O Mandado

Título no Brasil: O Mandado

Título Original: The Warrant

Ano de Lançamento: 2020

País: Estados Unidos

Estúdio: INSP Films

Direção: Brent Christy

Roteiro: Shea Sizemore

Elenco: Neal McDonough, Steven R. McQueen, Casper Van Dien, Anthony Harrison, Linda Lindsey, Margaerth Tiffany

Sinopse:

Depois do fim da Guerra Civil americana dois amigos se vêem de lados opostos da lei. Um deles se torna xerife e outro o chefe de um bando de criminosos assassinos, assaltantes e bandoleiros perigosos. Agora o xerife vai ter que cumprir a ordem de prisão de seu velho amigo dos tempos de guerra. 

Comentários:

Mais um filme de streaming sem conteúdo e qualidade. Eu venho afirmando já há um bom tempo que a maioria desses filmes produzidos para encorpar a quantidade de opções em serviços de streaming são feitos de todo jeito, sem cuidado, sem capricho. A maioria é muito fraca e muito ruim. Esse aqui até teria um certo potencial por causa do enredo, da história que conta, mas a chance de desenvolver os personagens é praticamente zero! Se ao menos as cenas de ação valessem alguma coisa, mas nem isso. Então se não apresenta desenvolvimento adequado de personagens e nem dá boas cenas de ação para o espectador, para que servem esses filmes? Pelo visto só para figurar nos menus desses serviços mesmo. Uma lástima e uma enganação! 

Pablo Aluísio.

Gloriosa Vingança

Título no Brasil: Gloriosa Vingança
Título Original: Texas
Ano de Produção: 1941
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: George Marshall
Roteiro: Horace McCoy, Lewis Meltzer
Elenco: William Holden, Glenn Ford, Claire Trevor, George Bancroft, Edgar Buchanan, Don Beddoe

Sinopse:
Dois homens do leste, Dan Thomas (William Holden) e Tod Ramsey (Glenn Ford), resolvem ir até o velho oeste, no norte do Texas, para tentar a sorte. Eles querem ganhar a vida jogando cartas e ocasionalmente trabalhando como cowboys. Ao chegarem numa pequena cidade percebem que nem tudo será como eles haviam inicialmente planejado.

Comentários:
Em 1941 o diretor George Marshall, cumprindo seu contrato com a Columbia Pictures, resolveu rodar um faroeste mais diferenciado. Com toques de bom humor e contando com uma dupla que nunca havia trabalhado antes, ele conseguiu um bom resultado nesse western de contrastes chamado "Texas". A ideia do roteiro era realmente explorar o choque cultural entre dois cavaleiros que saíam do leste industrializado e desenvolvido para os rincões do solo texano, com seus cowboys durões, bons de briga e muitos tiroteios. Nesse aspecto quem funcionou melhor no filme foi o ator William Holden que era mesmo um tipo bem cosmopolita, da cidade grande. Já Glenn Ford já era muito mais associado ao gênero western, não ficando estranho com roupas de cowboy, atravessando as planícies texanos em cima de seu cavalo. No geral é um bom faroeste, valorizado não apenas pela boa direção de Marshall, um craque nesse tipo de filme, mas também pelo bom roteiro e a presença sempre marcante de Ford e Holden, dois astros populares da época.

Pablo Aluísio.

O Príncipe e o Mendigo

Título no Brasil: O Príncipe e o Mendigo

Título Original: The Prince and the Pauper

Ano de Lançamento: 1937

País: Estados Unidos

Estúdio: Warner Bros 

Direção: William Keighley

Roteiro: Norman Reilly Raine, Rowland Leigh

Elenco: Errol Flynn, Claude Rains, Billy Mauch, Bobby Mauch, Alan Hale, Barton MacLane

Sinopse:

Na Inglaterra do século XVI, o jovem príncipe Eduardo conhece Tom Canty, um garoto pobre idêntico a ele. Por curiosidade e desejo de viver outras experiências, os dois decidem trocar de lugar. Enquanto o príncipe enfrenta a dura realidade das ruas de Londres, o mendigo é lançado no rígido e perigoso mundo da corte real. A troca de identidades provoca confusões, injustiças e aventuras, culminando em uma lição sobre poder, compaixão e justiça.

Comentários:

O filme é baseado no romance clássico de Mark Twain, publicado em 1881. Errol Flynn interpretou o vilão Miles Hendon, em um de seus papéis mais lembrados fora do gênero de capa-e-espada tradicional. Os irmãos gêmeos Billy e Bobby Mauch interpretaram o príncipe e o mendigo, facilitando as cenas de troca de identidade. A produção foi um grande sucesso da Warner Bros. nos anos 1930, conhecida por seus filmes de aventura luxuosos. Claude Rains recebeu elogios por sua atuação como o cruel Duque de Norfolk. É considerada uma das melhores adaptações cinematográficas da obra de Mark Twain. Por essas e outras razões deixo a indicação mais do que preciosa desse filme clássico. É para se ter na coleção de qualquer cinéfilo que se preze!

Pablo Aluísio. 

O Papai da Noiva

Título no Brasil: O Papai da Noiva

Título Original: Father of the Bride

Ano de Lançamento: 1950

País: Estados Unidos

Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

Direção: Vincente Minnelli

Roteiro: Frances Goodrich, Albert Hackett

Elenco: Spencer Tracy, Elizabeth Taylor, Joan Bennett, Don Taylor, Billie Burke, Leo G. Carroll

Sinopse:

Stanley Banks entra em crise quando descobre que sua jovem filha está prestes a se casar. Enquanto tenta lidar com a ideia de perdê-la para outro homem, ele também precisa encarar o caos emocional e financeiro dos preparativos do casamento. A situação foge totalmente do controle em uma série de momentos cômicos, mostrando a difícil, mas amorosa, transição de um pai ao ver sua filha crescer.

Comentários: 

Foi uma das maiores bilheterias daquele ano, consagrando a sina de estrela de uma ainda bem jovem Elizabeth Taylor que inclusive está perfeita para o papel. A atriz estava com apenas 18 anos, se casando com Conrad Hilton Jr. semanas antes da estreia do filme. Curiosamente, a MGM transformou seu casamento real em um grande evento publicitário. Assim um evento de sua vida pessoal foi devidamente usado para promover o filme o que gerou um grande interesse por parte do público da época. Esse filme também gerou um dos papéis mais famosos de Spencer Tracy. Ele ficou amplamente associado ao papel do pai nervoso e amoroso, considerado um dos mais marcantes de sua carreira. O filme também foi elogiado pela crítica, sendo indicado em três categorias do Oscar. Muitos anos depois a mesma história rendeu um remake chamado "O Pai da Noiva" com Steve Martin e Diane Keaton.

Pablo Aluísio. 

A Era dos Reis de Roma

Roma Antiga: A Era dos Reis de Roma
A monarquia na Roma Antiga foi o primeiro período da história romana e teria se estendido, segundo a tradição, de 753 a.C., data da fundação de Roma, até 509 a.C., quando o regime foi substituído pela República. Esse período é marcado pela forte presença de elementos lendários, especialmente nas narrativas sobre a origem da cidade e seus primeiros governantes. A monarquia romana foi influenciada por povos vizinhos, como os latinos, os sabinos e, mais tarde, os etruscos, que contribuíram para a formação política, cultural e religiosa de Roma.

O rei (rex) era a principal autoridade do Estado romano, acumulando funções políticas, militares, judiciais e religiosas. Ele comandava o exército, presidia os tribunais, aplicava as leis e atuava como sumo sacerdote, garantindo a relação adequada entre a cidade e os deuses. Apesar de seu grande poder, o rei não governava sozinho: ele era assessorado pelo Senado, composto pelos chefes das famílias patrícias, que exercia influência significativa nas decisões mais importantes.

O Senado, durante a monarquia, tinha caráter consultivo, mas sua autoridade moral era elevada. Além de aconselhar o rei, cabia-lhe indicar um interrex nos períodos de transição entre reinados, responsável por organizar a escolha do novo monarca. O rei não herdava automaticamente o poder; sua nomeação envolvia a aprovação do Senado e a ratificação da Assembleia Curiata, formada pelos cidadãos organizados em cúrias, o que conferia certa legitimidade política ao regime.

A sociedade romana desse período era fortemente hierarquizada. No topo estavam os patrícios, descendentes das famílias fundadoras e detentores dos principais direitos políticos e religiosos. Abaixo deles encontravam-se os plebeus, que incluíam pequenos proprietários, comerciantes e artesãos, com direitos limitados. Havia ainda os clientes, ligados aos patrícios por relações de dependência e proteção, e os escravizados, que não possuíam direitos civis.

Tradicionalmente, Roma teria sido governada por sete reis, desde Rômulo, o fundador lendário da cidade, até Tarquínio, o Soberbo, último monarca. O fim da monarquia ocorreu devido ao caráter cada vez mais autoritário do poder real, especialmente sob os reis ettruscos, o que gerou descontentamento entre a aristocracia patrícia. A expulsão de Tarquínio, em 509 a.C., levou à instauração da República, um novo sistema político que buscava limitar o poder individual e ampliar a participação da elite romana no governo.

Bibliografia – Monarquia na Roma Antiga

BEARD, Mary. SPQR: uma história da Roma Antiga. São Paulo: Planeta, 2016.

CORNELL, T. J. The Beginnings of Rome: Italy and Rome from the Bronze Age to the Punic Wars (c. 1000–264 BC). Londres: Routledge, 1995.

GRIMAL, Pierre. A civilização romana. Lisboa: Edições 70, 2009.

LIVIO, Tito. História de Roma: Livros I–V. Tradução de Paulo Matos Peixoto. São Paulo: Martins Fontes, 2006.

MOMMSEN, Theodor. História de Roma. Rio de Janeiro: Contraponto, 2010.

SCULLARD, H. H. From the Gracchi to Nero: A History of Rome from 133 BC to AD 68. Londres: Routledge, 2001.

Atenas

Grécia Antiga: Atenas

Atenas foi a Cidade-Estado mais importante da Grécia Antiga. Para muitos estudiosos e historiadores foi essa comunidade o berço definitivo do mundo ocidental. E uma das razões para essa afirmação se baseia na Democracia, um sistema político baseado na opinião da maioria da população. Obviamente a Democracia de Atenas em nada se parecia com a Democracia das grandes Repúblicas ocidentais atuais, mas o conceito básico se manteve através dos séculos. 

Na antiguidade a população de Atenas era bem menor do que qualquer outra cidade do mundo moderno, assim uma Democracia onde todos os cidadãos se reuniam numa praça para discutir os rumos políticos daquela comunidade era algo bem natural de acontecer e possível de se realizar. A Democracia em Atenas era um sistema político direto, sem representantes. Os próprios cidadãos escolhiam os rumos que a cidade iria tomar. 

E nesse conceito de cidadão não entrava grande parte da população que vivia em Atenas. Cidadão era apenas o homem ateniense livre, branco, maior de idade que havia nascido de pai e mãe ateniense. Era o patriarca, dono dos meios de produção, das fazendas, etc. Ficava de fora da categoria de cidadão as mulheres, os estrangeiros e os escravos. Assim a verdadeira Democracia em Atenas era para poucos escolhidos. 

A sociedade em Atenas era bem estratificada, com pouca oportunidade de escalada social. Geralmente a pessoa que nascia dentro de uma classe social morria nela, sem chance de subir na vida. No topo dessa escala social estava o Cidadão ateniense, dono de todos os direitos e meios de produção. Podia votar e ser votado e era ouvido nas tomadas de decisões políticas da cidade. Abaixo estava as mulheres atenienses, que não possuíam direitos políticos, mas eram as matriarcas das famílias tradicionais de Atenas. 

Abaixo das mulheres de Atenas vinha os Metecos, estrangeiros residentes em Atenas. Geralmente eram comerciantes e artesões. Por fim, na base da pirâmide social vinha os Escravos, que representava a mão de obra que realmente trabalhava em Atenas. Trabalhavam nas grandes obras da cidade, na Agricultura e nos serviços domésticos. Para o cidadão de Atenas o trabalho era visto como coisa de escravo. Era uma desonra trabalhar. 

Pablo Aluísio. 

Amy Winehouse - Back to Black

Amy Winehouse - Back to Black

Eu sempre amei a musicalidade dos anos 50 e 60. Certo dia, ouvindo rádio, começou a tocar a nova música da Amy Winehouse! Fiquei completamente surpreso, pensando estar ouvindo uma música antiga, de uma cantora que não conhecia. Claro, estava errado. Amy Winehouse era uma artista moderna, mas que havia se inspirado não apenas na musicalidade das girl groups da Motown (The Ronettes, The Supremes, etc), mas também em seu visual. Não havia nada parecido com ela naquela época, era uma cantora com vocal e estilo completamente singulares! E vocês podem imaginar minha cara quando a vi pela primeira vez no palco, com aquele cabelo dos anos 60, estilo bolo de noiva! Era algo surreal demais para ser verdade. 

E pelo visto não foi apenas esse que escreve essas linhas que ficou chocado e admirado com seu talento. Com esse mesmo álbum ela faria história no Grammy, vencendo cinco prêmios em uma só noite - inclusive o de melhor disco do ano! Tudo merecido! Esse álbum é mesmo um primor, um disco que era um espelho e um reflexo da própria cantora. As letras, muito autorais, mostrava a história de uma personagem (ela mesma, se pensarmos bem) lutando e perdendo a batalha para seus vícios e amores tóxicos. Ela assim voltava, digamos, para o lado negro da vida. Uma pena que tudo era tão real que acabaria mesmo em tragédia. Amy Winehouse se auto destruiu em pouco tempo. Lamento que ela tenha levado essa sua personagem tão a sério! 

Amy Winehouse - Back to Black (2006)

Rehab

You Know I'm No Good 

Me & Mr Jones 

Just Friends 

Back to Black

Love Is a Losing Game

Tears Dry on Their Own

Wake Up Alone

Some Unholy War

He Can Only Hold Her 

Addicted

Pablo Aluísio. 

Amy Winehouse – Back to Black (2006)

Lançado em 27 de outubro de 2006 no Reino Unido, Back to Black é o segundo álbum de estúdio da cantora e compositora britânica Amy Winehouse e a obra que a transformou em uma estrela internacional. Depois de estrear em 2003 com Frank, disco marcado por influências de jazz, blues e soul, Amy decidiu seguir uma direção musical diferente, aproximando-se da sonoridade das grandes cantoras e grupos femininos dos anos 1950 e 1960. Produzido por Mark Ronson e Salaam Remi, o álbum combina soul clássico, rhythm and blues, doo-wop e elementos contemporâneos, criando uma sonoridade retrô sem perder a personalidade moderna da artista. As gravações aconteceram entre 2005 e 2006, com sessões em Nova York, Miami e Londres, contando com a participação dos Dap-Kings, banda conhecida por acompanhar a cantora Sharon Jones. As letras são profundamente pessoais e abordam relacionamentos frustrados, ciúme, dependência emocional, solidão e sofrimento. A experiência de Amy com o relacionamento turbulento com Blake Fielder-Civil tornou-se uma das principais fontes de inspiração para o repertório. O título, Back to Black, representa esse retorno a um estado de tristeza e vazio depois de uma desilusão amorosa. 

O álbum apresenta uma sequência de canções que rapidamente se tornaram clássicos da música popular dos anos 2000. “Rehab”, seu maior sucesso internacional, utiliza uma abordagem musical alegre e contagiante para tratar de um assunto bastante sério: a resistência da cantora em aceitar tratamento para seus problemas com álcool. “You Know I'm No Good” apresenta uma narrativa de infidelidade e culpa, enquanto “Me & Mr Jones” mistura ironia, ressentimento e referências à cultura musical que Amy admirava. A faixa-título é uma das interpretações mais emocionantes do disco, com arranjos de cordas, metais e uma atmosfera inspirada no soul dos anos 1960. “Love Is a Losing Game” revela o lado mais delicado da cantora, com uma melodia melancólica e uma interpretação vocal contida. “Tears Dry on Their Own”, construída sobre uma referência musical a “Ain't No Mountain High Enough”, de Marvin Gaye e Tammi Terrell, transforma a dor de uma separação em uma canção de independência. A recepção crítica foi amplamente favorável. O AllMusic, em avaliação de John Bush, destacou que a mudança em direção ao R&B contemporâneo não eliminou as qualidades que haviam marcado a estreia de Amy, mas permitiu que ela se apresentasse como uma grande intérprete de soul. O Metacritic reuniu uma média de 81 pontos em 100, baseada em 26 avaliações, confirmando o reconhecimento da imprensa especializada. 

O sucesso comercial foi tão expressivo quanto a repercussão artística. Back to Black alcançou o primeiro lugar das paradas britânicas e chegou ao segundo lugar da Billboard 200, nos Estados Unidos, tornando-se um fenômeno internacional. O álbum vendeu milhões de cópias em todo o mundo e recebeu cinco prêmios Grammy na cerimônia de 2008, incluindo Melhor Álbum Vocal de Pop, enquanto “Rehab” venceu as categorias Gravação do Ano, Canção do Ano e Melhor Performance Vocal Pop Feminina. Amy também recebeu o prêmio de Artista Revelação. O trabalho ajudou a recolocar o soul e o rhythm and blues de inspiração clássica no centro da música pop, abrindo espaço para uma nova geração de intérpretes britânicas, entre elas Adele e Duffy. Entretanto, o reconhecimento artístico acabou acompanhado por uma exposição pública intensa, marcada pelos problemas pessoais e de saúde da cantora. Sua morte, em julho de 2011, aos 27 anos, interrompeu uma carreira que ainda tinha muito a oferecer. Com o passar do tempo, Back to Black consolidou-se como um dos álbuns mais importantes do século XXI, frequentemente lembrado pela combinação de composição autobiográfica, produção sofisticada e uma interpretação vocal extraordinária. Mais do que um disco de sucessos, é um retrato musical de uma artista singular, que transformou experiências dolorosas em canções capazes de emocionar diferentes gerações

Erick Steve. 

Rolling Stones - The Rolling Stones No. 2

The Rolling Stones No. 2

O segundo álbum dos Rolling Stones no Reino Unido, intitulado The Rolling Stones No. 2, foi lançado em janeiro de 1965 e representa um passo decisivo na consolidação da identidade musical da banda. Ainda profundamente enraizado no rhythm and blues norte-americano, o disco mostra o grupo mais seguro de sua sonoridade crua, agressiva e urbana, em contraste direto com a imagem mais comportada de outros conjuntos britânicos da época. Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman e Charlie Watts ampliam aqui o repertório de influências, revisitando clássicos do soul, do blues elétrico de Chicago e do rock and roll, sempre com uma abordagem áspera e intensa. A produção privilegia a energia das gravações quase ao vivo, reforçando a reputação dos Stones como uma banda que soava mais perigosa e visceral do que muitos de seus contemporâneos.

Embora ainda dependa majoritariamente de composições de artistas como Solomon Burke, Marvin Gaye, Willie Dixon e Chuck Berry, The Rolling Stones No. 2 já aponta para a transição criativa que culminaria na afirmação da dupla Jagger/Richards como compositores. Faixas como “Grown Up Wrong” e “Off the Hook” indicam esse amadurecimento autoral inicial, mesmo que o foco principal continue sendo a releitura apaixonada de standards do R&B. O álbum foi bem recebido pelo público britânico e alcançou o topo das paradas, reforçando o status do grupo como uma das principais forças do rock no Reino Unido em meados dos anos 1960. Mais do que um simples segundo disco, ele ajudou a definir o DNA dos Rolling Stones: blues pesado, atitude rebelde e uma conexão direta com as raízes mais negras da música americana.

The Rolling Stones No. 2 (1965)

Everybody Needs Somebody to Love

Down Home Girl

You Can’t Catch Me

Time Is on My Side

What a Shame

Grown Up Wrong

Down the Road Apiece

Under the Boardwalk

I Can’t Be Satisfied

Pain in My Heart

Off the Hook

Susie Q (Part I)

Erick Steve. 

The Rolling Stones – The Rolling Stones No. 2 (1965)

Lançado em 15 de janeiro de 1965 pela gravadora Decca, The Rolling Stones No. 2 é o segundo álbum britânico de estúdio dos The Rolling Stones e representa a continuidade da identidade musical apresentada no disco de estreia, publicado em abril de 1964. Naquele momento, o grupo já havia conquistado grande popularidade no Reino Unido, apresentando uma sonoridade baseada no blues, no rhythm and blues e no rock and roll norte-americano. Produzido por Andrew Loog Oldham, o álbum foi gravado em diferentes sessões entre junho e novembro de 1964, passando pelos estúdios Chess, em Chicago, Regent Sound, em Londres, e RCA, em Hollywood. A escolha de Chicago tinha um significado especial, pois a cidade era um dos principais centros do blues elétrico que tanto influenciava os integrantes da banda. O repertório reúne doze faixas, sendo a maioria versões de compositores e intérpretes norte-americanos, mas também apresenta três composições de Mick Jagger e Keith Richards: “What a Shame”, “Grown Up Wrong” e “Off the Hook”. O disco conserva a energia crua dos primeiros Rolling Stones, com guitarras marcantes, gaita, piano e a voz de Jagger conduzindo interpretações cheias de personalidade. 

Entre os grandes momentos do álbum está “Everybody Needs Somebody to Love”, composição associada a Solomon Burke, apresentada aqui em uma versão extensa, de forte influência soul e gospel. “Down Home Girl” traz um balanço descontraído, enquanto “You Can't Catch Me”, de Chuck Berry, evidencia a admiração dos Stones pelo pioneiro do rock and roll. “Time Is on My Side”, composição de Norman Meade, ganhou uma interpretação que se tornaria uma das gravações mais conhecidas da primeira fase do grupo. O repertório também inclui “Down the Road Apiece”, “Under the Boardwalk”, “I Can't Be Satisfied”, de Muddy Waters, e “Pain in My Heart”, de Allen Toussaint, demonstrando a variedade de referências que alimentavam o som da banda. A recepção comercial foi extraordinária no Reino Unido: o álbum alcançou o primeiro lugar das paradas britânicas e permaneceu nessa posição por dez semanas, consolidando a popularidade dos Rolling Stones. A crítica retrospectiva costuma destacar a força das interpretações e a autenticidade do repertório, embora reconheça que o grupo ainda estava desenvolvendo sua identidade como compositor. O AllMusic atribui ao disco uma avaliação bastante positiva, ressaltando a qualidade de sua seleção de rhythm and blues e rock. 

A importância de The Rolling Stones No. 2 está em registrar uma banda ainda profundamente ligada às suas raízes musicais, mas que começava a encontrar uma voz própria. Mick Jagger e Keith Richards ainda não haviam desenvolvido plenamente a parceria de composição que dominaria os trabalhos seguintes, mas as três músicas originais presentes no álbum já indicavam esse caminho. Brian Jones também desempenhava papel fundamental na construção dos arranjos, contribuindo com guitarras, instrumentos de percussão e diferentes elementos que enriqueciam a sonoridade do grupo. O disco foi lançado nos Estados Unidos com outro título e repertório: The Rolling Stones, Now!, publicado em fevereiro de 1965, uma prática comum naquela fase, quando os mercados britânico e norte-americano recebiam versões diferentes dos álbuns. Com o passar dos anos, No. 2 passou a ser reconhecido como um dos registros mais representativos do primeiro período dos Stones, especialmente por sua ligação direta com o blues de Chicago e com os artistas negros norte-americanos que influenciaram o rock britânico. Embora posteriormente a banda alcançasse uma produção mais autoral e experimental, com trabalhos como Aftermath e Between the Buttons, este segundo álbum permanece como um retrato vigoroso de sua formação musical. É um disco essencial para compreender como os Rolling Stones transformaram suas influências em uma linguagem própria e se prepararam para se tornar uma das maiores bandas da história do rock

Erick Steve. 

A Vida Secreta de Marilyn Monroe - Parte 1

A Vida Secreta de Marilyn Monroe - Parte 1 

Não é uma minissérie como muita gente pensa, mas sim dois telefilmes que contam a vida de Marilyn Monroe. A confusão talvez se deva ao fato de que em alguns países esses dois filmes foram editados, exibidos em episódios de mais ou menos 40 minutos. Mas vamos lá. Esse primeiro filme mostra os primeiros momentos da vida da atriz, sua conturbada vida pessoal, marcada por uma mãe problemática que tinha sérios problemas mentais, o casamento precoce com um marinheiro que ela não amava e as primeiras tentativas de se tornar uma atriz em Hollywood. 

Eu amo Marilyn Monroe e sua história. Ela foi mesmo o maior símbolo sexual que a indústria cinematográfica conseguiu produzir e por isso merecia um filme melhor. Não que a produção seja péssima, nada disso, até tem seu charme, mas o mito Marilyn exige muito mais, exige algo grandioso! Esses filmes, fraquinhos como são, não chegam nem perto da grandeza da estrela que ela foi na história do cinema. Então é isso. Esse primeiro filme é fraco mesmo. Vou assistir ao segundo, mas já sabendo de antemão que ele não será muito melhor do que esse. Afinal tudo foi produzido junto. Os defeitos e qualidades do primeiro filme certamente estarão presentes no segundo. Vale a recomendação para quem é fã de Marilyn, mas com ressalvas, não vá esperando algo que esteja à altura do mito Monroe.  

A Vida Secreta de Marilyn Monroe - Parte 1 (The Secret Life of Marilyn Monroe, Part 1, Estados Unidos, ) Direção: Laurie Collyer / Roteiro: J. Randy Taraborrelli, Stephen Kronish / Elenco: Susan Sarandon, Kelli Garner, Embeth Davidtz / Sinopse: Norma Jean é a jovem operária de uma fábrica de aviões na Califórnia que sonha um dia se tornar atriz de cinema. Ela começa uma carreira de modelo e isso acaba abrindo as portas para as primeiras aparições em filmes de Hollywood. 

Pablo Aluísio.

O Solitário Jim

Título no Brasil: O Solitário Jim

Título Original: Lonesome Jim

Ano de Lançamento: 2005

País: Estados Unidos

Estúdio: InDigEnt / Plum Pictures

Direção: Steve Buscemi

Roteiro: James C. Strouse

Elenco: Casey Affleck, Liv Tyler, Mary Kay Place, Seymour Cassel, Kevin Corrigan, Mark Boone Junior

Sinopse: 

Depois de fracassar em sua tentativa de construir uma carreira como escritor em Nova York, Jim retorna para sua pequena cidade natal em Indiana e volta a morar com seus pais. Desmotivado e sem perspectivas, ele precisa enfrentar novamente a família e as lembranças de uma vida da qual tentou escapar. Seu irmão Tim também atravessa uma fase complicada, enquanto os pais de Jim tentam manter a família unida. Jim acaba trabalhando na fábrica de doces da família e se envolve novamente com os problemas de seus parentes. Sua vida começa a mudar quando conhece Anika, uma enfermeira que cria sozinha seu filho. A convivência com os dois faz com que Jim comece lentamente a enxergar possibilidades diferentes para sua própria vida. Entre momentos de humor, tristeza e situações familiares desconfortáveis, ele precisa aprender a lidar com seus fracassos e descobrir uma nova maneira de seguir em frente.

Comentários: 

O Solitário Jim é uma produção independente de Steve Buscemi que apresenta uma história simples sobre fracasso, solidão, família e a dificuldade de recomeçar. O filme utiliza um humor discreto e melancólico para acompanhar um personagem que está praticamente sem perspectivas depois de não conseguir realizar seus sonhos em Nova York. Casey Affleck interpreta Jim de maneira bastante contida, transmitindo a apatia e a insegurança do personagem principalmente através de expressões e pequenos gestos. Liv Tyler também se destaca como Anika, trazendo uma presença mais positiva para uma história dominada pela melancolia. Mary Kay Place e Seymour Cassel completam muito bem a família, enquanto Kevin Corrigan interpreta o problemático irmão de Jim. A direção de Buscemi evita transformar a história em um drama exagerado e prefere observar seus personagens em situações cotidianas. A recepção crítica foi dividida: o filme recebeu 61% de aprovação no Rotten Tomatoes, enquanto alguns críticos elogiaram as atuações e o humor discreto e outros consideraram o ritmo lento e o protagonista pouco envolvente.

O filme também chamou atenção por sua atmosfera de produção independente e por apresentar personagens imperfeitos, que parecem presos às próprias limitações. Peter Travers, da Rolling Stone, avaliou a obra positivamente e destacou seu humor melancólico, enquanto Roger Ebert deu três estrelas de quatro. Por outro lado, Stephen Holden, do The New York Times, foi bem menos entusiasmado e considerou que o humor e o desenvolvimento do personagem principal não funcionavam plenamente. Comercialmente, a produção teve uma trajetória bastante discreta e não conseguiu recuperar seu orçamento de aproximadamente US$ 500 mil, arrecadando menos de US$ 155 mil nos Estados Unidos e menos de US$ 175 mil mundialmente. Apesar disso, O Solitário Jim encontrou reconhecimento entre admiradores do cinema independente e se tornou um interessante registro da primeira fase de Steve Buscemi como diretor. O filme também é lembrado pela atuação de Casey Affleck, que posteriormente construiria uma carreira de maior destaque. No conjunto, é uma obra pequena, intimista e agridoce, mais interessada nas dificuldades emocionais de seus personagens do que em grandes acontecimentos.

Erick Steve.