Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor

Título no Brasil: Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor

Título Original: Practical Magic 2

Ano de Lançamento: 2026

País: Estados Unidos

Estúdio: Warner Bros. Pictures

Direção: Susanne Bier

Roteiro: Akiva Goldsman, Georgia Pritchett e Kelly Marcel, baseado no romance The Book of Magic, de Alice Hoffman

Elenco: Sandra Bullock, Nicole Kidman, Joey King, Maisie Williams, Lee Pace, Xolo Maridueña

Sinopse: 

Depois de quase três décadas, as irmãs Sally e Gillian Owens continuam ligadas à tradição mágica de sua família e ainda precisam lidar com a antiga maldição que acompanha as mulheres do clã. Segundo a maldição, as mulheres Owens não podem se apaixonar sem correr o risco de perder tragicamente os homens que amam. Quando uma nova geração da família passa a enfrentar as consequências desse destino, Sally e Gillian precisam novamente recorrer aos conhecimentos mágicos transmitidos por suas ancestrais. A história também acompanha Kylie e Antonia, filhas de Sally, que começam a descobrir mais profundamente a herança sobrenatural da família. Kylie acaba envolvida em uma situação que coloca novamente a maldição no centro da vida dos Owens. Sally, Gillian e as novas gerações precisam então encontrar uma maneira de quebrar esse ciclo que atravessa várias gerações. A aventura reúne magia, romance, humor e conflitos familiares, retomando personagens e elementos apresentados no filme original de 1998.

Comentários: 

Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor retoma quase trinta anos depois a história das irmãs Sally e Gillian Owens, novamente interpretadas por Sandra Bullock e Nicole Kidman. A produção também recupera Dianne Wiest e Stockard Channing como Jet e Franny, enquanto apresenta novos personagens interpretados por Joey King, Maisie Williams, Lee Pace e Xolo Maridueña. A direção ficou a cargo de Susanne Bier, que conduz a continuação mantendo a combinação de fantasia, romance, humor e drama familiar característica da série. O filme foi baseado no romance The Book of Magic, de Alice Hoffman, que também serviu como referência para ampliar o universo das personagens. A produção foi lançada nos cinemas brasileiros em 10 de setembro de 2026, com duração de 130 minutos. A Warner Bros. manteve a produção como uma continuação direta da história anterior, apostando principalmente no reencontro das duas protagonistas e na introdução de uma nova geração da família Owens.

A recepção inicial foi variada, com críticos destacando especialmente o retorno de Sandra Bullock e Nicole Kidman e a presença das personagens tradicionais. A Folha de S.Paulo observou que o longa combina humor, emoção e celebração familiar, enquanto também apontou algumas críticas relacionadas aos diálogos e às situações cômicas. A produção também recebeu atenção pelo modo como amplia a história das mulheres da família e apresenta personagens mais jovens assumindo um papel central na narrativa. O filme procura recuperar a atmosfera do longa de 1998 sem simplesmente repetir sua história, utilizando a nova geração para explorar novamente a maldição dos Owens. A participação de Joey King e Maisie Williams ajuda a estabelecer essa passagem entre as antigas protagonistas e as novas personagens. Ao mesmo tempo, o reencontro de Bullock, Kidman, Wiest e Channing funciona como uma ligação direta com o primeiro filme. Com isso, Da Magia à Sedução: Feitiço de Amor tornou-se uma continuação marcada principalmente pela reunião de seu elenco original e pela expansão do universo mágico da família Owens. Uma nova roupagem da história e das personagens do primeiro filme, mais indicada apenas a quem apreciou de verdade o filme original dos anos 90.

Erick Steve. 

Coyote vs. Acme

Título no Brasil: Coyote vs. Acme

Título Original: Coyote vs. Acme

Ano de Lançamento: 2026

País: Estados Unidos

Estúdio: Warner Bros. Pictures / Ketchup Entertainment

Direção: Dave Green

Roteiro: Samy Burch

Elenco: Will Forte, Lana Condor, John Cena, Tone Bell, Martha Kelly e Luis Guzmán

Sinopse: 

Depois de sofrer durante anos com as armadilhas e produtos defeituosos da Acme Corporation em sua interminável perseguição ao Papa-Léguas, Wile E. Coyote decide finalmente tomar uma atitude. Em vez de continuar tentando capturar seu grande adversário, ele resolve processar judicialmente a gigantesca empresa responsável pelos produtos que tantas vezes acabaram explodindo, esmagando ou ferindo o próprio Coyote. Para defender seus interesses, ele conta com o advogado Kevin Avery, um profissional que há muito tempo não atua em um tribunal e que vê no caso uma oportunidade de reconstruir sua carreira. Do outro lado está o poderoso advogado da Acme Corporation, Buddy Crane, que fará de tudo para impedir que a empresa seja responsabilizada. Enquanto a batalha judicial se desenvolve, personagens clássicos dos Looney Tunes aparecem ao lado dos atores em uma mistura de animação e ação ao vivo.

Comentários: 

Coyote vs. Acme teve uma trajetória extraordinariamente complicada antes de chegar ao público. O filme foi concluído pela Warner Bros., mas o estúdio decidiu arquivá-lo em 2023 para utilizá-lo como benefício fiscal, mesmo depois de toda a produção ter sido finalizada. A decisão provocou forte reação entre profissionais de Hollywood e fãs dos Looney Tunes, principalmente porque o longa havia custado cerca de US$ 70 milhões. Durante algum tempo, a produção chegou a ser oferecida a outras empresas, mas nenhum acordo foi concretizado. Em 2025, a Ketchup Entertainment adquiriu os direitos e finalmente garantiu um lançamento comercial nos cinemas. A história acabou transformando o próprio filme em uma espécie de sobrevivente, numa situação curiosamente semelhante às dificuldades enfrentadas pelo personagem principal.

A recepção após o lançamento foi positiva em vários aspectos, especialmente entre os críticos interessados em animação e nos personagens clássicos dos Looney Tunes. O The Hollywood Reporter considerou o filme um dos melhores exemplos da combinação entre ação ao vivo e animação, destacando o humor e a utilização dos personagens tradicionais. Já a Variety teve uma avaliação mais moderada, reconhecendo que o filme merece ter sido lançado, mas considerando menos convincentes algumas das partes com atores reais. A produção também é importante por recuperar para o cinema personagens como Papa-Léguas, Coiote, Pernalonga e Patolino em uma aventura de longa-metragem com uma proposta diferente. A mistura entre tribunal, comédia e animação cria uma situação bastante adequada ao universo dos Looney Tunes, especialmente porque transforma décadas de fracassos do Coyote em uma espécie de processo judicial. Depois de quase desaparecer completamente, Coyote vs. Acme acabou chegando às telas em 2026 como uma curiosa história de sobrevivência cinematográfica.

Erick Steve. 

Osíris

Título no Brasil: Osíris

Título Original: Osiris

Ano de Lançamento: 2025

País: Estados Unidos

Direção: William Kaufman

Roteiro: William Kaufman, Paul Reichelt

Elenco: Max Martini, Brianna Hildebrand, Linda Hamilton, LaMonica Garrett, Michael Irby, Linds Edwards, Jaren Mitchell e David B. Meadows.

Sinopse:

Em um futuro próximo, um grupo de militares das forças especiais dos Estados Unidos são capturados e levados para dentro de uma nave de uma raça de aliens vinda do espaço. E dentro desse espaço limitado eles começam um jogo mortal de vida e morte contra os invasores do Planeta Terra. 

Comentários:

Eu já assisti a esse filme no passado. Foi há 40 anos, ele se chamava "Aliens - O Resgate" e era muitas vezes superior a essa porcaria! Eu realmente fico impressionado como tanto tempo depois ainda se produz um material tão ruim como esse! É o dilema do sistema de streaming. Eles precisam preencher uma cota de filmes lançados todos os meses e nesse processo surgem esses lixos que nem cinematográficos são! São produções feitas de qualquer jeito, sem nenhum cuidado ou capricho, produzidos a toque de caixa apenas para suprir o carregamento de novos filmes. Quem se sente prejudicado com tudo isso é o pobre assinante que acaba pagando por esse tipo de coisa, assistindo ou não! De minha parte devo dizer que nada, absolutamente nada se salva. Roteiro ruim, atores incapazes, monstros mal feitos. Esses aliens borrachudos parecem que saíram de algum episódio de "Jaspion". Enfim esqueça, esse Osiris não tem nenhuma salvação. Não serve nem pra rir, é apenas lixo! 

Pablo Aluísio. 

Vozes do Além

Título no Brasil: Vozes do Além

Título Original: From Beyond the Grave
Ano de Produção: 1974
País: Estados Unidos
Estúdio: Amicus Productions
Direção: Kevin Connor
Roteiro: R. Chetwynd-Hayes, Raymond Christodoulou
Elenco: Peter Cushing, Ian Bannen, Ian Carmichael, Donald Pleasence, Diana Dors, Margaret Leighton

Sinopse:
Vários contos de terror, todos centrados nos personagens que entram numa loja de antiguidades de propriedade do sinistro dono interpretado por Peter Cushing. São quatro os contos: "The Gate Crasher", "An Act of Kindness", "The Elemental" e  "The Door".

Comentários:
Peter Cushing empresta todo seu carisma para esse filme que de certa forma acabou se tornando um dos últimos suspiros da velha fórmula de se fazer filmes de terror. Afinal já eram os anos 70, diretores como Steven Spielberg e George Lucas estavam surgindo e com eles toda uma nova leva de cineastas que iriam mudar os conceitos de filmes de fantasia, ficção e terror. Por essa razão "Vozes do Além" é um achado com seu estilo retrô, nostálgico, de se produzir fitas de terror. A fotografia, os cenários e os figurinos são todos feitos para dar aquele clima de algo antigo, sinistro, enterrado em covas profundas, ao espectador. Os objetos parecem ter saídos de alguma casa mal assombrada, de alguma cova putrefata, de terem pertencido a algum falecido. Nada mais assustador (e divertido). O resultado é muito bom, adequado aos cinéfilos que adoram aquele velho modo de assustar o público.

Pablo Aluísio.

Lobisomens Sobre Rodas

Título no Brasil: Lobisomens Sobre Rodas

Título Original: Werewolves on Wheels

Ano de Produção: 1971

País: Estados Unidos

Estúdio: South Street Films

Direção: Michel Levesque

Roteiro: David M. Kaufman, Michel Levesque

Elenco: Steve Oliver, Donna Anders, Gene Shane

Sinopse: 

Um grupo de motoristas no estilo dos Hell's Angels (mas neste caso, chamado The Devil's Advocate), percorre o sudoeste dos Estados Unidos procurando encrenca, bebendo cerveja e assustando os velhinhos. Ao se encrencarem com uma seita demoníaca (!) são "amaldiçoados" e começam a morrer de forma misteriosa...

Comentários:

Fime de drive-in. Por essa época, começo dos anos 1970, esse tipo de cinema onde o sujeito entrava com seu carro em uma grande área aberta com um telão na frente já estava em franca decadência mas ainda resistia em cidades empoeiradas do interior americano. O preço era a metade de um cinema normal então os filmes exibidos geralmente eram porcarias trashs feitas a toque de caixa. "Werewolves on Wheels" foi apenas mais um dos quatro filmes dirigidos por Michel Levesque, todos trashs. Pior do que colocar lobisomens andando de motos só "Sweet Sugar", seu filme seguinte, que não tinha roteiro nenhum, só um monte de garotas de bikinis andando seminuas nas praias da Costa Rica. Afinal quem precisa de algo a mais do que isso?"

Pablo Aluísio.

Hollywood Boulevard - John Wayne - Parte 20

Em 1952 John Wayne realizou apenas dois filmes, um número bem abaixo do que ele estava acostumado a trabalhar em Hollywood. Aos 44 anos de idade ele queria se desenvolver melhor como ator, sem ficar muito preso apenas aos filmes de faroeste, guerra ou aventura. Acabou contando para isso com o sempre amigo e parceiro John Ford. A produção em andamento se chamava "The Quiet Man" (no Brasil o filme recebeu o título de "Depois do Vendaval"). O ator leu o roteiro e adorou! Aquele tipo de personagem era justamente o que Wayne tanto procurava. 

No começo o diretor John Ford não tinha muita certeza se John Wayne era o ator ideal para fazer o filme. Na realidade ele queria Clark Gable no papel principal. Depois de uma ou duas semanas de hesitação ele finalmente resolveu arriscar a assinou com Wayne. No primeiro dia de filmagens Wayne ficou um pouco nervoso pois seu papel trazia muitos desafios. Só que logo encontrou o tom certo para interpretar seu personagem chamado Sean Thornton. Ao seu lado no set de filmagens estava a colega e amiga Maureen O'Hara. O filme era uma produção muito diferente dos tradicionais westerns e filmes de guerra que havia marcado a carreira recente do ator. Wayne interpretava um americano de origem irlandesa que retornava à Irlanda e acabava se envolvendo em um romance com Mary Kate Danaher, personagem de O'Hara. A produção tornou-se uma das obras mais importantes da parceria entre Wayne e Ford.

Ao chegar nos cinemas o resultado foi espetacular para Wayne e Ford. Sucesso de público e crítica, o filme chegou a ser indicado a dez categorias no Oscar! Isso nunca havia acontecido antes com John Wayne em sua longa carreira. Ele ficou bastante orgulhoso e chegou a dizer em uma entrevista: "Mal posso acreditar no que está acontecendo! Nem em minhas mais altas expectativas poderia pensar que isso poderia acontecer!". Já John Ford acabou vencendo o Oscar de melhor diretor. Ele agradeceu publicamente a John Wayne por seu trabalho no filme. Foi um grande êxito para a dupla. 

Com tantas coisas acontecendo, Wayne mal teve tempo para terminar seu segundo filme nesse ano. Chamado no Brasil de "Uma Aventura Perigosa" (Big Jim McLain, 1952), as filmagens precisaram ser interrompidas várias vezes para que John Wayne comparecesse em festas, festivais e premiações envolvendo o filme anterior. Dirigido por Edward Ludwig, John Wayne interpretava aqui um personagem chamado Jim McLain, um investigador ligado ao Comitê de Atividades Antiamericanas em atuação no Havaí. Era um tema sensível, mas Wayne nunca havia escondido que apoiava o banimento de agentes ligados ao comunismo radical em Hollywood. Talvez por essa razão o filme não tenha chegado nem perto do èxito comercial e de crítica se comparado a "Depois do Vendaval". Para muitos foi um verdadeiro erro cometido por Wayne, logo após um de seus melhores momentos na carreira. 

Pablo Aluísio. 

A Embriaguez do Sucesso

Título no Brasil: A Embriaguez do Sucesso
Título Original: Sweet Smell of Success
Ano de Produção: 1957
País: Estados Unidos
Estúdio: United Artists
Direção: Alexander Mackendrick
Roteiro: Clifford Odets, Ernest Lehman
Elenco: Burt Lancaster, Tony Curtis, Susan Harrison, Martin Milner, Jeff Donnell, Sam Levene

Sinopse:
Poderoso, mas antiético, colunista da Broadway J.J. Hunsecker (Burt Lancaster) obriga o inescrupuloso agente de imprensa Sidney Falco (Tony Curtis) a terminar o romance de sua irmã com um músico de jazz. Filme indicado ao BAFTA Awards na categoria de melhor ator (Tony Curtis).

Comentários:
Excelente filme clássico onde a dupla central de atores surpreende. Burt Lancaster era visto como um herói dos filmes de aventura. Ele começou sua carreira no circo e se tornou famoso no cinema por causa de seus personagens atléticos, cheios de força e honestidade. Já Tony Curtis foi um dos galãs mais populares de sua época. Ele tinha um raro talento para comédias românticas, onde seu tipo se encaixava perfeitamente bem. Pois tanto Lancaster como Curtis decidiram deixar essas imagens para trás nesse filme. Aqui eles interpretam tipos asquerosos e sem ética, que usam de tudo para manipular as pessoas, atingindo assim seus objetivos nada nobres. É uma disputa de sordidez para ver quem é o mais inescrupuloso, o mais mau-caráter dos dois. Para atores que construíram suas carreiras em cima da imagem de protagonistas bonzinhos foi uma mudança e tanto. O filme também surpreende pela qualidade. A fotografia em bonito preto e branco captou as ruas reais de Nova Iorque, fugindo do esquema de filmagem dentro de estúdios que era tão comum em Los Angeles. Isso trouxe um realismo incrível ao filme. Enfim, uma ótima amostra de ousadia na era de ouro em Hollywood, em um filme onde não havia protagonistas, mas apenas antagonistas. Foi um serviço completo de vilania e bom cinema.

Pablo Aluísio.

Henrique VIII - O Monarca Corrompido

Henrique VIII foi o símbolo máximo do sistema absolutista monárquico na Europa. Sua vontade era a Lei, todos que lhe fizessem oposição eram punidos com a morte. Havia até mesmo uma máxima aplicada pelos tribunais ingleses que dizia: "O Rei nunca está errado. O Rei sempre está certo!". Claro, puro absurdo! Certa vez Montesquieu afirmou: “É uma experiência eterna: todo homem que tem poder é levado a abusar dele; ele vai até onde venha a encontrar limites”. A história nos prova bem isso, o autor do clássico livro O Espírito das Leis (1748) estava mais do que certo. O Iluminismo foi uma fonte de sabedoria única na história da humanidade. 

E a história de Henrique VIII provou muito bem a teoria do mestre francês. O monarca inglês foi um tirano que acabou a vida completamente corrupto, criminoso e corrompido. E isso até hoje causa surpresa nos historiadores. Estudando a vida dos anos iniciais do Rei eles percebem que ele começou sua vida política como um jovem muito íntegro, religioso e misericordioso. Escreveu até mesmo tratados de teologia afirmando a força da bondade! Era visto como até mesmo um poeta entre as classes mais populares. O povo o admirava, sendo que sempre era saudado pelas multidões por onde passava. A Inglaterra estava em boas mãos com aquele rapaz honrado e muito bondoso para com o povo! - diziam todos. 

Só que isso foi em sua juventude. Conforme o tempo foi passando Henrique VIII jogou todos os seus princípios éticos e religiosos da juventude fora! Ele foi se tornando cruel ao máximo, mandando executar várias de suas esposas, se entregando aos prazeres mundanos, até a transformação em um homem completamente vil e sem escrúpulos. Virou o tirano que um dia havia criticado tanto. Abusou do poder máximo que tinha das piores formas possíveis! Rompeu com o Papa em Roma, tomou os bens da Igreja Católica, mandou perseguir e matar as pessoas do povo que não fossem para a Igreja que ele mesmo fundou (chamada de Igreja Anglicana). Não satisfeito massacrou membros do clero católico e decaptou milhares que não renunciaram à sua fé original.  Seu decreto era simples de entender: Ou se tornava anglicano ou seria punido com pena de morte pelo Rei! E tudo porque o Papa da época não quis lhe dar o divórcio de sua esposa, que não conseguia lhe dar o tão aguardado herdeiro masculino ao trono. 

Henrique terminou seus dias com muito sangue em suas mãos, inclusive de muitas de suas esposas. O caso mais conhecido foi o de Ana Bolena. O Rei acusou ela de infidelidade, algo que todos na corte sabiam ser mentira. Mandou cortar sua cabeça na Torre de Londres. Por uma ironia do destino a futura Rainha da Inglaterra iria ser justamente Elizabeth I, filha de Bolena. Os dias finais de Henrique VIII foram horríveis. Ele apodreceu em vida. Extremamente obeso, acamado, com uma ferida na perna que nunca cicatrizava. Relatos de cronistas da época dizem que o cheiro no quarto do monarca era insuportável. Sempre de péssimo humor, Henrique não aceitava sentir qualquer desgosto, decepção ou raiva! Quando isso acontecia mandava logo cortar a cabeça do infeliz que lhe ajudava no quarto onde sucumbia e que não havia obedecido direito suas ordens. Suas palavras preferidas agora eram: Cortem sua cabeça! - gritava o Rei a plenos pulmões! Com o passar das semanas nenhum membro da corte queria mais esse serviço. Era risco de morte! 

Quando finalmente morreu, o povo celebrou nas vilas distantes. O tirano sanguinário havia morrido. Seu funeral foi rápido, pois o corpo estava em decomposição avançada. Ele era tão mal visto por seu povo que seu caixão foi praticamente jogado debaixo de um túnel escuro, numa cripta abaixo de uma igreja. Com o passar dos anos seu caixão rompeu e seu corpo ficou exposto. Era um monarca tão mal visto por todos que ninguém sequer quis consertar essa situação. Ainda hoje o Rei segue ali, abandonado. Entre o povo corria a seguinte frase popular: "Não mexam mais com Henrique. Reforcem as paredes de sua tumba para que ele nunca mais consiga sair dela. Deixem ele onde está, para ser esquecido pela eternidade". 

Pablo Aluísio. 

Elvis Presley - Roustabout

Elvis Presley - Roustabout

Lançado em 20 de outubro de 1964, Roustabout foi o décimo álbum de trilha sonora de Elvis Presley e acompanhou o filme de mesmo nome, no qual o cantor interpretou Charlie Rogers, um motociclista que acaba trabalhando em um parque de diversões itinerante. O disco pertence a uma fase extremamente produtiva da carreira de Elvis, quando seus compromissos cinematográficos faziam com que grande parte de sua produção musical estivesse ligada aos filmes de Hollywood. Mesmo assim, Roustabout apresenta algumas canções bastante interessantes, especialmente a faixa-título, "Roustabout", "Little Egypt" e "There's a Brand New Day on the Horizon". Musicalmente, o álbum combina rock and roll, pop, country e números de entretenimento típicos das trilhas cinematográficas de Elvis. A gravação da trilha ocorreu em Hollywood, com produção de Joseph Lilley e canções compostas por compositores como Fred Wise, Ben Weisman e outros profissionais ligados à produção musical da época. O trabalho também é importante por registrar Elvis em um período de enorme popularidade comercial, mesmo que artisticamente sua carreira estivesse começando a se afastar da força criativa de seus primeiros anos. Roustabout representa, portanto, muito bem a relação cada vez mais estreita entre a carreira cinematográfica e a carreira fonográfica do cantor.

A recepção crítica de Roustabout foi moderada, refletindo a crescente percepção de que as trilhas sonoras de Elvis estavam se tornando mais previsíveis. A Billboard reconheceu o potencial comercial do lançamento e destacou a capacidade de Presley de continuar produzindo material atraente para seu enorme público. A revista observava que a presença de Elvis era suficiente para transformar uma trilha cinematográfica em um produto importante para as lojas de discos. A Cash Box também recebeu o álbum favoravelmente, chamando atenção para a faixa-título e para o apelo comercial do repertório. Entretanto, os críticos começaram a estabelecer uma comparação cada vez mais desfavorável entre esses trabalhos e os primeiros discos de Elvis. A energia e a criatividade do rock dos anos 1950 já não estavam tão presentes, enquanto as exigências dos filmes determinavam cada vez mais o tipo de música que o cantor gravava. A avaliação retrospectiva tornou-se mais crítica, mas também mais contextualizada: especialistas reconhecem que Roustabout não deve ser comparado apenas com os melhores álbuns de Elvis, mas entendido como produto de uma indústria cinematográfica que utilizava sua enorme popularidade para alimentar simultaneamente as bilheterias e as vendas de discos.

A crítica posterior também encontrou qualidades específicas no álbum. A faixa "Little Egypt", por exemplo, tornou-se uma das gravações mais lembradas da trilha e demonstra que Elvis ainda conseguia imprimir personalidade a material relativamente simples. "Roustabout" possui uma sonoridade mais direta e representa melhor a imagem rebelde que o cinema ainda procurava associar ao cantor. Ao mesmo tempo, músicas como "Poison Ivy League" e "Hard Knocks" revelam a natureza mais leve e humorística que dominava muitos dos filmes de Elvis naquele período. Publicações especializadas em sua obra passaram posteriormente a observar que o álbum possui uma importância documental: ele mostra exatamente onde Elvis estava artisticamente em 1964, pouco antes da chegada da Beatlemania e da transformação radical do mercado musical. A imprensa cultural americana, incluindo veículos como o The New York Times e o Los Angeles Times, acompanhava a crescente presença de Elvis no cinema, embora as trilhas sonoras nem sempre recebessem o mesmo tratamento crítico dedicado aos grandes discos de música popular. Hoje, os especialistas tendem a reconhecer que Roustabout não está entre seus trabalhos mais importantes, mas algumas de suas melhores faixas mostram que o cantor ainda possuía recursos vocais e carisma suficientes para elevar material convencional.

Comercialmente, porém, Roustabout foi um grande sucesso. O álbum alcançou o primeiro lugar da Billboard 200 nos Estados Unidos, permanecendo no topo durante duas semanas. Esse resultado foi particularmente impressionante porque ocorreu em 1964, justamente quando os Beatles e outros artistas britânicos começavam a dominar o mercado americano. A trilha sonora conseguiu superar diversos lançamentos importantes da época e tornou-se o último álbum de Elvis nos anos 60 a alcançar o primeiro lugar da parada americana durante sua vida. O single "Roustabout" também teve bom desempenho e chegou ao 47º lugar da Billboard Hot 100. O sucesso comercial demonstrou que, apesar da queda relativa na qualidade de seu repertório, Elvis continuava sendo uma das maiores forças comerciais da indústria fonográfica. A popularidade do filme também ajudou o álbum, criando uma poderosa combinação entre cinema, televisão, rádio e lojas de discos. Roustabout acabaria recebendo certificação de ouro pela RIAA, confirmando vendas superiores a 500 mil cópias nos Estados Unidos. Dessa maneira, o disco representa um dos últimos grandes triunfos comerciais da fase de trilhas sonoras de Elvis.

O legado de Roustabout é hoje bastante particular. Entre os fãs mais dedicados de Elvis, o álbum é lembrado principalmente por representar o auge comercial de uma fórmula que começaria a apresentar sinais cada vez mais evidentes de desgaste. Embora não tenha a importância artística de Elvis Is Back!, From Elvis in Memphis ou mesmo de algumas de suas trilhas anteriores, o disco possui valor histórico por ter chegado ao número 1 da Billboard em um momento de profundas transformações na música popular. "Roustabout" e "Little Egypt" continuam sendo as faixas mais lembradas, enquanto o restante do repertório oferece um retrato bastante fiel do Elvis cinematográfico de 1964. O álbum também ajuda a compreender por que sua carreira precisaria de uma renovação poucos anos depois, quando o especial de televisão de 1968 e as gravações de Memphis recolocariam sua música em primeiro plano. Atualmente, Roustabout é geralmente visto como uma obra secundária, mas interessante dentro de sua discografia. Para os fãs, continua sendo uma peça importante da coleção de trilhas de Hollywood e um documento de uma época em que Elvis ainda conseguia transformar praticamente qualquer lançamento em sucesso comercial.

Elvis Presley - Roustabout (1964)

Roustabout

Little Egypt

Poison Ivy League

Hard Knocks

It's a Wonderful World

Big Love, Big Heartache

One Track Heart

It's Carnival Time

Carny Town

There's a Brand New Day on the Horizon

Wheels on My Heels

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

The Beatles - We Can Work It Out

The Beatles - We Can Work It Out

Música: We Can Work It Out

Artista: The Beatles

Álbum: Não lançada originalmente em álbum — primeiro lançamento no single We Can Work It Out / Day Tripper

Selo: Parlophone (Reino Unido); Capitol (Estados Unidos)

Produtor: George Martin

Músicos: Paul McCartney (vocais, baixo); John Lennon (vocais, guitarra acústica, harmônio); George Harrison (pandeiro); Ringo Starr (bateria)

Data de gravação: 20 de outubro de 1965; overdubs e finalização em 29 de outubro de 1965

Data de Lançamento: 3 de dezembro de 1965, Reino Unido; 6 de dezembro de 1965, Estados Unidos

Comentários:

“We Can Work It Out” surgiu em um momento particularmente fértil da carreira dos Beatles, durante as sessões que dariam origem a Rubber Soul. A composição foi desenvolvida principalmente por Paul McCartney, que levou a ideia a John Lennon para que os dois trabalhassem juntos na conclusão da canção. McCartney escreveu essencialmente as estrofes, construídas em torno de um apelo à conciliação, enquanto Lennon contribuiu decisivamente para a seção “Life is very short”, que introduz uma mudança de atmosfera e de andamento. George Harrison também teve participação importante no desenvolvimento do arranjo, sugerindo que essa passagem fosse executada em compasso ternário, criando o característico efeito de valsa. A letra apresenta uma discussão amorosa sob a perspectiva de duas pessoas que enxergam uma situação de maneiras diferentes, mas ainda acreditam ser possível salvar o relacionamento. Embora frequentemente relacionada à vida pessoal de McCartney, especialmente ao seu relacionamento com Jane Asher, a canção funciona também como uma reflexão universal sobre conflitos afetivos, comunicação e compromisso. Musicalmente, a combinação entre o pop melódico de McCartney e a intervenção mais impaciente de Lennon é uma das suas grandes virtudes. O harmônio tocado por Lennon acrescenta uma sonoridade incomum ao repertório dos Beatles, enquanto a mudança para o ritmo de valsa dá à composição uma dimensão dramática e sofisticada. O resultado demonstra como o grupo estava rapidamente ampliando os limites da canção pop convencional.

A gravação também revela o crescente interesse dos Beatles em utilizar o estúdio como parte fundamental do processo criativo. Em 20 de outubro de 1965, o grupo registrou a faixa básica e trabalhou durante quase onze horas na música, naquele momento o período mais longo que havia dedicado a uma única canção. Os trabalhos continuaram em 29 de outubro, com overdubs e mixagem. O resultado foi lançado como lado A de um dos primeiros grandes singles em que duas músicas receberam tratamento de dupla face A, ao lado de “Day Tripper”. A recepção comercial foi extraordinária: o single chegou ao primeiro lugar no Reino Unido e também alcançou o topo das paradas norte-americanas, tornando-se o sexto single consecutivo dos Beatles a atingir o número um nos Estados Unidos. Mais importante ainda, “We Can Work It Out” consolidou a capacidade do grupo de transformar experiências pessoais e conflitos cotidianos em canções acessíveis a milhões de pessoas. A alternância entre a seção pop de McCartney e o trecho em três tempos associado a Lennon tornou-se uma de suas características mais reconhecíveis. A canção permanece como um excelente exemplo da complementaridade existente entre os dois principais compositores dos Beatles, mostrando como suas personalidades musicais diferentes podiam produzir algo maior quando combinadas. Seu legado está justamente nessa capacidade de unir melodia, experimentação e uma mensagem extremamente simples sobre diálogo e compreensão, características que ajudaram a fazer de “We Can Work It Out” uma das composições mais duradouras da fase clássica dos Beatles.

Erick Steve.