A Casa que Pingava Sangue

Título no Brasil: A Casa que Pingava Sangue

Título Original: The House That Dripped Blood

Ano de Lançamento: 1971

País: Reino Unido

Estúdio: Amicus Productions

Direção: Peter Duffell

Roteiro: Robert Bloch e Russ Jones

Elenco: Christopher Lee, Peter Cushing, Denholm Elliott, Jon Pertwee, Nyree Dawn Porter, Ingrid Pitt, Joss Ackland, Joanna Dunham, John Bennett e John Bryans.

Sinopse: 

O filme começa quando o ator de filmes de horror Paul Henderson desaparece misteriosamente depois de se mudar para uma antiga casa de campo. O inspetor Holloway, da Scotland Yard, fica encarregado de investigar o desaparecimento e conversa com o proprietário do imóvel para descobrir o que aconteceu. Durante a investigação, ele ouve quatro histórias diferentes envolvendo antigos moradores da mesma casa. Em cada episódio, os personagens acabam enfrentando acontecimentos sobrenaturais, mortes violentas e situações inexplicáveis. Um escritor passa a ser perseguido por um personagem assassino que criou em seus próprios livros. Em outra história, dois homens ficam obcecados por uma figura de cera ligada a um acontecimento do passado. Há ainda uma trama envolvendo uma menina e sua misteriosa boneca, além do episódio de um ator que acredita ter encontrado uma capa capaz de lhe dar poderes sobrenaturais. Aos poucos, as quatro histórias formam um retrato sombrio da antiga residência e ajudam o inspetor a compreender o destino de seu mais recente ocupante.

Comentários: 

A Casa que Pingava Sangue é uma produção de terror em formato de antologia, característica bastante utilizada pela Amicus Productions durante as décadas de 1960 e 1970. O roteiro foi baseado em quatro histórias de Robert Bloch, conhecido principalmente por ter escrito o romance Psicose. Peter Duffell conduz o filme dividindo a narrativa em quatro episódios independentes, unidos pela mesma casa e pela investigação do inspetor Holloway. Essa estrutura permite que diferentes estilos de horror apareçam na mesma produção, passando pelo suspense psicológico, sobrenatural, vampirismo e terror ligado a objetos aparentemente comuns. O elenco reúne alguns dos maiores nomes do horror britânico do período, principalmente Christopher Lee e Peter Cushing, que aparecem em segmentos diferentes. Denholm Elliott, Jon Pertwee, Ingrid Pitt e Nyree Dawn Porter também contribuem para a variedade de personagens e situações. A fotografia de Ray Parslow e a música de Michael Dress ajudam a criar uma atmosfera sombria e tradicional, bastante característica do cinema de terror britânico daquele período. O filme foi lançado no Reino Unido em fevereiro de 1971 e possui aproximadamente 102 minutos de duração.

A produção encontrou seu principal atrativo justamente na reunião de quatro histórias diferentes dentro de uma mesma narrativa, fazendo com que o espectador nunca soubesse exatamente que tipo de ameaça surgiria no episódio seguinte. A presença de Christopher Lee e Peter Cushing também aumentou o interesse dos admiradores do cinema de horror produzido pela Hammer e pela Amicus. Embora o filme tenha recebido avaliações variadas ao longo dos anos, tornou-se uma obra bastante conhecida entre os fãs das antologias britânicas de terror. O conceito da casa amaldiçoada funciona como elemento de ligação entre os episódios e ajuda a criar uma atmosfera de mistério durante toda a história. As quatro narrativas também permitem explorar diferentes medos, desde a obsessão e a loucura até forças sobrenaturais e objetos aparentemente inofensivos. Com o passar do tempo, A Casa que Pingava Sangue ganhou status de cult e passou a ser lembrado como uma das produções mais representativas da fase clássica das antologias de terror britânicas. Sua importância está principalmente na combinação de histórias de Robert Bloch com um elenco repleto de veteranos do gênero. Para quem aprecia Christopher Lee, Peter Cushing e o horror britânico dos anos 1970, o filme continua sendo uma curiosa e atmosférica produção do período.

Erick Steve. 

A Semente do Diabo

Título no Brasil: A Semente do Diabo

Título Original: Prophecy

Ano de Lançamento: 1979

País: Estados Unidos

Estúdio: Paramount Pictures

Direção: John Frankenheimer

Roteiro: David Seltzer

Elenco: Robert Foxworth, Talia Shire, Armand Assante, Richard Dysart, Victoria Racimo e George Clutesi.

Sinopse: 

O médico Robert Verne e sua esposa Maggie viajam para uma região florestal do Maine para investigar os efeitos provocados pela atividade de uma grande empresa madeireira. O trabalho os coloca no meio de uma disputa entre a companhia e uma comunidade indígena que acusa a indústria de contaminar o ambiente. Pouco depois da chegada do casal, acontecimentos estranhos começam a ocorrer na floresta. Peixes aparecem com tamanho anormal, animais sofrem mutações e pessoas são encontradas mortas em circunstâncias misteriosas. Os moradores contam histórias sobre uma criatura conhecida como Katahdin, mas os responsáveis pela empresa afirmam que tudo não passa de uma lenda. Robert e Maggie continuam investigando e descobrem indícios de que a poluição provocada pela indústria pode estar alterando a vida animal da região. Enquanto a situação se torna cada vez mais perigosa, o casal percebe que existe uma criatura monstruosa escondida na floresta. A ameaça acaba colocando suas próprias vidas em risco e transforma a investigação ambiental em uma luta pela sobrevivência.

Comentários: 

A Semente do Diabo mistura terror, ficção científica e suspense ecológico em uma produção bastante característica do cinema americano do final dos anos 1970. John Frankenheimer, conhecido por filmes como O Segundo Rosto e Sob o Domínio do Medo, assumiu a direção e procurou combinar uma história de monstros com uma preocupação ambiental. Robert Foxworth e Talia Shire interpretam o casal central, enquanto Armand Assante vive John Hawks, um dos personagens ligados à comunidade indígena. A fotografia de Harry Stradling Jr. aproveita as paisagens de British Columbia, no Canadá, utilizadas para representar as florestas do Maine. As filmagens também passaram por locais da região de Vancouver e por cenários construídos nos estúdios da Paramount em Hollywood. A produção teve orçamento estimado em cerca de US$ 8 milhões e foi realizada em Panavision, com som Dolby Stereo. O filme chegou aos cinemas dos Estados Unidos em 15 de junho de 1979 e possui aproximadamente 102 minutos de duração.

A recepção crítica foi bastante negativa no lançamento, apesar de o filme ter conseguido um desempenho comercial significativo. O New York Times observou que a história lembrava outros filmes sobre ameaças ambientais e monstros, enquanto a Variety considerou que o argumento não apresentava muitas novidades. A própria AFI registra que as sessões iniciais provocaram reações negativas de parte do público e que vários críticos questionaram a originalidade da narrativa. Por outro lado, a produção se tornou um dos sucessos da Paramount naquele verão de 1979, alcançando quase US$ 23 milhões de bilheteria doméstica, segundo dados contemporâneos registrados pela AFI. Atualmente, Prophecy apresenta 35% de aprovação entre os críticos no Rotten Tomatoes, indicando que sua reputação crítica permanece dividida. Apesar dessas avaliações, o filme ganhou interesse entre os admiradores do terror dos anos 1970, principalmente pela criatura criada pelos efeitos especiais e pela atmosfera das florestas. Hoje, A Semente do Diabo é lembrado como uma produção peculiar que combina a tradição dos filmes de monstros com uma mensagem sobre poluição e destruição ambiental.

Erick Steve. 

Blefando a Morte

Blefando a Morte

Clássico do faroeste estrelado por Anthony Quinn, um ator que sempre foi muito querido pelo público brasileiro. Do que trata a história? Dave Robles (Anthony Quinn) chega numa cidadezinha do velho oeste para ter um acerto de contas final com um famoso pistoleiro. Ao encontrá-lo na porta de um Saloon nem pensa duas vezes e passa fogo no famoso bandoleiro. O assassinato acaba lhe trazendo bastante fama no pequeno povoado que sempre sofreu nas mãos do impiedoso bandido. Depois de uma reunião da assembleia de moradores eles decidem em conjunto oferecer o posto de xerife para Robles. De pistoleiro ele passaria a ser o homem da lei do lugar. Após pensar por alguns momentos ele finalmente decide aceitar o cargo, mesmo sabendo das dificuldades que terá ao tentar impor lei e ordem no local. Na verdade Robles não leva muito jeito para a função, uma vez que é um sujeito bastante rústico, sem estudo algum (nem sabe ler) e pouco atento aos costumes sociais do local. No fundo só aceitou a estrela de bronze para tentar conquistar o coração de Estella (Katy Jurado), a bonita assistente do médico local. Ele a conheceu quando foi se tratar dos ferimentos de seu confronto a bala com o famigerado pistoleiro e assim que a viu pela primeira vez se apaixonou perdidamente por ela.

"Blefando a Morte" tem uma das melhores interpretações da carreira de Anthony Quinn. O ator se sai maravilhosamente bem ao dar vida a um sujeito sem qualquer sofisticação que vira xerife meio que por acaso num lugar esquecido por Deus. O curioso aqui vem da complicada relação do novo xerife com a população local. As pessoas da cidade sabem que precisam dele por causa de sua habilidade com armas, mas ao mesmo tempo não o aceitam completamente por causa de sua rudeza.

Isso fica bem claro quando os moradores resolvem fazer um grande baile. Obviamente para ocasião tão festiva precisam convidar o xerife para participar, mas sua presença ali no meio da elite da comunidade acaba causando um grande mal-estar mostrando claramente que ele de fato não é aceito socialmente na cidade que jurou proteger. A cena final, com um duelo no meio da rua principal, vai mostrar para todos o verdadeiro valor do novo xerife. "Blefando a Morte" se torna assim mais um bom western dos anos 1950 que merece agora ser redescoberto. Roteiro com raro aprofundamento dos personagens para aquela época. Vale a recomendação.

Blefando a Morte (Man from Del Rio, Estados Unidos, 1956) Direção: Harry Horner / Roteiro: Richard Carr / Elenco: Anthony Quinn, Katy Jurado, Peter Whitney / Sinopse: Após matar um famoso criminoso, um simples cowboy (Quinn) acaba sendo escolhido como o novo xerife da cidade. Agora ele terá que provar seu valor para os moradores que ainda não o aceitam socialmente por causa de seus modos rudes e falta de educação adequada.

Pablo Aluísio.

Sela de Prata

Sela de Prata

Ainda garoto, Roy Blood (Giuliano Gemma) presenciou a morte de seu pai de forma covarde por um pistoleiro. Embora fosse ainda um menino não deixou barato e abriu fogo contra o assassino, tomando posse de seu cavalo e de sua sela especial, toda feita de prata. A partir desse ponto em sua vida seu destino ficou traçado. Assim ele mesmo passaria a assumir a posição do algoz de seu pai, se tornando o famoso "Sela de Prata" como passou a ser conhecido. Os anos passam e Roy acaba retornando para a pequena cidadezinha de sua infância.

As coisas pouco mudaram e o local ainda é dominado pelo clã dos Barrett que não hesitam em chantagear e ameaçar os comerciantes locais. Como seu braço armado a família conta com o famigerado facínora Garrincha (Aldo Sambrell) que através de crimes diversos como roubos e sequestros mantém a ferro e fogo sua presença na região. E por uma dessas ironias do destino o próprio "Sela de Prata" se vê de repente como guardião e protetor do pequeno Thomas Barrett, Jr (Sven Valsecchi). Logo ele que odeia a família Barrett... para complicar ainda mais as coisas bem no meio dos tiros e perseguições acaba se afeiçoando ao garotinho.

O filme "Sela de Prata" foi um dos maiores sucessos da carreira de Giuliano Gemma. No Brasil o filme foi um campeão de bilheteria mostrando toda a popularidade do ator nos anos 70 em nosso país. O Spaghetti Western já mostrava sinais de desgaste, os anos 80 estavam chegando e o gênero já não tinha mais o mesmo sabor de novidade e originalidade. Mesmo assim não há como negar que "Sela de Prata" mostra porque o estilo foi tão popular aqui e em outros países.

O roteiro é simples, de fácil entendimento, e a ação não tarda a acontecer - tiros, perseguições e violência são sempre constantes na fita. Para se ter uma ideia há também um capricho melhor na caracterização dos personagens além de certos aspectos técnicos que acabam chamando a atenção. Um deles é a trilha sonora, muito presente em todos os momentos, em todas as cenas. A música título do filme inclusive lembra uma sonoridade que fez muito sucesso nos anos 70, a do country romântico. De uma forma ou outra é impossível negar que a imagem de Giuliano Gemma levando sua sala de prata nas costas virou de fato um símbolo, um ícone de toda uma era... a era do Western Spaghetti. Quem assistiu no cinema na época certamente não esqueceu.

Sela de Prata (Sella d'argento, Itália, 1978) Direção: Lucio Fulci / Roteiro: Adriano Bolzoni / Elenco: Giuliano Gemma, Sven Valsecchi, Ettore Manni / Sinopse: Roy Blood (Giuliano Gemma), o conhecido pistoleiro "Sela de Prata", precisa se manter vivo em uma cidadezinha hostil e infestada de bandidos e facínoras no velho oeste ao mesmo tempo em que protege um garotinho daqueles que desejam matá-lo.

Pablo Aluísio.  

Águas Traiçoeiras

Título no Brasil: Águas Traiçoeiras

Título Original: Operation Pacific

Ano de Lançamento: 1951

País: Estados Unidos

Estúdio: Warner Bros

Direção: George Waggner

Roteiro: George Waggner

Elenco: John Wayne, Patricia Neal, Ward Bond, Scott Forbes, Philip Carey, Paul Picerni

Sinopse: 

Durante a Segunda Guerra Mundial, o comandante Duke Gifford serve a bordo do submarino americano Thunderfish, que atua no Pacífico contra as forças japonesas. Em uma das missões, a tripulação descobre que seus torpedos apresentam um grave problema e não explodem corretamente, colocando o submarino e seus homens em perigo. Ao retornar a Pearl Harbor, Duke reencontra Mary Stuart, sua ex-esposa, que agora trabalha como enfermeira da Marinha. Os dois ainda demonstram sentimentos um pelo outro, mas a situação é complicada pelo envolvimento de Mary com Bob Perry, irmão do comandante de Duke. Enquanto tenta resolver sua vida pessoal, Duke também precisa lidar com os problemas técnicos de seu submarino e com as responsabilidades de seu comando. Novas missões colocam o Thunderfish novamente em combate, exigindo coragem e habilidade da tripulação. Entre batalhas, resgates e operações no fundo do mar, Duke precisa conciliar seus deveres militares com o desejo de reconstruir sua vida ao lado de Mary.

Comentários: 

Águas Traiçoeiras é um drama de guerra produzido pela Warner Bros. que combina cenas de combate submarino com uma história romântica envolvendo o personagem de John Wayne. George Waggner dirigiu e escreveu o filme, que contou com o veterano diretor de fotografia Bert Glennon e trilha sonora de Max Steiner. A produção recebeu colaboração técnica da Marinha dos Estados Unidos, incluindo a participação do almirante Charles Lockwood, antigo comandante das forças submarinas americanas no Pacífico, como consultor técnico. O filme apresenta de maneira bastante destacada o cotidiano da tripulação do Thunderfish, mostrando ataques, problemas com torpedos e operações de resgate. John Wayne interpreta Duke Gifford como um oficial experiente, mas também como um homem marcado pelos problemas de seu casamento e pelas responsabilidades assumidas durante a guerra. Patricia Neal interpreta Mary Stuart, dando ao filme um segundo eixo narrativo ligado ao romance. A produção estreou nos Estados Unidos em 27 de janeiro de 1951, com fotografia original em preto e branco.

A recepção destacou principalmente as sequências de ação e as cenas ambientadas no interior do submarino, enquanto algumas avaliações consideraram a parte romântica mais melodramática. O filme também possui importância dentro da carreira de John Wayne porque mostra o ator novamente em um papel ligado à Segunda Guerra Mundial, mas afastado do tradicional universo dos westerns. Águas Traiçoeiras foi produzido em um período em que Hollywood ainda explorava com frequência histórias sobre o conflito mundial e procurava transformar experiências militares recentes em entretenimento cinematográfico. A história combina elementos de aventura, romance e drama de guerra, procurando atender tanto ao público interessado em batalhas quanto aos espectadores atraídos pelo relacionamento entre Duke e Mary. A participação de Ward Bond acrescenta outro rosto conhecido ao elenco, enquanto Philip Carey fez aqui sua primeira aparição cinematográfica. O filme recebeu posteriormente reconhecimento do Southern California Motion Picture Council, que lhe concedeu uma menção de mérito. Hoje, a produção permanece especialmente interessante para admiradores de John Wayne e para quem acompanha os filmes de guerra americanos produzidos no início da década de 1950.

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Blogs Atualizações

Blogs Atualizações

O sistema do Blogger anda com problemas técnicos. Por essa razão as atualizações dos nossos blogs não estão aparecendo mais na barra lateral. Assim vamos colocar aqui nessa postagem todas as atualizações semanais. Segue abaixo as novidades.

Cinema Clássico: 

Kirk Douglas - Filmografia Selecionada

Êxito Fugaz

Algemas de Cristal

Para acessar CLICK AQUi

Cine Western:

Filmes de Faroeste com Alan Ladd

Filmes de Faroeste com Henry Fonda

A Mocidade de Lincoln

Ao Rufar dos Tambores

Para Acessar CLICK AQUI

Sessão de Cinema:

Filmes com Harrison Ford

Loucuras de Verão

Guerra nas Estrelas

Amor em Chamas

Para acessar CLICK AQUI!

Cine Darkness:

A nova temporada de Monstro na Netflix

O filme Lizzie

Ed Gein

A Condessa

Para acessar CLICK AQUI! 

Pablo Aluísio. 

Reinventando Elvis

Título no Brasil: Reinventando Elvis

Título Original: Reinventing Elvis: The '68 Comeback

Ano de Lançamento: 2023

País: Estados Unidos

Estúdio: Paramount Plus

Direção: John Scheinfeld

Roteiro: John Scheinfeld

Elenco: Elvis Presley, Priscilla Presley, Coronel Tom Parker, Steve Binder (em arquivos de imagens). 

Sinopse: 

Documentário que conta a história da produção do especial de televisão estrelado por Elvis Presley no canal NBC, no ano de 1968. Conhecido como "Comeback Special" esse programa foi essencial para que Elvis retomasse o rumo do sucesso e da relevância em sua carreira, naquele momento em baixa por causa do excesso de filmes ruins produzidos em série. 

Comentários:

Depois daquela cinebiografia de Elvis Presley no cinema tem surgido esses produtos derivados que se propõem a contar a história do cantor Elvis Presley. Para o público mais jovem que eventualmente tenha despertado interesse pelo artista é até algo bem interessante. Faz parte do jogo de se revitalizar esse marca que ainda vale muitos milhões de dólares no mercado. Já para os fãs das antigas, para os veteranos de cabelos brancos, não vai haver nada de muito novo ou original. São apenas as mesmas velhas histórias que se conhecem há anos de livros e materiais mais antigos. Nada de novo no front, como afirma o velho ditado. Então deixo a recomendação, mas apenas para os marinheiros de primeira viagem. Para os veteranos vai soar como embalagem nova em cima de produto velho. É natural que isso aconteça, afinal o tempo é implacável. 

Pablo Aluísio. 

Elvis Presley - Girl Happy

Música: Girl Happy

Artista: Elvis Presley

Álbum: Girl Happy

Selo: RCA Victor

Produtor: George Stoll

Músicos: Elvis Presley (vocais); Scotty Moore (guitarra); Charlie McCoy (guitarra, baixo e harmônica); Bob Moore (baixo); D. J. Fontana (bateria); Hal Blaine (bateria e percussão); Larry Muhoberac (piano); Floyd Cramer (piano); Boots Randolph (saxofone); The Jordanaires (vocais de apoio)

Data de gravação: 10 de junho de 1964

Data de Lançamento: 1º de março de 1965

Comentários:

“Girl Happy” foi gravada por Elvis Presley em 1964 para o filme homônimo produzido pela Metro-Goldwyn-Mayer, período em que a carreira do cantor estava fortemente vinculada ao cinema. A música foi composta por Bill Giant, Bernie Baum e Florence Kaye, a equipe de compositores responsável por diversas canções da fase cinematográfica de Elvis. Diferentemente de grandes clássicos do início de sua carreira, a composição foi concebida especificamente para o universo descontraído e juvenil de Girl Happy, uma comédia musical ambientada em Fort Lauderdale, na Flórida. A letra apresenta Elvis interpretando um personagem preocupado em manter o relacionamento amoroso enquanto tenta lidar com as tentações e situações típicas da narrativa do filme. Musicalmente, a faixa combina elementos do rock and roll com o pop produzido para trilhas sonoras de Hollywood, apresentando uma interpretação bastante energética e acessível. A voz de Elvis demonstra ainda grande segurança, embora a música esteja distante da intensidade artística encontrada em suas gravações mais importantes dos anos 1950. O arranjo utiliza uma instrumentação relativamente rica, com guitarra, piano, seção rítmica, saxofone e vocais de apoio, criando uma atmosfera ensolarada e divertida. A gravação também mostra como Elvis continuava sendo capaz de imprimir personalidade a materiais compostos sob encomenda para seus filmes.

Dentro da carreira de Elvis, “Girl Happy” representa claramente a fase em que o cinema ocupava uma posição central em sua produção artística. Em 1964, Elvis já havia conquistado uma posição histórica como um dos maiores nomes da música popular, mas seus lançamentos musicais começavam a ser cada vez mais determinados pelas exigências de seus filmes e trilhas sonoras. A música foi bem recebida dentro desse contexto, embora não tenha alcançado o mesmo status crítico ou cultural de seus grandes sucessos dos anos 1950 e início dos anos 1960. O álbum Girl Happy chegou ao mercado em 1965 e obteve desempenho comercial razoável, acompanhando o sucesso do filme entre o público jovem. A faixa se destaca principalmente pelo caráter alegre, pela interpretação descontraída de Elvis e pela eficiente combinação entre rock, pop e elementos de música de entretenimento. Apesar de não ser considerada uma das obras fundamentais de sua discografia, “Girl Happy” possui importância documental para compreender uma etapa específica de sua carreira. Ela representa o Elvis de Hollywood, ainda extremamente popular, mas submetido a um modelo industrial que privilegiava a quantidade de trilhas sonoras em detrimento de projetos musicais mais ambiciosos. Seu legado está justamente em preservar o retrato de uma época em que Elvis era simultaneamente astro do cinema e fenômeno musical mundial. Para os admiradores do cantor, a gravação permanece como um exemplo característico de sua produção cinematográfica dos anos 1960 e ajuda a compreender a trajetória que posteriormente levaria Elvis à renovação artística do final daquela década.

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

The Beatles - Eleanor Rigby

The Beatles - Eleanor Rigby

Música: Eleanor Rigby

Artista: The Beatles

Álbum: Revolver

Selo: Parlophone

Produtor: George Martin

Músicos: Paul McCartney (voz principal e vocais de apoio); John Lennon (vocais de harmonia); George Harrison (vocais de harmonia); Tony Gilbert (violino); Sidney Sax (violino); John Sharpe (violino); Juergen Hess (violino); Stephen Shingles (viola); John Underwood (viola); Derek Simpson (violoncelo); Norman Jones (violoncelo); George Martin (arranjo de cordas e regência).

Data de gravação: 28 e 29 de abril e 6 de junho de 1966, nos estúdios EMI, Abbey Road, Londres.

Data de Lançamento: 5 de agosto de 1966, no Reino Unido.

Comentários:

“Eleanor Rigby” foi composta principalmente por Paul McCartney durante o período de criação que daria origem a Revolver, sendo creditada oficialmente à tradicional parceria Lennon-McCartney. A composição nasceu de uma ideia musical que McCartney desenvolveu ao piano e que inicialmente apresentava a personagem com o nome de “Daisy Hawkins”. A temática surgiu de suas lembranças de pessoas solitárias e idosas que conhecera durante a juventude, especialmente mulheres com quem teve contato em Liverpool. A própria experiência de conversar com pessoas mais velhas e perceber suas vidas discretas ajudou a formar a atmosfera humana da canção. O nome Eleanor surgiu posteriormente, associado à atriz Eleanor Bron, enquanto “Rigby” foi encontrado por McCartney em um estabelecimento comercial em Bristol. A narrativa de Eleanor, uma mulher invisível que recolhe arroz depois de casamentos, e do solitário padre McKenzie transformou a música em uma reflexão sobre isolamento, envelhecimento, anonimato e falta de conexão humana. Musicalmente, a gravação representou uma ruptura extraordinária com o modelo tradicional de uma canção pop dos Beatles: nenhum dos integrantes tocou instrumento no arranjo final, que foi construído sobre um octeto de cordas formado por quatro violinos, duas violas e dois violoncelos. George Martin criou o arranjo e utilizou uma escrita de cordas marcada por ataques secos e intensos, evitando deliberadamente um acompanhamento excessivamente sentimental. A abordagem recebeu influência da música cinematográfica de Bernard Herrmann, particularmente de suas partituras para filmes de Alfred Hitchcock.

A gravação ocorreu num momento decisivo da trajetória dos Beatles, quando o grupo estava abandonando progressivamente a imagem de uma banda essencialmente voltada para apresentações ao vivo e começava a explorar o estúdio como instrumento de criação artística. A sessão de 28 de abril registrou o acompanhamento das cordas, enquanto no dia seguinte Paul acrescentou sua voz principal e John Lennon e George Harrison participaram dos vocais de harmonia; um novo overdub vocal de McCartney foi realizado em 6 de junho. O engenheiro Geoff Emerick contribuiu para o caráter incomum da gravação ao posicionar os microfones muito próximos dos instrumentos de cordas, produzindo um som mais agressivo, definido e presente. Lançada simultaneamente em Revolver e como lado A duplo com “Yellow Submarine”, a música foi imediatamente reconhecida como uma das experiências mais ousadas do grupo naquele período. O single alcançou o primeiro lugar no Reino Unido, permanecendo no topo durante quatro semanas, enquanto nos Estados Unidos “Eleanor Rigby” chegou ao 11º lugar da Billboard Hot 100. Sua importância, porém, ultrapassa largamente seu desempenho comercial: a canção demonstrou que uma composição pop de pouco mais de dois minutos poderia possuir densidade literária, sofisticação harmônica e uma instrumentação próxima da música de câmara. Ao longo das décadas, tornou-se uma das obras mais celebradas do repertório dos Beatles, recebeu inúmeras versões de outros artistas e ajudou a abrir caminho para uma aproximação cada vez maior entre rock, música erudita e composição de caráter autoral. Seu legado permanece particularmente forte porque “Eleanor Rigby” transformou a solidão cotidiana em matéria-prima para uma das mais universais e duradouras canções da história da música popular.

Erick Steve.

The Beach Boys - Don't Worry Baby

Música: Don't Worry Baby

Artista: The Beach Boys

Álbum: Shut Down Volume 2

Selo: Capitol Records

Produtor: Brian Wilson

Músicos: Brian Wilson (vocais principais, vocais de apoio, piano); Mike Love (vocais de apoio); Carl Wilson (guitarra elétrica, vocais de apoio); Al Jardine (baixo elétrico, vocais de apoio); Dennis Wilson (bateria, vocais de apoio)

Data de gravação: 7 de janeiro de 1964; overdubs de vocais e guitarra em 8 ou 9 de janeiro de 1964

Data de Lançamento: 2 de março de 1964, no álbum Shut Down Volume 2; 11 de maio de 1964, como lado B de “I Get Around”

Comentários:

“Don't Worry Baby” foi composta por Brian Wilson e Roger Christian e nasceu de uma combinação entre experiência pessoal, inspiração romântica e a profunda admiração de Wilson pelo trabalho de Phil Spector e das Ronettes. A principal referência musical foi “Be My Baby”, grande sucesso das Ronettes produzido por Spector em 1963, que Wilson considerava uma das gravações mais perfeitas já realizadas. A intenção não era simplesmente copiar a canção, mas tentar reproduzir a emoção que ela provocava, adaptando aquela linguagem ao universo dos Beach Boys. Wilson desenvolveu a música a partir da letra de Christian e construiu uma melodia extremamente delicada, com uma interpretação vocal em falsete que se tornou uma de suas marcas mais conhecidas. A letra apresenta um homem inseguro diante de um desafio e uma mulher que procura tranquilizá-lo, criando uma atmosfera de vulnerabilidade bastante diferente das tradicionais canções de surf e automóveis dos Beach Boys. Essa dimensão emocional ajudou a ampliar consideravelmente o universo temático da banda. Musicalmente, a canção apresenta uma estrutura sofisticada, com mudanças harmônicas e uma modulação que produz uma sensação de elevação antes do refrão. A combinação entre os vocais em várias camadas, a guitarra, o piano, o baixo e a bateria criou uma sonoridade extremamente rica, embora sem reproduzir diretamente o famoso “Wall of Sound” de Spector.

A gravação aconteceu no início de 1964, quando os Beach Boys estavam rapidamente deixando de ser apenas um fenômeno ligado à música de surf para se transformar em uma das bandas mais criativamente ambiciosas da música popular americana. Registrada nos estúdios United Western Recorders, em Hollywood, durante duas sessões de oito horas, a música contou com todos os integrantes tocando seus próprios instrumentos, com os vocais e algumas partes instrumentais sendo posteriormente acrescentados em overdubs. Embora inicialmente tenha sido lançada no álbum Shut Down Volume 2, “Don't Worry Baby” ganhou enorme importância quando foi escolhida como lado B de “I Get Around”, primeiro single dos Beach Boys a chegar ao número 1 nos Estados Unidos. Mesmo sendo o lado B, a canção recebeu intensa execução radiofônica e chegou ao número 24 da Billboard Hot 100, resultado extraordinário para uma faixa que não era o lado principal do single. Com o passar dos anos, sua reputação crítica cresceu ainda mais, e a composição passou a ser considerada uma das grandes obras de Brian Wilson e dos Beach Boys, aparecendo inclusive em importantes listas históricas de grandes canções do rock. A gravação é especialmente admirada pela delicadeza do vocal de Wilson, pela riqueza das harmonias e pela maneira como transforma ansiedade e insegurança em uma experiência musical reconfortante. Seu legado é enorme: “Don't Worry Baby” ajudou a demonstrar que o universo dos Beach Boys podia ir muito além do surf e das praias da Califórnia, antecipando a extraordinária evolução artística que Brian Wilson conduziria nos anos seguintes. É uma das gravações que melhor representam a passagem do grupo de uma banda adolescente de sucesso para uma força criativa fundamental da música popular dos anos 1960.

Pablo Aluísio e Erick Steve.