Travis - The Man Who

Se você gosta de sentir um pouco de melancolia de vez em quando e acha que isso vai te trazer algum momento de reflexão sobre sua vida e seus sentimentos, então o Travis é o seu grupo. Esses escoceses da poluída Glasgow são os mais fiéis representantes do Britpop nessa área, fazendo um som extremamente honesto e bem produzido. O auge de sucesso do Travis aconteceu justamente com esse "The Man Who", o segundo CD da banda, que estourou nas paradas embalado pelo sucesso de "Why does it always rain on me?", uma letra tão pessimista, mas tão pessimista que chega involuntariamente a ser até engraçada. Além dessa o CD é cheio de momentos extremamente interessantes, entre eles As You Are, belamente produzida; The Last Laught of The Laughter, música com forte influência celta em seu arranjo; a única faixa "alegrinha" de todo o trabalho: Turn, com seu refrão para lá de pegajoso e finalmente Writing to Reach You, que foi estranhamente dedicada ao cineasta Stanley Kubrick!

A produção é de dois feras do movimento Britpop: Nigel Goodrich (que levaria até as últimas consequências suas virtudes e defeitos ao lado do Radiohead) e Mike Hedges (macaco velho no universo da música britânica). Não resta a menor dúvida que realmente fizeram um belo trabalho pois o grupo não era tão experiente assim dentro dos estúdios a ponto de escrever arranjos tão bonitos, muito embora tenham ao seu favor o talento como bons músicos (além do fato de serem excelentes compositores). De qualquer forma não poderia dar errado a parceria entre a banda e essa equipe de produção pois realmente era apenas uma questão de tempo até que saísse um bom resultado dessa feliz união. O Travis depois faria outros belos álbuns, com destaque para The Invisible Band e The Boy With No Name (em uma fase mais madura do grupo onde seu líder tinha acabado de se tornar pai, dando origem ao esquisito nome do CD), mas é com The Man Who que o Travis finalmente escreveu seu nome na história da contemporânea música britânica. Ainda não conhece e nem ouviu o Travis? Não perca seu tempo mais e descubra o som desses beberrões de Glasgow.

Travis - The Man Who (1999)
01. Writing to Reach You
02. The Fear
03. As You Are
04. Driftwood
05. The Last Laugh of the Laughter
06. Turn
07. Why Does It Always Rain on Me?
08. Luv
09. She's So Strange
10. Slide Show

Pablo Aluísio.

Dire Straits – Brothers in Arms

Embora a banda Dire Straits tenha nascido na década de 70 (mais precisamente em 1977 na cidade de Newcastle, Inglaterra), o fato é que poucos grupos musicais tiveram seu som tão associado à década de 80 quanto o Dire Straits. Suas canções, seus riffs, seus arranjos, tudo remete aos anos 80. A razão é simples de explicar, foi justamente nesse período que o grupo realmente explodiu nas paradas, colecionando sucessos e mais sucessos, tudo embalado em turnês extremamente bem sucedidas. De todos os seus álbuns esse “Brothers in Arms” é seguramente o mais simbólico dessa era de fama e glória para o grupo. Você consegue medir o sucesso de um álbum quando o coloca para tocar e reconhece imediatamente a primeira faixa, depois a segunda, a terceira e por aí em diante. É incrível mas “Brothers in Arms” é um desses discos. Mais da metade das canções são facilmente reconhecidas, mesmo por quem não viveu na época. O Dire Straits tem essa característica impar pois nunca parou de tocar em festinhas, raves e eventos. É um long seller – sempre tocando, sempre fazendo sucesso quando é executado.

Entre as músicas mais conhecidas destaco a bela balada “So Far Away” que ganhou inclusive um clip estiloso que cansou de passar na MTV em seus primórdios. Obviamente virou um grande hit. E o que falar de “Money For Nothing”? Bastam as primeiras notas de guitarra soarem nos ouvidos para que o ouvinte seja transportado imediatamente para a década de 1980. A linha melódica dessa canção é perfeita para tocar aos que ainda acham que Mark Knopfler não era um grande compositor e instrumentista. Ora, complicado até mesmo encontrar por aí uma seqüência musical tão pegajosa como essa! Uma vez na cabeça do ouvinte fica muito complicado esquecer – e isso meus caros é o segredo de cada grande música de sucesso escrita até hoje! Não é à toa que o álbum conseguiu chegar ao primeiro lugar de praticamente todos os países, batendo recordes de vendas e execução. Só para se ter uma idéia “Brothers in Arms” ficou classificado na Billboard por incríveis 210 semanas, sendo que em nove delas ficou em primeiríssimo lugar entre os discos mais vendidos, um marco comercial indiscutível. Só no mercado americano ele foi premiado com nove discos de platina. No total vendeu mais de 30 milhões de cópias ao redor do mundo. O Grammy também se rendeu à obra premiando triplamente o álbum (Best Engineered Recording, Non-Classical, Best Rock Performance by a Duo or Group with Vocal e Best Surround Sound Album). Enfim, um sucesso absoluto sob qualquer ângulo que se analise. Infelizmente o Dire Straits ficaria pouco tempo no topo. Os integrantes nem sempre eram pacíficos entre si e a guerra de egos foi lentamente minando a coesão interna. Depois de várias separações e reconciliações o grupo finalmente encerrou suas atividades. Não tem problema, o Dire Straits não existe mais porém suas canções absurdamente pegajosas sempre estarão tocando por aí. Nada mal para esses ingleses que só queriam levar um som bacana no fim de semana.
  
Dire Straits – Brothers In Arms (1985)
So Far Away
Money for Nothing
Walk of Life
Your Latest Trick
Why Worry
Ride Across the River
The Man's Too Strong
One World
Brothers in Arms  

Pablo Aluísio.

Raul Seixas - Por Quem Os Sinos Dobram

Raulzito era uma figura. Um baiano que odiava tropicalismo, um americanista na pior época do deslumbramento babaca dos esquerdistas de butique, um roqueiro com cara de bandido. Um artista que pagou para ver e mandou muito bem, sendo hoje considerado o verdadeiro Rocker da história da música brasileira. Criou uma fama de "maluco beleza", porém sua obra mostra que de maluco não tinha nada, sabia como poucos dominar as possibilidades dos estúdios, manha que aprendeu antes de se tornar artista solo, quando produzia discos para a turminha da Jovem Guarda (Jerry Adriani e Renato e Seus Blue Caps, entre outros). Esse CD, que resolvi comentar em homenagem ao magro abusado, não é tão conhecido entre o público em geral. Por Quem os Sinos Dobram foi o último disco de Raul Seixas na década de 70, justamente aquela em que ele despontou para o sucesso com discos essenciais como Gita, Krig-Ha Bandolo e o ótimo e subestimado Novo Aeon. Da primeira a última faixa conhecemos não só o grande letrista que Raul foi mas também o grande produtor e arranjador que efetivamente foi. Raul passeia sem pudor por diversos ritmos, indo do mais sofisticado ao mais popular em um segundo.

Raul que nunca fazia média abre a obra com uma brincadeira sutil com as canções populares dos anos 60 que divulgavam dancinhas da moda. Aqui ele tenta divertidamente promover a dança do "Ide a Mim Dada" (impossível não rir com a ironia de Raulzito nessa música). Depois emplaca um mea culpa explícito em "Diamante de Mendigo", onde honestamente afirma que destruiu sua família à toa (Raul teve vários casamentos ao longo de sua vida e algumas dessas uniões chegaram ao fim por causa do abuso de bebidas e drogas do roqueiro). Já o arranjo da terceira canção do disco, "Ilha da Fantasia", nos lembra imediatamente de Cowboy Fora da Lei, o grande hit de Raulzito na década que viria, os anos 80. Na música "Na Rodoviária" Raul usa um inteligentissimo jogo de palavras para mostrar seu lado mais iconoclasta, tudo mesclado com imagens pessimistas e surrealistas. Raul inclusive aproveita para destruir os mitos ao afirmar que "Papai Noel é apenas um presépio de papel". Coisa de gênio.

A música título do álbum "Por Quem os Sinos Dobram" demonstra um raro momento otimista na obra do cantor. Brandando e pedindo coragem aos ouvintes Raul injeta uma dose de positividade ímpar em sua discografia. O arranjo de metais nessa faixa mostra claramente que Raul não brincava em serviço. "O Segredo do Universo" revive o lado mais místico e bruxo do artista, personagem que ele encarnou com raro brilhantismo em seus primeiros discos na Phillips. Já "Movido a Alcool" é o mais divertido momento de todo o disco. Raul, cachaceiro assumido, se diverte com os planos do governo em usar o alcool como combustível alternativo. O álbum, brilhante, se encerra com a belissima "Requiem para uma Flor". Esse disco foi o último de Raul pela WEA, gravadora para a qual ele foi após brigar com a Phillips. Essa fase não é considerada a mais brilhante de Raul e é ainda composta pelos discos "O Dia em Que a Terra Parou" e "Mata Virgem" (o mais obscuro dos três). Nos anos seguintes Raul iria enfrentar algumas barras pesadas, como ostracismo na carreira, passagem por pequenas gravadoras, falta de grana e perspectiva, problemas sérios de saúde entre outras adversidades. Mas no final a brilhante música do maluco beleza venceu todos esses grilhos. Hoje, 20 anos após sua morte, Raul é reverenciado por uma geração que sequer era nascida quando ele morreu. Tal como seu grande ídolo, Elvis, Raul rompeu a fronteira da morte e se tornou um astro no firmamento do Rock´n´Roll. Nada mais justo para quem tanto lutou para sobreviver com uma obra inteligente e rara no pobre mercado musical nacional. Grande Raulzito...

Por Quem Os Sinos Dobram (1979) 01. Ide a Mim Dada / 02. Diamante De Mendigo / 03. A Ilha Da Fantasia / 04. Na Rodoviária / 05. Por Quem Os Sinos Dobram / 06. O Segredo Do Universo / 07. Dá-Lhe Que Dá / 08. Movido A Álcool / 09. Requien Para Uma Flor

Pablo Aluísio.

U2 - Rattle and Hum

O U2 está até hoje por aí, então é normal as pessoas não o verem apenas como um grupo de rock da década de 80. Bono conseguiu sempre manter o nome da banda na ordem do dia, seja inserindo o grupo para tocar em shows apoteóticos, seja defendendo as boas causas na TV e nos noticiários. Sua personalidade política ajudou muito nesse processo. Hoje o grupo é bastante reverenciado como um dos maiores da história do Rock mas houve época em que o U2 era considerado mais um daqueles grupos de rock que somem após algum tempo. Acompanhei toda a carreira de Bono e cia e meu primeiro disco da banda foi justamente esse duplo “U2 – Rattle and Hum”, uma bela trilha sonora do documentário de mesmo nome que mostrava uma das concorridas turnês do grupo irlandês nos EUA durante a década de 80. O repertório é dos melhores pois é formado por alguns dos maiores sucessos do conjunto. Assim tempos faixas que foram gravadas ao vivo, no calor das apresentações pela América afora e outras que foram registradas em estúdio. Esse último pacote de canções é o que há de melhor dentro do álbum. Isso porque o U2 foi até Memphis, um dos berços do Rock e seus integrantes fizeram questão de gravar na lendária Sun Records, a pequena gravadora que revelou Elvis Presley para o mundo.

Como se não bastasse o disco ainda conta com a preciosa participação de Bob Dylan na canção "Love Rescue Me", uma balada com toques de blues choroso. E o que dizer do encontro com o mito B.B. King na maravilhosa  "When Love Comes to Town"? A essência do mais genuíno Blues americano está aqui, com pitadas do som irlandês do U2. A mistura se revela das mais felizes e marcantes. Para finalizar o U2 reuniu um fantástico coro vocal feminino negro, formando no bairro do Harlem em Nova Iorque, para gravar a faixa “"I Still Haven't Found What I'm Looking For" ao vivo no templo do Madison Square Garden. Como se vê o U2 foi fundo nas raízes da música americana, resgatando o que há de mais autêntico em sua musicalidade. Para fechar com chave de ouro só faltava mesmo os Beatles. E eles estão lá também, numa versão envenenada de Helter Skelter. Perfeita a nova releitura de uma das mais significativas canções do quarteto de Liverpool. Não diria que é o melhor disco do U2 pois essa afirmação seria temerária uma vez que esse é um grupo de rock que já passou por tantas fases e vertentes que fica até complicado classificar algo como o melhor. Mesmo assim posso dizer que “Rattle and Hum” é certamente um dos melhores momentos desses irlandeses que pelo menos nessa turnê se sentiram como verdadeiros ianques fundadores do mais popular gênero musical da história.

U2 – Rattle and Hum (1988)
Helter Skelter
Van Diemen's Land
Desire
Hawkmoon 269
All Along the Watchtower
I Still Haven't Found What I'm Looking For
Freedom for My People
Silver and Gold
Pride (In the Name of Love)
Angel of Harlem
Love Rescue Me
When Love Comes to Town
Heartland
God Part II
The Star Spangled Banner
Bullet the Blue Sky
All I Want Is You
 
Pablo Aluísio.

Oasis - Definitely Maybe

Hoje o Oasis é muito lembrado pelas declarações dos irmãos Gallagher na imprensa. No meio de muita lorota e brigas internas o Oasis vai sobrevivendo ano após ano, apesar dos inúmeros boatos que vão se separar de vez. Não é para tanto. Embaixo da polêmica e da falta de educação dos irmãos (o que destoa totalmente da imagem de povo super educado dos britânicos) está a música que eles produzem e isso é o que realmente importa no final das contas. Definitely Maybe é muito provavelmente o melhor álbum de estreia de um grupo de rock britânico nos últimos vinte anos. Embalados pelo sucesso do single Live Forever que chegou ao primeiro lugar poucos dias antes do lançamento do álbum o Oasis rapidamente chegou ao topo da parada britânica vendendo milhões de cópias desde então. O CD realmente é inovador, hoje seu impacto está um pouco amenizado pois tantas bandas seguiram os passos do Oasis que o frescor de novidade de quem o ouviu em 1994 se dissipou bastante, de tão imitados o Oasis acabou virando banal. De qualquer forma a jovialidade e a inovação de canções como Up in the Sky, Live Forever, Slide Away e Rock´n´Roll Star permanecem firmes, mesmo após passados mais de dez anos de sua gravação.

O disco foi aclamado pela imprensa especializada inglesa na ocasião de seu lançamento sendo considerado uma espécie de salvação do rock britânico, que vinha muito mal nas paradas na época. Embora ninguém ainda soubesse prever o que iria acontecer, se o grupo iria confirmar o talento de sua disco de estreia ou desaparecer como tantos outros, os críticos resolveram apostar no novo som que surgia naquele momento. Ao longo dos anos o grupo não iria decepcionar quem tinha apostado em sua sucesso. Eles iriam evoluir ainda mais musicalmente. Infelizmente também iriam como poucos brigar internamente (e publicamente), trocar ofensas com outros artistas, demitir antigos membros, passar por novas formações e aparecer com frequência nos tablóides britânicos. No saldo final nada disso importa. A única coisa que se mantém e é realmente relevante é o talento do Oasis, que se assemelha a um bom vinho, quanto mais tempo passa melhor fica.

Oasis - Definitely Maybe (1994) / 1. Rock 'n' Roll Star / 2. Shakermaker / 3. Live Forever / 4. Up in the Sky / 5. Columbia / 6. Supersonic / 7. Bring It on Down / 8. Cigarettes & Alcohol / 9. Digsy's Dinner / 10. Slide Away / 11. Married with Children"

Pablo Aluísio.

Elvis Presley - If I Can Dream

Vários amigos e fãs de Elvis me enviaram mensagens nos últimos dias me perguntando porque eu ainda não tinha escrito sobre esse lançamento. O CD foi um grande sucesso de vendas, levando Elvis novamente ao primeiro lugar nas principais paradas americanas e europeias. A crítica de maneira em geral elogiou e o público, mesmo o mais ligado a Elvis, principalmente formado pelos colecionadores, etc, também gostou bastante. Assim "If I Can Dream" acabou se tornando uma espécie de unanimidade. A grande novidade vem do fato de termos novos arranjos, com a riqueza sonora da Royal Philharmonic Orchestra, preservando-se das gravações originais apenas a voz de Elvis.

É um trabalho refinado, com muito estilo. Disso não sobram dúvidas. Apesar disso eu sou um tradicionalista em termos musicais. Como tenho mais de três décadas ouvindo a discografia original de Elvis Presley aprecio demais os arranjos originais para ignorá-los agora, pois a maneira como as gravações foram realizadas faz parte da história de Elvis. Criei até mesmo laços sentimentais com as canções. Não importa que muitos desses arranjos estejam desatualizados com a sonoridade atual, em minha opinião isso realmente não tem a menor relevância. As músicas foram gravadas levando-se em conta o seu contexto histórico, era a sonoridade que imperava na época. Traz o sabor da história e dos anos em que foram registradas. Tampouco tenho qualquer interessa comercial em fazer novos fãs entre a nova geração.

Eu sempre digo que a arte em geral é atemporal. Tentar modernizá-la ou tentar adequar ao gosto do público atual não deixa de ser também uma forma de descaracterizá-la. Além disso o trabalho dos músicos originais que tocaram com Elvis foi literalmente deixado de lado. Na verdade esse tipo de inovação nem mesmo me soa como algo novo. Já havia sido colocada em prática no lançamento de CDs como "Elvis Medley", lá por volta do começo dos anos 1980 ou até mesmo "Guitar Man", "Too Much Monkey Business", etc, cujos arranjos modernosos da época de seu lançamento soam hoje em dia mais desatualizados do que os originais que estavam nos álbuns lançados pelo próprio Elvis em vida.

Além disso alguns arranjos desse CD não me agradaram em nada, a despeito da capacidade dos músicos envolvidos nesse processo. Canções como "Bridge Over Troubled Water", "You've Lost That Loving Feeling" e principalmente "An American Trilogy" já tinham certamente encontrado seu arranjo perfeito. Não se mexe em obras primas. Bem piores ficaram "Burning Love" e "Fever", essa última certamente a pior faixa do CD, exagerada, kitsch, excessiva. A única gravação remodelada que me deixou levemente satisfeito foi "If I Can Dream". Talvez por ser a gravação título do álbum realmente capricharam em seu arranjo. Todo o resto, sinceramente falando, me pareceu apenas curioso, até um pouquinho interessante, mas nada muito além disso. Esse é aquele CD que você terá em sua coleção apenas como curiosidade e nada mais. O fã de longa data com certeza não trocará as velharias que tanto ama por essa maquiagem. Não existe botox no mundo da música que melhore o que já é tão bom e belo. Não estou muito interessado nisso, quero mesmo as marcas do tempo e da história. Coisas que um tradicionalista preza. Tudo o mais é pura frivolidade sonora.

Elvis Presley - If I Can Dream (2015)
Burning Love
It's Now Or Never
Love Me Tender
Fever (feat. Michael Buble)
Bridge Over Troubled Water
And The Grass Won't Pay No Mind
You've Lost That Loving Feeling
There's Always Me
Can't Help Falling In Love
In The Ghetto
How Great Thou Art
Steamroller Blues
An American Trilogy
If I Can Dream

Pablo Aluísio.

Rolling Stones - Gimme Shelter

Documentário musical que deveria celebrar mais uma turnê americana dos Rolling Stones, mas que acabou terminando em tragédia. Acontece que durante um dos concertos do grupo o vocalista Mick Jagger teve a péssima ideia de dispensar o uso de seguranças profissionais, contratando ao invés disso membros dos Hells Angels para fazer esse serviço. Talvez querendo dar uma de deslocado ou de hippie paz e amor, Jagger cometeu o maior erro de sua carreira. Não demorou nada para que os motoqueiros começassem a sair na porrada com o público. Pior do que isso, um rapaz foi morto durante a confusão. 

Isso obviamente mancharia para sempre os Stones, até porque a imprensa não deixou barato, culpando os membros do grupo pela morte do jovem. E de certa maneira eles eram mesmo culpados. Esse documentário ficou bastante tempo arquivado, justamente pela imagem do assassinato, mas depois acabou sendo lançado. Um registro triste da história do rock. Fica pelo menos como lição. Afinal organizar concertos de rock exige um profissionalismo completo. Não adianta ter ideias estúpidas achando que elas são revolucionárias ou inovadoras. Não são, são apenas estúpidas mesmo. 

Rolling Stones - Gimme Shelter (Gimme Shelter, Estados Unidos, 1970) Direção: Albert Maysles, David Maysles / Roteiro: Albert Maysles, David Maysles / Elenco: Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor, demais membros dos Stones e a gangue de motoqueiros Hells Angels / Sinopse: Documentário sobre a maior tragédia da banda Rolling Stones, quando Mick Jagger resolveu contratar como seguranças os membros da gangue de motoqueiros Hells Angels. No meio da confusão que cerca o concerto um jovem rapaz acabou sendo morto pelos membros do motoclube.

Pablo Aluísio.

A-ha - Stay On These Roads

Muita gente acredita que o A-ha foi apenas uma banda norueguesa que fez muito sucesso na década de 1980 com suas canções de refrões pegajosos e depois disso sumiu do mapa sem deixar vestígios. Nada mais longe da realidade. Na verdade o A-ha é um dos grupos europeus mais interessantes que já surgiram no mundo da música. Embora realmente tenham tido uma fase de sucesso FM, o fato é que eles seguiram em frente após isso e gravaram trabalhos excelentes, acima da média mesmo. Muitos desses álbuns não fizeram grande sucesso entre o público brasileiro mas devem ser redescobertos, como por exemplo, o excepcional "Memorial Beach", um grande fracasso de vendas cuja qualidade é inversamente proporcional ao seu fraco sucesso comercial.

Considerado por muitos o melhor disco do grupo ele demonstra que mesmo não alcançando mais o topo das paradas o A-ha conseguiu manter um bom nível de qualidade em seus discos. "Stay On These Roads", por outro lado, faz parte da fase de maior sucesso do grupo. Lançado em 1987 o disco emplacou nas rádios e paradas com várias de suas canções, que viraram hits como "You Are the One", "Touchy!", "The Blood That Moves the Body", "The Living Daylights" e a própria faixa título do disco, a baladona "Stay on These Roads". Esse foi o terceiro disco do A-ha na gravadora Warner e contou com todo o apoio da gravadora multinacional que não mediu esforços para continuar divulgando o grupo, inclusive escalando a banda para compor e cantar o tema do novo filme de James Bond, "Marcado Para Morrer". A faixa "The Living Daylights" é inclusive considerada até hoje um dos melhores temas do agente inglês no cinema. Composta em quatro mãos por Paul Waaktaar-Savoy e John Barry, não fez feio nem nas paradas e nem na avaliação dos principais críticos de música na época de seu lançamento. Um grande êxito.

Para promover o disco o A-ha caiu na estrada e realizou mais de 80 concertos mundo afora. Uma turnê exaustiva e muito produtiva em termos de divulgação. Para os fãs brasileiros essa turnê marcou época pois o grupo a encerrou justamente no Brasil ao realizar cinco shows em São Paulo e no Rio de Janeiro. A presença dos noruegueses por aqui inflamou as vendas do conjunto que foi premiado pela Warner Brasil com um Disco de Platina pelas vendas excepcionais. Como se não bastasse a filial brasileira da Warner até mesmo inventou uma coletânea chamada "A-ha In Brazil" que também fez bonito nas lojas, vendendo milhares de cópias. Infelizmente "Stay On These Roads" marcaria o fim da fase de maior sucesso da carreira do A-ha. Depois da enorme turnê eles resolveram dar um tempo. Cada um foi para seu lado produzir trabalhos próprios e o A-ha como grupo só voltaria ao mercado dois anos depois com o álbum "East of the Sun, West of the Moon" que ficou famoso por causa do hit "Crying in the Rain", uma regravação de um antigo sucesso da dupla The Everly Brothers. Não faz mal. "Stay On These Roads" está aí como um disco acima da média com nada mais, nada menos, do que cinco grandes sucessos em um álbum com apenas 10 faixas - um resultado excepcional em termos de popularidade. Se você gosta do A-ha ou da sonoridade da década de 80 então “Stay On These Roads” é simplesmente indispensável em sua coleção.

A-ha - Stay On These Roads (1987)
Stay on These Roads
The Blood That Moves the Body
Touchy!
This Alone Is Love
Hurry Home
The Living Daylights
There's Never a Forever Thing
Out of Blue Comes Green   
You Are the One
You'll End up Crying

Pablo Aluísio.

Rolling Stones - Sticky Fingers

10 curiosidades sobre "Sticky Fingers" dos Rolling Stones:

1. Esse foi o primeiro álbum dos Stones em seu novo selo, Rolling Stones Records. Para presidir a empresa os Stones contrataram Marshall Chess, filho de Leonard Chess, o fundador do selo Chess Records.

2. A capa do disco foi criada originalmente pelo gênio da pop art Andy Warhol.

3. Alan Klein, o empresário corrupto dos Beatles, conseguiu ter o controle dos direitos autorais de duas canções dos Stones, "Brown Sugar" e "Wild Horses".

4. Sticky Fingers foi gravada em três lugares diferentes (Alabama, Londres e  Hampshire) em um período de tempo de dois anos!

5. O álbum foi severamente criticado em seu lançamento. O crítico Jon Landau por exemplo profetizou o fim da banda ao qualificar o disco como um "exercício de autodestruição, tamanha a sua má qualidade".

6. Esse foi o primeiro disco com Mick Taylor como um membro oficial dos Rolling Stones. Seus melhores momentos podem ser ouvidos nas faixas "Can not You Hear Me Knocking", "Sway" e "Moonlight Mile".

7. Na edição espanhola do disco a capa foi censurada sendo ainda colocada uma versão ao vivo de Chuck Berry da faixa  "Let It Rock".

8. "Can not You Hear Me Knocking" foi gravada praticamente como uma jam session, sem ensaio algum.

9. "Sister Morphine" e "Wild Horses" ganharam versões gravadas por Marianne Faithfull e Flying Brothers.

10. A famosa língua dos Rolling Stones fez a sua estreia em Sticky Fingers. O estilista britânico John Pasche criou o logotipo que se tornaria marca registrada do grupo até os dias de hoje.

Erick Steve.

Elvis Presiey em Graceland

Elvis Presiey em Graceland

Duas fotos de Elvis Presley em frente à sua adorada mansão Graceland; A primeira foto foi tirada por volta de 1959, quando Elvis ainda estava servindo o exército americano; A segunda foto abaixo provavelmente foi tirada por volta de 1963 quando Elvis estava em sua fase de filmes em Hollywood.

Pablo Aluísio.