As vidas de Marilyn Monroe - Parte 22

Uma das pessoas mais importantes na vida de Marilyn Monroe foi Johnny Hyde. Ele era um figurão de Hollywood, um sujeito muito rico que ficou perdidamente apaixonado pela atriz. Quando Hyde colocou os olhos pela primeira vez em Marilyn ela realmente não era ainda ninguém dentro da indústria. Apenas uma das centenas de  de aspirantes a atriz tentando arranjar algum trabalho dentro dos estúdios de cinema. Certamente era uma garota bonita, ainda bastante jovem, mas como ela havia muitas outras. Hyde era um sujeito muito mais velho do que ela, mas isso não importou pois foi amor à primeira vista. Ele ficou apaixonado como um adolescente na época escolar. Uma paixão devastadora!

Quando conheceu Marilyn, Hyde perdeu o juízo. Resolveu se separar da esposa, abandonou sua família e resolveu se dedicar de corpo e alma a Marilyn. Ela tinha muito a ganhar com esse relacionamento, mas sempre foi muito honesta com Hyde. Desde o começo deixou claro que não o amava como ele a amava. Não havia reciprocidade. Marilyn também jamais quis enganar Hyde dando a ele falsas esperanças. Mesmo assim, implorando por migalhas emocionais, Hyde resolveu apostar tudo o que tinha em Marilyn. Usou todo o seu poder financeiro e prestígio pessoal para conseguir papéis para a jovem atriz. Ele não escondia que era apaixonado por ela a ninguém. Com muito esforço conseguiu que John Huston escalasse Marilyn para seu novo filme que iria se chamar "O Segredo das Jóias". Foi a primeira vitória de Hyde em sua cruzada para transformar Marilyn em uma estrela de Hollywood.

Só havia mais um problema para Hyde, além do pouco retorno que Marilyn lhe dava em termos de afeição e amor: ele estava com um sério problema de coração. Os médicos lhe diziam que ele teria poucos meses de vida pela frente. Isso deixou um estado ainda maior de emergência em seu plano de ajudar Marilyn de todas as formas possíveis. Tão estafado ficou que acabou sofrendo uma parada cardíaca. Foi internado às pressas e só escapou da morte por causa do atendimento de emergência dos médicos que o atenderam. O pior porém veio depois. Marilyn não o visitou no hospital apesar dos inúmeros pedidos e ligações de Hyde para que ela o fosse visitar em seu leito. Quando encontrou com a professora de atuação de Marilyn, Natasha Lytess, desabafou: "Natasha, por que Marilyn não vem me visitar? O que está acontecendo? Eu fiz tudo por ela até hoje! Pode haver mulher mais ingrata do que Marilyn? Estou decepcionado... decepcionado..."

Mesmo com o apelo, Marilyn não foi ao hospital. Quando decidiu que finalmente iria lhe visitar aconteceu o pior: o coração de Hyde não resistiu e ele faleceu durante a madrugada. A morte de Hyde abalou Marilyn seriamente, principalmente pelas circunstâncias que ocorreram. Muitos a culparam por ele ter largado sua esposa e filhos e tudo mais. Marilyn ficou mal. Em seu enterro ela foi aconselhada por seu empresário para que não fosse ao funeral, porque a ex-esposa de Hyde e seus filhos estariam presentes, mas ela não ouviu os conselhos e compareceu ao último adeus de Hyde. Poucos dias depois resolveu se matar, tomando um monte de comprimidos. Quem a salvou da morte foi sua colega de quarto, uma starlet alemã com quem ela dividia o apartamento. Foi a primeira de muitas tentativas de suicídio de Marilyn... O detalhe mais preocupante porém vinha do fato de que Marilyn não tinha nem 25 anos de idade nesse momento em que decidiu acabar com sua própria vida! A tempestade estava apenas começando...

Pablo Aluísio.

Marlon Brando - Hollywood Boulevard - Parte 22

Da geração de talentosos atores jovens surgidos na década de 1950, três se destacaram, tanto em termos de público como de crítica: Marlon Brando, James Dean e Montgomery Clift. Assim que surgiram logo chamaram a atenção. Era considerado o trio rebelde máximo do cinema americano. Brando não tinha muita consideração para com James Dean. Em certos aspectos apenas o considerava como um imitador. Quando se encontraram pessoalmente Brando deixou isso bem claro a Dean, dizendo: "Pare de me imitar! Encontre seu próprio caminho!". Apesar de magoado, James Dean parece ter seguido seu conselho, começando a partir daí a criar um estilo pessoal que não mais apenas seguisse o jeito de ser de seu ídolo na época, Marlon Brando.

Com o tempo James Dean foi se distanciando da enorme influência que Brando havia exercido sobre o seu jeito de atuar. O próprio Brando reconheceu isso em seu livro de memórias. Ele escreveu: "James Dean queria minha aprovação. Queria que eu convalidasse o que ele estava fazendo. No começo me pareceu apenas que ele queria me imitar. Depois começou a seguir uma linha própria. Ele acabou se tornando um bom ator. Infelizmente morreu cedo demais para desenvolver todo o seu talento!". Ao longo daqueles anos ambos se encontraram casualmente em festas em Hollywood. Brando não se sentia à vontade na presença de James Dean, o considerando um sujeito instável, nervoso e ansioso demais para se estar ao lado. De certa forma Marlon Brando não admirava Dean e nem tampouco o queria por perto. Brando acreditava que depois de alguns anos eles provavelmente criariam algum tipo de amizade sincera, mas não houve tempo para isso. James Dean se espatifou em um acidente de carro muito jovem ainda, com apenas 24 anos de idade!

Em relação a Montgomery Clift as suas impressões eram bem diferentes. Brando sabia que Clift era um ator maravilhoso, cheio de recursos dramáticos que ele próprio queria ter. Ao longo do tempo ambos sempre eram comparados pela imprensa americana. Isso foi criando uma rivalidade dentro da mente de Brando. Ele sempre queria superar Clift, seja qual fosse o filme em que atuasse. Além disso ficou muito envaidecido quando Clift declarou a um jornal de Los Angeles: "Marlon Brando é um dos maiores atores vivos. Ele consegue grandes interpretações, mesmo quando atua em filmes que não estão à sua altura. Ele faz muito, geralmente com material de segunda!". Ou seja, Clift disse que mesmo quando o filme era ruim a presença de Brando compensava tudo.

O curioso é que eles tinham os mesmos agentes, tanto em Nova Iorque como em Los Angeles, mas pouco se conheciam pessoalmente, se encontrando apenas em raras ocasiões. Quando Brando e Clift foram contratados para atuar no mesmo filme, "Os Deuses Vencidos", finalmente se encontraram face a face em um hotel de Paris. Ao se sentar com Clift à mesa durante o jantar, Brando deixou de lado seu estilo mais egocêntrico para confessar o que sentia em relação a ele e seu trabalho. Acabou dizendo para Monty o que havia guardado por anos ao dizer: "Venha cá, sente-se aqui perto, eu quero te confessar uma coisa. Eu adoro seu trabalho! Você é o único ator que procuro superar em Hollywood. Você é a minha pedra angular, aquele que tento me espelhar e superar! Sua atuação em "Um Lugar ao Sol" foi maravilhosa, a melhor que vi em muitos anos! Clift você é genial!".

Os elogios foram tão diretos que deixaram Montgomery Clift sem jeito. "Marlon... como poderia agradecer essas palavras?" - perguntou o ator que pessoalmente era bem tímido e modesto com seu trabalho. Curiosamente Brando acabou ficando extremamente entristecido ao perceber também que aquele grande ator estava aos poucos se auto destruindo com drogas e bebidas. Em pouco tempo Montgomery Clift morreria o que deixaria Brando desolado. "Ele foi um dos grandes que conheci em minha vida! Só que ele tinha também muitos problemas pessoais. Eu quis ajudar, assim como também quis ajudar minha mãe, que também tinha problemas com bebidas. Com os anos aprendi que ninguém pode salvar alguém de si mesmo!" - chegou Brando a confessar após a morte do colega que tanto admirava. Ele lamentaria até o fim de sua vida a morte precoce e sem sentido de Montgomery Clift. E no final de tudo o único sobrevivente daquele trio fantástico foi justamente o próprio Marlon Brando que teve a oportunidade de envelhecer, viver muitos anos e relembrar de todos eles em seu livro de memórias, publicado alguns anos antes de sua morte em julho de 2004.

Pablo Aluísio.

Crônicas de um Cinéfilo - Parte 8

Em meus anos de formação de cinéfilo eu tive um ator preferido. Era Mickey Rourke. Nos anos 80 ele foi considerado o legítimo sucessor de Marlon Brando e James Dean. Era considerado um cara rebelde, barba por fazer, topete despenteado. E realmente o começo da carreira de Rourke foi fenomenal, só com grandes filmes! Um filmão atrás do outro. Hoje em dia, claro, ele tem uma outra imagem, é considerado um ator decadente, com várias bombas na carreira, mas essa não era a sua imagem nos anos 80.

Eu vi os primeiros filmes de Rourke na TV. Seu grande sucesso no Brasil havia sido "Nove Semanas e Meia de Amor" que ficou meses em cartaz em São Paulo. Era considerado um cut movie. Eu gostava desse filme, mas não o considerava uma obra-prima do ator. Melhores eram "O Selvagem da Motocicleta" e "O Ano do Dragão". Outros bons dramas dessa fase foram "Quando os Jovens se Tornam Adultos" e "Nos Calcanhares da Máfia". Filmes que vi na TV nos anos 80. Porém nenhum deles poderia se comparar ao filme maior de Rourke nos anos 80.

Estou falando de "Coração Satânico", a obra-prima dirigida por Alan Parker, com Mickey Rourke e Robert De Niro. O filme se passava nos anos 50. Rourke interpretava um detetive particular que ia atrás de um cantor de jazz há muitos anos desaparecido chamado Johnny Favorite. Esse filme é dos melhores que já vi em minha vida. Todo passado em New Orleans, uma cidade infestada de voodu e magia negra. Poderia ser definido como um filme de terror, com nuances de cinema noir, mas era muito mais do que isso!

Infelizmente depois do auge, a queda. Rourke quis voltar para o boxe. Ele acabou com o rosto deformado. Vieram cirurgias desastrosas. Ele que era considerado um dos bonitões do cinema perdeu seu visual. Nessa época de começo de queda ainda fez um bom filme pouco conhecido chamado "Homeboy". Outro excelente foi "Barfly". Só que os anos 80 acabaram e com eles a melhor fase da carreira de Mickey Rourke que um dia chegou a ser considerado o novo Marlon Brando!

Pablo Aluísio.

Beethoven e sua Amada Imortal

Quando Ludwig van Beethoven morreu, uma carta misteriosa, nunca enviada, foi encontrada entre seus pertences. Ela era endereçada para uma mulher que o compositor chamava de "Amada Imortal". Quem teria sido ela? Até hoje historiadores e biógrafos do gênio musical não sabem a resposta definitiva. É uma daquelas questões que apenas seu autor poderia explicar. A verdade foi ao túmulo e lá ficará pela eternidade.

O filme "Minha Amada Imortal" de 1994, por outro lado, tentou responder a essa pergunta. Revi nesse fim de semana por mera curiosidade. Estou lendo uma biografia de Beethoven e quis fazer uma comparação entre a literatura e o cinema. O que posso dizer é que essa produção dos anos 90, apesar de seu inegável bom gosto e elenco valoroso, com direito a palmas para Gary Oldman no papel principal, não conseguiu responder bem à essa questão. Em busca de um certo sensacionalismo romantizado se perdeu a chance de se fazer um novo "Amadeus".

O roteiro do filme foi baseado em um romance que nunca pretendeu ser historicamente preciso. O escritor Bernard Rose nunca quis responder com precisão histórica sobre a identidade da amada imortal do genial músico. Ele apenas especulou, deu asas à imaginação e mais do que isso, apostou numa daquelas reviravoltas para surpreender seu leitor. Em termos precisos o romance foi um pouco longe demais. Afinal o que poderia ser mais chocante do que descobrir que sua amada era na verdade a esposa de seu irmão, uma mulher que ele publicamente detestava e que teria levado ao tribunal por anos a fio em busca da guarda de seu sobrinho Karl?
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Pura especulação romanceada. E como se tudo isso ainda não bastasse Rose vai além, deixando claro que Karl na verdade não era sobrinho de Beethoven, mas sim seu filho. Claro, no filme essa questão ganha pontos no aspecto dramático, mas historicamente essa tese tem mesmo pés de barro. Muito provavelmente o grande amor de Beethoven tenha sido mesmo a condessa húngara Anna Marie Erdödy que no filme está muito bem interpretada pela atriz Isabella Rossellini. Essa sim teria sido sua companheira, amiga e amante. Ficando ao seu lado mesmo nos piores momentos quando ele ficou completamente surdo, sem conseguir ouvir nenhuma nota musical de suas obras inesquecíveis. Por isso assista ao filme com reservas. Entenda que aqui a reviravolta deve ser confinada aos efeitos puramente cinematográficos. "Minha Amada Imortal" é até um bom filme, mas a pura verdade é que jamais conseguiria se igualar ao verdadeiro Ludwig van Beethoven, um autêntico gênio monumental (e temperamental também, é bom frisar).

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - Good Rockin' Tonight / I Don't Care if The Sun Don't Shine

O segundo single de Elvis Presley pela Sun Records foi lançado em setembro de 1954. Curiosamente muitos críticos de música e arte chegam a considerar a canção "Good Rockin Tonight" o primeiro rock´n´roll genuíno da história da música. Pessoalmente não chegaria a tanto uma vez que as raízes R&B ainda estão bem presentes. A canção foi gravada originalmente pelo próprio autor Roy Brown em 1947. Brown era de New Orleans, provavelmente a cidade mais musical de todos os EUA. Lá se respira musicalidade em cada esquina, em cada canto. Nas ruas, nos bares, em concertos ao vivo, a cidade parece respirar notas musicais a cada hora do dia.

A versão de Elvis surge quando a música já era bem conhecida em Memphis e no sul - mas não tanto nas cidades do norte e oeste o que talvez explique a forte identidade que ligam Elvis à canção nessas regiões. Sam Phillips queria que Elvis a gravasse pois seria uma boa oportunidade de tocá-la ao vivo em shows por causa de sua vibração contagiante. Por essa época o cantor já havia se apresentado pela primeira vez de forma profissional. Além de seu minúsculo repertório Elvis contava com seu carisma à prova de falhas em cada show que realizou. Esqueça os grandes shows apoteóticos que vem à mente quando se pensa em Elvis Presley. No comecinho de sua vida na estrada Elvis se apresentava em qualquer lugar que lhe desse uma chance. Valia de tudo, clubes noturnos pequenos, pátios de escolas, festivais e até em cima de carrocerias de caminhão. O importante era ser visto e ouvido pelo maior número de pessoas possível.

Ouvindo o registro não podemos ficar menos do que admirados. Na gravação participaram apenas Elvis, Scotty Moore e Bill Black novamente. O resultado é acima de qualquer crítica. Elvis, no auge da juventude, esbanja personalidade e carisma em cada nota musical. Tecnicamente todos também estão extremamente bem. Não há como se comparar a versão de Roy Brown com a de Elvis. São coisas distintas, completamente diferentes. Os arranjos originais eram basicamente formados por metais, bem de acordo com o som de New Orleans. Elvis virou a música ao avesso. Sua versão é visceral, empolgante e com uma sonoridade completamente renovada. Em termos de vocalização também não há o que comparar. Brown era talentoso mas um cantor limitado. Já Elvis cantava com o coração. A versão de Elvis Presley pode sim ser considerada um dos primeiros Rocks da história - mas não a original de Brown.

"Good Rockin Tonight" na voz de Elvis Presley foi lançada pela Sun Records sob o registro de catálogo "Sun 210" em setembro de 1954 com "I Don't Care If The Sun Don't Shine" no lado B. Era o segundo compacto simples de Elvis que chegava nas lojas do Sul, dois meses após o lançamento de "That's All Right / Blue Moon Of Kentucky". Depois de seu lançamento a canção virou um ícone da primeira geração do Rock. Um símbolo que nunca mais foi esquecido, tanto que muitos artistas iriam prestar seu tributo a esse momento tão raro e importante nas décadas posteriores! Entre as mais conhecidas versões está a que Paul McCartney produziu em sua turnê New World Tour. Uma versão belíssima desta canção, que inclusive conseguiu capturar toda a sua essência roqueira. Em conclusão o que ficou realmente na história do rock foi a versão de Elvis Presley. A despeito da importância da gravação original de Roy Brown nada se compara à energia e a espontaneidade incomparáveis que Elvis Presley injetou na música. Um momento único em sua carreira.

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - That´s All Right / Blue Moon Of Kentucky

Os fãs já sabem mas não custa repetir: esse foi o primeiro single comercial da carreira de Elvis Presley. Eu gosto de usar a expressão "comercial" justamente para não confundir com o primeiro acetato que Elvis gravou na Sun, "My Happiness". Aquele era um disquinho amador, feito para matar a curiosidade do próprio Elvis que queria ouvir como ficaria sua voz em um disco. É interessante, mas praticamente todos os jornalistas (principalmente os marujos de primeira viagem) costumam sempre confundir. Escrevem que "That´s All Right (Mama)" foi o primeiro disquinho de Elvis e ele o gravou para sua querida mãe. Obviamente estão trocando completamente as bolas. Confundem os discos e ainda por cima levantam uma lenda antiga que hoje em dia não tem mais razão de ser. Elvis não gravou "My Happiness" para dar de presente para a mãe. Gladys Presley nem sequer fazia aniversário naquele mês, então é tudo lenda. Uma lenda muito tocante, bonita, mas uma simples lenda, nada mais.

Assim vamos começar a falar sobre a discografia de Elvis pelo seu primeiro single que efetivamente foi gravado para chegar nas lojas ao consumidor. Estamos falando da primeira metade dos anos 1950 numa região considerada atrasada daquele país. Imaginem o que era gravar um single naqueles tempos e o mais complicado: distribuir ele em lojas afastadas, promover as canções em rádios para só depois tentar vender o show do novato cantor. Não era fácil. Assim Elvis tinha que literalmente acertar o alvo logo no comecinho da carreira. Se ninguém se interessasse ou então se ninguém gostasse era o fim e ele voltaria a dirigir caminhão, simples assim. O talento porém falou mais alto e no caso de Elvis Presley tocou fundo em quem ouviu as canções. Era um trio básico em estúdio (Elvis, Scotty e Bill) mas eles soaram como se fossem mais pessoas. Créditos? Todos para Sam Phillips, um produtor subestimado. Seus efeitos de ecos nas músicas criavam um efeito tão perfeito, maravilhoso que preenchia qualquer lacuna que o ouvinte sentisse. Coisa de gênio, claro. Hoje em dia cópias originais são uma verdadeira preciosidade, disputadas em leilões. E pensar que na época de seu lançamento os compactos custavam poucos centavos - nem chegava a 1 dólar, imagine você.

O lado A do single trazia a boa "That´s All Right" (Mama), de autoria do compositor Arthur Grudup. Na época a música foi considerado um bom country, mas obviamente hoje seu status é bem diferente, sendo considerada música histórica! Foi a primeira canção interpretada pelo cantor a ser lançada comercialmente pela pequena gravadora de Sam Cornelius Phillips, a Sun Records. Foi gravada no dia 7 de julho de 1954 por um simples caminhoneiro do Tennessee que ganhou uma chance de provar seu talento graças a interferência da secretária de Phillips, Marion Keisker, que insistiu com o patrão para que ele proporcionasse uma chance para o "jovem de Costeletas". Elvis virou a versão de "Big Boy" pelo o avesso e criou as bases estéticas do Rock'n'Roll! O Rock não é só a mistura de vários ritmos americanos, mas também uma postura positiva e satírica diante da vida e Elvis foi o primeiro a se expressar desta forma criando o "Rockabilly". "That's All Right (mama)" pode ser considerada uma das dez canções mais importantes da história da música pop do século XX. Em 2003 foi eleita a música mais inovadora da história.

No lado B o ouvinte da época tinha "Blue Moon Of Kentucky" de Bill Monroe. Originalmente foi lançada no ano de 1948 pelo próprio autor Bill Monroe, considerado o "pai do Bluegrass". O pequeno single trazia o selo Columbia e teve uma repercussão restrita às paradas ligadas ao gênero country and western do sul dos Estados Unidos. De qualquer forma ela acabou chamando atenção e ficou sempre em evidência, sendo muito tocada em estações de rádio da região. Certamente virou uma das preferidas também de um garoto de apenas 13 anos que sempre estava sintonizando suas velhas estações country em busca de novidades. O nome do garoto em questão? Nem é preciso dizer.

O single "Sun 209" fez sucesso nas estações de rádios de Memphis. Sam tinha bons contatos com DJs dos principais programas. Na primeira vez que tocou no rádio, Elvis ficou tão nervoso que decidiu ir ao cinema. Como era tímido provavelmente tinha receios da reação de amigos e parentes. Para sua surpresa todos gostaram. Era a materialização do velho sonho de se tornar cantor nascendo para aquele garotinho que ouvia Bill Monroe no rádio. "Blue Moon of Kentucky" foi gravada em julho de 1954 contando apenas com Elvis no violão, Scotty Moore na guitarra e Bill Black no baixo. Não houve bateria! O produtor Sam Phillips providenciou tudo, trazendo essa pequena banda para atuar ao lado do jovem talento.  Para quem não acredita em sonhos impossíveis, "Blue Moon Of Kentucky" veio para registrar para a história o momento do aparecimento de um dos maiores fenômenos da música popular mundial, um sonho que se tornou possível para Elvis Presley, pois ele acreditou em sua materialização com convicção. Pois é, "Sonhos são como deuses, nós temos que acreditar neles" já dizia a conhecida frase.

Pablo Aluísio.

Randolph Scott e o Velho Oeste - Parte 1

Um dos atores mais populares do auge do western americano foi Randolph Scott. Ele nasceu no estado sulista da Virginia, numa pequena cidade chamada Orange County, bem distante de Hollywood e sua indústria. Scott era filho de uma família tradicional da cidade. Seus pais eram pessoas respeitadas na região, considerados excelentes profissionais em suas respectivas áreas. Assim Scott teve uma infância tranquila e sem traumas.

Quando o ator morreu em 1987 um amigo de infância relembrou aqueles velhos tempos: "A América era um lugar muito bom para se viver. Não havia tantos imigrantes estrangeiros e todos se conheciam. Randolph foi um sujeito bem normal. Honesto, com muitas amizades. Não tínhamos nada de ruim a falar sobre seu respeito".

Nada poderia dizer em seus primeiros anos que ele iria se tornar um astro em Hollywood. Durante sua vida Randolph Scott se preparou mesmo para se formar em engenharia. Atuar nem era considerado algo respeitoso naqueles tempos. Para muitos era uma profissão para vagabundos e pessoas sem formação educacional. O cinema, que começava a se tornar cada vez mais popular, seria um instrumento para mudar essa mentalidade com o passar dos anos, mas quando Scott se mudou para a Califórnia, ainda havia muito preconceito e estigma contra profissionais da atuação.

Randolph Scott não foi para a Califórnia para se tornar um astro de cinema. Na verdade quando ele chegou em Los Angeles pela primeira vez era apenas um estudante universitário. Ele havia se mudado para dar continuidade aos seus estudos, uma vez que já naquela época (estamos falando da década de 1920) as melhores universidades do país se situavam naquele estado. Assim que pisou os pés em Hollywood pela primeira vez - atraído obviamente pelo glamour do lugar - o jovem Scott ficou completamente fisgado pelos estúdios, pelos astros e estrelas e pela (remota) possibilidade de ganhar a vida fazendo filmes! Não seria o máximo? O problema é que Randolph não tinha qualquer preparo para atuar. Ele nunca estudara arte dramática e nem havia feito teatro. Para Hollywood porém isso não era o mais importante. Para conseguir uma figuração tudo o que bastava era saber montar um cavalo e se parecer com um pioneiro do velho oeste - dois requisitos que o jovem Randolph Scott tinha de sobra. Uma nova era estava prestes a começar no western americano.

Pablo Aluísio.

Os Filmes de Faroeste de John Wayne - Parte 1

John Wayne nasceu na pequena e distante cidadezinha de Winterset, no estado rural americano de Iowa, em 26 de maio de 1907. Seu nome de batismo era Marion Robert Morrison. É interessante notar que ele nasceu em uma região e em uma cidade que muito se parecia com as cidades do velho oeste onde seus personagens iriam aparecer em seus filmes futuramente. Mais do que isso, no momento em que Wayne nasceu a realidade do velho oeste estava sendo mudada pela chegada da tecnologia e dos avanços dos tempos modernos, mas isso em uma escala ainda não muito perceptível.

Assim John Wayne poderia dizer, como sempre fazia aliás, que havia nascido de verdade numa cidade do velho oeste americano, tal como os pioneiros fundaram na colonização do oeste americano. Andar a cavalo, dirigir uma carruagem e portar armas era algo comum naquela localidade. Em nenhum momento Marion se sentiria fora de seu habitat natural nos filmes em que atuaria em Hollywood porque sua cidade natal se parecia demais com o cenário deles. Na verdade Wayne era tão consciente disso que admitia que pouco fez para se inserir naquela realidade dos filmes, já que tudo ali lembrava sua própria infância. "Era como estar em Iowa" - diria depois.

O pai de John Wayne se chamava Clyde Leonard Morrison, Era um imigrante. Ele nasceu na Inglaterra e foi para os Estados Unidos estudar. Descendente de irlandeses ele foi inicialmente para Nova Iorque, mas percebeu que teria melhores oportunidades em Iowa. Assim que chegou pegou o primeiro trem para o oeste. Lá se formou em farmácia e começou a trabalhar como farmacêutico. Depois conheceu Mary Alberta Brown, uma americana. Ela seria a mãe de John Wayne.

A família de John Wayne era de classe média baixa, mas nada lhes faltava. Havia uma boa casa, uma vizinhança muito amigável e tranquilidade reinante. Não havia violência e nem desemprego. Bastava ter disposição para aprender um ofício e começar a trabalhar. Logo os frutos viriam. Era um bom lugar para se viver. A cidade era próspera e tranquila, mas seu pai foi acometido por uma doença pulmonar. Seu médico o aconselhou a procurar um clima mais ameno, pois caso contrário ele poderia desenvolver alguma pneumonia, o que seria fatal. Assim Clyde juntou sua família e resolveu partir rumo à Califórnia. Seu plano era se tornar rancheiro no sul do estado, numa fazenda de criação de cavalos. Foi nela que o ainda adolescente John Wayne passaria grande parte de sua juventude.

Pablo Aluísio.

James Dean - Hollywood Boulevard - Parte 17

"Vidas Amargas" demorou alguns meses para ser editado de acordo com as exigências de Elia Kazan. Quando ficou finalmente pronto James Dean se viu na incômoda obrigação contratual de ter que ajudar na divulgação do filme. Era um serviço de relações públicas que Dean odiou desde o começo. Os problemas começaram logo no primeiro dia de entrevistas com a imprensa. A Warner marcou para Dean um encontro com um dos mais respeitados críticos de cinema da Inglaterra. Ele acabou aparecendo no estúdio ao lado de uma rica herdeira, uma nobre de sangue azul da família real britânica. Dean não deu a menor bola. Assim que foram apresentados o jornalista começou a dizer a ele de onde ela provinha, sua maravilhosa árvore genealógica cheia de monarcas e príncipes da dinastia Tudor e James Dean começou a achar aquela conversa de uma chatice sem tamanho.

De repente interrompeu sua longa descrição e disparou: "Ok, foda-se ela, diga logo o que você quer perguntar". Nem precisa dizer que o sofisticado inglês ficou branco e pálido pelo modo pouco discreto do rebelde número 1 de Hollywood. Depois Dean teve que encarar a colunista Hedda Hopper, fofoqueira e colunista de um importante jornal de Los Angeles. Aquilo era um saco para Dean. Em todas as entrevistas que deu ele demonstrou claramente que não estava nem aí para a divulgação do filme e que só se importava mesmo em ter feito um bom trabalho. Uma das poucas revelações dignas de nota surgiu quando Dean se abriu falando sobre seus planos futuros no cinema. A uma jornalista de Nova Iorque declarou: "Gostaria de interpretar Hamlet no cinema. Esse personagem exige ser interpretado por um jovem como eu, que mantenha uma certa inocência perante o mundo. Laurence Olivier é um bom ator, mas ele já passou da idade de fazer Hamlet da forma certa. Também gostaria de um dia dirigir filmes. Acho o processo muito enriquecedor".

Talvez para começar a ter alguma ideia de que como seria dirigir um filme, Dean comprou uma câmera Super 8 em Nova Iorque e depois rumou em direção à sua cidade do coração, Fairmount, comunidade rural localizada no estado de Indiana, bem no meio do centro oeste americano. A intenção de Dean era visitar a fazenda de seus tios onde cresceu e viveu até tentar se tornar um ator na cidade grande. Enquanto o país inteiro começava a conhecer Dean após a estreia de "Vidas Amargas" ele ia de carona até a pacata cidadezinha. Lá tirou fotos, brincou com seu primo e readquiriu velhos hábito como o de ir para o meio do milharal tocar bongô até o anoitecer. Também pôde sentir os primeiros sinais que estava virando um astro de Hollywood. A população local o recebeu de braços abertos e Dean começou a ser tratado como uma verdadeira celebridade, algo que no íntimo o encheu de orgulho e emoção. Dean também foi até os fundos da fazenda de sua tia para rever sua antiga moto, a primeira que comprou. A um amigo confidenciou: "Jamais a venderei. É como uma amiga dos velhos e bons tempos!". Depois decidiu que iria dar mais uma volta com ela pela região. Nesses poucos dias ele voltou a ser o mesmo James Dean de seus tempos de adolescente, revendo velhos amigos e comendo da gostosa comida caseira de sua tia. Chegou até mesmo a ganhar um aumento de peso por causa da boa vida que estava levando. Tudo foi interrompido quando a Warner finalmente lhe mandou um telegrama para que voltasse a Los Angeles pois tudo estava pronto para o começo das filmagens de "Rebel Without a Cause" (que no Brasil receberia o título de "Juventude Transviada").

Foi nessa época que Dean formou seu grupo de amigos mais próximos na costa oeste. Em Nova Iorque Dean comandava uma turma muito interessante de jovens atores e atrizes que tentavam ganhar a vida nos palcos de teatro da cidade. Em Los Angeles os novos nomes ao lado do rebelde eram Sal Mineo, Natalie Wood e Nick Adams, entre outros. Dean esnobou outros jovens que tentaram se aproximar dele e que no futuro se tornariam grandes astros como Jack Nicholson. Naquele tempo Jack não era realmente ninguém na indústria. Trabalhando em um departamento burocrático do estúdio, tentando ganhar a vida a duras penas, ele estava anos distante do grande astro que um dia iria se tornar. O próprio Nicholson relembrou seu encontro com Dean anos depois: "Um amigo comum me disse que iria me apresentar à nova estrela da Warner Bros, então fui até lá. Dean estava encostado em um carro, fumando, no intervalo das filmagens. Fui apresentado a ele, mas para meu desapontamento ele não deu muita bola. Não prestou atenção no que eu dizia e de repente simplesmente se levantou e foi embora. Meu amigo ficou até mesmo envergonhado e pediu desculpas, dizendo que ele não estava ouvindo muito bem porque estava andando de moto e a audição ficara prejudicada com isso pelo vento que tomou. Não acreditei nisso, mas fingi acreditar".

James Dean de fato não era uma pessoa fácil de conviver, nem mesmo entre seus amigos mais próximos. Em Nova Iorque ele tinha crises de mau humor. Quando se reunia com amigos em bares pela cidade ele poderia tanto surgir como a pessoa mais simpática do mundo como também como a mais desagradável. Certa vez destratou quatro de seus mais próximos amigos em uma mesa, durante o almoço. Simplesmente ficou ali, de cara amarrada, durante toda a refeição. Depois se levantou e perguntou: "Onde estão os meus verdadeiros amigos?". Virou-se e se retirou sem maiores explicações. Não havia qualquer motivo para seu comportamento, mas Dean era assim mesmo, dado a explosões de melancolia, raiva e mau humor. Na costa oeste as coisas não seriam melhores. Natalie Wood, sua partner em "Juventude Transviada" ficou caidinha por Dean, mas ele não lhe deu muita bola também. Desde o começo das filmagens Dean deixou mais ou menos claro que não iria ter nenhum caso amoroso com ela. Depois de Pier Angeli e Ursula Andress, ele definitivamente não estava mais disposto a se envolver seriamente com uma atriz de Hollywood. Para Natalie o que sobrou foi mesmo uma amizade do tipo "irmão mais velho e irmãzinha". As filmagens foram quase todas realizadas em Los Angeles mesmo, por seus arredores, em uma antiga mansão abandonada e decadente localizada na S. Irving Boulevard, que foi usada para locações. Essa casa tinha sido a mesma utilizada nas filmagens do grande clássico "Crepúsculo dos Deuses" de 1950. Assim que pisou no local Dean mandou todos se calarem para "sentir melhor todas as vibrações dos deuses da sétima arte" presentes ali! 

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - Elvis Presley (1956)

Eu gosto muito desse disco. Afinal é um álbum histórico, o primeiro gravado por Elvis Presley em sua nova gravadora, a RCA Victor. Porém devo dizer que dessa fase inicial, em 1956, ainda prefiro muito mais o segundo álbum de Elvis na RCA, intitulado simplesmente de "Elvis". Ali já havia um melhor tratamento nas canções, com mais primor em termos de arranjo e gravação. Esse primeiro disco ainda tem aquela sensação de que algumas faixas (em especial as trazidas da Sun Records) ainda estavam muito cruas. São gravações quase amadoras, afinal quando estava na Sun, Elvis ainda era em certos termos um cantor iniciante, procurando por uma carreira musical. Mesmo assim negar a importância desse LP é impossível. Por isso vamos tecer alguns comentários sobre cada faixa do disco.

1. Blue Suede Shoes (Carl Perkins) - O álbum abre com a canção "Blue Suede Shoes", um clássico absoluto do rock americano escrito por Carl Perkins. Até hoje se fala muito que Perkins poderia ter sido maior que Elvis, que ele teve azar de sofrer um acidente de carro muito sério e outras coisas. Olha, com todo o respeito ao Carl Perkins e seu talento, eu vejo esse tipo de observação como uma grande bobagem. Todo tipo de comparação é condenável. Cada um tem seus próprios defeitos e qualidades. Não penso que Perkins poderia ser maior do que Elvis, até porque depois de um tempo ele se recuperou e continuou na carreira, sem chegar nem perto do sucesso de Elvis Presley. Isso não o desmerece em nada, mas prova que dizer que ele poderia ter sido o grande nome do rock é especulação e uma tremenda bobeira

2. I´m Counting On You (Don Robertson) - "I'm Counting on You" havia sido composta por Don Robertson. Compositor de classe, excelente pianista, esse californiano iria cair nas graças de Elvis que por anos iria gravar inúmeras músicas criadas por ele. Basta lembrar das excelentes baladas românticas "Anything That's Part Of You", "I Met Her Today", "There's Always Me", "No More" e tantas outras lindas canções que trouxeram muita qualidade musical para diversos discos de Elvis ao longo dos anos. Coisa fina. É importante chamar a atenção que quando Elvis a gravou ainda não tinha à disposição uma banda maior, com mais instrumentistas, algo que iria enriquecer muito suas gravações no futuro. Em minha opinião a gravação de Elvis é de certo modo ofuscada um pouco por causa dessa falta de diversidade de arranjos. Provavelmente se Elvis a tivesse gravada em 1960 teríamos uma grande faixa, com orquestra ao fundo, mais qualidade em termos de grupo de apoio. De qualquer forma mesmo contando com uma pequena banda de apoio Elvis ainda conseguiu realizar um bom trabalho. Sua performance vocal era o grande diferencial, algo que conseguia se sobressair a todas as limitações técnicas da época.

3. I Got a Woman (Ray Charles) - Bom, se você gosta de Elvis Presley e Ray Charles e ao mesmo tempo diz que não gosta de "I Got A Woman", sugiro que procure logo um analista. São coisas indissociáveis. Concordo que em certos aspectos essa primeira versão de Elvis é muito singela. Porém ela apresenta aquela sonoridade dos anos 50 - ao sabor Sun Records - que literalmente salva todas as canções desse primeiro álbum do cantor na RCA Victor. Inclusive já virou lenda a forma como essa canção foi composta. Ray Charles resolveu fazer uma espécie de brincadeira, unindo a linha de melodia típica de uma canção gospel, religiosa, com uma letra profana, das mais profanas possíveis, é bom salientar. Obviamente a canção, lançada em single, virou um grande sucesso popular que Elvis não deixou que lhe escapasse entre as teclas do piano. Claro que The Pelvis tinha essa coisa de revirar pelo avesso qualquer composição de outro artista ao seu próprio estilo, porém em relação ao maravilhoso Ray Charles ele até que foi bem respeitoso. Sim, imprimiu seu estilo pessoal na gravação, mas sempre procurando respeitar o legado do pianista. Uma troca de favores entre dois gênios da música.

4. One-Sided Love Affair (Campbell) - Outra que vai na mesma linha é  "One-Sided Love Affair". Perceba que em seus primeiros discos Elvis desenvolveu uma técnica muito pessoal de cantar, que chegou a ser dita por alguns críticos dos anos 50 como um "mastigar de sílabas". Outro escreveu que Elvis cantava como se mastigava chicletes! Apesar da rabugice desses jornalistas, o fato é que a coisa toda até faz algum sentido. Elvis parecia um cantorzinho jovem brincando com o estilo de cantar daqueles tempos. Basta lembrar de Frank Sinatra e Dean Martin para uma comparação rápida. Elvis não  entoava sua voz com soberba, apenas cantava a letra da música de uma maneira mais relaxada, quase casual. Acabou criando uma nova linguagem musical nesse processo...

5. I Love You Because (Leon Payne) - Quando o assovio surge nas caixas de som você imediatamente sabe que "I Love You Because" de Leon Payne está começando. Essa baladinha country com uma guitarra chorosa de Scotty Moore sempre solando em lágrimas ao fundo, não chega a ser um destaque dentro do álbum. Porém mostra bem o estilo baladeiro de Elvis em seus anos iniciais. Lembra até mesmo de "My Happiness", a primeira gravação dele na Sun Records - o tal disquinho que gravou para dar de presente para sua mãe Gladys. Naquele primeiro acetato Elvis era apenas um amador tentando chamar a atenção. Porém aqui nessa faixa ele já poderia se considerar um cantor profissional. Inclusive já tinha deixado seu emprego de motorista de caminhão da empresa de energia elétrica de Memphis. Um futuro e tanto iria surgir para aquele jovem rapaz de 19 anos de idade.

6. Just Because (BJ Snelton / S.Robin) - "Just Because" também é bem subestimada. Já houve quem dissesse que era um skiffle bem disposto, porém a verdade é que esse estilo musical nada mais era do que uma variação inglesa para o country (genuíno) dos Estados Unidos. Uma simples releitura sem profundidade. Ingleses branquelos querendo soar como cowboys do sul norte-americano. Definitivamente eles não eram homens de Marlboro! Não colava muito bem. De qualquer forma o estilo mais rapidinho faz dessa uma boa faixa para Elvis e seu trio de caipiras - os Blue Moon Boys. É a tal coisa, se o tal rock ´n´ roll fosse uma coisa passageira Elvis e sua banda poderia muito bem viver tocando e cantando a música rural sulista nas feiras de gado nos arredores de Memphis e região. Valia tudo para sobreviver como artista naqueles tempos pioneiros, meus caros!

7. Tutti Frutti (Joe Lubin / Richard Penniman / Dorothy LaBostrie) - Outro hino da geração rocker é "Tutti Frutti". Essa é do Little Richard. Elvis nunca levou essa canção muito à sério, verdade seja dita. Ele inclusive poderia se referir a esse rock como uma música chiclete como ele gostava de dizer. O que significava exatamente isso? Ora, significava que Elvis a via como uma canção de rock sem muita substância, feita apenas para agitar, embalar seus fãs durante seus shows e apresentações na TV. Tanto isso parece ser verdade que ele logo a deixou de lado, não a usando mais depois desse disco. De qualquer forma Little Richard não cansou de agradecer a Elvis por ter gravado sua música. Em um documentário sobre esse álbum ele afirmou com todas as letras que só tinha mesmo a agradecer ao Rei do Rock, pois se Elvis não tivesse gravado suas músicas ele provavelmente ainda seria cozinheiro de uma espelunca em Atlanta. A gratidão sempre é muito bem-vinda meu caro Richard. Falou pouco, mas falou bonito!

8. Trying To Get To You (Charles Singleton / Rose Marie McCoy) - Uma das faixas desse álbum, o country "Trying to Get to You", seria utilizada por Elvis nos palcos até o fim de sua vida. Isso provava o quanto ele gostava da música, até porque ela nunca foi exatamente um sucesso em sua discografia, havia muitas outras músicas bem mais populares. Porém Elvis tinha um apreço especial por ela, como bem demonstra as centenas de versões ao vivo que cantou. Essa música também foi uma das que a RCA Victor aproveitou do período em que Elvis gravava na Sun Records, um ano antes. O produtor Steve Sholes ouviu todo o material que Sam Phillips enviou para Nova Iorque e escolheu entre as gravações aquelas que poderiam ser aproveitadas no disco de estreia de Elvis na RCA. Foi uma boa escolha do produtor. A gravação é realmente muito bem realizada por Elvis e banda.

9. I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Joe Thomas/Howard Biggs) - Caso típico de se ouvir uma música pela primeira vez e adorar logo de cara! Foi esse o meu caso ao ouvir a canção " "I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)". Passados tantos anos desde que comprei esse álbum e o ouvi pela primeira vez não mudei em nada a minha percepção dessa excelente faixa do álbum de estreia de Elvis Presley. Esse é seguramente um dos melhores momentos do álbum. Veja, todas as faixas desse disco se ressentem, em minha opinião, de um melhor trabalho em termos de arranjos.Porém no que diz respeito a essa música não teria nada a criticar. Ela é perfeita! Anos depois, nos tempos de seu programa semanal na BBC, os Beatles decidiram apresentar uma versão desse clássico rockabilly. Nem preciso dizer que a gravação dos ingleses ficou excepcional, resultando em uma gravação muito alto astral, alegre, para cima! Que conclusão diria sobre tudo isso? A música foi gravada por Beatles e Elvis Presley. Em ambos os discos o resultado ficou excepcional. Por tudo isso credito essa como uma das melhores da época de ouro do rock. E isso, meus caros leitores, definitivamente não é pouca coisa!

10. I'll Never Let You Go (Little Darlin') (Jimmy Wakely) - Outra canção que foi resgatada dos anos na Sun Records foi a balada "I'll Never Let You Go (Lil' Darlin')" de autoria de Jimmy Wakely. Esse foi um cantor e compositor popular no sul dos Estados Unidos durante as décadas de 1930 e 1940. Vestido de cowboy ele ganhou fama se apresentando no palco do Grand Ole Opry. Seguindo os passos de artistas como Gene Autry ele foi abrindo seu caminho, chegando até mesmo a compor para trilhas sonoras de filmes B de faroeste. Como Elvis sempre foi louco por cinema não era surpresa ele ter escolhido músicas do repertório de Wakely para gravar. A intenção era ter uma boa seleção musical country para tocar nos pequenos festivais que contratavam Elvis nessa fase de sua vida. Afinal cantar em feiras de gado e eventos desse tipo exigia mesmo um repertório bem popular, country, de acordo com o gosto das pessoas que frequentavam esses festivais.

11. Blue Moon (Richards Rodgers / Lorenz Hart) - "Blue Moon" é maravilhosa. Quando Elvis a gravou, em 1954, na Sun Records, ela já era uma balada consagrada dentro do universo musical americano. Gravada inicialmente nos anos 1930, bem no auge da depressão que assolava a economia daquele país, tinha se tornado um símbolo sentimental em uma época muito dura na vida das pessoas. Fica óbvio que Elvis a conhecia desde a infância. O diferencial de sua versão foi a performance claramente emocional que imprimiu na gravação. Embora tivesse alguns pequenos problemas, como o fato de Elvis ter esquecido a letra bem no meio da gravação, ainda assim a RCA Victor resolveu resgatá-la para fazer parte do primeiro disco do cantor na nova gravadora. O produtor Steve Sholes viu ouro puro ali. Era uma bela obra prima musical.

12. Money Honey (Jesse Stone) - "Money Honey" teve sua gravação original feita em 1953 por Clyde McPhatter que estava tentando emplacar uma carreira solo longe de seu grupo The Drifters. Essa primeira versão não teve muito sucesso. Depois ela foi regravada por Billy Ward and the Dominoes, onde finalmente se tornou um hit nas paradas, chegando a vender a incrível marca de um milhão de cópias. A versão de Elvis ficou muito bem executada, com aceleração de seu ritmo original, até porque agora a música era puro rock ´n´ roll na voz de Presley. O curioso é que a versão de Elvis acabou inspirando outro roqueiro famoso da época, Eddie Cochran, que também registrou sua própria interpretação na música pelo selo London em 1959, justamente quando Elvis estava bem distante, servindo o exército americano na Alemanha.

Elvis Presley - Elvis Presley (1956): Músicas da Sun Records - Elvis Presley (vocal e violão) / Scotty Moore (guitarra) / Bill Black (baixo) / Produzido Por Sam Phillips / Arranjado por Elvis Presley, Scotty Moore, Bill Black e Sam Phillips / Gravado no Sun Studios, Memphis / Data de gravação: 5 de julho de 1954, 19 de agosto de 1954, 10 de setembro de 1954 e 11 de julho de 1955. Músicas da RCA Victor - Elvis Presley (vocal, violão e piano) / Scotty Moore (guitarra) / Chet Atkins (guitarra) / Bill Black (baixo) / D.J. Fontana (bateria) / Floyd Cramer (piano) / Short Long (piano) / Gordon Stocker, Ben e Brock Speer (acompanhamento vocal) / Produzido por Steve Sholes / Arranjado por Elvis Presley e Steve Sholes / Gravado nos RCA Studios - Nova Iorque e Nashville / Data de Gravação: 10,11,30 e 31 de janeiro e 3 de fevereiro de 1956 / Data de Lançamento: março de 1956 / Melhor posição nas charts: #1 (EUA) e #1 (UK).

Pablo Aluísio.