Le Mans / 24 Horas de Le Mans

Le Mans

Assisti hoje esse curioso filme da filmografia do Steve McQueen. O fato é que ele era louco por corridas e carros velozes, assim quando estava no auge de seu sucesso resolveu bancar um projeto pessoal: realizar um filme durante as 24 horas de Le Mans (uma das corridas mais famosas da Europa). Embora tenha sido aconselhado a não estrelar o filme Steve bateu o pé e levou uma enorme equipe de Hollywood para filmar o grande evento esportivo. O problema é que em sua ansiedade de fazer o filme McQueen esqueceu de que todo filme tem que ter um roteiro e não basta apenas filmar carros à toda velocidade.

Aí é que está todo o problema de Le Mans: ele não tem roteiro! Não é que o roteiro do filme seja ruim, nada disso, ele simplesmente não existe! Isso mesmo. Tudo se passa nas próprias 24 horas de Le Mans. Tudo o que se vê durante o filme inteiro é a própria corrida e nada mais. É quase um documentário. Para não dizer que McQueen não interpreta nada ele tem duas cenas onde troca diálogos rápidos com outros personagens (que nem mesmo possuem nomes!). Tecnicamente a verdade seja dita: o filme é muito bem editado e tem ótimas sequências de pista... mas também só tem isso. Enfim, o resultado de tudo isso é que o filme foi um tremendo fracasso de bilheteria e o McQueen perdeu uma verdadeira fortuna com isso. Bem feito, só assim ele nunca mais estrelaria um filme sem roteiro.

Le Mans / 24 Horas de Le Mans (Le Mans, EUA, 1971) Direção: Lee H. Katzin / Roteiro: Harry Kleiner / Elenco: Steve McQueen, Siegfried Rauch, Elga Andersen / Sinopse: O filme mostra em tom quase documental um piloto participando da corrida denominada 24 Horas de Le Mans. Enquanto ele tenta vencer a famosa prova de corrida, precisa também lidar com seus problemas pessoais fora da pista.

 Pablo Aluísio.

The Beatles - Yellow Submarine

The Beatles - Yellow Submarine

O álbum “Yellow Submarine” foi lançado em 13 de janeiro de 1969 nos Estados Unidos (e em 17 de janeiro no Reino Unido), pela Apple Records, em um período de transição na trajetória dos The Beatles. O disco está diretamente ligado ao filme de animação homônimo produzido no auge da fase psicodélica do grupo, reunindo canções já conhecidas e algumas faixas inéditas. Parte do material havia sido gravada anteriormente, o que faz do álbum um projeto híbrido dentro da discografia oficial. Além das músicas da banda, o segundo lado do vinil apresenta composições orquestrais de George Martin, produtor histórico do grupo, reforçando o caráter cinematográfico do lançamento. O contexto de gravação coincide com o período de fragmentação criativa que culminaria no fim da banda poucos meses depois. Assim, o disco não representa uma obra conceitual coesa, mas sim um registro complementar daquele momento. Mesmo com essa natureza particular, o lançamento teve importância cultural significativa. Ele ampliou a presença dos Beatles no cinema e na cultura pop visual. Também consolidou a estética psicodélica associada ao final dos anos 1960.

A recepção crítica inicial foi mista, refletindo a natureza incomum do projeto. O The New York Times observou que o álbum parecia “mais uma trilha sonora do que um novo passo artístico da banda”, embora elogiasse a qualidade das canções inéditas. Já o Los Angeles Times destacou o valor do material previamente lançado, afirmando que “mesmo quando reciclados, os Beatles permanecem superiores à maioria do pop contemporâneo”. Críticos reconheceram que a presença das músicas orquestrais dividia opiniões entre fãs de rock. Alguns viram a escolha como ousada; outros, como distante do espírito do grupo. Ainda assim, a força cultural do nome Beatles manteve o interesse elevado. A crítica concordava que o disco não estava no mesmo nível de seus antecessores imediatos. Mesmo assim, havia respeito pela inventividade envolvida. O debate crítico demonstrava a expectativa altíssima em torno da banda. Qualquer lançamento era analisado como evento cultural.

Publicações como a Rolling Stone consideraram o álbum “agradável, porém menor dentro de uma discografia extraordinária”, enquanto a Billboard destacou seu apelo comercial garantido pelo filme e pelas canções já populares. A revista The New Yorker adotou tom mais analítico, sugerindo que o disco simbolizava “um momento de dispersão criativa, mas ainda cheio de beleza melódica”. Com o passar do tempo, muitas dessas avaliações foram suavizadas. Críticos posteriores passaram a valorizar mais as faixas inéditas e a contribuição estética do filme. O álbum ganhou nova leitura histórica como peça complementar do universo beatle. Hoje, a crítica tende a enxergá-lo com maior simpatia. Ele não é visto como fracasso, mas como obra circunstancial. Essa reavaliação reforçou sua legitimidade dentro do catálogo do grupo. A percepção crítica evoluiu de decepção moderada para apreciação contextual.

Comercialmente, “Yellow Submarine” teve desempenho forte, embora inferior a outros lançamentos dos Beatles. O álbum alcançou o Top 5 da Billboard 200 nos Estados Unidos e o Top 3 no Reino Unido, confirmando a enorme popularidade do grupo. As vendas atingiram milhões de cópias em todo o mundo, impulsionadas pelo sucesso do filme e pela presença de canções conhecidas. O público respondeu positivamente, especialmente os fãs mais jovens atraídos pela animação colorida. Mesmo não sendo considerado essencial, o disco manteve alto nível de interesse comercial. A marca Beatles continuava praticamente imbatível nas paradas. O desempenho financeiro comprovou isso. O álbum permaneceu relevante em reedições posteriores. Seu sucesso reforçou a força cultural do grupo mesmo em fase final. Comercialmente, foi mais um triunfo sólido.

O legado de Yellow Submarine está ligado principalmente ao universo visual e psicodélico criado pelo filme, que se tornou clássico da animação musical. Embora raramente listado entre os melhores discos dos Beatles, o trabalho possui importância histórica como registro de transição. Fãs valorizam especialmente as faixas inéditas e a atmosfera lúdica do projeto. Críticos modernos destacam a contribuição estética para a cultura pop dos anos 1960. O álbum também evidencia a diversidade de caminhos artísticos explorados pela banda naquele período. Sua permanência no imaginário coletivo deve-se tanto à música quanto às imagens do submarino amarelo. Reedições restauradas reforçaram esse interesse. Hoje ele é visto com carinho, ainda que não com reverência máxima. Seu papel é complementar, mas significativo. Dentro da história dos Beatles, permanece uma peça curiosa e culturalmente relevante.

The Beatles – Yellow Submarine (1969)

Yellow Submarine

Only a Northern Song

All Together Now

Hey Bulldog

It’s All Too Much

All You Need Is Love

Pepperland

Sea of Time

Sea of Holes

Sea of Monsters

March of the Meanies

Pepperland Laid Waste

Yellow Submarine in Pepperland

Erick Steve. 

Elvis Presley - Something For Everybody

Elvis Presley - Something For Everybody

O álbum “Something for Everybody” foi lançado em 17 de junho de 1961, pela RCA Victor, em um momento de transição artística na carreira de Elvis Presley. Gravado em sessões realizadas entre 1960 e 1961, o disco surgiu logo após o retorno definitivo do cantor do serviço militar e durante o período em que sua produção estava fortemente ligada ao cinema de Hollywood. Diferente de muitos álbuns compostos apenas por músicas de filmes, este trabalho reuniu gravações de estúdio independentes, pensadas para o mercado fonográfico tradicional. O título refletia a proposta de alcançar diferentes públicos, combinando baladas românticas, canções pop suaves e números mais animados. Havia também a intenção comercial clara de manter Elvis relevante em um cenário musical que começava a mudar com a ascensão de novos artistas. Musicalmente, o álbum apresenta arranjos polidos e vocais controlados, evidenciando maturidade interpretativa. Esse contexto faz do disco um retrato fiel da fase inicial dos anos 1960 do cantor. Sua importância reside na consolidação de Elvis como artista versátil e ainda dominante nas paradas. Mesmo sem o impacto revolucionário dos anos 1950, o álbum reforçou sua permanência no topo da indústria.

A recepção crítica na época foi, em geral, positiva, embora menos entusiasmada do que nos primeiros anos de carreira. O The New York Times observou que o disco demonstrava “um intérprete mais contido, mas tecnicamente seguro”, destacando a qualidade das baladas. Já o Los Angeles Times ressaltou a consistência comercial do trabalho, afirmando que Elvis “continua oferecendo exatamente o que seu público espera ouvir”. Críticos apontaram que o repertório privilegiava melodias acessíveis e produção refinada. Alguns viram isso como sinal de amadurecimento; outros, como acomodação artística. Ainda assim, a execução vocal foi amplamente elogiada. A imprensa reconheceu que poucas vozes do pop possuíam tamanho alcance emocional. O álbum foi entendido como produto sólido dentro do mainstream. Mesmo sem ousadia, mantinha alto padrão profissional. Isso garantiu respeito crítico contínuo.

Revistas especializadas como a Billboard destacaram o potencial radiofônico do disco, descrevendo-o como “um conjunto de canções cuidadosamente escolhido para amplo apelo popular”. Publicações do setor musical observaram que Elvis mantinha forte presença comercial mesmo em meio às mudanças culturais do início da década. Alguns críticos notaram a ausência do rock mais energético que marcara seus primeiros sucessos, mas reconheceram a eficiência das interpretações românticas. Comentários da época ressaltavam que o cantor havia se tornado um entertainer completo. A recepção, portanto, misturava admiração profissional com certa nostalgia do passado rebelde. Com o passar dos anos, essas análises passaram a ver o álbum com maior equilíbrio histórico. Hoje ele é compreendido como peça representativa de sua fase hollywoodiana. A crítica moderna tende a valorizar mais sua qualidade vocal. Assim, o julgamento do disco tornou-se mais favorável ao longo do tempo.

Comercialmente, “Something for Everybody” foi um grande sucesso. O álbum alcançou o 1º lugar na Billboard 200, confirmando a força de Elvis no mercado norte-americano. Também obteve boas posições em paradas internacionais, refletindo sua popularidade global contínua. As vendas ultrapassaram milhões de cópias, garantindo certificações importantes ao longo das décadas. O público respondeu positivamente ao repertório romântico e acessível. Muitas faixas tornaram-se favoritas dos fãs, especialmente as baladas. O desempenho sólido reforçou a estratégia de diversificação musical do cantor. Mesmo sem singles revolucionários, o conjunto vendeu de forma consistente. Isso demonstrou a lealdade de sua base de ouvintes. Comercialmente, o disco cumpriu plenamente seu papel. Foi mais uma prova do domínio de Elvis nas paradas do início dos anos 1960.

O legado de Something for Everybody está ligado à consolidação da imagem de Elvis como artista universal do entretenimento. Embora não seja considerado tão inovador quanto seus trabalhos dos anos 1950 ou o retorno de 1968, o álbum representa estabilidade artística e sucesso contínuo. Fãs valorizam especialmente a qualidade das interpretações vocais e o clima romântico predominante. Críticos modernos o veem como documento importante da fase hollywoodiana do cantor. O disco também ajuda a compreender a adaptação de Elvis às transformações do mercado musical. Sua permanência nas reedições demonstra interesse duradouro. Dentro da discografia do artista, ocupa posição de transição histórica. É um trabalho que evidencia profissionalismo e consistência. Seu valor está menos na inovação e mais na solidez. Ainda assim, permanece parte essencial do legado do Rei do Rock.

Elvis Presley - Something for Everybody (1961)

There’s Always Me

Give Me the Right

It’s a Sin

Sentimental Me

Starting Today

Gently

I’m Comin’ Home

In Your Arms

Put the Blame on Me

Judy

I Want You with Me

I Slipped, I Stumbled, I Fell

Erick Steve. 

1975: O Ano do Colapso

Título no Brasil: 1975: O Ano do Colapso 

Título Original: Breakdown: 1975

Ano de Lançamento: 2025

País: Estados Unidos

Estúdio: Netflix

Direção: Morgan Neville

Roteiro: Morgan Neville

Elenco: Martin Scorsese, Jodie Foster, Josh Brolin, Oliver Stone, Albert Brooks, Steven Spielberg (em depoimentos e imagens de arquivos)

Sinopse:

O documentário faz uma análise dos filmes que foram lançados nos cinemas no ano de 1975, mostrando como eram inovadores e completamente fora dos padrões que Hollywood vinha adotando em seu passado recente. Uma safra de produções cinematográficas que rompeu definitivamente com o que vinha sendo produzido e lançado nos cinemas até aquele ano. 

Comentários:

Esse é um novo documentário que pode ser encontrado na Netflix. Assista antes que tirem. O que temos aqui é um desses filmes que são muito bem recebidos por quem aprecia a história do cinema. Ele vai dissecando os filmes que chegaram aos cinemas em 1975, mostrando como eles foram revolucionários, rompendo com uma certa fórmula antiga que Hollywood ainda teimava em continuar explorando. Apesar de achar o documentáro muito bem realizado e tudo mais, tenho certas reservas ao seu conteúdo. Hollywood não mudou, da noite para o dia, nesse ano de 1975, como é proposto pela narrativa do roteiro desse documentário. Na realidade ela já vinha mudando e muito desde o final dos anos 60. Basta dar uma olhada em títulos inovadores que foram lançados em 1968, por exemplo. Então colocar tudo em 1975 me soou um pouco forçado. Ainda assim recomendo esse documentário. Produções nessa linha são tão raras que quando encontramos uma, temos que celebrar e agradecer. Embora não seja tão historicamente exato e preciso em suas premissas, esse documentário ainda vale muito a pena conhecer. 

Pablo Aluísio. 

Na Terra de Santos e Pecadores

Título no Brasil: Na Terra de Santos e Pecadores

Título Original: In the Land of Saints and Sinners

Ano de Lançamento: 2023

País: Irlanda, Estados Unidos

Estúdio: Facing East Entertainment

Direção: Robert Lorenz

Roteiro: Mark Michael McNally, Terry Loane

Elenco: Liam Neeson, Kerry Condon, Jack Gleeson, Colm Meaney, Ciarán Hinds, Desmond Eastwood

Sinopse:

Ambientado em uma pequena cidade costeira da Irlanda nos anos 1970, o filme acompanha Finbar Murphy (Liam Neeson), um assassino de aluguel envelhecido que busca deixar para trás seu passado violento e viver em paz. Contudo, a chegada de membros do IRA à região desencadeia uma nova onda de conflitos, forçando Finbar a confrontar novamente a violência que tentou abandonar. Entre culpa, redenção e sobrevivência, ele precisa escolher de que lado realmente está.

Comentários: 

Outro bom filme que se pode encontrar atualmente na Netflix. Esse me lembrou muito um antigo filme, dos anos 80, com Mickey Rourke, chamado "Prece Para um Condenado". A premissa é a mesma: um assassino profissional tenta um recomeço na vida, mas antes vai ter que acertar as contas com o IRA, o exército revolucionário irlandês, um grupo classificado como terrorista na época. Hoje em dia o IRA está pacificado e a maioria das pessoas sequer lembra deles, mas naqueles tempos sombrios a coisa era bem barra pesada. Acusações de explosões de carros bombas eram comuns. O clima de ódio era muito intenso. A história desse filme resgata em parte esse capítulo sangrento do que foi vivido. É um bom filme, com competência tanto no desenvolvimento dos personagens, como também nas cenas de ação, de intensidade. Então não senti falta de nada realmente. Um filme bem completo que paga as promessas que fez ao espectador. Está mais do que recomendado. 

Pablo Aluísio. 

Dinheiro Suspeito

Título no Brasil: Dinheiro Suspeito

Título Original: The Rip

Ano de Lançamento: 2026

País: Estados Unidos

Estúdio: Netflix 

Direção: Joe Carnahan

Roteiro: Joe Carnahan

Elenco: Matt Damon, Ben Affleck, Scott Adkins, Kyle Chandler, Steven Yeun, Teyana Taylor, 

Sinopse:

Em Miami, uma equipe de policiais do departamento de narcóticos descobre uma grande quantia de dinheiro escondida em uma casa abandonada após um informação sobre uma operação secreta. A quantia, avaliada em dezenas de milhões de dólares, desencadeia tensão, suspeitas e conflitos dentro da equipe. À medida que forças externas se aproximam e a pressão moral aumenta, os laços de confiança entre os policiais começam a se desfazer, levando a confrontos de lealdade, ganância e sobrevivência numa única noite tensa.

Comentários: 

Apesar das muitas críticas que o filme sofreu por aí, eu gostei do que assisti, mesmo com certas ressalvas. É um bom filme, com uma trama envolvente que mantém nossa atenção. E o jogo do roteiro, ora levando o espectador a acreditar na honestidade dos policiais, ora nos convencendo de que são tiras corruptos, é bem interessante. Pena que a dupla Matt Damon e Ben Affleck não leve a história do filmes às últimas consequências. Ao invés disso preservam suas famas de bons moços! Afinal são também produtores do filme. Essa foi uma bola fora da conclusão, pois esperava mais desses personagens, bem mais. Quando a tensão chega ao auge, o roteiro se acovarda e desanda, buscando por soluções facéis e rápidas sobre tudo o que está acontecendo. Eu esperava por algo mais visceral e cru, afinal o filme vai adotando ao longo da história um clima que me levou a pensar justamente nisso. São caras durões, sem carisma, querendo se dar bem o tempo todo. Era para seguir nessa linha. Pelo visto houve um tanto de falta de coragem para transformar essa fita policial em um clássico moderno da linha Brucutu. Uma pena mesmo. 

Pablo Aluísio. 

Rio Lobo

Rio Lobo

Rio Lobo foi lançado em 18 de dezembro de 1970, dirigido por Howard Hawks e estrelado por John Wayne, ao lado de Jorge Rivero, Jennifer O’Neill, Jack Elam e Christopher Mitchum. O filme representa a última colaboração entre Hawks e Wayne, dupla fundamental para a consolidação do western clássico americano. Ambientada logo após a Guerra Civil dos Estados Unidos, a história acompanha um oficial da União que decide investigar uma série de injustiças ocorridas em uma pequena cidade dominada por corrupção e abuso de poder. O ponto de partida surge quando ele descobre que antigos inimigos de guerra podem, na verdade, tornar-se aliados diante de um mal maior. A partir dessa premissa, o longa desenvolve um confronto moral entre honra, vingança e reconciliação, mantendo o foco na jornada do protagonista sem antecipar os acontecimentos finais.

No momento de seu lançamento, Rio Lobo recebeu uma reação crítica mista da imprensa americana. O The New York Times observou que o filme possuía “o charme tranquilo dos westerns tradicionais de Hawks”, mas também apontou que a narrativa parecia familiar demais em comparação com obras anteriores do diretor. Já o Los Angeles Times destacou a presença de John Wayne como elemento central de força dramática, elogiando sua autoridade em cena e sua capacidade de sustentar o tom clássico da produção. Ainda assim, parte da crítica considerou que o gênero western já não ocupava o mesmo espaço cultural dominante do passado.

A revista Variety descreveu o longa como “um western sólido, porém convencional”, ressaltando a competência técnica da direção e das sequências de ação, mas sem grandes inovações narrativas. O The New Yorker comentou que o filme parecia uma despedida melancólica de uma era do cinema americano, marcada por heróis estoicos e conflitos morais diretos. Mesmo sem entusiasmo unânime, muitos críticos reconheceram a elegância clássica da encenação de Hawks e o carisma duradouro de Wayne. O consenso geral foi de respeito moderado, vendo o filme mais como um epílogo do western tradicional do que como uma renovação do gênero.

No campo comercial, Rio Lobo apresentou desempenho modesto nas bilheterias. Produzido com orçamento estimado em cerca de US$ 6 milhões, o filme arrecadou valores considerados apenas satisfatórios para os padrões da época, especialmente diante da popularidade anterior das colaborações entre Hawks e Wayne. O western, naquele início dos anos 1970, enfrentava concorrência crescente de outros gêneros e mudanças no gosto do público. Ainda assim, o nome de John Wayne garantiu presença significativa nos cinemas e boa circulação internacional, assegurando retorno financeiro razoável e posterior exibição frequente na televisão.

Com o passar das décadas, Rio Lobo passou a ser visto como uma obra de encerramento simbólico do ciclo clássico do western hollywoodiano. Embora não figure entre os títulos mais celebrados de Hawks ou Wayne, o filme é valorizado por estudiosos como parte importante da transição entre o western tradicional e abordagens mais revisionistas que dominariam os anos seguintes. A relação entre antigos inimigos que se tornam aliados também ganhou leitura mais contemporânea, reforçando temas de reconciliação após a guerra. Hoje, o longa mantém respeito histórico e interesse entre admiradores do gênero.

Rio Lobo (Rio Lobo, Estados Unidos, 1970) Direção: Howard Hawks / Roteiro: Burton Wohl, Leigh Brackett e Larry Cohen / Elenco: John Wayne, Jorge Rivero, Jennifer O’Neill, Jack Elam, Christopher Mitchum, Victor French / Sinopse: Um ex-oficial da Guerra Civil investiga abusos cometidos em uma cidade dominada pela corrupção, unindo-se a antigos adversários para restaurar a justiça e a honra no Oeste americano.

Erick Steve. 

Fibra de Herói

Tom Buchanan (Randolph Scott) é um cowboy que indo na direção do Texas onde pretende comprar um rancho resolve parar numa pequenina cidade na fronteira entre Estados Unidos e México. Lá acaba involuntariamente se envolvendo numa briga entre um mimado filho do juiz local e um mexicano que está ali para lavar a honra de sua família. Após muitos desentendimentos Juan (Manuel Rojas) finalmente mata seu desafeto em um Saloon. Imediatamente a população resolve levar o criminoso ao linchamento mas Buchanan (Scott) tenta evitar. Má ideia. Logo ele também é acusado de ser cúmplice do assassino mesmo sendo completamente inocente.

"Homem errado no lugar errado" essa é a premissa desse "Fibra de herói", mais um parceria entre o ator Randolph Scott e o talentoso diretor Budd Boetticher. Juntos fariam alguns dos melhores westerns da década de 50, geralmente com Scott como produtor (ao lado de seu sócio Brown) e Boetticher como diretor. São faroestes eficientes, bem mais centrados em uma boa trama do que em produções de encher os olhos. "Fibra de Herói" tem todas essas características. A pequena cidade onde Scott vai parar e é condenado à forca é totalmente dominada pela mesma família. O corrupto xerife  Lew Agry (Barry Kelley) é irmão do juiz Simon Agry (Tol Avery), que por sua vez também tem laços de sangue com Amos Agry (Peter Whitney) que cuida do único hotel da cidade. Juntos os três brigam entre si por poder, dinheiro e dominação. São víboras de uma mesma ninhada.

Em uma cidade assim, onde a família Agry manda em praticamente tudo o personagem de Randolph Scott certamente se encontra em sérios problemas pois ele é acusado injustamente de matar o fllho do juiz Simon, o desordeiro, bêbado e arruaceiro  Roy Agry (William Leslie). Seria uma ironia sobre a política americana da época, também dominada por famílias poderosas e corruptas? Vindo do diretor  Budd Boetticher tudo é possível. A tônica do filme é parecida com a de um jogo de pôquer do velho oeste onde todos se mostram extremamente gananciosos. A cena final, um grande tiroteio envolvendo a posse de uma mala cheia de dinheiro (50 mil dólares em espécie), mostra bem isso. Com tanta grana em jogo ninguém mais reconhece ninguém, irmão atira em irmão e qualquer laço de parentesco desaparece sob uma chuva de balas.

Embora muito bom, inclusive tecnicamente, "Fibra de Herói" se revela curioso porque o personagem de Randolph Scott apenas tangencia a trama principal. De fato ele fica bastante tempo fora de cena mostrando que é em essência um personagem secundário. Isso pode ter até mesmo aborrecido os fãs do ator cowboy na época. Como o roteiro é baseado em uma novela de Jonas Ward não houve como mudar isso. De qualquer modo temos aqui um faroeste típico de Randolph Scott, mesmo que atuando apenas discretamente em um personagem não tão central como estamos acostumados a ver. Recomendo.

Fibra de Herói (Buchanan Rides Alone, EUA, 1959) Direção: Budd Boetticher / Roteiro: Charles Lang baseado na novela de Jonas Ward / Elenco: Randolph Scott, Craig Stevens, Barry Kelley / Sinopse: A caminho do Texas onde pretende comprar um rancho para começar vida nova, um cowboy (Randolph Scott) é injustamente acusado de ser cúmplice na morte do filho do juiz da cidade. Agora ele terá que lutar por sua vida e sua inocência.

Pablo Aluísio.

Conflitos d'Alma

Título no Brasil: Conflitos d'Alma
Título Original: Conflict
Ano de Produção: 1945
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Curtis Bernhardt
Roteiro: Arthur T. Horman, Dwight Taylor
Elenco: Humphrey Bogart, Alexis Smith, Sydney Greenstreet, Rose Hobart, Charles Drake, Grant Mitchell

Sinopse:
Richard Mason (Humphrey Bogart) é um engenheiro bem sucedido, casado há muitos anos, que acaba se apaixonando justamente pela irmã da esposa. Ele então decide matar ela, para assim ter uma nova chance de quem sabe um dia, ter um novo casamento com a irmã mais nova dela.

Comentários:
O ator Humphrey Bogart nunca conseguia fugir de um certo tipo de papel. Durante anos ele interpretou criminosos e gângsters em filmes B da Warner. Aqui ele interpreta um sujeito normal, um engenheiro, mas que na primeira oportunidade cria um plano para matar a própria esposa. Eles cultivam um casamento de fachada. Ele já não gosta dela e ela sabe disso. Mesmo assim força a barra para impor uma situação de pura aparência. Quando estão para sair em um jantar de comemoração de aniversário de seu casamento, ela decide então encarar a situação e pergunta se ele está apaixonado por sua própria irmã. O personagem de Bogart nem hesita e diz que sim. Bem, depois disso não há mais nada a preservar e ele arquiteta um plano de forjar a morte dela, como se fosse um acidente de carro. O roteiro é bem orquestrado. Depois da suposta morte dela, a presença da esposa começa a assombrar o marido. O corpo dela nunca foi encontrado pela polícia.  Afinal ela teria morrido ou não? O roteiro vai desenvolvendo o mistério até um desfecho que me agradou bastante. Há uma figura secundária dentro da trama, um psiquiatra especializado em mentes criminosas, que acaba sendo um elo importante dentro da história. Fique de olho nele. Enfim, bom filme, pouco conhecido, do grande Bogart, aqui como um criminoso de elite. O mais perigoso assassino é aquele que não se parece com um.

Pablo Aluísio.

Anos de Ternura

Título no Brasil: Anos de Ternura
Título Original: The Green Years
Ano de Produção: 1946
País: Estados Unidos
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Direção: Victor Saville
Roteiro: Robert Ardrey
Elenco: Charles Coburn, Tom Drake, Beverly Tyler, Dean Stockwell, Gladys Cooper, Jessica Tandy

Sinopse:
Com roteiro baseado na novela escrita por A.J. Cronin, o filme "Anos de Ternura" conta a história do jovem irlandês Robert Shannon, Quando seus pais morrem, ele é enviado para morar com seus parentes na Escócia. E lá fica muito próximo do avô, Alexander Gow (Charles Coburn), um homem de bom coração, embora fosse dado a contar lorotas e beber em demasia. Filme indicado ao Oscar nas categorias de melhor ator coadjuvante (Charles Coburn) e melhor fotografia (George J. Folsey).

Comentários:
Que ótimo filme! Adorei! É uma daquelas belas obras cinematográficas que caem injustamente no esquecimento. É um drama que conta a história de um rapaz que passa a ser criado por uma numerosa família escocesa após a morte de seus pais. E cada um dos parentes que passa a conhecer tem sua própria visão de mundo. Seu tio é um sujeito com mania de economizar em tudo, o que é até compreensível pois a família Leckie não é rica e tendo muitos membros precisa contar com cada centavo. A avó é do tipo austera, religiosa ao extremo. E aqui o filme abre um aspecto interessante. O pequeno rapaz por ter sido criado na Irlanda é católico, mas sua nova família é toda protestante, pois eles são escoceses. Porém nada supera o grande talento do ator Charles Coburn. Ele é o avô do menino. Um homem de coração imenso, mas incorrigível na questão da bebida e da mania de contar mentiras, lorotas sobre seu passado. Coburn foi indicado ao Oscar por esse papel e na minha opinião deveria ter vencido. Ele está excepcional no filme. No mais é um belo clássico do cinema que merece ser conhecido pelas novas gerações. Muitos jovens vão se identificar, principalmente na luta do jovem protagonista em estudar para entrar numa boa universidade. Um tipo de batalha pessoal que é realmente atemporal.

Pablo Aluísio.