Game of Thrones - Quinta Temporada

Game of Thrones 5.01 - The Wars to Come
Depois de matar seu próprio pai, tudo o que resta para Tyrion Lannister (Peter Dinklage) é a fuga. Ele é colocado dentro de um pequeno caixote, em um navio e depois de uma jornada atribulada em alto mar finalmente chega em seu destino, uma bela porém remota mansão pertencente a um rico comerciante. Tudo providenciado por Lord Varys (Conleth Hill). A vida de Tyrion está arruinada, ela passa seus dias bebendo muito, porém Varys insinua que não, que ele deveria prestar atenção no que anda acontecendo ao seu redor. Uma aliança com a Rainha Daenerys Targaryen (Emilia Clarke) poderia ser uma boa opção para que ele voltasse ao jogo político. Afinal de contas a chamada Mãe dos Dragões prospera em seus novos territórios conquistados. Enquanto isso a Rainha logo percebe que conquistar muitas vezes é mais fácil do que administrar. O povo pede que os jogos violentos, com combates de vida ou morte nas arenas, voltem a ser disputados, agora não mais com escravos, mas com homens livres. Daenerys abomina a ideia, uma vez que ela associa esse tipo de coisa a verdadeiras rinhas humanas. Seu poder deriva de seu exército de mercenários e dos dragões que controla. Esses foram aprisionados em uma caverna escura e a cada dia vão se tornando mais ferozes. Quando a Rainha decide visitá-los (e quase morre quando os encontra no meio da escuridão) ela começa a perceber que já não tem mais tanto controle sobre as bestas como pensava. Por fim, nesse episódio temos outro desfecho importante dentro da complexa trama da série. O Rei "Além-da-Muralha" Mance Rayder (Ciarán Hinds) é condenado a morrer na fogueira. Como último sinal de misericórdia é dada a opção dele renunciar aos seus poderes entre os selvagens, reconhecendo que não dispõe mais de qualquer tipo de domínio sobre os povos que vivem do outro lado da muralha. A recusa, como fruto de seu próprio orgulho pessoal, finalmente sela seu destino definitivamente. Para aliviar seu tormento final, em um gesto de piedade para evitar mais dor e sofrimento, Jon Snow (Kit Harington) o liberta com uma flecha certeira em seu coração. Bom episódio que já vai formando a rede de acontecimentos que se desenvolverá nessa temporada, com destaque para a excelente cena em que Daenerys Targaryen encontra seus dragões dentro de sua prisão. / Game of Thrones 5.01 - The Wars to Come (EUA, 2015) Direção: Michael Slovis / Roteiro: David Benioff, baseado na obra "A Song of Ice and Fire" de George R.R. Martin / Elenco: Peter Dinklage, Nikolaj Coster-Waldau, Lena Headey.

Game of Thrones 5.02 - The House of Black and White
Para minar o crescente poder de Margaery Tyrell (Natalie Dormer) sobre o jovem rei, Cersei Lannister (Lena Headey) resolve fortalecer um grupo de sacerdotes do reino. Como Margaery tem um irmão homossexual o fortalecimento desse grupo de religiosos fanáticos, que dão grande importância para a moralidade da sociedade, acaba levando o jovem pederasta para a prisão. Obviamente Margaery Tyrell fica indignada com seu encarceramento e corre para que o jovem monarca recém empossado no trono tome alguma providência, porém acaba descobrindo que ele é fraco, dominando pela mãe e sem força de impor suas próprias decisões aos seus súditos. Essa atriz Natalie Dormer já tinha se destacado em "The Tudors" onde interpretava Ana Bolena. Ela é linda e tem aquele tipo de beleza que passa ao mesmo tempo uma certa maldade e malícia nos olhos, algo muito adequado para isso tipo de personagem. Na outra linha narrativa Tyrion Lannister (Peter Dinklage) é sequestrado, colocado em um barco, para ser levado até a Rainha Daenerys Targaryen (Emilia Clarke). Por fim e não menos importante acompanhamos os primeiros problemas surgidos para Targaryen em sua cidade conquistado. Explode uma rebelião interna contra suas forças de ocupação, algo que irá trazer muitos problemas para ela, justamente agora que tinha planos de avançar em suas conquistas e dominações. Recentemente a imprensa divulgou que o autor George R.R. Martin estaria com problemas para entregar no prazo seus novos textos sobre "Game of Thrones". Esperamos que isso não venha prejudicar o andamento da série. / Game of Thrones 5.02 - The House of Black and White (EUA, 2015) Direção: Michael Slovis / Roteiro: David Benioff / Elenco: Peter Dinklage, Nikolaj Coster-Waldau, Lena Headey.

Game of Thrones 5.06 - Unbowed, Unbent, Unbroken
A interminável viagem de Tyrion Lannister (Peter Dinklage) segue em frente. Seu companheiro de viagem teve contato direto com os homens de pedra! O que isso significa? Que ele está contaminado, inclusive com os primeiros sinais de sua doença aparecendo em seu braço. Isso porém parece ser o menor dos problemas. Após um naufrágio eles vão parar em uma ilha inóspita. Como se isso não fosse ruim o bastante acabam caindo prisioneiros de piratas, escravos foragidos que agora pensam em vendê-los por um bom preço no mercado. Já Arya Stark (Maisie Williams) está no templo do deus das mil faces. O lugar impressiona com suas paredes forradas de rostos humanos. Esses corpos passam por um processo de limpeza, no qual Arya começa a trabalhar. Apenas o destino dos corpos ainda a deixam intrigada. Já sua irmã Sansa Stark (Sophie Turner) tem o pior casamento de todos os tempos, sendo praticamente estuprada em sua noite de núpcias, tudo sendo feito na presença do "fedor" para humilhá-la ainda mais. Por fim a rainha Margaery Tyrell (Natalie Dormer) cai em uma armadilha. Ao testemunhar em um caso de cunho sagrado, envolvendo homossexualismo na corte, ela mente e acaba presa imediatamente. Tudo leva a crer que foi uma bem arquitetada conspiração armada por sua própria sogra. Ao tentar se mostrar uma rival a ela a jovem acabou selando seu próprio destino que ao que tudo indicado será bem trágico. / Game of Thrones 5.06 - Unbowed, Unbent, Unbroken (Estados Unidos, 2015) Direção: Jeremy Podeswa / Roteiro: David Benioff / Elenco:  Peter Dinklage, Nikolaj Coster-Waldau, Lena Headey.

Game of Thrones 5.07 - The Gift
Pode parecer banal, mas o grande acontecimento desse episódio vem do encontro de Tyrion Lannister (Peter Dinklage) com a Rainha Daenerys Targaryen (Emilia Clarke). Tudo acontece de forma tão casual. Como foi mostrado nos episódios anteriores Tyrion passou por todos os tipos de desafios e aventuras, acabando se tornando um escravo de piratas. Vendido a um dono de arena de gladiadores ele acaba sendo levado para as lutas, justamente no dia em que Daenerys vai assistir a um desses combates (ela inclusive odeia esse tipo de espetáculo violento, mas acaba indo para preservar a tradição e agradar aos seus súditos). Outro fato interessante nesse episódio é que a rainha mãe acaba caindo em suas próprias conspirações ao ser presa e encarcerada pelo mesmo grupo de fanáticos religiosos que ela havia utilizado para aprisionar Margaery Tyrell (Natalie Dormer). Por falar em Natalie ela esteve recentemente no Brasil onde esbanjou simpatia e carisma com os fãs brasileiros da série. Uma graça. / Game of Thrones 5.07 - The Gift (Estados Unidos, 2016) Direção: Miguel Sapochnik / Roteiro: David Benioff / Elenco: Peter Dinklage, Emilia Clarke, Natalie Dormer, Nikolaj Coster-Waldau, Lena Headey.

Game of Thrones  5.08 - Hardhome
Outra série que vale cada momento. Esse episódio aqui acabou sendo apelidado nos Estados Unidos, pelos próprio fãs, de "Game of Thrones encontra The Walking Dead". Eu acompanhei alguns episódios de "The Walking Dead" em sua primeira temporada, mas depois deixei de assistir. Não era bem o meu estilo. De qualquer forma a semelhança entre as duas séries, que acabaram virando meme na net, vem justamente do ataque dos monstros que chegam em um vilarejo costeiro do povo do norte. Esses zumbis, que fariam a diversão de qualquer fã de "The Walking Dead" atacam o povoado, enquanto Jon Snow (Kit Harington) e alguns membros da Patrulha do Norte tentam salvar o maior número de pessoas possível. Grande cena, muito bem produzida, que obviamente se torna um dos melhores momentos da série nessa quinta temporada. Outro bom momento vem do encontro entre Tyrion Lannister (Peter Dinklage), naquela altura um mero escravo aprisionado, e a rainha dos dragões Daenerys Targaryen (Emilia Clarke). Em desgraça em seu próprio clã, tudo o que lhe resta é tentar se tornar uma espécie de conselheiro da soberana. Será que isso seria possível? Assista ao episódio para conferir. / Game of Thrones  5.08 - Hardhome (Estados Unidos, 2015) Direção: Miguel Sapochnik / Roteiro: George R.R. Martin (baseado em sua obra "A Song of Ice and Fire"), David Benioff/ Elenco: Peter Dinklage, Lena Headey, Emilia Clarke, Kit Harington.

Game of Thrones 5.09 - The Dance of Dragons
Mais um ótimo episódio de "Game of Thrones". Nesse aqui vemos a chegada dos povos do norte na muralha de gelo. É uma situação no mínima adversa, já que durante séculos a Patrulha do Norte lutou justamente contra eles. Vejo aqui uma espécie de analogia que George R.R. Martin criou entre o universo de "Game of Thrones" e o mundo real, em que vivemos, particularmente em relação à crise dos refugiados que fugindo da guerra no Oriente Médio chegam em massa à Europa. Outro bom momento desse episódio acontece quando Arya Stark (Maisie Williams) se disfarça de vendedora de ostras para liquidar um rico (e asqueroso) comerciante da velha cidade. Nesse seu novo disfarce ela consegue entrar em todos os lugares, até mesmo dentro de um bordel de cais onde um visitante logo chama sua atenção. É uma boa sequência, com bons toques de suspense, que ocupa grande parte do episódio. Agora, bom mesmo é a cena final, que inclusive dá título ao episódio (que em português se chama "A Dança dos Dragões"). A rainha Daenerys Targaryen (Emilia Clarke) vai até uma arena de gladiadores, bem ao estilo Império Romano. Ela pessoalmente abomina esse tipo de espetáculo sangrento, porém vai em cumprimento de seu dever de soberana. Uma vez lá ela descobre que foi um armadilha. Uma rebelião começa entre o próprio povo, com rebeldes infiltrados entre os espectadores. Em pouco tempo a Rainha se vê cercada e acaba sendo salva justamente por seus dragões. Ótima cena, que aliás custou praticamente todo o orçamento do episódio. Os efeitos digitais são irrepreensíveis, como é de praxe em se tratando dessa série, uma das mais populares da atualidade. Nota dez! / Game of Thrones 5.09 (Estados Unidos, 2015) Direção: David Nutter / Roteiro: David Benioff / Elenco: Peter Dinklage, Nikolaj Coster-Waldau, Emilia Clarke, Maisie Williams, Kit Harington, Stephen Dillane.

Game of Thrones 5.10 - Mother's Mercy
Esse é o último episódio da quinta temporada. No episódio anterior a rainha Daenerys Targaryen (Emilia Clarke) era salva por um dos seus dragões após ser cercada em uma arena tipicamente romana, com gladiadores e lutadores de todos os tipos. Ela é então levada para bem longe, indo parar em terras distantes e desconhecidas, com cavaleiros de origem incerta. Ficaram para trás, na cidade, para administrá-la, o anão Tyrion Lannister (Peter Dinklage) que ainda está dando os primeiros passos para se tornar o principal conselheiro de Daenerys, um eunuco e alguns de seus ministros, que podem estar ou não envolvidos na conspiração para matá-la. Enquanto isso Arya Stark (Maisie Williams) passa por uma estranha experiência (onde chega a perder a visão) no obscuro e sinistro templo do Deus de Mil Faces. A cena mais impactante porém desse episódio é justamente a cena final, quando Jon Snow (Kit Harington) é encurralado por seus próprios homens da Patrulha do Norte e é violentamente esfaqueado por todos eles! O sangue jorra pela neve branca... Ecos da história de Júlio César? Sim, "Game of Thrones" sempre bebeu muito da história da antiguidade, aliás seus roteiros são bem sucedidas misturas de velhas mitologias, histórias medievais e pequenos enredos retirados da Roma Imperial. Talvez por essa familiaridade com a história real da nossa humanidade, tenhamos tanto interesse nesses enredos muito bem articulados pelo talentoso escritor George R.R. Martin em sua obra mais famosa, "A Song of Ice and Fire". / Game of Thrones 5.10 - Mother's Mercy  (Estados Unidos, 2015) Direção: David Nutter / Roteiro: David Benioff / Elenco: Peter Dinklage, Nikolaj Coster-Waldau, Lena Headey, Emilia Clarke.

Game of Thrones 6.09 - Battle of the Bastards 
Estou bem atrasado em relação a "Game of Thrones", mas continuo acompanhando a série. Sempre que me sobra um tempinho livre aproveito para ver algum episódio. Estou assim chegando no final da sexta temporada. Nesse episódio intitulado "A Batalha dos Bastardos", temos não apenas uma cena de ação, mas duas, todas extremamente bem feitas. A primeira acontece quando Daenerys Targaryen (Emilia Clarke) usa seus três dragões para destruir a frota inimiga que está atacando sua cidade. Muito legal e divertido, afinal essa é uma série feita justamente para isso, divertir (nada de papo cabeça ou discussões sem fim sobre o significado dos episódios, isso não tem muita razão de ser). Pois bem, a segunda batalha acontece com o exército liderado por Jon Snow (Kit Harington) que tenta restaurar a Casa Stark, destronando o usurpador do trono. Nesse segundo combate não há dragões envolvidos, mas a cena bem sangrenta por sinal, tem excelentes momentos, inclusive explorando as táticas de guerra e confronto entre infantaria e cavalaria. O curioso é que entre as duas batalhas o episódio cai um pouco de ritmo, com cenas mais paradas. Não tem problema, os dois momentos valem muito a pena e salvam o episódio da banalidade e rotina. / Game of Thrones 6.09 - Battle of the Bastards (Estados Unidos, 2016) Direção: Miguel Sapochnik / Roteiro: George R.R. Martin / Elenco: Peter Dinklage, Kit Harington, Emilia Clarke.

Pablo Aluísio.

The Path

Ontem assisti ao primeiro episódio dessa nova série "The Path" (em bom português, "O Caminho"). O enredo gira em torno de uma seita americana que promove uma lavagem cerebral em seus membros. Embora os produtores não assumam isso de forma pública, o roteiro é claramente uma crítica à cientologia, uma seita muito bizarra que é seguida por celebridades na Califórnia.

Esse tipo de seita religiosa é muito comum de aparecer na sociedade americana. Aquela é tradicionalmente uma nação evangélica. E como bem sabemos o protestantismo tem a natural tendência de se dividir e se transformar numa imensa gama de igrejas diferentes, com suas próprias doutrinas religiosas - algumas pra lá de esquisitas. No caso da cientologia (que é seguida por gente como Tom Cruise) nada faz muito sentido. Eles idolatram um escritor de ficção científica que dizia saber a origem da humanidade. Ela teria surgido de uma colonização de extraterrestres de três metros de altura em um passado distante. Acredite, muita gente segue isso como uma verdadeira doutrina religiosa, por mais estranha que pareça ser. Tem louco pra tudo nesse mundo...

Pois bem, em "The Path" somos apresentados a um jovem casal que vive dentro de uma comunidade rigidamente controlada por uma dessas seitas. Depois do suicídio do irmão, Eddie Lane (Aaron Paul) fica devastado. Ao encontrar um livro dessa seita em uma livraria ele acaba se interessando muito pelo que lê e em pouco tempo se torna um de seus membros. O problema é que após uma experiência com um chá alucinógeno, ao estilo santo daime, ele começa a desconfiar das tais verdades absolutas propagados por seu grupo e resolve se encontrar com Allison Kemp (Sarah Jones) que parece ser uma ativista contra o grupo. Ex-integrante da seita ela conseguiu se livrar da lavagem cerebral pelo qual passou e começa uma campanha pela internet visando a recuperação de ex-membros daquela loucura pseudo-religiosa.

Tudo muito bom. O primeiro episódio é muito interessante e a série promete. Aaron Paul, para quem não lembra, foi o jovem noiado Jesse Pinkman de "Breaking Bad". Já a loirinha Sarah Jones é nossa velha conhecida, de tantas séries como "Vegas" e "Alcatraz". Além do elenco promissor a série também tem roteiros bem escritos e essa estória que é baseada nessas seitas religiosas malucas que proliferam por toda a (doentia) sociedade americana.

The Path (EUA, 2016)
Série criada por Jessica Goldberg
Roteiro: Jessica Goldberg, Julia Brownell, Annie Weisman
Elenco: Sarah Jones, Aaron Paul, Michelle Monaghan, Hugh Dance

Pablo Aluísio.

Independence Day - O Ressurgimento

Pois é, quando todo mundo pensava que Independence Day estava encerrado definitivamente eis que surge sua sequência tardia, mais de vinte anos depois do lançamento do primeiro filme. Aquele era uma patriotada cheia de efeitos especiais e roteiro pífio, estrelada pelo ator Will Smith, até então considerado o Rei do verão do cinema americano por causa das ótimas bilheterias de seus filmes. Roland Emmerich, o diretor, era apontado como um promissor novo talento em Hollywood, quem diria...

Agora o jogo virou. Smith não quis fazer a continuação - sábia decisão dele - e assim o estúdio precisou se virar para colocar um filho dele dentro da trama. O diretor Roland Emmerich, agora todos já sabem, não passa de um diretor de filmes vazios cheios de efeitos especiais e só. As coisas não mudaram. A trama continua básica e sem profundidade. Essa é, como era de se esperar, bem simples, beirando a bobeira completa. Basicamente aliens ceifadores, com estrutura biológica de insetos, mas tecnologia de ponta, que vão de planeta em planeta pelo universo atrás de seus recursos naturais para roubar e destruir civilizações em troca da energia vital de que precisam para sobreviver. A novidade em termos de roteiro dessa sequência vem do fato de que essa verdadeira praga espacial ter também seus inimigos, também vindos do espaço, que desejam ajudar a humanidade a se livrar deles. Aliens maus vs Aliens bonzinhos.

Parte do elenco original está de volta, mas faz pouca diferença. Jeff Goldblum e Bill Pullman estão lá, porém pouco podem fazer. Como era previsível todos estão bem mais velhos, mas ainda tentando manter em vão a chama acessa. Algo complicado de se fazer pois o roteiro não ajuda. Na verdade o que temos aqui é um mero remake disfarçado já que toda a estrutura narrativa é praticamente a mesma do filme original, sem tirar e nem colocar muita coisa nova. A única característica que merece elogios é que finalmente deram um tempo na patriotada que destruiu o primeiro filme. Era tanta bobagem Made in USA que deixava o espectador com vergonha alheia.

Os efeitos especiais procuram seguir o que foi visto no primeiro filme. Isso quer dizer que são bem exagerados. Ao invés de ter uma dezena de naves em luta, há milhares delas. Isso prejudicou o resultado final, dando aquela sensação de poluição visual. Os caças militares, por essa mesma razão, não parecem reais, mas meras maquetes virtuais. Também não gostei do design dos aliens. A rainha, que pela primeira vez se mostra na franquia, por exemplo, parece uma marionete correndo pelo deserto da Califórnia. O 3D também é outra decepção. Mal feito e escuro. Acredito que pelo mal resultado comercial desse "Independence Day: Resurgence" esse seja realmente o último filme da série, apesar do espaço aberto dentro da trama para novas sequências que muito provavelmente jamais virão. Já não era sem tempo.

Independence Day: O Ressurgimento (EUA, 2016)
Independence Day: Resurgence
Direção: Roland Emmerich
Roteiro: Nicolas Wright, James A. Woods
Elenco: Liam Hemsworth, Jeff Goldblum, Bill Pullman, Vivica A. Fox

Pablo Aluísio.

Gladiador e os épicos romanos

Onde estão os grandes épicos históricos passados na Roma Antiga? Infelizmente hoje temos uma dominação de filmes de super heróis em Hollywood. Com isso falta espaço para os épicos clássicos históricos antigos, um gênero que já legou tantos grandes filmes no passado. Nem vou citar os imortais "Ben-Hur", "Cleópatra" ou "A Decadência do Império Romano", Pensemos em algo até mais recente como "Gladiador" de Ridley Scott, talvez a última grande superprodução passada em Roma. Outro dia esbarrei no filme sendo exibido em um canal a cabo. Claro que senti saudades desse tipo de produção nos cinemas. Ultimamente nada tem sido feito sobre o tema e os filmes mais recentes explorando a Roma imperial são produções pequenas, de orçamento reduzido. Alguns nem chegam aos cinemas, sendo lançados diretamente em DVD.

É uma pena porque o tema é amplo demais para ser ignorado. Além das histórias envolvendo os imperadores loucos há ainda a possibilidade de explorar o surgimento do cristianismo. Basta lembrar de "O Manto Sagrado" para entender como há um vasto campo religioso para se explorar em roteiros bem escritos. Até mesmo licenças poéticas do ponto de vista histórico são bem vindos. Em "Gladiador" mesmo vemos isso. O imperador Comodus era certamente alucinado por lutas nas arenas romanas, mas certamente jamais se colocaria em risco pessoal como vemos no filme - lembrando da sequência em que ele sai no mano a mano com o personagem interpretado por Russell Crowe. Aliás o Maximus feito por Crowe nos deixam com saudades dos heróis clássicos das telas. Homens forjados na guerra, que não sentem culpa em matar e impor seu ponto de vista nos campos de batalha. Eles passam longe do modelo mais recente de herói torturado o culpado por suas escolhas pessoais. É um guerreiro e ponto final.

O curioso é que o boom de filmes como esse não aconteceu mesmo com o grande sucesso de público e crítica de "Gladiador". A produção de Scott foi extremamente elogiada, venceu vários prêmios internacionais, inclusive cinco Oscars da academia e nada disso ajudou para levantar a moda dos filmes épicos. Eu não sei você leitor, mas pessoalmente prefiro muito mais assistir a um filme com um personagem histórico crível - do tipo um soldado romano no campo de batalha - do que super heróis vestidos em roupas coloridas e colantes. Como sempre adorei história fico realmente plenamente satisfeito quando saio de uma sala de cinema onde todo um passado há muito esquecido foi literalmente reconstruído em cena. As arenas romanas, as táticas de guerra, os uniformes, os códigos de combate, tudo é muito rico para se deixar de lado. Espero que os produtores voltem a enxergar isso em um futuro próximo. Os fãs dos filmes da Roma Antiga certamente agradecem.

Pablo Aluísio. 

Wes Craven (1939 - 2015)

Segue a seguir texto que escrevemos quando da morte do cineasta Wes Craven em 2015: Lamentavelmente o mestre do terror Wes Craven faleceu no último dia 30 de agosto, aos 76 anos, em Los Angeles. Ele foi aquele tipo de cineasta que o fã de terror tinha que acompanhar sua filmografia bem de perto. Após a divulgação de sua morte criou-se uma ridícula discussão sobre a relevância ou não de sua obra entre admiradores do gênero, o que achei desrespeitoso e inútil. É óbvio e claro que Craven deve ser homenageado por quem gosta de filmes de terror. Não importa que sua carreira estivesse em baixa e nem dos filmes de má qualidade que havia assinado nos últimos anos. Ninguém, absolutamente ninguém, está isento de também cometer erros em sua arte. Wes Craven não era exceção. Assim o importante agora, mais do que tudo, é louvar seus bons filmes e as películas que marcaram toda uma geração de cinéfilos.

No total Wes Craven dirigiu 29 filmes, um número muito bom para os padrões atuais. Sua estreia na direção se deu no longínquo ano de 1972 com o filme "Aniversário Macabro". Em uma época em que filmes de terror ainda soavam tímidos em termos de ousadia e violência, Craven se despiu de qualquer amarra e fez um terror considerado pesado naquele ano. Embora o roteiro não fosse grande coisa, o diretor conseguiu imprimir muito estilo no desenvolvimento da trama. Apesar de seu debut promissor apenas cinco anos depois Craven voltaria a dirigir algo marcante. O filme se chamava "Quadrilha de Sádicos" e foi considerado tão subversivo em seu lançamento que acabou se tornando um dos mais influentes do cinema de terror moderno. Ao invés de lidar com vampiros ou monstros, Craven direcionou sua lente para a monstruosidade da alma humana ao enveredar por dentro de uma família de psicopatas extremamente brutais, bem no meio de um deserto hostil. Tanto do ponto de vista da fotografia quanto do roteiro abusivamente insano, o filme poderia ser considerado um marco do terror americano.

Depois de "O Monstro do Pântano" e da sequência "Quadrilha de Sádicos 2" o diretor iria finalmente dirigir sua grande obra prima, o filme que iria lhe colocar no panteão dos grandes mestres do terror. O filme era intitulado "A Hora do Pesadelo". Fred Krueger era o personagem central. Ele havia sido um pedófilo e assassino em vida, nascido de um estupro coletivo que agora aterrorizava um grupo de adolescentes típicos dos anos 80. O detalhe mais interessante: Fred Krueger estava morto, havia sido linchado e só conseguia surgir nos pesadelos de suas pobres vítimas! Apoiado em um argumento tão perturbador (afinal ter pavor na hora de adormecer é algo que assusta a todos), "A Nightmare on Elm Street" logo se tornou um sucesso absoluto de bilheteria. A crítica também adorou a original proposta do diretor. O personagem que havia criado, com suas garras de metal e rosto distorcido pelo fogo, virou ícone pop, tão cultuado e amado pelos fãs de cinema quanto seu principal rival nas matanças das telas, o Jason de "Sexta-Feira 13". Estava inaugurado o cinema de terror dos grandes psicopatas de mentirinha que, a despeito de tudo isso, ainda conseguiam assustar muito o público.

"A Hora do Pesadelo" redefiniu toda a carreira de Craven que a partir daí ficou esmagado por sua maior criação. Todos queriam que o cineasta voltasse às telas com algo tão original, bom e aterrorizador quanto Krueger. A verdade porém é que houve um esgotamento por parte do diretor depois daquele filme. Ele parecia não ter mais ideias novas. Filmes como "A Maldição de Samantha", "Shocker - 100.000 Volts de Terror", "As Criaturas Atrás das Paredes" e "A Maldição dos Mortos-Vivos" podiam até divertir, mas estavam longe, bem longe, da genialidade que se esperava dele. Como declarou certa vez em uma entrevista, Craven parecia assombrado por sua própria criação, a tal ponto que resolveu se distanciar um pouco da franquia que nascia com força comercial em filmes, séries de TV e revistas, todas explorando o universo doentio de Fred Krueger.

Apenas dez anos depois do primeiro "A Hora do Pesadelo" foi que Wes Craven resolveu finalmente dirigir um novo filme sobre o infame assassino de jovens. "O Novo Pesadelo: O Retorno de Freddy Krueger" de 1994 deixou um gostinho de decepção no ar, já que todos esperavam por uma nova obra prima e isso não aconteceu. Era apenas mais um filme da franquia, sem muitas novidades dignas de nota. O fracasso comercial de "Um Vampiro no Brooklyn", com Eddie Murphy, um ano depois só agravou ainda mais o quadro e o prestigio do diretor em Hollywood. Ele parecia não ter mais nada de novo a dizer, sem rumo e sem direção certa a seguir na carreira.

Seu renascimento como diretor comercialmente consagrado só viria mesmo com "Pânico"! O curioso é que Craven escreveu uma espécie de sátira em cima dos filmes de terror, brincando o tempo todo com os clichês mais habituais do gênero. O público amou o resultado final e em pouco tempo Craven tinha outra franquia milionária em mãos. Só que ao contrário do que havia acontecido com "A Hora do Pesadelo" aqui ele faria questão de dirigir todas as continuações, exercendo mão de ferro sobre sua popular nova criação. Quatro filmes de "Pânico" depois e Craven já era um multimilionário. Com a velhice chegando ele começou a recusar a direção de filmes importantes, que fizeram muito sucesso depois. Ao invés disso resolveu se arriscar em produções duvidosas com roteiros fracos. "A Sétima Alma" é um exemplo dessa má fase do diretor.

Finalmente há quatro anos Wes Craven finalmente se despediu do cinema com o fracasso de "Pânico 4", um terror que não era tão ruim como se dizia na época de seu lançamento. Depois dessa decepção o diretor resolveu dar um tempo. Continuou produzindo e esporadicamente escrevendo alguns roteiros, mas nada muito frequente. Depois que sua saúde ficou debilitada ele se distanciou ainda mais da possibilidade de vir a dirigir novos filmes. Tudo bem que "Pânico 4" não foi uma despedida à altura do que tanto fez em sua carreira, mas certamente, pelo conjunto da obra, Craven merece todo o reconhecimento e elogios. Foi realmente um mestre do terror em sua passagem entre nós. Descanse em paz, Wes Craven.

Pablo Aluísio.

Mickey Rourke, 64

Ontem foi aniversário do ator Mickey Rourke. Ele completou 64 anos de idade! Como o tempo passa rápido... Quando eu comecei a gostar realmente muito de cinema, ainda na minha adolescência na década de 80, Rourke foi um dos meus primeiros ídolos na sétima arte. Ele era cool, fazia ótimos filmes e estava se destacando tanto na carreira que muitos críticos o chegaram a comparar com o mito Marlon Brando! Era o legítimo sucessor daquela geração em que se imortalizaram Brando, Dean e Clift. Pelo menos isso era o que todos pensavam na época...

Infelizmente a virada da década de 80 para 90 pareceu significar também o fim de seu auge. O ator que vinha colecionando grandes filmes passou a estrelar grandes fracassos comerciais e pior do que isso, os filmes também foram ficando cada vez mais ruins com o tempo. Como se isso não bastasse Rourke resolveu deixar a carreira de lado para ser boxeador... fez inúmeras plásticas desastrosas e foi ficando muito distante da imagem daquele ator jovem que um dia quase chegou a ser o novo Marlon Brando.

Ontem, procurando por notícias sobre Rourke, me deparei com uma incrível quantidade de lixo de internet, notícias em sites de fofocas de celebridades, sempre mostrando fotos horríveis de Rourke tiradas por paparazzis pela ruas de Nova Iorque ou Los Angeles. O ator hoje em dia virou uma espécie de avis rara para esse tipo de mídia sensacionalista rasteira. As manchetes quase sempre retratam Rourke como um ser grotesco, quase monstruoso, vestindo roupas estranhas, com o rosto completamente desfigurado após tantas cirurgias plásticas que o deixaram completamente irreconhecível. Certamente não é algo bonito de se ver...

Pelo visto Rourke sofre de 'Dismorfofobia' (Transtorno dismórfico corporal). Não sabe o que é isso? É um distúrbio psicológico que leva a pessoa a ter horror da sua própria aparência natural, o levando a uma infinidade de cirurgias plásticas, ano após ano, que acabam destruindo as próprias feições naturais dela. O finado cantor Michael Jackson parecia sofrer do mesmo problema. A atriz Renée Zellwegger também parece sofrer disso. São pessoas normais, até bonitas, que não aceitam sua própria aparência e piram completamente, trazendo resultados desastrosos para suas imagens. Uma pena. E os filmes? Ninguém mais fala neles. Depois de um retorno triunfal em "O Lutador" de 2008, Mickey voltou para sua velha rotina de filmes B sem importância. O último dele que vi foi uma produção modesta de guerra chamada "Marcas da Guerra", nada memorável. Pelo visto os dias de "Coração Satânico", "Prece para um Condenado", "O Ano do Dragão" e tantos outros clássicos dos anos 80 ficaram para sempre no passado...

Pablo Aluísio.

Trumbo - Lista Negra

Esse filme resgata a figura do roteirista americano Dalton Trumbo. O roteiro, baseado na biografia escrita por Bruce Cook, tenta desvendar a trajetória desse escritor que acabou virando um símbolo da paranoia da perseguição do Macartismo durante as décadas de 1940 e 1950 nos Estados Unidos. Trumbo foi um dos mais talentosos roteiristas de Hollywood em sua fase de ouro, mas acabou vendo sua carreira ruir após ser acusado de ser comunista (o que era verdade, já que ele era membro do Partido Comunista daquele país). A questão é que depois disso e de ter se recusado a responder as perguntas do Congresso ele foi preso por desacato, ficando alguns anos na prisão.

Após voltar para a liberdade viu todas as portas dos grandes estúdios fechadas para ele. Sem emprego, estigmatizado e perseguido politicamente, Trumbo precisou fazer o que era preciso para sobreviver, escrevendo seus roteiros com pseudônimos, trabalhando para pequenos estúdios especializados em filmes ruins, fazendo o que estava à mão para sobreviver. Um dos aspectos mais interessantes que o cinéfilo vai encontrar nesse filme é a presença de grandes astros do passado que passaram pela vida de Trumbo. Estão lá o conservador John Wayne, o delator Edward G. Robinson e o corajoso Kirk Douglas, que resolveu enfrentar a todos, contratando Trumbo  para trabalhar no grande épico "Spartacus". Sob esse ponto de vista o filme é uma delícia para os que gostam de cinema clássico, pois vemos os bastidores daquela época de uma forma ímpar.

Pelo que vemos no filme, Dalton Trumbo era um daqueles comunistas românticos (e bastante inocentes) que lutavam por uma ideologia sem saber muito bem o que ela significava. Enquanto tentava angariar simpatizantes para sua causa nos Estados Unidos, ele parecia ignorar os genocídios que Stálin promovia na União Soviética. Era de certa maneira um ingênuo e pagou um preço caro por isso. O filme não entra muito a fundo sobre esse ponto, sobre a essência do pensamento de Trumbo sobre a esquerda mundial e suas ditaduras sanguinárias, porém dá pistas importantes quando, por exemplo, ele reencontra o ator Edward G. Robinson e confessa que eles não tinham qualquer ligação com movimentos comunistas no exterior, provando que eram apenas boas pessoas ingênuas iludidas por uma ideologia realmente danosa.

Já sobre o filme em si não podemos deixar de elogiar o grande (e essa expressão não está sendo usada em vão) Bryan Cranston. Recentemente assisti um filme em que ele interpretava o presidente americano Lyndon Johnson e escrevi que Bryan havia conseguido desaparecer em seu personagem, algo que apenas os grandes atores conseguem fazer. O mesmo se repete aqui. Provavelmente Bryan Cranston seja um dos grandes atores de sua geração, pena que só veio se revelar ao grande público com a série "Breaking Bad". Não faz mal, mesmo tardiamente ele tem se revelado um maravilhoso ator. Então é isso. "Trumbo - Lista Negra" é de fato um ótimo filme, valorizado pela lição histórica que passa. Um retorno a um passado realmente sombrio da história americana. Certamente merece ser visto.

Trumbo - Lista Negra (Trumbo, Estados Unidos, 2015) Direção: Jay Roach / Roteiro: John McNamara, baseado no livro escrito por Bruce Cook / Elenco: Bryan Cranston, Diane Lane, Helen Mirren, Elle Fanning, Michael Stuhlbarg / Sinopse: Durante os anos 1940 o roteirista de Hollywood Dalton Trumbo é acusado de ser um comunista. Preso, perseguido e impedido de trabalhar novamente ele faz de tudo para sobreviver em um clima de profunda paranoia política. Filme baseado em fatos reais. Filme indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator (Bryan Cranston).

Pablo Aluísio.

À Beira Mar

Um dos assuntos mais comentados nas últimas semanas foi o fim do casamento entre Brad Pitt e Angelina Jolie. Como era de se esperar em casos assim, de divórcio, sobraram farpas e acusações para todos os lados, fora a imensa briga nos tribunais que está por vir. Todo fim de casamento passa por algo parecido, algumas vezes de forma mais amena, em outras de maneira mais violenta, mas quase nunca pacífica. Pois bem, se você estiver em busca de respostas sobre as razões que levaram ao fim da união entre eles uma boa dica é assistir a esse último filme que fizeram juntos.

"By the Sea" é um drama depressivo que se passa em uma pequena vila à beira mar na costa da França. Brad Pitt interpreta um escritor americano em crise de criatividade chamado Roland. Há muito tempo ele não escreve nada de bom. Sem ideias e paralisado pela falta de inspiração, ele resolve ir com sua esposa Vanessa (Jolie) para esse lugar bucólico, tentando assim escrever finalmente seu novo romance.

Eles se hospedam em um hotel e Roland começa as tentativas para escrever seu livro. O problema é que o casal também está em crise. O casamento de longos anos já não é mais o mesmo. Ao invés da felicidade de estarem juntos, tudo o que sobrou foi o aborrecimento de ter que aturar um ao outro. Algo que vai se tornando cada vez mais penoso com o passar do tempo. Para piorar o que já por si só era bem ruim, no quarto ao lado está hospedado um jovem casal recém casado em plena lua de mel. O contraste entre a felicidade deles e a infelicidade do casal veterano começa a tornar tudo ainda mais insuportável. Para sufocar suas mágoas o escritor de Brad Pitt se esconde na bebida. Já sua esposa descobre que há um buraco na parede de seu quarto que lhe dá a oportunidade de bisbilhotar o casalzinho ao lado. Assim ela começa a ter crises de voyeurismo, vendo a felicidade alheia que já  não encontra mais em seu matrimônio praticamente falido.

Esse filme que foi escrito e dirigido pela própria Angelina Jolie é claramente inspirado no cinema europeu da década de 1960. O problema é que existe uma clara diferença entre um filme original feito na Europa e uma mera imitação. Jolie tenta demonstrar, por exemplo, uma certa sofisticação, mas no final só consegue ser apenas bem chata. Ela confundiu classe genuína com ser pedante (que são duas coisas bem diferentes). Sua personagem também não acrescenta muito e Jolie está particularmente ruim em cena. A longa duração (desnecessária) também fará muita gente abandonar o filme pelo meio, até porque se formos pensar bem o roteiro muitas vezes se apresenta bem vazio e sem profundidade.

À Beira Mar (By the Sea, Estados Unidos, França, Malta 2015) Direção: Angelina Jolie / Roteiro: Angelina Jolie / Elenco: Brad Pitt, Angelina Jolie, Mélanie Laurent, Melvil Poupaud, Niels Arestrup / Sinopse: Casal americano em crise viaja para a costa da França. O marido quer escrever seu novo livro e a esposa tenta superar o abismo conjugal em que vive. Eles se hospedam em um hotel e descobrem que o casal do quarto ao lado está curtindo sua lua de mel, em plena felicidade e romantismo. A situação (que leva a comparação entre a infelicidade própria e a felicidade alheia) começa a incomodar ao veterano casal, agravando ainda mais sua crise de relacionamento.

Pablo Aluísio.

Esquadrão Suicida

Foi extremamente badalado esse novo filme da DC Comics. Como bem sabemos a DC tem sido bastante criticada por errar em inúmeras adaptações de quadrinhos para o cinema. Para muitos a Marvel tem se saído muito melhor nesse aspecto. Há certamente um fundo de verdade nisso, porém pela galeria de personagens que possui não há como a DC voltar atrás. Só resta tentar, muitas vezes na base da tentativa e erro. Esse "Esquadrão Suicida" aposta em vários personagens menos conhecidos, todos se unindo para formar uma espécie de grupo de criminosos em prol de boas causas. Faz sentido? Não muito, mas esse não é o principal problema desse filme. O que faz falta aqui é justamente um bom roteiro. De todas as adaptações da DC Comics para o cinema esse é certamente um dos filmes que apresentaram o pior roteiro. O enredo é básico, mal elaborado e sem novidades. Clichês pulam por todos os lados e com isso o filme como um todo naufraga. Outro ponto fraquíssimo vem dos vilões. Nada interessantes. Nem a presença do Coringa salva o filme nesse aspecto. Interpretado por Jared Leto ele só consegue ser muito sem graça e completamente irrelevante para a estória. Uma decepção completa.

Outro fator que me decepcionou bastante foi a produção. Para um filme milionário como esse é simplesmente surpreendente que a produção deixe a desejar. A direção de arte não é das melhores, os cenários são derivativos, já vistos em centenas de outros filmes antes e os efeitos especiais não são isentos de críticas. Em alguns momentos chega a ser constrangedor. No final das contas uma das poucas coisas boas desse filme vem em seu elenco. A melhor presença vem com a atriz Margot Robbie. Ela conseguiu sobreviver às críticas e a Warner anunciou que fará em breve um filme solo com a Arlequina. A garota, pelo visto, se deu realmente bem. Will Smith também ajuda a passar o tempo. O seu personagem, um assassino profissional, é um dos poucos que possuem alguma profundidade. O resto do Esquadrão Suicida é formado apenas por coadjuvantes sem maior expressão. Assim, apesar do filme ter sido relativamente bem em termos de bilheteria, penso que a DC e a Warner investirá mais naqueles personagens que mostraram alguma viabilidade futura. O resto será deixado de lado, no volumoso lixo de adaptações mal sucedidas da DC para o cinema.

Esquadrão Suicida (Suicide Squad, Estados Unidos, 2016) Direção: David Ayer / Roteiro: David Ayer / Elenco: Will Smith, Jared Leto, Margot Robbie Jared Leto / Sinopse: Em uma ousada ideia o serviço de inteligência do governo americano resolve formar um esquadrão formado apenas por criminosos perigosos. Eles terão que realizar as missões mais perigosas, justamente àquelas que o governo não quer participar ou se envolver oficialmente. O serviço sujo enfim, será realizado pelo grupo sempre que for necessário.

Pablo Aluísio.

D-Tox

Stallone foi o Rei dos anos 80 no cinema. Vários de seus filmes nessa década estão entre os mais assistidos. Um sucesso de bilheteria atrás do outro. O tempo porém passou e Stallone foi colecionando filmes com bilheterias fracas, alguns fracassos também. Os anos 90 já não foram tão bem sucedidos. Alguns de seus filmes nem era mais lançados nos cinemas no Brasil, algo impossível de se imaginar dez anos antes. Esse filme aqui foi outra tentativa de recuperar a estrela do passado. Não deu muito certo. Ao custo de 55 milhões de dólares conseguiu faturar algo em torno de 32 milhões, deixando prejuízo para o estúdio. Quem diria que Stallone iria chegar numa situação dessas? Pois é, nenhuma carreira surfa a onda do sucesso para sempre.

Apesar de seu fraco resultado comercial até que gostei do filme. Há a estória de um agente do FBI que fica traumatizado pelo brutal crime de um serial killer que acaba testemunhando. Para se recuperar ele se interna numa clínica de reabilitação (sim, o personagem também tem problemas com alcoolismo) e aí começa todo o terror de antes. Filmes com psicopatas, costumo dizer, geralmente são bons. Principalmente quando o roteiro explora seu "método" de matança. Esse roteiro aqui não é tão bem escrito nesse aspecto, mas consegue manter o interesse. Ajuda também a própria presença de Stallone, um astro de inegável carisma. Enfim, "D-Tox" é um filme menor na filmografia de Sly, mas não menos interessante do que outros que ele estrelou nessa mesma fase de sua carreira.

D-Tox (D-Tox, Estados Unidos, 1999) Direção: Jim Gillespie / Roteiro: Howard Swindle, Ron L. Brinkerhoff / Elenco: Sylvester Stallone, Charles S. Dutton, Polly Walker / Sinopse: Jake Malloy (Sylvester Stallone) é um agente do FBI em processo de recuperação numa clínica que precisa enfrentar mais uma vez a ameaça de um psicopata, um assassino em série que tem um desejo de vingança contra ele de algo ocorrido no passado.

Pablo Aluísio.

Mutação

Título no Brasil: Mutação
Título Original: Mimic
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Dimension Films
Direção: Guillermo del Toro
Roteiro: Donald A. Wollheim, Matthew Robbins
Elenco: Mira Sorvino, F. Murray Abraham, Jeremy Northam, Alexander Goodwin, Josh Brolin, Charles S. Dutton
  
Sinopse:
Para deter o avanço de uma epidemia um grupo de cientistas promovem mutações em insetos dentro do laboratório, tudo com o propósito de se testar novas vacinas. Anos depois algumas espécies fogem para a natureza e lá sofrem novas mutações. Assim verdadeiros monstros começam a se desenvolver nos esgotos e subterrâneos de Nova Iorque, causando pânico naqueles que os encontram na escuridão das profundezas. Filme vencedor do prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria de Melhor Maquiagem. Também indicado na categoria de Melhor Filme de Terror.

Comentários:
Esse filme tive a oportunidade de assistir no cinema, inclusive em uma tradicional sala de minha cidade que hoje em dia já não existe mais (ela foi fechada como centenas de outras salas do mesmo tipo depois que os cinemas migraram para os complexos de shopping center). Deixando esse aspecto nostálgico de lado o que temos aqui é uma nova roupagem para aqueles antigos filmes de insetos gigantes dos anos 50. Esse foi um dos primeiros filmes da carreira do diretor Guillermo del Toro. Na época de seu lançamento ele era praticamente desconhecido do grande público com poucos e inexpressivos títulos em sua filmografia. De qualquer forma diante dos desafios ele até que não se saiu tão mal como era esperado. Na verdade essa produção é uma adaptação de um curta-metragem que procurava resgatar o espírito dos antigos filmes de horror. Com a possibilidade trazida pelos avanços tecnológicos, principalmente no tocante a efeitos digitais, a produção realmente prometia bastante. O problema é que a fotografia ficou extremamente escura, o que prejudicou o resultado final. Quando os tais insetos mutantes gigantes surgem na tela o fazem apenas nas sombras. Quase não se consegue ver as criaturas por essa razão. Em termos de elenco temos duas surpresas. A primeira é a presença da oscarizada Mira Sorvino. Ela definitivamente não convence muito em seu papel. Outra surpresa é a presença do prestigiado F. Murray Abraham! Até hoje me pergunto o que um ator tão conceituado foi fazer em um filme sobre baratas gigantes!!! Enfim, assista se ainda não viu. Não é um grande filme, mas até que se torna uma boa diversão se você não for exigente demais.

Pablo Aluísio.

Sexta-Feira 13 - Parte 7

Título no Brasil: Sexta-Feira 13 Parte 7 - A Matança Continua
Título Original: Friday the 13th Part VII The New Blood
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: John Carl Buechler
Roteiro: Daryl Haney, Manuel Fidello
Elenco: Jennifer Banko, John Otrin, Susan Blu
  
Sinopse:
O psicopata Jason Voorhees (Kane Hodder) retorna à ativa por causa dos poderes psíquicos de uma jovem com uma incrível capacidade sobrenatural. Agora, livre daquilo que o impedia de matar, Jason está de volta ao parque abandonado de Crystal Lake para novas mortes de jovens desavisados que andam pela região. Filme indicado ao prêmio da Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films na categoria de Melhor Lançamento em DVD / Blu-Ray.

Comentários:
O que fazer de novo após seis filmes onde Jason sofreu todos os tipos de tentativas de morte? Ele foi baleado, esfaqueado, afogado, esganado e enforcado! Acha pouco? Depois do filme 6 muitos pensavam que Jason finalmente iria se despedir de suas matanças nas telas, mas estavam todos enganados! A solução para ressuscitar Jason foi usar o personagem de um jovem com poderes especiais, algo tão incrível que seria capaz até mesmo de trazer de volta o velho e doente Jason, agora... pasmem... revitalizado em sua sede de mortes em série. Eu confesso que até gosto desse filme, isso porque os roteiristas procuraram sair da mesmice. Se não foram tão criativos como se esperava pelo menos fizeram algo um pouquinho mais diferente do habitual. O diretor John Carl Buechler era especializado em efeitos especiais e dirigiu poucos filmes, nenhum deles digno de nota.

Pablo Aluísio.

Life - Um Retrato de James Dean

Título no Brasil: Life - Um Retrato de James Dean
Título Original: Life
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Entertainment One
Direção: Anton Corbijn
Roteiro: Luke Davies
Elenco: Robert Pattinson, Dane DeHaan, Peter Lucas, Lauren Gallagher, Alessandra Mastronardi, Joel Edgerton
  
Sinopse:
Filme baseado em fatos reais. Durante os anos 1950 um jovem fotógrafo chamado Dennis Stock (Robert Pattinson) convence o ator rebelde James Dean (Dane DeHaan) a participar de um ensaio de fotos para ser vendido à famosa revista Life. Inicialmente relutante, James Dean concorda com a ideia e convence Stock a segui-lo em uma viagem de retorno que ele estaria fazendo para sua antiga cidade natal no meio oeste americano, em Fairmount, no estado de Indiana. Essa seria a última vez em sua vida que James Dean veria seu lar natal.

Comentários:
As fotos de James Dean que foram publicadas na revista Life nos anos 50 até hoje são consideradas as melhores já feitas do ator. Publicadas em vários livros, revistas e jornais ao longo dos anos se tornaram verdadeiros ícones do fotojornalismo moderno. Partindo delas escreveu-se o bom roteiro desse filme que procura recriar em detalhes os eventos que lhes deram origem. Como todos sabemos o ator James Dean morreu poucas semanas depois das fotos serem tiradas. Transformado postumamente em um dos maiores ícones cinematográficos de todos os tempos, tudo o que se dizia respeito a ele ganhou uma áurea de importância sem precedentes. O James Dean que encontramos nesse filme é um jovem ator prestes a se tornar um astro (na realidade quando morreu apenas um de seus filmes tinha realmente estreado nos cinemas americanos). O curioso é que quando essa nova produção foi anunciada muitos pensaram que Dean seria interpretado por Robert Pattinson, por causa das semelhanças que insistem dizer que existem entre ambos. Fugindo da polêmica e da comparação porém Pattinson preferiu interpretar o fotógrafo Dennis Stock que acabou entrando para a história justamente por causa das fotos que tirou. Em sentido geral é realmente um bom filme, muito agradável e até nostálgico, que recria um dos momentos mais curiosos da trajetória do mito e da lenda James Dean. Para cinéfilos em geral é realmente uma excelente pedida.

Pablo Aluísio.

Se Encontrar Sartana, Reze Pela Sua Morte

Título no Brasil: Se Encontrar Sartana, Reze Pela Sua Morte
Título Original: Se incontri Sartana prega per la tua morte
Ano de Produção: 1968
País: Itália, França, Alemanha
Estúdio: Paris Etolie Films, Parnass Film
Direção: Gianfranco Parolini (Frank Kramer)
Roteiro: Luigi De Santis, Fabio Piccioni
Elenco: Gianni Garko, William Berger, Sydney Chaplin, Klaus Kinski, Gianni Rizzo, Carlo Tamberlani
  
Sinopse:
Várias diligências começam a sofrer ataques e roubos por parte de bandoleiros foras-da-lei. Conforme a violência aumenta muitos passageiros são mortos, inclusive crianças, mulheres e idosos. O dinheiro roubado acaba sendo escondido em lugares hostis e desertos no meio do nada. Depois de mais um violento assalto o pistoleiro errante Sartana (Gianni Garko) resolve ajudar algumas vítimas, mandando fogo e chumbo quente contra os criminosos. Visto como alguém a ser eliminado pelos bandidos, Sartana começa um verdeiro jogo de vida e morte nas areias do deserto. Apenas os mais fortes sobreviverão.

Comentários:
Conforme o Western Spaghetti ia ficando cada vez mais popular, ano após ano, os estúdios italianos começaram a receber investimento de capital estrangeiro. Era algo natural de acontecer. Sempre que havia possibilidade de retorno em termos de lucros, os investidores se faziam presentes. Veja o caso dessa nova produção sobre Sartana. O filme, embora filmado e produzido na Itália, contou com investimento de produtores franceses e alemães. Isso era muito bom para a indústria de cinema italiana pois mais investimentos significavam acima de tudo mais dinheiro, que se traduziam em melhores produções. Nesse filme, por exemplo, já temos melhores cenários, figurinos, atores, etc. Tudo fruto desse investimento estrangeiro. O diretor romano Gianfranco Parolini adotou o pseudônimo de Frank Kramer para assinar a direção. Esse foi um dos cineastas mais bem sucedidos do Spaghetti, tendo dirigido vários filmes com outro pistoleiro famoso da época, o Sabata (como por exemplo, "Sabata, o Homem que Veio para Matar", "Sabata Adeus" e "Sabata Vem para Vingar", sempre assinando seus filmes como Frank Kramer e trabalhando ao lado do ator americano Lee Van Cleef). Aqui, com Sartana, ele rodou um filme muito interessante, bem na média do que estava sendo lançado nos cinemas europeus. Interpretando Sartana temos o italiano Gianni Garko. Esse ator acabou se destacando justamente pela regularidade com que viria a interpretar Sartana. Foram tantos filmes como o personagem (como "Sartana, o Matador", "Sartana Mata para não Morrer", "Fujam, Sartana Chegou!" e "Eu Sou Sartana") que ele acabou ficando associado para sempre com o pistoleiro vingador. O curioso é que quando não estava matando bandidos e vilões em filmes de velho oeste ele conseguia ainda atuar em alguns pequenos clássicos em outros países como o excelente "Waterloo", provando que era acima de tudo um ator bem carismático e eclético.

Pablo Aluísio.

Últimos Dias no Deserto

O Evangelho nos revela que Jesus foi para o deserto e por lá ficou, jejuando e orando por quarenta dias e quarenta noites, sendo tentado pelo diabo. O trecho é um dos mais conhecidos do Evangelho Segundo Mateus. Jesus, antes de realmente começar sua missão, teve que passar por esse teste de fé em uma das regiões mais hostis do planeta. Não há muitos detalhes nas escrituras, apenas é dito que após muitas tentações Jesus finalmente venceu o tentador, o diabo. Nada muito além disso nos é revelado pela Bíblia. Pois foi com base nesse trecho bíblico que o diretor e roteirista colombiano Rodrigo García escreveu o roteiro e o argumento de seu filme. Ele desenvolveu uma estória de ficção para mostrar o que teria supostamente acontecido com Jesus durante esse período decisivo de sua vida.

Assim quando o filme começa já encontramos Jesus caminhando pelo meio do deserto. Ele tem fome, sede e sofre com o calor escaldante do lugar. Isso porém não parece abalar em nada sua fé. Ao seu lado porém parece existir uma série de figuras sinistras, criaturas das trevas, que tentam fazer o filho de Deus renegar sua missão e sua crença em Deus. Há uma cena inicial muito interessante em que Jesus encontra uma velha senhora embaixo de um rochedo. Ela parece exausta e faminta. Jesus então se aproxima e lhe oferece um pouco de água, até perceber que aquela imagem apenas escondia a verdadeira face do mal, da serpente.

Por falar no mal, Jesus parece sempre estar acompanhado por Satã (que também é interpretado pelo ator Ewan McGregor). O anjo caído não perde tempo e está sempre sussurrando mentiras no ouvido de Jesus, tentando enganá-lo a todo custo, para que Ele deixe de acreditar em sua missão. O Jesus mostrado nesse filme é muito humano. Ele tem dúvidas, fraquezas e chega a se questionar como pregaria ao povo de Deus quando sua hora chegasse. Com o diabo tem interessantes diálogos, alguns com problemas teológicos bem claros, mas que nunca deixam de ser interessantes. Em um dos momentos mais curiosos, Jesus pergunta ao diabo como seria a face de Deus! Mais do que isso, ele pergunta se Deus teria uma face...

O centro da trama porém passa por uma família que Jesus casualmente encontra no deserto. A mãe está morrendo, o pai tem problemas de relacionamento com o filho (que deseja ir embora para Jerusalém) e Jesus, chamado de "Homem Santo" pelo personagem interpretado pelo excelente ator Ciarán Hinds, tenta ajudar a todos eles de alguma forma. Um aspecto que também gostei além da exploração do homem Jesus, foi a forma como o roteiro procurou mostrar Jesus de Nazaré. Ele é introspectivo, calmo, pensativo e com uma fé inabalável. O único ponto que me deixou um pouco decepcionado foi que o roteiro não explorou a tentação final do diabo em relação às todas as riquezas da Terra, que seriam dadas a Jesus caso ele o adorasse. Teria sido um clímax perfeito para o filme, mas infelizmente isso não acontece. De qualquer forma eu ainda recomendo essa película. Sim, ela toma várias liberdades sobre essa fase da vida de Jesus, mas nunca perde o respeito por esse que certamente foi o personagem histórico mais importante de todos os tempos. 

Últimos Dias no Deserto (Last Days in the Desert, Estados Unidos, 2015) Direção: Rodrigo García / Roteiro: Rodrigo García / Elenco: Ewan McGregor, Ciarán Hinds, Tye Sheridan, Ayelet Zurer, Susan Gray / Sinopse: Antes de iniciar sua missão, Jesus (McGregor) decide ir para o deserto com a intenção de jejuar e orar. Lá começa a ser tentado pelo diabo. Também encontra uma família que vive das rochas e pedras da região, cuja mãe está morrendo. Filme premiado pelo Sundance Film Festival.

Pablo Aluísio.

Joe, o Pistoleiro Implacável

Título no Brasil: Joe, o Pistoleiro Implacável
Título Original: Navajo Joe
Ano de Produção: 1966
País: Itália, Espanha
Estúdio: Dino de Laurentiis Cinematografica
Direção: Sergio Corbucci
Roteiro: Ugo Pirro, Piero Regnoli
Elenco: Burt Reynolds, Aldo Sambrell, Nicoletta Machiavelli, Fernando Rey, Tanya Lopert
  
Sinopse:
Após um brutal massacre envolvendo todos os seus familiares e amigos de sua tribo, o nativo conhecido apenas como Navajo Joe (Burt Reynolds) resolve partir para uma vingança sangrenta, procurando todos os responsáveis pelas mortes de todas aquelas mulheres, idosos e crianças inocentes. Seu sede de justiça e vingança não tardará a ser saciada.

Comentários:
Um western spaghetti estrelado pelo ator Burt Reynolds? Pois é, no mínimo curioso. Outro aspecto que chama a atenção é que o filme foi dirigido pelo mestre Sergio Corbucci, considerado um dos cineastas mais talentosos dessa fase do cinema europeu. Esse aliás foi seu segundo filme a ser rodado depois do grande sucesso de "Django" um ano antes. Ele vinha da realização de outro sucesso chamado "Ringo e Sua Pistola de Ouro", estrelado por Mark Damon e por essa razão havia uma certa expectativa nessa produção. "Navajo Joe" tem uma produção bem melhor do que a dos filmes anteriores. Isso porque Sergio Corbucci assinou com os estúdios pertencentes ao mega produtor Dino de Laurentiis. Todos os cinéfilos bem sabem que Dino podia ter muitos defeitos, mas realizar filmes pobres certamente não era um deles. Laurentiis, já por essa época, tinha fama de não economizar nos custos de suas produções e isso se faz sentir bem em "Navajo Joe". Um exemplo disso vem inclusive da própria contratação do astro americano Burt Reynolds, que na época era considerado um futuro e potencial superstar do cinema americano - algo que se confirmaria na década seguinte, durante os anos 70. Então basicamente é isso. Um filme italiano de faroeste, todo rodado nos desertos da Espanha, estrelado por um ator americano e dirigido por um verdadeiro artesão do spaghetti western. São boas qualificações que por si só já justificam assistir ao filme. Boa diversão.

Pablo Aluísio.

Um Estado de Liberdade

É muito triste (e ao mesmo tempo revelador e educativo) assistir a um filme como esse. Isso porque você se dá conta que o racismo e a escravidão eram realidades oficialmente reconhecidas pelo Estado até bem pouco tempo atrás (em termos históricos o fim da escravidão aconteceu praticamente ontem!). O roteiro é baseado em uma história real, o que agrava ainda mais essa situação. O enredo reconstrói a vida de Newton Knight (Matthew McConaughey). Durante a Guerra Civil americana ele se alistou para lutar ao lado dos Confederados. No campo de batalha começou a atuar como parte do corpo médico da unidade onde estava alistado. Sua função era trazer os feridos até as tendas dos médicos - onde a carnificina imperava por falta de recursos humanos e de materiais.

Depois da morte de seu sobrinho - que era apenas um garoto que infortunadamente  fora atingido por fogo inimigo dos ianques - ele finalmente decide ir embora. Pega o corpo do garoto e segue o caminho de volta para a fazenda de sua família. Um ato de deserção punido com enforcamento. Depois de tudo isso, para não ser preso e sofrer a pena capital, Knight resolve fugir para os pântanos da região, onde acaba encontrando escravos fugitivos, se tornando amigo de todos eles, abraçando então a causa da libertação dos negros no sul dos Estados Unidos. O filme assim vai se desenvolvendo a partir dessa pequena comunidade de foragidos que, vivendo nos pântanos do sul, começa a se levantar contra as leis de submissão e de conteúdo racial do próprio Estado Confederado de que faziam parte.

"Free State of Jones" causou polêmica nos estados americanos do sul durante o seu lançamento. Isso porque o protagonista do filme, Newton Knight, foi um desertor do exército confederado. Além disso ousou se apaixonar e ter filhos com uma escrava negra, algo que até hoje causa perplexidade em certos setores sulistas (sim, o racismo assumido, essa chaga, não parece ter desaparecido em certos rincões daquele país). Um dos aspectos históricos mais absurdos que o filme revela é que havia leis até bem pouco tempo atrás que proibiam o casamento entre brancos e negros no sul. É justamente sobre isso que se desenvolve a segunda linha narrativa do filme. Enquanto a primeira conta a vida de Knight nos pântanos do sul, a segunda mostra um de seus descendentes lutando em um tribunal do  Mississippi para se casar com uma mulher branca (a justiça entendeu que ele era na realidade um mestiço com sangue negro nas veias e que por essa razão jamais poderia desposar uma mulher sulista branca!).

Certamente é um bom filme. Porém apresenta alguns problemas em seu corte final. Embora a história seja importante e historicamente complexa (o filme explora vários anos na vida de Knight), a versão final que chegou aos cinemas americanos se revelou muito longa - chegando em alguns momentos a se tornar um pouco cansativa. Penso que um corte mais enxuto só traria melhoras ao filme. De resto tudo surge de primeira qualidade. A reconstituição de época é perfeita, a direção é segura e focada e todo o elenco está maravilhosamente bem. Até mesmo  Matthew McConaughey me surpreendeu por ter deixado de lado alguns de seus cacoetes mais irritantes. Então é isso. O que temos aqui é uma bela história de um homem que estava muitos anos à frente de seu tempo. Embora fosse branco sentiu na pele todo o racismo da sociedade confederada do Sul, que chegou ao ponto de ir para uma das guerras mais sangrentas da história simplesmente para defender o direito de um homem ter outro homem como seu bem particular. A escravidão seria abolida, mas as marcas que ela deixou ainda hoje ressoam, infelizmente. Veja o filme e entenda melhor todo esse processo histórico que ainda não chegou ao seu término.

Um Estado de Liberdade (Free State of Jones, Estados Unidos, 2016) Direção: Gary Ross / Roteiro: Leonard Hartman, Gary Ross / Elenco: Matthew McConaughey, Gugu Mbatha-Raw, Mahershala Ali / Sinopse: O filme narra a história de um soldado do exército confederado durante a Guerra Civil americana que certo dia resolve abandonar o campo de batalha. Caçado como desertor ele foge para os pântanos do sul, onde acaba conhecendo escravos fugitivos de seus donos. Lá cria uma sentimento de irmandade com eles, lutando ao lado daqueles homens em busca de uma verdadeira liberdade.

Pablo Aluísio.

Carnage Park

Título no Brasil: Carnage Park
Título Original: Carnage Park
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Diablo Entertainment
Direção: Mickey Keating
Roteiro: Mickey Keating
Elenco: Ashley Bell, Pat Healy, Alan Ruck, James Landry Hébert, Michael Villar, Bob Bancroft
  
Sinopse:
Após um roubo a banco, dois criminosos tentam fugir à toda velocidade pelas estradas empoeiradas de um deserto da Califórnia. Um deles, alvejado durante a fuga, logo morre no banco de trás do carro. O outro precisa então se livrar de seu corpo o mais rapidamente possível. Com a ajuda de uma refém (que estava no porta-malas) ele dirige até uma propriedade remota, onde deixa seu parceiro do crime. O que o criminoso não sabe é que o lugar pertence a um sujeito psicopata, que pensa estar em um verdadeiro campo de batalha. Agora ele irá caçar o bandido, ao mesmo tempo em que leva sua refém para o verdadeiro inferno na Terra.

Comentários:
Temos aqui um novo thriller de terror que se destaca não pelo roteiro (pois é dos mais simples), nem pela produção em si (que é até modesta) e muito menos pelo elenco (a maioria dos atores é esforçado, mas desconhecido). O destaque de "Carnage Park" vem da forma como o jovem diretor Mickey Keating conta sua estória sangrenta. Ele se utiliza de vários tipos de linguagem cinematográfica ao longo do filme. Além de uma fotografia saturada temos uma edição ágil, rápida, que não perde tempo com bobagens ou sutilezas desnecessárias. Obviamente se trata de um filme violento, com cenas inclusive bem ao estilo gore, não recomendado para os mais sensíveis, mas isso definitivamente é o de menos. Mesmo  em pequenos detalhes acabamos descobrindo que esse diretor sabe bem muito o que está fazendo com sua câmera. A trilha sonora, por exemplo, é composta por músicas e diálogos fora de rotação, como se estivéssemos ouvindo um velho vinil sendo tocado em uma vitrola quebrada! O elenco é bom, embora nenhum dos atores seja mais conhecido. O único nome que vai despertar alguma lembrança no público em geral é a do ator Alan Ruck (para quem não se lembra ele foi o amigo esquisito de Matthew Broderick no clássico juvenil "Curtindo a Vida Adoidado"). Bem diferente nos dias atuais, ele interpreta um xerife que precisa descobrir o que está acontecendo de errado na propriedade de seu irmão, o alucinado Wyatt Moss (Pat Healy). A trama também explora um tipo que anda bem mais comum nos dias de hoje, principalmente nos Estados Unidos, a do psicopata com delírios de militar que da noite para o dia se arma até os dentes e começa a fazer de outros seres humanos seus alvos ambulantes. Sim, é algo bem trágico, mas infelizmente cada vez mais comum. Nesse ponto o diretor Mickey também acertou seu próprio alvo, colocando em destaque a loucura bélica que reina dentro da doentia sociedade americana. Salve-se quem puder.

Pablo Aluísio.

O Mestre das Ilusões

Título no Brasil: O Mestre das Ilusões
Título Original: Lord of Illusions
Ano de Produção: 1995
País: Estados Unidos
Estúdio: 20th Century Fox
Direção: Clive Barker
Roteiro: Clive Barker
Elenco: Scott Bakula, Kevin J. O'Connor, Joseph Latimore, Sheila Tousey, Susan Traylor, Ashley Tesoro
  
Sinopse:
O detetive particular Harry D'Amour (Scott Bakula) é contratado para descobrir o que estaria por trás das inúmeras tentativas de assassinato de um famoso mágico da cidade, Phillip Swann (Kevin J. O'Connor). Seguindo as pistas deixadas pela esposa do ilusionista, o investigador acaba descobrindo uma ligação com o passado de uma seita de adoradores de Satã. No meio de seu caminho surgem tentativas de realização de um sacrifício humano. Para Harry agora o mais importante é descobrir a verdadeira identidade de todos os membros daquela sociedade satanista. Filme vencedor do Fangoria Chainsaw Awards na categoria de Melhor Trilha Sonora e do International Horror Guild na categoria de Melhor Filme de Suspense.

Comentários:
Pouca gente vai se lembrar desse filme. A principal referência obviamente vem do fato de ter sido dirigido por Clive Barker. O cineasta inglês (nascido em Liverpool, a mesma cidade natal dos Beatles) tinha se consagrado por causa do clássico de horror "Hellraiser - Renascido do Inferno". Depois de ter sido bastante elogiado pela crítica - e prestigiado pelo público mais antenado com filmes de terror - ele então lançou seu segundo filme, o mal sucedido "Raça das Trevas". Assim esse terceiro filme, "Lord of Illusions" vinha justamente para provar que ele tinha ainda potencial para o sucesso de bilheteria. Não foi bem como era esperado. Esse filme foi lançado em poucas salas de cinema nos Estados Unidos e Inglaterra e no Brasil foi lançado diretamente em vídeo (ainda nos tempos do mercado de fitas VHS). Na época em que o assisti pela primeira vez (por volta de janeiro de 1998) o filme realmente não me impressionou muito. De certa maneira foi um pouco decepcionante por causa justamente de "Hellraiser". Depois daquele filme sempre que o nome de Clive Barker surgia nos créditos ficava aquela expectativa maior, aquela sensação de que se iria assistir a algo fora do comum, surpreendente e inovador. Pois bem, "O Mestre das Ilusões" passa longe disso. Mesmo assim é um bom filme, bem feito, com uma ideia que se não chega a lhe deixar o espectador de queixo caído pelo menos tenta ser um pouco mais original. No geral o filme fica apenas na média do que era realizado em meados dos anos 90. Bem longe da genialidade de "Hellraiser" conseguiu pelo menos chamar alguma atenção por causa do nome de seu diretor, naqueles tempos considerado um verdadeiro mestre do gênero, um autor cult do horror moderno.

Pablo Aluísio.

Velocidade Máxima 2

Título no Brasil: Velocidade Máxima 2
Título Original: Speed 2 - Cruise Control
Ano de Produção: 1997
País: Estados Unidos
Estúdio: Sony Pictures Studios
Direção: Jan de Bont
Roteiro: Graham Yost, Jan de Bont
Elenco: Sandra Bullock, Jason Patric, Willem Dafoe, Brian McCardie, Temuera Morrison, Christine Firkins, Colleen Camp
  
Sinopse:
Annie (Sandra Bullock) e Alex Shaw (Jason Patric) resolvem fazer um cruzeiro no Caribe. Ela ainda está se recuperando pelo que passou recentemente em Los Angeles, quando quase morreu em um ônibus desenfreado (no primeiro filme). Ele é um agente da SWAT que apenas quer curtir suas férias ao lado de sua namorada Annie. O que eles não poderiam imaginar é que o transatlântico em que estão viajando iria virar alvo do terrorista cibernético John Geiger (Willem Dafoe). Agora todos vão lutar para sobreviver a um desastre iminente!

Comentários:
O primeiro filme "Velocidade Máxima" foi certamente um dos melhores filmes de ação dos anos 90. Com roteiro bem escrito, se apoiando única e exclusivamente em apenas uma situação (a do ônibus sem freios), o filme foi um sucesso de público e crítica. Claro que uma sequência não tardaria. Infelizmente o que era original e bem bolado no filme original não voltou a se repetir. Esse "Speed 2: Cruise Control" é uma das piores continuações da história do cinema americano - sem exagero algum! Talvez prevendo o fiasco o ator Keanu Reeves resolveu cair fora da sequência. Anos depois ele mesmo explicaria em uma entrevista que ao ler o roteiro desse segundo filme viu claramente que não daria certo. O enredo se passava todo em um grande navio de cruzeiro e a pergunta que ele mesmo se fez foi básica: onde estaria a tal velocidade nesse tipo de situação? Acertou em cheio. Esse péssimo ponto de partida seria a principal causa do desastre dessa produção. Com roteiro ruim, mas boa produção (cheia de efeitos digitais inovadores), o filme afundou nas bilheterias (com total merecimento é bom frisar). Sandra Bullock nunca esteve tão ruim (e olha que pelas bombas que fez na carreira isso não era algo fácil de atingir). Jason Patric tentou compensar a ausência de Reeves, mas foi em vão. Até mesmo o ótimo ator Willem Dafoe saiu chamuscado de ter participado de um abacaxi desses! Enfim, fracasso completo de crítica e público, o filme hoje só serve para nos lembrar que muitas vezes a ganância dos estúdios vai um pouco longe demais.

Pablo Aluísio.

Outono de Paixões

Título no Brasil: Outono de Paixões
Título Original: August
Ano de Produção: 1996
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Anthony Hopkins
Roteiro: Julian Mitchell
Elenco: Anthony Hopkins, Leslie Phillips, Kate Burton, Gawn Grainger, Rhian Morgan, Rhian Morgan, Rhoda Lewis
  
Sinopse:
O filme é uma adaptação da peça teatral Tio Vânia, baseado na obra de Anton Tchecov. A estória se passa em uma bucólica pequena vila na costa do país de Gales. Ieuan Davies (Anthony Hopkins) é um velho professor que no outono de sua vida redescobre o amor e o prazer nas pequenas coisas da vida. Filme vencedor do BAFTA Awards na categoria de Melhor Filme - Drama (em língua inglesa).

Comentários:
Ao longo de sua bem sucedida carreira como ator, Anthony Hopkins só se aventurou três vezes na direção. A primeira foi no pequeno e alternativo "Dylan Thomas: Return Journey", um filme independente pouco conhecido pelo público em geral. A segunda incursão do ator na direção porém foi bem mais pretensiosa. Esse "August" é uma adaptação da peça teatral do dramaturgo Anton Chekhov. Como se trata de uma adaptação teatral o público já sabe mais ou menos de antemão o que encontrará pela frente: um texto essencialmente indicado para quem aprecia bons diálogos (especialmente declamados) e boas atuações, tudo em ambientações que muitas vezes nos lembram do teatro. Hopkins realizou uma obra discreta, elegante e refinada, que apresenta excelente fotografia - valorizada pela beleza natural do País de Gales - onde o ator e diretor nasceu. Em termos de enredo o argumento desenvolve uma temática bem introspectiva, valorizando as crises existenciais decorrente da passagem do tempo. Um bela filme, daqueles que trazem tomadas de cena que mais parecem pinturas renascentistas. Da carreira na direção de Anthony Hopkins esse é certamente seu filme mais bem acabado, mais bem elaborado, mais bem escrito. Um belo retrato da velhice e dos sentimentos que afloram nessa fase de nossas vidas.

Pablo Aluísio.

O Abominável Dr. Phibes

Título no Brasil: O Abominável Dr. Phibes
Título Original: The Abominable Dr. Phibes
Ano de Produção: 1971
País: Estados Unidos
Estúdio: American International Pictures (AIP)
Direção: Robert Fuest
Roteiro: James Whiton, William Goldstein
Elenco: Vincent Price, Joseph Cotten, Hugh Griffith
  
Sinopse:
O Dr. Anton Phibes (Vincent Price) é um cientista renomado e prestigiado que vê sua vida sair dos trilhos após um grave acidente. O carro em que viajava sai da estrada e ele fica desfigurado com a batida. Pior do que isso, sua amada esposa morre. Inconformado com os rumos do destino e sofrendo de alucinações o antes equilibrado e racional homem da ciência começa um plano de vingança contra todos aqueles que ele culpa pela tragédia.

Comentários:
É curioso que na fase final de sua carreira o ídolo dos filmes de terror Vincent Price tenha estrelado o maior sucesso comercial de sua filmografia. Sim, "The Abominable Dr. Phibes" foi o maior sucesso de bilheteria de Vincent Price. Ele mal sabia que ao aceitar o convite para atuar como o insano Phibes iria se tornar mais popular do que nunca. Um veterano das telas que realmente merecia esse reconhecimento. Bem recebido por público e crítica em seu lançamento o status cult desse filme só cresceu com o passar dos anos. Para os especialistas essa fita tinha uma primorosa direção de arte (a ponto de alguns deles afirmarem que era o último suspiro da era dos filmes barrocos de terror), um roteiro muito bem escrito (baseado em uma velha peça teatral londrina) e, é claro, a sempre marcante atuação de Price, com sua voz maravilhosa, uma de suas maiores marcas registradas. O curioso é que o ator passa grande parte do filme escondido nas sombras ou sob pesada maquiagem, mas nem isso atrapalhou. Esse "O Abominável Dr. Phibes" é realmente um de seus momentos mais marcantes nas telas. Price inclusive foi homenageado na Espanha, durante o Sitges - Catalonian International Film Festival, recebendo o prêmio de melhor ator. Mais do que merecido, não apenas pelo conjunto da obra, mas também por seu carisma à prova de falhas.

Pablo Aluísio.

O Mestre dos Gênios

Título no Brasil: O Mestre dos Gênios
Título Original: Genius
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Riverstone Pictures
Direção: Michael Grandage
Roteiro: John Logan
Elenco: Colin Firth, Jude Law, Nicole Kidman, Guy Pearce, Laura Linney, Dominic West, Vanessa Kirby
  
Sinopse:
O filme narra a história real do editor de livros Maxwell Evarts Perkins (Colin Firth). Trabalhando em uma editora de Nova Iorque ele acaba trabalhando ao lado de alguns dos maiores escritores da história americana como F. Scott Fitzgerald e Ernest Hemingway. Recebendo dezenas de textos novos todos os dias para analisar, ele acaba se interessando por um novo romance escrito por um jovem desconhecido chamado Thomas Wolfe (Jude Law). Com imenso talento para escrever, ele é um tipo explosivo, complicado de se lidar no dia a dia. Mesmo assim Maxwell resolve contratá-lo, iniciando a partir daí um relacionamento dos mais marcantes da história da literatura. Filme indicado ao Urso de Ouro do Berlin International Film Festival.

Comentários:
Esse é exatamente o tipo de filme que mais sinto falta nos dias atuais. Apostando em um roteiro mais sofisticado, inteligente e sutil, o texto aposta suas fichas no conturbado relacionamento profissional entre um famoso editor de livros e um jovem escritor, cheio de ideias inovadoras e com muita vontade de se consagrar no mundo da literatura. Certamente não é o tipo de produção que vai arrecadar milhões nas bilheterias, mas certamente será aquele tipo de filme que vai lhe trazer muito prazer em assistir, ainda mais se você faz do hábito da leitura um companheiro em suas horas vagas. E não estamos aqui falando de literatura de bolso de baixa qualidade ou importância, mas sim de alguns dos escritores mais importantes da literatura mundial em todos os tempos. O filme traz para a tela três deles: F. Scott Fitzgerald (em plena crise de criatividade, passando por um sério problema pessoal com o gradual processo de enlouquecimento de sua esposa), Ernest Hemingway (ainda expansivo como só ele sabia ser, prestes a escrever sua maior obra prima, "Por Quem os Sinos Dobram") e finalmente o novato do trio, o esfuziante Thomas Wolfe (chegando ao ponto de ser um figura constrangedora por causa de seu temperamento explosivo). O ponto de ligação de todos eles era justamente o veterano editor Maxwell Perkins (em contida interpretação do sempre correto Colin Firth). 

O enredo se passa na década de 1940, em um tempo em que os lares sequer tinham televisão (e onde todos se reuniam ao redor do rádio para ouvir as notícias e as radionovelas). Há uma deliciosa narrativa explorando a vida (muitas vezes sofrida) de todos esses consagrados escritores, mostrando que ser um editor naqueles tempos pioneiros não era certamente algo fácil, pois além de trabalhar bastante nos próprios livros, esse ainda tinha que ser amigo pessoal, psicólogo e braço direito. Era realmente um tipo de relação muito próxima, que ultrapassava em muito a mera aproximação profissional. Todo o elenco está bem, porém o destaque mesmo vai para Jude Law. O seu Thomas Wolfe lhe abre as melhores oportunidades de declarar os mais bem escritos diálogos do filme. Já o mesmo não se pode falar da estrela Nicole Kidman. Ela interpreta uma mulher perturbada psicologicamente por ter se envolvido com Wolfe, chegando ao ponto inclusive de tentar suicídio na própria editora de seu amado! De qualquer forma, mesmo em papel reduzido, Kidman acrescenta sempre algo nos filmes em que trabalha. Então é isso. Essa é uma boa indicação para quem esteja procurando por um tipo de produção mais sofisticada, como escrevi. Um filme de muito bom gosto, ótima produção, excelente direção de arte e reconstituição de época, que seguramente vai satisfazer até mesmo o gosto dos cinéfilos mais exigentes. É sem dúvida um filme altamente recomendado.

Pablo Aluísio.

Tomorrowland

Título no Brasil: Tomorrowland
Título Original: Tomorrowland
Ano de Produção: 2015
País: Estados Unidos
Estúdio: Walt Disney Studios
Direção: Brad Bird
Roteiro: Damon Lindelof, Brad Bird
Elenco: George Clooney, Britt Robertson, Hugh Laurie, Raffey Cassidy, Tim McGraw, Keegan-Michael Key
  
Sinopse:
Durante a feira mundial de 1964 o garoto Frank Walker (Thomas Robinson) acaba sendo levado para um mundo futurista, com naves e inventos maravilhosos. Os anos passam e agora é a vez da garota Casey Newton (Britt Robertson) de ser levada até Tomorrowland! Antes porém ela precisará ser salva do ataque de robôs do futuro enviados pelo maquiavélico governador Nix (Hugh Laurie). Filme indicado ao Teen Choice Awards e ao Visual Effects Society Awards.

Comentários:
Esse filme acabou se tornando um dos maiores fracassos comerciais da história da Disney. Com orçamento próximo de 200 milhões de dólares não conseguiu render nem um terço disso nas bilheterias. Um fracasso merecido. A questão é que temos aqui um dos roteiros mais mal escritos que já vi na minha vida. Só para se ter uma ideia de como ele soa confuso na tela: o espectador fica perdido, no ar, sem saber direito tudo o que está acontecendo, por aproximadamente 90 minutos! (isso em um filme com pouco mais de 110 minutos de duração!). Haja paciência! Pouca coisa é explicada e quando a trama finalmente é revelada se torna uma decepção enorme por ser boba, vazia e sem novidades. Até mesmo a cena final é cheia de clichês saturados. Basicamente é uma ficção ao estilo aventura infanto-juvenil (para usar de uma expressão bem antiga), baseada em um universo com duas dimensões paralelas, uma que seria a nossa realidade e a outra, futurista, com um mundo perfeito. Não adianta tentar encontrar algo a mais porque simplesmente não há! O projeto nasceu quando a Disney resolveu levar para as telas um brinquedo temático de um de seus parques de diversões (isso mesmo, um filme baseado em um brinquedo!). A que ponto se chegou na falta de originalidade não é mesmo?... Pois bem, para isso criaram um enredo tão descartável que não é preciso ir muito além para saber que o filme se resume a uma orgia visual de efeitos visuais com roteiro praticamente inexistente. Uma perda de tempo. Depois que o filme afundou comercialmente o ator George Clooney explicou que fez o filme por causa de sua mensagem ao estilo "Vamos salvar o planeta enquanto há tempo!". Isso é o que dá ser chatinho e politicamente correto além da conta não é mesmo Sr. Clooney? Francamente...

Pablo Aluísio.

Atividade Paranormal

Título no Brasil: Atividade Paranormal
Título Original: Paranormal Activity
Ano de Produção: 2007
País: Estados Unidos
Estúdio: Solana Films, Blumhouse Productions
Direção: Oren Peli
Roteiro: Oren Peli
Elenco: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs, Amber Armstrong, Ashley Palmer
  
Sinopse:
Um jovem casal se muda para uma nova casa no subúrbio. No começo tudo vai muito bem, eles estão apaixonados e felizes por estarem finalmente em sua casa própria. Os problemas porém não tardam e começam a surgir durante as madrugadas. Para registrar tudo o casal decide deixar câmeras filmando tudo, 24 horas por dia! O que estas imagens revelam deixam todos apavorados. Uma presença demoníaca ronda as noites escuras naquela casa. Filme indicado ao Fangoria Chainsaw Awards, ao Independent Spirit Awards e ao MTV Movie Awards.

Comentários:
Esse foi o primeiro filme da franquia "Paranormal Activity". Quem é fã de terror sabe muito bem que esse filme, para o bem ou para o mal, acabou sendo um dos mais influentes dos últimos anos. Isso se deve ao fato de que a estética que é utilizada nessa produção acabou virando uma febre entre filmes de terror mais recentes. A fórmula realmente é muito tentadora pois é muito barata, fácil de se produzir, contando com uma falsa realidade para assustar o público. É o estilo Mockumentary, mais conhecido entre nós como "falso documentário", ou seja, uma obra cinematográfica que tenta reproduzir filmagens amadoras, feitas por qualquer pessoa, captando eventos extraordinários. Tudo é colocado para o público como se fossem registros amadores verdadeiros e não pura ficção. Isso acaba criando uma identificação que ajuda bastante na construção do medo e do terror. Esse tipo de filme começou a virar recorrente com o sucesso de "A Bruxa de Blair" que tentou convencer o público de que tudo o que se via na tela era a mais pura (e assustadora) verdade. Com "Atividade Paranormal" a ideia vai além. O foco é aquela típica família suburbana americana sendo assustada por eventos paranormais que simplesmente não se pode explicar. Nos cinemas o trailer valorizava mais a reação do público do que o filme em si, mostrando as reais intenções dos realizadores desse tipo de filme. Deu certo. Com orçamento extremamente enxuto e econômico a fita rendeu uma excelente bilheteria que justificaria uma infinidade de sequências, cada vez mais fracas e ruins. Não importa, em Hollywood como diz o ditado "money talks", ou seja, o dinheiro manda. Enquanto houver público para esse tipo de filme certamente haverá continuações, ano após ano.

Pablo Aluísio.