Elvis Presley - Elvis Presley (1956)

Elvis Presley - Elvis Presley (1956)

Lançado em 23 de março de 1956, Elvis Presley foi o álbum de estreia de Elvis Presley pela RCA Victor e um dos discos que definiram o nascimento do rock como fenômeno de massa. Elvis havia acabado de ser contratado pela RCA, depois de construir uma reputação explosiva na Sun Records, e o álbum reuniu gravações realizadas em janeiro e fevereiro de 1956, complementadas por algumas faixas anteriormente registradas. O repertório apresentava uma mistura revolucionária de rockabilly, rhythm and blues, country e pop, revelando a capacidade do cantor de absorver diferentes tradições musicais e transformá-las em algo novo. "Blue Suede Shoes", "Tutti Frutti", "Money Honey" e "I Got a Woman" mostravam o lado mais agressivo do novo rock and roll, enquanto "I Love You Because" e "Blue Moon" revelavam uma faceta mais sentimental. O trabalho também contou com a participação fundamental de Scotty Moore, Bill Black e D.J. Fontana, além de músicos de estúdio como Chet Atkins. A importância histórica do disco é enorme: ele foi o primeiro álbum de rock and roll a chegar ao número 1 da parada de álbuns da Billboard, ajudando a transformar Elvis em um fenômeno nacional.

A recepção crítica deve ser entendida dentro do choque cultural provocado por Elvis em 1956. A imprensa especializada reconhecia que havia algo completamente diferente naquele cantor de Memphis, cuja voz e maneira de interpretar rompiam com os padrões tradicionais da música popular americana. A Billboard acompanhou de perto a ascensão do disco e seu extraordinário desempenho comercial, enquanto publicações da indústria musical percebiam que Presley estava levando o rock and roll para um público muito maior. O repertório também recebeu atenção pela mistura de estilos: Elvis podia cantar material originalmente associado a artistas negros, como "I Got a Woman" e "Money Honey", e ao mesmo tempo interpretar country e baladas. A importância do álbum tornou-se ainda mais clara com o passar dos anos, quando críticos passaram a reconhecer que ele não era simplesmente um disco de sucesso juvenil, mas um documento fundamental da transformação da música popular americana. A própria história das paradas confirma sua dimensão pioneira: o álbum permaneceu dez semanas em primeiro lugar na Billboard. Embora as grandes revistas de rock posteriores, como a Rolling Stone, ainda não existissem quando o disco foi lançado, sua avaliação retrospectiva foi extraordinariamente favorável, colocando o álbum entre os trabalhos fundamentais da história do rock.

A importância crítica de Elvis Presley também está na maneira como o cantor redefiniu o papel do intérprete dentro da música popular. Elvis não era apenas um vocalista reproduzindo canções: sua maneira de cantar, sua pronúncia, seus improvisos e sua relação física com o ritmo modificavam completamente o material que recebia. A interpretação de "Blue Suede Shoes", originalmente gravada por Carl Perkins, é um excelente exemplo dessa capacidade de apropriação e transformação. "Tutti Frutti", por sua vez, mostra Elvis absorvendo diretamente o rhythm and blues e apresentando-o a um público branco muito mais amplo. A imprensa e os comentaristas culturais da época também não podiam ignorar a controvérsia provocada por sua imagem e por suas apresentações televisivas. Em janeiro de 1956, Elvis havia começado suas aparições no programa Stage Show, e em poucos meses sua presença na televisão já havia provocado debates sobre comportamento juvenil e moralidade. O álbum, portanto, não pode ser separado daquele momento de transformação cultural: ouvir Elvis Presley em 1956 significava entrar em contato com uma linguagem musical que estava ajudando a romper as fronteiras entre country, blues, gospel e música pop.

Comercialmente, o álbum foi um fenômeno extraordinário. Elvis Presley alcançou o primeiro lugar da Billboard Best Selling Popular Albums, permanecendo no topo por dez semanas, e tornou-se o primeiro álbum de Elvis a ultrapassar a marca de US$ 1 milhão em vendas, recebendo seu primeiro disco de ouro. O álbum também chegou ao primeiro lugar em outras pesquisas da época e demonstrou que o rock and roll poderia sustentar não apenas singles de enorme sucesso, mas também um LP completo. O impacto foi ainda maior porque Elvis estava simultaneamente dominando o mercado de singles: "Heartbreak Hotel", lançado em janeiro de 1956, chegou ao primeiro lugar da Billboard e tornou-se seu primeiro single a vender mais de um milhão de cópias. A combinação do sucesso do álbum, dos singles, da televisão e das apresentações ao vivo transformou Elvis em uma das maiores celebridades americanas em questão de meses. A RIAA posteriormente certificou o álbum como platina, confirmando sua importância comercial duradoura.

O legado de Elvis Presley é praticamente impossível de separar da própria história do rock and roll. O álbum registrou Elvis no momento exato em que ele deixou de ser uma promessa regional para se transformar em uma estrela nacional e, pouco depois, internacional. Décadas mais tarde, a Rolling Stone colocou o disco na sua lista dos 500 maiores álbuns de todos os tempos, onde chegou à posição 56 nas versões de 2003 e 2012. O álbum também foi incluído no livro 1001 Albums You Must Hear Before You Die, reforçando seu reconhecimento como obra fundamental da música popular. Para os fãs, o disco representa talvez o retrato mais puro do jovem Elvis: espontâneo, provocador, enérgico e ainda profundamente ligado às tradições musicais do Sul dos Estados Unidos. Para os historiadores, ele documenta uma revolução cultural que ajudou a estabelecer o rock como a linguagem dominante da juventude. Mais de sete décadas depois, Elvis Presley continua sendo considerado um dos grandes álbuns de estreia da história da música e uma obra indispensável para compreender como o rock and roll conquistou o mundo.

Elvis Presley - Elvis Presley (1956)

Blue Suede Shoes

I'm Counting on You

I Got a Woman

One-Sided Love Affair

I Love You Because

Just Because

Tutti Frutti

Trying to Get to You

I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)

I'll Never Let You Go (Little Darlin')

Blue Moon

Money Honey

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

The Beatles - And I Love Her

The Beatles - And I Love Her

Música: And I Love Her

Artista: The Beatles

Álbum: A Hard Day's Night

Selo: Parlophone (Reino Unido); Capitol Records (Estados Unidos)

Produtor: George Martin

Músicos: Paul McCartney (vocais, baixo); John Lennon (violão acústico de 6 cordas); George Harrison (violão acústico de 6 cordas e guitarra); Ringo Starr (congas, bateria e bongô); George Martin (clavicórdio)

Data de gravação: 25 e 26 de fevereiro, 1º e 3 de março de 1964

Data de Lançamento: 10 de julho de 1964, Reino Unido

Comentários:

“And I Love Her” foi composta principalmente por Paul McCartney, com colaboração de John Lennon, durante um dos períodos de maior criatividade dos Beatles. A canção nasceu enquanto o grupo trabalhava no repertório de A Hard Day's Night, álbum que também funcionaria como trilha sonora do primeiro filme dos Beatles. McCartney concebeu a maior parte da melodia e da letra, inspirando-se em seu relacionamento com Jane Asher, sua namorada naquele período. A composição representa uma mudança significativa em relação ao rock mais enérgico associado aos primeiros anos do grupo, apresentando uma atmosfera íntima, delicada e romântica. Sua estrutura relativamente simples é valorizada por uma melodia extremamente elegante, pela economia instrumental e pela interpretação vocal de McCartney. John Lennon participou do processo de composição, embora a contribuição exata de cada um tenha sido posteriormente objeto de diferentes avaliações dos próprios integrantes. George Harrison teve papel particularmente importante na definição da identidade musical da gravação, utilizando o violão acústico e posteriormente introduzindo a famosa guitarra espanhola na versão final. A harmonia, baseada em mudanças de acordes sutis, cria uma sensação de ternura e estabilidade que combina perfeitamente com a declaração amorosa da letra. A música também demonstra como McCartney começava a ampliar consideravelmente seu vocabulário como compositor, afastando-se das estruturas mais convencionais do rock'n'roll.

A gravação ocorreu nos estúdios da EMI, em Abbey Road, durante as sessões de A Hard Day's Night, e os Beatles dedicaram várias sessões à construção de sua sonoridade definitiva. A faixa passou por diferentes versões antes de chegar ao arranjo conhecido pelo público, demonstrando a crescente importância que o grupo e George Martin davam aos detalhes de estúdio. A instrumentação acústica, o baixo discreto, a percussão de Ringo Starr e, sobretudo, a participação de George Harrison produziram uma das gravações mais sofisticadas dos Beatles naquele momento. O pequeno trecho instrumental que encerra a música, conhecido como uma espécie de passagem de guitarra espanhola, tornou-se uma de suas marcas registradas. “And I Love Her” foi muito bem recebida e rapidamente passou a ser considerada uma das grandes baladas do período inicial dos Beatles. Com o passar das décadas, sua reputação cresceu ainda mais, sendo frequentemente lembrada como uma das primeiras demonstrações inequívocas do talento de McCartney para escrever canções de amor de grande refinamento. Sua influência pode ser percebida em inúmeras baladas posteriores do rock e da música pop, especialmente na maneira de combinar simplicidade, intimidade e sofisticação harmônica. O legado da canção está também no fato de ela revelar uma transformação fundamental dos Beatles: a banda que havia conquistado o mundo com energia e irreverência começava a demonstrar que também poderia produzir música profundamente contemplativa e emocional. “And I Love Her” permanece, assim, como uma das primeiras grandes evidências da extraordinária evolução artística que caracterizaria os Beatles nos anos seguintes.

Pablo Aluísio. 

Amadeus

Título no Brasil: Amadeus

Título Original: Amadeus

Ano de Lançamento: 1984

País: Estados Unidos

Direção: Miloš Forman

Roteiro: Peter Shaffer, baseado em sua peça teatral de 1979

Elenco: F. Murray Abraham, Tom Hulce, Elizabeth Berridge, Simon Callow, Roy Dotrice, Christine Ebersole, Jeffrey Jones e Charles Kay.

Duração: 160 minutos na versão original; 180 minutos na versão Director's Cut.

Gênero: Drama biográfico, histórico e musical.

Sinopse:

Amadeus apresenta uma versão dramatizada da relação entre dois dos mais importantes compositores do século XVIII: Wolfgang Amadeus Mozart e Antonio Salieri. A história é narrada pelo próprio Salieri, já idoso e internado em uma instituição, onde recorda os acontecimentos que marcaram sua vida e sua relação com Mozart na corte do imperador José II, em Viena. Salieri é um compositor respeitado, profundamente religioso e convencido de que recebeu de Deus um talento extraordinário para a música. Sua admiração pelo talento de Mozart, entretanto, transforma-se progressivamente em inveja e ressentimento quando percebe que o jovem compositor possui um gênio musical que considera divino. Tom Hulce interpreta Mozart como um artista brilhante, irreverente, infantil e provocador, enquanto F. Murray Abraham constrói Salieri como um homem simultaneamente fascinado e destruído pela genialidade do rival. A convivência dos dois é marcada por conflitos profissionais, intrigas na corte e pelo crescente desespero de Salieri diante daquilo que considera uma injustiça divina. A narrativa culmina na composição do Réquiem, quando Salieri passa a acreditar que pode utilizar a morte de Mozart para transformar sua própria existência em uma espécie de vingança contra Deus. Embora inspirado em personagens históricos reais, o filme assume deliberadamente a liberdade dramática da peça de Peter Shaffer, não pretendendo apresentar uma biografia documental de Mozart.

Comentários:

Quando Amadeus chegou aos cinemas americanos em setembro de 1984, rapidamente se transformou em um dos filmes mais celebrados daquele ano. A crítica americana ficou particularmente impressionada com a combinação entre o espetáculo visual de Miloš Forman, a qualidade do roteiro de Peter Shaffer e as interpretações de F. Murray Abraham e Tom Hulce. O Los Angeles Times destacou a produção entre os principais acontecimentos cinematográficos da temporada e posteriormente registrou que o filme havia conquistado oito Oscars, incluindo Melhor Filme, Direção e Ator para Abraham. O The New York Times também recebeu a produção de maneira extremamente favorável, valorizando a capacidade de Shaffer e Forman de transformar uma peça essencialmente teatral em um espetáculo cinematográfico amplo, sem perder a intensidade psicológica do conflito entre os dois compositores. A revista Variety destacou a riqueza da reconstrução histórica e a maneira como Forman utiliza a música não apenas como trilha sonora, mas como elemento fundamental da narrativa. A interpretação de F. Murray Abraham foi especialmente celebrada: Salieri poderia facilmente ser apresentado apenas como o vilão invejoso da história, mas Abraham constrói um personagem muito mais complexo, atormentado pela própria mediocridade diante de um gênio que parece ter recebido de Deus um dom que ele desejava desesperadamente. Tom Hulce, por outro lado, interpreta Mozart de maneira deliberadamente pouco convencional, combinando genialidade musical com comportamento infantil, arrogância, sensualidade e humor. A imprensa americana também chamou atenção para o fato de que o filme não exige que o espectador seja especialista em música clássica: o conflito humano entre Salieri e Mozart funciona mesmo para quem desconhece a obra dos dois compositores.

A dimensão visual e musical de Amadeus foi igualmente fundamental para sua consagração. Filmado principalmente em Praga, utilizando edifícios históricos e interiores que preservavam a aparência da Viena do século XVIII, o filme criou uma reconstrução de época extraordinariamente detalhada. A fotografia, os figurinos, a direção de arte e a maquiagem foram posteriormente recompensados pela Academia. No Golden Globe, Amadeus venceu quatro prêmios importantes: Melhor Filme Dramático, Melhor Diretor para Forman, Melhor Ator para F. Murray Abraham e Melhor Roteiro para Peter Shaffer. No Oscar de 1985, a produção recebeu 11 indicações e venceu oito, incluindo Melhor Filme, Diretor, Ator, Roteiro Adaptado, Direção de Arte, Figurino, Maquiagem e Som. Comercialmente, também foi um sucesso considerável: realizado com orçamento estimado em US$ 18 milhões, arrecadou aproximadamente US$ 52 milhões em sua distribuição original, além de receitas posteriores de relançamentos. Sua maior contribuição, porém, foi cultural. Peter Shaffer e Forman transformaram uma disputa histórica pouco documentada em uma poderosa reflexão sobre gênio, inveja, fé, mediocridade e a relação entre talento e reconhecimento. É importante ressaltar que o Salieri de Amadeus é uma criação dramática: não existem evidências históricas de que tenha conspirado para assassinar Mozart ou provocado deliberadamente sua morte. O próprio filme funciona melhor quando entendido como uma "fantasia" inspirada em personagens históricos, e não como biografia rigorosa. Mais de quatro décadas depois, Amadeus permanece como um dos grandes filmes sobre música já produzidos e como uma das obras mais importantes da carreira de Miloš Forman. A combinação entre a atuação extraordinária de F. Murray Abraham, a interpretação de Tom Hulce, a direção de Forman e a música de Mozart transformou a produção em um clássico absoluto do cinema americano dos anos 1980.

Pablo Aluísio. 

Minha Amada Imortal

Título no Brasil: Minha Amada Imortal

Título Original: Immortal Beloved

Ano de Lançamento: 1994

País: Estados Unidos / Reino Unido

Direção: Bernard Rose

Roteiro: Bernard Rose

Elenco: Gary Oldman, Jeroen Krabbé, Isabella Rossellini, Johanna Ter Steege, Marco Hofschneider e Valeria Golino.

Sinopse:

Minha Amada Imortal começa logo após a morte de Ludwig van Beethoven, em 1827. Entre seus pertences é encontrada uma carta endereçada a uma misteriosa mulher identificada apenas como sua "Amada Imortal". Beethoven havia escrito que ela era a pessoa a quem pertencia seu coração, mas jamais revelou claramente sua identidade. Anton Schindler, interpretado por Jeroen Krabbé, decide descobrir quem era aquela mulher e começa uma investigação que o leva a diferentes momentos da vida do compositor. A narrativa apresenta Beethoven, interpretado por Gary Oldman, como um homem genial, apaixonado e extremamente difícil, marcado por crises de temperamento, isolamento e pelo avanço de sua surdez. Durante a investigação, Schindler encontra três mulheres importantes na vida do compositor: Giulietta Guicciardi, interpretada por Valeria Golino; Josephine Brunsvik, interpretada por Isabella Rossellini; e Anna Marie Erdödy, vivida por Johanna Ter Steege. O filme reconstrói os relacionamentos amorosos e familiares de Beethoven enquanto procura descobrir qual delas poderia ser a destinatária da famosa carta. Paralelamente, somos apresentados a acontecimentos decisivos da trajetória do compositor, incluindo sua luta contra a surdez e os conflitos familiares que influenciaram profundamente sua personalidade. A investigação funciona como estrutura narrativa para uma história sobre amor, genialidade, solidão e sofrimento, culminando em uma interpretação cinematográfica da identidade da misteriosa mulher.

Comentários:

Quando Minha Amada Imortal foi lançado nos Estados Unidos em dezembro de 1994, a crítica americana demonstrou grande respeito pela atuação de Gary Oldman, embora tenha recebido o filme de maneira mais dividida quando comparado a outras cinebiografias musicais. O The New York Times, em crítica de Janet Maslin, destacou a intensidade da interpretação de Oldman e a maneira como o ator transforma Beethoven em uma figura simultaneamente fascinante e difícil de suportar. A Variety também elogiou o protagonista, observando que Oldman interpreta o compositor com uma energia quase explosiva, especialmente nas cenas que mostram sua irritabilidade e seu sofrimento. A revista Entertainment Weekly considerou que o filme possuía momentos visualmente impressionantes e uma trilha sonora extraordinária, mas questionou a liberdade com que Bernard Rose tratava determinados episódios da vida de Beethoven. O Los Angeles Times destacou a presença física de Oldman e sua capacidade de transmitir a angústia de um compositor que gradualmente perde a audição, justamente o sentido que mais necessitava para exercer sua profissão. A crítica também reconheceu a ambição do filme ao tentar transformar uma das grandes figuras da história da música em um personagem dramático e romântico. O desempenho de Oldman é, sem dúvida, o elemento central da produção: ele não procura apresentar Beethoven simplesmente como um gênio incompreendido, mas como um homem profundamente contraditório, capaz de crueldade, ternura, arrogância e vulnerabilidade. A música de Beethoven é utilizada constantemente para expressar aquilo que o personagem não consegue dizer verbalmente, criando uma ligação entre sua vida emocional e sua obra. Para muitos críticos, esse foi justamente o maior mérito de Bernard Rose: fazer com que o espectador experimentasse a música como parte da psicologia do protagonista.

Ao mesmo tempo, Minha Amada Imortal recebeu críticas por apresentar como fato uma teoria que permanece historicamente não comprovada. A identidade da mulher a quem Beethoven se referia na famosa carta continua sendo objeto de debate entre estudiosos, e o filme escolhe uma solução dramática bastante específica. O Washington Post e outras publicações americanas chamaram atenção para a liberdade tomada pelos realizadores ao preencher as lacunas da biografia do compositor com romance e melodrama. A estrutura investigativa, entretanto, permite que o filme viaje constantemente entre passado e presente, apresentando diferentes períodos da vida de Beethoven sem seguir uma cronologia tradicional. A fotografia de Peter Suschitzky e a direção de Bernard Rose criam uma atmosfera romântica e sombria, particularmente adequada à personalidade atormentada do compositor. Comercialmente, a produção teve desempenho modesto, arrecadando cerca de US$ 9 milhões nos Estados Unidos, mas alcançou uma vida posterior bastante significativa entre admiradores de cinema e música clássica. A atuação de Gary Oldman tornou-se a principal razão para a permanência do filme no imaginário dos espectadores, especialmente porque o ator consegue representar a surdez de Beethoven sem reduzir o personagem ao sofrimento físico. A utilização de obras como a Nona Sinfonia, a Sonata ao Luar e outras composições fundamentais aumenta consideravelmente a força emocional das cenas. Embora não possua a precisão histórica de uma biografia acadêmica, Minha Amada Imortal funciona como uma interpretação cinematográfica apaixonada da vida do compositor. O filme também é interessante quando comparado a Amadeus: enquanto Miloš Forman utiliza Mozart e Salieri para discutir genialidade e inveja, Bernard Rose concentra-se na solidão, no amor impossível e na luta de Beethoven contra seu próprio destino. No conjunto, Minha Amada Imortal permanece como uma das mais populares cinebiografias cinematográficas de Beethoven, principalmente pela interpretação visceral de Gary Oldman e pela maneira como transforma a música do compositor em parte essencial da narrativa dramática.

Erick Steve. 

Código: Vingança

Título no Brasil: Código: Vingança

Título Original: Mutiny

Ano de Lançamento: 2026

País: Estados Unidos / Reino Unido

Direção: Jean-François Richet

Roteiro: Lindsay Michel e J.P. Davis

Elenco: Jason Statham, Annabelle Wallis, Roland Møller, Adrian Lester, Ramon Tikaram, Arnas Fedaravičius, Jason Wong

Sinopse:

Código: Vingança (Mutiny) é mais uma produção concebida para explorar a imagem cinematográfica de Jason Statham como um dos principais astros do cinema de ação contemporâneo. Dirigido pelo francês Jean-François Richet, responsável por filmes como Inimigo Público e Alerta Máximo (Plane), o longa coloca Statham no papel de Cole Reed, um veterano das Forças Especiais e antigo integrante da polícia de Nova York que trabalha como segurança particular. A história começa quando Reed presencia o assassinato de seu patrão, um bilionário industrial com quem mantinha uma relação de confiança. Em seguida, ele é incriminado pelo homicídio e passa a ser perseguido pelas autoridades. Obrigado a fugir, o protagonista decide descobrir quem realmente está por trás da morte do empresário. Sua investigação o conduz até um enorme navio cargueiro, onde começa a perceber que o assassinato faz parte de uma conspiração internacional muito maior. 

Comentários: 

A estrutura narrativa de Código: Vingança é deliberadamente familiar para quem acompanha a carreira de Jason Statham. O ator interpreta novamente um homem aparentemente comum para as circunstâncias, mas que possui treinamento militar, experiência policial e uma extraordinária capacidade de combate. A diferença está principalmente no cenário escolhido para desenvolver a ação: grande parte da história se desloca para um cargueiro, transformando corredores estreitos, escadas, compartimentos metálicos e áreas de carga em espaços para perseguições e confrontos físicos. Essa escolha aproxima o filme da tradição dos thrillers de ação ambientados em navios, particularmente Under Siege, embora a proposta de Richet seja menos extravagante e mais voltada para a violência direta. Cole Reed precisa enfrentar criminosos, mercenários e pessoas envolvidas na conspiração enquanto tenta descobrir por que foi escolhido como bode expiatório. Annabelle Wallis interpreta Angie Ellis, enquanto Roland Møller aparece como o Capitão Marko Madsen e Adrian Lester interpreta o Capitão Adam Spencer.

A recepção crítica internacional foi bastante dividida, embora exista certo consenso de que o filme funciona melhor quando deixa a investigação em segundo plano e permite que Statham entre em ação. O The Guardian, em crítica publicada por Benjamin Lee, atribuiu três estrelas em cinco e descreveu a produção como um thriller de ação convencional, mas reconheceu que ela oferece exatamente o tipo de entretenimento físico associado ao astro. A Variety, por sua vez, também destacou a presença de Statham e a violência do filme, embora tenha observado que o ator parece repetir uma persona que o público já conhece muito bem. A crítica especializada acabou concentrando suas ressalvas no roteiro, considerado excessivamente convencional em comparação com a eficiência das sequências de combate. O Time Out foi ainda mais severo, considerando que os antagonistas carecem de personalidade e que o filme não consegue aproveitar plenamente o potencial de seu cenário marítimo. Ao que tudo indica esse novo filme é apenas mais uma fita de ação, típica da carreira do ator Jason Statham, não apresentando maiores novidades para o público em geral. 

Erick Steve.

Osíris

Título no Brasil: Osíris

Título Original: Osiris

Ano de Lançamento: 2025

País: Estados Unidos

Direção: William Kaufman

Roteiro: William Kaufman e Paul Reichelt

Elenco: Max Martini, Brianna Hildebrand, Linda Hamilton, LaMonica Garrett, Michael Irby, Linds Edwards, Jaren Mitchell e David B. Meadows.

Sinopse:

Osíris começa durante uma operação militar realizada por uma equipe de Forças Especiais americanas em uma região desértica. O grupo, liderado por Kelly, interpretado por Max Martini, é surpreendido por um acontecimento inexplicável: os soldados são misteriosamente sequestrados por uma nave espacial e desaparecem do campo de batalha. Quando recuperam a consciência, descobrem que não estão mais na Terra e que foram levados para um ambiente completamente desconhecido. O local é habitado por uma raça alienígena extremamente agressiva, que transforma os militares em presas de uma verdadeira caçada. Para sobreviver, os soldados precisam deixar de lado suas diferenças e trabalhar ao lado de outros sobreviventes. Entre eles está Anya, personagem interpretada por Linda Hamilton, que possui informações importantes sobre aquele mundo e sobre a ameaça que os cerca. Ravi, interpretada por Brianna Hildebrand, também se torna uma das figuras centrais da luta pela sobrevivência. A narrativa combina elementos de ficção científica, terror e ação militar, criando uma história que remete deliberadamente ao cinema de criaturas e invasões alienígenas. O filme acompanha a tentativa do grupo de compreender onde está, descobrir a natureza dos seres que os perseguem e encontrar uma maneira de retornar para casa antes que todos sejam exterminados.

Comentários:

Osíris recebeu uma recepção crítica bastante dividida, apresentando atualmente 50% de aprovação no Rotten Tomatoes, com 18 críticas registradas. A produção chamou atenção principalmente por assumir uma proposta bastante direta: reunir soldados de elite, criaturas extraterrestres e uma situação de sobrevivência em um ambiente alienígena. A RogerEbert.com, em crítica de Simon Abrams, atribuiu 2,5 de 4 estrelas. O crítico reconheceu que o filme possui energia e uma variedade razoável de personagens, embora tenha considerado sua narrativa previsível e pouco refinada. Essa avaliação resume bem uma das principais características apontadas pela crítica: Osíris não pretende reinventar a ficção científica, mas utilizar elementos reconhecíveis de produções como Predador, Alien e outros filmes de monstros e sobrevivência. A presença de Linda Hamilton foi outro ponto de interesse. Conhecida mundialmente por interpretar Sarah Connor em O Exterminador do Futuro, a atriz acrescenta ao filme uma espécie de ligação com o cinema de ação e ficção científica dos anos 1980 e 1990. Max Martini, por sua vez, conduz a parte militar da narrativa, enquanto Brianna Hildebrand oferece uma personagem mais jovem para estabelecer um contraste com os soldados experientes. Alguns críticos consideraram justamente essa combinação de personagens um dos elementos mais divertidos da produção. Ao mesmo tempo, a direção de William Kaufman foi considerada excessivamente convencional, e o roteiro recebeu críticas por seguir caminhos previsíveis e não desenvolver suficientemente o universo alienígena criado para a história.

A comparação com filmes anteriores de ficção científica é praticamente inevitável. Osíris aposta em uma fórmula que lembra especialmente o cinema de ação e terror de décadas passadas, quando personagens eram colocados em ambientes hostis e obrigados a enfrentar criaturas desconhecidas utilizando armas, estratégia e força física. Essa característica pode ser vista tanto como uma limitação quanto como uma qualidade: para alguns espectadores, a produção parece um filme deliberadamente "à moda antiga", preocupado mais com ação e sobrevivência do que com grandes discussões filosóficas sobre extraterrestres. O público, entretanto, foi mais crítico do que a proposta talvez esperasse: o IMDb registra atualmente 4,8/10, enquanto o Rotten Tomatoes apresenta 48% de aprovação do público. Comercialmente, o filme teve uma trajetória relativamente discreta, tendo sido lançado de forma limitada nos cinemas americanos e simultaneamente disponibilizado em vídeo sob demanda em julho de 2025. Sua produção independente também explica, em parte, a escala mais modesta dos efeitos e da construção de seu mundo. Ainda assim, Osíris possui alguns atrativos para os admiradores do gênero: criaturas alienígenas, combates constantes, uma equipe militar cercada por inimigos e a presença de Linda Hamilton. O filme funciona melhor quando assume sua identidade de ficção científica de ação e terror sem grandes pretensões, oferecendo uma aventura rápida e violenta. Embora esteja longe de alcançar a importância de clássicos como Alien ou Predador, Osíris procura recuperar aquele espírito de filmes em que um pequeno grupo de personagens precisa sobreviver a uma ameaça monstruosa em um ambiente desconhecido. É, portanto, uma produção especialmente voltada para quem aprecia ficção científica de baixo e médio orçamento, monstros extraterrestres e histórias de sobrevivência, mesmo que sua execução tenha sido considerada irregular pela crítica.

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Terror em Silent Hill - O Regresso Para o Inferno

Terror em Silent Hill - O Regresso Para o Inferno 

Há uma regra não escrita em Hollywood em que se afirma que o terceiro filme de qualquer franquia sempre é o pior de todos. Bom, há exceções certamente sobre isso, mas pelo menos em filmes de terror esse fato curioso parece sempre acontecer. É o que temos aqui. Dos três filmes da franquia cinematográfica "Silent Hill" esse é certamente o mais fraco. Isso não quer dizer que seja um filme de todo ruim, muito pelo contrário. Há aspectos nesse filme que certamente apreciei. Um deles foi a forma como o roteiro conta a sua história. Não temos uma história tão linear como se pensava. Idas e vindas entre passado e presente são intercaladas e de modo muito criativo. O espectador vai precisar de uma certa paciência até que todos os pedaços venham a formar um todo com sentido lógico.

Tentado colocar ordem no enredo vou aqui resumir do que se trata: Dois jovens se conhecem por mero acaso do destino, se apaixonam e vão morar em Silent Hill, uma pequena cidade de interior. Lugar bucólico, com pessoas gentis. Só que o passado da garota é bem sombrio. Seu pai era líder de uma estranha seita e quando morre, ela, mesmo sem querer, acaba se tornando sua herdeira espiritual. Passam os anos. O rapaz, eternamente apaixonado e até mesmo um tanto obcecado por seu amor do passado, está de volta a Silent Hill em busca de sua amada. Uma jornada fadada ao fracasso completo pois a cidade está abandonada. Pior do que isso, estranhas criaturas vagam por suas ruas desertas. Não há uma única alma viva naquele lugar!

Por falar em criaturas uma das melhores coisas de Silent Hill é sua coleção de monstros estranhos, com designs mais do que bizarros. Um bom filme de Silent Hill se sobressai justamente por apresentar o maior número possível desses seres. Pois bem, nesse quesito o terceiro filme deixa mesmo a desejar. Está lá o "Pyramide Head", símbolo da franquia, mas fora ele nenhuma grande novidade. Apenas a própria criatura alada, com dois braços e duas pernas, no melhor estilo demônio voador, soa como novidade. Faltou mesmo um maior leque de criaturas interessantes. Então é isso. Um filme menor dentro de uma das franquias de terror mais interessantes que ainda estão na ativa. 

Terror em Silent Hill: Regresso para o Inferno (Return to Silent Hill, Estados Unidos, França, Japão, 2026) Direção: Christophe Gans / Roteiro: Christophe Gans, Sandra Vo-Anh e William Josef Schneider - Baseado no jogo: Silent Hill 2, da Konami  / Elenco: Jeremy Irvine, Hannah Emily Anderson, Evie Templeton, Robert Strange e Pearse Egan / Sinopse: Jovem apaixonado volta a Silent Hill em busca de sua amada, há muito desaparecida, e acaba encontrando o inferno na Terra!

Pablo Aluísio. 

Os Estranhos

Os Estranhos

Os Estranhos (The Strangers) foi lançado em 30 de maio de 2008, dirigido por Bryan Bertino e estrelado por Liv Tyler e Scott Speedman, com participações de Gemma Ward, Kip Weeks e Laura Margolis. Inserido no subgênero do terror de invasão domiciliar, o filme acompanha um casal que se refugia em uma casa isolada após uma noite emocionalmente difícil. O ponto de partida da narrativa ocorre quando batidas misteriosas à porta iniciam uma sequência de acontecimentos perturbadores, revelando a presença de figuras mascaradas que passam a cercar a residência. A partir desse momento, o longa constrói uma atmosfera crescente de medo, silêncio e vulnerabilidade, explorando a sensação de ameaça constante e imprevisível. A história se desenvolve de forma minimalista e claustrofóbica, concentrando-se na experiência psicológica das vítimas sem antecipar os desdobramentos finais do confronto.

No momento de seu lançamento, Os Estranhos recebeu uma reação crítica mista, com elogios ao clima de tensão e críticas à simplicidade narrativa. O The New York Times destacou a eficácia do suspense construído a partir do silêncio e da espera, observando que o filme era “perturbador justamente por sua aparente banalidade”. O jornal ressaltou ainda a atuação contida de Liv Tyler, capaz de transmitir medo genuíno sem recorrer a excessos melodramáticos. Já o Los Angeles Times elogiou a direção de Bryan Bertino por privilegiar atmosfera em vez de sustos fáceis, embora tenha apontado limitações no desenvolvimento dramático dos personagens.

A revista Variety classificou o longa como “um exercício de tensão eficiente e cruel”, enfatizando que sua força residia na sensação de realismo e na ausência de explicações reconfortantes. O The New Yorker observou que o filme parecia interessado em provocar desconforto existencial mais do que entretenimento convencional, ainda que isso resultasse em narrativa deliberadamente simples. Parte da crítica considerou o minimalismo uma qualidade essencial, enquanto outra parte viu nisso uma limitação estrutural. O consenso geral permaneceu dividido, mas reconhecendo a capacidade do filme de gerar medo intenso com poucos elementos.

No aspecto comercial, Os Estranhos foi um grande sucesso de bilheteria. Produzido com orçamento estimado em cerca de US$ 9 milhões, o filme arrecadou aproximadamente US$ 52 milhões nos Estados Unidos e ultrapassou US$ 80 milhões mundialmente. O forte retorno financeiro demonstrou a viabilidade comercial de produções de terror de baixo custo baseadas em atmosfera e conceito simples. O desempenho também consolidou Bryan Bertino como novo nome do gênero e abriu caminho para continuações e expansão da marca anos depois.

Com o passar do tempo, Os Estranhos conquistou status de terror cult moderno, sendo frequentemente citado entre os filmes mais perturbadores dos anos 2000. Críticos contemporâneos tendem a valorizar ainda mais sua abordagem minimalista, a sensação de realismo cruel e a ausência de explicações sobrenaturais ou morais claras. A obra passou a ser estudada como exemplo eficaz de horror baseado em vulnerabilidade cotidiana e violência aleatória. Mesmo divisivo, o filme mantém forte reputação entre fãs do gênero e influência perceptível em produções posteriores de invasão domiciliar.

Os Estranhos (The Strangers, Estados Unidos, 2008) Direção: Bryan Bertino / Roteiro: Bryan Bertino / Elenco: Liv Tyler, Scott Speedman, Gemma Ward, Kip Weeks, Laura Margolis, Glenn Howerton / Sinopse: Um casal isolado em uma casa de campo passa a ser aterrorizado por invasores mascarados que transformam uma noite comum em uma experiência extrema de medo e sobrevivência.

Erick Steve. 

Mais Forte que a Vingança

Mais Forte que a Vingança

Depois de muitos, muitos anos, decidi rever esse filme. Minhas lembranças eram boas e essa antiga sensação de ser um filme muito bom voltou a se confirmar nessa reprise tardia. Primeiro de tudo temos que reconhecer a coragem que Robert Redford teve na época em estrelar esse filme. O Western já era considerado um gênero do passado e não rendia mais boas bilheterias. Imagine então atuar em um filme assim, bem no auge de sua carreira, sendo considerado naquele momento o "Golden Boy" de Hollywood. E ainda mais interpretando um papel nada condizente com sua imagem de galã. Afinal Redford surgia em cena barbudo, sujo de lama, despenteado,  o que era de acordo com o papel que interpretava, a de um homem que largava tudo para ir viver nas montanhs rochosas, um dos lugares mais inóspitos à vida humana que se tem notícia. Era um ermitão, um homem que pretendia viver isolado, na mais completa solidão. 

Quando o filme começa não temos maiores informações sobre o protagonista. Ele simplesmente surge numa cidade no pé da montanha. Compra uma mula, munições, alguns suprimentos e vai embora para o alto da montanha. No caminho, em busca de solitude, acaba encontrando pessoas bem interessantes, como um velho caçador de ursos, já meio louco, que vive numa cabana afundada na neve. E mesmo sem querer, acaba até mesmo unindo sua vida à de uma indígena, de uma tribo das "Black Hills". Para quem buscava por uma vida solitária ele acaba mesmo arranjando até uma pequena família nesse processo de isolamento voluntário!

O personagem de Redford acaba assim vivendo uma vida dura, no velho oeste mais selvagem que você possa imaginar. E a luta pela sobrevivência é algo normal para quem vive nessas condições. E ele está disposto e lutar por seu alimento, pelo território em que está vivendo, pelo seu direito de existir em essência. Claro que indo para uma região como aquela, dominada por tribos hostis como os Siouxs, Corvos e Pés Pretos, ele iria ter problemas com os nativos. A história é assim intercalada com grandes combates que ele trava com os índios, até finalmente ganhar o respeito de todos esses guerreiros que o colocaram à prova por anos e anos. Afinal era um homem branco, mas que provou seu valor, mostrando que conseguia morar e viver nas montanhas. Enfim, excelente filme, que rendeu um reconhecimento merecido pela coragem de Robert Redford naquele momento crucial de sua filmografia. 

Mais Forte que a Vingança (Jeremiah Johnson, Estados Unidos, 1972) Direção: Sydney Pollack / Roteiro: Vardis Fisher, Raymond W. Thorp, Robert Bunker / Elenco: Robert Redford, Will Geer, Delle Bolton / Sinopse: Homem errante decide ir morar no alto das montanhas rochosas. Não vai ser uma vida fácil, com muitas adversidades, entre elas o combate contra nativos hostis, ursos e demais animais selvagens, além da diária luta por comida e sobrevivência. 

Pablo Aluísio.

A Morte Anda a Cavalo

A Morte Anda a Cavalo

Lee Van Cleef (1925–1989) era americano, mas se notabilizou mesmo quando começou a estrelar uma série de filmes do estilo Western Spaguetti na Itália. Enquanto esteve nos EUA conseguiu participar do elenco de grandes filmes, disso não resta a menor dúvida, mas só conseguiu mesmo se tornar protagonista de seus próprios filmes quando descobriu o segredo do sucesso, que nada mais era do que os filmes de faroeste rodados na Europa, principalmente Itália e Espanha. Um exemplo perfeito disso podemos encontrar aqui nesse muito interessante "A Morte Anda a Cavalo". Distribuído nos Estados Unidos pela United Artists, o filme foi todo rodado na península ibérica com dinheiro italiano que naquele período estava realmente no auge comercial de seus filmes de western spaguetti. Como cenário ideal essas produções geralmente usavam locações na Andalucía, Espanha, onde nem o mais observador dos espectadores conseguiria notar qualquer diferença entre o deserto espanhol e o americano, pois de fato eram extremamente parecidos. O filme já demonstrava ter uma boa produção, fruto é claro do desenvolvimento técnico do cinema italiano já naquela época. Por isso passa longe de decepcionar os fãs de faroestes. Afinal ele foi realizado também pensando no mercado americano, o que exigia uma certa qualidade cinematográfica.

O enredo gira em torno de uma vingança. Quando garoto o pistoleiro errante Bill Meceita (John Phillip Law) viu toda a sua família ser morta por bandoleiros liderados pelo psicótico Burt Cavanaugh (Anthony Dawson). Nesse meio tempo, um outro às do gatilho, Ryan (Lee Van Cleef), finalmente deixa a prisão após cumprir 15 anos de pena em um buraco sujo e poeirento do velho oeste. Seu caminho cruzará com Bill, uma vez que ambos tem contas a acertar com Cavanaugh e seu bando de facínoras sanguinários. A partir do momento em que se unem para dar fim aos bandidos, tudo passa a se resumir em encontrar o local e a hora certa para o acerto de contas final com todos eles.

Em termos de roteiro e argumento o filme "A Morte Anda a Cavalo" realmente não traz nada de novo. É a velha saga de justiça pelas próprias mãos, lavando a honra e o sangue da família morta pelos malfeitores. É um tema de vingança. O que de fato salva o filme é a boa participação de Lee Van Cleef que adota uma posição dúbia em relação ao seu jovem parceiro, ora o traindo, ora sentindo-se próximo a ele. No final haverá uma pequena reviravolta sobre essa amizade que dará uma pequena sobrevida ao filme, mas isso de certa forma não tem tanta importância. O que vale aqui é realmente a pura diversão, com cenas ao estilo spaguetti que certamente deixaria Tarantino louco de inveja após assistir.

A Morte Anda a Cavalo (Da uomo a uomo, Itália, Espanha, 1967) Direção: Giulio Petroni / Roteiro: Luciano Vincenzoni / Elenco: Lee Van Cleef, John Phillip Law, Mario Brega / Sinopse: Jovem pistoleiro (Law) se une a veterano (Cleef) para liquidar um bando de bandidos que matou sua família no passado. Unidos, terão que matar homem a homem, da forma mais rápida possível.

Pablo Aluísio.