Perseguidor Implacável

Perseguidor Implacável 

Perseguidor Implacável (Dirty Harry, Estados Unidos, 1971) é um dos filmes policiais mais marcantes do início dos anos 1970 e o trabalho que transformou Harry Callahan em um dos personagens mais conhecidos da carreira de Clint Eastwood. Dirigido por Don Siegel, o filme chegou aos cinemas americanos em dezembro de 1971, depois de uma produção realizada praticamente toda em locações de San Francisco. Eastwood interpreta o inspetor Harry Callahan, um policial conhecido por seus métodos pouco convencionais e por sua disposição de enfrentar criminosos e superiores com a mesma franqueza. O elenco principal também reúne Andrew Robinson como o assassino Scorpio, Harry Guardino como o tenente Bressler, Reni Santoni como o inspetor Chico Gonzalez, John Vernon como o prefeito e John Larch como o chefe de polícia. A história acompanha Callahan na perseguição a um assassino que ameaça San Francisco e exige dinheiro para não continuar matando suas vítimas. A figura de Scorpio foi inspirada, embora não seja uma reprodução literal, nos crimes atribuídos ao assassino conhecido como Zodiac, que aterrorizou a região da Baía de San Francisco no final dos anos 1960 e começo dos anos 1970. O próprio clima de medo da época ajudou a dar ao filme uma atmosfera especialmente realista. A produção inicialmente tinha outro projeto de protagonistas: Frank Sinatra chegou a ser associado ao papel, mas deixou o filme por problemas decorrentes de uma cirurgia na mão, e posteriormente Clint Eastwood assumiu o personagem. O ator também produziu o longa através de sua companhia Malpaso, consolidando uma parceria cada vez mais importante com a Warner Bros.

A reação da crítica americana foi bastante dividida, principalmente porque o filme combinava o formato de thriller policial com uma visão extremamente controversa sobre violência, autoridade e limites da ação policial. Richard Eder, do The New York Times, foi severo e escreveu que dinheiro, a presença de Clint Eastwood, muito sangue, sirenes e a disposição de atacar certas ideias liberais não eram suficientes para produzir sequer um filme razoável. Roger Ebert, por outro lado, reconheceu que o filme funcionava muito bem como espetáculo policial e destacou a maneira como Don Siegel compreendia a persona cinematográfica de Eastwood. Ebert observou que o longa conseguia ser extremamente eficaz como thriller, embora considerasse problemática sua posição moral diante da violência e da lei. A crítica de Ebert tornou-se particularmente famosa porque classificou a posição moral do filme como fascista, interpretação que posteriormente ele próprio voltou a discutir e contextualizar. A Variety também reconheceu a eficiência da ação, mas considerou que o formato começava a mostrar problemas, enquanto outras avaliações ressaltaram que o filme era tecnicamente muito bem construído. A fotografia de Bruce Surtees, com San Francisco apresentada de maneira áspera e pouco turística, tornou-se um dos elementos fundamentais da experiência. O trabalho de montagem e a trilha de Lalo Schifrin ajudaram a criar um ritmo nervoso, alternando investigação, perseguições e explosões repentinas de violência. Mesmo os críticos que rejeitaram a visão política do personagem reconheceram a força cinematográfica de Eastwood e de Siegel. O resultado foi um filme que provocou discussões muito além do simples entretenimento policial e que rapidamente passou a ser analisado também por aquilo que dizia sobre a sociedade americana daquele período.

Fora dos Estados Unidos, a discussão também ultrapassou a questão de saber se o filme era simplesmente um policial de ação ou uma obra sobre a crise de autoridade existente naquele momento. A violência de Perseguidor Implacável e a atitude de Harry Callahan fizeram com que o personagem fosse interpretado de maneiras diferentes, dependendo do contexto crítico e cultural. A questão central estava na contradição entre um policial que conhece as regras do sistema e um homem que acredita que determinadas situações justificariam ultrapassá-las. O roteiro utiliza essa contradição como parte fundamental da personalidade de Harry, enquanto Scorpio é construído como uma figura deliberadamente extrema, o que torna o confronto entre os dois ainda mais carregado de tensão. A atuação de Andrew Robinson foi particularmente importante para isso, pois seu Scorpio não é apenas um criminoso convencional, mas uma presença imprevisível que desafia constantemente os limites morais do protagonista. A crítica também observou que o filme não oferecia uma solução simples para esse conflito. No encerramento, Harry joga fora seu distintivo depois de matar Scorpio, uma imagem que pode ser interpretada tanto como rejeição dos métodos utilizados quanto como consequência inevitável da trajetória percorrida pelo personagem. Com o passar das décadas, essa ambiguidade tornou-se uma das características mais discutidas do longa. Em 2012, a importância histórica de Dirty Harry foi reconhecida quando o filme foi selecionado para preservação no National Film Registry da Biblioteca do Congresso dos Estados Unidos. Não foi, portanto, apenas o nascimento de uma franquia de sucesso: foi também o surgimento de um personagem que passou a fazer parte da cultura cinematográfica internacional.

Com um orçamento estimado em aproximadamente US$ 4 milhões, Perseguidor Implacável teve uma trajetória comercial muito expressiva. Os registros atuais do IMDb apontam cerca de US$ 35,99 milhões em arrecadação nos Estados Unidos e Canadá, enquanto o Box Office Mojo registra aproximadamente US$ 35,99 milhões como total mundial atualmente contabilizado, embora os números históricos de distribuição possam variar conforme o método utilizado pelas diferentes bases. O desempenho foi particularmente significativo porque Clint Eastwood ainda estava consolidando sua posição como grande astro do cinema americano. Embora já fosse conhecido internacionalmente pelos westerns de Sergio Leone e por trabalhos anteriores com Don Siegel, Harry Callahan apresentou uma faceta nova de sua imagem cinematográfica. O personagem era lacônico, fisicamente imponente e quase sempre parecia estar alguns segundos à frente de seus adversários. Ao mesmo tempo, a estrutura do filme não dependia exclusivamente de Eastwood: a cidade de San Francisco funcionava praticamente como outro personagem, com suas ruas, colinas, edifícios e áreas industriais integradas à ação. A perseguição final e as sequências envolvendo o ônibus escolar ficaram especialmente associadas ao imaginário do cinema policial dos anos 1970. O público respondeu fortemente a essa combinação de suspense, violência e personalidade de protagonista. O sucesso comercial levou naturalmente à produção de uma continuação, Magnum Force, lançada em 1973, iniciando uma série que acabaria chegando a cinco filmes. Assim, o sucesso de Perseguidor Implacável não foi apenas financeiro: ele estabeleceu uma franquia duradoura e transformou Harry Callahan em uma das figuras mais reconhecíveis da carreira de Eastwood.

Atualmente, Perseguidor Implacável ocupa uma posição importante na história do cinema policial americano e na própria evolução da carreira de Clint Eastwood. O filme é frequentemente lembrado pela combinação entre a direção seca de Don Siegel, a fotografia urbana de Bruce Surtees, a música de Lalo Schifrin e a interpretação econômica de Eastwood. Também permanece relevante pela maneira como apresenta um protagonista cuja relação com a lei é deliberadamente contraditória. Harry Callahan não é simplesmente um policial que segue todas as normas, nem é apresentado como um criminoso: ele existe justamente no espaço desconfortável entre a autoridade institucional e a iniciativa individual. Essa característica ajudou a influenciar inúmeros filmes e personagens policiais posteriores. O filme também ganhou uma dimensão histórica adicional por estar associado ao clima de medo provocado pelos crimes do Zodiac na Califórnia, embora a história de Scorpio seja ficcional. No Rotten Tomatoes, a avaliação crítica contemporânea consolidada atualmente aparece em torno de 90%, enquanto a recepção do público permanece bastante positiva, mostrando que a obra continuou encontrando espectadores décadas depois de seu lançamento. Mais importante ainda, Harry Callahan passou a representar uma determinada imagem do policial cinematográfico dos anos 1970: silencioso, agressivo, individualista e permanentemente em conflito com a burocracia. O personagem seria desenvolvido nos quatro filmes seguintes, mas é neste primeiro capítulo que sua personalidade é estabelecida de maneira mais forte. Perseguidor Implacável permanece, portanto, tanto como um thriller policial extremamente característico de sua época quanto como um marco decisivo na construção do mito cinematográfico de Clint Eastwood.

Perseguidor Implacável (Dirty Harry, Estados Unidos, 1971) Direção: Don Siegel / Roteiro: Harry Julian Fink, R. M. Fink e Dean Riesner / Elenco: Clint Eastwood, Andrew Robinson, Harry Guardino, Reni Santoni, John Vernon e John Larch / Sinopse: O inspetor Harry Callahan recebe a missão de capturar Scorpio, um assassino que aterroriza San Francisco e ameaça continuar matando caso suas exigências não sejam atendidas. Enquanto a investigação avança, Harry se envolve em um confronto cada vez mais pessoal com o criminoso, ao mesmo tempo em que enfrenta superiores que desaprovam seus métodos. A perseguição leva o policial a ultrapassar diversos limites, colocando em conflito sua obrigação de obedecer à lei e sua determinação de impedir novos crimes.

Erick Steve. 

Magnum 44

Magnum 44

Magnum 44 (Magnum Force, Estados Unidos, 1973) é o segundo filme da série protagonizada por Clint Eastwood como o inspetor Harry Callahan e chegou aos cinemas apenas dois anos depois do enorme sucesso de Perseguidor Implacável. Desta vez, a direção passou de Don Siegel para Ted Post, cineasta que já havia trabalhado com Eastwood em Hang 'Em High. O filme foi produzido pela Malpaso Company, de Eastwood, e pela Warner Bros., mantendo San Francisco como cenário principal e utilizando extensivamente as ruas, prédios e paisagens da cidade. O elenco reúne, além de Eastwood, Hal Holbrook, David Soul, Tim Matheson, Robert Urich, Felton Perry e Mitchell Ryan. A história começa quando uma série de criminosos é executada por um grupo de jovens policiais que acredita estar fazendo justiça ao eliminar pessoas que escaparam das punições do sistema. Harry inicialmente parece ter uma opinião bastante próxima daquela dos vigilantes, mas logo percebe que existe uma diferença fundamental entre combater criminosos dentro da lei e transformar a polícia em um esquadrão de execução. O roteiro foi escrito por John Milius e Michael Cimino, a partir dos personagens criados por Harry Julian Fink e R. M. Fink. A produção chegou aos cinemas americanos em dezembro de 1973. A própria abertura, com a mão de Harry segurando o famoso revólver .44 Magnum e repetindo uma versão da célebre fala do primeiro filme, deixa claro que a produção pretendia preservar a identidade visual e sonora da série. A trilha novamente ficou a cargo de Lalo Schifrin, cuja música jazzística e tensa continuou sendo uma das marcas da franquia.

A recepção crítica nos Estados Unidos foi bastante dividida e, em muitos casos, concentrou-se justamente na contradição moral existente no centro da história. Nora Sayre, do The New York Times, descreveu o filme como “uma confusão moral”, observando que a produção parecia defender a aplicação da lei enquanto continuava fascinada pelo poder da violência exercida individualmente. Para a crítica, o filme tentava resolver as controvérsias do primeiro Dirty Harry colocando Harry contra policiais que haviam levado sua filosofia muito mais longe. Pauline Kael, escrevendo para The New Yorker, foi ainda mais severa e considerou que a aparente mudança de posição de Harry não alterava aquilo que ela enxergava como o verdadeiro centro do filme: a celebração da violência. Em sua leitura, Eastwood era deliberadamente impassível e o filme transformava a violência em algo quase mecânico, sem oferecer aos mortos uma dimensão emocional. Kael também criticou a direção de Ted Post, que considerou mediana, embora reconhecesse que o filme conseguia manter o suspense e funcionar dentro de seu próprio nível de entretenimento policial. A Variety, entretanto, apresentou uma avaliação mais favorável, chamando Magnum 44 de uma continuação intrigante e destacando que o roteiro acrescentava algumas ideias ao habitual espetáculo de massacres. A revista também elogiou a direção de Post, a produção de Robert Daley, a trilha de Lalo Schifrin e o desempenho geral do elenco. Assim, desde seu lançamento, o filme ficou situado entre duas percepções: para alguns críticos, era uma continuação eficiente e cheia de ação; para outros, suas contradições morais impediam que o filme ultrapassasse o nível de um violento entretenimento comercial.

Na crítica posterior, Magnum 44 passou a ser analisado principalmente pela maneira como respondeu às controvérsias provocadas pelo primeiro filme. A questão central é particularmente interessante porque Harry Callahan agora precisa enfrentar policiais que acreditam possuir o direito de matar criminosos simplesmente porque consideram o sistema judicial ineficiente. O filme coloca na boca do personagem uma defesa explícita da permanência dentro do sistema legal, embora sua própria conduta continue sendo marcada por métodos extremamente violentos. É justamente essa contradição que fez com que críticos e historiadores do cinema continuassem discutindo a obra. A Time Out, por exemplo, considerou que o filme era menos moralmente ambíguo que o original, mas observou que sua tentativa de estabelecer uma distinção entre a violência de Harry e a dos policiais vigilantes era pouco convincente. Ao mesmo tempo, a revista reconheceu a presença de boas sequências de ação. O The Guardian, em retrospectiva sobre Ted Post, destacou que Magnum 44 continuou as aventuras de Harry Callahan e observou que o personagem era definido justamente pela proximidade e, ao mesmo tempo, pela diferença em relação aos criminosos que perseguia. O filme também é importante por registrar um momento particularmente interessante da carreira de Eastwood: ele já havia se tornado uma estrela internacional graças aos westerns de Sergio Leone e aos policiais de Don Siegel, mas ainda estava consolidando a persona que dominaria boa parte de sua carreira durante a década de 1970. Magnum 44 ajudou a estabelecer essa imagem definitivamente, combinando o homem de poucas palavras, a expressão impassível, o humor seco e a enorme presença física diante da câmera. Mesmo as críticas negativas contribuíram para manter o personagem no centro da discussão cinematográfica da época. O filme não recebeu indicações ao Oscar ou aos principais prêmios de Hollywood, e seu reconhecimento posterior esteve muito mais ligado à importância da série Dirty Harry do que a premiações formais.

Comercialmente, Magnum 44 foi um enorme sucesso e conseguiu superar o primeiro filme da série nas bilheterias americanas. A produção arrecadou aproximadamente US$ 44,68 milhões nos Estados Unidos e Canadá, tornando-se o sexto filme de maior bilheteria de 1973 no mercado americano. Os registros de aluguel cinematográfico apontam cerca de US$ 19,4 milhões na América do Norte e outros US$ 9,5 milhões nos mercados estrangeiros, totalizando aproximadamente US$ 28,9 milhões em aluguéis para os distribuidores. O resultado confirmou que Harry Callahan não era simplesmente um personagem associado ao sucesso inesperado do filme original, mas uma franquia com enorme capacidade comercial. A sequência também ampliou o repertório de cenas de ação da série, apresentando perseguições automobilísticas, tiroteios, motocicletas, confrontos em ambientes urbanos e algumas das sequências mais violentas de toda a franquia. A presença de atores que posteriormente se tornariam muito conhecidos na televisão americana, como David Soul e Robert Urich, também dá ao elenco um interesse especial para o público que acompanha a cultura popular dos anos 1970. Hal Holbrook, como o tenente Neil Briggs, funciona como contraponto direto a Eastwood, inicialmente apresentado como uma autoridade respeitável e experiente, mas progressivamente revelado como líder do grupo de policiais que decidiu substituir os tribunais pela execução sumária. O sucesso comercial foi tão expressivo que tornou inevitável a continuidade da série. Em 1976, Eastwood retornaria como Callahan em The Enforcer, lançado no Brasil como Sem Medo da Morte. Dessa maneira, Magnum 44 foi decisivo para transformar Dirty Harry de um filme de sucesso em uma franquia duradoura.

Com o passar das décadas, Magnum 44 ganhou uma reputação bastante sólida entre os admiradores do cinema policial dos anos 1970. Embora a crítica atual continue discutindo as questões morais e políticas presentes no roteiro, o filme é reconhecido como uma peça importante da série e como um exemplo muito característico do cinema de ação produzido em Hollywood naquele período. O Rotten Tomatoes atualmente registra 69% de aprovação da crítica e 78% de aprovação do público, com a avaliação crítica destacando que a sequência aumenta a quantidade de ação e apresenta cenas de dublês particularmente eficazes. O filme também possui 58 pontos no Metacritic, com avaliações que vão desde a aprovação da eficiência das sequências de ação até críticas severas à sua construção moral. A relação entre Harry e os policiais vigilantes é provavelmente o elemento que mais diferencia Magnum 44 de Perseguidor Implacável. O primeiro filme apresentava um homem perseguindo um criminoso; aqui, o protagonista precisa descobrir se sua própria filosofia foi levada longe demais por outros policiais. Essa estrutura permitiu aos roteiristas responder diretamente às acusações feitas contra o personagem original, embora não tenha eliminado a controvérsia. A sequência também consolidou elementos que se tornariam inseparáveis da imagem de Harry Callahan: o .44 Magnum, as frases secas, a investigação independente, a cidade de San Francisco e a mistura de violência e humor. Décadas depois, a importância cultural da produção é reforçada pelo fato de Magnum 44 continuar sendo exibido, relançado e discutido ao lado do filme original. Para Clint Eastwood, foi um passo importante na consolidação de uma persona cinematográfica que ele levaria posteriormente para personagens ainda mais complexos, especialmente quando começou a dirigir seus próprios filmes. Como segundo capítulo de uma franquia que chegaria a cinco episódios, Magnum 44 permanece como um dos filmes fundamentais do ciclo Dirty Harry.

Magnum 44 (Magnum Force, Estados Unidos, 1973) Direção: Ted Post / Roteiro: John Milius e Michael Cimino, baseado nos personagens criados por Harry Julian Fink e R. M. Fink / Elenco: Clint Eastwood, Hal Holbrook, David Soul, Tim Matheson, Robert Urich e Felton Perry / Sinopse: O inspetor Harry Callahan investiga uma série de assassinatos de criminosos e descobre que as mortes estão relacionadas a um grupo de jovens policiais que decidiu fazer justiça pelas próprias mãos. Conforme a investigação avança, Harry percebe que os novos vigilantes utilizam uma versão ainda mais extrema dos métodos que ele próprio emprega no combate ao crime. O confronto coloca o policial diante de uma questão fundamental: até onde um agente da lei pode ir antes de se tornar aquilo que deveria combater?

Erick Steve. 

A Casa que Pingava Sangue

Título no Brasil: A Casa que Pingava Sangue

Título Original: The House That Dripped Blood

Ano de Lançamento: 1971

País: Reino Unido

Estúdio: Amicus Productions

Direção: Peter Duffell

Roteiro: Robert Bloch e Russ Jones

Elenco: Christopher Lee, Peter Cushing, Denholm Elliott, Jon Pertwee, Nyree Dawn Porter, Ingrid Pitt, Joss Ackland, Joanna Dunham, John Bennett e John Bryans.

Sinopse: 

O filme começa quando o ator de filmes de horror Paul Henderson desaparece misteriosamente depois de se mudar para uma antiga casa de campo. O inspetor Holloway, da Scotland Yard, fica encarregado de investigar o desaparecimento e conversa com o proprietário do imóvel para descobrir o que aconteceu. Durante a investigação, ele ouve quatro histórias diferentes envolvendo antigos moradores da mesma casa. Em cada episódio, os personagens acabam enfrentando acontecimentos sobrenaturais, mortes violentas e situações inexplicáveis. Um escritor passa a ser perseguido por um personagem assassino que criou em seus próprios livros. Em outra história, dois homens ficam obcecados por uma figura de cera ligada a um acontecimento do passado. Há ainda uma trama envolvendo uma menina e sua misteriosa boneca, além do episódio de um ator que acredita ter encontrado uma capa capaz de lhe dar poderes sobrenaturais. Aos poucos, as quatro histórias formam um retrato sombrio da antiga residência e ajudam o inspetor a compreender o destino de seu mais recente ocupante.

Comentários: 

A Casa que Pingava Sangue é uma produção de terror em formato de antologia, característica bastante utilizada pela Amicus Productions durante as décadas de 1960 e 1970. O roteiro foi baseado em quatro histórias de Robert Bloch, conhecido principalmente por ter escrito o romance Psicose. Peter Duffell conduz o filme dividindo a narrativa em quatro episódios independentes, unidos pela mesma casa e pela investigação do inspetor Holloway. Essa estrutura permite que diferentes estilos de horror apareçam na mesma produção, passando pelo suspense psicológico, sobrenatural, vampirismo e terror ligado a objetos aparentemente comuns. O elenco reúne alguns dos maiores nomes do horror britânico do período, principalmente Christopher Lee e Peter Cushing, que aparecem em segmentos diferentes. Denholm Elliott, Jon Pertwee, Ingrid Pitt e Nyree Dawn Porter também contribuem para a variedade de personagens e situações. A fotografia de Ray Parslow e a música de Michael Dress ajudam a criar uma atmosfera sombria e tradicional, bastante característica do cinema de terror britânico daquele período. O filme foi lançado no Reino Unido em fevereiro de 1971 e possui aproximadamente 102 minutos de duração.

A produção encontrou seu principal atrativo justamente na reunião de quatro histórias diferentes dentro de uma mesma narrativa, fazendo com que o espectador nunca soubesse exatamente que tipo de ameaça surgiria no episódio seguinte. A presença de Christopher Lee e Peter Cushing também aumentou o interesse dos admiradores do cinema de horror produzido pela Hammer e pela Amicus. Embora o filme tenha recebido avaliações variadas ao longo dos anos, tornou-se uma obra bastante conhecida entre os fãs das antologias britânicas de terror. O conceito da casa amaldiçoada funciona como elemento de ligação entre os episódios e ajuda a criar uma atmosfera de mistério durante toda a história. As quatro narrativas também permitem explorar diferentes medos, desde a obsessão e a loucura até forças sobrenaturais e objetos aparentemente inofensivos. Com o passar do tempo, A Casa que Pingava Sangue ganhou status de cult e passou a ser lembrado como uma das produções mais representativas da fase clássica das antologias de terror britânicas. Sua importância está principalmente na combinação de histórias de Robert Bloch com um elenco repleto de veteranos do gênero. Para quem aprecia Christopher Lee, Peter Cushing e o horror britânico dos anos 1970, o filme continua sendo uma curiosa e atmosférica produção do período.

Erick Steve. 

A Semente do Diabo

Título no Brasil: A Semente do Diabo

Título Original: Prophecy

Ano de Lançamento: 1979

País: Estados Unidos

Estúdio: Paramount Pictures

Direção: John Frankenheimer

Roteiro: David Seltzer

Elenco: Robert Foxworth, Talia Shire, Armand Assante, Richard Dysart, Victoria Racimo e George Clutesi.

Sinopse: 

O médico Robert Verne e sua esposa Maggie viajam para uma região florestal do Maine para investigar os efeitos provocados pela atividade de uma grande empresa madeireira. O trabalho os coloca no meio de uma disputa entre a companhia e uma comunidade indígena que acusa a indústria de contaminar o ambiente. Pouco depois da chegada do casal, acontecimentos estranhos começam a ocorrer na floresta. Peixes aparecem com tamanho anormal, animais sofrem mutações e pessoas são encontradas mortas em circunstâncias misteriosas. Os moradores contam histórias sobre uma criatura conhecida como Katahdin, mas os responsáveis pela empresa afirmam que tudo não passa de uma lenda. Robert e Maggie continuam investigando e descobrem indícios de que a poluição provocada pela indústria pode estar alterando a vida animal da região. Enquanto a situação se torna cada vez mais perigosa, o casal percebe que existe uma criatura monstruosa escondida na floresta. A ameaça acaba colocando suas próprias vidas em risco e transforma a investigação ambiental em uma luta pela sobrevivência.

Comentários: 

A Semente do Diabo mistura terror, ficção científica e suspense ecológico em uma produção bastante característica do cinema americano do final dos anos 1970. John Frankenheimer, conhecido por filmes como O Segundo Rosto e Sob o Domínio do Medo, assumiu a direção e procurou combinar uma história de monstros com uma preocupação ambiental. Robert Foxworth e Talia Shire interpretam o casal central, enquanto Armand Assante vive John Hawks, um dos personagens ligados à comunidade indígena. A fotografia de Harry Stradling Jr. aproveita as paisagens de British Columbia, no Canadá, utilizadas para representar as florestas do Maine. As filmagens também passaram por locais da região de Vancouver e por cenários construídos nos estúdios da Paramount em Hollywood. A produção teve orçamento estimado em cerca de US$ 8 milhões e foi realizada em Panavision, com som Dolby Stereo. O filme chegou aos cinemas dos Estados Unidos em 15 de junho de 1979 e possui aproximadamente 102 minutos de duração.

A recepção crítica foi bastante negativa no lançamento, apesar de o filme ter conseguido um desempenho comercial significativo. O New York Times observou que a história lembrava outros filmes sobre ameaças ambientais e monstros, enquanto a Variety considerou que o argumento não apresentava muitas novidades. A própria AFI registra que as sessões iniciais provocaram reações negativas de parte do público e que vários críticos questionaram a originalidade da narrativa. Por outro lado, a produção se tornou um dos sucessos da Paramount naquele verão de 1979, alcançando quase US$ 23 milhões de bilheteria doméstica, segundo dados contemporâneos registrados pela AFI. Atualmente, Prophecy apresenta 35% de aprovação entre os críticos no Rotten Tomatoes, indicando que sua reputação crítica permanece dividida. Apesar dessas avaliações, o filme ganhou interesse entre os admiradores do terror dos anos 1970, principalmente pela criatura criada pelos efeitos especiais e pela atmosfera das florestas. Hoje, A Semente do Diabo é lembrado como uma produção peculiar que combina a tradição dos filmes de monstros com uma mensagem sobre poluição e destruição ambiental.

Erick Steve. 

Blefando a Morte

Blefando a Morte

Clássico do faroeste estrelado por Anthony Quinn, um ator que sempre foi muito querido pelo público brasileiro. Do que trata a história? Dave Robles (Anthony Quinn) chega numa cidadezinha do velho oeste para ter um acerto de contas final com um famoso pistoleiro. Ao encontrá-lo na porta de um Saloon nem pensa duas vezes e passa fogo no famoso bandoleiro. O assassinato acaba lhe trazendo bastante fama no pequeno povoado que sempre sofreu nas mãos do impiedoso bandido. Depois de uma reunião da assembleia de moradores eles decidem em conjunto oferecer o posto de xerife para Robles. De pistoleiro ele passaria a ser o homem da lei do lugar. Após pensar por alguns momentos ele finalmente decide aceitar o cargo, mesmo sabendo das dificuldades que terá ao tentar impor lei e ordem no local. Na verdade Robles não leva muito jeito para a função, uma vez que é um sujeito bastante rústico, sem estudo algum (nem sabe ler) e pouco atento aos costumes sociais do local. No fundo só aceitou a estrela de bronze para tentar conquistar o coração de Estella (Katy Jurado), a bonita assistente do médico local. Ele a conheceu quando foi se tratar dos ferimentos de seu confronto a bala com o famigerado pistoleiro e assim que a viu pela primeira vez se apaixonou perdidamente por ela.

"Blefando a Morte" tem uma das melhores interpretações da carreira de Anthony Quinn. O ator se sai maravilhosamente bem ao dar vida a um sujeito sem qualquer sofisticação que vira xerife meio que por acaso num lugar esquecido por Deus. O curioso aqui vem da complicada relação do novo xerife com a população local. As pessoas da cidade sabem que precisam dele por causa de sua habilidade com armas, mas ao mesmo tempo não o aceitam completamente por causa de sua rudeza.

Isso fica bem claro quando os moradores resolvem fazer um grande baile. Obviamente para ocasião tão festiva precisam convidar o xerife para participar, mas sua presença ali no meio da elite da comunidade acaba causando um grande mal-estar mostrando claramente que ele de fato não é aceito socialmente na cidade que jurou proteger. A cena final, com um duelo no meio da rua principal, vai mostrar para todos o verdadeiro valor do novo xerife. "Blefando a Morte" se torna assim mais um bom western dos anos 1950 que merece agora ser redescoberto. Roteiro com raro aprofundamento dos personagens para aquela época. Vale a recomendação.

Blefando a Morte (Man from Del Rio, Estados Unidos, 1956) Direção: Harry Horner / Roteiro: Richard Carr / Elenco: Anthony Quinn, Katy Jurado, Peter Whitney / Sinopse: Após matar um famoso criminoso, um simples cowboy (Quinn) acaba sendo escolhido como o novo xerife da cidade. Agora ele terá que provar seu valor para os moradores que ainda não o aceitam socialmente por causa de seus modos rudes e falta de educação adequada.

Pablo Aluísio.

Sela de Prata

Sela de Prata

Ainda garoto, Roy Blood (Giuliano Gemma) presenciou a morte de seu pai de forma covarde por um pistoleiro. Embora fosse ainda um menino não deixou barato e abriu fogo contra o assassino, tomando posse de seu cavalo e de sua sela especial, toda feita de prata. A partir desse ponto em sua vida seu destino ficou traçado. Assim ele mesmo passaria a assumir a posição do algoz de seu pai, se tornando o famoso "Sela de Prata" como passou a ser conhecido. Os anos passam e Roy acaba retornando para a pequena cidadezinha de sua infância.

As coisas pouco mudaram e o local ainda é dominado pelo clã dos Barrett que não hesitam em chantagear e ameaçar os comerciantes locais. Como seu braço armado a família conta com o famigerado facínora Garrincha (Aldo Sambrell) que através de crimes diversos como roubos e sequestros mantém a ferro e fogo sua presença na região. E por uma dessas ironias do destino o próprio "Sela de Prata" se vê de repente como guardião e protetor do pequeno Thomas Barrett, Jr (Sven Valsecchi). Logo ele que odeia a família Barrett... para complicar ainda mais as coisas bem no meio dos tiros e perseguições acaba se afeiçoando ao garotinho.

O filme "Sela de Prata" foi um dos maiores sucessos da carreira de Giuliano Gemma. No Brasil o filme foi um campeão de bilheteria mostrando toda a popularidade do ator nos anos 70 em nosso país. O Spaghetti Western já mostrava sinais de desgaste, os anos 80 estavam chegando e o gênero já não tinha mais o mesmo sabor de novidade e originalidade. Mesmo assim não há como negar que "Sela de Prata" mostra porque o estilo foi tão popular aqui e em outros países.

O roteiro é simples, de fácil entendimento, e a ação não tarda a acontecer - tiros, perseguições e violência são sempre constantes na fita. Para se ter uma ideia há também um capricho melhor na caracterização dos personagens além de certos aspectos técnicos que acabam chamando a atenção. Um deles é a trilha sonora, muito presente em todos os momentos, em todas as cenas. A música título do filme inclusive lembra uma sonoridade que fez muito sucesso nos anos 70, a do country romântico. De uma forma ou outra é impossível negar que a imagem de Giuliano Gemma levando sua sala de prata nas costas virou de fato um símbolo, um ícone de toda uma era... a era do Western Spaghetti. Quem assistiu no cinema na época certamente não esqueceu.

Sela de Prata (Sella d'argento, Itália, 1978) Direção: Lucio Fulci / Roteiro: Adriano Bolzoni / Elenco: Giuliano Gemma, Sven Valsecchi, Ettore Manni / Sinopse: Roy Blood (Giuliano Gemma), o conhecido pistoleiro "Sela de Prata", precisa se manter vivo em uma cidadezinha hostil e infestada de bandidos e facínoras no velho oeste ao mesmo tempo em que protege um garotinho daqueles que desejam matá-lo.

Pablo Aluísio.  

Águas Traiçoeiras

Título no Brasil: Águas Traiçoeiras

Título Original: Operation Pacific

Ano de Lançamento: 1951

País: Estados Unidos

Estúdio: Warner Bros

Direção: George Waggner

Roteiro: George Waggner

Elenco: John Wayne, Patricia Neal, Ward Bond, Scott Forbes, Philip Carey, Paul Picerni

Sinopse: 

Durante a Segunda Guerra Mundial, o comandante Duke Gifford serve a bordo do submarino americano Thunderfish, que atua no Pacífico contra as forças japonesas. Em uma das missões, a tripulação descobre que seus torpedos apresentam um grave problema e não explodem corretamente, colocando o submarino e seus homens em perigo. Ao retornar a Pearl Harbor, Duke reencontra Mary Stuart, sua ex-esposa, que agora trabalha como enfermeira da Marinha. Os dois ainda demonstram sentimentos um pelo outro, mas a situação é complicada pelo envolvimento de Mary com Bob Perry, irmão do comandante de Duke. Enquanto tenta resolver sua vida pessoal, Duke também precisa lidar com os problemas técnicos de seu submarino e com as responsabilidades de seu comando. Novas missões colocam o Thunderfish novamente em combate, exigindo coragem e habilidade da tripulação. Entre batalhas, resgates e operações no fundo do mar, Duke precisa conciliar seus deveres militares com o desejo de reconstruir sua vida ao lado de Mary.

Comentários: 

Águas Traiçoeiras é um drama de guerra produzido pela Warner Bros. que combina cenas de combate submarino com uma história romântica envolvendo o personagem de John Wayne. George Waggner dirigiu e escreveu o filme, que contou com o veterano diretor de fotografia Bert Glennon e trilha sonora de Max Steiner. A produção recebeu colaboração técnica da Marinha dos Estados Unidos, incluindo a participação do almirante Charles Lockwood, antigo comandante das forças submarinas americanas no Pacífico, como consultor técnico. O filme apresenta de maneira bastante destacada o cotidiano da tripulação do Thunderfish, mostrando ataques, problemas com torpedos e operações de resgate. John Wayne interpreta Duke Gifford como um oficial experiente, mas também como um homem marcado pelos problemas de seu casamento e pelas responsabilidades assumidas durante a guerra. Patricia Neal interpreta Mary Stuart, dando ao filme um segundo eixo narrativo ligado ao romance. A produção estreou nos Estados Unidos em 27 de janeiro de 1951, com fotografia original em preto e branco.

A recepção destacou principalmente as sequências de ação e as cenas ambientadas no interior do submarino, enquanto algumas avaliações consideraram a parte romântica mais melodramática. O filme também possui importância dentro da carreira de John Wayne porque mostra o ator novamente em um papel ligado à Segunda Guerra Mundial, mas afastado do tradicional universo dos westerns. Águas Traiçoeiras foi produzido em um período em que Hollywood ainda explorava com frequência histórias sobre o conflito mundial e procurava transformar experiências militares recentes em entretenimento cinematográfico. A história combina elementos de aventura, romance e drama de guerra, procurando atender tanto ao público interessado em batalhas quanto aos espectadores atraídos pelo relacionamento entre Duke e Mary. A participação de Ward Bond acrescenta outro rosto conhecido ao elenco, enquanto Philip Carey fez aqui sua primeira aparição cinematográfica. O filme recebeu posteriormente reconhecimento do Southern California Motion Picture Council, que lhe concedeu uma menção de mérito. Hoje, a produção permanece especialmente interessante para admiradores de John Wayne e para quem acompanha os filmes de guerra americanos produzidos no início da década de 1950.

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Blogs Atualizações - Edição I

Blogs Atualizações

O sistema do Blogger anda com problemas técnicos. Por essa razão as atualizações dos nossos blogs não estão aparecendo mais na barra lateral. Assim vamos colocar aqui nessa postagem todas as atualizações semanais. Segue abaixo as novidades.

Cinema Clássico: 

Kirk Douglas - Filmografia Selecionada

Êxito Fugaz

Algemas de Cristal

Para acessar CLICK AQUi

Cine Western:

Filmes de Faroeste com Alan Ladd

Filmes de Faroeste com Henry Fonda

A Mocidade de Lincoln

Ao Rufar dos Tambores

Para Acessar CLICK AQUI

Sessão de Cinema:

Filmes com Harrison Ford

Loucuras de Verão

Guerra nas Estrelas

Amor em Chamas

Para acessar CLICK AQUI!

Cine Darkness:

A nova temporada de Monstro na Netflix

O filme Lizzie

Ed Gein

A Condessa

Para acessar CLICK AQUI! 

Elvis Presley:

Na atualização semanal temos os reviews de dois singles de grande sucesso no ano de 1958. Era os últimos momentos do cantor em sua fase mais roqueira. 

Para acessar CLICK AQUI

Elvis Lado B:

Em nosso site de novidades temos a análise de dois CDs bem recentes de Elvis Presley. Estamos falando a trilha sonora de EPIC e da coleção de 5 CDs denominada Sunset Boulevard. Não deixe de conferir!

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Drama & Romance

Nesse blog seguimos com a análise dos filmes da atriz Sandra Bullock. Nessa semana mais dois filmes comentados: 28 Dias e Miss Simpatia. 

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Music!

O blog Music! encerra o mês com mais dois reviews de álbuns da cantora e compositora Norah Jones. Not Too Late e The Fall ganham textos inéditos em nosso blog dedicado ao mundo da música. Não vá deixar de ler. 

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Estamos, nesse mês, fazendo uma retrospectiva dos filmes da Marvel. Então confira toda a franquia do Capitão América e Hulk em nosso blog. 

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Nesse mês de setembro estamos dedicados a publicar textos sobre as filmografias de Robert Redford e Michael Douglas. Confira lá, inclusive com textos inéditos! 

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História & Literatura: 

Um mês inteiro dedicado aos acontecimentos históricos mais marcantes da Revolução Francesa. São 10 textos bem completos, ideais para quem está estudando para o ENEM. Não deixe de conferir

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Pablo Aluísio. 

Reinventando Elvis

Título no Brasil: Reinventando Elvis

Título Original: Reinventing Elvis: The '68 Comeback

Ano de Lançamento: 2023

País: Estados Unidos

Estúdio: Paramount Plus

Direção: John Scheinfeld

Roteiro: John Scheinfeld

Elenco: Elvis Presley, Priscilla Presley, Coronel Tom Parker, Steve Binder (em arquivos de imagens). 

Sinopse: 

Documentário que conta a história da produção do especial de televisão estrelado por Elvis Presley no canal NBC, no ano de 1968. Conhecido como "Comeback Special" esse programa foi essencial para que Elvis retomasse o rumo do sucesso e da relevância em sua carreira, naquele momento em baixa por causa do excesso de filmes ruins produzidos em série. 

Comentários:

Depois daquela cinebiografia de Elvis Presley no cinema tem surgido esses produtos derivados que se propõem a contar a história do cantor Elvis Presley. Para o público mais jovem que eventualmente tenha despertado interesse pelo artista é até algo bem interessante. Faz parte do jogo de se revitalizar esse marca que ainda vale muitos milhões de dólares no mercado. Já para os fãs das antigas, para os veteranos de cabelos brancos, não vai haver nada de muito novo ou original. São apenas as mesmas velhas histórias que se conhecem há anos de livros e materiais mais antigos. Nada de novo no front, como afirma o velho ditado. Então deixo a recomendação, mas apenas para os marinheiros de primeira viagem. Para os veteranos vai soar como embalagem nova em cima de produto velho. É natural que isso aconteça, afinal o tempo é implacável. 

Pablo Aluísio. 

Elvis Presley - Girl Happy

Música: Girl Happy

Artista: Elvis Presley

Álbum: Girl Happy

Selo: RCA Victor

Produtor: George Stoll

Músicos: Elvis Presley (vocais); Scotty Moore (guitarra); Charlie McCoy (guitarra, baixo e harmônica); Bob Moore (baixo); D. J. Fontana (bateria); Hal Blaine (bateria e percussão); Larry Muhoberac (piano); Floyd Cramer (piano); Boots Randolph (saxofone); The Jordanaires (vocais de apoio)

Data de gravação: 10 de junho de 1964

Data de Lançamento: 1º de março de 1965

Comentários:

“Girl Happy” foi gravada por Elvis Presley em 1964 para o filme homônimo produzido pela Metro-Goldwyn-Mayer, período em que a carreira do cantor estava fortemente vinculada ao cinema. A música foi composta por Bill Giant, Bernie Baum e Florence Kaye, a equipe de compositores responsável por diversas canções da fase cinematográfica de Elvis. Diferentemente de grandes clássicos do início de sua carreira, a composição foi concebida especificamente para o universo descontraído e juvenil de Girl Happy, uma comédia musical ambientada em Fort Lauderdale, na Flórida. A letra apresenta Elvis interpretando um personagem preocupado em manter o relacionamento amoroso enquanto tenta lidar com as tentações e situações típicas da narrativa do filme. Musicalmente, a faixa combina elementos do rock and roll com o pop produzido para trilhas sonoras de Hollywood, apresentando uma interpretação bastante energética e acessível. A voz de Elvis demonstra ainda grande segurança, embora a música esteja distante da intensidade artística encontrada em suas gravações mais importantes dos anos 1950. O arranjo utiliza uma instrumentação relativamente rica, com guitarra, piano, seção rítmica, saxofone e vocais de apoio, criando uma atmosfera ensolarada e divertida. A gravação também mostra como Elvis continuava sendo capaz de imprimir personalidade a materiais compostos sob encomenda para seus filmes.

Dentro da carreira de Elvis, “Girl Happy” representa claramente a fase em que o cinema ocupava uma posição central em sua produção artística. Em 1964, Elvis já havia conquistado uma posição histórica como um dos maiores nomes da música popular, mas seus lançamentos musicais começavam a ser cada vez mais determinados pelas exigências de seus filmes e trilhas sonoras. A música foi bem recebida dentro desse contexto, embora não tenha alcançado o mesmo status crítico ou cultural de seus grandes sucessos dos anos 1950 e início dos anos 1960. O álbum Girl Happy chegou ao mercado em 1965 e obteve desempenho comercial razoável, acompanhando o sucesso do filme entre o público jovem. A faixa se destaca principalmente pelo caráter alegre, pela interpretação descontraída de Elvis e pela eficiente combinação entre rock, pop e elementos de música de entretenimento. Apesar de não ser considerada uma das obras fundamentais de sua discografia, “Girl Happy” possui importância documental para compreender uma etapa específica de sua carreira. Ela representa o Elvis de Hollywood, ainda extremamente popular, mas submetido a um modelo industrial que privilegiava a quantidade de trilhas sonoras em detrimento de projetos musicais mais ambiciosos. Seu legado está justamente em preservar o retrato de uma época em que Elvis era simultaneamente astro do cinema e fenômeno musical mundial. Para os admiradores do cantor, a gravação permanece como um exemplo característico de sua produção cinematográfica dos anos 1960 e ajuda a compreender a trajetória que posteriormente levaria Elvis à renovação artística do final daquela década.

Pablo Aluísio e Erick Steve.