Febre de juventude

Não importa se você não viveu aquela época (muito provavelmente não viveu mesmo pois lá se vão mais de 50 anos!) pois certamente vai acabar gostando desse filme muito simpático que mostra o alvoroço que foi a chegada da chamada Beatlemania nos Estados Unidos. A cultura jovem de massa, do histerismo e dos gritinhos, certamente já tinha nascido nos anos 50 com Elvis Presley mas foi mesmo nos anos 60 que houve de verdade uma verdadeira febre de juventude entre a rapaziada que adorava rock ´n´ roll. O catalisador desse movimento foi esse quarteto criado em Liverpool por garotos da classe trabalhadora da cidade. John, Paul, George e Ringo viraram ícones, ídolos e mudaram a música para sempre! O filme porém não mostra os membros da banda e suas apresentações mas sim a reação que acontecia ao redor nos jovens que iam assistir os concertos e sonhavam em um dia encontrar pela frente esses grandes talentos. Essa aliás foi uma das grandes boas ideias do filme pois o espectador é transportado para dentro daquela época, interagindo com os personagens, seus cabelos, suas roupas e seu estilo de vida. Obviamente que muitas das situações soam engraçadas por si só, como por exemplo um dos caras do grupo que compra uma ridícula peruca beatle, mas isso tudo no final das contas acaba fazendo parte da (grande) diversão que é o filme em si.

Aliás o tom é facilmente captado pelo próprio nome original do filme, "I Want Hold Your Hand", uma das músicas mais significativas da explosão do grupo nas paradas americanas, quando em sua primeira excursão pelos Estados Unidos causaram um enorme furor de música e diversão. Por falar em diversão esse foi um projeto muito pessoal do diretor Robert Zemeckis que usou muito de suas próprias lembranças de juventude para recriar o clima que viveu na Nova Iorque de 1964, quando os Beatles por lá passaram. O roteiro foi escrito a quatro mãos com Bob Gale, outro grande fã do grupo britânico. Para completar o trio o aclamado diretor Steven Spielberg resolveu produzir o filme de tão encantado que ficou o enredo. Aliás pense rápido: que outro grande sucesso do cinema esse mesmo trio iria fazer na década seguinte, marcando para sempre o cinema de diversão de Hollywood? Se pensou em "De Volta Para o Futuro" acertou!. Foram eles mesmos que voltando a trabalhar juntos em meados dos anos 80 iriam concretizar umas das trilogias mais bem sucedidas da história de Hollywood. Aqui em "Febre da Juventude" eles parecem ter tido a mesma intenção - voltar no tempo para viver em uma época mágica da história. Aproveite e conheça o filme e tenha a mesma sensação (e o melhor de tudo sem precisar de uma máquina do tempo para isso!).

Febre da Juventude (Wanna Hold Your Hand, Estados Unidos,1978) Direção: Robert Zemeckis / Roteiro: Bob Gale, Robert Zemeckis / Elenco: Nancy Allen, Bobby Di Cicco, Marc McClure / Sinopse: Grupo de jovens americanos faz de tudo para chegar perto de seus ídolos, os Beatles, em sua primeira excursão pelos Estados Unidos.

Pablo Aluísio.

Mama

Finalmente um filme de terror da safra mais recente que realmente fica acima da média. Logo no começo da trama um pai desesperado entra em casa e leva suas duas pequenas filhas para o carro. Ele havia acabado de cometer um crime em sua empresa e decide buscar suas duas garotinhas antes que a polícia chegue. Dirigindo a esmo, no meio da neve, emocionalmente perturbado, logo perde o controle do veículo que derrapa e sai da pista, indo parar no meio de uma floresta sombria. Depois de verificar se as crianças estão bem ele sai novamente sem destino, no meio da floresta, até encontrar uma velha cabana abandonada, uma pequena choupana com ares de estar abandonada há muito tempo. E nesse momento que as coisas começam a se complicar pois o local parece ser assombrado por uma entidade sobrenatural que não parece estar nada contente com sua presença. Porém em relação às crianças desenvolve um ar maternal, numa relação complicada de entender ou explicar. Logo passa a ser chamada pelas meninas de “Mama”.

Esse filme tem vários méritos mas o principal é apostar no suspense ao invés do terror explicito, gore. Tudo vai acontecendo aos poucos. As duas garotas voltam para a civilização cinco anos depois, ao serem encontradas por seu tio, mas começam a apresentar um comportamento errático, andando como animais da floresta, sem condições de suportar qualquer contato físico com outro ser humano. O roteiro mostra a complicada adaptação das meninas enquanto eventos inexplicáveis começam a acontecer na casa de seu tio para onde elas são levadas. As duas jovens atrizes dão show de talento, principalmente a mais jovem que se comporta de maneira selvagem. O diretor Andres Muschietti conseguiu realizar uma obra que realmente agrada aos fãs de filmes de terror da velha escola. Apesar de ser apenas produtor não há como negar que sentimos a mão de Guilhermo Del Toro em diversas partes da película, em especial na caprichada direção de arte. Enfim fica a recomendação desse “Mama”, um terror atual com sabor dos antigos filmes do gênero. Muito bom.

Mama (Mama, Canadá, Espanha, 2013) Direção: Andres Muschietti / Roteiro: Neil Cross, Andres Muschietti, Barbara Muschietti / Elenco: Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier, Daniel Kash, Julia Chantrey / Sinopse: Duas garotinhas acabam ficando por cinco anos perdidas no meio de uma floresta sombria sendo salvas por uma entidade sobrenatural ao qual chamam de “Mama”! Após serem resgatadas elas voltam para a civilização mas com uma inesperada e sinistra companhia!

Pablo Aluísio. 

O Santo

Nesse amplo universo de super-heróis de quadrinhos existe toda uma galeria de personagens secundários que obviamente nunca chegaram nos mesmos patamares de sucesso dos mais famosos como Batman ou Superman. Um desses heróis de segundo escalão é justamente esse “O Santo”. O auge de popularidade desse misto de detetive e herói de aventura ocorreu na TV, durante a década de 1960. Nessa série o Santo era interpretado por Roger Moore, antes de virar o mais bem sucedido sucessor de Sean Connery no papel de James Bond, 007. Foi de certa forma até mesmo um treinamento e aprendizado para anos depois assumir o famoso agente inglês criado por Ian Fleming. Como o sucesso de bilheteria do Batman o estúdio Paramount resolveu investir nesse personagem, obviamente pensando em ter mais um grande sucesso de bilheteria nas mãos. Esse herói aliás tinha certo ponto de contato com o próprio Batman. Ele não tinha poderes naturais, apenas usava de inteligência e astúcia para vencer seus inimigos. Na verdade seu grande trunfo era o poder de se passar por outras pessoas, usando inúmeros disfarces.

A Paramount investiu quase 70 milhões nessa produção, gastou bastante em um marketing agressivo e contratou o ator Val Kilmer para interpretar o personagem principal. Como não poderia deixar de ser contratou os melhores profissionais, o que resultou em uma bonita direção de arte e locações inéditas para o cinema americano até então, como a própria praça vermelha em Moscou (que após o fim da União Soviética abriu suas portas para as produções americanas). Tudo pelo visto caminhava muito bem mas o público simplesmente não se interessou pelo filme, deixando as salas de exibição completamente vazias. Muito provavelmente os jovens (a grande massa que frequenta cinemas) simplesmente desconhecia o personagem, uma vez que apenas os mais velhos que tinham assistido a série na década de 60 ainda se lembravam do Santo. Some-se a isso a interpretação pouco empenhada de Kilmer e você realmente terá um resultado final muito morno, sem pique e garra para de fato ser um verdadeiro sucesso comercial e de crítica. O filme, como já foi dito, tem excelentes locações e uma bonita fotografia mas não tem carisma, o que ajudou a afundar a obra como um todo.

O Santo (The Saint, Estados Unidos, 1997) Direção: Phillip Noyce / Roteiro: Jonathan Hensleigh, baseado nos personagens criados por Leslie Charteris / Elenco: Val Kilmer, Elisabeth Shue, Rade Serbedzija / Sinopse: O Santo (Val Kilmer) é um personagem que usa de inteligência e astúcia para vencer seus inimigos. Aqui ele se envolve numa disputa por uma importante fórmula criada por uma cientista russa.

Pablo Aluísio. 

Star Wars: Episódio I - A Ameaça Fantasma

Provavelmente tenha sido o filme mais esperado da história recente do cinema americano. Não é para menos, pois era a volta do universo Star Wars que tanto sucesso fez com a trilogia original. George Lucas agora tinha que lidar com uma nova realidade, a da Internet, onde fãs extremamente bem organizados acompanharam cada passo que o diretor deu nessa nova produção. O roteiro voltava no tempo para contar o começo da vida de Anakin Skywalker que iria com os anos se transformar no terrível Darth Vader. Para quem não sabe ele era um verdadeiro cavaleiro Jedi que acabou indo para o lado negro da força. Lida assim a ideia realmente soava ótima já que todo mundo queria saber como um Jedi tão poderoso teria se perdido no meio do caminho. O problema é que George Lucas, muito provavelmente encantado com as novas possibilidades tecnológicas do cinema, esqueceu de escrever uma boa trama, se concentrando apenas nos avanços digitais à sua disposição.

Esse é o problema central de “Episódio 1”. Tecnicamente o filme é perfeito, com excelentes tomadas virtuais. O problema é que um bom filme não é feito apenas de pixel. Tem que ter um bom roteiro também, coisa que o filme deixa muito a desejar. No meio de uma enfadonha trama política discutindo taxas! (veja que coisa mais chata) o enredo vai aos trancos e barrancos mostrando a infância do pouco carismático garoto Anakin (interpretado por um ator mirim completamente inexpressivo, Jake Lloyd). Para piorar o que já vinha bem ruim George Lucas resolveu criar um personagem totalmente sem graça, idiota, chato além da conta, chamado Jar Jar Binks, que virou um símbolo de tudo o que estava errado nessa nova trilogia de Star Wars. Com andar e jeito de jamaicano o tal Jar Jar era um balde de água fria para quem esperava encontrar uma nova obra prima e não um filme pra lá de boboca feito para passar em cinemas no pior estilo pipoca descartável. O saldo final? Uma enorme bilheteria (já era esperado) acompanhada de um mar de reclamações dos fãs de Star Wars. Tantas foram as criticas que George Lucas teve que reconhecer as falhas, prometendo caprichar mais no Episódio II. Jar Jar nunca mais... pelo menos era o que os fãs esperavam.

Star Wars: Episódio I - A Ameaça Fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, Estados Unidos, 1999) Direção: George Lucas / Roteiro: George Lucas / Elenco: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Ian McDiarmid / Sinopse: Episódio I narra as origens de Anakin Skywalker, jovem de um planeta distante que com os anos se tornaria o terrível vilão Darth Vader.

Pablo Aluísio. 

O Náufrago

A ideia partiu do próprio ator Tom Hanks. Certo dia ele imaginou o que aconteceria com um homem moderno que fosse abandonado no meio da natureza, tendo que se virar apenas com os recursos naturais para sobreviver. Assim Hanks pensou em um executivo da famosa empresa FedEx que após sofrer um acidente acaba indo parar numa ilha deserta, perdida no meio do Oceano. Sem ninguém por perto, tendo que lutar por sua sobrevivência o náufrago começa a tentar manter sua saúde e sanidade. Sem ter com quem conversar chega ao ponto de transformar uma bola de vôlei em seu “amigo” e companheiro Wilson (o nome da fábrica onde a mesma foi produzida). Quem comprou mesmo a ideia de Hanks, que inicialmente era muito simples e primitiva foi o diretor Robert Zemeckis, da série “De Volta Para o Futuro”. Ele achou genial esse argumento em que um homem civilizado, que vive no meio de um sistema capitalista consumista, teria que viver como seus antigos antepassados primitivos. Um choque cultural sem precedentes.

Para recriar o clima de primitivismo o diretor e o ator decidiram que o filme teria o menos possível de trilha sonora (apenas o som do ambiente seria utilizado como som incidental) e quase nada de diálogos (afinal Hanks passaria praticamente o filme inteiro sozinho em cena). O resultado final se mostrou muito bom, muito atraente e diferente. O clima de isolamento foi acentuado pelas decisões tomadas por Hanks e Zemeckis. Ao mesmo tempo o espectador também se sente completamente atraído pela beleza natural do lugar onde o filme foi realizado (no Pacífico Sul existem realmente ilhas que mais parecem a versão do paraíso na Terra como vemos aqui em Fiji). Some-se a isso a boa atuação de Tom Hanks (que entre outras coisas teve que passar por um regime brutal para chegar no peso ideal de alguém perdido no meio do nada) e você terá uma película realmente diferenciada, que ao mesmo tempo funciona como ótimo entretenimento.

O Náufrago (Cast Away, Estados Unidos, 2000) Direção: Robert Zemeckis / Roteiro: William Broyles Jr, Tom Hanks (não creditado) / Elenco: Tom Hanks, Paul Sanchez, Lari White / Sinopse: Um executivo após um acidente acaba indo parar numa ilha isolada do Pacífico Sul onde terá que lutar por sua sobrevivência.

Pablo Aluísio.

Círculo de Fogo

Após várias operações de sucesso pela Europa, inclusive a invasão e ocupação da França pelas tropas de Hitler, não parecia haver mais barreiras para o avanço do nazismo. Hitler, completamente alucinado e empolgado pelos sucessos militares de suas forças armadas, então deu inicio ao pior plano de ataque da história: a invasão da Rússia! Foi a maior operação de guerra da história e o maior desastre que se tem noticia. Naquela ocasião a Rússia era governada com mão de ferro por outro ditador sanguinário, Stálin, que não iria permitir que algo assim acontecesse. Inicialmente os alemães enfrentaram a fome, o frio e os retrocessos típicos de uma invasão mal conduzida, mal planejada e impossível de ser bem sucedida. Quando chegaram nos portões de Stalingrado deu-se o grande massacre. Cercados por todos os lados as tropas do exército vermelho lutou bravamente para expulsar o invasor nazista. Lembrado até hoje como uma das maiores batalhas da história esse filme tenta reconstruir aquela resistência heroica.

Esse projeto nasceu inicialmente pelas mãos de Sergio Leone que tencionava realizar aquele que seria o maior filme de guerra produzido na Europa. Infelizmente ele morreu antes de ver o começo das filmagens. Com sua morte o projeto foi arquivado por longos anos sendo resgatado do esquecimento pelo corajoso cineasta Jean-Jacques Annaud. “Círculo de Fogo” foi a produção europeia mais cara da história. O financiamento veio de quatro nações diferentes mas infelizmente o roteiro foi em grande parte fracionado,  focado apenas na disputa psicológica que é travado por Vassili Zaitsev (Jude Law), exímio atirador de elite do exército vermelho e o Major König  (Ed Harris), oficial alemão do Reich. De certa forma esse verdadeiro duelo é uma metáfora do que aconteceu em toda a batalha. Há cenas extremamente bem realizadas – como a luta nos portões da cidade – e momentos de tensão e suspense. Provavelmente seria um filme bem diferente se fosse dirigido pelo grande Sergio Leone mas mesmo assim mantém o interesse e o impacto. No final das contas vale principalmente por relembrar uma das maiores carnificinas da Segunda Guerra Mundial.

Círculo de Fogo (Enemy at the Gates, Estados Unidos, Inglaterra, Irlanda, Alemanha, 2001) Direção: Jean-Jacques Annaud / Roteiro: Jean-Jacques Annaud, Alain Godard / Elenco: Jude Law, Ed Harris, Rachel Weisz, Joseph Fiennes,  Bob Hoskins,  Ron Perlman / Sinopse: O filme recria o cerco e a batalha travado em Stanligrado durante a II Guerra Mundial.

Pablo Aluísio.

Tucker - Um Homem e seu Sonho

Uma das obras mais nostálgicas da filmografia de Francis Ford Coppola. A ideia nasceu do próprio cineasta que, colecionador de carros, resolveu contar a história desse empresário ousado que teve a coragem de desafiar as grandes corporações automobilísticas ao criar um carro diferente, muito inovador e avançado para a época, o Tucker Torpedo. Assim Coppola investiu seu personagem de um certo heroísmo, ao colocar o empreendedor como alguém que desafiou todo um monopólio poderoso dentro da indústria para realizar o seu sonho. “Tucker” foi uma produção cara, bancada pelo próprio Francis Ford Coppola, que através de seu estúdio, Zoetrope, captou recursos e levou em frente seu projeto. O grande impulso acabou vindo depois da Lucasfilm, de George Lucas, que também investiu bastante na produção. O próprio desafio de colocar o carro original em cena se revelou complicado. Poucos carros Tucker sobreviveram, sendo que Coppola teve que contar com o apoio de um grupo de colecionadores americanos que cederam gentilmente suas preciosidades sobre quatro rodas para serem usadas no filme.

Como foi um filme feito com muito capricho e carinho por parte de Coppola, logo vemos isso na tela. Tecnicamente o filme é muito bem realizado, muito bem fotografado, com ótimas tomadas de cena e reconstituição histórica primorosa. Jeff Bridges defende muito bem o papel principal dando o entusiasmo e a paixão que o personagem exige. Embora o resultado final tenha se mostrado bem realizado o filme não escapou das criticas na época de seu lançamento. A principal foi a de que Coppola teria romantizado demais o próprio Preston Tucker, em um processo que anos depois se repetiria de certa forma com o industrial Oskar Schindler no famoso filme de Spielberg. Pessoalmente não vejo isso como uma falha ou um demérito, alguns ajustes sempre são feitos para que o filme seja mais interessante do ponto de vista dramático, algo que se repete aqui. Assim deixamos a dica de “Tucker – Um Homem e seu Sonho”, um filme que retrata a visão e os sonhos de um industrial americano que ousou inovar no selvagem mundo dos negócios do capitalismo americano.

Tucker - Um Homem E Seu Sonho (Tucker: The Man and His Dream, Estados Unidos, 1988) Direção: Francis Ford Coppola / Roteiro: Arnold Schulman, David Seidler / Elenco: Jeff Bridges, Joan Allen, Martin Landau / Sinopse: Cinebiografia do industrial Tucker que no pós guerra resolveu criar um carro revolucionário que ia contra os interesses da grande indústria automobilística dos EUA.

Pablo Aluísio.

Fomos Heróis

O auge dos filmes sobre a Guerra do Vietnã aconteceu na década de 80. Grandes clássicos modernos como “Nascido Para Matar” e “Platoon” foram feitos nessa época. A intenção era tentar olhar de frente para essa embaraçosa intervenção americana em um país asiático pobre e distante onde milhares de americanos foram mortos de forma gratuita. Esses filmes sobre o Vietnã se tornaram verdadeiras catarses para a alma da nação, que a partir deles começou a compreender melhor todos os eventos que levaram o país para a pior derrota militar e política de sua história. Depois do boom dos filmes sobre o Vietnã houve um período bem longo em que não se realizou mais produções passadas naquele conflito. Talvez por isso houve uma grande surpresa quando Mel Gibson anunciou esse “Fomos Heróis”, um roteiro que voltava para as selvas do Vietnã mais uma vez. Um projeto equivocado para muitos pois essa já era uma página virada na história do cinema americano.

Mas afinal de contas o que levou Gibson a produzir mais esse filme que parecia tão fora de moda e de época? Foi a forma encontrada por Mel Gibson para criticar o governo americano em suas novas investidas e intervenções armadas pelo mundo afora. Era como se Mel tentasse relembrar a todos novamente que o Vietnã era não apenas uma guerra perdida mas um exemplo para que o erro não fosse cometido mais uma vez no futuro. A trama por si só já mostrava bem isso. Gibson aqui interpreta o Tenente Coronel Hal Moore. A história (baseada em fatos reais) se passa em 1965 quando os americanos ainda não tinham plena consciência do atoleiro em que estavam prestes a afundar. O oficial interpretado por Gibson é um militar americano que não tem a menor ideia do buraco em que está prestes a afundar – junto aos seus homens. Muito provavelmente por causa de seu tema em tom de critica contra a política externa dos EUA o filme não fez o menor sucesso. Com orçamento de 75 milhões de dólares o filme mal conseguiu render 20 milhões nas bilheterias americanas provando duas coisas: o público estava cansado do tema do Vietnã e não queriam mesmo receber uma verdadeira “lição de moral” de um ator como Mel Gibson. Mesmo assim fica a dica, pois o filme além de ser historicamente interessante, ainda é uma boa fita de guerra.

Fomos Heróis (We Were Soldiers, Estados Unidos, 2002) Direção: Randall Wallace / Roteiro: Harold G. Moore, Joseph L. Galloway / Elenco: Mel Gibson, Madeleine Stowe, Greg Kinnear / Sinopse: Grupo do exército Americano comandado pelo Tenente Coronel Hal Moore (Mel Gibson) acaba entrando em uma verdadeira cilada bem no inicio da Guerra do Vietnã.

Pablo Aluísio.

O Troco

As pessoas podem criticar Mel Gibson em muitas coisas mas não podem chamar o ator de covarde. Ao longo da carreira Gibson procurou sempre ir para caminhos impensáveis para um astro como ele. Como cineasta isso ficou bem claro por algumas decisões ousadas que tomou, se saindo muito bem na maioria das escolhas (como usar o idioma Aramaico na reconstituição histórica em filme da paixão de Jesus Cristo). Como ator Gibson ficou muito preso à imagem que construiu em inúmeras franquias de sucesso, com destaque para “Mad Max” e “Máquina Mortífera”. Após tentar seguir por outras linhas o ator se envolveu em filmes com ar alternativo (“O Ano em que Vivemos em Perigo”) e até em adaptações de Shakespeare (“Hamlet” no qual contra todas as previsões acabou se saindo muito bem). Depois de mais um filme da franquia Máquina Mortífera (o de número 4), Gibson se envolveu nesse “O Troco”, um filme bem violento, seco, de ação, mas que procurava trazer uma proposta diferente.

O enredo explora os descaminhos que podem ocorrer no mundo do crime. Gibson interpreta Porter (apenas Porter sem qualquer sobrenome), um criminoso que é traído e quase morto por seu próprio parceiro de roubos. Ao lado de uma garota de programa, Rosie (Maria Bello), ele parte para a desforra contra aqueles que desejaram sua morte. Embora não tenha sido dirigido por Gibson, foi sua produtora, a Icon Entertainment International, quem bancou a produção de 50 milhões de dólares. Foi um erro já que Gibson deveria ter assumido a direção desde o inicio pois assim evitaria que tivesse tantas brigas no set com Brian Helgeland, que assinou o filme.  A certa altura o próprio Gibson, após uma violenta discussão com Brian, o demitiu, mesmo com o filme ainda incompleto. A partir daí ele próprio assumiu a direção mas no final não creditou o trabalho a si mesmo, deixando apenas Helgeland figurando como o diretor do filme nos créditos finais (afinal ele tinha dirigido pelo menos dois terços da película). Mesmo com tantos problemas o resultado ficou muito bom. A fotografia saturada, o clima de sordidez e o texto frio combinaram muito bem com o argumento do filme, mostrando que no mundo do crime de fato não existe lealdade ou fidelidade.

O Troco (Payback, Estados Unidos, 1999) Direção: Brian Helgeland, Mel Gibson (não creditado) / Roteiro: Brian Helgeland, baseado no livro de Donald E. Westlake / Elenco: Mel Gibson, Gregg Henry, Maria Bello / Sinopse: Após ser traído por seu comparsa e sua amante, um criminoso (Gibson) decide dar o troco ao antigo companheiro do mundo do crime.

Pablo Aluísio.

Infidelidade

Se você ainda tem alguma dúvida do moralismo que impera na sociedade americana que tal ver (ou rever) esse “Infidelidade”? Como se sabe os EUA foram criados por uma primeira leva de imigrantes formada basicamente por puritanos calvinistas que fugiam da perseguição religiosa na Europa e foram parar no novo mundo com a convicção de começar tudo de novo. Pois bem, nem os séculos apagaram essa mentalidade. É o que podemos notar ao assistir filmes como esse “Infidelidade”. Na trama acompanhamos o desmoronamento de um casamento. O casal é formado por Connie (Diane Lane) e Edward (Richard Gere) um casal tipicamente nova-iorquino que mora no subúrbio. Após um encontro meramente casual com um charmoso francês, Connie se sente bastante atraída por seu estilo, elegância e modo de ser. Seu casamento com Edward já caiu na mais chata monotonia e banalidade e a oportunidade de começar uma nova vida amorosa lhe parece bastante tentadora.

Logo se torna amante do charmoso estrangeiro, traindo seu marido sempre que possível. Desconfiado então Edward contrata um detetive para seguir os passos de Connie, atitude que revelará para ele toda a verdade. “Infidelidade” é um retrato dos novos tempos. A mulher infeliz no casamento já não aceita o papel de submissão a que sempre foi imposta por séculos de machismo e idéias ultrapassadas. Uma vez atraída por outro homem nem pensa muito, partindo para outra, afinal amar é viver. Obviamente que o roteiro de “Infidelidade” está imerso no mais puro puritanismo ianque mas se o espectador desprezar esse enfoque vai acabar se interessando bastante pelos rumos da estória. O filme usa e abusa de uma fotografia em tons de cores sensuais, que combina muito bem com o clima de sedução que impera em muitas das cenas. Quem acaba brilhando no elenco é a atriz Diane Lane que após a maturidade parece viver uma nova e bela fase na carreira. Já Richard Gere se contenta em mais um interpretação no controle remoto, embora se torne no final das contas adequado ao enredo. Então é isso, “Infidelidade” é um filme interessante que toca em um tema bastante polêmico. Vale a pena conhecer.

Infidelidade (Unfaithful, Estados Undos, 2002) Direção: Adrian Lyne / Roteiro: Claude Chabrol, Alvin Sargent / Elenco: Diane Lane, Erik Per Sullivan, Richard Gere / Sinopse: Esposa decide trair o marido com um charmoso francês que conhecer por acaso após um encontro casual na rua. Refilmagem americana do filme "La Femme infidèle".

Pablo Aluísio.

Dallas

“Dallas” é um fenômeno da história da TV americana. Exibida inicialmente em 1978 a série durou até 1991 totalizando incríveis 14 temporadas em sua primeira fase. O sucesso foi tão grande que chegou a ser exibida por anos na Rede Globo nas noites de domingo. No ano passado a Warner resolveu trazer de novo todos aqueles carismáticos personagens que todos aprenderam a gostar durante todos os anos. Claro que os anos pesaram para todos os atores, principalmente para Larry Hagman que brilhou como J.R. Ewing por anos. Até Patrick Duffy que interpretava seu irmão mais jovem Bobby deixou bem claro a passagem do tempo. Assim para manter a chama acessa os produtores decidiram fazer uma espécie de transição investindo dessa vez nos filhos de J.R. e Bobby, afinal de contas na primeira fase eles eram apenas garotos e agora teriam que assumir todas as responsabilidades da empresa Ewing. A primeira temporada dessa nova “Dallas” fez sucesso suficiente para que a Warner resolvesse produzir uma segunda temporada mas infelizmente um fato lamentável aconteceu.

O ator Larry Hagman morreu inesperadamente exatamente durante o lançamento da segunda temporada da série nos EUA. Hagman foi um ator muito popular da TV americana se destacando não apenas por “Dallas” mas também por outro seriado de muito sucesso na década de 60, a comédia “Jeannie é um Gênio” ao lado da talentosa atriz Bárbara Eden. Na verdade quem assistiu aos novos episódios de “Dallas” em 2012 de certa forma levou um susto com o aspecto abatido de Larry em cena. Por anos ele abusou muito da bebida e isso se mostrava muito nítido em sua dificuldade em atuar nesses novos episódios. Mesmo assim sempre se mostrou digno mas infelizmente sua hora chegou e assim o eterno J.R. deu adeus ao público, saindo de cena exatamente interpretando o personagem símbolo de toda a sua carreira. Eu não vou deixar de recomendar o novo “Dallas”. Certamente a novo programa não tem o charme das décadas de 70 e 80 mas mesmo assim mantém um nível bem interessante, que faz com que o espectador siga em frente, se interessando em assistir ao próximo episódio.

Dallas (Dallas, Estados Unidos, 1978 – 1991 / 2012 – 2013) Criado por Cynthia Cidre, David Jacobs / Elenco: Larry Hagman, Patrick Duffy, Jordana Brewster, Josh Henderson, Jesse Metcalfe / Sinopse: A série “Dallas” conta a estória dos Ewings, rica família dona de fazendas e poços de petróleo na cidade de Dallas no Texas.

Pablo Aluísio. 

Superman – O Homem de Aço

Vou repetir agora o que venho dizendo há tempos: eu tenho pena dessa garotada de hoje que gosta e frequenta cinema. Ontem fui assistir, acompanhado da minha querida filha, ao tão badalado "Superman". Ops!... desculpem a minha falha... o Superman da minha época virou: "Homem de Aço". Bastaram dez minutos de filme para eu virar para minha filha e perguntar se nós tínhamos comprado ingressos para o filme certo. Com todo respeito mas aquela zorra total que se desenhava na tela não era a história do Superman que aprendi a gostar desde a minha época de guri. Afora os extraordinários efeitos especiais, que estão a cada dia mais impressionantes, o filme é uma viagem lisérgica com um borbardeio multicolorido de tons magníficos, sustentado por uma poluição sonora de fazer inveja aos ensurdecedores acordes do Iron Maiden. Depois de sobreviver as cenas caleidoscópicas do planeta Krypton - um planeta sorumbático, barulhento e recheado de insetos e naves gigantes, além, é claro, da semi-canastrice do Russel Crowe, somos enviados de sopetão, diretamente para alto-mar onde o Superman, já adulto, está sem camisa e todo atrapalhado tentando salvar a tripulação de um cargueiro em chamas.

Depois dessa cena, o diretor Zack Snyder enfia os pés pelas mãos, e começa a abusar de cenas desconexas, sem nenhuma lógica e com uma overdose desse recurso maldito chamado, "flashback" - que para mim, já deveria estar morto e enterrado. O filme é uma zona completa. Jor-El (Russel Crowe) o pai kryptoniano de Kal-El (Henry Cavill - Superman) é de fazer inveja a qualquer Centro Espírita, pois aparece mais depois de morto do que quando estava vivo. A repórter Louis Lane (Amy Adams) que na minha época de garoto era uma repórter do Planeta Diário, normal e recatada, quase rouba o papel de Superman, pois é ela quem negocia com o FBI, com as Forças Armadas e ainda ajuda o Homem de Aço a enfrentar o Kryptoniano e estranhíssimo, General Zod e sua turma de mulheres bonitas. Zod, interpretado pelo ator americano Michael Shannon que é uma mistura de Billy Idol com Supla. Das cenas feéricas do planeta Krypton à barulheira ensurdecedora juntamente com os flashbacks insuportáveis e inúteis, aumentam ainda mais a minha angústia, a medida em que o filme vai se desenrolando. De repente eu me faço mil perguntas: Meu Deus!!!!... cadê o Superman da minha época de criança ???... Por que eu estou usando esses óculos de 3D ridículos que não acrescentam e nem melhoram o filme em nada ??... Por que tantas naves espaciais de todos os tipos e tamanhos ??...Cadê o Marlon Brando como Jor-El ??...Cadê o eterno Glenn Ford como o pai terráqueo do Superman ?? ...Cadê, ainda, o super-ator inglês Terence Stamp, na pele do General Zod ?? ...Cadê o Cristopher Reeve ?? o maior e mais carismático de todos os Super-Homens ??... Fim do filme. Minha água mineral acabou, meu saco de amendoim também. Caminho célere para o meu carro com minha filha, com saudades daquele Superman que usava a cueca vermelha por cima do uniforme azul-claro e que aprendi a amar quando era garoto. Saudades de um tempo e de um cinema que não voltarão mais. Nota 5.

Superman - O Homem de Aço (Man of Steel, Estados Unidos, 2013) Direção: Zack Snyder / Roteiro: David S. Goyer, Christopher Nolan, baseados nos personagens criados por Jerry Siegel & Joe Shuster / Elenco: Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Diane Lane, Russell Crowe, Kevin Costner, Laurence Fishburne / Sinopse: O filme narra as origens do super-herói Superman.

Telmo Vilela Jr.

O Juiz

O personagem Juiz Dredd nasceu na década de 70 no mundo dos quadrinhos ingleses numa edição da cultuada revista "2000 AD". Criado por John Wagner e Carlos Ezquerra, Dredd exercia várias funções numa só: era policial de rua, juiz, júri e executor. O tema era violento mas também bastante imaginativo. Aos poucos os métodos do juiz justiceiro dos quadrinhos foi ganhando cada vez mais leitores ao ponto dele finalmente ter seu próprio título mensal, primeiro na Inglaterra e depois nos Estados Unidos. Com o sucesso de adaptações dos personagens da Marvel e DC Comics no cinema os estúdios partiram em busca de novos heróis para a produção de filmes que chamassem a atenção do público jovem nas bilheterias. Assim nasceu esse “O Juiz” que trazia no papel principal o ator Sylvester Stallone. Ele incorpora o próprio Dredd, um misto de vingador e justiceiro numa mega metrópole do futuro, Mega City One. O clima é pessimista – como sempre o futuro é retratado como um caos de violência e desrespeito à lei.

Uma das coisas que mais chamaram atenção na época em que o filme foi lançado foi sua direção de arte que pretendia trazer para as telas de cinema os figurinos e o mundo dos quadrinhos. Como sabemos nem sempre isso é muito fácil, até mesmo por causa do excesso de cores que são utilizados nas revistas em quadrinhos, algo que nem sempre surte o efeito desejado nos filmes. Por essa razão talvez o filme tenha envelhecido tão mal. Certamente é algo que foi considerado fiel nos anos 90 mas que revisto hoje em dia não funciona mais a contento. Stallone também parece bem inadequado para o papel. Alguns diálogos ditos por ele em cena não passa qualquer credibilidade. A produção também não enche os olhos, adotando um visual que hoje vai soar muito brega para o público mais jovem. O público adulto de Sly, fã de filmes de ação, também torceu o nariz já que esse mundo de adaptações de quadrinhos nunca foi sua praia. Assim “O Juiz” não conseguiu ser um sucesso. Hoje tudo acaba soando como um produto que foi ultrapassado pelo tempo. Prefira ver o novo filme do Juiz Dredd que apesar da produção mais modesta adotou um estilo mais próximo das estórias violentas dos gibis.

O Juiz (Judge Dredd, Estados Unidos, 1995) Direção: Danny Cannon / Roteiro: William Wisher Jr, Steven E. de Souza, baseado nos personagens criados por John Wagner e Carlos Ezquerra / Elenco: Sylvester Stallone, Armand Assante, Rob Schneider / Sinopse: No mundo brutal e violento do futuro o Juiz Dredd (Stallone) impõe lei e ordem nas ruas de uma megacidade super povoada, lotada de criminosos.

Pablo Aluísio.

Indiana Jones e a Última Cruzada

Considerado por muitos como o melhor filme da série Indiana Jones no cinema. Era para ser a última produção com o personagem, fechando uma trilogia vitoriosa mas Spielberg e Lucas inventaram de realizar um péssimo quarto filme que merece ser esquecido, “Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal”. Mas deixemos esse fiasco de lado. Agora vamos nos concentrar nesse belo momento de Indiana no cinema. O filme tinha várias inovações sendo a mais celebrada a presença mais do que especial de Sean Connery no elenco. O ator vinha em um momento especial na carreira, estrelando grandes sucessos comerciais, além do reconhecimento da crítica e da Academia que o premiou com o Oscar de Melhor ator coadjuvante pelo excelente “Os Intocáveis”. O convite para fazer parte da série Indiana Jones partiu no jantar de entrega do Globo de Ouro. Spielberg e Lucas compartilharam a mesma mesa que Connery e lá mesmo tiveram a feliz idéia de o tornar o pai de Jones (muito embora Sean Connery não tivesse idade para ser pai de Harrison Ford, uma vez que apenas nove anos separava um do outro).

Isso foi deixado de lado e assim Sean Connery se tornou o professor Henry Jones, pai de Indiana, que agora reencontrava o filho na busca de uma das peças arqueológicas mais cobiçadas da história, o chamado Santo Graal, o cálice usado por Jesus Cristo na última ceia. O artefato estava há muitos séculos desaparecido, sendo a última citação de sua existência escrita como parte da história dos lendários cavaleiros templários, que dominaram Jerusalém durante as cruzadas. Rezava a lenda que aquele que tomasse do cálice ganharia a vida eterna. Como se sabe a mitologia em torno do Graal, das cruzadas e dos cavaleiros templários é extremamente rica o que trouxe um material fantástico para Lucas e os demais roteiristas que de fato fizeram um excelente trabalho. Pontuando tudo ainda havia o complicado relacionamento entre pai e filho (que rendeu ótimas e divertidas cenas). De quebra o filme ainda trazia uma ótima seqüência com o jovem Indiana Jones (interpretado pelo saudoso astro River Phoenix). Revisto hoje em dia o filme não envelheceu, continua tão charmoso como na época de seu lançamento e mostra que aventuras bem escritas resistem muito bem ao tempo, tal como o próprio Santo Graal.

Indiana Jones e a Última Cruzada (Indiana Jones and the Last Crusade, Estados Unidos, 1989) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Jeffrey Boam, George Lucas / Elenco:  Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, River Phoenix / Sinopse: Indiana Jones (Harrison Ford) e seu pai Henry Jones (Sean Connery) partem em busca do chamado Santo Graal, o mitológico cálice sagrado que teria sido usado por Jesus Cristo na última ceia.

Pablo Aluísio.

O Retorno de Jedi

Terceira e última aventura da franquia original “Star Wars”. Todos os personagens estavam de volta para alegria dos fãs. É curioso como esses primeiros filmes conseguem superar e muito os mais recentes da segunda trilogia. Há um clima de nostalgia e saudosismo que foram soterrados por toneladas de efeitos digitais das produções mais novas. No começo desse ano George Lucas vendeu todos os direitos autorais de “Star Wars” para os estúdios Disney que promete para muito breve novos filmes. Lucas está definitivamente aposentado, casou recentemente com uma bonita afro-americana e resolveu pendurar o sabre de luz para sempre. Mas deixemos ele na praia, curtindo sua aposentadoria, para voltarmos aos filmes que realizou sobre esse universo tão amado pelos amantes da sétima arte. Para a realização do filme Lucas novamente passou a direção para outro cineasta. Sábia decisão, uma vez que ele, para falar a verdade, nunca se deu muito bem na direção de atores. É um artista criativo, de bastidores, e não de ir para o campo lidar com atores e demais membros da equipe de filmagem.

O diretor de “O Retorno de Jedi” foi Richard Marquand (que dirigiu entre outros o clássico “O Buraco da Agulha”). Aqui Lucas dá seqüência as aventuras de Luke Skywalker, Darth Vader, Princesa Leia, Han Solo e todos os demais personagens da mitologia. Curiosamente também investiu bastante nos “ursinhos” Ewoks, figuras que mais pareciam brinquedos de pelúcia, decisão que não agradou a todos os fãs da franquia. De qualquer maneira é sem dúvida um roteiro extremamente bem trabalhado, com ótimas seqüências de ação (como a perseguição no meio da floresta) e um ótimo clímax para a complicada relação entre Luke e seu pai, o vilão e ícone Vader. Como não poderia deixar de ser o filme fez bastante sucesso de público entrando naquela ocasião na seleta lista das dez maiores bilheterias da história do cinema americano. Apesar do clima de desfecho e fim a saga foi em frente, mas não nas telas de cinema. As aventuras de Luke e cia foram brilhantemente desenvolvidos em livros bem escritos e bem idealizados (material que certamente será usado agora pela Disney). No cinema George Lucas retomaria Star Wars anos depois mas para contar a história de Darth Vader em seus anos de infância e juventude, voltando para os primórdios da saga da família de Luke Skywalker, mas isso é definitivamente assunto para uma outra oportunidade.

O Retorno de Jedi (Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, Estados Unidos, 1983) Direção: Richard Marquand / Roteiro: Lawrence Kasdan, George Lucas / Elenco: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Billy Dee Williams, Frank Oz, David Prowse, Alec Guinness / Sinopse: Luke Skywalker (Mark Hamill) segue com sua luta contra as forças do Império. Depois de ser treinado pelo mestre Yoda (Oz) ele parte para o confronto final contra o vilão Darth Vader (Prowse) na nova Estrela da Morte.

Pablo Aluísio.

As Coisas Impossíveis do Amor

Drama familiar muito bem dirigido por Don Roos, mostrando os desafios e os anseios de um casal nova-iorquino em seu dia a dia. A esposa é a jovem advogada Emilia Greenleaf (Natalie Portman) e o marido é o também advogado Jack (Scott Cohen). Ambos se conheceram no escritório de advocacia onde trabalhavam. Ela assim que o viu pela primeira vez ficou interessada nele mas havia um sério problema a contornar: ele era casado com a médica Carolyn (Lisa Kudrow de "Friends") e tinha um pequeno filho de seis anos. Além da diferença de idade (ela é bem mais jovem que seu marido) há um drama profundo em sua relação. Após ficar grávida, Emilia acabou perdendo sua bebê com poucas semanas de vida. Ela se culpa por isso pois tem a sensação que a sufocou acidentalmente enquanto a amamentava – pegou no sono com a criança ainda em seu colo. Deprimida e desesperada ela tenta superar esse traumático evento enquanto vê lentamente seu precoce casamento desmoronar diante da crise emocional pela qual passa.

O roteiro é interessante porque explora muito bem a figura da chamada “segunda esposa”. Emilia nunca é levada à sério por ser a jovem segunda esposa do marido, geralmente sendo considerada uma biscate e destruidora de lares pelas demais amigas de Jack. Além disso tem que construir algum tipo de relacionamento com o filho de seu marido do primeiro casamento, um garotinho esperto e inteligente demais para sua idade. Já a primeira esposa, traída e abandonada, é muito bem retratada pela atriz Lisa Kudrow. Além da natural indignação por ter sido trocada por uma garota mais jovem ela ainda adota uma atitude de perfeita antipatia por sua presença – o que convenhamos é mais do que natural. As brigas se sucedem e o garoto vai ficando no meio de um fogo cruzado de acusações e ofensas entre pai, mãe e madrasta. Mas não precisa se preocupar pois tudo é mostrado com muito talento e sensibilidade. O filme merece ser conhecido por mostrar um novo paradigma familiar que vem se tornando cada vez mais comum, ainda mais nos dias de hoje onde o número de divórcios aumenta a cada dia. Já para as mulheres que estão na posição da personagem de Natalie Portman então o filme se torna ainda mais do que recomendado. 

As Coisas Impossíveis do Amor (Love and Other Impossible Pursuits, Estados Unidos, 2009) Direção: Don Roos / Roteiro: Don Roos, baseado na novela de Ayelet Waldman / Elenco: Natalie Portman, Scott Cohen, Lisa Kudrow, Charlie Tahan / Sinopse: Emilia (Natalie Portman) é a segunda esposa de um advogado de Nova Iorque. Além de nunca ser levada à sério por ser muito mais jovem que seu marido ainda tem que lidar com o filho do primeiro casamento dele e o drama de ter perdido sua única filha com poucas semanas de vida.

Pablo Aluísio.

Eragon

Eragon (Ed Speleers) é um garoto do campo que descobre uma estranha pedra que emite uma luz azul. Na realidade trata-se de um ovo de dragão, ser mitológico que lutou em eras remotas. De posse desse poder o jovem aventureiro inicia uma jornada na qual ele se tornará o único capaz de deter o avanço das forças do mal. Em tempos de “O Senhor dos Anéis” esse filme “Eragon” se tornou mais uma adaptação de um livro de fantasia para os cinemas. A obra original escrita pelo precoce autor Christopher Paolini caiu nas graças do público jovem, o que obviamente despertou a atenção dos produtores em Hollywood. Claro que ninguém pode comparar um livro assim com o clássico escrito por J. R. R. Tolkien mas as temáticas são bem semelhantes. São livros de fantasia, influenciados pelos mesmos temas que fizeram a obra de Tolkien tão famosa.

O curioso é que a Fox acreditou bastante nesse “Eragon”, disponibilizando recursos de produção acima dos 100 milhões de dólares (um orçamento mais do que generoso vamos convir). Também se investiu bastante em marketing para tornar o personagem mais conhecido. Todos estavam apostando em um grande sucesso de bilheteria mas isso não aconteceu. O resultado comercial foi apenas mediano e o filme mal conseguiu recuperar seu investimento, enterrando qualquer pretensão de transformar a estória em uma nova franquia. Tirando o aspecto comercial de lado até que “Eragon” não é tão ruim, pelo contrário, tem seus bons momentos. Talvez o problema seja o fato de ser um produto bem infanto-juvenil, o que deve ter afastado o público alvo que o estúdio queria atingir. De uma forma ou outra como mera diversão sem compromisso até que o filme funciona, caso você não seja muito exigente.

Eragon (Idem, Estados Unidos, Inglaterra, Hungria, 2006) Direção: Stefen Fangmeier / Roteiro: Peter Buchman, baseado no livro Eragon de Christopher Paolini / Elenco: Ed Speleers, Jeremy Irons, Sienna Guillory / Sinopse: Eragon é um jovem simples do campo que descobre um ovo de dragão ao qual irá usar contra as terríveis forças do mal.

Pablo Aluísio. 

O Último Desafio

Alegrai-vos fãs dos filmes de ação. Arnold Schwarzenegger está de volta! Depois de esporádicas aparições na série “Os Mercenários”, o ator austríaco, ícone da década de 80, volta com força total. Como todos sabem Schwarzenegger tinha se afastado do mundo do cinema para se dedicar a uma bem sucedida carreira política. Depois do fim de seu mandato como governador da Califórnia e diante da impossibilidade de concorrer à Casa Branca por ser um americano naturalizado (apenas americanos natos podem se tornar presidente naquele país) ele resolveu deixar a política de lado, decidindo voltar ao cinema definitivamente. A boa noticia é que sua volta se dá em um bom filme, realmente divertido, que não vai decepcionar aos fãs de sua filmografia. Aqui Arnold Schwarzenegger interpreta o xerife Ray Owens. Após longos anos na polícia de Los Angeles, no Departamento de Narcóticos, ele decide trilhar um caminho mais calmo e sossegado se tornando o homem da lei de uma sonolenta e pacata cidadezinha na fronteira do México com os Estados Unidos. Como nada acontece de muito grave no local o xerife é assessorado por apenas três auxiliares. A maioria da população já é idosa e a cidade proporciona o clima de sossego ideal para uma aposentadoria tranquila.

As coisas começam a mudar quando um perigoso chefão de um cartel mexicano consegue escapar numa fuga espetacular do FBI que o escoltava para o corredor da morte. Rico e poderoso ele consegue despistar os federais e ruma em um carro possante para a fronteira dos Estados Unidos com o México. O problema é que bem no meio do caminho está justamente a pequena cidadezinha onde o personagem de Arnold Schwarzenegger é o xerife. Já deu para imaginar o que vem por aí não é mesmo? Determinado a impedir que o fugitivo passe para o lado mexicano Schwarzenegger e seu grupo pegam a estrada, no objetivo de capturar o foragido. Para os fãs de filmes como “Comando Para Matar” ou “Jogo Bruto” não haverá do que reclamar, “O Último Desafio” é bem movimentado, com excelentes cenas de ação e principalmente perseguições alucinadas pelas estradas poeirentas do deserto americano. Outro ponto a favor dessa produção é que ela em vários momentos resolve homenagear a mitologia dos filmes de western, afinal Arnold Schwarzenegger é um xerife da fronteira, tema sempre presente e recorrente em diversos faroestes antigos. Some-se a isso o excelente elenco de apoio (Forest Whitaker como o agente líder do FBI, Johnny Knoxville como um caipira biruta, colecionador de armas de guerra, Rodrigo Santoro como o único preso da cadeia local e Eduardo Noriega como o chefão fugitivo) e você terá um ótimo produto em mãos. “O Ùltimo Desafio” é divertido, movimentado, bem realizado, com doses certas de bom humor e cenas de ação de boa adrenalina. Um filme que vai deixar muito fã do velho e bom Schwarzenegger gratificado.

O Último Desafio (The Last Stand, Estados Unidos, 2013) Direção: Jee-woon Kim / Roteiro: Andrew Knauer / Elenco: Arnold Schwarzenegger, Forest Whitaker, Eduardo Noriega, Johnny Knoxville, Rodrigo Santoro,  Harry Dean Stanton, Luis Guzmán, Genesis Rodriguez / Sinopse: Xerife de uma pequena e pacata cidadezinha na fronteira dos Estados Unidos com o México se vê na incumbência de prender um foragido extremamente perigoso que conta com o apoio de seu poderoso e rico cartel de drogas.

Pablo Aluísio.

Jack Reacher – O Último Tiro

Um atirador de elite se posiciona em cima de um prédio de uma grande cidade americana. Seu alvo são pessoas comuns, que estão apenas andando despreocupadamente. Em pouco tempo começa a matança. Essa é a cena inicial de “Jack Reacher – O Último Tiro” o novo filme de ação estrelado por Tom Cruise. Ele interpreta um veterano do exército que após deixar o serviço militar decide sair pelo mundo, sem deixar grandes rastros atrás de si. Ele não é um procurado ou um criminoso mas apenas um ex-soldado que entende já ter feito muito nas campanhas de que participou. Seu nome surge quando o departamento de polícia finalmente encontra o franco atirador. Sem dizer uma única palavra ele apenas rabisca em um papel: “Encontrem Jack Reacher!”. Mas afinal qual seria a ligação do ex-militar condecorado com o terrível atentado? Revelar mais seria temerário. O que posso adiantar é que esse filme, apesar de ser tecnicamente uma fita de ação, tem muito mais a revelar ao espectador do que inicialmente se espera.

De fato a complexa trama vai se revelando aos poucos, com as peças se encaixando gradualmente. O filme alia um roteiro inteligente, bem estruturado, com algumas seqüências de ação muito bem realizadas, o que não causa tanta surpresa uma vez que Cruise já tem muita experiência nesse tipo de produção (basta lembrar de seus sucessos na franquia “Missão Impossível”). Existem algumas reviravoltas na estória mas nada inverossímil demais ou que force a barra. No geral o filme agrada, embora os fãs de filmes de ação possam achar certas partes meio cansativas ou paradas. Isso acontece porque realmente há toda uma situação a ser desvendada e isso exige tempo. O filme é longo – mais do que o habitual – mas se o espectador tiver interesse no que ocorre na tela não se sentirá entediado. Em termos de ação destaco a boa cena de perseguição pelas ruas da cidade, com Cruise pilotando um carro envenenado e o confronto final, na pedreira, que conta com Robert Duvall, ator veterano que não participa muito do filme mas que ajuda a compor o quadro final do clímax. Em suma é isso. “Jack Reacher” pode até virar uma nova franquia na carreira de Cruise – isso se fizer sucesso e ele ainda tiver idade para encarar esse tipo de fita, é claro. No geral está recomendado.
   
Jack Reacher – O Último Tiro (Jack Reacher, Estados Unidos, 2012) Direção: Christopher McQuarrie / Elenco:  Tom Cruise, Rosamund Pike, Robert Duvall, Jai Courtney, Richard Jenkins, Werner Herzog / Sinopse: Após um terrível atentado onde pessoas inocentes são mortas por um atirador de elite o nome de Jack Reacher, um veterano condecorado surge nas investigações. Teria ele algo a ver com a matança?

Pablo Aluísio.

Faça a Coisa Certa

Ao longo dos anos o diretor Spike Lee se notabilizou pelo uso do cinema como bandeira política mostrando o complicado cotidiano do negro americano em seu país e sua luta para vencer o preconceito racial. Seu primeiro filme de repercussão foi justamente esse “Faça a Coisa Certa”. O curioso é que o filme acabou virando alvo de polêmica não apenas por se tratar de uma obra que combata o racismo mas sim por de certa forma perpetuar ele, mesmo que de maneira indireta. Isso porque Spike Lee parece transparecer um ódio racial contra os ítalo-americanos em seu roteiro. Racismo às avessas? Foi justamente disso que o filme foi acusado na época de seu lançamento. Um diretor negro que a despeito de defender sua própria raça em seus filmes não se importa nem um pouco em retratar os descendentes de italianos da pior forma possível, adotando todos os estereótipos e caricaturas sem a menor culpa e vergonha! No filme um dono de pizzaria, descendente de italiano (retratado como uma caricatura nada sutil), entra em atrito com um negro no bairro do Brooklin em Nova Iorque desencadeando ódio e violência entre os dois grupos etnicos.

Apesar dos erros na intenção do argumento do filme é de se elogiar o domínio da técnica cinematográfica por Spike Lee. Ele usa de cores fortes em todo o cenário e traz para a tela o clima social do local onde se passa a estória (que foi brevemente baseado em fatos reais). Também capta todo o clima cultural efervescente ao redor ao trazer a musicalidade e a arte das ruas para seu filme. Esse realismo acabou agradando a grande parcela da critica americana que viu no novato uma centelha de talento, já que há muitos anos o cinema sentia a falta de um grande diretor negro dentro da indústria. Spike Lee também foi esperto o suficiente para chamar a atenção para si, usando da mídia o tempo todo, inclusive criando polêmicas e bate bocas via imprensa contra políticos e até colegas de trabalho. Sua forma de se expressar, parecido com a de uma metralhadora giratória atirando para todos os lados, tem muito de sensacionalismo barato, mas seu cinema é realmente de boa qualidade. Por isso se ainda não conhece esse “Faça a Coisa Certa” não deixe de ver para entender os rumos que o cinema negro americano vem tomando desde a década de 80.

Faça a Coisa Certa (Do the Right Thing, Estados Unidos, 1989) Direção: Spike Lee / Roteiro: Spike Lee / Elenco: Danny Aiello, Ossie Davis, Ruby Dee, Spike Lee / Sinopse: Durante o dia mais quente do verão um evento simples, praticamente banal, vira o estopim de uma explosão de ódio e violência entre raças em um bairro de Nova Iorque.

Pablo Aluísio.

O Terror das Mulheres

Após o fim da dupla Martin e Lewis o comediante Jerry Lewis seguiu em frente. Para muitos ele não teria o mesmo sucesso nos cinemas após a saída de Dean Martin mas definitivamente isso não foi o que aconteceu. Lewis começou a colecionar um grande sucesso atrás do outro até o ponto em que se tornou um dos astros mais poderosos de Hollywood. Também começou a ter maior controle sobre seus filmes, assinando novos contratos com a Paramount que lhe davam poder de veto sobre qualquer coisa que lhe incomodasse nessas produções. Seu poder e influência se tornou tão grande que Jerry Lewis começou a ter controle total sobre sua filmografia. Um exemplo perfeito disso é justamente esse “O Terror das Mulheres” onde Jerry Lewis fez praticamente tudo sozinho: atuou, produziu, dirigiu e escreveu o roteiro. Além disso fez com que a Paramount construísse um enorme cenário em seus estúdios, com dois andares recriando o pensionato para moças onde seu personagem trabalha. Maior símbolo do poder de seu sucesso não poderia haver.

No filme ele interpreta Herbert H. Heebert, um jovem que se forma finalmente mas que tem uma enorme decepção no dia de sua formatura. Ele acaba flagrando o amor de seus sonhos aos beijos e abraços com outro homem. Assim seu mundo vem abaixo e Herbert toma uma decisão radical: quer morrer solteiro, evitando assim se decepcionar com o sexo oposto. Seu desejo se tornará um imenso desafio no novo trabalho que acaba conseguindo: a de um empregado num pensionato de moças. E lá que Jerry Lewis, no meio de uma centena de garotas, tentará se manter um solteirão convicto. Obviamente como acontecia em vários de seus filmes o argumento é puro pretexto para Jerry desfilar sua galeria de gags cômicas, algumas bem divertidas e memoráveis. O clima ameno e muito engraçado domina toda a produção mostrando todo o talento do ator / diretor, com pleno domínio do filme em mãos. “O Terror das Mulheres” foi outro campeão de reprises na Sessão da Tarde dos bons e velhos tempos. Rever agora, tantos anos depois, vai se tornar um belo exercício de nostalgia para quem viveu aquela excelente época.

O Terror das Mulheres (The Ladies Man, Estados Unidos, 1961) Direção: Jerry Lewis / Roteiro: Jerry Lewis, Bill Richmond / Elenco: Jerry Lewis, Helen Traubel, Pat Stanley / Sinopse: Jovem recém formado que deseja ser solteiro para sempre após sofrer uma decepção amorosa acaba indo parar em um pensionato para moças.

Pablo Aluísio.

O Inventor da Mocidade

O Dr. Barnaby Fulton (Cary Grant) é o químico chefe do departamento de pesquisas de uma grande empresa. Sempre com o pensamento voltado para suas descobertas ele mal consegue pensar no dia a dia de sua vida. Sua esposa, a compreensiva Edwina (Ginger Rogers), tem que ter muita paciência com seu marido que parece estar sempre com o pensamento no mundo da Lua. Um dos sonhos de Barnaby é descobrir a fórmula que retarde o envelhecimento natural das pessoas. Até que um dia ele chega lá. Ao tomar a nova poção (que na realidade foi feita ao acaso por um chipanzé do centro de pesquisa) ele começa a ter reações adversas, inclusive se comportando como um inconseqüente e leviano adolescente, chegando inclusive a levar a bela senhorita Laurel (Marilyn Monroe), secretária do presidente da companhia, para um passeio em alta velocidade no carrão recém comprado por impulso! E agora, como o renomado doutor voltará ao normal?

Começa assim essa simpática comédia “O Inventor da Mocidade”, dirigida pelo talentoso e reverenciado cineasta Howard Hawks. O ator Cary Grant desfila seu talento natural para as comédias de costumes (bem populares na época) mas de certa forma acaba sendo ofuscado por duas atrizes que se tornaram, cada um ao seu estilo, grandes nomes da história do cinema. A que mais chama a atenção é obviamente Marilyn Monroe, linda, bastante jovem e em um papel bem coadjuvante mas já desfilando muita graça, carisma e simpatia com sua presença em cena. O outro destaque é a presença no elenco de Ginger Rogers, a eterna parceira de Fred Astaire. Ela se notabilizou pelas ótimas coreografias ao lado do colega em vários musicais clássicos de sucesso mas aqui exerce basicamente seu talento humorístico (embora dê alguns passinhos em uma cena de dança para agradar aos seus fãs). No geral “O Inventor da Mocidade” não é uma comédia tão marcante mas mantém o interesse e tem cenas realmente divertidas e engraçadas, principalmente quando o casal principal se torna ainda mais jovem, virando pequenas crianças travessas. Procure assistir.

O Inventor da Mocidade (Monkey Business, Estados Unidos, 1952) Direção: Howard Hawks / Roteiro: Ben Hecht, Charles Lederer / Elenco: Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn, Marilyn Monroe / Sinopse: Um renomado cientista inventa uma fórmula que rejuvenesce os mais velhos. Tentando verificar a eficácia da nova poção o próprio doutor resolve tomar algumas doses o que dará origem a várias confusões pois ele começa a se comportar como um adolescente inconseqüente.

Pablo Aluísio.

30 Dias de Noite

Os vampiros andam passando por uma fase de juvenilização dentro do cinema. Saem os monstros sanguinários do passado para entrar românticos adolescentes com crises existenciais (embora tenham séculos de idade!). Felizmente nem tudo está completamente perdido. Algumas produções ainda conseguem manter o velho estilo. Uma delas é esse muito bom “30 Dias de Noite” onde os vampiros voltam a ter sua essência resgatada, ou seja, a de monstros sedentos por sangue que enxergam a raça humana apenas como uma forma de saciar sua sede. O curioso é que o resgate veio através do mundo dos quadrinhos já que o filme é baseado numa Graphic Novel de Steve Niles em 2002. O enredo era dos mais interessantes: um grupo de vampiros decide ir até o distante e frio Alasca para promover um verdadeiro massacre na cidadezinha de Barrow. O lugar é conhecido por ter um período do ano em que o sol não nasce por 30 dias (fruto da localização geográfica e do rigoroso inverno que se assola o lugar todos os anos).

Essa noite sem fim, que dura um mês inteiro, acaba sendo o cenário perfeito para um grupo de vampiros que desejam caçar cada humano do local. Para enfrentar o bando de seres da noite surgem o corajoso xerife Eban (Josh Hartnett) e sua assistente Stella (Melissa George). A luta porém não será nada fácil. Para quem não assistiu ainda ao filme fica a advertência de que “30 Dias de Noite” é bem violento. É uma longa luta entre presas e predadores. Os vampiros massacram os humanos que encontram pela frente enquanto esses tentam sobreviver de alguma forma. A produção é de bom nível, com ótima maquiagem e efeitos digitais. Também foi bem sucedido nas bilheterias a ponto de ganhar uma seqüência mas esqueça a continuação pois é de fato péssima. Assim fica a dica desse “30 Dias de Noite”, um filme de vampiros que resgata a velha mitologia do romantismo adolescente que se inseriu dentro da existência desses monstros da ficção.

30 Dias de Noite (30 Days of Night, Estados Unidos, 2007) Direção: David Slade / Roteiro: Steve Niles, Stuart Beattie / Elenco: Josh Hartnett, Melissa George, Danny Huston / Sinopse: Um grupo de vampiros decide atacar uma pequena cidade do Alasca que fica numa região isolada onde o sol não nasce por trinta dias seguidos.

Pablo Aluísio.

Valente

Já que estamos falando sobre Jodie Foster eu me lembrei desse filme bem diferenciado de sua carreira, chamado simplesmente de “Valente”. Não se trata de um drama ou um roteiro leve e divertido, muito pelo contrário, é bem violento e prega a velha máxima de que quando o Estado não consegue mais punir os criminosos cabe aos próprios cidadãos fazer justiça pelas próprias mãos. Quando “Valente” chegou nas salas de cinemas houve algumas reações bem difundidas. Uma delas era uma bobagem completa. Como Jodie é supostamente uma das mais famosas lésbicas da indústria do cinema nos Estados Unidos (embora ainda no armário), ela estaria tentando entrar no milionário filão de filmes de ação com uma personagem “machona” e agressiva. O filme seria assim uma mensagem subliminar sobre suas preferências sexuais. A outra idéia que foi bem falada foi a de que Jodie na verdade estaria estrelando um verdadeiro “Desejo de Matar” de saias, uma produção nada sutil, de pura porrada e nada mais.

Na verdade “Valente” pode ser encarada até mesmo como um filme feminista, por mais estranho que isso possa parecer à primeira vista. Mostra uma mulher que sofreu um brutal e violento ataque que simplesmente resolve reagir, partindo para sua vingança pessoal. Não haveria assim nenhuma mensagem maior subentendida em tudo que vemos mas apenas uma boa estória que chamou a atenção de Foster. Não é desconhecido de todos que as mulheres seguem ainda sendo as principais vitimas da violência familiar e urbana. Como é o sexo mais frágil do ponto de vista da força física obviamente se torna muito vulnerável e exposta a esse tipo de coisa. Já em relação ao filme em si, o achei tecnicamente muito bem realizado embora adote uma estética crua, fria e direta. Jodie Foster, a menininha de olhos azuis do passado nos comerciais de produtos fofinhos, deixa de lado tudo isso para interpretar um de seus personagens mais físicos e viscerais. Seja lá qual for a mensagem que ela quis passar aqui o fato é que o filme em si é mesmo no mínimo bem interessante.

Valente (The Brave One, Estados Unidos, 2007) Direção: Neil Jordan / Roteiro: Roderick Taylor, Bruce A. Taylor / Elenco: Jodie Foster, Terrence Howard, Nicky Katt / Sinopse: Jovem mulher é vitima de um brutal e violento ataque. Recuperada ela decide partir para sua vingança pessoal.

Pablo Aluísio.

Plano de Voo

Jodie Foster é uma profissional das mais interessantes do cinema americano. Ela que começou como atriz mirim conseguiu despontar para a carreira adulta com ainda mais brilho e desenvoltura (provando que nem todos os astros mirins viram adultos problemáticos). Na filmografia de Foster encontramos um grande ecletismo, com filmes de praticamente todos os gêneros mostrando como ela é de fato uma grande profissional, seja na atuação ou seja na direção. Aqui Foster deixa um pouco o seu lado cineasta para voltar à boa forma, atuando novamente. O filme tem um roteiro bem escrito, bem bolado, que se apoia quase que totalmente em uma única trama que acaba sendo extremamente bem desenvolvida ao longo da duração da película.

Jodie Foster interpreta Kyle Pratt. Viúva, ela mora na Alemanha e está trazendo o corpo do marido de volta aos Estados Unidos para ser sepultado. O problema é que bem no meio da cansativa viagem sua pequena filha simplesmente desaparece dentro da grande aeronave. Desesperada a personagem de Jodie enfrenta todos os tipos de problemas para solucionar o desaparecimento da sua filha, que tanto pode ser algo paranoico de sua mente como um fato real. O roteiro aliás joga muito bem com essa dualidade e não é raro o espectador parar para se perguntar se ela é um louca alucinada ou realmente um mãe que perde o contato com a filha durante o longo voo. O filme fez bastante sucesso em seu lançamento apesar do mal estar que foi criado com os comissários de bordo de empresas americanas que não digeriram muito bem a proposta do roteiro. No final das contas isso realmente foi excesso de preciosismo pois “Plano de Voo” nada mais é do que um suspense eficiente e bem arquitetado. Se você estiver em busca de algo assim então aproveite e tente descobrir todos os mistérios que cercam esse misterioso desaparecimento em pleno ar.

Plano de Voo (Flightplan, Estados Unidos, 2005) Direção: Robert Schwentk / Roteiro: Billy Ray, Peter A. Dowling / Elenco: Jodie Foster, Peter Sarsgaard, Sean Bean, Erika Christensen / Sinopse: Durante um voo comercial entre a Alemanha e Estados Unidos uma mãe entra em desespero ao perceber que sua pequena filha Júlia simplesmente desapareceu dentro do avião. Agora terá que lutar contra o tempo para descobrir o que aconteceu.

Pablo Aluísio.

Astro Boy

Astro Boy é um dos personagens mais queridos do mundo mangá no Japão. Foi criado em 1953 por Osamu Tezuka, considerado um dos grandes gênios em sua arte. Através de suas estórias pretensamente simples Tezuka desfilava muito da natureza humana e sua relação com o meio ambiente, a tecnologia e os valores mais importantes da sociedade. O mundo habitado por Astro Boy está destruído pela ganância humana. O planeta virou uma espécie de lata de lixo por anos de exploração desenfreada. Os humanos então decidem viver em uma grande cidade acima das nuvens chamada Metro City. E lá que o cientista Dr. Tenma cria Astro Boy após perder seu próprio filho. No pequeno robô ele insere os melhores valores humanos, além de dar ao pequeno invento grandes poderes que deverão sempre ser usados para o bem de todos.

Essa animação americana dirigida pelo cineasta David Bowers (Por Água Abaixo) resgata o personagem Astro Boy para o mundo de hoje. Embora seja uma produção Made in  USA o filme procura manter intactos as melhores características da obra de Osamu Tezuka. Na lista dos atores que fizeram as vozes da versão original temos Nicolas Cage um fã assumido de quadrinhos que na época declarou que participar da animação foi uma honra e que faria até de graça se fosse preciso, só para ter o prazer de participar de um projeto com esse personagem que para ele é um ícone. Em conclusão temos aqui uma animação das mais competentes aliada ao resgate de um dos mangás mais famosos de todos os tempos.

Astro Boy (Idem, Estados Unidos, 2009) Direção: David Bowers / Roteiro: Timothy Harris, baseado nos personagens criados por Osamu Tezuka / Elenco (vozes): Bill Nighy, Donald Sutherland, Freddie Highmore, Nathan Lane, Nicolas Cage / Sinopse: Animação que mostra a origem do personagem Astro Boy, um garoto-robô que luta contras as injustiças do mundo.

Pablo Aluísio.

Operação Valquíria

Esse é aquele tipo de filme que todo mundo sabe como vai terminar mas que mesmo assim não deixa de ser interessante. Além disso é ótimo para quem se interessa pela história da Segunda Grande Guerra Mundial porque foi um fato real, que tentou mudar os rumos do maior conflito armado que o mundo já viu. Como se sabe a Alemanha Nazista era liderada com mãos de ferro pelo sanguinário ditador Adolf Hitler. Ele tinha um plano insano de expandir o chamado Terceiro Reich para além das fronteiras da Alemanha. Em sua distorcida visão havia uma raça superior formada pelos arianos, alemães altos e loiros, que deveriam dominar as demais raças inferiores (praticamente todo o resto do mundo). Para crescer e dominar a nova raça deveria ter um “espaço vital” e por essa razão Hitler começou a invadir todos os países da Europa. Aos poucos Tchecoslováquia, Polônia, Áustria e outros foram caindo em questão de semanas. O sucesso espetacular parecia garantir ao Fuhrer a dominação do mundo. Isso durou até o momento em que resolveu invadir a União Soviética (Rússia e países controlados por Moscou sob um regime comunista brutal). Péssima ideia pois a partir dessa invasão a Alemanha literalmente começou a perder a guerra pois o exército russo sob o comando de Stálin fez picadinho das tropas de Hitler.

O filme começa justamente quando as tropas do Eixo começavam a sofrer uma derrota atrás da outra no front russo. Foi a partir desse momento que um grupo de oficiais do exército decidiu se livrar de seu megalomaníaco e lunático líder. Aliás é bom de se dizer que Hitler em momento algum da guerra foi bem visto pelos altos oficiais do exército alemão. O ditador era encarado por muitos generais como um maluco sem qualquer tipo de visão militar ou estratégica (de fato enquanto esteve servindo o exército alemão na I Guerra Hitler nunca havia passado do reles posto de cabo). Comandados por um inepto muitos oficiais resolveram dar cabo ao chefe nazista. A operação que tentou acabar com a vida de Hitler foi a “Operação Valquíria”. A idéia era colocar uma bomba durante uma das reuniões do ditador com alguns comandantes militares. Depois de sua morte o exército alemão tentaria uma última e desesperada tentativa de rendição com os aliados. Tom Cruise interpreta o Coronel Claus von Stauffenberg, o oficial responsável em colocar a bomba perto de Hitler numa casamata secreta no meio da floresta onde o ditador se encontraria com seu QG. Como se sabe as coisas não deram muito certo e Hitler só foi parado mesmo quando o exército vermelho entrou em Berlim, destruindo tudo pelo caminho. Mas isso é o de menos, releve o fato de você saber como o filme termina e assista acompanhado tudo com os olhares curiosos de quem presencia a história se desenvolvendo ao sabor dos ventos.

Operação Valquíria (Valkyrie, Estados Unidos, 2008) Direção: Bryan Singer / Roteiro: Christopher McQuarrie, Nathan Alexander / Elenco: Tom Cruise, Kenneth Branagh, Bill Nighy, Tom Wilkinson, Terence Stamp / Sinopse: O filme detalha os planos para matar o ditador e líder nazista Adolf Hitler por um grupo de altos oficiais do exército alemão descontentes com os rumos da Guerra após a invasão da Rússia.

Pablo Aluísio.

A Morte Pede Carona

Não adianta. Certas estórias já encontraram seus filmes definitivos e por isso qualquer tipo de refilmagem (ou remake, na linguagem dos gringos) soa desnecessária. Na década de 80 um pequeno filme B chamado “A Morte Pede Carona” causou sensação em seu lançamento. Era um roteiro simples, é verdade, mas muito bem conduzido. No elenco o chamariz era Rutger Hauer (um ator símbolo daquela época) que deitava e rolava na pele de um serial killer que atormentava a doce viagem de um casal de pombinhos em férias. O filme marcou toda uma geração que curtia naquele momento a explosão do mercado de vídeo VHS. Havia suspense, tensão e muita violência – mas tudo muito bem conduzido em um roteiro esperto e cheio de boas situações.

Pois bem, o tempo passa, e como Hollywood não parece mais ter tanto fôlego para criar algo de novo resolveu-se refilmar aquele enredo que tanto causou furor em sua época. Assim chegamos nesse novo “A Morte Pede Carona”, tentativa desnecessária e burocrática de ganhar alguns trocados em cima da fama do original. Como vivemos em tempos politicamente corretos muito da crueza do enredo original foi bem amenizada. A premissa inicial continua a mesma: Grace Andrews (Sophia Bush) e Jim Halsey (Zachary Knighton) formam o lindo casalzinho que decide sair pela estrada em um carro antigo para desfrutar a delícia de uma viagem a dois para aproveitarem o feriado. No caminho resolvem dar carona a John Ryder (Sean Bean). Bem, já deu para perceber que essa é definitivamente uma péssima idéia. O novo “A Morte Pede Carona” não entusiasma, não assusta e nem marca. É mais uma bobagem Made in Hollywood reciclada. Uma decepção que só serve para uma coisa: nos lembrar de como era realmente bom o filme original. Por isso esqueça esse remake e se possível prefira ver o primeiro filme, vai valer muito mais a pena. E não se esqueça: nunca dê carona a estranhos.

A Morte Pede Carona (The Hitcher, Estados Unidos, 2007) Direção: Dave Meyers / Roteiro: Eric Red, Jake Wade Wall / Elenco: Sean Bean, Sophia Bush, Zachary Knighton / Sinopse: Jovem casal resolve dar carona um rapaz no meio da estrada. A idéia se revelará péssima já que o caroneiro é na verdade um cruel psicopata.

Pablo Aluísio.

A Rocha

Segue sendo lembrado pelos fãs de filmes de ação como um dos melhores momentos da carreira de Sean Connery no gênero. Ele aqui estrela ao lado de Nicolas Cage (no auge da carreira, muitos anos antes de virar um sombra do que foi, estrelando filmes sem qualquer qualidade como vemos atualmente). O enredo é pura fantasia mas diverte e entretém como poucos. Um militar, general condecorado, Francis X. Hummel (interpretado pelo sempre ótimo Ed Harris), se revolta contra a situação dos veteranos e o tratamento que o governo dos EUA lhes dá e resolve tomar uma decisão realmente radical. Ao lado de um grupo de fieis aliados ele rouba um lote de armas químicas e se encastela na antiga prisão de Alcatraz ao lado de vários reféns. A partir daí ameaça atacar a cidade de San Francisco se não lhe forem pagos 100 milhões de dólares. Para deter suas pretensões terroristas o governo americano envia para a “rocha” (como era conhecida Alcatraz pelos prisioneiros que lá ficavam) um grupo de elite que conta com dois especialistas.

O primeiro é Stanley Goodspeed (Nicolas Cage), especialista em armas bioquímicas e o segundo o ex-detento e único homem a fugir da prisão de Alcatraz, John Patrick Mason (Sean Connery). Juntos tentarão deter os planos do obstinado general. “A Rocha” foi dirigido por Michael Bay e produzido pela dupla Jerry Bruckheimer e Don Simpson (que morreu poucos meses antes da estréia do filme). A presença do trio já deixa claro o que o espectador vai encontrar no filme. Muitas explosões, ação desenfreada e um roteiro não muito trabalhado. Michael Bay que vinha do sucesso “Bad Boys” ainda não tinha se tornado esse cineasta alucinado dos dias atuais, onde seus filmes mais parecem um festival de pirotecnia, mas já demonstrava em “A Rocha” os caminhos que iria seguir em sua carreira. É curioso também o fato de Sean Connery ter feito esse filme. Ele vinha numa fase de busca por reconhecimento artístico e de repente se viu envolvido nesse projeto de pura ação e pipoca (chegou inclusive a participar da produção como produtor executivo). Deixando tudo isso de lado não há como deixar de se divertir nesse filme. É obviamente um blockbuster de ação, sem maiores pretensões a não ser divertir as massas. Olhando sob esse ponto de vista “A Rocha” certamente cumpriu seus objetivos cinematográficos.

A Rocha (The Rock, Estados Unidos, 1996) Direção: Michael Bay / Roteiro: David Weisberg, Douglas Cook / Elenco: Sean Connery, Nicolas Cage, Ed Harris,  John Spencer / Sinopse: Um general renegado (Ed Harris) decide tomar Alcatraz armado com armas químicas. Após ameaçar atacar a cidade de San Francisco o governo americano envia um grupo de elite para o local com a finalidade de deter o obstinado militar.

Pablo Aluísio.

Anjos da Lei

Talvez seja o momento de Hollywood parar de adaptar antigas séries de sucesso da TV para o cinema. Esse “Anjos da Lei” é um exemplo disso. Eles não conseguem acertar nem uma vez, a imensa maioria das adaptações é de uma mediocridade sem fim. O seriado original fez muito sucesso e chegou a ser exibido por longos anos na Rede Globo. Nunca fui muito ligado e acompanhei poucos episódios mas é inegável que foi muito bem sucedida, ganhando muitos fãs. Também revelou para a popularidade o ator Johnny Depp, que fazia um dos policiais infiltrados no meio dos jovens de uma escola de ensino médio. Não tinha esse timing de comédia pastelão que vemos aqui, muito pelo contrário, os roteiros tendiam para o drama mais adolescente, embora sem se descuidar das boas cenas de ação e perseguição.

Depois de vários anos de seu cancelamento o ator Jonah Hill resolveu produzir e estrelar essa nova versão de “Anjos da Lei”. A premissa é a mesma da série antiga, ou seja, dois tiras se infiltram entre os estudantes para prender traficantes de drogas da pesada. O problema é que nessa adaptação pouca coisa funciona – o roteiro é primário, estúpido, histérico, com todas aquelas explosões para disfarçar a falta de um texto minimamente bem escrito. Para piorar as piadas não funcionam e tudo vira uma bobagem sem graça. A única coisa boa no final das contas é uma participação nonsense de Johnny Depp, revivendo seu antigo personagem. O ator que abandonou a série no seu auge por não suportar o fato de estar virando um ídolo teen se mostra muito galhofeiro em sua pequena participação. Não é grande coisa mas pelo menos deixa um sorriso amarelo para o espectador. Em suma, comédia das mais bobocas que não diz a que veio e não convence como filme policial. Um desperdício completo. Corra para as colinas.

Anjos da Lei (21 Jump Street, Estados Unidos, 2012) Direção: Phil Lord, Chris Miller / Roteiro: Michael Bacall / Elenco: Jonah Hill, Channing Tatum, Brie Larson, Johnny Depp / Sinopse: Dois policiais se disfarçam de estudantes de ensino médio para prender um grupo de traficantes que está vendendo uma nova droga para a garotada.

Pablo Aluísio.

Sons of Anarchy

Já que falamos de Charlie Hunnam eu gostaria de tecer alguns comentários sobre essa ótima série “Sons of Anarchy” (Filhos da Anarquia) que é estrelada por ele. O enredo gira em torno de um moto clube, algo bem comum nos Estados Unidos, bastando lembrar do motoqueiros mais famosos que existe por lá – os Hell´s Angels. O SAMCRO (denominação que os próprios membros usam para se referir ao “Sons of Anarchy”) é formado por um grupo  de amigos que desejam viver a vida sobre duas rodas. Foi fundado por um grupo de veteranos do Vietnã que de volta ao lar e cansados da disciplina militar resolvem fazer o extremo oposto do que tinha vivido nas selvas asiáticas, onde tudo que o membro teria que fazer era beber, ouvir rock e sair por aí pilotando pela noite as potentes motos Harley-Davidson. O trama da série é criada justamente quando o Sons deixa de ser apenas um grupo de amantes de motocicleta para virar uma perigosa gangue de criminosos envolvidos em tráfico de drogas e armas, além de assassinatos e contrabando. Deixando de lado a bela mensagem de liberdade que ajudou a criar o grupo tudo o que é resta é muita violência e caos.

Alguns aspectos dessa série do canal FX são bem interessantes. Muitos dos episódios giram em torno da luta pela liderança do clube. De um lado o veterano Clay (interpretado pelo excelente Ron Perlman, sim ele mesmo de “Hellboy”). Do outro lado representando os mais jovens surge Jax (Charlie Hunnam de “A Tentação” que comentamos ontem). Ele é filho de um dos fundadores do Sons, que ao que tudo indica foi morto por Clay anos antes. Fora isso acompanhamos os tramas familiares dos personagens, sua tentativa de conviver com a policia e políticos corruptos da região e as incríveis manobras criminosas em que se envolvem com cartéis colombianos de tráfico de drogas e grupo paramilitares de irlandeses (com conexões com o IRA, famoso grupo terrorista daquele país). Tudo muito bem roteirizado, produzido e atuado. “Sons of Anarchy” é aquele tipo de série que merece ser acompanhado do primeiro ao último episódio.

Sons of Anarchy (Idem, Estados Unidos, 2008 - 2013) Criado por Kurt Sutter / Elenco: Charlie Hunnam, Ron Perlman, Katey Sagal, Mark Boone Junior / Sinopse: Numa pequena cidade dos EUA um grupo de motoqueiros chamados “Sons of Anarchy” tenta sobreviver às lutas e artimanhas envolvendo policiais corruptos, cartéis de drogas e contrabandistas de armas.

Pablo Aluísio.