uma película produzida com a ajuda das forças armadas americanas, portanto digno de toda a patriotada possível.

O enredo se passa durante a guerra da Coreia. Mitchum faz o papel de um Major que chega no Japão para liderar uma esquadrilha de caças durante esse conflito. Bem, se esse papel fosse dado a um John Wayne o filme seria bem diferente. Porém como Mitchum está lá podemos ter certeza que seu personagem não seria nada convencional ou politicamente correto e realmente não era. Embora interprete um oficial da força aérea americana no filme, Mitchum logo logo trata de dar em cima da esposa de um outro oficial e companheiro de armas. Mais Robert Mitchum do que isso, impossível... Como se não bastasse ainda contracenava com o ator Robert Wagner no comecinho da carreira. Para quem não está ligando o nome à pessoa, Wagner ganhou fama internacional muitos anos depois ao estrelar o famoso programa Casal 20. Também ganhou notoriedade por ter sido casado com Natalie Wood (alguns boatos chegaram inclusive a culpá-lo pela morte dela, afogada depois de uma noite de bebedeira). Contracenando com Mitchum nesse filme ainda temos Richard Egan, ator bem conhecido dos fãs de Elvis Presley pois estrelou ao lado do Rei do Rock seu primeiro filme, Love Me Tender. Para quem foi preso por fumar maconha no auge da fama, por vagabundagem na juventude, até que Mitchum engana direitinho como militar durante o filme. Com seu rosto cinicamente natural, ele nos lembra que até os anti-heróis eram mais interessantes antigamente...

Raposa do Espaço (The Hunters, Estados Unidos, 1958) Direção de Dick Powell / Roteiro de Wendell Mayes e James Salter / Elenco: Robert Mitchum, Robert Wagner, Richard Egan / Sinopse: O enredo se passa durante a guerra da Coréia. Mitchum faz o papel de um Major que chega no Japão para liderar uma esquadrilha de caças durante esse conflito.

Pablo Aluísio.

O Rei Leproso

O Rei Leproso

A história tem alguns personagens que ficaram célebres, seja pela história de suas vidas, seja por algo terrível que os marcavam. É o caso do rei leproso, Balduíno IV. Muitos vão lembrar da imagem desse Rei no filme "Cruzada" onde ele usava uma máscara de metal para esconder as marcas e deformidades da hanseníase. Na antiguidade e na Idade Media essa era uma doença sem cura que levava seus doentes à morte. Pior do que isso, os doentes eram retirados do meio social, para não contaminar outras pessoas e levadas para lugares distantes. Essas regiões eram conhecidas como Vales dos Leprosos. Ninguém ousava ir nesses ambientes. Era o fim do mundo viver ali, abandonado e esperando pela morte que certamente viria. 

Por isso quando o filho do Rei de Jerusalém apareceu com Lepra nas mãos e em parte dos braços foi um verdadeiro terror para seus familiares. Aquele menino era o herdeiro do trono! Como a Monarquia iria continuar com um monarca leproso? Seu pai, o Rei, ficou sem saber o que fazer, mas a Rainha decidiu que iria manter a doença do filho Balduíno em segredo absoluto. Ele passou a viver isolado da corte e não era mais visto brincando com outras crianças da nobreza. 

A vida de Balduíno foi dramática. Seu pai morreu e ele subiu ao trono jovem demais no ano de 1174. Os cristãos estavam cercados em Jerusalém pelas tropas do muçulmano Saladino que sabia que havia no trono um jovem frágil e doente. Ainda assim Balduíno conseguiu por muitos anos deter os avanços de Saladino, evitando que ele viesse a conquistar a conhecida Cidade Santa. Os seguidores do profeta Maomé entretanto estavam certos da vitória, que viria mais cedo ou mais tarde, afinal os cristãos eram minoria naquelas terras. A imensa maioria do povo era muçulmano, em segundo lugar vinha os judeus que também não acreditavam na divindade de Jesus. Apenas os cristãos vindos da Europa, considerados invasores pelo próprio povo de Jerusalém, seguia os ensinamentos daquele que chamavam de Cristo. 

Ainda assim o Rei Leproso conseguiu liderar seus exércitos contra Saladino por quase uma década. Só que a doença avançou rapidamente em seu corpo. Com vinte e poucos anos Balduíno já estava cego de um dos olhos, fruto das deformidades da Lepra. Ele não usava uma máscara de metal como mostrado no filme Cruzada, mas sim um véu que cobria todo o seu rosto. Só que em determinado momento ficou impossível parar o avanço de sua doença. Ele morreu muito jovem, com 24 anos de idade em 1185 e o Reino de Jerusalém ficou à mercê dos muçulmanos. A conquista da cidade era questão de tempo e realmente aconteceu pouco tempo depois de sua morte. De certa forma essa foi uma das histórias mais trágicas envolvendo um monarca cristão na história medieval. 

Balduíno não havia deixado herdeiros por motivos óbvios e a coroa foi para sua irmã. Só que ela não tinha preparo para defender o Reino. E para piorar ela era casada com um homem que a nobreza de modo em geral odiava. Assim tudo terminou em ruínas. Os cristãos foram derrotados, expulsos das terras onde viveu Jesus em um passado remoto e nunca mais reconquistaram a tão cobiçada cidade de Jerusalém. A tomada da cidade, de certa maneira, marcou o fim das cruzadas que tantas mortes e destruição havia causado naquele povo sofrido. 

Pablo Aluísio. 

Louis IX

Louis, o Rei que se Tornou Santo

A capital do Maranhão, São Luís, tem esse nome por causa desse Rei francês que virou santo! Louis IX (Luís IX em nossa língua portuguesa) viveu entre os anos de 1214 a 1270. Era filho do Rei Louis VIII e seu reinado ficou conhecido por ser um período de extrema justiça no Reino francês. Considerado um homem justo e honrado, esse monarca franco, da linhagem que vinha desde Clóvis, fundador de sua dinastia, foi adorado por seu povo, por causa de seu senso de justiça e honestidade.

Também foi um período de extrema turbulência no Reino da França. Na época Luís precisou entrar em guerra contra o Rei inglês Henry III. Ele queria restaurar uma antiga monarquia franca, mas esbarrou nas pretensões territoriais dos ingleses. Internamente fortaleceu os órgãos de julgamento. Em seu tempo o Rei era considerado absolutista, ou seja, tinha todos os poderes em suas mãos. O Rei administrava o Reino (Poder Executivo), criava as leis (Poder Legislativo) e as aplicava nos casos que lhes eram submetidos (Poder Judiciário). Louis IX logo percebeu que ao ter para si o poder de vida ou morte sobre seus súditos tinha acima de tudo que prezar pela justiça nos casos que eram levados até ele. Historiadores afirmam que ele criou a "presunção de inocência", ou seja, todos eram considerados inocentes até que se fosse provado o contrário.

Também procurou se aproximar do povo. Ao invés de reinar como um Rei distante e isolado em seu castelo, Louis IX descia até os povoados, se misturava entre os camponeses e ouvia seus pedidos, suas preces e reivindicações. Essa proximidade com a classe dos plebeus lhe valeu grande prestígio pessoal. Outro aspecto que ficou muito conhecido de sua personalidade era sua profunda religiosidade. Devoto da fé católica, Louis IX procurou moralizar o Reino, combatendo as heresias, a prostituição e os jogos de azar, que levavam os pais de família à ruína. Também procurou se aproximar dos judeus que viviam na França, incentivando eles a se tornarem novos cristãos, aceitando a palavra de Jesus em seus corações.

Durante quatro anos de sua vida se dedicou a organizar a Sétima Cruzada. Foi algo que custou muito ao Rei. Ele ficou gravemente ferido quando estava no norte da África e quase morreu por causa dos rigores dos campos de guerra. Essa primeira cruzada não foi tão bem sucedida como ele esperava, por isso após uma sangrenta luta nas areias do deserto do Egito, ele retornou a Paris. Não demorou muito e uma nova cruzada, a oitava da história, foi organizada. Nessa presenciou a morte de um de seus filhos, João Tristão. Mesmo tendo tomado Cartago seu exército foi atingido por inúmeras doenças do norte africano, como peste negra, escorbuto e disenteria. O rei morreu em 25 de agosto de 1270, muito provavelmente vitimado pela terrível peste negra que iria dizimar grande parte da Europa nos anos seguintes. Muitos anos depois de sua morte foi eleito como o símbolo máximo da monarquia francesa, sendo canonizado pelo Papa Bonifácio III.

Pablo Aluísio. 

Elvis Presley - That's the Way It Is - Parte 5

"I've Lost You" é uma das boas músicas do disco "That´s The Way It Is". Essa famosa dupla britânica de compositores, Ken Howard e Alain Blaikley, foi uma das mais populares durante os anos 60 e 70, tendo escrito temas para grandes astros da época como The Honeycomb e Peter Frampton. Quando escreveram "I've Lost You" eles jamais pensariam que Elvis gravaria uma versão dessa canção muitos anos depois. Aliás a música chegou nas mãos de Elvis meio por acaso, quando um engenheiro de som a tocou de forma acidental durante as gravações em Nashville. Elvis se interessou e pediu que ele a tocasse novamente. O que aconteceu depois não é nenhuma novidade. A música virou título do primeiro single de Elvis composto com músicas desta trilha. A versão do disco foi gravada ao vivo e a que saiu em compacto é gravada em estúdio. A melhor sem dúvida é a do disco pois conta com a energia da plateia, o que dá um sabor especial à canção. A versão de estúdio foi gravada no dia 4 de Junho de 1970 em Nashville a a versão ao vivo foi gravada em Las Vegas no dia 11 de Agosto. 

Por essa época Elvis havia decidido deixar de lado as canções românticas mais voltadas para o público juvenil, afinal de contas ele próprio já não era mais um adolescente e nem um ídolo jovem. Ele estava amadurecido, assim como seus fãs. Os tempos eram outros. Quando gravou essa música Elvis já tinha seus próprios problemas em seu casamento. Foi justamente nessa segunda temporada de 1970 que surgiram os primeiros conflitos sérios com sua esposa Priscilla. Elvis havia se firmado em Las Vegas e essa cidade, como todos sabemos, é conhecida como a "cidade do pecado" nos Estados Unidos. Elvis proibiu Priscilla e as demais esposas de ficarem em Vegas durante as temporadas. Elas poderiam comparecer apenas nas noites de abertura e de encerramento. Fora isso, durante os concertos, deveriam ir embora. "Nada de esposas em Vegas" - decretou o cantor. Obviamente Priscilla soube depois que Elvis a estava traindo sistematicamente com várias mulheres enquanto realizava seus shows na cidade. O casamento começou a ruir justamente por isso e Elvis certamente foi percebendo que começava a perder sua esposa. O tema assim da letra se ajustava perfeitamente com o que ele estava passando em sua vida privada. Elvis só não sabia ainda que seu rompimento conjugal seria tão devastador e traumatizante como foi. O destino de seu casamento porém já estava traçado.

Algumas baladas cantadas por Elvis Presley em sua carreira foram bem injustiçadas. "Just Pretend" está nessa lista, talvez em primeiro lugar. São gravações belíssimas, mas igualmente ignoradas pelo grande público. Não fizeram o devido sucesso na época de seu lançamento e tampouco foram trabalhadas da forma que mereciam por Elvis. Um dos maiores exemplos vem de "Just Pretend". A canção nunca ganhou maior espaço dentro da carreira do cantor. Gravada durante a Nashville Marathon, em junho de 1970, em uma noite particularmente muito produtiva por parte de Elvis, a bela composição foi desaparecendo com os anos, sendo injustamente esquecida. Como bem sabemos Elvis era um artista extremamente produtivo. Basta apenas darmos uma olhada na grande quantidade de canções que ele gravou em sua longa carreira. Com tanto material novo invadindo o mercado de uma só vez não haveria como evitar que certas injustiças fossem cometidas. Uma delas foi, como escrevi, "Just Pretend". 

Essa música é uma das mais bonitas gravadas por Elvis. Com vocalização sóbria e pleno domínio durante as gravações, Elvis legou para a posteridade uma de suas melhores baladas românticas, daquelas que ainda merecem ser redescobertas. Usada timidamente tanto no filme como na trilha sonora, "Just Pretend" merece novas e atentas audições! Com melodia e letra acima da média, a canção que fala sobre reconciliação e reencontro, encontrou eco nos corações mais sensíveis. Ela guarda várias semelhanças de arranjo com outro momento precioso desse disco, "Bridge Over Troubled Water". Não poderia ser diferente pois ambas foram gravadas quase no mesmo dia e local, uma no dia 05 de junho de 1970 a outra um dia depois no mesmo estúdio, em Nashville. Nessa semana realmente Elvis estava extremamente inspirado para cantar belas e ternas canções de amor acompanhadas de belíssimos arranjos de teclados. O veredito final não poderia ser diferente pois essa é uma balada romântica sensível que foi injustamente subestimada na época, não tendo alcançado a devida repercussão que merecia. De qualquer forma nunca é tarde para se reparar uma injustiça.

Pablo Aluísio.

The Beatles - With The Beatles - Parte 5

Essa canção "All I've Got To Do" fez parte do disco "With The Beatles", o segundo álbum do grupo na Europa. Já nos Estados Unidos ela foi lançada como parte do LP "Meet The Beatles". Como se sabe no começo da carreira dos Beatles havia uma diferença entre a discografia inglesa e americana. Só tempos depois é que tudo foi unificado, sendo os discos lançados na Inglaterra considerados os oficiais. A canção conta com o vocal principal de John Lennon, com aquela voz bem característica que todos os fãs conhecem. O curioso é que Lennon explicaria anos depois que a música tinha sido uma influência do chamado "som da Motown", a gravadora americana especializada em música negra. 

John diria que ele estava tentando trazer um pouco da sonoridade de Smokey Robinson, do grupo The Miracles, para os discos dos Beatles. Penso que embora tenha sido esse o objetivo, essa canção romântica tem identidade própria, que resultou igualmente numa boa gravação por parte do quarteto. É simples, romântica e muito eficiente, funcionando muito bem dentro do repertório do disco. E demonstrava que os Beatles conheciam muito da música norte-americana. Liverpool e seu porto eram pioneiros na chegada dos discos vindos dos Estados Unidos, por isso os jovens da cidade conheciam muito bem todos esses grupos negros que para o resto da Inglaterra eram bem desconhecidos. 

De autoria do compositor Meredith Willson temos "Till There Was You". Ele era conhecido na época de sua auge de sucesso como o "The Music Man" pois era conhecido por escrever grandes sucessos musicais para a Broadway em Nova Iorque e para a indústria do cinema americano na costa oeste. Ele era talentoso e muito solicitado. Acabou se tornando um dos compositores mais ricos da indústria fonográfica americana. Quem trouxe essa bela balada para o disco dos Beatles? Certamente foi Paul McCartney que adorava seu estilo mais Old School. Lembrando que ela ganhou também um belo arranjo nos estúdios Abbey Road, com destaque para o inspirado violão solado por George Harrison e a percussão providenciada por Ringo Starr. Mais uma prova que os Beatles conheciam demais as músicas populares do outro lado do oceano, na terra do Tio Sam. 

De certa maneira "Till There Was You" tem um estilo que nos lembra os antigos boleros caribenhos, que naquela época, não podemos deixar de lembrar, estavam em alta nos Estados Unidos. Havia muitas boates de sucesso que apelavam justamente para esse lado mais hispânico, caliente, algo que se pode ver em qualquer registro cinematográfico daquele período. Basta lembrar de casas noturnas de sucesso por todos os Estados Unidos como a Tropicana. a Copacabana e a Tropical de Nova Iorque. Será que os Beatles estavam de olho nesse tipo de mercado? Afinal eles vinham de Hamburgo onde trocaram em muitos locais parecidos. É de se pensar nessa hipótese.

Pablo Aluísio.

O Sinal

Título no Brasil: O Sinal

Título Original: Das Signal

Ano de Lançamento: 2024

País: Alemanha

Estúdio: Netflix

Direção: Sebastian Hilger, Philipp Leinemann

Roteiro: Florian David Fitz, Nadine Gottmann

Elenco: Peri Baumeister, Florian David Fitz, Hadi Khanjanpour

Sinopse:

Uma astronauta, em missão na estação orbital internacional, intercepta sem querer um estranho sinal enviado do espaço profundo, no que parece ser uma tentativa de comunicação vinda de alguma civilização alienígena distante, das profundezas do cosmos. E agora ela tentará sobreviver, resguardando esse segredo mais do que precioso. 

Comentários: 

Começa bem, fica ruim lá pela metade e termina de forma bem inteligente. Eu poderia resumir assim essa minissérie de 4 episódios que está disponível para os assinantes da Netflix. Como era uma produção alemã eu já esperava por algo mais áspero, realista, pé no chão. Por isso nem me preocupei em ver um monte de ETs desfilando pela tela. Isso não iria acontecer e se você curte esse tipo de coisa já saiba de antemão que não vai rolar mesmo. Nenhuma criaturinha verde e cabeçuda vai aparecer. Já para quem aprecia uma coisa mais racional, baseada em ciência, vai acabar tendo um bom final para ver, inclusive com o uso narrativo da boa e velha Voyager. Não é surpresa total porque essa ideia já foi usada em um dos filmes de Jornada nas Estrelas no cinema. Então eu apenas achei OK. E isso é tudo o que posso dizer sem estragar o final. De qualquer forma quase desisti nos episódios do meio, pois a coisa toda fica bem chata mesmo. Só melhora no final de tudo. Pena que depois fica aquele sentimento de solidão cósmica, de que estamos mesmo sozinhos no universo. É a maior solidão que a raça humana poderá sentir em toda a sua existência falha. 

Pablo Aluísio.

The Rookie - Primeira Temporada

Título no Brasil: The Rookie - Primeira Temporada

Título Original: The Rookie

Ano de Lançamento: 2018

País: Estados Unidos

Estúdio: ABC

Direção: Liz Friedlander, Adam Davidson

Roteiro: Alexi Hawley, Fredrick Kotto

Elenco: Nathan Fillion, Alyssa Diaz, Richard T. Jones

Sinopse:

John Nolan (Nathan Fillion) é um sujeito normal, vivendo em Los Angeles, que decide mudar radicalmente de vida, entrando para a academia de polícia da cidade, mesmo já tendo passado da idade certa para isso. Nessa primeira temporada acompanhamos seus primeiros dias como patrulheiro nas ruas de L.A.

Comentários:

Depois de um tempão terminei de assistir os 20 episódios dessa primeira temporada da série. É feijão com arroz, bem quadradinha mesmo. Série policial das mais convencionais, o que no Brasil é chamado de "enlatado americano". Tudo gira em torno desse policial novato. Outras séries já foram feitas em cima desse tema, como a bem melhor "Rookie Blue", só que aqui o diferencial é que o tal novato tem 45 anos de idade! E fica por aí mesmo. Os demais personagens são meras peças no desenrolar das histórias. Nenhum deles é minimamente desenvolvido. Os episódios são bem independentes entre si, por isso não é necessário seguir episódio por episódio para acompanhar. Como eu disse, é tudo bem convencional e quadradinho. O canal ABC é especialista mesmo nessas séries genéricas. De qualquer forma ainda vale a pena como passatempo descompromissado e ligeiro, para assistir enquanto se come um lanche ao estilo fast-food. Aliás essa série é puro fast-food e nada mais. Não tem grandes pretensões artísticas e nem foi produzida visando nada nesse sentido. 

Pablo Aluísio.