Robert Duvall (1931 - 2026)

Robert Duvall (1931 - 2026)

Robert Duvall foi um dos atores mais respeitados e consistentes do cinema norte-americano, reconhecido por sua sobriedade interpretativa, profundidade psicológica e extraordinária versatilidade. Nascido em 5 de janeiro de 1931, em San Diego, Califórnia, Duvall formou-se no Actors Studio, onde desenvolveu uma técnica baseada na naturalidade e no rigor emocional. Desde o início, destacou-se por evitar exageros, construindo personagens com precisão e autenticidade. Sua estreia no cinema ocorreu de maneira impactante em O Sol é para Todos (1962), no qual interpretou Boo Radley, personagem silencioso e enigmático que já revelava sua capacidade de comunicar emoções com gestos mínimos. Ao longo dos anos 1960, participou de produções variadas, consolidando-se como ator coadjuvante de grande força dramática antes de alcançar papéis centrais de maior destaque.

A consagração internacional veio com O Poderoso Chefão (1972), dirigido por Francis Ford Coppola. No papel de Tom Hagen, o advogado da família Corleone, Duvall apresentou uma composição contida, estratégica e profundamente humana. Sua atuação discreta contrastava com a intensidade dos demais personagens, tornando-se essencial para o equilíbrio dramático da obra. Em Apocalypse Now (1979), também de Coppola, Duvall criou um dos personagens mais memoráveis do cinema moderno: o tenente-coronel Kilgore. A famosa frase sobre “o cheiro de napalm pela manhã” tornou-se parte da cultura popular, evidenciando sua habilidade de unir carisma, ironia e ambiguidade moral em uma única performance.

O reconhecimento máximo como protagonista veio com o Oscar de Melhor Ator por A Força do Carinho (1983), no qual interpretou um cantor country decadente em busca de redenção. Sua atuação foi marcada por extrema contenção emocional, transmitindo vulnerabilidade e dignidade sem recorrer a dramatizações excessivas. O papel confirmou sua maestria em personagens introspectivos e complexos. Ao longo das décadas seguintes, Robert Duvall demonstrou impressionante longevidade artística. Atuou em dramas judiciais, faroestes modernos, filmes históricos e produções independentes, sempre mantendo alto nível de qualidade. Sua capacidade de adaptação permitiu-lhe transitar entre o cinema comercial e o autoral com igual competência.

Além de ator, Duvall também se destacou como diretor e produtor, revelando interesse profundo pelo processo criativo completo. Seu envolvimento em projetos pessoais demonstrou compromisso com narrativas autênticas e personagens enraizados na cultura americana, especialmente no universo rural do sul dos Estados Unidos. Sua atuação era frequentemente descrita como invisível no melhor sentido da palavra: ele desaparece dentro do personagem. Essa habilidade de tornar a performance aparentemente simples, mas emocionalmente poderosa, é uma das razões pelas quais é tão admirado por colegas e críticos.

Mesmo em idade avançada, Duvall continuou ativo, participando de produções que reforçam sua presença como figura de autoridade e sabedoria nas telas. A maturidade acrescentou ainda mais gravidade às suas interpretações, consolidando sua imagem como patriarca do cinema americano. Robert Duvall permaneceu como um dos grandes pilares da atuação moderna. Sua carreira foi exemplo de disciplina, consistência e respeito à arte dramática. Mais do que um astro, ele foi um artesão da interpretação, cuja contribuição à história do cinema é profunda e duradoura. Após uma vida dedicada à arte, que descanse em paz!

Pablo Aluísio. 

Herança Sagrada

Após a morte do cacique Cochise (Jeff Chandler), a nação Apache se divide em dois blocos de guerreiros. Os que desejam continuar a manter a paz com os brancos são liderados por Taza (Rock Hudson), filho sucessor e novo chefe da tribo. Já o grupo que deseja uma guerra final para expulsar os brancos das terras indígenas é liderado pelo famoso guerreiro Geronimo (Ian MacDonald) e pelo irmão de Taza, o impiedoso Naiche (Rex Reason). No meio do conflito se situa o Forte Apache, guarnição da sexta cavalaria do exército americano que se encontra na região para manter a ordem e a paz. Esse filme “Herança Sagrada” é um western curioso por vários motivos. O primeiro é o fato de ser dirigido por Douglas Sirk, um diretor mais conhecido por seus dramas sentimentais e urbanos. Dentro do gênero faroeste ele realmente não tinha muita intimidade e nem experiência. Nem por isso deixou de desenvolver um excelente trabalho, haja visto que o filme se mantém muito bem, com doses exatas de aventura, ação e até romance. Por exemplo o personagem nativo Taza almeja se casar com a filha de um apache que pertence à ala guerreira do chefe Geronimo, o que lhe trará muitos problemas. A parceria do diretor Sirk com Rock Hudson funcionou novamente muito bem nesse improvável western. Ele era um cineasta hábil que conseguia extrair o melhor de seu elenco, mesmo em filmes como esse.

Em sua autobiografia, o ator Rock Hudson relembrou algumas impressões sobre esse filme. Inicialmente ele afirmou que não se sentia completamente à vontade interpretando um nativo, um índio, pois tinha um biótipo bastante caucasiano, não servindo para interpretar com veracidade esse tipo de guerreiro. Ele obviamente ficaria mais convincente como um soldado da cavalaria dos Estados Unidos, com seus uniformes azuis. Depois relembrou com muito bom humor as dificuldades no set de filmagens. “Herança Sagrada” foi todo rodado em locações reais, no meio do deserto, numa região rica em barro vermelho. Rock no livro escreveu que todos os dias, após filmar suas cenas, tinha que tomar um prolongado banho onde segundo suas próprias palavras havia “toneladas de barro que desciam pelo ralo do banheiro”.

Apesar de tudo Rock Hudson reconheceu em seu livro de memórias que o filme foi bom para sua carreira pois fez sucesso de bilheteria, o ajudando a se transformar em um astro. Deixando esses detalhes de lado a conclusão que se chega após assistir a esse “Herança Sagrada” é a de que se trata realmente de um bom western, com cenas bem realizadas (como a emboscada dentro do cânion com os apaches promovendo um verdadeiro massacre da sexta cavalaria) e uma boa dose de realismo na forma como os índios são retratados em cena. “Herança Sagrada” é acima de tudo um filme muito interessante, por colocar os índios como protagonistas da estória e não apenas como inimigos sem alma e nem personalidade, que só serviam para morrer nas mãos  do colonizador branco. Por essa razão “Herança Sagrada” pode ser incluído até mesmo no panteão dos melhores filmes de faroeste já produzidos pela Universal Pictures.

Herança Sagrada (Taza, Son of Cochise, Estados Unidos, 1954) Direção: Douglas Sirk / Roteiro: Gerald Drayson Adams / Elenco: Rock Hudson, Barbara Rush, Gregg Palmer, Jeff Chandler, Ian MacDonald, Rex Reason / Sinopse: Após a morte do chefe Cochise (Jeff Chandler) o jovem Taza (Rock Hudson) assume a liderança de sua tribo. Ele deseja paz com os brancos mas enfrenta forte resistência de seu próprio irmão e Gerônimo, lendário guerreiro da nação Apache, que desejava a guerra contra o inimigo invasor.

Pablo Aluísio.

Talhado em Granito

Mais um western com o mito Randolph Scott. A produção foi realizada a toque de caixa para aproveitar as férias escolares do meio de ano. Na época Randolph Scott estava prestes a cumprir seu contrato com o estúdio para alcançar vôos mais ousados – ele queria produzir seus próprios filmes sem salário fixo, mas com participação nos lucros, uma decisão que o deixaria milionário nos anos que viriam. Uma decisão muito acertada que inclusive iria inspirar outros atores de Hollywood a seguirem  o mesmo caminho. Ao invés de ser um ator meramente contratado dos estúdios, era mais lucrativo produzir seus próprios filmes, ficando com parte da bilheteria. A decisão de filmar em Santa Clarita na Califórnia, uma região que Scott adorava pelo seu clima ameno e agradável, foi o argumento final para que ele aceitasse rodar a fita. Assim ele terminaria seu contrato com a Warner, ficaria livre para virar produtor de seus filmes e seguiria em frente para realizar seus planos. As filmagens foram tranquilas, sem problemas, com Scott aproveitando para curtir a região, geralmente saindo para cavalgar com amigos após mais um dia de trabalho no set. Era verão, tempo ideal para filmar e curtir umas férias ao mesmo tempo.

Uma das maiores curiosidades na realização desse filme foi que durante praticamente todas as filmagens Randolph Scott contou com a presença do ator e amigo Cary Grant no set. Grant foi à região apenas para visitar o amigo, mas gostou tanto que resolveu ficar uma semana acompanhando os trabalhos. Scott não poderia ficar mais contente já que com Grant lhe fazendo companhia eles poderiam relembrar os bons tempos quando eram apenas jovens atores tentando alcançar um lugar ao sol em Hollywood. Agora, já astros consagrados, podiam relaxar e curtir a bonita região juntos. Cary Grant tentou inclusive convencer o amigo a largar um pouco os filmes de western para realizar outros tipos de filmes. A resposta de Randolph Scott foi muito interessante: “Os filmes de western são uma mina de ouro. São baratos, fáceis de vender e muito comerciais. Além disso gosto de cavalgar e cortejar a mocinha. Sou bom nisso!”. E era mesmo, como podemos confirmar aqui em “Talhado em Granito”, uma fita de rotina mas que mantém um charme incrível mesmo nos dias atuais. Se você é fã do cinema eficiente de Randolph Scott não deixe de assistir.

Talhado em Granito (Sugarfoot, Estados Unidos, 1951) Direção: Edwin L. Marin / Roteiro: Russell S. Hughes baseado no livro de Clarence Budington Kelland / Elenco: Randolph Scott, Adele Jergens, Raymond Massey / Sinopse: Ex-oficial da guerra civil reencontra seus velhos inimigos no distante Arizona. Agora terá que decidir entre acertar devidamente as contas ou esquecer o passado para seguir em frente na sua vida.

Pablo Aluísio.

Hollywood Boulevard - Rock Hudson - Parte 18

Hollywood Boulevard - Rock Hudson - Parte 18

Por volta de meados dos anos 1960 o brilho da carreira de Rock Hudson começou a apagar. Ele havia entrado numa espécie de fórmula de comédias românticas, mas com o tempo o público foi perdendo o interesse nesses filmes. Suas últimas produções nessa linha como "O Esporte Favotito dos Homens" e "Amor à Italiana" tinham fracassado nas bilheterias. E para piorar o que já estava ruim, a Universal não quis mais renovar seu contrato após anos trabalhando no estúdio. Não era algo que acontecia exclusivamente com Rock. Todos os atores da antiga escola foram dispensados. Agora, iriam receber apenas quando estivessem envolvidos em algum filme. Nada de contratos permanentes. O antigo Star System que havia predominado em Hollywood por décadas havia chegado ao final. 

Na verdade o problema não era os filmes de Rock Hudson em si, mas sim o próprio cinema que havia mudado. Uma nova geração de jovens havia chegado na fase adulta. O movimento hippie estava no ar, os jovens  que gostavam da contracultura achavam Rock um cafona. Filmes como "Sem Destino" tinham deixado as produções ao velho estilo completamente fora de moda. Havia também uma nova geração de atores surgindo como Robert De Niro, Al Pacino, Jack Nicholson e Robert Redford. Todos eles deixaram Rock Hudson completamente ultrapassado. 

Rock também não curtia o trabalho desses novos atores e implicava com suas aparências. Rock achava todos eles feios (com exceção de Redford). Chegou a dizer a frase: "Alguém poderia imaginar esses atores feiosos como figuras heroicas, como cavaleiros em suas armaduras, em grandes cavalos brancos?". Só que Rock não entendia que o próprio conceito do herói cinematográfico de seu tempo havia passado. Ninguém mais queria ver os tais cavaleiros heroicos. Queriam ver gente como a gente, com seus problemas pessoais e urbanos. O cinema havia perdido parte de sua antiga magia. Era um novo mundo que exigia novos filmes, com temáticas mais relevantes e atuais. 

Irritado com tudo o que estava acontecendo, Rock então resolveu demitir seu agente, que estava com ele desde os primeiros filmes. Com um telefonema demitiu o lendário Henry Wilson. Ele fora um dos mais famosos agentes da velha Hollywood e havia feito a carreira de grandes astros do cinema, mas agora, envelhecido e doente, já não podia fazer mais grande coisa por seus contratados. Rock desabafou: "Wilson não me arranja mais grandes filmes. Ele ficava sentado em seu escritório esperando o telefone tocar! Eu sempre serei grato pelo que ele fez em minha carreira, mas todo ciclo um dia chega ao seu final". E assim Rock Hudson, um dos mais populares astros de Hollywood de repente se viu sem trabalho, sem estúdio e sem agente. Mas não desanimou, esperava por novas oportunidades que iriam surgir em breve. Pelo menos assim esperava.  

Pablo Aluísio. 

Vampiros de Almas

Ao retornar para a pequena cidadezinha onde mora na Califórnia, o Dr. Miles J. Bennell (Kevin McCarthy) começa a receber reclamações estranhas de seus pacientes. Para esses haveria algo muito anormal acontecendo, pois seus parentes não seriam mais quem diziam ser. Eles se pareceriam com seus maridos, tios, pais, mas definitivamente não seriam eles na verdade. Intrigado o Dr. Milles começa a investigar o que estaria acontecendo. Seria algum tipo de delírio coletivo? No mínimo tudo soaria muito estranho... Aos poucos ele vai descobrindo a terrível verdade. O problema é convencer alguém do que estaria acontecendo de fato. Plantas alienígenas estariam trocando os seres humanos por cópias perfeitas? Quem acreditaria em algo tão absurdo?

Esse filme é considerado um dos grandes clássicos de Ficção dos anos 50. O enredo foi baseado em um conto escrito por Jack Finney para a revista de literatura fantástica "Collier's magazine serial". Imaginem uma invasão bem sutil de uma raça de aliens que ao invés de enfrentar os seres humanos em uma grande guerra de mundos estaria aos poucos substituindo todos os humanos por cópias de si mesmos. As estranhas criaturas seriam uma simbiose entre o mundo animal e vegetal e estariam determinadas a conquistar o planeta, se livrando da humanidade que para eles seria completamente descartável por serem seres emocionais e propensos a atos de violência irracional.

O roteiro assim joga com o suspense da situação, sem nunca apelar para os efeitos especiais ou monstros, como era de praxe na época. O curioso dessa produção é que ela joga mais com o lado intelectual da situação do que com qualquer outra coisa. Há certamente cenas de ação e tudo mais (como quando os protagonistas fogem colina acima, perseguidos por uma multidão de abduzidos), mas nada disso é o foco principal da fita. Na verdade o criador do conto original fez uma analogia em cima do clima de paranoia em que vivia a sociedade americana. Havia um temor que o comunismo invadisse e destruísse os valores americanos. Isso fica bem claro quando o médico é informado por um dos seres que o objetivo dos aliens seria a construção de uma sociedade sem individualidade, onde todos seriam iguais, subordinados, sem diferenças entre si (e sem emoções também!).

Ora, basta entender o contexto histórico do lançamento de "Invasion of the Body Snatchers" para entender bem onde o argumento queria chegar. Claro que passados tantos anos a ideia já não soa tão original como nos anos 50, afinal de contas o filme foi extremamente imitado por décadas! Mesmo assim não há como negar que é realmente um marco na história do universo Sci-Fi americano. Depois de filmes como esse não haveria mais limites para a imaginação dos roteiristas. Sob esse ponto de vista "Vampiros de Almas" realmente fez escola e pode ser considerado uma das ficções mais influentes da história do cinema americano. Pequena obra prima.

Vampiros de Almas (Invasion of the Body Snatchers, Estados Unidos, 1956) Estúdio: Allied Artists Pictures / Direção: Don Siegel / Roteiro: Daniel Mainwaring, Jack Finney / Elenco: Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates / Sinopse: Numa pequena cidade da Califórnia um pesquisador começa a investigar um estranho fenômeno envolvendo diversas pessoas. Para alguns eles não seriam mais as mesmas pessoas, embora tivessem a mesma aparência de antes.
  
Pablo Aluísio.

 

Imperador Romano Galieno

Imperador Romano Galieno

Galieno foi imperador romano entre 253 e 268 d.C., governando durante um dos períodos mais turbulentos da história do Império, conhecido como a Crise do Século III. Filho do imperador Valeriano, ele assumiu o poder inicialmente como coimperador, dividindo responsabilidades administrativas e militares com o pai. Enquanto Valeriano enfrentava ameaças no Oriente, Galieno permaneceu no Ocidente, lidando com invasões bárbaras, revoltas internas e dificuldades econômicas profundas. A instabilidade política era constante, com generais proclamando-se imperadores em diversas províncias. A inflação corroía a economia, e as fronteiras eram pressionadas por povos germânicos e outros grupos. Quando Valeriano foi capturado pelos persas em 260 d.C., fato inédito e humilhante para Roma, Galieno tornou-se o único governante legítimo do Império. Esse episódio marcou definitivamente seu reinado, que passou a ser visto por muitos como um período de fragmentação e crise. Apesar das dificuldades, Galieno demonstrou resiliência ao tentar reorganizar as forças imperiais e manter a unidade territorial.

Durante seu governo solo, Galieno enfrentou a secessão de importantes regiões, como o chamado Império das Gálias, estabelecido por Póstumo, que controlava a Gália, a Britânia e parte da Hispânia. No Oriente, o poder local foi assumido por líderes ligados à cidade de Palmira, sob a influência de Odenato. Essas fragmentações demonstravam a fragilidade do poder central romano. No entanto, Galieno conseguiu obter algumas vitórias militares significativas, especialmente contra invasores germânicos, reforçando a defesa do Danúbio e da Itália. Ele também promoveu reformas importantes no exército, afastando senadores dos altos comandos militares e favorecendo oficiais de carreira, geralmente de origem equestre. Essa mudança profissionalizou o comando militar e reduziu a influência política do Senado nas legiões. Embora tais medidas tenham causado descontentamento entre as elites tradicionais, elas fortaleceram a capacidade defensiva do Império. Assim, Galieno não foi apenas um governante sitiado por crises, mas também um reformador pragmático diante das circunstâncias adversas.

No campo religioso e cultural, Galieno adotou uma postura relativamente tolerante, especialmente em relação aos cristãos. Diferentemente de seu pai, que promoveu perseguições, ele suspendeu medidas repressivas e permitiu certa liberdade religiosa. Essa política contribuiu para um período de relativa paz para as comunidades cristãs dentro do Império. Culturalmente, seu reinado também refletiu influências helenísticas e orientais, visíveis na arte e na cunhagem de moedas, que frequentemente o retratavam associado a divindades protetoras. Galieno valorizava a filosofia e as artes, mantendo relações com intelectuais de seu tempo. Apesar da imagem negativa transmitida por alguns historiadores antigos, que o acusavam de negligência ou excessos, estudos modernos tendem a reavaliar seu governo de forma mais equilibrada. Ele governou em circunstâncias extraordinariamente difíceis, e muitas das falhas atribuídas a ele derivam da conjuntura estrutural da crise, e não apenas de decisões pessoais.

O fim de Galieno ocorreu em 268 d.C., quando foi assassinado durante o cerco à cidade de Milão, onde combatia o usurpador Auréolo. Sua morte resultou de uma conspiração envolvendo oficiais do próprio exército, refletindo o clima constante de instabilidade política da época. Após sua queda, o trono foi assumido por Cláudio II, conhecido como Cláudio, o Gótico. Com o passar do tempo, a figura de Galieno foi sendo reinterpretada pelos historiadores, que passaram a reconhecer seu papel como um governante que tentou preservar o Império em meio ao colapso. Embora não tenha conseguido reunificar completamente os territórios dissidentes, suas reformas militares prepararam o caminho para a recuperação promovida por imperadores posteriores. Assim, Galieno representa uma figura complexa: ao mesmo tempo vítima das circunstâncias e agente de mudanças estruturais importantes. Seu reinado ilustra como a sobrevivência de Roma no século III dependeu tanto de resistência militar quanto de adaptações institucionais profundas.

Pablo Aluísio. 

Nossa Coleção de Cinema

Nossa Coleção de Cinema 

Aqui estão nossas publicações de Cinema até o momento. Eu pretendo lançar novos títulos esse ano, mas tudo no seu devido tempo. Sendo bem otimista diria que até daria para lançar títulos mensais, mas isso vai depender de vários fatores. De qualquer maneira eu recomendo a aquisição desses livros, até porque fui um colecionador de revistas de cinema em minha vida de cinéfilo por longos anos. Hoje em dia elas, infelizmente, não existem mais! Uma pena. Então estou produzindo esses livros com o espítito daquelas publicações que eu tanto curti no passado. Segue nossa lista:

Cinema Classe A - Volume 1

Nesse primeiro livro temos as filmografias de Leonardo DiCaprio, Brad Pitt e Russell Crowe em destaque. Seus filmes são analisados, com resenhas e fichas técnicas. Um livro para quem gosta de ler sobre Cinema Internacional. E tudo com o cuidado técnico que caracteriza nossos textos sobre a história do cinema. Não deixe de ter na sua coleção! Textos de Pablo Aluísio e Erick Steve. 

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Cinema Classe A - Volume 1

Crônicas do Velho Oeste

Uma seleção especial trazendo os melhores filmes de Faroeste, em textos com muitas informações. E não é só. Essa edição ainda traz histórias de western, todas se passando no velho oeste americano. Uma coletânea de contos de faroeste. São 200 páginas com muito faroeste para o leitor! Textos de Pablo Aluísio e Erick Steve. 

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Crônicas do Velho Oeste

James Dean 

James Dean foi um dos grandes mitos da Hollywood em sua era de ouro. Representou como ninguém toda a rebeldia e juventude de uma geração. Só que sua vida e carreira foram breves, como um carro em alta velocidade. Nesse livro resgatamos a história de James Dean, com sua biografia e análise detalhada de todos os seus filmes. E como se isso não fosse o suficiente, ainda trazemos em suas páginas outro grande ator dessa mesma era. Estamos falando de Montgomery Clift, um jovem e talentoso ator que abalou as estruturas de Hollywood com sua técnica de atuação revolucionária. São mais de 200 páginas com dois dos grandes ídolos do cinema norte-americano.¨

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James Dean

Marilyn Monroe

Nesse livro você encontrará uma grande quantidade de informações sobre a atriz Marilyn Monroe. A filmografia completa dessa grande estrela do cinema está comentada filme a filme. Dados pessoais de sua vida pessoal, seus casamentos conturbados, além de crônicas e textos sobre ela. Como adicional ainda encontrará uma seleção dos melhores livros, filmes e discos dessa inesquecível estrela de Hollywood.

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Marilyn Monroe

Marlon Brando

Esse livro conta a história da vida e da obra do ator Marlon Brando. Todos os seus filmes são analisados de forma detalhada. A filmografia completa está em suas páginas, em ordem cronológica. Além disso o livro traz diversos artigos, textos e curiosidades sobre esse grande mito da história do cinema americano e da Hollywood em sua era de ouro.

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Marlon Brando

Elvis Presley - Volume 1

Nesse primeiro volume escrito por Pablo Aluísio, o leitor é apresentado aos primeiros discos e filmes da carreira de Elvis Presley. Um resgate com muitas informações, fruto de uma pesquisa que durou anos por parte de seu autor. Essa é a história do jovem artista que revolucionou o mundo da música desde os seus primeiros anos de fama, sucesso e impacto cultural.

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Elvis Presley - Volume 1

Pablo Aluísio. 

Elvis Presley - Double Trouble (1967)

Deve ter sido frustrante, no mínimo, para Elvis gravar a trilha sonora de "Double Trouble". A maioria das músicas eram esquecíveis, e com certeza não acrescentariam nada para o cantor. Logo ele que há um mês estava em Nashville gravando o espetacular disco gospel "How Great Thou Art", além de várias outras músicas incríveis como "Tomorrow is a Long Time", "Down in the Alley" e "I´ll Remember You". Elvis se atrasou para a sessão de gravação e como resultado a MGM mudou o endereço das gravações para o seu próprio estúdio, que era simplesmente horrível. A essa altura ninguém ligava mais para a qualidade de nada e o porquê de Elvis se submeter a essa humilhação, tendo que gravar para a trilha péssimas canções como "Old Mac Donald", é um dos grandes mistérios de sua carreira!

Uma das poucas coisas boas dessa sessão foi que Elvis teve a chance de conhecer pessoalmente seu ídolo Jackie Wilson, que estava pelas redondezas. Uma curiosidade é que Elvis, em 1975, ajudou financeiramente Jackie quando ele sofreu um ataque cardíaco. O filme "Double Trouble" (Canções e Confusões, no Brasil) não é tão ruim e teve a vantagem de teoricamente ser ambientado na Europa, mudando o ambiente. Teoricamente, pois foi todo filmado nos EUA. Possui alguns personagens interessantes como os dois ladrões, bem engraçados, uma trama previsível, mas bem legal e uma intrigante atriz como a principal. Annete Day fez sua estreia no cinema com Elvis nesse filme e aparentemente não gostou, pois esse foi seu único. Ela tinha apenas 18 anos quando contracenou com Elvis e os dois tiveram uma boa química, mais cômica do que romântica. O clima sombrio do filme envolvendo tentativas de assassinato de Guy Lambert (nome do personagem de Elvis) parece que previa o naufrágio nas bilheterias, sendo que este filme foi um dos cinco que menos renderam na carreira de Elvis. A trilha sonora foi a primeira a nem conseguir entrar para o top 40 americano conseguindo a lastimável 47ª posição. Na Inglaterra foi um pouco melhor sendo 34º lugar.

DOUBLE TROUBLE (D. Pomus / M. Shuman) - Doc Pomus e Mort Shuman foram responsáveis por grande parte do melhor material gravado por Elvis de 1960 a 1963, porém, sua última contribuição (Elvis ainda viria em 69 a gravar a belíssima "You´ll Think of Me" de Mort Shuman) não é lá essas coisas e seguia a mediocridade de músicas recentemente escritas por eles como: "What Every Woman Lives For" e "Never Say Yes". Não que "Double Trouble" seja ruim, mas comparada com músicas como "Little Sister" e "Viva Las Vegas", também escritas pela dupla, mostram claramente que Pomus e Shuman não estavam exatamente inspirados. Mas Elvis e a banda estão ok. A letra é bobinha e a música muito curta. Destaque para a escandalosa introdução da orquestra, fato raro em músicas de Elvis à época.

BABY IF YOU GIVE ALL OF YOUR LOVE (Joy Byers) - Mais uma excelente contribuição de Joy Byers para a discografia de Elvis. Essa música super animada é uma das melhores das últimas trilhas sonoras e junto com "City by Night", a melhor do filme. Merecia um lançamento em single, talvez como lado B de "Long Legged Girl". Foi bastante subestimada pela gravadora.

COULD I FALL IN LOVE (Randy Starr) - Os filmes de Elvis sempre possuíam boas baladas e esse aqui não é exceção. Pena que o arranjo dessa não seja tão bom quanto de "Am I Ready?" por exemplo, o que tirou seu potencial de single. Interessante é a cena em que Elvis a canta para Annete Day, onde o acompanhamento da música é oriundo de um pequeno single que Elvis bota para tocar. Na capa a foto de Guy Lambert! (o personagem interpretado por Elvis).

LONG LEGGED GIRL (J.L. Mc Farland / W. Scotty) - Outro grande rock da trilha que sofre do mal de ser muito curto. Essa música agitada, com uma guitarra estridente, foi lançada como single alcançando a péssima 63ª posição nos EUA. Nunca um lado A de Elvis havia entrado nas paradas e conseguido como posição máxima, colocação tão baixa. E dessa vez a culpa não era da música, que era boa, e sim porque o público já não estava mais prestando atenção nos lançamentos de Elvis Presley por essa época! Curiosidade: Foi a música mais curta de Elvis a entrar no Hot 100, com apenas 1 minuto e vinte e sete segundos de duração.

CITY BY NIGHT (Giant / Baum / Kaye) - Definitivamente uma das melhores músicas de Elvis nas trilhas da década 60, essa canção foi o mais próximo que Elvis chegou de cantar um jazz em sua carreira. Com um trompete sinistro, a banda afiadíssima e a voz de Elvis em perfeitas condições, com um "yeah" no final que lembra "Trouble", essa verdadeira pérola não recebeu a menor atenção em sua época de lançamento. Talvez seu próprio estilo, diferente de tudo que Elvis havia gravado, tenha desagradado aos fãs mais tradicionalistas do cantor. Além disso, o disco "Double Trouble" foi um dos maiores fracassos da carreira de Elvis. Lançado em 1967, ano em que Elvis amargou o seu pior ano de apatia com o público, com a carreira praticamente arruinada por seus filmes em Hollywood. Em um cenário tão desolador, que chance de atenção essa preciosidade poderia ter tido?

OLD MAC DONALD (Randy Starr) - Você está escutando esse disco e pensa: "É, não é tão ruim quanto dizem". Porém seu pensamento é diluído com os primeiros acordes de simplesmente o pior momento de Elvis no cinema: o Rei do Rock cantando "Old Mac Donald"!!! A cena do filme é pior ainda, com Elvis na traseira de um caminhão cheio de animais (isso mesmo!), cantando a mais degradante de todas as suas canções. Como é que alguém se atreveu a por essa música no filme, e o pior, como Elvis aceitou cantá-la? A trilha e o filme até que não são ruins, mas tudo vai por água abaixo com essa música. Quem, em sua sã consciência, em pleno verão do amor de 67, iria pagar para ver Elvis se humilhando cantando porcarias? Entendam, a música em si, cantada para crianças é excelente. Mas botá-la num filme de Elvis foi a pior das ideias!

I LOVE ONLY ONE GIRL (S. Tepper / R.C. Bennett) - Adorava essa música quando tinha 10 anos, mas agora ela me parece bem bobinha, algo tirado de uma peça teatral para crianças. E o ritmo dela é uma marchinha! Que horror! A cena do filme com essa música, conta com um absolutamente desnecessário número de dança de uma garotinha. Detalhe: em 1972 algum gênio da RCA teve a brilhante ideia de botar no mesmo disco em que a fenomenal e clássica Burning Love foi lançada, vários besteiróis dos filmes. Adivinhem qual música estava presente também? Vou dar uma dica: uma marchinha bobinha de "Double Trouble". Ai... ai... se pudesse matar o Coronel Parker e os dirigentes da RCA...

THERE´S TOO MUCH WORLD TO SEE - Depois de duas músicas horrorosas, qualquer coisa de nível regular é um alívio. É o caso dessa música, da qual 2 minutos depois que você escutar não vai mais se lembrar dela. É a típica música que só Elvis consegue tornar audível. Pelo menos tem uma letrinha interessante, apesar do ritmo esquecível e se você for o tipo do cara aventureiro e que quer sua liberdade, ficando longe de qualquer relacionamento sério, vai se identificar com essa aqui.

IT WON'T BE LONG - Para encerrar a parte da trilha de "Double Trouble" temos essa música, que se não chega a ser excepcional, mantém a dignidade, com um ritmo bom e bem executado. Solando em toda a canção temos a preciosa participação do guitarrista Tiny Timbrell. É bem acima da média do restante do material do filme, porém não é nada demais, apenas correta no final das contas.

NEVER ENDING (Buddy Kaye / Phil Springer) - Nesse disco originalmente foram lançadas três músicas bônus, todas gravadas em 1963 e essa é a primeira delas. "Never Ending" é uma bonita balada, com um ritmo acima da média, contando com o ótimo trabalho da banda de Elvis em Nashville. A voz de Elvis parece diferente, lembrando algo como "I love you Because". Se não soubesse diria que essa música era de 54, ou então 55. Foi lançada em um single como lado B de "Such a Night" (gravada em 60 e cujo single tinha uma foto de Elvis em 56 na capa!) em 1964 e não conseguiu entrar nas paradas. Ganhou um pouco de destaque em um disco no Brasil lançado em 89: Good Rocking Tonight- The Best of Elvis vol 2.

BLUE RIVER (Paul Evans / Fred Tapias) - Em 1965, enquanto os Beatles dominavam a cena musical, os produtores de Elvis quebravam a cabeça para encontrar alguma música para lançar como single de fim de ano, visto que fazia quase dois anos que Elvis não gravava nada além de trilhas sonoras. Cavucando, encontraram uma gravação de 1957, "Tell Me Why", que foi lançada alcançando a mera 33º posição. Para o lado B do single lançaram uma música gravada em 1963, um roquinho bastante curto com conteúdo que lembrava ligeiramente "Heartbreak Hotel", mas que nem chegava ao dedão do pé desse grande clássico. A música era "Blue River" e alcançou a péssima 95º posição, quase nem entrando no Hot 100, merecidamente, pois não é lá essas coisas. Legalzinha, no máximo. Essa música foi lançada em fevereiro de 1966 na Inglaterra como lado A, tendo como lado B uma música gravada para a trilha de "Girl Happy" (!): "Do Not Disturb". Oh bagunça que eram os singles de Elvis dessa época! Os fãs ingleses apreciaram mais a música, que chegou ao 22º lugar nas paradas.

WHAT NOW, WHAT NEXT, WHERE TO (Don Robertson / Hal Blair) - O disco encerra com essa composição bem fraquinha de Don Robertson, que escreveu com certeza material muito melhor como "Love Me Tonight", gravado na mesma sessão dessa música. Com um ritmo arrastado e um letra esquecível não acrescenta nada ao disco. Curiosidade: Foi gravada em uma única tentativa.

Elvis Presley - Double Trouble (1967): Elvis Presley (vocal) / Scotty Moore (guitarra) / Tiny Timbrell (guitarra) / Bob Moore (baixo) / D.J. Fontana (bateria) / Buddy Harmon (bateria) / Floyd Cramer (piano) / Pete Drake (Steel Guitar) / Charlie McCoy (Harmonica) / Boots Randolph (sax) / Richard Noel (Trombone) / The Jordanaires (Gordon Stoker, Hoyt Hawkins, Neal Matthews e Ray Walker) / City By Night: Michael Deasy (guitarra) / Jerry Scheff (baixo) / Toxey French (bateria) / Michael Anderson (Sax) / Butch Parker (sax) / Gravado no Radio Recorders, Hollywood, California exceto "Never Ending", "What Now, What Next, Where To" e "Blue River" gravadas no RCA Studio B, Nashville / Data de gravação: 28 e 29 de junho de 1966, exceto "City By Night" gravada em 14 de julho de 1966 e "Never Ending", "What Now, What Next, Where To" e "Blue River" gravadas em maio de 1963 / Produzido e arranjado por Felton Jarvis e Jeff Alexander / Data de lançamento: junho de 1967 / Melhor posição nas charts: #47 (USA) e #34 (UK).

Pablo Aluísio e Victor Alves - março de 2005.

The Sound of Music

The Sound of Music (Original Broadway Cast, 1959)

O primeiro álbum a alcançar o topo da Billboard 200 em 1960 foi a gravação original da Broadway de The Sound of Music. Lançado no final de 1959 e impulsionado pelo enorme sucesso do musical nos palcos de Nova York, o disco rapidamente se transformou em fenômeno comercial no início da nova década. A obra, composta pela lendária dupla Rodgers and Hammerstein, já carregava a reputação de sucessos anteriores como Oklahoma! e South Pacific, mas aqui atingia um nível de popularidade ainda mais amplo. Em uma época em que os álbuns de trilhas e elencos da Broadway dominavam o mercado fonográfico, esta gravação consolidou-se como símbolo da transição entre os anos 1950 e 1960.

Musicalmente, o álbum combina orquestrações luxuosas, melodias marcantes e letras que alternam leveza, romantismo e espiritualidade. A interpretação de Mary Martin no papel de Maria é um dos grandes destaques da gravação original, trazendo vivacidade e doçura às canções. Faixas como “My Favorite Things”, “Do-Re-Mi” e “Climb Ev’ry Mountain” rapidamente se tornaram standards da música popular americana. Diferente do tom mais rebelde que começaria a emergir no rock poucos anos depois, o álbum representa ainda um momento de elegância clássica e otimismo cultural, características fortes do entretenimento do pós-guerra.

O impacto comercial foi impressionante: o disco permaneceu por semanas no topo das paradas e tornou-se um dos álbuns mais vendidos do período. Seu sucesso demonstrava a força da Broadway como indústria fonográfica antes da consolidação definitiva do rock como gênero dominante. Mais do que um simples campeão de vendas, The Sound of Music simboliza o último grande momento de hegemonia dos musicais teatrais nas paradas americanas, pouco antes da explosão cultural que redefiniria completamente o cenário musical da década de 1960.

Pablo Aluísio.

Quiz Show - A Verdade dos Bastidores

Sempre achei muito superestimado. O filme passa longe de ser ruim, mas também não é tudo aquilo que a crítica elogiou na época de seu lançamento. O roteiro é interessante porque mostra o momento em que os executivos da televisão americana começaram a entender que o público poderia ser facilmente manipulado (algo que aliás acontece até hoje!). Valia tudo para aumentar a audiência e se fosse necessário criar uma grande farsa para que esse objetivo fosse atingido então que fosse assim. O enredo mostra os bastidores de um popular programa de TV onde os participantes tinham que responder perguntas dos mais diversos assuntos. Um deles acaba virando ídolo nacional, por causa da grande inteligência em dar respostas para as mais complicadas questões. Depois descobre-se que tudo não passava de uma enorme enganação.

Dirigido por Robert Redford, que tem grande influência dentro da indústria cinematográfica, o filme acabou tendo chances reais de vencer o Oscar de melhor filme naquele ano. Ainda bem que o bom senso prevaleceu. Temos um bom roteiro e uma direção eficiente e muito profissional de Redford, isso porém não transformou "Quiz Show" em uma obra prima. Seu estilo quase documental acabou me desagradando em certos aspectos. Redford foi de certa maneira bem frio em sua forma de contar a história (que é baseada em fatos reais). Provavelmente se tivesse colocado um pouco mais de cor e coração na realização de sua obra as coisas teriam se tornado melhores do que realmente foram.

Quiz Show - A Verdade dos Bastidores (Quiz Show, Estados Unidos, 1994) Direção:/ Roteiro: Paul Attanasio, baseado no livro escrito por Richard N. Goodwin / Elenco: Ralph Fiennes, John Turturro, Rob Morrow / Sinopse: Uma programa de televisão, de perguntas e respostas, toma um caminho totalmente diferente. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Direção, Roteiro Adaptado e Ator (Paul Scofield). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Direção, Roteiro e Ator Coadjuvante (John Turturro).

Pablo Aluísio.