quarta-feira, 18 de março de 2026

It: Bem-Vindos a Derry

Título no Brasil: It: Bem-Vindos a Derry
Título Original: IT: Welcome to Derry
Ano de Lançamento: 2025
País: Estados Unidos
Estúdio: HBO
Direção: Andy Muschietti, Andrew Bernstein
Roteiro: Jason Fuchs, Andy Muschietti
Elenco: Taylour Paige, Jovan Adepo, Stephen Rider, Matilda Lawler, Amanda Christine, Clara Stack

Sinopse:
Baseado na obra "It" de Stephen King, essa série expande o universo do livro original, mostrando a pequena cidade de Derry, que passa a ser palco de estranhos acontecimentos sobrenaturais. Isso faz com que as forças armadas americanas passem a investigar mais a fundo o que de fato estaria acontecendo naquela região. 

Comentários:
Em muitos aspectos essa nova série se apresenta até bem melhor do que os dois filmes produzidos recentemente para o cinema. Nem vou falar do It original, lá dos anos 80, pois atualmente pouca gente conhece. O fato é que em séries há a possibilidade de melhor desenvolver certas histórias. O tempo é maior e se torna crucial para desenvolver melhor todos os personagens. Além disso o enredo contado nessa série é até bem independente dos filmes. Outros personagens, outras linhas de narração. Isso acrescentou muito ao resultado final. Some-se a isso essa direção de arte que remete ao passado que eu sempre adoro em filmes e séries. A trilha sonora então, é mais do que saborosa de se ouvir! É algo que também acontece com "Fallout". Assim temos mesmo uma série diferenciada, com muita qualidade. Para falar a verdade "It: Bem-Vindos a Derry" é a melhor adaptação já feita em cima desse livro do Stephen King. Coisa fina! 

Pablo Aluísio. 

It - Capítulo Dois

Título no Brasil: It - Capítulo Dois
Título Original: It Chapter Two
Ano de Produção: 2019
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Andy Muschietti
Roteiro: Gary Dauberman
Elenco: Jessica Chastain, James McAvoy, Bill Skarsgård, Bill Hader, Isaiah Mustafa, James Ransone,

Sinopse:
Mais um filme baseado na obra-prima escrita por Stephen king. A trama se passa vinte e sete anos depois dos primeiros acontecimentos mostrados no primeiro filme. Aqui o grupo de amigos vai precisar se reunir mais uma vez para enfrentar o terrível palhaço assassino Pennywise (Bill Skarsgård).

Comentários:
A crítica não gostou muito. Alguns fãs de Stephen King voltaram a criticar negativamente, mas nem essa onda toda conseguiu atrapalhar o filme em termos de bilheteria. Somando-se o mercado americano com o internacional o filme já rompeu a barreira dos 700 milhões de dólares arrecadados. Um ótimo número, ainda mais para um filme de terror e mais, uma sequência. De fato é algo inédito dentro da indústria. No mais gostei de praticamente tudo por aqui. Alguns disseram que o filme ficou longo demais e em algumas partes cansativo. Discordo. Achei tudo no lugar certo, inclusive no desenvolvimento de todos os personagens. Alguns leitores de King reclamaram dizendo que o filme não havia sido fiel ao livro original. Ora, nem o primeiro filme foi, então pedir algo assim para sua continuação não soa bem ou adequado. Literatura e cinema são linguagens diferentes. Mudanças já eram esperadas para essa adaptação para as telas. O que vale muito a pena aqui é rever todos os personagens, agora adultos, tendo que lidar com um antigo problema, o palhaço sobrenatural Pennywise. Ele está de volta para aterrorizar a vida de todos eles, para deleite dos fãs de filmes de terror. E se você gosta da obra de Stephen King, então corra para assistir. É mesmo um momento imperdível do escritor na sétima arte.

Pablo Aluísio.

terça-feira, 17 de março de 2026

Indômita Disputa

Indômita Disputa
Dois desertores do exército americano, Pike (Martin Sheen) e Henry (Harvey Keitel), sangram o deserto americano com o objetivo de negociar peles e produtos para grupos indígenas selvagens. Durante sua viagem porém são emboscados por um guerreiro comanche, Búfalo Branco (Sam Waterson), que não apenas rouba todos os produtos como também fere mortalmente Henry. Como se não bastasse ele resolve seguir em frente com seus atos criminosos, decidindo atacar uma diligência espanhola logo a seguir, matando três condutores, saqueando sua carga e levando como refém uma linda jovem branca (Interpretada pela atriz britânica Caroline Langrishe). Começa assim a trama desse interessante western da década de 1970 onde tudo parece estar perfeitamente encaixado – o bom roteiro, as atuações comprometidas e uma direção segura que não deixa o filme cair no marasmo, mantendo sempre o interesse do espectador. É o que gosto de chamar de faroeste viril, todo passado no meio de uma paisagem árida e hostil, com enredo focado e forte, tudo somado com excelentes cenas de ação no meio do nada daquela terra de ninguém.

É de se elogiar a atuação de dois atores em cena. O primeiro é Martin Sheen. Sempre o achei extremamente subestimado e injustiçado por todos esses anos pois nunca assisti em minha vida uma performance preguiçosa de Sheen em cena. Ele sempre se entrega completamente ao seu papel. Aqui não é diferente. O ator dá uma vivacidade ao seu personagem Pike que chega a impressionar. Ele é um dos comerciantes de peles que sofre o ataque de um comanche e passa o restante do filme em seu encalço, numa obsessão de vingança, para recuperar suas peles e partir para um acerto de contas final por causa da morte de seu comparsa. 

Ao lado de Harvey Keitel (outro excelente ator) ele mantém o padrão de atuação do filme lá no alto. Outra atuação digna de nota é a do ator Sam Waterson que interpreta o comanche guerreiro Búfalo Branco. Impassível, praticamente sem dizer uma linha de diálogo sequer, ele passa toda a intensidade de seu papel apenas com o olhar fixo. É uma atuação física acima de tudo, que no final das contas causa grande impacto no espectador. No saldo final “Indômita Disputa” é certamente um western dos mais eficientes. Boa produção que merece ser redescoberta pelos fãs do gênero.

Indômita Disputa (Eagle's Wing, Estados Unidos,1979) Direção: Anthony Harvey / Roteiro: Michael Syson, John Briley / Elenco: Martin Sheen, Sam Waterston, Harvey Keitel, Caroline Langrishe / Sinopse: Após matar e roubar uma dupla de comerciantes de pele, um guerreiro Comanche começa a aterrorizar toda a região promovendo roubos e mortes. Numa dessas ações leva como refém uma linda jovem viajante de uma diligência. Agora terá que escapar de seus perseguidores brancos.

Pablo Aluísio.

Assim São os Fortes

Assim São os Fortes
Um dos aspectos mais curiosos da carreira do ator Clark Gable foi sua pouca aparição em filmes de Western. No auge do gênero, sendo um dos mais populares filões da época, era de se esperar que o galã Gable se utilizasse desse tipo de produção para manter sua popularidade em alta, mas isso não aconteceu. Para falar a verdade Gable sempre foi considerado uma ausente ilustre nos faroestes da época, sempre preferindo participar muito mais de filmes de aventura, romances e dramas urbanos. Talvez ele se sentisse deslocada no velho oeste, quem sabe, a verdade nunca saberemos ao certo. Uma exceção a essa regra é justamente esse bom western chamado "Assim São os Fortes" que fez um belo sucesso na época - o que infelizmente não pareceu ter empolgado o ator a estrelar mais filmes como esse. O filme foi considerado até mesmo ousado para a época, pois mostrava um romance entre um branco (Flint Mitchell, personagem de Gable no filme) e uma indígena! O roteiro é uma adaptação do livro vencedor do Pulitzer, "Across the Wide Missouri" de autoria do aclamado escritor Bernard DeVoto.  Esse é um clássico do mundo da literatura dos Estados Unidos. Uma obra prima.

A história se passa na década de 1830. Flint Mitchell (Gable) é um caçador e desbravador que sai em busca de caças e metais preciosos nas montanhas distantes e desabitadas de Montana e Idaho. As terras são ricas em recursos naturais e logo chamariam a atenção de outros homens brancos gananciosos. Mitchell, por sua vez, deseja apenas levar uma vida bucólica, tirando o necessário da natureza para sua sobrevivência. Em sua expedição acaba conhecendo a tribo dos índios Blackffoot e se apaixona por uma das mulheres da comunidade. Clark Gable se esforça bastante para dar uma certa veracidade ao seu papel. Ao invés de surgir como um galã de cabelo penteado, cheio de brilhantina, ele tenta capturar o estilo de vida desses pioneiros das montanhas. O figurino é o mais adequado, além do modo mais rude de ser. 

 O resultado é muito bom e o filme foi de certa forma subestimado pois não chamou qualquer atenção da Academia (revelando um certo preconceito contra o gênero western em suas premiações). O que mais se destaca na produção é sua linda fotografia. “Assim São os Fortes” foi todo filmado em locações do Colorado, em maravilhosas reservas florestais e se torna logo um colírio para os amantes da natureza. Seu roteiro foca mais nas diferenças de costumes entre brancos e índios e não há tantas cenas de ação ou tiroteios como se vê em outras produções de western da época. Mesmo assim tem um final eletrizante que empolga o espectador. Fica assim a dica desse "Assim São os Fortes" um dos poucos filmes de faroeste estrelados pelo grande ídolo Clark Gable.

Assim São os Fortes (Acroos The Wide Missouri, Estados Unidos, 1951) Direção: William A. Wellman / Roteiro: Talbot Jennings baseado no livro de Bernard DeVoto / Elenco: Clark Gable, Ricardo Montalban, John Hodiak / Sinopse: A estória se passa na década de 1830. Flint Mitchell (Gable) é um caçador e desbravador que sai em busca de caças e metais preciosos nas montanhas distantes e desabitadas de Montana e Idaho. As terras ricas logo chamariam a atenção de outros homens brancos, mas Mitchell deseja apenas levar uma vida bucólica, tirando o necessário da natureza para sua sobrevivência. Em sua expedição acaba conhecendo a tribo dos índios da tribo Blackffoot e se apaixona por uma das mulheres da comunidade.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 16 de março de 2026

Como Conquistar as Mulheres

Título no Brasil: Como Conquistar as Mulheres
Título Original: Alfie
Ano de Lançamento: 1966
País: Reino Unido
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Lewis Gilbert
Roteiro: Bill Naughton, Lewis Gilbert
Elenco: Michael Caine, Shelley Winters, Millicent Martin, Julia Foster, Jane Asher, Shirley Anne Field

Sinopse:
O filme acompanha Alfie Elkins, um motorista de limusine em Londres que vive uma vida despreocupada e dedicada a conquistas amorosas. Charmoso e confiante, Alfie se envolve com diversas mulheres sem se comprometer emocionalmente, sempre acreditando que pode controlar as consequências de suas atitudes. Ao longo da história, ele frequentemente quebra a chamada “quarta parede”, conversando diretamente com o público sobre suas ideias a respeito de amor, sexo e relacionamentos. No entanto, suas atitudes egoístas começam a trazer consequências cada vez mais graves para as mulheres que passam por sua vida. Entre romances passageiros, situações moralmente complexas e momentos de reflexão, Alfie acaba sendo forçado a confrontar o vazio de sua própria existência e a questionar o estilo de vida que sempre defendeu.

Comentários:
Quando foi lançado em 1966, Alfie recebeu grande aclamação da crítica e se destacou como uma das produções mais marcantes do cinema britânico da década. O jornal The New York Times elogiou a performance carismática e provocativa de Michael Caine, afirmando que o ator ofereceu um retrato complexo de um personagem moralmente ambíguo. A revista Time também destacou o tom moderno do filme e sua abordagem direta sobre sexualidade e responsabilidade emocional, algo relativamente ousado para o período. O filme foi indicado a vários prêmios importantes, incluindo cinco indicações ao Oscar, entre elas Melhor Filme e Melhor Ator para Michael Caine. Comercialmente, o longa também foi bem-sucedido e ajudou a consolidar Caine como uma estrela internacional. Com o passar das décadas, Alfie passou a ser considerado um clássico do cinema britânico dos anos 1960, frequentemente lembrado por seu estilo narrativo inovador e por seu retrato crítico da cultura masculina da época. Hoje o filme é visto como uma obra importante dentro do movimento conhecido como Swinging London, além de permanecer relevante por sua reflexão sobre responsabilidade, relações humanas e maturidade emocional.

Pablo Aluísio. 

Garota da Vida

Título no Brasil: Garota da Vida
Título Original: Single Room Furnished
Ano de Lançamento: 1966
País: Estados Unidos
Estúdio: A.C. Lyles Productions
Direção: Matt Cimber
Roteiro: Matt Cimber, John F. Hayes
Elenco: Jayne Mansfield, Dorothy Keller, Walter Winchell, Michael Rennie, Martha Hyer, Will Kuluva

Sinopse:
O filme apresenta a história de uma jovem mulher que chega a Nova York cheia de sonhos de sucesso e felicidade. No entanto, ao tentar sobreviver na grande cidade, ela acaba enfrentando uma série de dificuldades e decepções que a levam gradualmente para um mundo de exploração e marginalidade. A narrativa acompanha diferentes fases da vida da protagonista, mostrando como suas escolhas e circunstâncias acabam empurrando-a para a prostituição e para relações abusivas. Ao longo da trama, o filme aborda temas como solidão urbana, exploração feminina e a dura realidade enfrentada por muitas mulheres que chegam às grandes cidades em busca de oportunidades. O tom da obra mistura melodrama e crítica social, refletindo também o clima de mudanças culturais da década de 1960.

Comentários:
Na época de seu lançamento, Single Room Furnished chamou atenção principalmente por ser um dos últimos filmes estrelados por Jayne Mansfield, uma das figuras mais famosas do cinema e da cultura pop da década de 1950 e início dos anos 1960. Alguns críticos destacaram o tom mais sombrio e dramático da produção, bastante diferente dos papéis mais leves e cômicos pelos quais Mansfield era conhecida. O jornal Los Angeles Times observou que o filme buscava abordar questões sociais relacionadas à exploração de mulheres nas grandes cidades, embora a execução tenha recebido avaliações mistas. Do ponto de vista comercial, o filme teve distribuição limitada e não alcançou grande sucesso de bilheteria. Com o passar do tempo, porém, passou a despertar interesse entre historiadores do cinema e admiradores da carreira de Jayne Mansfield, especialmente por representar uma fase final e mais dramática de sua trajetória artística. Hoje o filme é visto como uma curiosidade dentro do cinema independente americano dos anos 1960 e também como um registro tardio da presença carismática de Mansfield no cinema. 

Pablo Aluísio. 

domingo, 15 de março de 2026

Imperador Romano Galério

Imperador Romano Galério
Galério, cujo nome completo era Gaius Galerius Valerius Maximianus, foi um imperador romano que governou no final do século III e início do século IV, durante um período de profundas transformações políticas no Império Romano. Ele nasceu por volta do ano 250 d.C. na região da Dácia Ripense, provavelmente perto da atual Sérvia ou Bulgária. Sua origem era humilde: sua mãe, Romula, era uma camponesa de origem trácia ou dácica, e Galério teria passado parte de sua juventude trabalhando como pastor. Apesar dessa origem simples, ele ingressou no exército romano, onde demonstrou grande habilidade militar e disciplina, qualidades que lhe permitiram ascender rapidamente nas fileiras militares. Durante o reinado do imperador Diocleciano, Galério destacou-se em campanhas militares contra povos bárbaros e inimigos do império. Reconhecendo seu talento e lealdade, Diocleciano decidiu integrá-lo ao sistema político conhecido como Tetrarquia, criado para administrar melhor o vasto território romano.

No ano 293 d.C., Galério foi nomeado César, ou seja, imperador subordinado, sob a autoridade de Diocleciano, que era o Augusto do Oriente. Como parte dessa promoção política, Galério casou-se com Valéria, filha de Diocleciano, fortalecendo sua posição dentro da estrutura imperial. Durante esse período, ele desempenhou um papel fundamental nas campanhas militares contra o Império Sassânida da Pérsia. Inicialmente sofreu derrotas, mas posteriormente conseguiu uma importante vitória contra o rei persa Narses, por volta de 298 d.C. Essa vitória consolidou o domínio romano sobre territórios na Mesopotâmia e fortaleceu o prestígio de Galério dentro do império. Seu sucesso militar foi comemorado com monumentos e obras arquitetônicas, como o famoso Arco de Galério, construído em Tessalônica, na atual Grécia. Essas vitórias ajudaram a consolidar a autoridade romana no Oriente e demonstraram a importância estratégica de Galério dentro da Tetrarquia.

Em 305 d.C., ocorreu um evento raro na história romana: Diocleciano e Maximiano, os dois imperadores principais, abdicararam voluntariamente do poder. Com isso, Galério foi elevado ao título de Augusto, tornando-se um dos principais governantes do império. Nesse novo arranjo político, ele passou a exercer grande influência sobre a política imperial, especialmente nas regiões orientais. Galério também foi responsável pela escolha de novos Césares, incluindo Severo II e Maximino Daia, tentando manter o equilíbrio do sistema tetrárquico. No entanto, após a abdicação de Diocleciano, o sistema começou a enfrentar tensões internas e disputas pelo poder. A ascensão de Constantino, filho de Constâncio Cloro, e de Maxêncio, filho de Maximiano, provocou conflitos que enfraqueceram o modelo político criado por Diocleciano. Assim, o período em que Galério governou foi marcado por instabilidade política e rivalidades entre diferentes pretendentes ao trono imperial.

Galério também ficou conhecido por seu papel na chamada Grande Perseguição aos Cristãos, que começou em 303 d.C. durante o reinado de Diocleciano. Muitos historiadores acreditam que Galério foi um dos principais defensores dessa política repressiva contra os cristãos, que incluía destruição de igrejas, queima de textos sagrados e prisões de líderes religiosos. A perseguição tinha como objetivo restaurar as tradições religiosas romanas e reforçar a unidade do império através do culto aos deuses tradicionais. Entretanto, ao final de sua vida, Galério mudou de posição em relação aos cristãos. Em 311 d.C., gravemente doente, ele promulgou um Édito de Tolerância, que encerrou oficialmente as perseguições e permitiu que os cristãos praticassem sua religião desde que rezassem pelo bem do império. Esse decreto representou um importante passo em direção à posterior legalização do cristianismo no Império Romano, que ocorreria poucos anos depois com o Édito de Milão, promulgado por Constantino.

Galério morreu no ano 311 d.C., provavelmente vítima de uma doença grave, descrita por alguns autores antigos como extremamente dolorosa e debilitante. Ele faleceu em sua residência imperial na região dos Bálcãs, deixando um império politicamente dividido e um sistema de governo que começava a ruir. Apesar das dificuldades de seu governo, Galério desempenhou um papel importante na transição entre o período da Tetrarquia e as disputas que levariam à ascensão de Constantino, o Grande, como único imperador. Sua carreira é frequentemente lembrada por suas campanhas militares bem-sucedidas, por sua influência política dentro da Tetrarquia e também por sua relação complexa com o cristianismo. Além disso, vários monumentos associados ao seu reinado ainda existem, como as ruínas do complexo palaciano de Felix Romuliana, na atual Sérvia, que foi construído em homenagem à sua mãe. Esses vestígios arqueológicos ajudam a compreender melhor a importância histórica de Galério dentro do contexto do Império Romano tardio.

Ricardo Coração de Leão

Ricardo Coração de Leão
Ricardo I da Inglaterra, mais conhecido como Ricardo Coração de Leão, foi um dos mais famosos reis da Idade Média e uma das figuras mais marcantes das Cruzadas. Ele nasceu em 8 de setembro de 1157, provavelmente no Palácio de Beaumont, na cidade de Oxford, na Inglaterra. Ricardo era filho do rei Henrique II da Inglaterra e de Leonor da Aquitânia, uma das mulheres mais influentes e poderosas da Europa medieval. Desde jovem, ele foi educado dentro da cultura cavaleiresca e aristocrática de seu tempo, recebendo treinamento militar e formação literária. Ricardo demonstrava grande talento como líder militar e também possuía habilidades como poeta e trovador, algo comum entre nobres da época. Apesar de ser rei da Inglaterra, ele passou grande parte de sua vida no território francês, especialmente na Aquitânia, herdada de sua mãe. Ali ele adquiriu experiência política e militar ao lidar com rebeliões de nobres locais. Essa vivência ajudou a moldar sua reputação como um guerreiro habilidoso e um comandante respeitado.

Durante sua juventude, Ricardo envolveu-se em conflitos familiares contra o próprio pai, Henrique II. No complexo cenário político da dinastia Plantageneta, os filhos frequentemente disputavam poder e territórios. Incentivado em parte por sua mãe, Leonor da Aquitânia, Ricardo participou de revoltas contra o rei ao lado de seus irmãos. Essas disputas revelavam as tensões internas da poderosa família que governava vastos territórios na Inglaterra e na França. Após a morte de seus irmãos mais velhos, Ricardo tornou-se o principal herdeiro do trono inglês. Em 1189, após a morte de Henrique II, Ricardo foi coroado rei da Inglaterra, tornando-se Ricardo I. Seu reinado começou em um momento de grande fervor religioso na Europa, quando o mundo cristão estava mobilizado para recuperar Jerusalém, que havia sido conquistada por forças muçulmanas lideradas pelo sultão Saladino. Assim, desde o início de seu reinado, Ricardo concentrou grande parte de seus esforços na organização de uma nova expedição militar conhecida como Terceira Cruzada.

A Terceira Cruzada, iniciada em 1189, foi um dos episódios mais importantes da vida de Ricardo Coração de Leão. Ele liderou um grande exército rumo ao Oriente Médio ao lado de outros monarcas europeus, como o rei Filipe II da França e o imperador Frederico Barbarossa do Sacro Império Romano-Germânico. Durante a campanha, Ricardo destacou-se por sua habilidade militar, conquistando importantes vitórias contra as forças de Saladino. Um dos episódios mais conhecidos foi a Batalha de Arsuf, em 1191, na qual Ricardo derrotou o exército muçulmano e consolidou sua reputação como um dos maiores comandantes militares de sua época. Apesar dessas vitórias, ele não conseguiu retomar Jerusalém para os cristãos. Mesmo assim, Ricardo negociou um acordo com Saladino que permitia o acesso de peregrinos cristãos à cidade sagrada. A rivalidade entre Ricardo e Saladino tornou-se lendária na história medieval, frequentemente retratada como um confronto entre dois grandes líderes respeitados por seus inimigos.

Após o fim da cruzada, Ricardo iniciou sua viagem de retorno à Europa em 1192, mas acabou enfrentando grandes dificuldades. Durante a jornada, ele foi capturado na Áustria por ordem do duque Leopoldo V, que tinha rivalidades políticas com o rei inglês. Ricardo foi então entregue ao imperador Henrique VI do Sacro Império Romano-Germânico e mantido prisioneiro. Para garantir sua libertação, foi exigido um enorme resgate, equivalente a uma quantia gigantesca para a época. Na Inglaterra, sua mãe Leonor da Aquitânia liderou os esforços para arrecadar o dinheiro necessário, cobrando impostos e contribuições da nobreza e da população. Após cerca de dois anos em cativeiro, Ricardo foi finalmente libertado em 1194. Ao retornar à Inglaterra, ele passou pouco tempo no país, preferindo voltar à França para defender seus territórios contra o rei Filipe II, com quem estava em conflito.

Ricardo Coração de Leão morreu em 6 de abril de 1199, após ser ferido por uma flecha durante o cerco ao castelo de Châlus-Chabrol, no sudoeste da França. A ferida infeccionou e acabou causando sua morte poucos dias depois. Apesar de ter governado a Inglaterra por cerca de dez anos, ele passou apenas uma pequena parte desse período no território inglês, dedicando a maior parte de sua vida a campanhas militares e disputas territoriais na Europa continental. Mesmo assim, sua figura tornou-se lendária na tradição histórica e literária. Ricardo foi lembrado como um exemplo idealizado de cavaleiro medieval: corajoso, habilidoso na guerra e profundamente envolvido nas Cruzadas. Sua reputação foi reforçada por crônicas medievais, lendas populares e obras literárias posteriores, incluindo histórias associadas ao personagem Robin Hood. Ao longo dos séculos, Ricardo Coração de Leão tornou-se um símbolo do espírito guerreiro da Idade Média e uma das figuras mais famosas da história da monarquia inglesa.

sábado, 14 de março de 2026

The Beatles - Let It Be

The Beatles - Let It Be
Embora tenha sido lançado depois de Abbey Road, grande parte das gravações de “Let It Be” foi realizada em janeiro de 1969, durante as famosas sessões do projeto originalmente chamado Get Back. O álbum surgiu em meio a tensões internas entre os integrantes John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Starr, quando o grupo já enfrentava dificuldades criativas e pessoais. A ideia inicial era voltar a um som mais simples e direto, sem as complexas produções de estúdio que haviam caracterizado álbuns como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. O projeto também foi acompanhado por um documentário cinematográfico dirigido por Michael Lindsay-Hogg, que registrou os bastidores das gravações e o famoso concerto realizado no telhado da sede da Apple Corps em Londres. Posteriormente, as gravações foram entregues ao produtor Phil Spector, que adicionou arranjos orquestrais e corais a algumas faixas. O resultado foi um álbum que mistura momentos intimistas com produções mais grandiosas. Apesar das controvérsias em torno de sua produção, o disco contém algumas das canções mais conhecidas da banda. Entre elas estão “Let It Be”, “The Long and Winding Road” e “Across the Universe”. Dessa forma, o álbum acabou se tornando um documento histórico do fim dos Beatles.

A recepção crítica inicial ao álbum foi variada, refletindo tanto a qualidade das músicas quanto as circunstâncias turbulentas de sua produção. A revista Rolling Stone publicou uma análise em que reconhecia o valor das composições, mas observava que o álbum parecia menos coeso do que trabalhos anteriores da banda. Um crítico da revista comentou que o disco possuía “momentos de grande beleza musical, mas também a sensação de um grupo chegando ao fim de sua jornada”. Já a revista Billboard destacou o enorme potencial comercial do álbum e elogiou a força da faixa-título, afirmando que ela tinha “todas as características de um clássico imediato”. O jornal musical britânico NME também analisou o lançamento e afirmou que, apesar das dificuldades internas da banda, os Beatles ainda eram capazes de produzir músicas memoráveis. Algumas críticas ressaltaram a qualidade das interpretações vocais de Paul McCartney. Outras destacaram a energia crua de músicas como “Get Back”. Muitos críticos perceberam que o álbum possuía um tom de despedida. A mistura entre gravações espontâneas e produções mais elaboradas também chamou atenção. Mesmo com algumas reservas, a maioria das publicações reconheceu a importância histórica do disco.

Grandes jornais também analisaram o álbum e refletiram sobre o significado de seu lançamento no contexto da separação da banda. O The New York Times escreveu que o disco mostrava “uma banda extraordinária ainda capaz de produzir música de grande força emocional, mesmo em meio ao colapso interno”. O Los Angeles Times observou que as canções do álbum mantinham a qualidade melódica que havia definido o sucesso dos Beatles ao longo da década de 1960. Um crítico do jornal destacou que “Let It Be” era uma balada poderosa e espiritual que poderia se tornar uma das músicas mais duradouras do grupo. A revista The New Yorker também comentou o impacto cultural do álbum, observando que o fim dos Beatles representava o encerramento de uma era na música popular. Muitos jornalistas viram o disco como uma espécie de epílogo para a carreira da banda. Alguns críticos discutiram as diferenças entre a produção original pretendida e a versão final produzida por Phil Spector. Apesar dessas discussões, os jornais reconheceram a qualidade das composições. O tom geral das críticas refletia admiração pela obra da banda e também nostalgia. Assim, o álbum foi visto como um capítulo final importante na história dos Beatles.

Comercialmente, “Let It Be” foi um enorme sucesso em todo o mundo. O álbum alcançou o primeiro lugar na parada da Billboard nos Estados Unidos e também liderou as paradas no Reino Unido e em vários outros países. O disco vendeu milhões de cópias em seu lançamento inicial e continua sendo um dos álbuns mais vendidos da história da banda. O single “Let It Be” tornou-se um grande sucesso internacional e rapidamente entrou para o repertório clássico da música popular. Outra faixa, “The Long and Winding Road”, também alcançou o primeiro lugar nas paradas americanas. O álbum permaneceu por várias semanas entre os mais vendidos, refletindo o enorme interesse do público pelo trabalho final dos Beatles. Além das vendas do disco, o documentário Let It Be também atraiu grande atenção. O impacto comercial do álbum demonstrou que, mesmo no momento de sua dissolução, a banda ainda possuía uma influência gigantesca no mercado musical. A força das canções garantiu ao disco uma presença duradoura nas rádios e nas listas de vendas. Dessa forma, “Let It Be” tornou-se mais um enorme sucesso comercial para os Beatles.

Com o passar das décadas, “Let It Be” passou a ser reavaliado por críticos e historiadores da música, que muitas vezes destacam seu valor artístico e histórico. Embora por muitos anos tenha sido considerado um álbum irregular em comparação com obras como Revolver ou Rubber Soul, hoje ele é frequentemente visto como um retrato honesto do momento final da banda. A faixa-título tornou-se uma das músicas mais icônicas da carreira dos Beatles e continua sendo amplamente tocada e reinterpretada por artistas de todo o mundo. Fãs também valorizam o álbum por sua atmosfera mais espontânea e direta. Em 2003, uma nova versão chamada Let It Be... Naked foi lançada, removendo muitos dos arranjos adicionados por Phil Spector e aproximando o som da ideia original do projeto. Essa reavaliação ajudou a renovar o interesse pelo álbum. Hoje, “Let It Be” é visto como uma peça essencial na compreensão da trajetória dos Beatles. Ele representa ao mesmo tempo um fim e um legado duradouro. Décadas após seu lançamento, continua sendo ouvido, estudado e celebrado por fãs e especialistas. Assim, o álbum permanece como um dos capítulos mais emocionantes da história da música popular.

The Beatles - Let It Be (1970)
Two of Us
Dig a Pony
Across the Universe
I Me Mine
Dig It
Let It Be
Maggie Mae
I've Got a Feeling
One After 909
The Long and Winding Road
For You Blue
Get Back

Pablo Aluísio e Erick Steve. 

Elvis Presley - Elvis in Concert (1977)

Elvis Presley - Elvis in Concert (1977)
O especial televisivo Elvis Presley in Concert foi exibido originalmente em 3 de outubro de 1977 pela rede americana CBS, pouco tempo após a morte de Elvis Presley, ocorrida em agosto daquele mesmo ano. Dirigido por Dwight Hemion e produzido como um especial musical de televisão, o programa reúne imagens de dois shows realizados durante a última turnê de Elvis, registrados nas cidades de Omaha, Nebraska, em 19 de junho de 1977, e Rapid City, Dakota do Sul, em 21 de junho do mesmo ano. O espetáculo apresenta o cantor interpretando vários de seus sucessos diante de grandes plateias, acompanhado por sua tradicional banda, orquestra e grupo vocal de apoio. Entre as músicas apresentadas estão clássicos como “Love Me”, “My Way”, “Are You Lonesome Tonight?” e “Can't Help Falling in Love”. O especial também inclui momentos de bastidores e depoimentos de fãs que acompanhavam o artista em suas últimas apresentações. A proposta era registrar Elvis ainda em atividade nos palcos, preservando para a televisão um retrato final do artista em concerto. No entanto, após a morte do cantor, o programa acabou ganhando um tom de despedida emocional. Assim, o especial passou a ser visto como um documento histórico das últimas performances públicas do chamado “Rei do Rock”.

Quando foi transmitido pela primeira vez, Elvis in Concert recebeu uma reação crítica bastante dividida e muitas vezes negativa da imprensa americana. Muitos jornalistas culturais elogiaram o valor histórico do registro, mas criticaram o estado físico e vocal do cantor durante aquelas apresentações. O jornal The New York Times comentou que o programa era “mais comovente como documento histórico do que como espetáculo musical”, destacando a importância emocional das imagens, mas observando sinais evidentes de desgaste na performance de Elvis. Já o Los Angeles Times afirmou que o especial mostrava um artista que ainda possuía carisma e presença de palco, porém claramente distante do auge de sua carreira. Alguns críticos observaram que o público presente nos shows reagia com entusiasmo, demonstrando o forte vínculo emocional entre Elvis e seus fãs. A revista Variety descreveu o programa como “um tributo melancólico a uma lenda da música popular americana”. Muitos comentaristas reconheceram que a transmissão foi profundamente impactada pelo contexto da morte recente do cantor. Assim, a avaliação crítica inicial misturava respeito pela importância histórica de Elvis com tristeza ao ver seu estado naqueles últimos concertos. O resultado foi uma recepção crítica marcada por sentimentos de nostalgia e melancolia.

Outras publicações também analisaram o especial sob essa perspectiva de documento histórico. A revista Rolling Stone comentou que o programa era difícil de assistir sem levar em conta o trágico contexto da morte de Elvis poucas semanas antes da exibição. Alguns críticos argumentaram que o especial deveria ser visto menos como um espetáculo musical e mais como um registro do fim de uma era na cultura popular americana. Houve também discussões sobre a decisão da CBS de transmitir o programa sem grandes alterações após o falecimento do artista. Certos jornalistas sugeriram que o especial revelava de forma crua o desgaste físico que Elvis enfrentava em seus últimos meses. Apesar dessas críticas, muitos reconheceram que momentos específicos das apresentações ainda demonstravam a potência interpretativa do cantor, especialmente em músicas emocionais como “My Way”. O programa não foi produzido com foco em premiações e, portanto, não recebeu indicações relevantes em grandes eventos como o Emmy naquele período. Mesmo assim, o impacto cultural da transmissão foi significativo. Para muitos espectadores, o especial representou um último contato televisivo com uma das maiores figuras da música do século XX. Dessa forma, o programa acabou sendo lembrado mais por seu valor histórico do que por méritos puramente artísticos.

Do ponto de vista de audiência, entretanto, Elvis in Concert foi um enorme sucesso para a televisão americana. A transmissão pela CBS alcançou índices de audiência extremamente altos, atraindo milhões de telespectadores que ainda estavam profundamente impactados pela morte do cantor. O interesse do público era enorme, já que se tratava do último registro profissional de Elvis se apresentando ao vivo. A rede CBS promoveu o especial como um grande evento televisivo, enfatizando o caráter histórico da gravação. Muitos fãs assistiram ao programa como uma forma de prestar homenagem ao artista que havia marcado gerações. A forte resposta da audiência demonstrou o tamanho da popularidade de Elvis mesmo após sua morte. O especial também gerou grande repercussão na imprensa e nas emissoras de televisão nos dias seguintes à transmissão. Embora algumas críticas tenham sido duras, o público em geral reagiu com emoção e nostalgia ao ver o ídolo novamente no palco. O programa acabou se tornando um dos especiais musicais mais comentados da época. Assim, comercialmente e em termos de audiência televisiva, a exibição foi considerada um grande sucesso.

Com o passar das décadas, Elvis in Concert passou a ser analisado sob uma perspectiva mais histórica e documental. Muitos fãs e estudiosos da carreira de Elvis veem o especial como um retrato honesto, ainda que doloroso, dos últimos dias de um artista lendário. Ao mesmo tempo, o programa também se tornou objeto de controvérsia entre admiradores do cantor. Alguns consideram que ele mostra Elvis em um momento muito frágil de sua vida, enquanto outros acreditam que o registro possui grande valor emocional e histórico. Durante muitos anos, a família Presley e a empresa que administra o legado do cantor evitaram relançar oficialmente o especial em vídeo ou DVD. Essa decisão foi tomada justamente para preservar a imagem do artista em seus momentos mais gloriosos. Ainda assim, trechos do programa continuam circulando entre fãs e historiadores da música popular. Para muitos estudiosos da cultura americana, o especial representa um capítulo importante na narrativa final da carreira de Elvis. Hoje ele é visto menos como um espetáculo musical tradicional e mais como um documento histórico sobre o fim da trajetória de um ícone global. Dessa forma, seu valor reside principalmente em seu significado histórico e emocional.

Elvis Presley - Elvis in Concert (1977)
See See Rider
That´s All Right (mama)
Are You Lonesome Tonight
Teddy Bear - Don´t Be Cruel
You Gave Me a Mountaim
Jailhouse Rock
How Great Thou Art
I Really Don´t Want to Know
Hurt
Hound Dog
My Way
Can´t Help Falling in Love
I Got a Woman
Love Me
If You Love Me
It´s Now or Never
Tryn´to Get To You
Hawaiian Weeding Song
Fairytale
Little Sister
Early Morning Rain
What´d I Say
Johnny B. Goode
And I Love You So
America

Erick Steve.