A Morte da Família Imperial

A Morte da Família Imperial

A queda da família imperial russa durante a Revolução Russa representou o fim definitivo de mais de três séculos de domínio da dinastia Romanov sobre o Império Russo. Nicholas II governava a Rússia desde 1894, mas seu reinado foi marcado por crises políticas, desigualdade social, derrotas militares e crescente insatisfação popular. O império enfrentava enormes problemas econômicos, greves, pobreza extrema entre os camponeses e revoltas constantes nas grandes cidades. A participação desastrosa da Rússia na Primeira Guerra Mundial agravou ainda mais a situação, provocando milhões de mortes, fome e colapso da economia. Em 1917, manifestações populares e rebeliões militares explodiram em Petrogrado, levando à abdicação do czar em março daquele ano. Nicolau II deixou o trono acreditando inicialmente que talvez ainda pudesse salvar a monarquia de alguma forma, mas a situação política rapidamente saiu de controle. O antigo imperador, sua esposa Alexandra Feodorovna e seus cinco filhos passaram a viver sob prisão domiciliar. Entre os filhos estavam as grã-duquesas Olga, Tatiana, Maria e Anastásia, além do herdeiro do trono, Alexei. O destino da família imperial tornava-se cada vez mais incerto em meio ao avanço revolucionário que transformava completamente a Rússia.

Após a tomada do poder pelos bolcheviques liderados por Vladimir Lenin, a situação da antiga família imperial piorou drasticamente. Os revolucionários viam os Romanov como símbolos do antigo regime czarista e temiam que forças contrarrevolucionárias tentassem restaurar a monarquia utilizando Nicolau II como figura política. Inicialmente, a família foi mantida em prisão relativamente confortável no palácio de Tsarskoe Selo, mas posteriormente transferida para Tobolsk, na Sibéria, devido ao agravamento da guerra civil russa. Em 1918, os Romanov foram novamente deslocados, desta vez para a cidade de Ecaterimburgo, nos Montes Urais, onde passaram a viver na chamada Casa Ipatiev. As condições tornaram-se muito mais rígidas naquele local. Guardas revolucionários controlavam todos os movimentos da família, limitando contatos externos e aumentando constantemente a vigilância. Enquanto isso, a Guerra Civil Russa se intensificava entre os bolcheviques e os chamados Exércitos Brancos, formados por grupos monarquistas, liberais e anticomunistas. As forças antibolcheviques aproximavam-se da região de Ecaterimburgo, levantando temores entre os líderes revolucionários de que a família imperial pudesse ser libertada. O governo bolchevique começou então a discutir secretamente o destino definitivo dos Romanov.

Na madrugada de 17 de julho de 1918 ocorreu um dos episódios mais chocantes da história moderna. Execução da Família Romanov marcou o assassinato de Nicolau II, Alexandra, seus cinco filhos e alguns empregados próximos dentro da Casa Ipatiev. Segundo relatos históricos, a família foi acordada durante a noite sob a alegação de que precisariam ser transferidos devido à aproximação das forças inimigas. Eles foram conduzidos ao porão da residência, onde aguardaram por alguns minutos sem compreender exatamente o que estava acontecendo. Pouco depois, um grupo armado liderado por Yakov Yurovsky entrou no local e anunciou rapidamente que o Soviete dos Urais havia decidido executá-los. Em seguida, os soldados abriram fogo contra a família imperial. O massacre foi extremamente caótico e brutal. Algumas das filhas sobreviveram aos primeiros disparos porque joias costuradas em suas roupas funcionaram parcialmente como proteção improvisada contra as balas. Isso levou os executores a utilizarem baionetas e tiros à curta distância para concluir a execução. O episódio ocorreu em meio a enorme tensão política e militar, refletindo o clima violento da Guerra Civil Russa. Os corpos foram removidos secretamente da casa e levados para áreas isoladas, onde tentativas de ocultação foram realizadas pelos bolcheviques.

Durante décadas, o governo soviético evitou divulgar detalhes completos sobre a morte da família imperial. Inicialmente, as autoridades admitiram apenas a execução de Nicolau II, escondendo o assassinato da imperatriz e das crianças. Isso alimentou inúmeros rumores e lendas ao longo do século XX, especialmente sobre uma possível sobrevivência da jovem Grand Duchess Anastasia Nikolaevna. Diversas mulheres chegaram a afirmar publicamente que seriam Anastásia, criando um dos maiores mistérios populares da história contemporânea. Somente após o fim da União Soviética investigações mais completas puderam ser realizadas sobre o caso. Na década de 1990, restos mortais encontrados próximos a Ecaterimburgo foram analisados por especialistas utilizando exames de DNA. Os testes confirmaram que pertenciam à família Romanov e a seus acompanhantes executados em 1918. Posteriormente, restos de Alexei e de uma das irmãs também foram localizados, encerrando grande parte das dúvidas históricas sobre o destino da família imperial. Em 1998, os corpos identificados foram enterrados com honras oficiais na Catedral de Pedro e Paulo, em São Petersburgo, local tradicional de sepultamento dos czares russos. O episódio continua despertando enorme interesse histórico e emocional até os dias atuais. Livros, filmes, documentários e pesquisas continuam explorando os detalhes daquela noite dramática.

A morte da família Romanov tornou-se um símbolo poderoso do colapso do antigo regime imperial russo e da violência revolucionária que marcou o nascimento da União Soviética. Para muitos historiadores, o assassinato representou não apenas a eliminação física da monarquia, mas também uma demonstração da radicalização política extrema ocorrida durante a Guerra Civil Russa. O episódio chocou profundamente governos europeus, especialmente porque Nicolau II possuía laços familiares com diversas casas reais do continente. Ao longo do século XX, a figura dos Romanov passou gradualmente a adquirir um caráter quase lendário, cercado de tragédia, mistério e simbolismo histórico. A Igreja Ortodoxa Russa canonizou Nicolau II e sua família como mártires no início dos anos 2000, aumentando ainda mais o impacto emocional de sua história na Rússia contemporânea. Atualmente, o local da antiga Casa Ipatiev abriga a chamada Igreja sobre o Sangue, construída em homenagem à família imperial assassinada. O destino dos Romanov continua sendo debatido sob diferentes perspectivas políticas e históricas. Alguns veem a execução como consequência brutal inevitável da revolução, enquanto outros a consideram um crime político injustificável contra crianças e civis indefesos. Independentemente da interpretação, a morte de Nicholas II e de sua família permanece como um dos acontecimentos mais dramáticos e impactantes da história do século XX.

Leon Trotsky

Leon Trotsky

Leon Trotsky foi uma das figuras mais importantes, influentes e controversas da história da Revolução Russa e da formação da União Soviética. Nascido em 1879, na atual Ucrânia, então parte do Império Russo, Trotski cresceu em uma família de fazendeiros relativamente próspera e desde jovem demonstrou grande interesse por política e ideias revolucionárias. Durante a juventude, envolveu-se em movimentos marxistas clandestinos que combatiam o regime autoritário do czar russo. Suas atividades políticas resultaram em prisões, perseguições e períodos de exílio na Sibéria, algo comum entre revolucionários russos daquele período. Inteligente, carismático e dono de enorme capacidade de oratória, Trotski rapidamente tornou-se um dos líderes socialistas mais conhecidos da Rússia. Durante os primeiros anos do século XX, passou temporadas na Europa Ocidental, convivendo com outros importantes revolucionários marxistas, incluindo Vladimir Lenin. Inicialmente, Trotski teve divergências políticas com Lenin, mas os dois acabaram se aproximando novamente durante os acontecimentos revolucionários de 1917. Naquele ano, a Rússia mergulhou em crise profunda devido à fome, ao colapso econômico e às derrotas militares na Primeira Guerra Mundial. Trotski tornou-se então peça central no processo revolucionário que transformaria completamente a história do país.

Durante a Revolução Russa, Trotski desempenhou papel decisivo na tomada do poder pelos bolcheviques. Sua habilidade como organizador e estrategista militar foi fundamental para o sucesso da revolução liderada por Lenin. Como presidente do Soviete de Petrogrado, ele ajudou a coordenar a insurreição armada que derrubou o Governo Provisório russo em outubro de 1917. Pouco tempo depois, Trotski assumiu importantes cargos no novo governo soviético, incluindo o comando das negociações de paz com a Alemanha durante o Tratado de Brest-Litovsk. Entretanto, sua contribuição mais famosa ocorreu durante a Guerra Civil Russa, iniciada logo após a revolução. Trotski foi o principal criador e comandante do Exército Vermelho, força militar responsável por defender o novo governo comunista contra diversos inimigos internos e externos. Demonstrando enorme energia e disciplina, ele viajava constantemente em trens blindados pelo território russo, organizando tropas, combatendo rebeliões e impondo rígido controle militar. Sob sua liderança, o Exército Vermelho derrotou os chamados “Exércitos Brancos”, grupos anticomunistas apoiados por potências estrangeiras. A vitória consolidou o poder bolchevique e permitiu a sobrevivência da recém-criada União Soviética. Trotski passou então a ser visto como um dos homens mais poderosos do novo regime comunista.

Apesar de sua importância revolucionária, Trotski acabou entrando em conflito direto com Joseph Stalin após a morte de Lenin, em 1924. A disputa pelo controle da União Soviética transformou-se em uma das mais ferozes lutas políticas da história moderna. Trotski defendia a ideia da “revolução permanente”, acreditando que o socialismo só sobreviveria se a revolução se espalhasse internacionalmente para outros países. Stalin, por outro lado, defendia o conceito de “socialismo em um só país”, priorizando o fortalecimento interno da União Soviética. Além das diferenças ideológicas, Stalin demonstrou enorme habilidade política ao construir alianças dentro do Partido Comunista e isolar seus adversários. Aos poucos, Trotski perdeu espaço dentro do governo soviético e passou a ser acusado de conspirar contra o regime. Em 1927, foi expulso do Partido Comunista e, posteriormente, banido da própria União Soviética. Seu exílio marcou o início de uma longa perseguição internacional promovida por Stalin. Trotski viveu em diversos países, incluindo Turquia, França, Noruega e México, sempre cercado por vigilância, ameaças e tentativas de assassinato. Mesmo distante da União Soviética, continuou escrevendo livros, artigos e críticas ferozes contra o stalinismo.

No exílio, Trotski tornou-se o principal opositor internacional do regime de Stalin. Ele denunciava constantemente os expurgos políticos, as prisões em massa e o autoritarismo implantado na União Soviética durante os anos 1930. Milhares de antigos revolucionários bolcheviques foram presos, executados ou enviados para campos de trabalhos forçados nos famosos Gulags. Trotski acusava Stalin de ter traído os ideais originais da Revolução Russa e transformado o país em uma ditadura burocrática brutal. Mesmo distante de Moscou, sua influência intelectual continuava preocupando o governo soviético. Em 1938, Trotski ajudou a fundar a Quarta Internacional, organização política criada para reunir socialistas revolucionários contrários ao stalinismo e ao capitalismo. Seus livros e análises políticas circularam amplamente em diversos países e influenciaram movimentos de esquerda ao redor do mundo. No México, Trotski recebeu asilo político e passou a viver sob proteção armada devido às ameaças constantes contra sua vida. O pintor mexicano Diego Rivera e a artista Frida Kahlo estiveram entre as personalidades que o apoiaram naquele período. Apesar disso, agentes soviéticos continuavam planejando formas de eliminá-lo. O clima de tensão ao redor de Trotski aumentava a cada ano.

O desfecho da vida de Trotski ocorreu em 1940, no México, quando ele foi assassinado por Ramón Mercader, agente ligado aos serviços secretos soviéticos. O ataque aconteceu dentro da própria residência de Trotski, onde Mercader o golpeou brutalmente com uma picareta de alpinismo. O revolucionário ainda chegou a sobreviver por algumas horas, mas morreu no dia seguinte devido aos ferimentos. Sua morte simbolizou o alcance internacional da perseguição promovida por Stalin contra antigos adversários políticos. Mesmo após sua morte, as ideias de Trotski continuaram exercendo influência sobre movimentos socialistas e revolucionários em vários países. O chamado trotskismo tornou-se uma corrente política própria dentro do marxismo, defendendo internacionalismo revolucionário e oposição ao stalinismo. Até hoje, historiadores debatem intensamente o papel de Trotski na Revolução Russa e nos primeiros anos da União Soviética. Alguns o consideram um dos maiores estrategistas revolucionários do século XX, enquanto outros criticam sua participação em políticas repressivas durante a Guerra Civil Russa. Sua trajetória mistura idealismo revolucionário, disputas de poder, guerra, exílio e tragédia política. Leon Trotsky permanece como uma das figuras mais fascinantes e complexas da história contemporânea.

The Beach Boys - Surfin’ Safari

The Beach Boys - Surfin’ Safari 

Lançado em 1º de outubro de 1962, Surfin’ Safari marcou a estreia oficial de The Beach Boys no mercado fonográfico e apresentou ao mundo a sonoridade ensolarada que rapidamente se tornaria símbolo da juventude californiana dos anos 1960. Liderado criativamente por Brian Wilson, o grupo surgiu em um momento em que o rock and roll começava a se transformar, trazendo uma mistura única de harmonias vocais inspiradas no doo-wop, letras sobre surf, carros e diversão adolescente, além de melodias extremamente acessíveis. Embora o álbum ainda demonstrasse certa simplicidade em comparação às obras-primas que os Beach Boys lançariam nos anos seguintes, ele foi fundamental para estabelecer a identidade musical da banda. Surfin’ Safari ajudou a popularizar o chamado “surf rock”, transformando os Beach Boys em representantes da cultura jovem da Costa Oeste americana. O impacto inicial do disco foi importante não apenas comercialmente, mas também culturalmente, pois apresentou um estilo de vida idealizado que se tornaria um dos símbolos da música pop da década.

A recepção crítica ao álbum foi positiva, ainda que muitos jornalistas enxergassem o grupo inicialmente como um fenômeno juvenil passageiro. A revista Billboard destacou o forte potencial comercial do disco, afirmando que “as harmonias vocais do grupo possuem frescor e energia capazes de conquistar rapidamente o público jovem”. Já a Variety comentou que os Beach Boys “trazem uma abordagem divertida e acessível ao rock adolescente”, elogiando especialmente a faixa-título. No Reino Unido, a NME (New Musical Express) observou que o grupo apresentava “um som distinto e extremamente americano”, embora ainda não demonstrasse o refinamento musical que mais tarde definiria sua carreira. Muitos críticos perceberam no álbum um entusiasmo genuíno e uma forte conexão com o público jovem da época.

A imprensa americana de maior prestígio também comentou o surgimento da banda. O The New York Times observou que os Beach Boys “capturam com eficiência o espírito da adolescência californiana”, destacando a leveza e o apelo popular das canções. O Los Angeles Times elogiou a autenticidade regional do grupo, ressaltando que sua música “traduz a atmosfera praiana do sul da Califórnia de maneira vibrante e comercialmente eficaz”. Já a The New Yorker adotou um tom mais cauteloso, sugerindo que o grupo ainda precisava amadurecer artisticamente, mas reconhecendo o talento de Brian Wilson como compositor e arranjador em ascensão. Essas análises iniciais mostravam que, embora ainda vistos como artistas adolescentes, os Beach Boys começavam a chamar atenção pela qualidade de suas harmonias e pela identidade sonora muito própria.

No aspecto comercial, Surfin’ Safari foi um sucesso considerável para um álbum de estreia. O disco alcançou o Top 40 da Billboard 200, enquanto a faixa-título tornou-se um hit nacional, ajudando a impulsionar as vendas do álbum. Nos Estados Unidos, o disco vendeu centenas de milhares de cópias e consolidou os Beach Boys como uma das novas atrações mais promissoras da música pop americana. O sucesso comercial abriu caminho para uma sequência impressionante de lançamentos nos anos seguintes, durante os quais o grupo rapidamente evoluiria musicalmente e alcançaria fama internacional. Embora ainda distante dos números gigantescos que teriam mais tarde com álbuns como Pet Sounds, Surfin’ Safari foi essencial para lançar a carreira da banda e estabelecer sua presença nas rádios americanas.

Com o passar das décadas, Surfin’ Safari passou a ser visto como um documento histórico importante do início da carreira dos Beach Boys e da cultura jovem americana dos anos 1960. Especialistas reconhecem que, embora o álbum seja relativamente simples em comparação aos trabalhos mais sofisticados da banda, ele contém os elementos fundamentais que definiriam o som do grupo: harmonias vocais ricas, melodias cativantes e uma forte atmosfera ensolarada. Para os fãs, o disco preserva o charme inocente e energético da juventude californiana antes das transformações mais complexas que Brian Wilson levaria à música pop nos anos seguintes. Hoje, Surfin’ Safari permanece como um marco do surf rock e como o ponto de partida de uma das carreiras mais influentes da história da música popular.

The Beach Boys - Surfin’ Safari (1962)

Surfin’ Safari

County Fair

Ten Little Indians

Chug-A-Lug

Little Girl (You’re My Miss America)

409

Surfin’

Heads You Win – Tails I Lose

Summertime Blues

Cuckoo Clock

Moon Dawg

The Shift

Erick Steve. 

Elvis Presley - Kissin’ Cousins

Elvis Presley - Kissin’ Cousins

Lançado em 2 de abril de 1964, Kissin’ Cousins foi mais um álbum de trilha sonora da fase hollywoodiana de Elvis Presley, acompanhando o filme homônimo no qual o cantor interpretava dois personagens diferentes. Durante os anos 1960, Elvis estava profundamente envolvido com sua carreira cinematográfica, e esse período produziu uma série de discos ligados diretamente aos filmes estrelados por ele. Kissin’ Cousins reflete exatamente essa fase: um trabalho leve, descontraído e claramente voltado ao entretenimento popular. Musicalmente, o álbum mistura rock suave, country e canções cômicas, acompanhando o tom divertido do longa-metragem. Embora estivesse distante da ousadia musical de seus primeiros anos no rock and roll, o disco teve importância dentro da estratégia comercial de manter Elvis constantemente presente no cinema e nas paradas. Em uma década marcada pela ascensão da The Beatles e pela transformação da música pop, álbuns como Kissin’ Cousins mostravam Elvis apostando em um modelo seguro e altamente comercial.

A recepção crítica ao álbum foi bastante dividida. A revista Billboard destacou o potencial comercial do disco, afirmando que “o nome Elvis Presley continua sendo garantia de vendas”, além de elogiar a produção limpa e acessível das faixas. Já a Variety observou que o álbum “cumpre sua função como complemento do filme”, mas sugeriu que o material carecia de maior profundidade artística. No Reino Unido, a NME (New Musical Express) comentou que Elvis parecia confortável em sua fórmula cinematográfica, embora alguns críticos da publicação tenham apontado que o cantor estava artisticamente distante da inovação que dominava o cenário musical britânico da época. Ainda assim, a imprensa reconhecia que seu carisma permanecia intacto e que ele continuava sendo um dos artistas mais populares do mundo.

Os grandes jornais americanos também trouxeram análises variadas sobre o projeto. O The New York Times comentou que Elvis “mantém sua habilidade de transformar canções simples em momentos agradáveis”, embora tenha observado que o álbum não apresentava grandes riscos criativos. O Los Angeles Times destacou a atmosfera divertida e informal do disco, afirmando que ele “dialoga diretamente com o público familiar e jovem que acompanha os filmes de Presley”. Já a The New Yorker foi mais crítica, sugerindo que “a fase cinematográfica de Elvis parece priorizar quantidade e apelo comercial acima de ambição musical”. Mesmo assim, muitos jornalistas reconheciam que o artista ainda possuía uma presença vocal marcante e um talento natural para o entretenimento popular.

No aspecto comercial, Kissin’ Cousins foi um sucesso sólido. O álbum alcançou boas posições nas paradas americanas, chegando ao Top 10 da Billboard 200, além de vender centenas de milhares de cópias nos Estados Unidos e em outros mercados internacionais. O filme também ajudou a impulsionar as vendas do disco, seguindo a fórmula já consolidada pela equipe de Elvis ao longo dos anos 1960. Embora não tenha alcançado os números extraordinários de seus maiores sucessos da década anterior, o álbum demonstrou que Elvis ainda era uma força comercial importante em meio às rápidas mudanças do mercado musical. O desempenho financeiro do projeto reforçou a viabilidade da combinação entre cinema e música que dominava sua carreira naquele período.

Com o passar do tempo, Kissin’ Cousins passou a ser visto como um retrato bastante representativo da fase hollywoodiana de Elvis Presley. Especialistas em música frequentemente citam o álbum como exemplo do período em que o cantor priorizou projetos cinematográficos leves e altamente comerciais, afastando-se temporariamente do rock mais inovador que havia ajudado a criar nos anos 1950. Para muitos fãs, porém, o disco possui um charme nostálgico e divertido, associado à imagem descontraída de Elvis no cinema. Embora raramente seja colocado entre seus trabalhos artisticamente mais importantes, Kissin’ Cousins continua sendo lembrado como parte essencial da trajetória de um artista que dominou simultaneamente a música e o cinema popular por boa parte da década de 1960.

Elvis Presley - Kissin’ Cousins (1964)

Kissin’ Cousins

Smokey Mountain Boy

There’s Gold in the Mountains

One Boy, Two Little Girls

Catchin’ On Fast

Tender Feeling

Anyone (Could Fall in Love with You)

Barefoot Ballad

Once Is Enough

Kissin’ Cousins (No. 2)

Echoes of Love

Long Lonely Highway

Erick Steve. 

Cidade Fantasma

Título no Brasil: Cidade Fantasma

Título Original: City of Ghosts

Ano de Lançamento: 2002

País: Estados Unidos

Estúdio: United Artists

Direção: Matt Dillon

Roteiro: Matt Dillon, Barry Gifford

Elenco: Matt Dillon, James Caan, Gérard Depardieu, Stellan Skarsgård, Rose Byrne

Sinopse:

O corretor Jimmy Cremming (Matt Dillon) trabalha em uma empresa de seguros nos Estados Unidos. As coisas se complicam quando a "casa cai". O negócio é fraudulento, criado para aplicar golpes nos clientes. Procurado por policiais e acionado na justiça, Jimmy resolve cair fora dos Estados Unidos, viajando ao distante Camboja, onde pretende encontrar o sócio controlador dessa empresa criada para dar golpes e armar fraudes contra pessoas inocentes. 

Comentários:

Um projeto bem pessoal do ator Matt Dilon. Ele não apenas assinou o roteiro como decidiu assumir a direção do filme. O resultado se revela bem irregular. Começa bem, interessante, prendendo a atenção, mas depois fica perdido, sem saber que caminho seguir. O elenco é muito bom, contando inclusive com um personagem bem curioso interpretado pelo ator Gérard Depardieu. Ele é o dono de um bar fedorento, no melhor estilo "pé sujo". Para complicar ainda mais o sujeito é tão picareta que tem um macaco treinado para roubar turistas estrangeiros. Aliás um ponto negativo desse filme é sua visão "colonialista" do Camboja. Parece que praticamente todos os nativos são bandidos e criminosos! Só que analisando bem, os verdadeiros picaretas são os personagens americanos do filme! Enfim, uma verdadeira região sem lei, onde o que impera mesmo é a velha "Lei da Selva". Salve-se quem puder! 

Pablo Aluísio. 

Cavaleiros do Apocalipse

Título no Brasil: Cavaleiros do Apocalipse

Título Original: Horsemen

Ano de Lançamento: 2009

País: Estados Unidos / Canadá

Estúdio: Platinum Dunes

Direção: Jonas Åkerlund

Roteiro: Dave Callaham

Elenco: Dennis Quaid, Zhang Ziyi, Lou Taylor Pucci, Patrick Fugit

Sinopse:

O filme acompanha o detetive Aidan Breslin (Quaid), um policial emocionalmente abalado pela morte da esposa e pelo distanciamento de seus filhos. Enquanto investiga uma série de assassinatos brutais, ele percebe que os crimes possuem ligações simbólicas com os Quatro Cavaleiros do Apocalipse descritos na Bíblia. À medida que a investigação avança, Breslin mergulha em um universo perturbador de fanatismo, sofrimento e violência extrema, descobrindo conexões pessoais inesperadas com os responsáveis pelos crimes.

Comentários:

Depois de Se7en todos os filmes que usam temas ligados a assassinos em série e justificativas baseadas na religião se tornaram sombras dele. Não tem mais como fugir da comparação. Apesar disso, de soar derivativo e tudo mais, esse filme ainda vale a pena ser conhecido. As cenas de rituais baseadas em textos bíblicos mantém o interesse. Geralmente esses serials killers mergulhados em universos religiosos são extremamente perversos porque acreditam que estão agindo sob as ordens de uma entidade divina superior. Então os freios morais mais mínimos são deixados de lado. É o que chamo de loucura da religião elevado à nona potência. Em relação ao filme em si, a única coisa mais vulnerável a criticar vem justamente da personagem de uma das assassinas. Chatinha e agindo como uma adolescente cheia de birra, ela tira grande parte do impacto que o filme deveria ter. Afinal de contas ter um vilão à altura de um enredo como esse é algo até mesmo básico nesse tipo de filme. 

Pablo Aluísio. 

Wyatt Earp

Geralmente as pessoas mistificam certos personagens da história e se aborrecem seriamente quando certas passagens das vidas desses mitos são desmistificadas. Um caso bem exemplificativo disso aconteceu quando Kevin Costner resolver levar para as telas a biografia do lendário xerife do velho oeste, Wyatt Earp. O uso da expressão lendário aqui não é mero enfeite, Earp realmente foi um dos personagens mais conhecidos e celebrados do chamado Oeste Selvagem. Ao lado de seus irmãos e do amigo, o dentista, pistoleiro e tuberculoso Doc Holliday, Wyatt enfrentou uma quadrilha de bandidos no famoso Ok Curral, duelo esse que jamais foi esquecido na vasta mitologia do western americano e que consagrou seu nome para sempre na história dos Estados Unidos. Kevin Costner poderia muito bem apenas endossar a velha lenda mas corajosamente preferiu filmar uma biografia bem mais realista e de acordo com o que realmente aconteceu. O filme, que tem mais de 3 horas de duração, é um primor de qualidade. Na época foi recebido com certas reservas, talvez justamente por ser "real demais".

E afinal, o que tanto aborreceu a alguns segmentos da sociedade ianque? Primeiramente o fato de que certos aspectos da biografia de Earp vieram à tona pela primeira vez no cinema com esse filme. Por exemplo, em todos os filmes que retrataram Wyatt antes ele sempre era mostrado como um homem da lei, acima do bem e do mal. Honesto, correto e incorruptível. A verdade histórica porém não foi bem assim. No filme descobrimos que Wyatt antes de virar xerife teve que fugir de sua terra natal para não ser preso por roubo de cavalos. Isso mesmo, o xerife modelo do oeste americano era na realidade um ladrão de cavalos foragido. Durma-se com um barulho desses. 

Outros aspectos nada lisonjeiros na biografia de Wyatt Earp vão desfilhando pelas cenas: sua dureza com os que o desafiavam, sua fria relação com sua segunda companheira (a primeira esposa faleceu de tifo ainda muito cedo) e os não explicados assassinatos da antiga quadrilha que matou dois dos irmãos Earp. Tudo no filme é retratado de forma corajosa e sem meias palavras. Para quem gosta de história como eu, um roteiro honesto e definitivamente leal à veracidade dos fatos como esse é um prato cheio, um grande prazer. Enfim, Wyatt Earp é item obrigatório para todos aqueles que desejam conhecer a verdade por trás dos mitos do velho oeste, sem enfeites ou fantasias. O velho xerife, mostrado com a veracidade e a velocidade de um colt 45, se revela por inteiro no quadro pintado por Kevin Costner. É a biografia definitiva sobre Wyatt Earp no cinema. Por essa razão se ainda não assistiu, não perca a oportunidade.

Wyatt Earp (Estados Unidos, 1994) Direção: Lawrence Kasdan / Roteiro: Dan Gordon, Lawrence Kasdan / Elenco: Kevin Costner, Dennis Quaid, Gene Hackman / Sinopse: Cinebiografia do famoso xerife e homem da lei Wyatt Earp (Kevin Costner). Ao lado de seus irmãos e do amigo Doc Holliday (Dennis Quaid), Earp se envolveu no famoso duelo do OK Curral, que entrou na história do velho oeste.

Pablo Aluísio.

O Cardeal

O Cardeal

Excelente filme, mas que segue pouco conhecido. Ousaria dizer que foi o melhor filme que assisti do mestre Otto Preminger, aqui em grande forma. Ele realizou não apenas um grande filme, mas também um filme grande! São quase 3 horas de duração, mas que não se tornam cansativas. Os bons filmes resistem a esse tipo de situação. De certa forma, penso que sua longa duração tenha feito com que muitos não encarassem o desafio de assistir ao filme. Então, se assim o fizeram, perderam a oportunidade de assistir a uma bela produção cinematográfica.  

Temos aqui a história de Stephen Fermoyle (Tom Tryon). Americano, nascido numa grande família de imigrantes irlandeses, ele escolhe pelo seminário, se tornando padre em Boston após alguns anos de estudo. Jovem inteligente e estudioso, logo chama atenção de seus superiores que o levam para o Vaticano, onde novamente se destaca por seus textos e teses sobre a história da Igreja Católica. Seu destino parece ser o de entrar para o corpo diplomático da Igreja, mas ele acaba retornando aos Estados Unidos, para unir teoria e prática na vida cotidiana de um sacerdote em contato com a sua comunidade. Afinal entre teoria e prática existe um oceano de diferenças. 

O filme acompanha toda a sua longa caminhada até se tornar um cardeal da cúria romana. Nessa jornada pessoal ele conhece o amor (na pela de uma linda e jovem Romy Schneider), o racismo violento do sul dos Estados Unidos e como prova final de fogo, o surgimento do nazismo, justamente no período em que ele vai a Viena para tomar contato com aquela ideologia nefasta, sob as ordens expressas do Papa. O filme assim não é apenas a história de um homem, mas tambem um resumo, um retrato, do que aconteceu no mundo na primeira metade do século XX. Sob esse ponto de vista, o filme é nada menos do que brilhante. Adorei e recomendo, sem reservas, esse clássico do cinema. 

O Cardeal (The Cardinal, Estados Unidos, Alemanha, Itália, 1963) Direção: Otto Preminger / Roteiro: Robert Dozier, Henry Morton Robinson / Elenco: Tom Tryon, Romy Schneider, Burgess Meredith, John Huston, John Saxon, Carol Lynley / Sinopse: A história de um jovem padre até sua chegada final ao cargo de Cardeal da Igreja Católica. Ao longo de sua vida ele enfrenta a violência do racismo nos Estados Unidos, testemunha o surgimento do nazismo na Europa e precisa escolher entre a vida religiosa ou o amor daquela que se torna sua grande paixão. 

Pablo Aluísio. 

Winston Churchill

Winston Churchill 

Winston Churchill foi uma das figuras políticas mais importantes do século XX, sendo lembrado principalmente por sua liderança durante a Segunda Guerra Mundial. Nascido em 1874 no Palácio de Blenheim, na Inglaterra, Churchill pertenceu a uma família aristocrática britânica e desde jovem demonstrou interesse pela carreira militar e pela política. Antes de se tornar líder do governo britânico, trabalhou como oficial do exército, correspondente de guerra e parlamentar. Sua carreira política foi longa e marcada por altos e baixos, ocupando diversos cargos importantes ao longo das décadas. Inteligente, carismático e dono de uma oratória poderosa, Churchill tornou-se símbolo de resistência em um dos momentos mais difíceis da história europeia.

Durante os anos anteriores à guerra, Churchill destacou-se por alertar sobre o crescimento do poder da Alemanha Nazista e os perigos representados por Adolf Hitler. Enquanto muitos líderes europeus defendiam políticas de apaziguamento, Churchill insistia na necessidade de fortalecer as defesas britânicas. Em 1940, após a invasão alemã da França, ele assumiu o cargo de primeiro-ministro do Reino Unido em um momento extremamente crítico. A Grã-Bretanha encontrava-se praticamente sozinha contra o avanço nazista na Europa, enfrentando constantes bombardeios alemães durante a famosa Batalha da Inglaterra.

Churchill tornou-se mundialmente conhecido por seus discursos inspiradores e por sua capacidade de manter o moral da população britânica durante a guerra. Frases como “Nunca tantos deveram tanto a tão poucos”, em referência aos pilotos da Força Aérea Britânica, ficaram marcadas na história. Sua liderança firme ajudou a unir o povo britânico em torno do esforço de guerra, mesmo diante das dificuldades e destruições causadas pelos bombardeios alemães. Além disso, Churchill desempenhou papel fundamental na formação da aliança entre Reino Unido, Estados Unidos e União Soviética contra as forças do Eixo. Sua relação próxima com Franklin D. Roosevelt foi decisiva para garantir apoio militar e econômico americano aos britânicos.

Ao longo da guerra, Churchill participou de importantes conferências internacionais que definiram os rumos do conflito e o futuro da Europa. Em encontros como a Conferência de Yalta e a Conferência de Teerã, discutiu estratégias militares e questões políticas ao lado de Roosevelt e Joseph Stalin. Embora fosse aliado da União Soviética contra Hitler, Churchill demonstrava profunda desconfiança em relação ao comunismo soviético. Após o fim da guerra, ele foi um dos primeiros líderes ocidentais a alertar sobre a expansão soviética na Europa Oriental, utilizando a famosa expressão “Cortina de Ferro”, que se tornaria símbolo da Guerra Fria.

Apesar de sua enorme popularidade durante a guerra, Churchill perdeu as eleições britânicas de 1945 pouco depois da vitória dos Aliados. Ainda assim, permaneceu ativo politicamente e voltou ao cargo de primeiro-ministro nos anos 1950. Além de político, também foi escritor e historiador, recebendo o Prêmio Nobel de Literatura em 1953 por suas obras históricas e memórias de guerra. Sua habilidade como escritor ajudou a consolidar sua imagem histórica e deixou importantes registros sobre os grandes acontecimentos de sua época.

O legado de Winston Churchill continua sendo amplamente debatido e admirado em várias partes do mundo. Para muitos historiadores, ele foi um dos principais responsáveis pela resistência europeia ao nazismo e pela preservação da democracia britânica durante a Segunda Guerra Mundial. Sua liderança firme, seus discursos marcantes e sua capacidade de inspirar milhões de pessoas fizeram dele um dos estadistas mais importantes da história moderna. Ao mesmo tempo, algumas de suas posições políticas e ações ligadas ao imperialismo britânico também são alvo de críticas contemporâneas. Ainda assim, Churchill permanece como uma figura central do século XX, símbolo de coragem, liderança e resistência diante das maiores ameaças enfrentadas pelo mundo moderno.

Benito Mussolini

Benito Mussolini

Benito Mussolini foi uma das figuras políticas mais importantes e controversas do século XX, sendo o fundador do fascismo e líder da Itália durante grande parte do período entre as duas guerras mundiais. Nascido em 1883 na cidade de Predappio, Mussolini teve origem humilde e trabalhou como professor e jornalista antes de entrar definitivamente para a política. Inicialmente ligado ao socialismo, acabou rompendo com esse movimento durante a Primeira Guerra Mundial por defender a entrada da Itália no conflito. Após a guerra, aproveitou o clima de crise econômica, desemprego e instabilidade política para criar o movimento fascista, que prometia restaurar a ordem, fortalecer o nacionalismo e reconstruir o orgulho italiano.

Em 1922, Mussolini organizou a famosa Marcha sobre Roma, quando milhares de fascistas marcharam em direção à capital italiana pressionando o governo e o rei Vítor Emanuel III. Temendo uma guerra civil, o rei convidou Mussolini para assumir o cargo de primeiro-ministro. A partir daí, ele iniciou um processo gradual de concentração de poder, eliminando adversários políticos, censurando a imprensa e transformando a Itália em uma ditadura fascista. O regime defendia o autoritarismo, o culto ao líder, o militarismo e o nacionalismo extremo, tornando Mussolini conhecido como “Il Duce”, expressão italiana que significa “O Líder”. Defendendo o lema "Deus, Pátria e Família", o Duce espalhou violência e terror em seu país. 

Durante seu governo, Mussolini promoveu projetos de modernização e propaganda política, buscando apresentar a Itália como uma nação forte e renovada. Grandes obras públicas foram realizadas, incluindo estradas, ferrovias e programas de desenvolvimento industrial. Ao mesmo tempo, o regime utilizava intensa propaganda estatal para glorificar o fascismo e fortalecer a imagem do ditador. A juventude era fortemente influenciada pelas organizações fascistas, enquanto opositores eram perseguidos, presos ou assassinados. O governo também criou uma polícia política que vigiava e reprimia qualquer forma de resistência ao regime.

Na política externa, Mussolini buscava expandir o poder italiano e reconstruir um império semelhante ao da antiga Império Romano. Em 1935, a Itália invadiu a Etiópia, utilizando força militar brutal para conquistar o território. Posteriormente, Mussolini aproximou-se cada vez mais de Adolf Hitler e da Alemanha Nazista, formando uma aliança conhecida como Eixo Roma-Berlim. Essa aproximação levou a Itália a participar da Segunda Guerra Mundial ao lado da Alemanha e do Japão.

A participação italiana na guerra acabou sendo desastrosa. O país sofreu derrotas militares em várias frentes, enfrentou graves crises econômicas e viu crescer a insatisfação popular contra o regime fascista. Em 1943, após a invasão dos Aliados ao território italiano, Mussolini foi deposto e preso por ordem do próprio rei. Pouco tempo depois, porém, foi resgatado por tropas alemãs e colocado no comando de um governo fantoche no norte da Itália, controlado pelos nazistas. Com a derrota definitiva das forças do Eixo em 1945, Mussolini tentou fugir do país, mas foi capturado por partisans italianos e executado ao lado de sua companheira, Clara Petacci.

O legado de Benito Mussolini permanece profundamente controverso e associado ao crescimento dos regimes totalitários do século XX. Seu governo serviu de inspiração para outros movimentos fascistas e autoritários ao redor do mundo, especialmente o nazismo alemão. Embora alguns defensores ainda apontem aspectos ligados à modernização econômica da Itália, a maioria dos historiadores destaca principalmente a repressão política, o expansionismo militar e a aliança com Hitler como marcas negativas de seu regime. Mussolini tornou-se símbolo dos perigos do extremismo político e do autoritarismo, sendo lembrado como uma figura central na história da ascensão do fascismo e das tragédias que marcaram a Europa durante a Segunda Guerra Mundial.

Elvis Presley - A Date With Elvis

Elvis Presley - A Date With Elvis

Lançado em 24 de julho de 1959, A Date with Elvis ocupa um lugar curioso e importante na discografia de Elvis Presley. O álbum foi lançado enquanto Elvis ainda servia ao exército dos Estados Unidos na Alemanha, período em que sua ausência física poderia ter diminuído sua popularidade. No entanto, a gravadora RCA Victor utilizou gravações previamente registradas para manter o cantor em evidência no mercado fonográfico. O disco reúne singles já conhecidos, lados B e faixas inéditas para LP, apresentando uma mistura de rock and roll, rhythm and blues e baladas românticas que ajudaram a preservar a imagem de Elvis como o maior astro jovem da música americana. Embora não tenha sido concebido como um álbum de estúdio tradicional, A Date with Elvis teve importância estratégica na carreira do cantor, mostrando a força de seu catálogo musical e a fidelidade de seu público em um momento delicado de transição profissional.

A crítica da época recebeu o álbum de maneira geralmente positiva, ainda que muitos analistas reconhecessem sua natureza de coletânea montada pela gravadora. A revista Billboard observou que “qualquer lançamento de Elvis continua sendo um evento comercial importante”, destacando a permanência do impacto cultural do cantor mesmo durante seu serviço militar. Já a Variety comentou que o álbum “mantém o alto padrão de energia e apelo juvenil associado ao nome Presley”, ressaltando faixas como “Blue Moon of Kentucky” e “Baby I Don’t Care”. No Reino Unido, a NME (New Musical Express) apontou que Elvis permanecia como “a figura dominante do rock and roll”, ainda que o material não apresentasse novidades significativas para os fãs que já acompanhavam seus singles anteriores.

Os grandes jornais americanos também analisaram o fenômeno em torno do álbum e da permanência da popularidade de Elvis. O The New York Times destacou que o cantor “continua exercendo uma influência singular sobre a juventude americana”, observando que mesmo um álbum montado a partir de gravações antigas conseguia despertar enorme interesse do público. O Los Angeles Times elogiou a força interpretativa de Elvis, afirmando que “sua presença vocal permanece vibrante e magnética”. Já a The New Yorker comentou que Presley já havia ultrapassado o status de simples cantor popular para se tornar um verdadeiro símbolo cultural dos anos 1950. Embora algumas críticas apontassem a falta de unidade artística do disco, a maioria reconhecia o enorme carisma e a relevância contínua do artista.

Comercialmente, A Date with Elvis foi um grande sucesso. O álbum alcançou o primeiro lugar na parada britânica e também teve excelente desempenho nos Estados Unidos, chegando ao Top 40 da Billboard. Em uma época em que o mercado fonográfico dependia fortemente da venda de singles e LPs físicos, o disco vendeu centenas de milhares de cópias rapidamente, reforçando o domínio comercial de Elvis mesmo durante sua ausência dos palcos e estúdios. O sucesso do álbum demonstrou a extraordinária lealdade de seus fãs e a habilidade da RCA em manter o artista constantemente presente no imaginário popular. Além disso, o desempenho comercial ajudou a consolidar ainda mais o rock and roll como força dominante na música jovem do final da década de 1950.

Hoje, A Date with Elvis é visto como um documento importante de um período singular da carreira de Elvis Presley. Embora não seja considerado um de seus trabalhos mais artisticamente coesos, o álbum representa a capacidade do cantor de permanecer relevante mesmo em circunstâncias adversas. Especialistas em música frequentemente destacam o disco como exemplo do enorme poder comercial e cultural de Elvis no auge de sua fama. Para os fãs, ele continua sendo uma coletânea querida, reunindo algumas das gravações mais energéticas e carismáticas de sua fase inicial. Mais do que apenas um produto lançado durante o serviço militar do artista, A Date with Elvis permanece como um símbolo da força do fenômeno Elvis Presley e de sua influência duradoura sobre a história do rock and roll.

Elvis Presley - A Date with Elvis (1959)

Blue Moon of Kentucky

Young and Beautiful

(You’re So Square) Baby I Don’t Care

Milkcow Blues Boogie

Baby Let’s Play House

Good Rockin’ Tonight

Is It So Strange

We’re Gonna Move

I Want to Be Free

I Forgot to Remember to Forget

Erick Steve. 

The Beatles - Revolver

The Beatles - Revolver

Lançado em 5 de agosto de 1966 no Reino Unido, Revolver é amplamente considerado uma das obras mais revolucionárias da carreira de The Beatles e um dos álbuns mais importantes da história da música popular. Gravado em um período de intensa transformação artística do grupo, o disco marcou o afastamento definitivo da sonoridade mais simples da Beatlemania para uma abordagem experimental, sofisticada e profundamente inovadora. Sob a liderança criativa de John Lennon, Paul McCartney e George Harrison, o álbum incorporou elementos de música clássica, psicodelia, música indiana, soul e técnicas avançadas de estúdio. Canções como “Tomorrow Never Knows”, “Eleanor Rigby” e “Taxman” demonstraram que os Beatles estavam expandindo radicalmente os limites do rock. O impacto cultural foi imediato: Revolver redefiniu o conceito de álbum pop, elevando-o à condição de obra artística complexa e influente em uma época de rápidas mudanças sociais e culturais.

A crítica musical recebeu o álbum com enorme entusiasmo, reconhecendo rapidamente sua originalidade e ousadia. A revista Billboard destacou que o disco “leva o som dos Beatles a territórios inteiramente novos”, elogiando especialmente os arranjos inovadores e a produção de George Martin. Já a Variety comentou que o álbum “representa um salto artístico impressionante para o quarteto de Liverpool”, apontando a maturidade das composições e a diversidade musical como diferenciais extraordinários. No Reino Unido, a NME (New Musical Express) classificou Revolver como “um trabalho brilhante e surpreendente”, observando que os Beatles estavam redefinindo o papel da música pop dentro da cultura contemporânea. Muitos críticos perceberam que o grupo havia ultrapassado as limitações do formato tradicional do rock comercial.

Os grandes jornais e revistas culturais também dedicaram atenção especial ao álbum. O The New York Times escreveu que os Beatles “demonstram uma sofisticação musical raramente vista na música popular”, ressaltando a profundidade emocional de faixas como “Eleanor Rigby”. O Los Angeles Times destacou a coragem artística do grupo, afirmando que o álbum “abandona fórmulas previsíveis em favor de uma exploração criativa ousada e inteligente”. Já a The New Yorker publicou uma análise que descrevia Revolver como “um retrato sonoro da imaginação moderna”, elogiando especialmente a experimentação eletrônica de “Tomorrow Never Knows”. Essas avaliações ajudaram a consolidar a reputação dos Beatles não apenas como ídolos populares, mas como artistas inovadores capazes de influenciar profundamente o rumo da música contemporânea.

No aspecto comercial, Revolver foi um enorme sucesso mundial. O álbum alcançou o primeiro lugar nas paradas britânicas e americanas, liderando a Billboard 200 por várias semanas. As vendas foram gigantescas desde o lançamento, ultrapassando milhões de cópias em diversos países e consolidando os Beatles como a maior banda do planeta. Singles associados ao período, como “Yellow Submarine” e “Eleanor Rigby”, tornaram-se sucessos imediatos e ajudaram a impulsionar ainda mais o impacto do disco. Além das vendas impressionantes, o álbum fortaleceu a imagem do grupo como pioneiros artísticos em um mercado cada vez mais competitivo. O sucesso comercial demonstrou que a experimentação musical podia coexistir com enorme popularidade, algo raro para a época.

O legado de Revolver é extraordinário e continua crescendo com o passar das décadas. Hoje, o álbum é frequentemente citado por críticos, músicos e historiadores como um dos maiores discos já gravados, aparecendo constantemente em listas da Rolling Stone e de outras publicações especializadas entre os melhores álbuns de todos os tempos. Especialistas apontam que sua combinação de inovação técnica, profundidade lírica e diversidade sonora abriu caminho para o rock psicodélico, o rock progressivo e inúmeras formas modernas de produção musical. Para os fãs, Revolver representa um momento mágico em que os Beatles alcançaram um equilíbrio perfeito entre acessibilidade pop e ambição artística. Mais de meio século após seu lançamento, o disco permanece como uma obra fundamental da música do século XX e um símbolo do potencial criativo ilimitado da arte popular.

The Beatles - Revolver (1966)

Taxman

Eleanor Rigby

I’m Only Sleeping

Love You To

Here, There and Everywhere

Yellow Submarine

She Said She Said

Good Day Sunshine

And Your Bird Can Sing

For No One

Doctor Robert

I Want to Tell You

Got to Get You into My Life

Tomorrow Never Knows

Erick Steve. 

Fora de Controle

Título no Brasil: Fora de Controle

Título Original: What Just Happened

Ano de Lançamento: 2008

País: Estados Unidos

Estúdio: 2929 Productions

Direção: Barry Levinson

Roteiro: Art Linson

Elenco: Robert De Niro, Sean Penn, Catherine Keener, Bruce Willis, Stanley Tucci

Sinopse:

O filme What Just Happened acompanha Ben, um produtor de Hollywood que tenta equilibrar sua carreira em crise com problemas pessoais e familiares. Enquanto lida com executivos inseguros, estrelas temperamentais e produções cheias de complicações, ele precisa salvar seus filmes e manter sua reputação na indústria cinematográfica. Entre reuniões caóticas, conflitos criativos e pressões comerciais, Ben enfrenta o lado menos glamouroso de Hollywood, tentando sobreviver em um ambiente imprevisível e competitivo.

Comentários:

Eu já assisti mais de noventa e cinco por cento dos filmes de Robert De Niro, com certeza. Só que esse era um dos que me escaparam por todos esses anos. E é um filme muito bom, que mostra os bastidores da indústria cinematográfica de Hollywood. Aqui De Niro é o produtor de um grande estúdio de cinema que precisa lidar com uma série inacreditável de problemas ao longo de seus conturbados dias. Em sua mesa vão parar todos os tipos de "pepinos", sendo um dos mais divertidos (para o espectador, é claro) aquele que surge quando um astro temperamental (Bruce Willis interpretando ele mesmo) se recusa a cortar sua longa barba (ao estilo Dom Pedro II) para seu próximo filme. O sujeito bate o pé e não importam os argumentos, ele reafirma que não vai cortar a barba de jeito nenhum! Pode parecer uma banalidade, mas isso coloca o próprio projeto do filme em risco, pois o estúdio não vai arriscar milhões de dólares em um filme com um astro de visual bizarro como aquele. Enfim, apenas um exemplo, de um filme muito bom! Pena que havia me escapado por tantos anos! 

Pablo Aluísio. 

Quando os Bravos Caem

Título no Brasil: Quando os Bravos Caem

Título Original: When Trumpets Fade

Ano de Lançamento: 1998

País: Estados Unidos

Estúdio: HBO Films

Direção: John Irvin

Roteiro: W. W. Vought

Elenco: Ron Eldard, Zak Orth, Frank Whaley, Dylan Bruno

Sinopse:

O filme When Trumpets Fade se passa durante a brutal Batalha da Floresta de Hürtgen, na Segunda Guerra Mundial. A história acompanha o soldado David Manning, um combatente traumatizado que, após perder toda sua unidade, é promovido a sargento e recebe a missão de liderar um grupo de recrutas inexperientes em meio a um dos cenários mais hostis da guerra. Enquanto enfrentam o frio, a lama, o medo constante e ataques inimigos, Manning luta para cumprir sua missão e, ao mesmo tempo, lidar com o peso psicológico da sobrevivência.

Comentários:

When Trumpets Fade é um filme de guerra que se destaca pelo realismo cru e pela abordagem sombria do conflito. Diferente de produções mais heroicas, a obra enfatiza o desgaste físico e emocional dos soldados, apresentando a guerra como um ambiente caótico e desumanizador. A direção de John Irvin privilegia uma atmosfera opressiva, com cenários naturais que reforçam a sensação de isolamento e desespero. Ron Eldard entrega uma atuação intensa, representando um protagonista longe do estereótipo heroico tradicional. Produzido para a televisão pela HBO, o filme é frequentemente comparado a obras como Saving Private Ryan, embora com menor orçamento, mas com igual compromisso em retratar a brutalidade da guerra de forma honesta e impactante.

Erick Steve. 

O Silêncio de Melinda

Título no Brasil: O Silêncio de Melinda

Título Original: Speak

Ano de Lançamento: 2004

País: Estados Unidos

Estúdio: Showtime Networks

Direção: Jessica Sharzer

Roteiro: Jessica Sharzer

Elenco: Kristen Stewart, Michael Angarano, Steve Zahn, Elizabeth Perkins

Sinopse:

O filme Speak acompanha Melinda Sordino (Stewart), uma adolescente que se torna isolada e rejeitada pelos colegas após chamar a polícia durante uma festa de escola. Incapaz de explicar o que realmente aconteceu naquela noite, ela mergulha em um profundo silêncio emocional, afastando-se dos amigos, da família e da própria identidade. Enquanto enfrenta dificuldades no ambiente escolar e os traumas psicológicos do abuso que sofreu, Melinda encontra na arte uma forma de expressar sua dor e buscar recuperação.

Comentários:

Quando conheci o trabalho da atriz Kristen Stewart, eu sinceramente achei ela um tanto estranha. Só que é aquela coisa, para certos personagens a estranheza cai como uma luva. É o caso desse drama colegial em que ela interpreta essa jovem estudante que vira uma espécie de pária em sua escola. Na realidade ela é a verdadeira vítima da história, tendo sido estuprada por outro aluno, um daqueles tipos bonitões e populares nos corredores da escola. Sem ter condições psicológicas de falar o que sofreu, acaba se tornando solitária, estigmatizada e colocada de lado por todos, o que nessa idade se torna algo muito doloroso. O filme é muito bem conduzido e o jeito de ser da Kristen Stewart é perfeito para seu papel. Eu sempre vou gostar de filmes colegiais, sejam comédias ou dramas. Nessa última categoria esse é um dos melhores que já assisti, sem exagero algum. Excelente filme mesmo. 

Pablo Aluísio. 

Cidade dos Anjos

Título no Brasil: Cidade dos Anjos

Título Original: City of Angels

Ano de Lançamento: 1998

País: Estados Unidos

Estúdio: Warner Bros.

Direção: Brad Silberling

Roteiro: Dana Stevens

Elenco: Nicolas Cage, Meg Ryan, Andre Braugher, Dennis Franz

Sinopse:

O filme City of Angels acompanha Seth, um anjo que observa silenciosamente os seres humanos e os guia nos momentos finais da vida. Durante uma de suas missões, ele conhece Maggie, uma dedicada cirurgiã por quem acaba se apaixonando. Fascinado pelas emoções humanas e pelo desejo de experimentar a vida mortal, Seth começa a questionar sua existência eterna e considera abrir mão de sua condição angelical para viver ao lado da mulher que ama. A história mistura romance, fantasia e reflexões sobre amor, mortalidade e sacrifício.

Comentários:

Assisti na época de seu lançamento original, nos anos 90. Foi um filme bem badalado, até por ser o remake americano de um consagrado filme de Win Wenders. Só que o cinema americano, vamos ser sinceros, nunca teve a elegância intelectual do cinema europeu. São escolas diferentes. Então o que era intelectualmente desafiante no filme original aqui se transformou em uma espécie de obra romântica pueril, com toques religiosos, ainda mais acentuada com a presença de Meg Ryan, considerada na época como a "Namoradinha da América". O filme funciona, apesar de ter algumas coisas estranhas, todas provenientes da atuação de Nicolas Cage. Ele colocou na cabeça que os anjos teriam alguns cacoetes, movimentos involuntários, típicos das aves. Então o Cage passa o filme inteiro com esses movimentos bizarros. Vai entender o que ele pensou na época... Enfim, não deixa de ser um bom filme, mas tem essas bizarrices. 

Pablo Aluísio. 

A Noiva!

A Noiva!

Sendo bem simplista, o que temos aqui é um remake moderno de um filme bem antigo, "A Noiva de Frankenstein" de 1935. O primeiro desafio era fugir do ridículo. Como fazer um remake de uma história que hoje em dia soaria basicamente como puro nonsense? Apesar dos desafios iniciais eles conseguiram fazer um bom filme. Não é uma comédia  total porque não era bem isso que os realizadores queriam. Ainda assim o humor não foi descartado, pelo contrário, está presente em vários momentos do filme. Usaram até mesmo de números musicais para tornar tudo mais aceitável nos dias atuais. Assim o filme vai intercalando momentos mais sérios, até dramáticos, com suavidades pontuais. O saldo final, ao meu ver, soa positivo. Mesmo estranho e apelativo em algumas cenas, penso que os desafios foram superados. Vai ter gente estranhando muito o que verá na tela, mas o número de pessoas que vai dizer que o filme é simplesmente só ruim não será muito expressivo. 

Entre altos e baixos, o filme consegue se sustentar. O ponto mais positivo é o trabalho da atriz Jessie Buckley. Ela não apenas interpreta a noiva, com toques bizarros e grotescos, como exigia sua personagem, como também traz de volta uma Mary Shelley embriagada, soltando frases de efeito do além, muito decepcionada com a própria vida que teve e que agora quer destruir tudo, inclusive seu legado como escritora. A presença de Mary Shelley como personagem do filme é uma das grandes sacadas desse roteiro que só desliza mesmo quando tenta copiar descaradamente aspectos do filme "Coringa". De qualquer forma o filme se salva, como eu já escrevi. É estranho e bizarro nas doses exatas, como a própria obra original que tenta ressuscitar. Os fãs de terror clássico não terão muito o que reclamar. 

A Noiva! (The Bride!, Estados Unidos, 2026) Direção: Maggie Gyllenhaal / Roteiro: Maggie Gyllenhaal, baseada na obra escrita por Mary Shelley / Elenco: Jessie Buckley, Christian Bale, Annette Bening / Sinopse: A criatura criada pelos experimentos do Dr. Victor Frankenstein está viva, mas solitária. Chamado de Frank (Bale) ele então procura por uma cientista que pode criar uma mulher para viver ao seu lado, só que tudo acaba saindo do controle rapidamente, criando caos e destruição por toda a sociedade. 

Pablo Aluísio.

A Noiva de Frankenstein

Título no Brasil: A Noiva de Frankenstein

Título Original: The Bride of Frankenstein

Ano de Lançamento: 1935

País: Estados Unidos

Estúdio: Universal Pictures

Direção: James Whale

Roteiro: William Hurlbut, John L. Balderston

Elenco: Boris Karloff, Elsa Lanchester, Colin Clive, Ernest Thesiger

Sinopse:

O clássico The Bride of Frankenstein continua a história iniciada em Frankenstein, mostrando as consequências das experiências do Dr. Henry Frankenstein. Após sobreviver aos eventos anteriores, o cientista é coagido pelo sinistro Dr. Pretorius a criar uma companheira para a criatura. Enquanto isso, o monstro vagueia em busca de aceitação e compreensão, enfrentando rejeição e violência por onde passa. A criação da “noiva” culmina em um dos momentos mais icônicos do cinema, misturando horror, tragédia e uma reflexão sobre solidão e humanidade.

Comentários:

Considerado por muitos críticos como superior ao filme original, The Bride of Frankenstein é um dos maiores clássicos do terror da era de ouro de Hollywood. A direção de James Whale imprime um tom sofisticado, combinando elementos góticos com toques de humor ácido e até subtexto social. A atuação de Boris Karloff aprofunda a dimensão emocional do monstro, transformando-o em uma figura trágica e comovente. Já Elsa Lanchester, mesmo com pouco tempo em cena, criou uma das imagens mais icônicas da história do cinema. O filme consolidou o legado dos chamados “Monstros da Universal” e permanece influente até hoje, tanto estética quanto narrativamente.

Erick Steve. 

Duelo ao Sol

Duelo ao Sol

Gregory Peck construiu sua carreira em Hollywood interpretando homens honestos, íntegros, verdadeiros pilares de suas comunidades. Entretanto, como toda regra, existem exceções. E aqui temos uma delas. Nesse filme Peck interpreta um sujeito completamente asqueroso. Ele é o filho caçula de um latifundiário, dono de vastas terras. Já tendo sido senador em seu passado, esse sujeito manda na região. Ele acredita estar acima de lei por ser rico e poderoso. Assim o personagem de Peck, sempre protegido pelo pai, se vê no direito de cometer várias barbaridades, entre elas assediar mulheres, ser bruto com elas e até mesmo matar desafetos. É um criminoso vil. E as coisas só pioram quando Pearl (Jennifer Jones) vai morar na fazenda dele. A partir daí as coisas ficam completamente fora do controle. 

"Duelo ao Sol" é um filme de faroeste, mas também é um novelão daqueles bem dramáticos. São dois irmãos, filhos do fazendeiro, disputando uma mulher, justamente a mestiça Pearl. Ela é um vulcão, muito sexualizada, mas ao mesmo tempo tenta impor um certo limite e valor em sua vida. Não que isso faça diferença para todos aqueles que habitam aquela fazenda do velho oeste. Tirando o irmão primogênito, que é um homem correto e ético, tanto o pai como seu filho caçula são racistas, com perfis criminosos e machistas ao velho estilo. E quem sofre tudo na pele é justamente a personagem de Jones. 

Aliás cabe aqui algumas críticas em relação ao desempenho da atriz Jennifer Jones. Achei tudo muito exagerado! Tentando impressionar o público ela exagerou na dose! São caras, bocas e poses em excesso. Algumas vezes beira o humor involuntário. No fundo uma história de irmão bonzinho versus irmão malvado, lutando pela mesma garota, quem acabou se saindo melhor foi mesmo Peck, ainda que fazendo um vilão dos mais perversos de sua carreira. E se você ficar com raiva dele no final do filme, saiba que isso apenas significa que o ator fez um belo trabalho de atuação. 

Duelo ao Sol (Duel in the Sun, Estados Unidos, 1946) Direção: King Victor / Roteiro: David O. Selznick, Niven Busch / Elenco: Gregory Peck, Jennifer Jones, Joseph Cotten, Lionel Barrymore, Lilia Gish / Sinopse: Dois irmãos, filhos de um rico fazendeiro, disputam o coração de uma jovem mestiça que vai morar na fazenda de seu pai. E o conflito vai ser o estopim de uma grande rivalidade entre eles. 

Pablo Aluísio. 

A Volta do Pistoleiro

A Volta do Pistoleiro

Pistoleiro (Robert Taylor) sai da prisão de Yuma e recebe carta de um amigo que precisa de sua ajuda pois está sendo ameaçado por bandidos locais que querem expulsá-lo de seu rancho na fronteira com o México. Robert Taylor foi um dos galãs mais populares de Hollywood nas décadas de 40 e 50, estrelando várias produções de luxo dos principais estúdios. Passeou em vários gêneros desde filmes épicos (Quo Vadis), de capa e espada (Os Cavaleiros da Tavola Redonda, Ivanhoé) até produções de guerra (O Dia D). O problema é que Taylor era aquele tipo de ator que se baseava apenas em sua aparência física, algo que é inerente a todos os galãs aliás. Quando a idade chega eles obviamente são trocados por atores mais jovens e caem no ostracismo. Acontece com todos e aconteceu com Robert Taylor também. No final dos anos 50 ele já demonstrava sinais de declínio na carreira. Tentou sobreviver indo para a TV e até conseguiu uma sobrevida com séries como The Detectives mas a partir de 1962 os trabalhos foram ficando cada vez mais escassos.

Quando realizou "A Volta do Pistoleiro" Robert Taylor já estava praticando aposentado das telas. Para falar a verdade esse foi seu último filme americano nos cinemas (decadente chegou a filmar na Itália e após um breve retorno à TV morreria dois anos depois em 1969). Aqui temos uma produção B da MGM. Não é um grande western, não tem uma grande produção e o roteiro para falar a verdade é mais do mesmo (a velha estória do pistoleiro rápido do gatilho que parte em busca de vingança). Taylor está visivelmente envelhecido e sem pique, aparentando inclusive problemas de obesidade (sua barriga saliente é constrangedora). De qualquer forma tenta trazer alguma dignidade ao papel usando de seus velhos maneirismos (como o levantar das sobrancelhas e o cerramento dos olhos nos momentos de tensão). No saldo final "Return of the Gunfighter" serve apenas como uma despedida desse galã hollywoodiano dos velhos tempos. Claro que ainda é melhor vê-lo no auge, como em "Quo Vadis" mas essa produção não deixa de ser curiosa também para conferir um dos últimos trabalhos dele nas telas.

A Volta do Pistoleiro (Return of the Gunfighterm Estados Unidos, 1967) / Direção de James Neilson / Roteiro de Robert Buckner e Burt Kennedy / Com Robert Taylor, Ana Martin e Chad Everett / Sinopse: Pistoleiro (Robert Taylor) sai da prisão de Yuma e recebe carta de um amigo que precisa de sua ajuda pois está sendo ameaçado por bandidos locais que querem expulsá-lo de seu rancho na fronteira com o México.

Pablo Aluísio.