Um Cara Quase Normal

Jack Giamoro (Ben Affleck) é um sujeito bem sucedido. Tem sua própria agência de talentos, uma ótima casa, carros modernos e uma linda esposa, a ex-top model Nina (interpretada pela não menos maravilhosa deusa loira Rebecca Romijn). Tudo parece correr às mil maravilhas até que de repente as coisas começam a dar errado. Clientes deixam sua agência, as receitas caem, o pai sofre um derrame e por fim, para arruinar de uma vez por todas a sua ascensão pessoal e profissional, sua mulher tem um caso com um de seus mais importantes clientes. Tudo parece desmoronar de uma vez na cabeça do agora pobre coitado Jack. Essa é a premissa inicial desse “Um Cara Quase Normal”. Como era de se esperar o título nacional é dos mais estúpidos e certamente muitos deixaram de ver esse filme por essa razão. Quem se aventurar porém terá uma boa surpresa pois "Man About Town", seu título original, é uma película bem interessante, mostrando os dois lados da mesma moeda, onde o sucesso e o fracasso ficam bem próximos.

O elenco é liderado por Ben Affleck. Bom, já sabemos que ele é muito mais talentoso como diretor do que como ator pois sua lista de atuações canastras é longa. Aqui pelo menos ele não compromete. Seu papel é de um jovem homem de negócios com muita sede de poder e dinheiro que em determinado momento de sua vida tem uma revelação e começa a entender que no fundo isso não tem tanta importância como ele pensava. Sua vida mais parece um castelo de cartas que vai ao chão ao menor sinal de mudanças. Sua reviravolta no modo de pensar curiosamente começa quando ele decide entrar em um curso de escrita, ministrado por um professor com ares de charlatão (ótimo papel nas mãos de John Cleese, ator e comediante de mão cheia). Quando começa a escrever um diário com suas impressões da vida (uma das tarefas do tal curso) começa a finalmente entender os rumos de sua existência. Em essência temos aqui um filme divertido, leve, mas que também traz algumas questões interessantes. Esqueça o idiota titulo nacional e assista para tirar suas próprias conclusões.

Um Cara Quase Normal (Man About Town, Estados Unidos, 2006) Direção: Mike Binder / Roteiro: Mike Binder / Elenco: Ben Affleck, Rebecca Romijn, John Cleese / Sinopse: Jack (Affleck) é dono de uma agência de talentos que de repente vê os principais aspectos de sua vida pessoal e profissional ruir.

Pablo Aluísio.

Karate Kid

Eu sempre costumo dizer que alguns filmes já encontraram suas versões definitivas no cinema, por isso não é necessário tentar realizar remakes. Apenas a ganância em busca de caça-níqueis justifica a existência de certas produções. Um exemplo claro disso aconteceu com Karate Kid. A estória já havia encontrado seu veículo perfeito pois virou até franquia na década de 80. Infelizmente em crise completa de criatividade Hollywood resolveu ressuscitar o personagem nessa obra bufa, sem carisma, sem razão de existência, sem qualidade nenhuma. Para piorar o que já era uma idéia ruim o novo Karate Kid nada mais é que do uma tentativa (das mais desesperadas e toscas) do paizão Will Smith em transformar seu filhote Jaden Smith em astro instantâneo.

O enredo é muito parecido com o que já conhecemos. Dre Parker (o chatinho do Jaden Smith) se muda com a mãe para Pequim. Lá acaba se interessando por uma jovem garota chamada Meiving (Wenwen Han). O problema é que esse inocente e doce romance acaba irritando profundamente um valentão chamado Cheng, que não hesita em agredir Parker por sua ousadia de tentar conquistar a jovem de seus sonhos. Para aprender a se defender ele começa a ser treinado pelo Sr. Han (Jackie Chan, pagando mico), que através de sua arte marcial e filosofia tentará transformar o garoto em um grande lutador. É a mesma estória dos filmes anteriores só que agora maquiada para parecer algo diferente. Não colou. Nada de muito marcante acontece e o saldo final é mais do que negativo. É o tipo de filme que não soma em nada, não acrescenta nada de novo. Por isso é bem melhor rever os filmes originais, que eram bem melhores e muito charmosos com todo aquele estilo que só o cinema dos anos 80 conseguia reproduzir. Essa aqui é uma obra fajuta e descartável, sem a menor importância.

Karate Kid (idem, Estados Unidos, 2010) Direção: Harald Zwart / Roteiro: Christopher Murphey, Robert Mark Kamen / Elenco: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson / Sinopse: Garoto americano após sofrer agressões na China resolve aprender artes marciais com um velho e sábio professor.

Pablo Aluísio.

A Identidade Bourne

Esse foi o primeiro filme da franquia Bourne. Com toques de James Bond e muita ação os filmes Bourne fizeram grande sucesso e lançaram o ator indie Matt Damon no rol dos heróis de Action Movies. Não há como negar que todos os três filmes da série são bem realizados, bem roteirizados, com ótimo enfoque na mais pura ação. Como se sabe o gênero ação vive sua fase de ouro desde a década de 80 e segue colecionando ótimas bilheterias todos os anos, sendo que se formos analisar bem praticamente todos os blockbusters de Hollwyood atualmente são de ação (até mesmo os filmes de super-heróis). Praticamente não existem exceções. Mas voltemos a Bourne. Jason Bourne (Matt Damon) acorda de repente no meio do nada, sem memória e sem saber direito quem é. Em posse de um código, que parece ser um número relativo a uma conta bancária na Suíça, ele cruza a Europa e os Estados Unidos em busca de respostas. Como todos já sabemos Bourne é um agente especial de um programa ultra-secreto do governo americano que treina apenas a elite da elite.

Matt Damon se preparou bastante para o papel, afinal esse é o tipo de filme que era uma completa novidade para ele, uma vez que construiu sua carreira em cima de filmes mais alternativos, dramas em essência. Virar um astro de filmes de ação não é para qualquer um. Conforme explicou depois em entrevistas de promoção da fita ele treinou arduamente artes marciais para se sair bem em cena. Em muitas cenas – como a luta dentro do apartamento – literalmente dispensou dublês, realizando ele próprio toda a coreografia do confronto contra seu oponente. A produção de “A Identidade Bourne” foi cara e complicada pois o filme foi filmado em diversas locações, em países diferentes. O diretor Doug Liman também nunca tinha feito nada no gênero ação, sendo seus filmes anteriores pertencentes a outros estilos. Houve um tipo de atrito inicial entre Damon e o estúdio pouco antes do começo das filmagens pois resolveu-se mudar o roteiro da noite para o dia. “Esse não foi o filme que eu topei fazer” – avisou Damon, deixando claro que abandonaria o projeto caso o roteiro fosse modificado de última hora. Depois de muitas negociações ele e o diretor Doug Liman conseguiram então impor a primeira versão do texto, que é justamente essa que o espectador conferiu nos cinemas. Assim deixamos a dica do primeiro filme Bourne – caso você seja jovem demais para conhecer que tal uma maratona nesse fim de semana com toda a trilogia? Pode ser uma boa pedida, sem dúvida.

A Identidade Bourne (The Bourne Identity, Estados Unidos, 2002) Direção: Doug Liman / Roteiro: Tony Gilroy, W. Blake Herron / Elenco: Matt Damon, Franka Potente, Chris Cooper / Sinopse: Jason Bourne (Matt Damon) é um super agente da CIA que acorda sem memória. Agora terá que correr contra o tempo para entender a complexa rede de interesses no qual está supostamente envolvido.

Pablo Aluísio.

A.I. Inteligencia Artificial

O projeto nasceu inicialmente como uma parceria entre dois grandes diretores, Steven Spielberg e Stanley Kubrick. Ambos queriam trabalhar juntos, se admiravam e por essa razão desenvolveram a adaptação do famoso conto chamado “Superbrinquedos Duram o Verão Inteiro” de Brian Aldiss. Foi um processo longo e demorado, por dez anos Spielberg e Kubrick trocaram notas, idéias e opiniões até que infelizmente, poucos meses antes do começo das filmagens, Kubrick morreu. Para Spielberg foi um choque pois tudo estava certo para que Stanley dirigisse o filme, com produção executiva do próprio Steven. De inicio o diretor resolveu cancelar tudo mas depois de uma conversa muito franca com a viúva de Kubrick decidiu voltar atrás. Era muita coisa para se jogar fora da noite para o dia. Além disso o projeto estava concluído e era de fato a última visão do mestre Kubrick no cinema. Em honra de sua memória Spielberg resolveu arregaçar as mangas e partir para as filmagens, afinal seria não apenas a concretização de um projeto de dez anos mas também uma homenagem ao seu mentor.

O enredo conta a estória de dois andróides em busca de suas próprias humanidades. O cenário é um futuro caótico, sem esperanças, em um planeta atolado em lixo e caos. Tecnicamente “A.I. Inteligência Artificial” é simplesmente perfeito. Ótimos efeitos especiais, figurinos criativos, cenários inspirados. Seu roteiro também é bem inteligente, tratando de temas intrigantes. O problema é que antes das filmagens começarem Spielberg mexeu mais uma vez no texto e resolveu criar uma extensão na estória adaptada por Kubrick. Por isso o espectador acabou ficando com a impressão de que o filme na realidade tinha dois finais – aquele escrito por Kubrick e um mais adiante escrito por Spielberg. Ninguém duvida que Steven Spielberg é um dos grandes gênios da história do cinema mas aqui ele realmente se equivocou. Deveria ter filmado tal como Stanley Kubrick deixou o roteiro antes de partir. Spielberg errou ao tentar explicar demais ao público, algo que Kubrick não queria, pois seu final deixava tudo em aberto, para a imaginação do espectador. Já Spielberg foi além do necessário tirando nesse processo parte do impacto de A.I. Mesmo assim, com esses problemas, o filme ainda vale a pena. É uma ficção acima da média embora nunca tenha de fato se tornado uma unanimidade.

A.I. Inteligência Artificial (Artificial Intelligence: AI, Estados Unidos, 2001) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Steven Spielberg, Ian Watson e Stanley Kubrick (não creditado), baseados no conto "Supertoys Last All Summer Long" de Brian Aldiss / Elenco: Haley Joel Osment, Jude Law, William Hurt, Frances O'Connor, Sam Robards / Sinopse: Dois andróides tentam entender sua existência em um mundo futurista dominado pelo caos e desordem.

Pablo Aluísio.

Um Crime Americano

O abuso doméstico é uma realidade cada vez mais comum nas sociedades. Usando do poder de mando dentro das famílias certas pessoas ultrapassam todos os limites da decência e do bom senso. É justamente esse o tema central desse “Um Crime Americano”. O roteiro é baseado em fatos reais e mostra o inferno em que entraram duas jovens que são colocadas por seus pais em um lar provisório enquanto eles tentam ganhar a vida (pois trabalham em feiras itinerantes que não propiciam estabilidade e segurança para as garotas). O problema é que a mulher com quem ficam é literalmente uma louca sádica que não perde a chance de promover espancamentos por qualquer motivo que seja. Em troca de 20 dólares semanais ela se propõe a tomar conta das garotas mas qualquer desvio por parte delas é severamente punido, qualquer mínimo deslize não escapa das piores punições, inclusive físicas e psicológicas. Uma verdadeira sádica sem limites.

O curioso é que certos aspectos da história real foram amenizadas, o que deixa qualquer espectador mais atento impressionado, pois o que é mostrado em cena já parece ser violento o bastante. O filme aposta em um realismo brutal mas sem expor o público a cenas explicitas demais de espancamentos e abusos. O diretor muitas vezes prefere apenas sugerir do que escancarar aos olhos dos que assistem ao filme toda a crueza sórdida da situação enfocada. O grande destaque do elenco vai para a sempre talentosa Ellen Page. Quem acompanha sua carreira tem pleno conhecimento de seu grande carisma e talento. Quando tem bom material em mãos para trabalhar Page se saí realmente bem, algo que se repete aqui pois a humanidade que traz para seu personagem é um dos grandes trunfos da produção. “Um Crime Americano” é um filme bastante relevante, pois mostra um tema importante. Seu roteiro também serve como uma denúncia dos absurdos que podem acontecer dentro de quatro paredes. Um alerta mais do que importante para toda a sociedade.

Um Crime Americano (An American Crime, Estados Unidos, 2007) Direção: Tommy O'Haver / Roteiro: Tommy O'Haver, Irene Turner / Elenco: Ellen Page, Hayley McFarland, Nick Searcy / Sinopse: O filme narra a história real de Gertrude Baniszewski, uma dona de casa sádica que promoveu diversos abusos contra uma garota menor de idade durante a década de 1960 em Indiana, Estados Unidos.

Pablo Aluísio.

Fuga à Meia Noite

Nem só de grandes clássicos vivem os grandes atores. Um exemplo é esse policial “Fuga à Meia Noite” estrelado por Robert De Niro. Hoje em dia o ator vive uma fase negligente na carreira, estrelando filmes medíocres, comédias bobas que nada acrescentam a ele, mas na década de 80 De Niro ainda era visto como um dos monstros sagrados da interpretação. Por isso a surpresa quando chegou nos cinemas esse policial sem grandes novidades, praticamente rotineiro, que pensando bem poderia ser estrelado por qualquer outro ator especializado em filmes de ação. Na época De Niro explicou que era necessário fazer de vez em quando filmes assim, mais simples, menos pretensiosos. Sempre interpretei essa postura dele como uma espécie de válvula de escape, afinal não era todo dia que se podia estrelar um “Touro Indomável” ou um “Poderoso Chefão II”. Na verdade temos aqui uma fita descartável, ideal para o mercado de vídeo. Seu nome ajudaria a vender a produção, o espectador se divertiria um pouco em casa e depois esqueceria do que viu.

Como você já deve ter percebido a trama é das mais comuns. Robert De Niro interpreta o ex-policial Jack Walsh. Sua missão é levar um contador especializado em fraudes financeiras, Jonathan "The Duke" Mardukas (Charles Grodin), de Nova Iorque até Los Angeles. Seu objetivo não será nada fácil uma vez que Mardukas tem sua cabeça à prêmio por ter enganado famílias mafiosas poderosas. Isso significa que não será uma viagem das mais tranqüilas. “Fuga à Meia Noite” tem muitos clichês em seu roteiro batido. Robert De Niro, como não poderia deixar de ser, está obviamente no controle remoto. Ele certamente sabia que o material era de rotina e por isso não se esforçou muito. O diretor Martin Brest era especialista em fitas assim, policiais com bastante ação. Seu grande sucesso até aquele momento era “Um Tira da Pesada”. De Niro, por sua vez, certamente estava em procura de algo nessa linha, um filme policial com toques de humor que rendesse bastante bilheteria. Se essa era a sua intenção então não deu muito certo pois “Fuga à Meia Noite” teve um retorno comercial apenas morno.

Fuga à Meia-Noite (Midnight Run, Estados Unidos, 1988) Direção: Martin Brest / Roteiro: George Gallo / Elenco: Robert De Niro, Charles Grodin, Yaphet Kotto / Sinopse: Ex-policial tenta levar um contador jurado de morte pela máfia de Nova Iorque até Los Angeles.

Pablo Aluísio.

U-571 - A Batalha do Atlântico

Durante a II Guerra Mundial a marinha alemã se destacou por sua grande e poderosa frota de submarinos. Era de fato a espinha dorsal do reich nos mares. Após inúmeras operações um desses submarinos acaba ficando inoperante no Atlântico após ser severamente atacado por navios ingleses. Suas mensagens de socorro acabaram sendo interceptadas pelos serviços de inteligência dos aliados que imediatamente mandam um submarino americano ao local. A intenção é se fazer passar por alemães com o objetivo de colocar as mãos em uma máquina de códigos extremamente importante para as forças armadas inimigas. De posse da chamada “Enigma” os americanos poderiam a partir daí decifrar todos os códigos de ordem das operações militares envolvendo as forças alemãs, algo vital para vencer as tropas de Hitler nos campos de batalha.

Após assistir a “U-571 - A Batalha do Atlântico” não há outra conclusão. Se trata realmente de um dos melhores filmes de guerra mostrando operações navais de submarinos no cinema. Embora o filme não seja historicamente 100% correto, não há como negar que é uma produção excelente. Na época de seu lançamento houve de fato uma certa controvérsia envolvendo os veteranos ingleses que afirmaram que o papel dos americanos não tinha sido tão vital na operação como vemos no filme mas isso é o que menos importa ao espectador. Para quem procura um bom entretenimento o filme funciona excepcionalmente bem. O elenco é liderado por Matthew McConaughey. Hoje em dia ele estrela uma comédia romântica boba atrás da outra mas na época ainda era considerado um ator promissor. Ao seu lado se saem bem melhor Bill Paxton e Harvey Keitel. Particularmente gosto muito do estilo do diretor Jonathan Mostow. Ele tinha desenvolvido um trabalho maravilhoso com a série “Da Terra à Lua” na TV mas errou ao se envolver com a terceira parte da franquia “O Exterminador do Futuro” em um filme que acabou não agradando a ninguém. De uma forma ou outra fica a recomendação desse ótimo filme naval, que resgata uma das missões mais importantes de toda a segunda grande guerra mundial.

U-571 - A Batalha do Atlântico (U-571, Estados Unidos, 2000) Direção: Jonathan Mostow / Roteiro: Jonathan Mostow / Elenco: Matthew McConaughey, Bill Paxton, Harvey Keitel / Sinopse: Após ficar a deriva em alto-mar um submarino alemão vira o alvo de uma importante missão americana que procura colocar as mãos em uma máquina decodificadora de códigos que se encontra dentro dele.

Pablo Aluísio.

A Trilha

Para se realizar um bom filme de suspense psicológico não basta apenas reciclar velhos clichês. Essa é a conclusão que se chega após assistir a esse “A Trilha”. O filme tem no elenco a atriz e modelo Milla Jovovich da franquia “Resident Evil”. Ao seu lado surgem dois astros da TV, o comediante Steve Zahn (que está excelente na serie “Treme” da HBO) e Timothy Olyphant (que interpreta o agente federal durão Raylan Givens da boa série policial “Justified” do canal FX). Apesar dos nomes envolvidos não espere grande coisa de “A Trilha”. No enredo acompanhamos um casal de praticantes de esportes radicais (aventureiros de fim de semana como são chamados) que em lua de mel pelo Havaí acaba descobrindo da pior maneira que seguir trilhas adentro no meio da natureza envolvem muitos riscos, inclusive de segurança, já que bem no meio da aventura se deparam com psicopatas perigosos.

O roteiro usa e abusa de clichês que já conhecemos bem. Nem todos parecem ser o que aparentam e as cenas de tensão e terror se sucedem sem muita inspiração. Há muito apelo para o simples e puro mau gosto sensacionalista (afinal quem levaria a sério alguém que coleciona dentes?) e problemas de interpretação, com destaque para a inexpressiva Milla Jovovich que até hoje nunca convenceu em papel nenhum de sua carreira. E não seria em um filme raso desses que alcançaria sua redenção profissional. De bom se salva apenas o belo cenário do Havaí, que realmente é lindo, de encher os olhos. No mais nada de novo em cena. “A Trilha” foi dirigido por David Twohy, que já havia dado ao público Sci-fi os bons “Eclipse Mortal” e “A Batalha de Riddick” mas que ultimamente não tem acertado muito bem a mão (vide o fraco “Submersos”). Esse certamente é um de seus mais convencionais e decepcionantes filmes. Espero que volte ao bom caminho em sua próxima produção, “Riddick”, que está em fase de conclusão.

A Trilha (A Perfect Getaway, Estados Unidos, 2009) Direção: David Twohy / Roteiro: David Twohy / Elenco: Steve Zahn, Timothy Olyphant, Milla Jovovich / Sinopse: Casal em férias no Havaí acaba caindo nas mãos de terríveis psicopatas.

Pablo Aluísio.

Rocky Balboa

A década de 90 foi bem complicada para Stallone. Ao contrário dos anos 80 quando ele se tornou o astro número 1 do cinema americano, na década seguinte ele enfrentou uma série de incríveis fracassos comerciais, algo que era impensável para um campeão de bilheteria como ele. Assim depois de muitos anos Stallone resolveu apostar novamente no certo e seguro e isso significava voltar aos seus mais populares personagens do passado, entre eles o lutador Rocky Balboa. O último filme havia sido lançado há 16 anos mas Stallone ainda acreditava na força da franquia. Aqui encontramos Rocky Balboa como uma sombra do campeão que um dia foi. Ele tem um pequeno restaurante de comida italiana onde entretém os fregueses contando histórias de sua carreira. Está completamente aposentado e sente falta de sua esposa, Adrian, que morreu de câncer após uma prolongada luta pela vida. O velho campeão sente-se abandonado e esquecido, algo muito comum na vida de esportistas em geral. Uma vez passada a época de glórias sobra apenas o ostracismo dos últimos anos.

A sorte para Rocky muda porém quando o atual campeão de pesos pesados, Mason 'The Line' Dixon (Antonio Tarver) decide lutar contra ele em uma exibição promocional. No fundo Dixon está revoltado por causa de um jogo de simulação em que ele luta contra Rocky e perde. O programa usa as características dos lutadores reais e o resultado se mostra favorável ao antigo campeão Balboa. Para mostrar que isso não tem compatibilidade com o mundo real ele decide subir ao ringue para enfrentar Rocky. Esse como não tem mais nada a perder decide aceitar o desafio. A partir daí não precisa ser vidente para saber o que vai acontecer. Quem já assistiu a algum filme da série Rocky já prevê de antemão que o lutador vai competir até o limite de suas forças físicas, mesmo que o preço a pagar seja muito alto. Não há como negar que “Rocky Balboa” seja um bom filme. Stallone soube muito bem tirar proveito das principais características que fizeram desse personagem um ícone do cinema. Só espero que ele agora deixe o velho Balboa em paz pois essa continuação tardia serve muito bem como uma digna despedida para a franquia. Bem melhor do que o obtuso Rocky V, esse sim um filme bem abaixo do esperado.

Rocky Balboa (Rocky Balboa, Estados Unidos, 2006) Direção: Sylvester Stallone / Roteiro: Sylvester Stallone / Elenco: Sylvester Stallone, Burt Young, Antonio Tarver / Sinopse: Atual campeão de pesos pesados decide subir ao ringue para desafiar um antigo campeão aposentado, Rocky Balboa. Ele quer provar que pode derrotar também a lenda do boxe do passado.

Pablo Aluísio.

Inimigos de Sangue

Logo na primeira cena temos uma idéia do que virá. Um grupo de assaltantes de bancos extremamente armados escapa após uma bem sucedida operação. Em seu encalço vai o tira Max Lewinsky (James McAvoy). Ele está sozinho, pois por um golpe de sorte descobriu os planos da operação mas não houve tempo de chamar reforços, mesmo assim decide seguir em frente para pegar os bandidos, que agora fogem em velozes motocicletas. Após encurralar o grupo ele consegue derrubar da moto o líder do grupo, Jacob Sternwood (Mark Strong), um foragido da justiça. Logo partem para o confronto físico mas o policial Max acaba sendo atingido no joelho por um tiro certeiro. Jacob escapa ileso. Três anos depois Max é praticamente um inválido pois uma sucessão de cirurgias o fez ficar dependente de dolorosas injeções em seu joelho. Mas algo de novo acontece pois Jacob parece estar agindo novamente. Era tudo o que o policial queria pois agora pode caçar novamente seu algoz para acertar de uma vez as contas entre eles.

“Inimigos de Sangue” é um excelente exemplo do bom momento em que o cinema inglês de ação passa atualmente. O roteiro pode até ser considerado simples mas a condução dos acontecimentos fazem toda a diferença do mundo. Movido por vingança, o tira Max (em boa interpretação do subestimado James McAvoy) acaba se tornando aliado de seu principal inimigo, isso porque ambos descobrem que estão na verdade lutando contra um inimigo comum já que o filho de Jacob é morto, assim como a parceira de Max. O filme tem muito estilo e tenta combinar ação com um argumento mostrando os efeitos nocivos que podem ser causados quando policiais corruptos se aliam a políticos inescrupulosos (não, o filme não foi rodado no Brasil, apesar disso!). Os dois principais atores do filme estão muito bem mas destaco Mark Strong como o líder do grupo criminoso Jacob que descobre da pior maneira que as peças do intrigado jogo de xadrez do mundo do crime foram movidas e ele não foi avisado dos novos movimentos! Em suma está mais do que bem recomendado para os fãs de filmes policiais de ação. Pode assistir sem qualquer receio. 

Inimigos de Sangue (Welcome to the Punch, Inglaterra, Estados Unidos, 2013) Direção: Eran Creevy / Roteiro: Eran Creevy / Elenco: James McAvoy, Mark Strong, Andrea Riseborough / Sinopse: Dois inimigos, um policial e um assaltante de bancos, acabam tendo que se unir contra um poderoso inimigo em comum. Somente o mais forte sobreviverá. Produzido por Ridley Scott.

Pablo Aluísio.

Terapia de Risco

Após cumprir uma pena de quatro anos de prisão finalmente Martin Taylor (Channing Tatum) é colocado em liberdade. Ao lado de sua jovem esposa, Emily (Rooney Mara), ele pretende reconstruir sua vida. O problema é que ela sofre de uma grave depressão que a faz cometer um ato impensado. Após ficar em crise, Emily decide acabar com tudo e joga seu carro em alta velocidade contra uma parede em um estacionamento. Felizmente sobrevive e passa a ser tratada pelo Dr. Jonathan Banks (Jude Law). Esse começa a fazer parte de um grupo de pesquisas que tenta chegar a uma nova droga particularmente eficaz contra a depressão. De comum acordo então o médico resolve colocar Emily no projeto mas as coisas definitivamente não saem como planejado... Essa é a premissa inicial de “Terapia de Risco”, novo filme que está chegando ao mercado trazendo um elenco de nomes famosos, inclusive com a presença de Catherine Zeta-Jones, que há tempos andava bem discreta em sua carreira. Também conta com o carisma de Jude Law, aqui interpretando um psiquiatra que começa a entender aos poucos que acabou entrando em um beco sem saída.

É talvez esse seja justamente o grande deslize do filme. O roteiro é daquele tipo com várias reviravoltas, algumas nada plausíveis. De repente ninguém é o que aparenta ser e tudo vira de cabeça para baixo (não se preocupem não darei spoiler no texto). A trama também se mostra bem arrastada e para falar a verdade não existem personagens muito interessantes. Talvez, apenas talvez, o enredo desperte algum interesse nos estudantes de psiquiatria mas eles provavelmente também ficarão decepcionados com os furos de lógica e diagnostico que se alastram durante todo o desenrolar da estória. Catherine Zeta-Jones também não convence. Com maquiagem escura, pesada (provavelmente para realçar o lado mais sombrio de sua personagem) a atriz passa o tempo todo falando de forma sussurrada, o que demonstra que não conseguiu encontrar o tom certo para sua interpretação. Os grupos GLS também não ficarão nada contentes com sua caracterização em cena. No final das contas temos que admitir que o filme não passa de outra decepção assinada pelo irregular Steven Soderbergh.

Terapia de Risco (Side Effects, Estados Unidos, 2013) Direção: Steven Soderbergh / Roteiro: Scott Z. Burns / Elenco: Rooney Mara, Channing Tatum, Jude Law, Catherine Zeta-Jones / Sinopse: Psiquiatra bem sucedido começa a usar uma nova droga em sua paciente depressiva. O tratamento porém começa a sair perigosamente do que era planejado.

Pablo Aluísio.

Show de Vizinha

Tudo o que Matthew Kidman (Emile Hirsch) deseja é se formar no high school e ganhar uma bolsa de estudos em Georgetown, uma das universidades mais tradicionais dos EUA. Afinal ele sempre foi um cara certinho que nunca deu um passo em falso em sua vida. Sua vida porém começa a mudar quando Danielle (Elisha Cuthbert) se muda para a casa ao lado. Ela é uma linda jovem, loira, muito sensual, representando tudo que um colegial sonharia em conquistar. Depois de um primeiro encontro meio desastrado Matthew consegue finalmente conhecer Danielle melhor e como era de se esperar acaba se apaixonando por ela. Mas como nem tudo são flores o colegial acaba descobrindo que a garota de seus sonhos é na realidade uma atriz pornô. Filmes adolescentes picantes sempre existiram no cinema americano, afinal é uma tradição mas aqui você não vai encontrar nada parecido com os “clássicos” do gênero como “Porky´s” ou “O Último Americano Virgem”.

Tudo é muito mais suave, embora existam cenas de nudez moderada. Na verdade se formos analisar bem esse roteiro chegaremos facilmente na conclusão de que é realmente uma comédia romântica das mais rotineiras, mesmo que a personagem principal seja uma profissional do cinema adulto. Assim credito ao belo casal central o principal motivo de se assistir a esse “Show de Vizinha”. Emile Hirsch é um ator talentoso, basta lembrar do ótimo “Na Natureza Selvagem”. Ainda é um jovem e provavelmente vai realizar muita coisa boa ainda em sua carreira embora tenha dado alguns passos em falso (como o fracasso “Speed Racer”). Já Elisha Cuthbert é uma das atrizes mais lindas já surgidas nas telas nos últimos anos. Ela alterna aparições em séries de TV e filmes para o cinema e ainda não conseguiu virar uma estrela mas diante de sua beleza clássica isso definitivamente vira um mero detalhe. No final das contas temos, como já escrevi, uma produção simpática, diria até descartável, mas que diverte proporcionando um ou dois sorrisos mais sinceros.

Show de Vizinha (The Girl Next Door, Estados Unidos, 2004) Direção: Luke Greenfield / Roteiro: David Wagner, Brent Goldberg / Elenco: Emile Hirsch, Elisha Cuthbert, Timothy Olyphant / Sinopse: Jovem adolescente collegial se apaixona pela nova vizinha, uma gatinha loira e sensual que na realidade é uma atriz pornô.

Pablo Aluísio.

Mais Forte Que o Ódio

Mais um interessante filme da década de 80 que anda meio esquecido, “Mais Forte Que o Ódio” foi a primeira produção de Sean Connery após o grande sucesso de público e crítica de “Os Intocáveis”. No enredo ele interpreta o veteranoTenente-Coronel Alan Caldwell. Sua principal função é desvendar crimes militares. Após um crime de extrema brutalidade ser cometido dentro de um presídio militar ele é designado para a investigação. O problema é que também é designado para o caso o inspetor Jay Austin (Mark Harmon) que já teve sérios problemas com o Coronel no passado. Mesmo odiando um ao outro eles terão que trabalhar juntos para desvendar o crime. E como se isso não fosse ruim o bastante Jay acaba se apaixonando por Donna Caldwell (Meg Ryan) que pelo sobrenome já entrega o jogo, pois é a filha do personagem de Sean Connery.

“Mais Forte Que o Ódio” aposta em um roteiro de rotina, é verdade, mas com alguns aspectos bem curiosos. O ator que contracena com Sean Connery, Mark Harmon, vinha de algumas comédias bem despretensiosas como “Curso de Férias” e encarava pela primeira vez um papel mais sério. O interessante é que encontraria o sucesso finalmente na TV em NCSI onde interpretaria um personagem parecido com o que desempenha aqui, a de um policial investigador especializado em crimes militares. Ao seu lado já dando os primeiros passos para se tornar a “namoradinha da América” surge Meg Ryan, que na época era o protótipo da mocinha do cinema americano. O diretor Peter Hyams já havia trabalhado alguns anos antes com Sean Connery na aventura futurista “Outland - Comando Titânio”. Revisto hoje em dia “Mais Forte Que o Ódio” certamente ainda mantém o interesse. Na época de seu lançamento fez boa carreira nos cinemas por causa de Sean Connery que vivia um novo momento na carreira. Agora merece ser revisto como um bom filme policial de ação dos anos 80. Fica a dica.

Mais Forte Que o Ódio (The Presidio, Estados Unidos, 1988) Direção: Peter Hyams / Roteiro: Larry Ferguson / Elenco: Sean Connery, Mark Harmon, Meg Ryan / Sinopse: Após um brutal crime cometido dentro de um presídio militar dois investigadores que se odeiam na vida pessoal terão que superar isso para solucionar o caso.

Pablo Aluísio.

A morte de James Gandolfini

É com grande pesar que anunciamos a morte do ator James Gandolfini. Ele sofreu um ataque cardíaco fulminante hoje enquanto participava de um festival de cinema na Itália. Tinha 51 anos de idade.  Imortalizado na pele do personagem Tony Soprano da excelente série “Família Soprano” da HBO o interprete foi premiado ao longo da carreira com três prêmios Emmy, o mais importante da TV americana. A série durou de 1999 a 2007 e se tornou um dos maiores sucessos de audiência da história. Com raro brilhantismo James Gandolfini interpretou ao longo de todos esses anos aquele que foi seu papel definitivo, a de um líder mafioso suburbano de New Jersey. Ao lado de uma esposa e filhos que não o compreendiam ele vê sua vida desmoronar e dar uma guinada após sofrer um colapso nervoso. Tratado, passa a fazer análise com uma brilhante terapeuta, algo que obviamente esconde de seus comparsas pois seria completamente incompreendido no mundo brutal em que vivia.

Quem gosta de séries certamente recorda muito bem do impacto que “Família Soprano” teve em sua primeira temporada. Era algo novo, diferente, inovador. Cada episódio era feito com um nível técnico fora do normal para os padrões do que se fazia na época. A série mudou o conceito dos programas americanos. Não havia concessões e a drama se concentrava em mostrar uma realidade pouco comum em filmes de gangsters. Deixou-se a pura violência estilizada de lado para mostrar o lado mais pessoal, humano e cotidiano dessas pessoas. Depois do fim da série o ator começou uma bem sucedida transição para o mundo do cinema aparecendo em excelentes filmes como “A Hora Mais Escura”, “Corações Perdidos” e o recente “O Homem da Máfia”. Vivia uma nova fase em sua carreira. Não restam dúvidas da grande perda que a arte sofreu no dia de hoje. Descanse em paz. 

Pablo Aluísio.

Um Presente Para Helen

Que a Kate Hudson é uma gracinha ninguém duvida. Houve uma época em que ela começou a estrelar dramas para ser levada mais à sério e talvez, quem sabe, um dia ganhar o Oscar. Felizmente ela entendeu que essa não era bem a praia dela e resolveu abraçar o que parecia ser mais adequado ao seu tipo, ou seja, virar realmente uma estrela de comédias românticas despretensiosas, geralmente enfocando algum aspecto da mulher moderna que a despeito de exercer uma nova função na sociedade bem diferente de suas mães ainda não estava disposta a abrir mão de seu romantismo. Aqui Kate Hudson interpreta Helen Harris, uma mulher moderna, bem sucedida e nada disposta a abrir mão de sua vida profissional. Filhos? Nem pensar. Tudo corre de acordo com seus planos até o dia em que... após uma fatalidade ela fica responsável não apenas por uma criança mas por três!!!

O bom de “Um Presente Para Helen” é que o filme, mesmo sendo uma comédia sem grandes pretensões, consegue discutir até razoavelmente bem sobre as responsabilidades das mulheres de hoje que não apenas precisam cuidar da família mas também lidar com seus aspectos profissionais dentro do competitivo mercado de trabalho. Recentemente me lembrei do filme após uma reportagem de capa da revista Veja onde vários casais (e pessoas solteiras) se diziam muito felizes sem filhos. Afinal olhando objetivamente temos que concordar que apesar de ser algo natural na vida das pessoas ter um filho hoje em dia importa em se assumir uma carga pesada, não apenas emocional mas financeira também. Para quem deseja uma vida mais despreocupada e leve a opção é realmente curtir a vida, sem a responsabilidade de cuidar de crianças. Enfim, recomendo esse “Um Presente Para Helen”, um filme que diverte e levanta bons debates ao mesmo tempo.

Um Presente Para Helen (Raising Helen, Estados Unidos, 2004) Direção: Garry Marshall / Roteiro: Patrick J. Clifton, Beth Rigazio / Elenco: Kate Hudson, John Corbett, Joan Cusack / Sinopse: Helen Harris (Kate Hudson) é uma mulher bem sucedida, grande profissional que não tem a menor intenção de ter filhos para prejudicar sua ascensão na carreira até que por uma fatalidade acaba ficando responsável por três crianças colocando sua vida de cabeça para baixo.

Pablo Aluísio.

Starsky & Hutch

Por volta de 2004 eu costumava ir muito mais ao cinema, o preço não era tão indecente e a violência não tinha explodido no Brasil, além disso não havia a facilidade da internet. Em visto disso era normal que as salas de exibição se tornassem as únicas alternativas de um cinéfilo como eu. Por essa época me recordo que assistia até a três sessões diárias pois havia sido inaugurado um multiplex perto de minha casa. Assim juntando o útil ao agradável assistia muitos filmes. Um deles foi esse “Starsky & Hutch - Justiça em Dobro”, uma típica produção que não veria no cinema por ser uma comédia sem maior importância. De qualquer maneira como estava gostando de minhas maratonas cinematográficas acabai encaixando ele entre as sessões dos principais filmes.

É um remake de uma antiga série de tv dos anos 70 que fez bastante sucesso. O tom do filme é quase de veneração ao programa de televisão setentista, tanto que alguns atores que participaram dos episódios originais ressurgem aqui em participações especiais. O elenco reúne esse grupo de jovens humoristas que vez ou outra trabalham juntos: Ben Stiller, Owen Wilson e Vince Vaughn. Do trio o que mais gosto é do Vaughn, que sempre interpreta aquele tipo de cara de pau assumido, nunca parecendo levar nada à sério na vida. Wilson segue repetindo seu eterno tipo, a do loiro de praia, meio avoado, que não está muito aí para nada. Já Stiller é o almofadinha da trupe, sempre preocupado com seu cabelo encaracolado, um penteado bem esquisito que fez sucesso naqueles anos da discoteca. Assim deixo a dica, não é obviamente nenhum grande filme mas diverte se você não for exigente demais. É aquele tipo de produção para assistir com muita pipoca e coca-cola.

Starsky & Hutch - Justiça em Dobro (Starsky & Hutch, Estados Unidos, 2004) Direção: Todd Phillips / Roteiro: William Blinn, Stevie Long / Elenco: Ben Stiller, Owen Wilson,  Vince Vaughn, Snoop Dogg / Sinopse: Dois policiais, Starsky e Hutch, enfrentam perigosos criminosos e traficantes enquanto se envolvem em diversas confusões.

Pablo Aluísio.

Ironweed

Jack Nicholson certamente é um dos grandes atores da história do cinema. Hoje em dia ele anda semi-aposentado, o que é natural haja vista sua idade e sua pouca disposição de trabalhar muito nessa fase de sua vida. Nada mais justo, a carreira de Jack fala por si e sua filmografia é uma das mais interessantes que existem. Tive o privilégio de acompanhar muitos de seus filmes – inclusive os assistindo no cinema, algo que tenho orgulho de dizer. Antes de estrelar o blockbuster “Batman”, Nicholson estrelou esse pequeno filme chamado “Ironweed”. Dirigido pelo cineasta Hector Babenco e co-estrelado pela sempre excelente Meryl Streep, sempre achei a obra muito subestimada, inclusive no Brasil onde colecionou criticas rabugentas e mal humoradas pela imprensa especializada. Sempre senti nesses textos um certo rancor pessoal de alguns jornalistas contra Hector Babenco, como se quisessem ir à desforra contra o diretor. A razão de tanto ressentimento? Não tenho a menor idéia. Só sei que adorei o filme quando o assisti pela primeira vez, apesar das inúmeras bordoadas que levou aqui no Brasil.

A trama conta a estória de Francis Phelan (Jack Nicholson). Além de sofrer de esquizofrenia ainda tem muitos problemas com a bebida. Um outsider, uma pessoa à margem. Por mero acaso acaba conhecendo Helen Archer (Meryl Streep), uma ex-cantora já um tanto desiludida da vida. Ambos são alcoólatras e entre uma bebedeira e outra começam a desenvolver uma relação muito afetuosa, baseada em apoio mútuo e solidariedade. O filme é baseado no livro de mesmo nome escrito por William Kennedy, que inclusive foi vencedor do maior premio de literatura dos EUA, o Pulitzer. É uma crônica sobre duas pessoas que não se enquadram naquilo que a sociedade dominante entende ser o certo. Sempre digo que nunca é fácil adaptar grandes livros para a tela mas como aqui temos o roteiro escrito pelo próprio autor do livro as coisas ficam mais fáceis. No geral é um drama maravilhoso, interpretado por dois atores simplesmente geniais. Uma daquelas produções que marcam bastante e do qual não se esquece tão cedo.

Ironweed (Ironweed, Estados Unidos, 1987) Direção: Hector Babenco / Roteiro: William Kennedy, baseado em seu próprio livro “Ironweed” / Elenco: Jack Nicholson, Meryl Streep, Carroll Baker, Michael O'Keefe / Sinopse: “Ironweed” narra a estória de uma relação entre duas pessoas que não se enquadram dentro da sociedade. Indicado aos Oscars de Melhor Ator (Jack Nicholson) e Melhor Atriz (Meryl Streep). Indicado ao Globo de Ouro de Melhor Ator – Drama (Jack Nicholson).

Pablo Aluísio.

Sem Perdão

Ainda sem titulo em português esse é o novo filme do ator Colin Farrell. Ele interpreta Victor, um sujeito de poucas palavras que trabalha para Alphonse (Terrence Howard), líder de um grupo de criminosos que vem sem ameaçado através de cartas anônimas e pistas deixadas que no fundo não levam a lugar nenhum. As coisas pioram quando um de seus capangas é encontrado morto dentro de um freezer com mais uma mensagem enigmática para ele. Apesar de ter vários inimigos, que foram surgindo ao longo de muitos anos de atividades criminosas ele sinceramente não tem a menor idéia de quem seja o autor das ameaças. Nervoso e paranóico com a situação acaba matando sem muitas provas um membro de uma gangue rival, sem autorização dos grandes chefes do crime. Enquanto seu chefe entra nesse beco sem saída Victor acaba encontrando o amor numa vizinha de prédio, a delicada Beatrice (Noomi Rapace), uma jovem que teve seu rosto desfigurado em um acidente de carro. Solitário, Victor acaba vendo nela uma possibilidade de redenção pessoal, afinal há muitos anos não se envolve com ninguém.

“Dead Man Down” é interessante porque sua trama vai se desvencilhando aos poucos na tela. Não caberia aqui lançar textos entregando as surpresas dos acontecimentos mas cabe o aviso de que o filme se desenvolve muito além da sinopse exposta acima. De fato nem o personagem do ator Colin Farrell é o que aparenta ser e nem a sua vizinha Beatrice é de fato a doce e sofrida garota que ele pensa que ela é. Também não se trata de um filme em que a ação seja o centro de tudo, há uma preocupação até louvável do roteiro em desenvolver bem todos os personagens em cena, muito embora o seu clímax mais pareça retirado de um action movie da década de 80, com muitos tiros e sangue espalhados para todos os lados. O diretor sueco Niels Arden Oplev é o mesmo do sucesso recente “Os Homens Que Não Amavam as Mulheres” mas esse filme é bem menos sofisticado do que aquele. No fundo “Dead Man Down” é apenas um bom entretenimento com seqüências interessantes e trama que prende a atenção. Se for isso que você estiver procurando então encontrará uma boa opção para seu fim de noite.

Sem Perdão (Dead Man Down, Estados Unidos, 2013) Direção: Niels Arden Oplev / Roteiro: J.H. Wyman / Elenco: Colin Farrell, Noomi Rapace, Terrence Howard, Dominic Cooper, Isabelle Huppert / Sinopse: Membro de uma quadrilha de criminosos se apaixona por sua vizinha de prédio ao mesmo tempo em que esconde terríveis eventos de seu passado.

Pablo Aluísio.

A Bela e a Fera

Após o sucesso de “A Pequena Sereia” a Disney voltou a errar com uma seqüência tardia de “Bernardo e Bianca”. Não era o momento para algo assim, pois havia um consenso de que o estúdio deveria ter avançado em suas animações inovadoras como havia acontecido em “A Pequena Sereia”. Felizmente para os fãs as coisas voltaram aos eixos com esse “A Bela e a Fera”. Com o avanço da tecnologia o estúdio produziu uma animação que realmente deixou seus espectadores de queixo caído. O nível técnico desse filme foi considerado perfeito em seu lançamento. Havia cenas de grande perfeccionismo, como por exemplo, na cena de dança entre a bela e a fera. A trama era baseada no livro escrito por Jeanne-Marie Le Prince de Beaumont. Um príncipe é amaldiçoado e se torna uma besta, uma fera de aspecto assustador e terrível. Para tentar voltar a ser um jovem e belo príncipe novamente ele terá que conquistar o amor e o coração de uma jovem chamada Bela pois caso contrário se tornará uma fera para sempre.
   
O filme foi considerado uma obra prima e causou tamanha repercussão na crítica que conseguiu ganhar uma indicação ao Oscar de melhor filme do ano! Um feito inédito até então. Outro ponto de destaque foi a parte musical da animação. Assim como aconteceu com “A Pequena Sereia” aqui temos uma trilha sonora primorosa composta pelos talentosos Howard Ashman e Alan Menken. Ashman infelizmente não viu seu trabalho concluído pois morreria de AIDS precocemente. Seu trabalho porém foi considerado tão excelente que conquistou a chamada tríplice coroa pois "Beauty and The Beast" foi premiado pelo Oscar, pelo Grammy e pelo Globo de Ouro, os três principais prêmios da indústria cultural nos EUA. Em termos de bilheteria o filme foi ainda mais bem sucedido do que “A Pequena Sereia” chegando a praticamente o dobro da bilheteria conquistada por aquele filme. Um sucesso absoluto. Revisto hoje em dia “A Bela e a Fera” mantém o encanto. É uma daquelas animações definitivas que mudaram a forma como os longas de animação seriam encarados dali em diante. Não há outra conclusão, é uma obra prima belíssima e perfeita. Um esplendor.

A Bela e a Fera (Beauty and the Beast, Estados Unidos, 1991) Direção: Gary Trousdale, Kirk Wise / Roteiro: Linda Woolverton, baseado na obra de Jeanne-Marie Le Prince de Beaumont / Elenco (vozes): Robby Benson, Paige O'Hara, Richard White, Jerry Orbach / Sinopse: Um príncipe é amaldiçoado e se torna uma besta, uma fera de aspecto assustador e terrível. Para tentar voltar a ser um jovem e belo príncipe novamente ele terá que conquistar o amor e o coração de uma jovem chamada Bela pois caso contrário se tornará uma fera para sempre. Vencedor dos Oscars de Melhor Trilha Sonora e Melhor Canção Original ("Beauty and the Beast"). Vencedor do Globo de Ouro nas categorias Melhor Comédia ou Musical, Melhor Trilha Sonora Original e Melhor Canção Original ("Beauty and the Beast"). Vencedor do Grammy nas categorias Melhor Álbum Infantil, Melhor Performace Musical Pop, Melhor Composição Instrumental, Melhor Canção ("Beauty and the Beast") e Melhor Performance Instrumental Pop.

Pablo Aluísio.

A Pequena Sereia

Depois de anos em completo marasmo, com animações que eram criticadas pela imprensa especializada e solenemente ignoradas pelo grande público os estúdios Disney finalmente reencontraram o caminho do sucesso, como não acontecia há anos. “A Pequena Sereia” foi um enorme êxito de público e critica, chegando a uma cifra de bilheteria realmente fenomenal para uma animação, com mais de 200 milhões de dólares arrecadados em todo o mundo. Para falar a verdade não havia grande segredo. Bastava apenas o estúdio resgatar o espírito de seus próprios clássicos para voltar a ser a companhia número 1 dessa área. Assim como aconteceu em seus anos de ouro o estúdio Disney resolveu adaptar uma obra literária, um conto de fadas bem conhecido, escrito por Hans Christian Andersen. Seu conto cativante contava a estória de uma pequena sereia do mar que curiosa sobre o mundo dos humanos resolvia ir conhecer como era a vida deles de perto. Nessa viagem de descobrimento ela acabava se apaixonando por um príncipe, o que daria origem a muitos conflitos e confusões.

Andersen foi genial em seu texto uma vez que resolveu resgatar as sereias, seres mitológicos que sempre apareciam como entidades do mal nas antigas estórias, pois cantavam para os marinheiros com o objetivo de levá-los ao fundo do mar de onde jamais retornariam. A Ariel de Andersen por outro lado era uma figura romântica, um espelho de uma adolescente descobrindo o mundo e o amor. Além da animação da Disney ser das mais inspiradas outro ponto foi decisivo para o sucesso de “A Pequena Sereia”: sua música! Com canções desse nível o desenho certamente jamais seria ignorado como havia ocorrido com outros filmes do estúdio. O destaque obviamente vai para as canções "Under the Sea" (que inclusive levou o Oscar em sua categoria) e "Kiss the Girl" (que venceu o Grammy). O sucesso de vendas também se repetiria no mercado fonográfico coroando ainda mais o projeto. Enfim, não há muito mais o que se elogiar. “A Pequena Sereia” foi o começo de uma nova era para a Disney, iniciando uma fase brilhante do estúdio que ainda vamos comentar bastante aqui no blog. Até lá!

A Pequena Sereia (The Little Mermaid, Estados Unidos,1989) Direção: Ron Clements, John Musker / Roteiro: John Musker, Ron Clements, baseado na obra de Hans Christian Andersen / Elenco (vozes): Rene Auberjonois, Christopher Daniel Barnes / Sinopse: Pequena sereia do fundo do mar se apaixona por um príncipe humano. Adaptação do famoso conto escrito pelo autor Hans Christian Andersen.

Pablo Aluísio.

Mistério no Parque Gorky

Eu indico esse filme aos cinéfilos que gostam de tramas bem intrigadas e complexas. Veja, há uma premissa inicial (a morte misteriosa de três pessoas no Parque Gorky em Moscou). A partir daí um policial russo chamado Renko (William Hurt) vai investigar o caso. O que parecia ser apenas mais um caso de triplo homicídio acaba revelando outras sub-tramas que levam a mais mistérios chegando tudo a uma verdadeira rede de conspirações, falsas pistas, KGB, contrabandistas americanos, CIA e tudo o que você mais possa imaginar. Na realidade o filme exige atenção redobrada do espectador para que não perca o fio da meada. O roteiro obviamente usa e abusa das chamadas reviravoltas que ocasionam outras reviravoltas até chegar a um clímax final. O curioso é que o filme foi rodado nos EUA em plena guerra fria. Havia de certa forma uma curiosidade dos americanos em relação aos métodos policiais de seus inimigos do leste. O tom se aproveita disso para prender ainda mais a atenção do espectador.

O elenco é muito bom, inclusive com William Hurt, ainda bastante jovem e pasmem posando de galã e herói de ação. Outro destaque é a presença do veterano Lee Marvin fazendo um personagem bem mais sofisticado do que ele costumava interpretar (geralmente Marvin representava caras durões em filmes de muita ação, algo que não se repete nesse filme). Por fim temos belas locações que tentam reproduzir a chamada União Soviética (o filme não foi filmado lá, mas sim na fria e distante Finlândia, já que ainda se vivia os dias da guerra fria, onde filmagens eram terminantemente proibidas pelo governo comunista). Mesmo não sendo a verdadeira URSS o filme consegue convencer. É isso, gosta de mistérios e tramas misteriosas? Então certamente você gostará de "O Mistério do Parque Gorky".

Mistério no Parque Gorky (Gorky Park, Estados Unidos,1983) Direção: Michael Apted / Roteiro: Dennis Potter, baseado na novela de Martin Cruz Smith / Elenco: William Hurt, Lee Marvin, Brian Dennehy / Sinopse: Mortes no parque Gorky em Moscou acabam desencadeando uma série de conspirações envolvendo pessoas acima de qualquer suspeita na União Soviética durante a chamada Guerra Fria.

Pablo Aluísio.

A Recruta Benjamin

Para quem assistiu recentemente “A Recruta Hollywood” indico esse filme, o original, “A Recruta Benjamin”. Comparações se tornam covardia aqui, é claro. Enquanto em “A Recruta Hollywood” tínhamos a celebridade (e péssima atriz) Jessica Simpson, aqui temos a ótima comediante Goldie Hawn. Simpática, talentosa e com ótimo timing para o humor, Goldie literalmente segura as pontas nessa comédia oitentista que brinca com o fato de uma garota, loira e mimada, ir parar nas fileiras do exército americano. Judy Benjamin (Goldie Hawn) acaba se iludindo com um anúncio das forças armadas e resolve entrar no serviço militar. A partir daí várias confusões são criadas por causa da disparidade entre o que ela pensava ser a vida no exército e o que ela realmente encontra no quartel.

Goldie Hawn acabou levando uma improvável indicação ao Oscar por esse filme. E não foi só, a atriz Eileen Breenan, que interpretava a capitã linha dura Lewis também foi indicada na categoria Atriz Coadjuvante, mostrando que se em termos de roteiro e argumento “A Recruta Benjamin” não era lá grande coisa, sem dúvida a atuação do elenco feminino agradou e muito aos membros da Academia. As indicações já foram um prêmio uma vez que não é comum atrizes serem premiadas por comédias (geralmente elas vencem atuando em dramas). O filme era até bem comum na programação de nossos canais abertos mas há muitos anos não é mais reprisado, uma pena pois é uma comédia acima de tudo divertida e simpática que enobrece o grande talento humorístico da sempre inspirada loirinha Goldie Hawn.

A Recruta Benjamin (Private Benjamin, Estados Unidos, 1980) Direção: Howard Zieff / Roteiro: Nancy Meyers, Harvey Miller, Charles Shyer / Elenco: Goldie Hawn, Eileen Brennan, Armand Assante, Sam Wanamaker, Mary Kay Place / Sinopse: Judy Benjamin (Goldie Hawn) acaba se iludindo com um anúncio das forças armadas e resolve entrar no serviço militar. A partir daí várias confusões são criadas por causa da disparidade entre o que ela pensava ser a vida no exército e o que ela realmente encontra no quartel.

Pablo Aluísio.

Estranha Obsessão

Uma boa dica para quem gosta de thrillers de suspense que fujam do convencional que é apresentado pelo cinema comercial americano atualmente é essa produção britânica francesa chamada "La femme du Vème". A premissa é até simples: Tom Ricks (Ethan Hawke) é um escritor e professor norte-americano que vai até Paris atrás de sua filhinha. Ele é divorciado e sua ex-esposa tem contra ele uma ordem de restrição judicial que o impede de chegar perto da garota. Tentando de todas as formas ficar em Paris o professor acaba se hospedando numa pensão de segunda categoria nos arredores da cidade. A partir daí o filme toma rumos surpreendentes. Isso porque o roteiro é bem sofisticado, ao mesmo tempo colocando o personagem principal como suspeito de algumas mortes sem nunca deixar claro ao espectador se ele tem mesmo algo a ver com os crimes ou se tudo não passa de uma estranha coincidência. O curioso aqui é que nem mesmo o professor sabe ao certo o que está acontecendo ao seu redor. Como se não bastasse a intrigante trama ainda temos a beleza natural de Paris como pano de fundo, aqui mostrada mais em sua parte menos turística - o que torna bem mais interessante para quem quer conhecer um pouco o outro lado menos glamouroso da cidade luz.

Para completar o clima de surrealismo e mistério do filme há ainda uma estranha mulher que o escritor conhece numa festa. Margit (Kristin Scott Thomas) surge do nada e traz algum consolo ao melancólico professor que parece viver em constante tristeza por causa da situação aflitiva que vive. Margit é justamente a tal mulher citada no título do filme. Sua inserção na trama é muito especial e não convém contar mais nada sobre ela para não estragar as surpresas que o roteiro tem para o público. "Estranha Obsessão" tem ritmo europeu, ou seja, nada de explosões e correrias como vemos nos thrillers americanos. Aqui a trama é desenvolvida muito mais no aspecto psicológico onde nada é explicitamente esclarecido cabendo ao espectador tirar suas próprias conclusões. Tudo acontece de forma gradual, com calma e clima dando chance de reflexão ao público. O argumento é tecido de forma muito inteligente e bem desenvolvido. O final é particularmente enigmático, o que certamente dará margem a muitas interpretações diferenciadas. Recomendo a produção para quem deseja assistir um produto mais inteligente, sofisticado, diria até sensorial. Valerá a pena a experiência.

Estranha Obsessão (La femme du Vème, França, Inglatera, 2011) Direção: Pawel Pawlikowski / Roteiro: Douglas Kennedy, Pawel Pawlikowski / Elenco: Ethan Hawke, Kristin Scott Thomas, Joanna Kulig / Sinopse: Tom Ricks (Ethan Hawke) é um escritor e professor norte-americano que vai até Paris atrás de sua filhinha. Ele é divorciado e sua ex-esposa tem contra ele uma ordem de restrição judicial que o impede de chegar perto da garota. Tentando de todas as formas ficar em Paris o professor acaba ficando numa pensão de segunda categoria nos arredores da cidade.

Pablo Aluísio

Quero Matar Meu Chefe

Três amigos decidem conspirar para literalmente matar seus respectivos chefes, pessoas horríveis em sua forma de ver. O que parece ser um plano promissor porém logo se transforma em uma grande confusão para todos os envolvidos. Não há como negar que “Quero Matar Meu Chefe” é divertido e engraçado. São garantidas pelo menos três boas risadas nele (coisa que em produções recentes está cada vez mais raro de acontecer). Infelizmente essas três boas cenas que irão fazer rir o espectador não são tão comuns ao longo do filme. O problema é que "Horrible Bosses" é muito irregular e em muitos momentos não consegue ser tão engraçado como poderia ser. Tudo começa muito bem, as cenas mostrando como os chefes (Jennifer Aniston, Kevin Spacey e Colin Farrell) são horríveis, são bem boladas e divertidas (principalmente as que envolvem Spacey). O problema surge a partir do momento em que o trio central decide levar à frente seus planos.

Surge nessa parte do filme o primeiro bom personagem desperdiçado pelo roteiro: "Motherfucker" Jones (Jamie Foxx). Esse personagem, responsável por bons momentos de humor, não é bem aproveitado e acaba se perdendo no desenrolar do filme. Idem para a personagem de Aniston, a dentista tarada, que também poderia render muito mais mas que fica no meio do caminho. O roteiro tem muitos altos e baixos - algumas cenas são divertidas e outras bem sem graças. Alguns momentos são bem bolados e outros logo se transformam em pura baixaria. Enfim, se fosse definir essa comédia diria que é uma montanha russa - em que você se diverte mas que também sai com a sensação de que "poderia ser bem melhor".

Quero Matar Meu Chefe (Horrible Bosses, Estados Unidos, 2011) Direção: Seth Gordon / Roteiro: Michael Markowitz, John Francis Daley / Elenco: Kevin Spacey, Jennifer Aniston, Colin Farrell, Jason Sudeikis, Jason Bateman, Donald Sutherland / Sinopse: Três amigos decidem conspirar para literalmente matar seus respectivos chefes, pessoas horríveis em sua forma de ver. O que parece ser um plano promissor porém se transforma logo em uma grande confusão.

Pablo Aluísio.

Austrália

Nem sempre uma grande produção e um enredo ao velho estilo garantem a realização de um bom filme. Um exemplo disso é esse “Austrália”, uma superprodução que tinha a pretensão de reviver o clima dos grandes épicos do passado, mais precisamente da era de ouro de Hollywood. Não deu muito certo. Usando como referência um dos maiores clássicos da história, “E o Vento Levou”, o diretor Baz Luhrmann tentou recriar as tintas desse tipo de filme que sinceramente não se faz mais. Não adianta ter uma mulher forte como personagem central e nem um interesse romântico personificado em um homem rude como vemos aqui. Tem que haver mais, entre elas uma estória de fato cativante e o mais importante: muito calor humano nos dramas passados na tela. “Austrália” infelizmente não tem nada disso. O roteiro narra a luta de uma dona de fazendas naquele distante país. Ela tem que enfrentar não apenas as adversidades naturais como também os problemas causados pelo próprio homem, entre eles uma guerra internacional (a II Guerra Mundial) e conflitos internos.

Essa personagem é uma aristocrata interpretada pela atriz Nicole Kidman. Sua fazenda é um latifúndio a se perder de vista, com mais de duas mil cabeças de gado. Ao seu lado conta apenas com o apoio de seus empregados, entre eles um rústico capataz vivido pelo “Wolverine” Hugh Jackman. Como a intenção do diretor sempre foi recriar algo próximo do famoso filme com o casal Vivien Leigh e Clark Gable, seus personagens em cena lembram em muito os que vimos no clássico de 1939. O problema é que não possuem carisma nenhum. Adoro Nicole Kidman como atriz e profissional mas ela está completamente perdida aqui. Não consegue encontrar o tom certo de seu papel e se perde no meio da trama arrastada que parece nunca ter fim (o filme é longo demais, certamente confundindo longa duração com qualidade, algo que definitivamente não é a mesma coisa). No final das contas temos um verdadeiro elefante branco cinematográfico. Um filme que não agradou a ninguém (foi um fracasso de bilheteria) provando que não basta apenas tentar repetir a fórmula dos grandes filmes do passado para fazer um épico clássico, tem que ter talento para isso.

Austrália (Australia, Estados Unidos, Austrália, 2008) Direção: Baz Luhrmann / Roteiro: Baz Luhrmann, Ronald Harwood / Elenco: Nicole Kidman,  Hugh Jackman, Bryan Brown / Sinopse: Rica proprietária de uma enorme fazenda na Austrália tem que enfrentar uma série de adversidades para tocar em frente seu empreendimento.

Pablo Aluísio.

Matador de Aluguel

Por falar em Patrick Swayze (1952–2009) me lembrei de um de seus filmes mais sui generis. Era o final dos anos 80, Swayze havia saído de um de seus grandes sucessos, Dirty Dancing, mas não conseguia mais repetir o mesmo êxito de bilheteria. Na verdade desde aquela época percebi uma certa indefinição em sua carreira. O ator não sabia ao certo se virava um galã de filmes românticos ou um novo herói de ação (afinal eram os anos 80, a época de ouro dos action movies). Tentando acertar em algum filão o ator acabou estrelando esse singular “Road House”. Recentemente o desenho animado “The Family Guy” tirou uma onda em cima do filme ao mostrá-lo como o preferido do personagem Peter Griffin. Para ele esse seria “o melhor filme de todos os tempos”! Uma piada irônica sobre as poucas qualidades da produção, é claro. Até a frase de promoção de “Matador de Aluguel” serve hoje de piada: “Ele é ligado em ação, música quente e mulheres”. Francamente...

Eu me recordo que assisti “Matador de Aluguel” em um cinema poeira da minha cidade. Na platéia apenas o público que consumia pancadaria na época: trabalhadores comuns, geralmente da construção civil e torcedores de futebol (na maioria corintianos). É claro que essa turma não queria assistir Shakespeare, queria ver ação insana da primeira à última cena. E para minha surpresa o público gostou do que viu. Claro que não era Stallone, o rei desse filão, mas sim aquele cara que rebolava em “Dirty Dancing” mas mesmo assim, com certas reservas, o povão gostou. E afinal qual era o “roteiro” de “Road House”? Bem, Swayze interpretava um leão de chácara, um sujeito bom de punhos que não levava desaforos para casa! Ele chega numa cidadezinha do Missouri e vai trabalhar em um bar – daqueles bem barra pesada – e literalmente sai no braço com os que querem anarquizar o local! Isso obviamente acaba irritando um chefão local, o bandidão Brad Wesley (Ben Gazzara). A partir daí não precisa ser vidente para descobrir o que acontece: muitas brigas e ação, com Swayze suando a camisa para demonstrar que levava jeito para os filmes de ação. O filme envelheceu? Claro que sim, mas é aquele tipo de coisa, hoje tudo soa muito mais divertido do que na época. Pelo visto Peter Griffin não estava tão errado assim.

Matador de Aluguel (Road House, Estados Unidos,1989) Direção: Rowdy Herrington / Roteiro: David Lee Henry / Elenco: Patrick Swayze, Kelly Lynch, Sam Elliott, Ben Gazzara / Sinopse: Leão de chácara sai nos tabefes com quem pretende bagunçar no bar onde trabalha. Sua pose de valentão e bom de briga logo irrita um poderoso chefão local que agora deseja tirá-lo do mapa o mais rápido possível.

Pablo Aluísio.

Ghost – Do Outro Lado da Vida

Um sucesso improvável. Assim podemos definir “Ghost”, um dos maiores fenômenos de bilheteria da década de 1990. Sua trajetória de sucesso lembra bastante a de outro filme, quase da mesma época, que também caiu nas graças do público para surpresa do estúdio, “Uma Linda Mulher”. Ambos foram filmes lançados em temporadas consideradas de baixa, quase como um “tapa buraco” na programação das salas de cinema dos EUA, mas que, contra todas as previsões, viraram grandes recordistas de vendas de ingressos. Também tem em comum o fato de serem filmes românticos, com forte apelo emocional, embora “Ghost” também tenha se aproveitado do talento de uma boa comediante e de um enredo que tangencia o sobrenatural com muita inspiração. Aqui temos a trágica estória de Sam Wheat (Patrick Swayze), brutalmente assassinado, no auge de seu relacionamento com Molly Jensen (Demi Moore). Do além ele decide resolver a trama de sua morte ao mesmo tempo em que busca punição para seu assassino.

Para isso contará com a ajuda de uma picareta, uma charlatã que finge ser médium e vidente, Oda Mae Brown (Whoopi Goldberg), que logo se tornará responsável pelas melhores cenas de humor de todo o filme. Como todo grande sucesso de bilheteria “Ghost” acabou entrando definitivamente para o universo da cultura pop com cenas marcantes, que não foram mais esquecidas pelos cinéfilos, como a famosa seqüência do vaso na argila, ao som do hit romântico “Unchained Melody” dos Righteous Brothers. Seu sucesso marcou também no mundo da estética (o cabelo curtinho de Demi Moore virou moda) e do próprio cinema (que de repente se viu lançado vários filmes com temática semelhante). No geral é um filme muito bom, que ainda resiste bem ao tempo, apesar de ter sido lançado há mais de 20 anos. Com efeitos especiais discretos e bem realizados, uma trama de assassinato, pitadas de bom humor e um toque romântico à prova de falhas, não é de se admirar que ainda continue tão cultuado e querido pelo público.

Ghost – Do Outro Lado da Vida (Ghost, Estados Unidos, 1990) Direção:  Jerry Zucker / Roteiro: Bruce Joel Rubin / Elenco: Patrick Swayze, Demi Moore, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn / Sinopse: Após ser morto, Sam Wheat (Patrick Swayze), tentará do além-vida prender o seu assassino. Para isso contará com a ajuda muito especial de uma médium charlatã Oda Mae Brown (Whoopi Goldberg, vencedora do Oscar por esse papel).

Pablo Aluísio.

Psicose II

Após passar 22 anos internado numa instituição para criminosos insanos Norman Bates (Anthony Perkins) finalmente é submetido a uma comissão formada por psiquiatras e especialistas que decidem que ele está finalmente apto para voltar à vida na sociedade. Após uma tumultuada audiência judicial – que conta com a presença de parentes de vítimas indignados com a possibilidade dele ganhar às ruas novamente – Norman Bates se torna mais uma vez um homem livre. Ele passa então a ter um pequeno acompanhamento apenas como formalidade. De volta ao infame Bates Motel ele agora terá que reconstruir sua vida. Sua casa, onde viveu ao lado de sua mãe está completamente abandonada mas o motel ainda funciona, tocado por um gerente indicado pela justiça. O problema é que o local virou um ponto de encontro de usuários de drogas e prostituição o que deixa Norman chocado e irritado! Mas as mudanças terão que esperar um pouco. Como parte de sua recuperação Bates começa então a trabalhar em uma lanchonete enquanto se organiza novamente na vida. Lá simpatiza com uma garçonete, Mary Loomis (Meg Tilly) que logo se torna sua amiga. O que ele não desconfia é que ela tem uma forte ligação com seu passado violento!

“Psicose II” é uma continuação tardia do clássico de Alfred Hitchcock. Quando foi anunciado muitos acharam de muito mal gosto mexer com um enredo que havia marcado tanto na história do cinema americano. Mas como a Universal andava em uma crise financeira sem precedentes e tinha os direitos sobre os personagens de Psicose resolveu-se tentar ressuscitar todo aquele universo que tanto sucesso havia feito no passado. Assim Norman Bates ganhou a liberdade e voltou para seu sinistro motel de beira de estrada. O que mais chama a atenção aqui é a tentativa do roteiro em mexer com as neuroses de Bates de uma maneira pouco convencional. Existe um grupo de pessoas que querem que ele volte à insanidade para que seja encarcerado de novo. Também há uma sutil insinuação de que a mãe de Norman de fato é uma entidade do mal que ronda sua vida, não sendo apenas fruto de sua mente doentia. Algumas pontas ficam soltas na estória e certas situações soam forçadas demais (como o surgimento da “verdadeira” mãe de Norman Bates) mas de uma maneira em geral o filme consegue à duras penas se manter em um nível aceitável. A falta de Hitchcock se torna óbvia mas o diretor Richard Franklin faz o que é possível para preencher essa lacuna, inclusive usando de tomadas ousadas que repercutem muito bem no saldo final. Em termos de violência “Psicose II” é bem contido, existem apenas duas cenas mais explicitas mas que felizmente nunca caem no mal gosto. Assim temos um filme que a despeito de ser desnecessário pode vir a entreter aos fãs do filme original. Afinal de contas muita gente ficou curiosa no final de Psicose sobre o destino do personagem depois de todos aqueles acontecimentos.

Psicose II (Psicose II, Estados Unidos, 1983) Direção: Richard Franklin / Roteiro: Tom Holland, Robert Bloch / Elenco: Anthony Perkins, Vera Miles, Meg Tilly / Sinopse: Norman Bates (Anthony Perkins) volta para a liberdade após passar mais de 20 anos internado em um sanatório para criminosos insanos. Agora de volta à vida normal ele terá que lidar com seus próprios demônios interiores.

Pablo Aluísio.

O Garoto do Futuro

Nos anos 80 valia tudo (ou quase tudo) no chamado cinema para adolescentes. Foi de certa forma a época de ouro para esse filão. John Hughes estava no auge, lançando uma crônica juvenil atrás da outra e com o sucesso dele, novos filmes foram idealizados e lançados. Foi então que começou uma verdadeira mistura de gêneros, e como não poderia deixar de ser os produtores resolveram unir os filmes de adolescentes com a mitologia dos monstros da Universal. Nasceu assim a idéia desse “Teen Wolf”. Basicamente se tratava de uma grande diversão onde um típico adolescente americano descobria que descendia de uma longa linhagem de lobisomens! Antes de qualquer coisa esqueça os gritos, as mortes, o sangue jorrando e tudo mais, “Garoto do Futuro” era um filme muito leve, focado principalmente na diversão pipoca sem qualquer pretensão de ser mais um filme marcante sobre o monstro. Para estrelar o estúdio trouxe o jovem Michael J. Fox que estava fazendo sucesso na série cômica “Caras e Caretas”. Era um novo ídolo teen e seu estilo caía perfeitamente no papel.

O curioso é que “Teen Wolf” foi filmado antes do grande sucesso de Fox em “De Volta Para o Futuro”. Aliás as filmagens do filme produzido por Spielberg começaram ao mesmo tempo em que esse filme estava sendo rodado. O ator escolhido para interpretar Martin McFly era Eric Stoltz mas as coisas não deram muito certo. Foi então que Spielberg mandou parar as filmagens de “De Volta Para o Futuro” até “Teen Wolf” ficar pronto para que só assim Michael J. Fox pudesse entrar no elenco. Vendo o potencial do outro filme os produtores de “Garoto do Futuro” o deixaram na geladeira por vários meses para só o lançar depois de “De Volta Para o Futuro” pois aproveitariam certamente toda a publicidade da outra produção. Nesse meio tempo Fox se tornaria um astro e o filme iria no embalo, o que certamente o tornaria outro sucesso do ator. No Brasil o filme se chamou inicialmente “Lobo Adolescente” mas depois do impacto do filme de Zemeckis tudo mudou, inclusive o título, que mesmo sem muito sentido passou a se chamar “O Garoto do Futuro”. Oportunismo pouco é bobagem!

O Garoto do Futuro (Teen Wolf, Estados Unidos, 1985) Direção: Rod Daniel / Roteiro: Jeph Loeb / Elenco: Michael J. Fox, James Hampton, Susan Ursitti, Jerry Levine, Mark Arnold / Sinopse: Adolescente tipicamente americano acaba descobrindo que é na verdade um lobisomem!

Pablo Aluísio.

Areias Brancas

Depois de alguns fracassos de bilheteria Mickey Rourke tentou recuperar o antigo sucesso com mais um thriller de ação e suspense. O filme foi dirigido pelo bom cineasta Roger Donaldson. A fita se propôs a ser um filme policial de ação com toques de suspense e mistério. Essa película infelizmente chegou em poucas salas nos cinemas brasileiros (apenas nos grandes centros como Rio e São Paulo). Havia todo um efervescente mercado de vídeo (VHS) e assim o filme acabou sendo lançado diretamente nas locadoras em praticamente todo o país, o que achei um erro haja visto que filmes bem piores de Rourke tinham conseguido maior espaço em nossas salas comerciais como “Orquídea Selvagem”, enquanto esse que tinha seu potencial para fazer boa bilheteria por aqui foi praticamente ignorado. Para piorar me recordo bem que o filme foi muito mal lançado em nosso mercado, uma vez que não houve boa publicidade e nem muita repercussão. Para falar a verdade foi até complicado achar a fita para alugar! Um completo descaso com os fãs do ator no Brasil. Por isso muitos ainda desconheçam “Areias Brancas” até hoje.

Mickey Rourke aqui interpreta um perigoso traficante de armas e drogas que é caçado por um xerife feito por Willem Dafoe. O elenco ainda contava com Samuel L. Jackson em boa atuação como um agente federal também em busca de Rourke. O filme tem bom ritmo e excelentes tomadas de ação. É um policial dos bons mas infelizmente não conseguiu alcançar bom resultado comercial. Como se pode perceber o grande atrativo desse filme é seu excelente elenco, formado por atores que estavam em bastante evidência na época. A estética dessa produção também aproveitou bastante daquele clima mais sofisticado e clean que imperava em séries de sucesso na TV como a famosa “Miami Vice”. Na época inclusive li uma critica publicada em um jornal americano que definia “Areias Brancas” como um tipo de encontro entre Mickey Rourke e Miami Vice. Não é para tanto. Esse é um bom momento da carreira de Mickey que infelizmente foi bem subestimado. Agora com o mundo virtual surge uma nova chance dos fãs descobrirem essa produção. Se encontrar por aí não deixe passar batido, vale bastante a pena.

Areias Brancas (White Sands, Estados Unidos, 1992) Direção: Roger Donaldson / Roteiro: Daniel Pyne / Elenco: Mickey Rourke, Willem Dafoe, Mary Elizabeth Mastrantonio,  Samuel L. Jackson,  M. Emmet Walsh / Sinopse: Uma verdadeira caçada é desencadeada após o descobrimento de um corpo numa pequena cidade dos EUA. Thriller policial estrelado por Mickey Rourke e Willem Dafoe.

Pablo Aluísio.

A Recruta Hollywood

Pelo visto Hollywood anda mesmo em crise de criatividade. Essa comédia “A Recruta Hollywood” nada mais é do que uma usurpação da idéia central de um antigo filme chamado “A Recruta Benjamin” com a comediante Goldie Hawn que usava do mesmo ponto de partida: uma beldade loira, mimada e cheia de firulas, acaba indo parar no exército americano! Veja bem, se nem aquele filme original era lá grande coisa imagine essa cópia descarada! Aqui temos uma estrela de cinema, Megan Valentine (Jessica Simpson), que resolve se alistar no U.S. Army com a intenção de dar veracidade ao seu novo filme que terá como personagem principal justamente uma militar.

E então temos aquelas obviedades que nascem de uma garota dessas envolvida numa rígida disciplina militar, sem luxos ou mordomias. Claro que depois de um tempo ela se tornará ciente da importância da pátria e blá, blá, blá... A atriz principal é Jessica Simpson, uma daquelas celebridades loiras americanas vazias que até hoje não convenceram ninguém mas que não saem das capas de revistas de fofocas, ora preocupada com seus casos amorosos, ora mostrando a nova cor do cabelo, ora exibindo sua barriga de gravidez de nove meses... e daí eu pergunto: o que temos a ver com isso? Nada, por isso ignore essa comédia descartável e sem graça.

A Recruta Hollywood (Major Movie Star, Estados Unidos, 2008) Direção: Steve Miner / Roteiro: Steve Miner / Elenco: Jessica Simpson, Vivica A Fox, Steve Guttenberg, Aimee Garcia / Sinopse: Estrela de cinema (Jessica Simpson) acaba entrando no exército americano para provar que é uma boa atriz pois seu próximo personagem será a de uma militar. Isso, é claro, causará muitas confusões dentro do quartel.

Pablo Aluísio.

Alien³

Uma das seqüências mais complicadas já realizadas em Hollywood. De fato por pouco o terceiro filme da franquia Alien não afundou durante sua própria produção. Vários diretores e roteiristas estiveram envolvidos mas em pouco tempo foram substituídos por novos nomes que estivessem mais de acordo com o que os executivos do estúdio queriam. Afinal era uma das franquias mais bem sucedidas da história e eles definitivamente não queriam arriscar em quase nada. No fundo desejavam apenas mais um filme parecido com os anteriores (e se possível tão lucrativo quanto eles foram). Por essa razão houve muita controvérsia nos bastidores da realização dessa terceira sequência, não sendo rara uma constante troca de farpas entre diretores e chefes do estúdio. James Cameron, o diretor do filme anterior, qualificou o novo roteiro de “um tapa na cara dos fãs de Aliens”. Depois de bater a porta anunciou que nunca mais voltaria a se envolver com a franquia. A atriz Sigourney Weaver também hesitou em voltar. Sua hesitação em aceitar ou não fez com que sua personagem fosse eliminada da trama. Isso provava que o filme seria feito com ou sem ela. Depois de muita negociação entrou em acordo com a Fox e por cinco milhões de dólares de cachê resolveu voltar.

Depois de muitas trocas de cadeiras a direção foi finalmente entregue ao jovem cineasta David Fincher que até aquele momento não tinha muito o que mostrar, uma vez que só havia dirigido pequenos curtas e vídeos, além de um documentário sem grande expressão chamado “The Beat of the Live Drum”. Assim Fincher tentou conciliar suas próprias idéias para o filme com aquilo que o estúdio queria ter em mãos. Não foi fácil. A visão de Fincher era um tanto fora dos padrões, o que elevou o nível de tensão durante as filmagens. De fato é o filme da franquia mais diferenciado de todos, com um clima próprio e soluções singulares para a trama e os personagens. O filme chegou aos cinemas sob uma chuva de críticas negativas, conseguindo apenas uma tímida bilheteria dentro dos EUA (mas se tornando um sucesso pelo mundo afora). Revisto hoje em dia temos que reconhecer que não é um filme de fácil digestão. Alguns pontos funcionam e outros não, mesmo assim merece reconhecimento pela ousadia em seus planos e na narrativa. Isso de certa forma já deixava claro o talento de David Fincher que iria se revelar um dos melhores diretores da nova geração nos anos que viriam.

Alien³ (Alien³, Estados Unidos, 1992) Direção: David Fincher / Roteiro: Dan O'Bannon, Ronald Shusett / Elenco: Sigourney Weaver, Charles S. Dutton, Charles Dance / Sinopse: Durante a fuga a nave de Ripley cai em Fury 161, um distante e esquecido planeta nos confins do espaço sideral, cuja população é formada por perigosos condenados de uma prisão de segurança máxima. O problema é que a criatura Alien também parece ter sobrevivido ao terrível acidente pois não tarda a aparecer vários corpos mutilados com marcas do terrível ser alienígena. Agora Ripley terá que enfrentar o monstro mais uma vez.

Pablo Aluísio.