12 Horas

Jill (Amanda Seyfried) é uma jovem que alega ter sido raptada e quase morta anos atrás por um serial killer de mulheres. O problema básico é que ela tem histórico de doença mental e toma remédios controlados que evitam que tenha alucinações recorrentes. Após sua irmã desaparecer Jill, desesperada, recorre à polícia mas essa não lhe dá crédito pois pensa que ela está na realidade passando por mais uma crise de alucinação e paranóia. "Gone" que ganhou o nada atrativo título de "12 Horas" no Brasil é um thriller de suspense que joga o tempo todo em cima do dilema "realidade vs alucinação" da personagem Jill. Estaria ela realmente apenas alucinando ou lutando contra um serial killer real que não a perdoa por ter fugido de suas garras anos antes? É nesse questionamento que o roteiro se apoia. Funciona? Em termos. Talvez os roteiristas tivessem maior êxito se deixassem para revelar o que realmente estaria acontecendo com Jill apenas nos momentos finais mas infelizmente muito antes disso tudo já é definido de forma a não mais deixar dúvidas no espectador. O efeito surpresa é desmontado cedo demais. O que poderia ser um grande clímax se mostra atenuado em seus efeitos. Um pouquinho de suspense a mais não faria mal ao filme em si. Abriram a caixa de Pandora antes da hora!

O argumento também, por ser batido demais, não cria muitas surpresas aos fãs de thrillers. De certo modo um dos problemas de "Gone" é esse, ele não ousa, não surpreende, é muito formulaico em suas propostas. Provavelmente um diretor mais ousado faria maravilhas com a estória mas não é o que acontece aqui. A impressão que fica é a de que o cineasta Heitor Dhalia que dirigiu o filme apenas quis entregar um produto convencional ao estúdio e nada mais. Se a direção e o roteiro não inovam o elenco também segue no banho maria. Amanda Seyfried até que não compromete com seu papel. Com olhos de mangá (grandes demais para seu rosto na minha opinião) a atriz se não disponibiliza uma grande interpretação pelo menos não leva tudo a perder. Esse "Gone" não vai acrescentar muito em sua filmografia mas pelo menos fica como uma experiência nova já que não me lembro de vê-la em nada parecido com esse filme. Se ela vai se tornar uma estrela nos próximos anos ou se vai desaparecer realmente não sei, de qualquer forma não será "Gone" que a levará ao primeiro time em Hollywood.

12 horas (Gone, Estados Unidos, 2012) Direção: Heitor Dhalia / Roteiro: Allison Burnett / Elenco: Amanda Seyfried, Jennifer Carpenter, Wes Bentley / Sinopse: Jill (Amanda Seyfried) é uma jovem que alega ter sido raptada e quase morta anos atrás por um seriel killer de mulheres. O problema básico é que ela tem histórico de doença mental e toma remédios controlados que evitam que tenha alucinações recorrentes. Após sua irmã desaparecer ela desesperada recorre à polícia mas essa não lhe dá crédito pois pensa que ela está na realidade passando por mais uma crise de alucinação e paranóia.

Pablo Aluísio.

Mulher-Gato

Agora que a trilogia de Batman chega ao fim nos cinemas que tal recordar esse "Mulher-Gato"? Curioso mas a DC Comics parece não ter muita sorte em adaptações de seus personagens para o cinema. Tirando o próprio Batman pouca coisa se salva realmente. Até mesmo um dos personagens mais populares da editora, "O Lanterna Verde", naufragou recentemente em termos de público e crítica. Resta esperar que o novo filme do Superman mantenha a chama acessa, uma vez que o último parece não ter agradado nem ao estúdio e nem ao público em geral. Esse "Mulher-Gato" por outro lado é praticamente uma unanimidade. Massacrado pela crítica e esnobado pelo público o filme parecia ser um túmulo para a divertida personagem do universo Batman. Mas afinal o que deu errado? Acredito que o erro começou na própria escalação da atriz Halle Berry para viver a ladra felina. A verdade é que para o grande público a personagem ainda estava muito associado à bela Michelle Pfeiffer, que interpretou de forma muito sensual a Catwoman no segundo filme da trilogia original de Batman. Roupas, maneirismos, atuação, tudo remetia a Michelle. Aceitar Halle Berry não foi fácil. Para piorar a atuação dela aqui não é nada inspirada. A atriz confunde o tempo todo sensualidade com vulgaridade, o que não acontecia com Pfeiffer.

Para piorar ainda mais o roteiro era derivativo e nada inteligente. Nada justifica essas adaptações de quadrinhos ao cinema terem roteiros tão bobocas! Basta copiar alguns enredos de algumas edições ao estilo Graphic Novel para se ter boas estórias e bons argumentos, haja vista o alto nível que essas publicações alcançaram. Ao invés disso o estúdio contratou uma equipe de roteiristas que criaram uma das estórias mais bobocas que já foram vistas no cinema. A Warner também teve sua grande parcela de culpa no fracasso do filme. Investiu muito dinheiro em uma produção complicada, com o marketing errado e com estrelas como Sharon Stone (já decadente) criando problemas o tempo todo no set. O resultado de tantos equívocos surgiu depois nas bilheterias. O filme naufragou, não conseguindo sequer recuperar o dinheiro de seu custo de produção. Executivos foram demitidos e criou-se uma dúvida sobre a própria viabilidade de se trazer Batman de volta às telas. Conclusão: não basta apenas injetar muito dinheiro numa adaptação de quadrinhos, pensando em retorno certo. Esse público é muito antenado com a cultura pop e sabe muito bem o que presta e não presta em termos de transposição de seus personagens para a tela grande. Por tudo o que aconteceu depois com Batman a Warner parece ter entendido direitinho a lição.

Mulher-Gato (Catwoman, Estados Unidos, 2004) Direção: Pitof / Roteiro: John D. Brancato, Michael Ferris, Mike Ferris, John Rogers / Elenco: Halle Berry, Sharon Stone, Benjamin Bratt, Lambert Wilson, Alex Borstein, John Cassini / Sinopse: Adaptação para o cinema da personagem Mulher-Gato, famosa vilã do universo de quadrinhos de Batman.

Pablo Aluísio.

Império do Sol

Na década de 80 Steven Spielberg colecionou um grande sucesso atrás do outro, não apenas como diretor mas também como produtor. Embora aclamado pelo público a crítica especializada começou a qualificar o cineasta de "Peter Pan", um diretor que não conseguia crescer, que não conseguia realizar bons filmes com temática adulta. A primeira tentativa de ser levado à sério como autor de películas relevantes aconteceu com 1985 com o filme "A Cor Púrpura". Embora bem realizado, focando na sempre importante questão racial, o filme não conseguiu trazer o tão almejado reconhecimento. Indicado a 11 prêmios da Academia a produção conseguiu sair da noite de premiações de mãos vazias. Mesmo derrotado Steven Spielberg não desistiu da idéia de conquistar o Oscar de Melhor filme e direção. Sua segunda tentativa nesse sentido foi com esse "Império do Sol". A estória se passa na II Guerra Mundial e se vale das recordações de um garoto que vivenciou um dos períodos mais sangrentos da história mundial recente. 

Em termos de produção "O Império do Sol" é tecnicamente perfeito. Excelente reconstituição de época, muito luxo e pompa em um filme com ótima direção de arte. O Calcanhar de Aquiles porém surge em um roteiro vacilante que nunca consegue alcançar seus principais objetivos. O enredo tem falhas, inclusive de ritmo, que acaba tornando o filme pesado, sem leveza. O personagem do garotinho também não contribui. Pouco carismático ele acabou sendo interpretado pelo menos carismático ainda Christian Bale (ele mesmo, o Batman dos futuros filmes de Christopher Nolan). Imerso em um mundo caótico com roteiro pouco consistente, "O Império do Sol" foi uma das mais mal sucedidas tentativas de Spielberg em alcançar sua estatueta dourada de melhor diretor e filme. Apesar do lançamento massivo e do marketing agressivo o filme não conseguiu despertar interesse no público fazendo com que o filme passasse longe de se tornar um campeão de bilheteria. Para piorar a crítica torceu o nariz e não deu um bom veredito para o resultado final. Pior aconteceu no Oscar. A Academia ignorou a produção e lhe deu apenas indicações puramente técnicas, nenhuma importante. Spielberg certamente ficou decepcionado mas não desistiu. Ele voltaria a perseguir seu prêmio e seria justamente com outra produção também passada na II Guerra Mundial, mas essa é uma outra história... 

Império do Sol (Empire Of The Sun, Estados Unidos, 1987) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Menno Meyjes, Tom Stoppard / Elenco: Christian Bale, John Malkovich, Miranda Richardson, Nigel Havers, Joe Pantoliano, Ben Stiller / Sinopse: Jim (Christian Bale) é um garotinho de 11 anos que se perde de seus pais durante a segunda guerra mundial na cidade de Xangai, nas vésperas da invasão japonesa à região.

Pablo Aluísio.

Um Novo Despertar

Walter Black (Mel Gibson) é um bem sucedido executivo que sofre uma profunda crise existencial e depressiva. Incapaz de lidar com os aspectos de sua vida por si próprio acaba adotando um fantoche de castor para falar e agir por ele, para espanto de todos à sua volta. É a forma nada comum que encontra para conseguir superar essa terrível fase de sua vida emocional e pessoal. "The Beaver" é um filme muito extremo. A ideia central é extrema por si só. Fica complicado aceitar o fato de um homem adulto só falar através de um fantoche de Castor mesmo com o argumento de que essa seria uma forma de tratamento de uma depressão severa. O enredo só não naufraga completamente por causa de Mel Gibson e das subtramas (em especial a que envolve o filho de Gibson no filme). O desempenho do ex Mad Max é o primeiro grande trunfo de "The Beaver" O ator está especialmente inspirado pois ficamos realmente comovidos com sua situação mental. Há cenas excelentes como a que ele tenta se separar do puppet, embora devo confessar que naquele momento pensei um pouco em Chuck de "Brinquedo Assassino"! Gibson é um ator talentoso, obviamente ele só fez o filme por causa da grande amizade que nutre com a diretora Jodie Foster com quem se tornou muito próximo no set de filmagem de "Maverick" mas mesmo assim se sai excepcionalmente bem em cena. A amizade de ambos passa também para a tela.

A outra coisa que segura as pontas aqui é o relacionamento do filho do personagem principal e sua paixão adolescente (a linda e maravilhosa - e cada vez mais bonita - Jennifer Lawrence). Bela e carismática essa atriz está despontando para o estrelado após o sucesso de "Jogos Vorazes". Já Jodie Foster, a diretora, deveria ter explorado mais sua personagem na trama. Do jeito que ficou achei a atriz um tanto quanto desperdiçada em cena, isso decorreu muito provavelmente pelo fato de que combinar direção e atuação em um mesmo projeto exigem demais do profissional. Assim Jodie se empenhou muito mais atrás da câmeras do que diante delas. É compreensível. Enfim se fosse resumir "The Beaver" diria que é não só um filme sobre depressão mas também um filme deprimido. Provavelmente vá tocar mais de perto as pessoas que já passaram por essa doença. Para o resto dos espectadores o filme pode soar melancólico e triste demais. De qualquer forma recomendo, sendo você depressivo ou não!

Um Novo Despertar (The Beaver, Estados Unidos, 2010) Diretora: Jodie Foster / Roteiro: Kyle Killen / Elenco: Mel Gibson, Jennifer Lawrence, Anton Yelchin, Jodie Foster, Paul Hodge / Sinopse: Walter Black (Mel Gibson) é um bem sucedido executivo que sofre uma profunda crise existencial e depressiva. Incapaz de lidar com os aspectos de sua vida por si próprio acaba adotando um fantoche de castor para falar e agir por ele, para espanto de todos à sua volta. É a forma nada comum que encontra para conseguir superar essa terrível fase de sua vida emocional e pessoal.

Pablo Aluísio.

Plano de Fuga

Americano (Mel Gibson) é um assaltante de bancos que é preso na fronteira com o México após ser perseguido pela polícia norte-americana. Enviado a uma prisão mexicana ele tenta sobreviver a um ambiente hostil, perigoso e violento. Esse "Plano de Fuga" é a volta de Gibson aos filmes de ação. Como todos sabem o ator vive um verdadeiro inferno astral em sua vida privada se envolvendo em escândalos, polêmicas e confusões. Após falar mal dos judeus ele foi colocado de molho pelos grandes estúdios. Embora seja um nome forte na indústria e seja considerado um bom cineasta, Gibson ao tomar atitudes anti-semitas acabou mexendo com pessoas muito influentes em Hollywood, uma vez que a grande maioria dos estúdios de cinema pertence a grupos judeus. Inviabilizado de seguir em frente nessas companhias Gibson resolveu bancar seus próprios filmes, se tornando produtor deles. Como é dono da Icon Productions o ator resolveu seguir em frente. Esse "Plano de Fuga" foi feito assim, com dinheiro do próprio bolso de Mel Gibson.

A boa notícia é que o filme é realmente bom. O roteiro (escrito pelo próprio Gibson) é redondinho, ágil e eficiente. O filme se passa praticamente todo dentro de um presídio mexicano. Assim como acontece em nosso sistema penitenciário os presídios mexicanos são caóticos. Crianças passeiam tranquilamente entre as celas, prostitutas praticamente moram dentro do local e drogas e armas passam de mão em mão com a conivência dos guardas (que fazem de tudo para não atrapalhar a vida dos presos!). Nesse ambiente o personagem de Gibson (que não tem nome pois o omite desde o momento que é encarcerado) joga com as peças que tem. Manipula um chefão local e tenta recuperar o dinheiro roubado que foi parar nas mãos de policias corruptos. Além disso tenta ajudar uma detenta e seu filho que está nas garras de uma quadrilha de tráfico de órgãos humanos. Para quem sentia saudades dos filmes de ação de Mel Gibson esse "Plano de Fuga" é uma boa pedida. Em nenhum momento aborrece e no final acaba divertindo. Um bom thriller que como passatempo funciona muito bem.

Plano de Fuga (Get The Gringo, Estados Unidos, 2012) Diretor: Adrian Grunberg / Roteiro: Mel Gibson, Adrian Grunberg, Stacy Perskie / Elenco: Mel Gibson, Peter Stormare, Dean Norris / Sinopse: Americano é preso na fronteira com o México após ser perseguido pela polícia americana. Enviado a uma prisão mexicana ele tenta sobreviver a um ambiente hostil perigoso e violento.

Pablo Aluísio.

Platoon

Quando era apenas um jovem entusiasmado pela honra de servir ao seu país, Oliver Stone se alistou no exército norte-americano na mesma época em que se agravava a Guerra do Vietnã. Voluntário, idealista, Stone iria encontrar nas selvas asiáticas o oposto do que ansiava: tropas despreparadas, negros e pobres, oficiais sem direção, abuso de drogas e muita indisciplina. Um caos. Mergulhado no meio do inferno daquele conflito ele conseguiu sobreviver, saindo ileso do campo de batalha. De volta aos EUA resolveu exorcizar tudo o que passou escrevendo o roteiro desse "Platoon". Apesar de tudo o filme não é integralmente autobiográfico como muitos pensam. Stone certamente tirou muito de sua experiência pessoal e inseriu no texto porém ao mesmo tempo criou personagens totalmente de ficção para dar suporte dramático ao enredo. O que se vê nas telas é um choque. O cinema americano já havia mostrado o horror dessa guerra insana e inglória antes, principalmente em "Apocalypse Now", a obra prima de Francis Ford Coppola, mas "Platoon" vinha para inaugurar um novo ciclo. 

Depois de seu sucesso de público e crítica os estúdios correram atrás e produziram diversas fitas cujo tema girava em torno da intervenção americana naquele país sem importância do sudeste asiático. Depois que Stone visitou as selvas em "Platoon" outros grandes cineastas seguiram pelo mesmo caminho como Stanley Kubrick e o ótimo "Nascido Para Matar". O enredo de "Platoon" gira em torno de Chris (Charlie Sheen), jovem americano que se alistou voluntariamente no exército por puro patriotismo. Enviado para o Vietnã ele sente na própria carne a decadência das forças armadas de seu país. Lá encontra dois sargentos que são opostos entre si. Barnes (Tom Berenger) é um sujeito linha dura, beirando às raias da insanidade causada pela guerra. Do outro lado surge o bondoso Elias (Willem Dafoe), cuja força moral ainda traz um mínimo de dignidade ao seu pelotão. Tentando sobreviver um dia de cada vez Chris aos poucos começa a entender a sordidez das operações, a desumanidade e o universo caótico em que se encontra. "Platoon" foi visto na época de seu lançamento como um acerto de contas da arte cinematográfica com o conflito perdido pelos americanos. A Academia reconheceu a importância do filme e o indicou a sete Oscar, tendo vencido quatro (Melhor filme, diretor, som, montagem). Visto hoje em dia o filme ainda soa bastante relevante dando fundamento ao seu lema publicitário: "O Inferno existe e se chama Guerra".  

Platoon (Platoon, Estados Unidos, 1986) Direção: Oliver Stone / Roteiro: Oliver Stone / Elenco: Charlie Sheen, Willem Dafoe, Tom Berenger, Forest Whitaker, Kevin Dillon, Johnny Depp / Sinopse: Chris (Charlie Sheen) é um jovem americano que decide se alistar no exército na época da guerra do Vietnã. O que presenciará no front irá mudá-lo pelo resto de sua vida.  Filme premiado com o Oscar na categoria de melhor filme.

Pablo Aluísio.

Uma Linda Mulher

A história da realização desse filme é bem curiosa. Pouca gente se recorda mas quando “Uma Linda Mulher” chegou aos cinemas ninguém acreditava no filme – nem o estúdio que o produziu. E por que isso aconteceu? Simples, na época de seu lançamento o filme foi considerado literalmente um “tapa buraco” de datas. A Touchstone não esperava lucrar nada com ele, apenas não queria ter prejuízo. O roteiro foi considerado açucarado demais pelos executivos mas seria possível produzir um filme de orçamento pequeno para ser lançado em uma data morta dentro do calendário de estréias. Além disso nenhuma grande estrela seria contratada para fazer o filme. Para o papel masculino escalaram o decadente Richard Gere, naquela altura da carreira com vários fracassos comerciais sucessivos na carreira. Para o papel da jovem prostituta arranjaram uma novata, com poucos filmes no curriculum, Julia Roberts. Os planos da Touchstone (braço adulto da Disney) eram simples: um lançamento discreto nos cinemas, em poucas salas e depois um trabalho melhor de divulgação quando o filme chegasse no mercado de vídeo – naquele momento em franca expansão.

O que aconteceu depois que “Uma Linda Mulher” chegou nos cinemas surpreendeu a todos. O filme estourou nas bilheterias. Com custo estimado em 14 milhões de dólares o filme recuperou seu investimento em praticamente 3 dias. Depois com o boca a boca o filme simplesmente se tornou um grande hit não apenas no mercado americano mas no mundo todo. A Disney foi pega de surpresa pelo crescente interesse pelo filme – nem cópias suficientes tinham para atender a demanda. Em pouco tempo o filme, um dos mais lucrativos da história, rompeu a barreira dos 400 milhões de dólares, gerando um lucro absurdo ao estúdio. Qual é o segredo de seu imenso sucesso? Até hoje se debate sobre isso. Talvez seu enredo ao estilo conto de fadas tenha caído no gosto popular justamente pela falta de produções nesse estilo mais suave e sonhador. O casal de atores também contribuiu e muito para o sucesso do longa. Richard Gere assumiu seus cabelos grisalhos (algo que iria se tornar sua marca registrada) e Julia Roberts surgia muito espontânea e carismática em seu complicado papel de profissional do sexo. No final todos saíram ganhando e muito. Gere voltou a ser um nome quente para os produtores. Julia Roberts se tornou rapidamente a queridinha do estúdio, se tornando a nova estrela de Hollywood e o diretor Garry Marshall se tornou procurado pelos grandes astros (infelizmente ele nunca mais repetiria o sucesso desse filme). Sobrou até para o veterano cantor Roy Orbison que renasceu das cinzas com seu antigo sucesso “Oh Pretty Woman” voltando para as paradas de sucessos. Enfim, entender o que agrada ou não ao público é uma das tarefas mais complicadas que existem e “Uma Linda Mulher” veio para confirmar justamente isso.

Uma Linda Mulher (Pretty Woman, Estados Unidos, 1990) Direção: Garry Marshall / Roteiro: J.F. Lawton / Elenco: Richard Gere, Julia Roberts, Jason Alexander,  Ralph Bellamy / Sinopse: Edward Lewis (Richard Gere) é um grande executivo, milionário e bem sucedido. Após contratar os serviços de uma acompanhante, a jovem  Vivian Ward (Julia Roberts) acaba se apaixonando por ela. Apesar de todos os preconceitos sociais envolvidos resolve levar em frente seu romance, ouvindo a voz de seu coração.

Pablo Aluísio..

Blitz

Brant (Jason Statham) é um policial inglês que sai no encalço de um serial killer que caça e mata policiais em serviço. Esqueça as bobagens que o Jason Statham rodou nos Estados Unidos. Esse policial britânico filmado nas ruas menos encantadoras (para não dizer sinistras) de Londres é bem mais interessante. Como eu já disse os filmes ingleses desse ator são bem melhores (como esquecer, por exemplo, sua boa fase ao lado do diretor Guy Ritchie?). Pois é. Em Blitz o Jason interpreta um tira cabeça quente de uma delegacia Londrina. O diferencial é que sendo casca grossa ao extremo ele está sendo investigado pelo próprio departamento por violência em serviço. Isso não o impede de ter que trabalhar ao lado de um recém transferido policial para seu distrito para investigar e prender "Blitz", um serial killer especializado em matar policiais.

Até aí nada de muito diferente a não ser o fato de seu novo parceiro ser um gay assumido! Imaginem a situação. Agora, o grande mérito do filme é que mesmo o personagem sendo homossexual (em boa atuação de Paddy Considine) ele em momento algum se mostra afetado e nem afeminado mas sim como um profissional competente que se tornará vital no desfecho do filme. Por isso o fato dele ser gay não vira em nenhum momento um problema ou um estigma dentro do roteiro, o que mostra bom senso por parte dos realizadores. Enfim, "Blitz" é eficiente, bom divertimento e não é agressivo com a inteligência dos espectadores. Uma boa opção do moderno cinema policial inglês.

Blitz (Blitz, Inglaterra, 2011) Direção: Elliott Lester / Roteiro: Nathan Parker baseado na obra de Ken Bruen / Elenco: Jason Statham, Paddy Considine, Aidan Gillen / Sinopse: Brant (Jason Statham) é um policial inglês que sai no encalço de um serial killer especializado em matar policiais.

Pablo Aluísio.

John Carter

John Carter (Taylor Kitsch) é um ex-capitão do exército confederado que passa os dias em busca de uma caverna que segunda a lenda de certas tribos nativas era completamente revestida de ouro. Após vários anos de busca ele acaba descobrindo o local mas para sua surpresa também encontra um portal dimensional que o transporta até o planeta vizinho, Marte. Lá encontra uma guerra entre povos e civilizações diversas. Sem querer acaba se envolvendo diretamente no conflito dos marcianos e se apaixona por uma linda princesa. John Carter foi uma ousada aposta dos estúdios Disney que investiu na produção do filme a bagatela de 250 milhões de dólares! Tanto dinheiro investido demandava uma bilheteria robusta para que o estúdio começasse a auferir lucros. Assim a Disney investiu pesado em marketing e não poupou esforços na divulgação do longa. Tudo foi em vão. John Carter naufragou nas bilheterias causando um prejuízo tão grande que até o presidente executivo do estúdio foi mandado para o olho da rua. Tentando pegar carona em filmes semelhantes como Avatar a produção não conseguiu atrair o público e foi praticamente ignorado. Mas afinal o que deu errado?

John Carter é baseado em um personagem do escritor Edgar Rice Burroughs, o mesmo criador do mitológico herói Tarzan. Os problemas começam aí. John Carter é um personagem de segundo escalão dentro da obra de Burroughs, pouco conhecido, escrito há muito tempo. Ao contrário de Tarzan que já tem seu nome consolidado nos cinemas há décadas, Carter é praticamente um desconhecido. Fora isso suas aventuras poderiam ser bem interessantes quando foram escritas naquela época mas hoje em dia dificilmente um jovem que frequenta cinemas vai se interessar por um sujeito que vai brigar com marcianos lá no planeta vermelho! Tudo soa muito bobo atualmente temos que admitir. Como se já não bastasse o fato do material que deu origem ao filme não ser muito bom ainda temos que nos deparar com um filme que em essência não tem nada a dizer. Muito longo, muito espalhafatoso mas sem roteiro, sem carisma e o pior de tudo, bem chato. Em certos momentos me lembrou Duna. John Carter cai na monotonia várias vezes fruto de sua duração excessiva e desnecessária. É muita duração para pouca estória. Os efeitos especiais como não poderiam deixar de ser são de primeira linha mas isso pouco importa diante de um filme vazio, sem nada a dizer. Muito provavelmente John Carter vá interessar apenas aos garotos mais jovens de no máximo 12 anos de idade. Acima disso vai ser complicado agradar. De certa forma seu fracasso comercial foi merecido, o filme realmente não vale a pena.

John Carter (John Carter, Estados Unidos, 2012) Direção: Andrew Stanton / Roteiro: Andrew Stanton, Mark Andrews, Michael Chabon baseado no livro A Princess of Mars de Edgar Rice Burroughs / Elenco: Taylor Kitsch, Lynn Collins, Willem Dafoe / Sinopse: John Carter (Taylor Kitsch) é um ex capitão do exército confederado que passa os dias em busca de uma caverna que segunda a lenda de certas tribos nativas era completamente revestida de ouro. Após vários anos de busca ele acaba descobrindo o local mas para sua surpresa também encontra um portal dimensional que o transporta até o planeta vizinho, Marte.

Pablo Aluísio.

Guerra Nas Estrelas

A saga "Star Wars" teve início quando na segunda metade da década de 70 surgiu esse filme nos cinemas americanos. É curioso porque "Guerra nas Estrelas" foi considerado inovador e revolucionário em sua época mas olhando bem veremos que não é bem assim. Na verdade essa produção era de certa forma uma releitura dos antigos filmes de ficção da década de 50, época considerada de ouro para o gênero. Já nos anos 70 a chamada "ficção de aventura", categoria no qual se enquadra "Star Wars", era considerada uma coisa fora de moda, ultrapassada. Como então George Lucas conseguiu requentar uma velha fórmula dando ares de coisa nova, revolucionária? Basicamente por dois motivos: Primeiro porque soube revitalizar antigos mitos e deu a eles todo um design renovado, com efeitos especiais (esses sim) realmente revolucionários. A mitologia do jovem escolhido para enfrentar um império do mal não é novo, faz parte de muitas estórias contadas ao longo da civilização, o que mudou aqui realmente foi a roupagem nova e moderna. George Lucas nesse sentido foi realmente genial. A segunda questão que fez "Star Wars" ser o sucesso que foi se baseia no resgate do cinema como diversão pura, algo que havia sido deixado de lado naqueles anos. 

Os filmes de maneira em geral procuravam mostrar problemas sociais, dramas profundos, questões pertinentes. Com "Star Wars" não havia essa preocupação, o filme era diversão pela diversão apenas. O público que lotou os cinemas para assistir "Guerra Nas Estrelas" queria apenas se divertir e o filme de George Lucas era perfeito para isso. Quando a Fox deu autorização para a realização do filme mal sabia o que estava por vir. George Lucas era praticamente um novato com apenas um sucesso em sua filmografia, a comédia nostálgica "American Grafitti" e nada mais. No elenco não havia nenhuma grande estrela a não ser o veterano Alec Guiness, às portas de sua aposentadoria. Fora isso havia um carpinteiro (Harrison Ford), uma beldade filha de celebridades (Carrie Fisher) e um desconhecido no papel central (Mark Hamill). De orçamento apertado ninguém no set sabia que estaria naquele momento revolucionando nada. Em uma de suas biografias ficamos sabendo, por exemplo, que Alec Guiness não conseguia entender nada do que se passava na estória, apenas declamava suas falas por puro profissionalismo. O resultado final porém deixou todos surpresos, exceto talvez George Lucas que sabia estar usando de uma fórmula antiga mas que ainda poderia cair nas graças do público. Olhando para trás podemos entender que "Guerra nas Estrelas" também se tornou um divisor de águas. A partir de seu sucesso o cinema americano começou a sofrer um processo de juvenilização de suas produções. Na década de 70 imperava no cinema os grandes filmes de temáticas dramáticas como "O Poderoso Chefão", "Taxi Driver", etc. Depois de "Star Wars" os estúdios começaram a investir em filmes para um público mais jovem, infanto-juvenil. Não é para menos que os anos que viriam seriam os dourados para diretores ao estilo "Peter Pan" como Steven Spielberg e o próprio George Lucas. Se isso foi bom ou ruim já é tema para outra discussão. De qualquer modo "Star Wars" é um marco na história do cinema. Um filme que realmente revolucionou o modo de se fazer cinema nas décadas seguintes.  

Guerra Nas Estrelas (Star Wars, Estados Unidos, 1977) Direção: George Lucas / Roteiro: George Lucas / Elenco: Mark Hamill, Harrison Ford, Alec Guiness, Carrie Fisher, Peter Cushing, Anthony Daniels, Kenny Baker, David Prowse / Sinopse: Luke Skywalker (Mark Hamill) é um jovem habitante de um planeta distante que parte em uma aventura contra um império do mal comandado pelo lado negro da força.  

Pablo Aluísio.

O Garoto de Liverpool

John Winston Lennon(Aaron Johnson) é um adolescente vivendo na cidade portuária de Liverpool. Seu pai abandonou a casa e sua mãe é uma pessoa com problemas emocionais e financeiros. Sem estrutura familiar sólida o jovem vai morar na casa de sua tia Mimi que sozinha enfrenta os problemas típicos da juventude de seu sobrinho problemático. Ao lado de alguns amigos de escola resolve criar um grupo de Skiffle para tocar nas festinhas locais. A idéia de "Nowhere Boy" é mostrar John Lennon ainda na adolescência, com todos os seus problemas familiares que os fãs dos Beatles já conhecem bem (criado pela tia, tendo que enfrentar um segundo casamento da mãe e o abandono por parte de seu pai, um marinheiro que simplesmente o abandonou da noite para o dia) . No meio dessa vida caótica o jovem John alimenta um sonho distante de viver de sua música. A vida pessoal de John Lennon certamente daria material não apenas para um filme mas para vários. Sua vida pessoal foi muito interessante e em termos dramáticos não há o que reclamar pois em certos aspectos sua vida privada e familiar foi realmente um drama de Douglas Sirk.

Apesar disso e de "O Garoto de Liverpool" ser bem feito e digno o roteiro tem lá seus problemas. O garoto que faz Paul McCartney, por exemplo, é sem expressão e fraco. Muito distante da personalidade cativante e forte do grande companheiro de John nos Beatles. Outro personagem muito mal focalizado é o grande amigo de John, Stu Stutclif, uma pessoa extremamente presente em sua vida pessoal que aqui perdeu totalmente a importância. John era mais próximo de Stu do que de qualquer outra pessoa nessa fase de sua vida. O roteiro negligenciar isso é certamente uma grande falha. Apesar desses deslizes o filme pode vir a agradar aos fãs dos Beatles, muito embora nem tudo o que apareça no filme também seja verídico. Há uma certa dose de liberdades históricas que o diretor tomou que soam incômodas. Por exemplo, John nunca agrediu Paul no enterro de sua mãe, também nunca existiu a cena em que John é barrado na porta do Cavern durante uma noite de bebedeiras. Enfim, tem seus erros e acertos mas em momento algum consegue ser melhor do que "Os Cinco Rapazes de Liverpool" que tem tema semelhante mas é muito mais bem interpretado e produzido. Aquele sim é um grande filme sobre a vida de Jonn e dos Beatles em sua fase inicial. De qualquer forma fica a dica para os fãs.

O Garoto de Liverpool (Nowhere Boy, Estados Unidos, 2009) Direção: Sam Taylor-Wood / Roteiro: Matt Greenhalgh / Elenco: Aaron Johnson, Kristin Scott Thomas, Anne-Marie Duff / Sinopse: John Winston Lennon(Aaron Johnson) é um adolescente vivendo na sua cidade natal de Liverpool. Seu pai abandonou a casa e sua mãe é uma pessoa com problemas emocionais. Sem estrutura familiar sólida o jovem vai viver na casa de sua tia Mimi que sozinha enfrenta os problemas típicos da juventude de seu sobrinho problemático. Ao lado de alguns amigos de escola resolve criar então um grupo de Skiffle para tocar nas festinhas locais.

Pablo Aluísio.

Superman

Na iminência da destruição de seu planeta Kripton, Jor-El (Marlon Brando) decide enviar seu filho recém nascido para um planeta distante chamado Terra nos confins do universo. Assim começa a aventura de Superman, um dos super-heróis mais populares e influentes da cultura pop. Para aquele que é considerado o primeiro grande personagem do universo de quadrinhos a Warner resolveu caprichar na realização desse filme. A publicidade de Superman garantia que o espectador iria acreditar que o homem poderia voar. Depois do lançamento ninguém mais tinha dúvidas sobre isso. Superman é até hoje uma das melhores adaptações já feitas de quadrinhos para o cinema. A produção classe A acerta em praticamente todos os aspectos: elenco, direção, efeitos especiais e roteiro. Poucas vezes na história do cinema se viu um filme em que tantos elementos se encaixavam tão perfeitamente. Os efeitos especiais certamente envelheceram pois foram feitos em uma época em que não havia ainda efeitos digitais. Mesmo assim visto atualmente temos que admitir que se tornaram bem charmosos, além de dar um status cult para a produção em si. As cenas em que Superman voa pela primeira vez, por exemplo, não perderam impacto mesmo nos dias de hoje. 

Além de visualmente deslumbrante Superman ainda contava com uma trilha sonora imortal que até hoje emociona. A música tema composta por John Williams ainda soa poderosa e evocativa, mesmo após tantos anos. O elenco de Superman é formidável a começar pela escolha de Christopher Reeve para interpretar o personagem título. Eu costumo dizer que não basta ter apenas a estampa, o porte físico de Superman para se sair bem nesse papel. Tem que ser bom ator e a razão é simples: para interpretar Clark Kent o ator tem que ser versátil. Por isso tantos fracassaram. Nessa questão Christopher Reeve foi brilhante pois atuou maravilhosamente bem tanto na pele do super-herói quanto na pele de seu alter ego, o jornalista tímido e atrapalhado Clark Kent. Outro destaque sempre lembrado desse filme é a presença do mito Marlon Brando. Fazendo o papel do pai de Superman ele rouba a parte inicial do filme. Curiosamente Brando quase não embarca nessa aventura pelo cachê absurdo que cobrou. Após analisar bem o estúdio entendeu que ter Marlon Brando no elenco não tinha preço pois ele certamente traria muito prestígio para o filme como um todo. Foi contratado e mais uma vez arrasou em cena. Como se não bastasse a presença desses dois maravilhosos profissionais o filme ainda contava com um elenco de apoio simplesmente incrível: Gene Hackman e o veterano Glenn Ford (na pele do pai terrestre de Kent). Em breve teremos mais uma adaptação do personagem para as telas, novamente pelos estúdios Warner e novamente contando com uma produção milionária. Será que vai conseguir superar esse filme definitivo sobre o homem de aço? Eu duvido muito. Algumas produções são simplesmente definitivas como essa. Nota 10 com louvor. 

Superman - O Filme (Superman, Estados Unidos, 1978) Direção: Richard Donner / Roteiro: Mario Puzo, David Newman, Leslie Newman, Robert Benton baseados no personagem criado por Jerry Siegel e Joe Shuster / Elenco: Christopher Reeve, Marlon Brando, Gene Hackman, Glenn Ford, Margot Kidder, Susannah York, Terence Stamp / Sinopse: "Superman" de 1978 conta as origens do personagem tão popular do universo de quadrinhos. Nascido em Kripton adquire super poderes em nosso planeta. Um ícone da cultura pop em excelente produção dos estúdios Warner. 

Pablo Aluísio.

Comer, Rezar, Amar

Liz Gilbert (Julia Roberts) é uma mulher com vários problemas emocionais e afetivos. Para superar os problemas decorrentes de seu divórcio ela resolve viajar ao redor do mundo para conhecer outras pessoas, outras culturas. Nesse processo de conhecimento dos costumes e culturas de outros países acaba se descobrindo a si mesma. De uma forma em geral o filme "Comer, Rezar, Amar" poderia trocar de nome e se denominar "Guia de turismo para balzaquianas divorciadas", isso porque o argumento mais parece um guia de turismo passando por diversos países como Itália, Bali e Índia. Nesses lugares a personagem principal (interpretada por Julia Roberts) tenta superar seu divórcio problemático e para isso medita, viaja, come as especiarias locais e tem casos amorosos com os homens interessantes que encontra pelo caminho. Tudo muito soft, com cara de cartão postal o que ajuda no resultado final pois a fotografia do filme ficou muito bonita. O problema é que os americanos não conseguem fazer filmes sobre outras culturas que não caiam numa visão estereotipada. Todos os personagens não americanos do filme são clichês. Os italianos, por exemplo, só falam alto, gesticulam em excesso e comem massa o dia inteiro. Os indianos são todos pobres miseráveis, vivendo pelas ruas, mas obviamente espiritualizados. O filme inclusive tem uma frase horrível sobre a Índia quando Julia Roberts é aconselhada a não "tocar em nada", nem em uma garrafa de refrigerante local, para não pegar uma doença ou uma difteria. Mais preconceituoso impossível!

Nem os brasileiros escapam dos clichês. A primeira personagem brasileira que aparece no filme está numa loja procurando por um "chapéu de bananas" (Valha-me Deus, como se todas as brasileiras fossem covers da Carmen Miranda!) O ator Javier Bardem também interpreta um brasileiro que não sabe pronunciar uma única frase em português sem parecer um portunhol horripilante. Também passa o dia ouvindo bossa nova e beija o filho na boca (costume que seu filho diz ser comum no Brasil!). Para completar a clichezada seu filho também aparece com uma bola de soccer na mão! Enfim, com todos esses defeitos "Comer, Rezar, Amar" não foge daqueles clichês românticos banais que estamos acostumados a ver em novelas da pior qualidade. O filme até que não é ruim de todo e nem aborrece muito mas também não tem profundidade nenhuma. Pra falar a verdade poderia facilmente ser adaptado pela Globo para virar uma novela das oito que ninguém iria notar a diferença.

Comer, Rezar, Amar (Eat Pray Love, Estados Unidos, 2010) Direção: Ryan Murphy / Roteiro: Ryan Murphy, Jennifer Salt / Elenco: Julia Roberts, Javier Bardem, Richard Jenkins / Sinopse: Liz Gilbert (Julia Roberts) é uma mulher com vários problemas emocionais e afetivos. Para superar os problemas decorrentes de seu divórcio ela resolve viajar ao redor do mundo para conhecer outras pessoas, outras culturas. Nesse processo de conhecimento dos costumes e culturas de outros países acaba se descobrindo a si mesma.

Pablo Aluísio.

Romasanta

Título no Brasil: Romasanta - A Casa da Besta
Título Original: Romasanta
Ano de Produção: 2004
País: Espanha, Inglaterra
Estúdio: Fantastic Factory (Filmax)
Direção: Paco Plaza
Roteiro: Alfredo Conde, Elena Serra
Elenco: Julian Sands, Elsa Pataky, John Sharian, Maru Valdivielso
  
Sinopse:
Corpos mutilados são encontrados na zona rural de uma região remota da Espanha no século XIX. Após investigações a polícia chega até Manuel Romasanta (Julian Sands) que afirma não ter culpa pelas mortes. Embora ele esconda parte da verdade não estaria mentindo pois por causa de uma maldição se transforma em um lobisomem em noites de lua cheia, sendo o monstro o verdadeiro culpado pelas mortes em série. Filme indicado nas categorias de Melhor Direção e Melhor Edição no Barcelona Film Awards.

Comentários:
"Romasanta" é mais um filme que tem como tema a antiga mitologia dos lobisomens (para alguns essa lenda seria na verdade parte do folclore de inúmeros países, inclusive o Brasil). Ao longo dos anos essa criatura tem sido tema de inúmeros filmes, alguns deles considerados clássicos hoje em dia. Infelizmente esse parece ser um passado remoto já que atualmente os Licantropos andam sofrendo um bocado nas telas. É uma sucessão sem fim de filmes bem ruins. De todos os monstros clássicos, os lobisomens são os que mais sofrem com produções pobres, roteiros medíocres, maquiagens capengas etc. Virou um nicho bem lucrativo no meio da produção trash de filmes de terror. Só de antemão me lembro de alguns filmes bem ruins enfocando eles, como por exemplo, "Skinwalkers", "Wolvesbayne" entre outros. Nada valendo a pena. Esse "Romasanta" tenta trazer algo de novo ao estilo. Primeiramente é importante citar que o filme foi baseado num fato real ocorrido na Espanha há 200 anos. Houve um serial killer chamado Manuel Romasanta que foi preso e virou objeto de estudo (que acabaria levando a catalogação da doença chamada Licantropia). Ele justificou seus crimes afirmando que se transformava em um lobo. Claro que isso era apenas um distúrbio psicológico já que ele obviamente não virava um lobo. O fato histórico é curioso e mantém o interesse, mas o filme equivocadamente abraça o realismo fantástico, colocando Romasanta como um lobisomem de fato, real. E ai está o grande problema do filme. Se tivesse mantido os pés no chão, apenas retratando o caso de um ponto de vista racional e historicamente correto o filme seria muito mais relevante e interessante. Do jeito que ficou apelou para o sensacionalismo e perdeu pontos. "Romasanta" tem uma produção modesta, problemas de roteiro, mas mesmo assim consegue manter o interesse. Não é dos melhores filmes sobre o tema, mas também não é dos piores. Para quem gosta de conhecer histórias de serial killers do passado pode até mesmo se tornar informativo.

Pablo Aluísio.

Nunca Te Vi, Sempre Te Amei

Esse é um filme simples, pequeno mas muito charmoso e elegante. Como sempre os tradutores brasileiros fazem lambança ao criar títulos completamente estúpidos em nossa língua. O roteiro não traz uma estória de amor mas sim de amizade. Esse título nacional lembra mais novela mexicana do que um belo conto de amizade e companheirismo no qual é centrado o argumento principal do filme. Tudo gira em torno da amizade que nasce da correspondência entre um vendedor de livros na Inglaterra e uma escritora nova-iorquina.

O charme do filme nasce muito do contraste entre esses personagens. A americana é um tanto disfuncional, fuma, bebe, é solteirona e independente e tem arroubos de ironia e sagacidade. Já o vendedor de livros usados, em mais uma bela interpretação de Anthony Hopkins, é britânico, extremamente educado, cordial, simples, pai de família tradicional. Isso não impede que ambos troquem impressões e confidências sobre suas vidas pessoais. Interessante é que tudo é desenvolvido com muita simplicidade, mostrando acima de tudo a vida de duas pessoas comuns que vão vivendo enquanto mudanças sociais e políticas vão ocorrendo no mundo. Enfim, ótima diversão para pessoas elegantes.

Nunca Te Vi, Sempre Te Amei (84 Charing Cross Road, Estados Unidos, Inglaterra, 1986) Direção: David Jones / Roteiro: Hugh Whitemore baseado no livro de Helene Hanff / Elenco: Anne Bancroft, Anthony Hopkins, Judi Dench, Jean De Baer, Maurice Denham, Eleanor David / Sinopse: Um vendedor de livros na Inglaterra e uma escritora americana em Nova Iorque trocam correspondências durante muitos anos o que faz nascer uma bela amizade entre ambos.

Pablo Aluísio.

O Preço do Amanhã

Ideias interessantes podem também gerar filmes ruins. O exemplo é esse "O Preço do Amanhã". A premissa é até boa - em um futuro indeterminado as pessoas lutam para ganhar mais tempo em suas vidas. O sistema financeiro desapareceu. Ninguém mais usa dinheiro para comprar coisas ou pagar o aluguel, usam o tempo. Assim se você quiser comprar um carro de luxo não vai dar dinheiro em troca mas 50 anos de sua vida. Pois bem, isso seria interessante em um filme de ficção, o problema é que o desenvolvimento dessa idéia não poderia ser mais banal e clichê. Tudo cheira a Deja Vu em "O Preço do Amanhã". Ao invés de explorar sua própria idéia o diretor e roteirista Andrew Niccol prefere se concentrar numa estória boba, de correria pra lá e pra cá, tiroteios insossos e cenas de ação batidas. Arranjou tempo até para colocar uma estorinha de amor clichezada que não consegue convencer ninguém!

Tirando as devidas proporções isso já havia acontecido com "A Origem". Tanto lá como aqui tínhamos uma premissa bem edificante que acabou sendo desperdiçada em sonolentas cenas bobonas. Eu penso que Hollywood acredita realmente que o público que vai ao cinema hoje em dia é totalmente sem imaginação ou incapaz de encarar roteiros mais intelectualizados. Isso porque eles de certa forma "idiotizam" seus filmes. Ao invés de seguir um caminho inteligente eles priorizam a ação vazia e desproporcional. Após apresentar uma situação que poderia ser considerada até original eles partem para os clichês mais saturados. Há diálogos também muito ruins no roteiro. Numa cena um personagem solta a pérola: "O que é roubado de quem roubou não é roubado" - como é?! Há também uso abusivo de situações bobas e juvenis (como na cena em que Justin mata três capangas e o líder da "máfia do tempo" sem nenhum esforço). Enfim, "O Preço do Amanhã" é mais uma decepção e uma grande bobagem e o pior é que você perderá uma hora e quarenta minutos de sua vida vendo isso! Faça um favor ao seu tempo e não caia nessa armadilha

O Preço do Amanhã (In Time, Estados Unidos, 2011) Direção: Andrew Niccol / Roteiro: Andrew Niccol / Elenco: Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Cillian Murphy / Sinopse: Em um futuro indeterminado as pessoas lutam para ganhar mais tempo em suas vidas. O sistema financeiro desapareceu. Ninguém mais usa dinheiro para comprar coisas ou pagar o aluguel, usam o tempo como moeda de troca.

Pablo Aluísio.

Sete Almas

Um garotinho armado com uma faca mata todas as seis pessoas de sua família. Um século depois desse trágico acontecimento um grupo de pessoas em uma van sofre um acidente próximo a uma misteriosa casa durante uma tempestade. Sem condições de voltar de onde vieram (pois as estradas ficam fechadas) eles são levados por Jack (Ving Rhames) para passar a noite numa misteriosa mansão situada numa floresta sombria. "Sete Almas" é uma produção B sem maiores atrativos. Tudo soa falso e ruim no filme. O roteiro é obviamente uma cópia descarada de filmes de terror do passado como por exemplo "Terror em Amytville". A única mudança foi que diminuíram a idade do assassino da família, sendo aqui apenas um garotinho. No elenco ninguém se salva, nem mesmo o antigo astro Val Kilmer aqui em um péssimo personagem, um advogado corporativo arrogante, antipático e enfadonho. Kilmer está em franca decadência na carreira. Astro de grandes sucessos no passado hoje ele está restrito a esse tipo de filme sem expressão. Ele envelheceu muito mal, está gordo demais, pesadão, sem energia, se arrastando em cena. Além disso sua "atuação" é preguiçosa, sem vontade, muito ruim.

O resto do elenco sequer é digno de menção. Ving Rhames tem um mínimo de dignidade em um personagem que até poderia render alguma coisa mas que não se desenvolve, não surpreende, pois tudo é tão previsível que já sabemos de antemão tudo o que acontecerá com ele e qual é a sua verdadeira identidade. O roteiro é péssimo, no terço final há uma tentativa (frustrada) de explicar os acontecimentos apelando para a velha e boa reencarnação. Mas esqueça, é tudo uma bobagem mesmo! O filme é uma perda de tempo, uma porcaria. Fuja e fique o mais longe possível desse abacaxi indigesto.

Sete Almas (Seven Below, Estados Unidos, 2012) Direção: Kevin Carraway / Roteiro: Kevin Carraway, Lawrence Sara / Elenco: Val Kilmer, Ving Rhames, Luke Goss / Sinopse: Um grupo de pessoas ficam presas em uma antiga casa onde cem anos antes houve uma série de mortes em família cometidas pelo irmão mais jovem.

Pablo Aluísio.

E.T. - O Extraterrestre

Alguns filmes marcaram para sempre a história do cinema. Um deles foi "E,T. - O Extraterrestre". Para os mais jovens é complicado entender o impacto que "E.T" teve em seu lançamento. Na época ele foi considerado uma obra tão inovadora e impactante dentro da cultura pop quanto "Star Wars" ou "Star Trek". De fato essa é a obra prima definitiva da carreira de Steven Spielberg, um filme tão especial para ele pessoalmente que o diretor recusou verdadeiras fortunas para rodar uma sequência (algo que era muito comum na década de 80). Como bem esclareceu o próprio Spielberg "E.T." era um filme completo em si mesmo, uma fábula que conseguia reunir fantasia, Sci-fi e drama em um só pacote. Além disso trazia em seu roteiro todos os temas que sempre foram tão importantes para o cineasta: a infância, o fim da inocência, os problemas familiares. A família mostrada em cena se parecia até demais com a própria família de Spielberg. O personagem Elliott (Henry Thomas) era de certa forma um espelho do garoto Spielberg. 

Não é para menos que o diretor ganhou na época um de seus apelidos mais duradouros, o de ser o verdadeiro "Peter Pan" do cinema. Um diretor que se recusava a abandonar seu universo particular e crescer como todos os demais. O filme custou em torno de 10 milhões de dólares e rendeu até hoje quase 1 bilhão em receitas. Além das bilheterias "E.T" virou uma febre, uma marca que foi utilizada em inúmeros produtos comerciais. O lucro foi tão formidável que Spielberg se daria ao luxo de anos depois criar seu próprio estúdio e seu próprio império de entretenimento (Amblin Entertainment). Além de ser uma das produções mais lucrativas da história em todos os tempos "E.T." renovou de uma vez por todas o chamado cinema blockbuster de Hollywood. Essa transformação vinha desde o sucesso de "Tubarão" do próprio diretor e se consolidou com os filmes de George Lucas. Eram releituras dos antigos filmes de matinê que fizeram a alegria desses cineastas quando crianças. Eles retiraram a essência daqueles antigos filmes e os recriaram para as novas gerações. A fórmula se mostrou extremamente bem sucedida. Em uma era pré-digital em termos de efeitos especiais a equipe de "E.T." conseguiu um feito e tanto trazendo veracidade e personalidade a um boneco analógico. Em nenhum momento a criatura demonstra ser inconvincente ou mal feita, pelo contrário. O design do personagem acaba se tornando cativante para as crianças. Além disso seu encontro com o garotinho terrestre rende ótimos momentos. Algumas das cenas de "E.T." inclusive entraram para a história do cinema! Como esquecer a fuga das bicicletas ou o primeiro encontro do Extraterrestre com Elliot? Quem foi garoto na época do filme jamais esquecerá desses momentos. O roteiro também trouxe uma das despedidas mais emocionais do cinema, um adeus que fez muita gente chorar no cinema! Spielberg que sempre jogou com as emoções de seu público aqui realmente se superou. Enfim, não há muito mais o que falar. Definitivamente "E.T" é o filme que marcará para sempre a carreira de Steven Spielberg e a história do cinema americano.  

E.T. - O Extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, Estados Unidos, 1982) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: Melissa Mathison / Elenco: Henry Thomas, Drew Barrymore, Peter Coyote, Dee Wallace, C. Thomas Howell, Robert MacNaughton / Sinopse: Um Extraterrestre é deixado na terra e cria uma amizade especial com um garotinho terrestre, Elliot (Henry Thomas).  

Pablo Aluísio.

Reencontrando a Felicidade

Becca (Nicole Kidman) é uma jovem mãe que entra em profunda depressão após a morte de seu filho em um acidente. Tentando reconstruir sua vida ela procura reencontrar a felicidade em pequenos detalhes de sua existência. "Reencontrando a Felicidade" é um filme depressivo, pesado, melancólico, baixo astral, fúnebre, triste e sem esperança. Isso pode até assustar o espectador mas é a pura verdade. As cenas de tristeza profunda se sucedem, a personagem de Nicole Kidman vive um verdadeiro inferno astral pela morte de seu único filho de 4 anos e assim somos convidados a assistir essa peça triste. Apesar disso não qualificaria o filme como ruim, longe disso, pois a humanidade do roteiro salva o longa de virar um mero dramalhão feito para arrancar lágrimas de pessoas sensíveis. Eu não recomendaria o filme para pessoas depressivas ou que tenham perdido algum ente familiar querido recentemente. Para essas pessoas Rabbit Hole pode se tornar um filme indigesto e penoso, agravando sua situação.

Colocando isso de lado o fato é que Nicole Kidman está linda no filme, mesmo tendo que mostrar serviço em uma sucessão sem fim de cenas depressivas e chorosas. Ela praticamente segura o filme nas costas e merece o reconhecimento por sua interpretação. A veterana atriz Dianne Wiest também está marcante no papel da mãe de Nicole no filme. Suas cenas são bem comoventes e ela injeta uma dose de sensibilidade extra no roteiro. De certa forma acredito que "Rabbit Hole" seja mais indicado para os fãs de Nicole que não tenham se envolvido em situação parecida em sua vida real. Por fim o mais irônico de tudo isso é que o filme acabou se intitulando no Brasil como "Reencontrando a Felicidade" um dos nomes mais equivocados que já vi, ainda mais se tratando desse filme, pois de felicidade "Rabbit Hole" não tem nada.

Reencontrando a Felicidade (Rabbit Hole, Estados Unidos, 2010) Direção: John Cameron Mitchell / Roteiro: David Lindsay-Abaire / Elenco: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest / Sinopse: Becca (Nicole Kidman) é uma jovem mãe que entra em profunda depressão após a morte de seu filho em um acidente. Tentando reconstruir sua vida ela procura reencontrar a felicidade em pequenos detalhes de sua existência

Pablo Aluísio

Besouro Verde

Essa ideia de levar super-heróis verdes para o cinema não tem dado lá muito certo. Depois do fiasco "Lanterna Verde" eis que surge esse "Besouro Verde"! O personagem fez bastante sucesso na década de 60 na TV americana sendo que antes disso já tinha aparecido nos cinemas em produções B, nada memoráveis. De fato só ganhou maior notoriedade pelo fato de Bruce Lee ter participado da série de TV, fora isso se trata apenas de um super-herói de segundo escalão com estórias ao estilo pulp fiction. Nada de muito relevante ao ponto de um estúdio investir 120 milhões de dólares nessa transposição! Ainda bem que o filme fracassou o que deve significar a morte do besouro pelo menos no cinema. O resultado é muito fraco em todos os pontos de vista a começar pela escolha do elenco péssimo. Seth Rogen, comediante especializado em interpretar maconheiros bobalhões em comediazinhas, foi escalado para viver o herói. Pode uma coisa dessas?! Mesmo que tenha emagrecido e se esforçado para parecer menos idiota simplesmente não se consegue acreditar que um sujeito daqueles vire um herói para salvar o mundo. Tudo tem limites. Seth Rogen só serve mesmo para interpretar os gordos maconheiros de seus filmes anteriores. Aqui ele não consegue fazer nada a não ser nos deixar com muita vergonha alheia. Jeito de boboca, estúpido, o ator passa o filme inteiro querendo criar afinidade com o público, sem nenhum sucesso.

O resto dos atores em cena não se saem melhor. Cameron Diaz está péssima, péssima, péssima. Eu nunca a considerei uma atriz de verdade. No fundo ela é só uma loira, com a boca enorme e um talento ínfimo. Além disso está medíocre e caricata. Uma coisa horrorosa sua "atuação" aqui! Lamento muito que Christoph Waltz tenha manchado sua reputação de bom ator com um filme ridículo como esse! Como é que um ator ganha o reconhecimento que ele teve, vencendo o Oscar e joga tudo no lixo participando de uma bomba dessas?! Complicado entender. A morte de seu personagem é simplesmente constrangedora. Uma das piores cenas de todos os tempos. Uma lástima completa. Enfim, esqueça, passe longe, fuja desse "Besouro Verde", um filme tão horroroso quanto seu ator principal. Nota zero. Espero que dessa vez Hollywood aprenda a lição e fique longe de super-heróis verdes. É fracasso na certa.

Besouro Verde (The Green Hornet, Estados Unidos, 2011) Direção: Michel Gondry / Roteiro: Seth Rogen, Evan Goldberg / Elenco: Seth Rogen, Jay Chou, Christoph Waltz, Cameron Diaz / Sinopse: Transposição para o cinema do personagem "Besouro Verde" muito popular na década de 1960 por causa da famosa série de TV.

Pablo Aluísio.

A Hora do Pesadelo (2010)

Freddy Krueger (Jackie Earle Haley) é um assassino de crianças que retorna para atormentar um grupo de adolescentes em seus sonhos. Baseado no famoso filme da década de 80 dirigido por Wes Craven. Quem foi jovem na década de 80 certamente assistiu algum filme da série original no cinema. Freddy Krueger ao lado de Jason de "Sexta Feira 13" foi um dos personagens mais recorrentes do terror oitentista. Claro que após um certo tempo o personagem perdeu todo o aspecto macabro que um dia possuiu, virando apenas um ícone pop como qualquer outro, o que significa que virou mercadoria e produto comercial como bonequinhos, figurinhas, revistas, camisetas etc. Depois de ser saturado por isso o velho Freddy finalmente virou coisa do passado e sumiu definitivamente... até agora! Eu odeio remakes. E remakes de franquias mortas são especialmente um horror (não no bom sentido da palavra, mas no ruim mesmo). Esse A Hora do Pesadelo é um pesadelo realmente. Péssimos atores, roteiro requentando e sem atrativos e efeitos especiais banais e de rotina. Não gostei de quase nada do filme, que não tem personalidade, brilho ou carisma. Não passa de uma tentativa caça níquel de usar o nome de Freddy Krueger para levantar uma grana fácil nas bilheterias. É tão grotesco quanto a razão de sua existência.

Certas franquias já deram o que tinha que dar. Se não estou enganado foram seis ou sete filmes da saga original, mas uma série de TV que explorava os pesadelos criados por Wes Craven. O último filme trazia um encontro com Jason de Sexta Feira 13, em suma, o personagem e o tema já estavam esgotados. Deveriam ter encerrado por aí. Esse Remake é totalmente desnecessário e gratuito. Nem o ator que interpreta Freddy, Jackie Earle Haley, se salva do abacaxi. Sua maquiagem é mal feita e pouco convincente. O elenco jovem também é feio e esquisito e não sabe atuar. Enfim esse Remake não deveria nunca ter sequer existido, nem nos piores pesadelos dos produtores de Hollywood. Tomare que agora em diante deixem o velho Krueger em paz definitivamente.

A Hora do Pesadelo (A Nightmare on Elm Street, Estados Unidos, 2010) Direção: Samuel Bayer / Roteiro: Wesley Strick, Eric Heisserer / Elenco: Jackie Earle Haley, Rooney Mara, Kyle Gallner / Sinopse: Freddy Krueger (Jackie Earle Haley) é um assassino de crianças que retorna para atormentar um grupo de adolescentes em seus sonhos. Baseado no famoso filme da décade de 80 dirigido por Wes Craven.

Pablo Aluísio.

Onde o Amor Está

"Country Strong" é um filme que me soou muito artificial apesar das boas intenções e da exploração da música country americana que particularmente gosto muito. Eu penso que para retratar esse universo country tem que haver muita paixão e coração envolvidos e é justamente isso que falta aqui. A atriz Gwyneth Paltrow sempre me pareceu ser uma atriz muito fria e distante, que não consegue passar muito calor humano em suas interpretações. Aqui ela interpreta uma cantora com problemas de alcoolismo chamada Kelly Canter. Ela tem dificuldades com o casamento, se sente ameaçada por uma cantora mais jovem (interpretada pela gracinha Leighton Meester) e para dificultar ainda mais sua vida pessoal e profissional se sente atraída por um cantor mais jovem chamado Beau (interpretado por Garrett Hedlund). O problema é que mesmo com uma personagem com tantas possibilidades nas mãos a Paltrow falha novamente. Nem nas cenas em que ela supostamente estaria embriagada consegue passar veracidade. Suas cenas dramáticas soam falsas e artificiais como o próprio filme em si.

A diretora Shana Feste só tem dois títulos em seu curriculum, nenhum deles excepcionalmente bom. Seu filme de maior repercussão até o momento foi "Em Busca de Uma Nova Chance" que carregou e muito nas tintas do dramalhão. Pelo menos aqui em "Country Strong" temos a música para salvar a produção. De fato a única coisa que funciona bem nesse filme é o lado musical. As canções são boas e as interpretações idem. Para falar a verdade Paltrow se sai bem melhor cantando do que interpretando. Talvez por isso consegui assistir todo o filme, por causa de sua trilha sonora que inclusive conta com vários nomes em ascensão da country music. Algo parecido aconteceu com "Coração Louco" um filme apenas mediano do ponto de vista dramático que foi salvo por uma ótima trilha sonora. "Onde o Amor Está" segue na mesma linha. Fora isso nada muito digno de nota pois o argumento é um tanto quanto clichê e batido. De qualquer forma "Country Strong" foi salvo pela sua música, o que livra o espectador daquela sensação de tempo perdido.

Onde o Amor Está (Country Strong, Estados Unidos, 2010) Direção: Shana Feste / Roteiro: Shana Feste / Elenco: Garrett Hedlund, Gwyneth Paltrow, Leighton Meester / Sinopse: Kelly Canter (Gwyneth Paltrow) é uma cantora de música country que tenta reerguer sua carreira após ela ser destruída por seu alcoolismo. Para ajudá-la em sua recuperação ela conta com o apoio de James (Tim McGraw), seu marido e produtor.

Pablo Aluísio.

Tropa de Elite 2

Com certo atraso finalmente assisti "Tropa de Elite 2". Realmente se trata de um filme ambicioso. Não no sentido de ser pedante mas sim no objetivo de tentar resumir a situação do país atual em pouco menos de duas horas de duração. Vamos convir que isso não é nada fácil. O roteiro (muito bem construído) sai de uma situação individual (no caso os acontecimentos que cercam o personagem Capitão Nascimento) para uma complexa rede de intrigas e corrupções que deixaria qualquer articulador de teorias da conspiração satisfeito. Para isso o diretor usou de um argumento didático que a despeito de entreter acaba também conscientizando muito bem.

Fiquei particularmente satisfeito em saber que uma mensagem assim encontrou tanto campo, já que o filme é o mais assistido da história do cinema brasileiro. Se ele servir para conscientizar as pessoas do jogo sujo que existe entre políticos, bandidos e milicianos no Brasil então já valeu sua existência. Deixando esse aspecto sociológico de lado e vendo o filme apenas como um produto cinematográfico em si, devo dizer que, apesar de ter lá seus clichês, o saldo final é muito positivo. Tropa 2 é inteligente, sabe envolver o espectador e não deixa os fãs do primeiro filme decepcionados. Há ótimas cenas de ação (não tantas como no primeiro mas competentes) e um clima de tensão que deixa o público realmente ligado nos acontecimentos. Para resumir "Tropa de Elite 2" é um excelente filme (e um soco no estômago pois leva o espectador a refletir sobre a situação da segurança no Brasil). Se ainda não assistiu não perca mais tempo.

Tropa de Elite 2 (Tropa de Elite 2, Brasil, 2010) Direção: José Padilha / Roteiro: José Padilha / Elenco: Wagner Moura, André Ramiro, Irandhir Santos / Sinopse: Segundo filme com o famoso personagem Capitão Nascimento (Wagner Moura) . Oficial do BOP do Rio de Janeiro agora ele tem que lidar com o mundo da política e corrupção.

Pablo Aluísio.

Independência ou Morte!

Após entrar em conflito com as cortes portuguesas o Príncipe D. Pedro resolve declarar a independência do Brasil. Nas margens do Rio Ipiranga ele dá o famoso grito de "Independência ou Morte"! Antes de mais nada é bom saber que eu sempre acabo gostando de filmes históricos e com esse não foi diferente. Estava esperando algo mais "chapa branca" pois é fato que o filme foi feito para comemorar os 150 anos de independência do Brasil e contou com dinheiro oficial para ser realizado. Todos sabem também que a produção foi bancada pelo regime militar linha dura que governava o país na época. Mesmo com tudo isso pesando contra penso que o produto final é bem digno. Existem problemas no filme, isso é claro, sendo a edição realmente uma lástima. A impressão que tive foi que muito material deve ter sido filmado e depois a edição tentou juntar tudo numa duração razoável. Não deu muito certo. O resultado é mal feito de fato. Existem cenas em que se nota claramente que tudo está truncado. Mesmo assim o filme ainda resiste.

O mais interessante aqui é mostrar o romance entre Pedro I e a Marquesa dos Santos (a amante do imperador, que levava esse caso escandaloso de forma pública, para humilhação da imperatriz Leopoldina que tinha que engolir tudo calada). Por isso o ato final do filme é bem melhor do que o primeiro. A produção cresce em figurinos, cenários e interesse. Tarcisio Meira não compromete como o impulsivo e infiel imperador e Glória Menezes segura as pontas bem como sua amante. O elenco de apoio é bom também. Enfim, mesmo que lembre em certos momentos um produto global a produção "Independência ou Morte" não é um filme ruim, tem problemas sim, mas no final consegue contar essa parte da nossa história de forma satisfatória.

Independência ou Morte! (Brasil, 1972) Direção Carlos Coimbra / Roteiro: Carlos Coimbra / Elenco: Tarcísio Meira, Glória Menezes, Dionísio Azevedo, Rubens Ewald Filho, Kate Hansen, Emiliano Queiroz, Manoel da Nóbrega / Sinopse: Após entrar em conflito com as cortes portuguesas o Príncipe D. Pedro resolve declarar a independência do Brasil. Nas margens do Rio Ipiranga ele dá o famoso grito de "Independência ou Morte".

Pablo Aluísio.

O Enigma da Pirâmide

Em 1985 no auge de sua criatividade e em um momento particularmente inspirado na produção de vários filmes Steven Spielberg produziu esse muito simpático e bem bolado "O Enigma da Pirâmide". O título original em inglês "Young Sherlock Holmes" já é auto explicativo pois em nossa língua significa literalmente "O Jovem Sherlock Holmes". A trama mostra Sherlock em sua juventude, inclusive seu primeiro encontro com Watson, seu fiel escudeiro e parceiro de tantas aventuras. Juntos eles terão que descobrir um misterioso grupo pagão que realiza sacrifícios humanos em honra a várias divindades do antigo Egito. A estória não é original da pena de Sir Arthur Conan Doyle mas a modernização do personagem é excelente, muito melhor inclusive do que esses fracos filmes que estão sendo feitos na franquia estrelada por Robert Downey Jr. Tudo realizado com muito charme, excelente reconstituição histórica e atores carismáticos. Aliás o filme lembra bastante o universo de Harry Potter pois os personagens são jovens, estudam em uma escola tradicional e se envolvem em grandes aventuras. 

Na questão puramente técnica "O Enigma da Pirâmide" também trouxe inovações tecnológicas extremamente relevantes. O filme foi o primeiro da história do cinema americano a trazer efeitos 100 % digitais. Eles podem ser vistos na cena em que um cavaleiro medieval de um vitral antigo pula para lutar contra seu inimigo. O excelente nível dos efeitos inclusive lhe valeu a indicação ao Oscar do ano, perdendo injustamente a estatueta. Por trás da realização de "Young Sherlock Holmes" se destacava além de Spielberg como produtor a presença de Chris Columbus no roteiro e Barry Levinson na direção. Columbus iria dirigir anos depois o primeiro filme de Harry Potter levando muito desse filme sobre Sherlock para a nova franquia que nascia. Já Levinson surpreende em um gênero que não lhe era muito familiar. Cineasta de dramas mais profundos ele aqui conseguiu realizar um filme leve, divertido e muito eficiente. Uma das melhores produções assinadas por Steven Spielberg na década de 80, "O Enigma da Pirâmide" é indicado não apenas para os fãs do famoso detetive mas também aos que gostam de aventuras juvenis realizadas com muito bom gosto e charme.  

O Enigma da Pirâmide (Young Sherlock Holmes, Estados Unidos, 1985) Direção: Barry Levinson / Roteiro: Chris Columbus baseado nos personagens criados por Sir Arthur Conan Doyle / Elenco: Nicholas Rowe, Alan Cox, Sophie Ward, Anthony Higgins, Freddie Jones / Sinopse: Sherlock Holmes e John Watson são dois jovens que decidem investigar uma estranha seita que adora antigos deuses do Egito.

Pablo Aluísio.

Vejo Você No Próximo Verão

Jack (Philip Seymour Hoffman) é um motorista de limusines de luxo, pacato, tímido e que não tem o menor jeito com as mulheres. Em vista disso seu amigo Clyde (John Ortiz) e a esposa (Daphne Rubin-Vega) resolvem lhe apresentar Connie (Amy Ryan), uma garota tão tímida quanto Jack. Juntos eles tentam manter um relacionamento amoroso apesar das dificuldades em comum. "Vejo Você no Próximo Verão" é um filme sobre pequenos momentos na vida de algumas pessoas comuns que sentem grande dificuldade em se relacionar entre si. Gostei muito da tônica do roteiro, que tem um ritmo próprio, calmo, sem grandes pretensões. A direção de Phillip Seymour Hoffman, muito boa por sinal, segue pelo mesmo caminho. O filme exige uma certa cumplicidade com o espectador por causa dessas características mas se engana quem pensa que esse desenrolar cadenciado o torna cansativo. Longe disso. Após embarcar na proposta do filme tudo se torna bem prazeroso e fácil de digerir. Além disso Hoffman teve a sensibilidade de não esticar demais a estória, que por si é bem simples mesmo.

O quarteto central do filme é muito bom. Hoffman está excelente em sua caracterização, assim como Amy Ryan (alguns degraus abaixo de seu colega de cena). O nível de constrangimento que eles alcançam em suas cenas de relacionamento é abissal, chegando a dar agonia no espectador! Outro ponto forte é a trilha sonora adequada. Aqui vemos como uma boa seleção musical consegue ajudar a contar uma boa estória. De resto nada que macule a produção. Philip Seymour Hoffman mostra muito talento na direção, obviamente fruto de sua longa carreira como ator teatral de sucesso aonde aprendeu os segredos da direção com alguns dos maiores talentos americanos na área. Sem cair no dramalhão ou na pieguice o ator conseguiu extrair o melhor da peça teatral no qual o filme foi baseado. De uma forma em geral gostei de praticamente tudo mas principalmente de sua simplicidade cativante. Em resumo posso dizer que "Vejo Você no Próximo Verão" é um filme delicado para pessoas sensíveis.

Vejo Você no Próximo Verão (Jack Goes Boating, Estados Unidos, 2010) Direção: Philip Seymour Hoffman / Roteiro: Robert Glaudini baseado na peça de Robert Glaudini / Elenco: Philip Seymour Hoffman, Amy Ryan, John Ortiz, Daphne Rubin-Vega / Sinopse: Jack (Philip Seymour Hoffma) é um motorista de limusines de luxo, pacato, tímido e que não tem o menor jeito com as mulheres. Em vista disso seu amigo Clyde (John Ortiz) e a esposa (Daphne Rubin-Vega) resolvem lhe apresentar Connie (Amy Ryan), uma garota tão tímida quanto Jack. Juntos eles tentam manter um relacionamento amoroso apesar das dificuldades em comum.

Pablo Aluísio.

Nascido em 4 de Julho

O EUA é uma nação que foi forjada na violência e no capitalismo selvagem. Em essência esses são os verdadeiros pilares da América. Nessa engrenagem o complexo industrial militar norte-americano sempre deve ser suprido por guerras e conflitos, façam sentido ou não. A Guerra do Vietnã é um exemplo claro disso. Um aparato militar jamais visto foi deslocado para um pobre país asiático sem importância em uma matança sem sentido. Jovens na flor da idade foram para aquela nação que nunca tinham nem ouvido falar para morrerem em suas selvas. Quem ganhou com o envolvimento dos EUA no Vietnã? Obviamente que não foram esses soldados. Quem lucrou realmente com essa barbaridade foi justamente o complexo militar da nação Ianque. Guerras são caras e alguém sempre lucra com elas, não se engane. Fortunas foram feitas com o sangue alheio. Violência e capitalismo, eis o segredo da existência desse conflito. Violência e capitalismo, eis o DNA da alma norte-americana. Nada mais, nada menos. Nesse ínterim o ser humano se torna peça descartável, sem a menor importância. Uma estatística, um número qualquer na mesa de algum burocrata. O indivíduo perde toda a sua importância. "Nascido em 4 de Julho" dá voz a uma dessas peças sem importância no tabuleiro da guerra capitalista. Em um roteiro excepcional acompanhamos a transformação de um jovem que ousou tentar de alguma forma lutar contra essa situação. O filme é sobre ele, Ron Kovic (Tom Cruise), que se tornou paralítico aos vinte e um anos de idade após levar um tiro durante uma batalha numa praia do Vietnã. Sua vida, seus pensamentos, seus conflitos internos, tudo ecoa na tela com raro brilhantismo.

Oliver Stone, ele próprio um veterano da Guerra do Vietnã, já havia revisitado esse conflito no premiado "Platoon". O diferencial de "Nascido em 4 de Julho" para o filme anterior é que nesse acompanhamos os efeitos da guerra, as consequências. O tema já havia sido retratado no cinema antes em "Espíritos Indômitos" com Marlon Brando. O enfoque é sobre os soldados que voltam da guerra mutilados, feridos, estraçalhados emocionalmente. As bandeiras, as medalhas e os uniformes militares diante dessa situação perdem totalmente a relevância. O que fica é um dos efeitos mais cruéis desse tipo de luta armada. Homens jovens, incapazes de viverem em sua plenitude, condenados a uma cadeira de rodas pelo resto de suas vidas e o pior por um evento histórico sem qualquer sentido ou justificativa. Stone foi muito feliz nessa direção que na minha opinião foi a melhor de sua carreira. O enredo socialmente relevante faz pensar, desperta consciências. Filmes devem existir não apenas para entreter mas também para conscientizar. Nesse aspecto "Nascido em 4 de Julho" é uma obra prima do cinema americano.

Nascido em 4 de Julho (Born on the Fourth of July, Estados Unidos, 1989) Direção: Oliver Stone / Roteiro: Oliver Stone baseado no livro de Ron Kovic / Elenco: Tom Cruise, Willem Dafoe, Tom Berenger, Kyra Sedgwick / Sinopse: Ron Kovic (Tom Cruise) é um jovem americano que se alista voluntariamente no corpo de fuzileiros navais durante a Guerra do Vietnã. Ele tem convicção que deve lutar pelo seu país contra o chamado avanço comunista. Durante a guerra sua tropa é emboscada e Kovic leva um tiro que o torna paralítico pelo resto de sua vida. O filme é sobre sua luta pelo fim da guerra do Vietnã após retornar do sudoeste asiático.

Pablo Aluísio.

Parceiros da Noite

Steve Burns (Al Pacino) é um policial de Nova Iorque que decide se infiltrar dentro da comunidade gay para investigar uma série de assassinatos envolvendo homossexuais. A imersão nesse submundo acabará causando grandes mudanças em seu modo de pensar e agir. "Parceiros da Noite" é um dos filmes mais polêmicos da filmografia de Al Pacino. Tocando em um tema complicado o filme tenta trazer uma boa trama policial com a questão gay como pano de fundo. Eu nunca assisti um filme com Al Pacino que me decepcionasse. Sabia que com esse não seria diferente e não foi. "Parceiros da Noite" é um policial bem acima da média que apesar de ter sido lançado no começo dos anos 80 tem um jeitão de filme policial dos anos 70, característica que só pesa ao seu favor. Em muita coisa me lembrou outro grande filme de Pacino, o famoso "Serpico". Gostei do roteiro e como sempre da atuação de Pacino. Aqui ele surge um pouco mais contido do que de costume, é verdade, mas isso pode ser interpretado como parte de sua caracterização pois o personagem acaba passando por um dilema durante as investigações. 

 "Parceiros da Noite" foi produzido com tinhas fortes. Realmente a primeira hora do filme pode ser ofensiva para quem não gosta de ver cenas que mostrem homossexualismo entre homens. Por isso caso esse seja o seu caso é bom ir se preparado para essa terça parte inicial. Devo confessar que achei um pouco carregado nas tintas, criando uma tênue ligação, mesmo que involuntária, entre homossexualismo e criminalidade. Só não vou dizer que foi excessivo porque realmente não sei se o nível de promiscuidade entre os gays de Nova Iorque chegava naqueles extremos. Esse aspecto inclusive incomodou alguns setores GLS na época que protestaram contra a visão que o filme passava dos gays. Pois bem, de qualquer forma, passado essa parte o filme vai melhorando gradativamente e cresce absurdamente em seus vinte minutos finais. Aliás o final "em aberto" é genial. Não vou colocar aqui porque seria ruim para quem ainda não viu o filme, mas tenho certeza que grande parcela do público ficará intrigada. Enfim, deixem o preconceito de lado e não deixem de ver "Parceiros da Noite" pois vale muito a pena. Mais um ótimo momento de Pacino nas telas.

Parceiros da Noite (Cruising, Estados Unidos, 1980) Direção: William Friedkin / Roteiro: William Friedkin, baseado na novela de Gerald Walker / Elenco: Al Pacino, Paul Sorvino, Karen Allen / Sinopse: Steve Burns (Al Pacino) é um policial de Nova Iorque que decide se infiltrar dentro da comunidade gay para investigar uma série de assassinatos envolvendo homossexuais. A imersão nesse submundo acabará causando grandes mudanças em seu modo de pensar e agir.  

Pablo Aluísio.

Mande Lembranças Para Broad Street

Como o Paul McCartney está fazendo uma série de shows pelo Brasil é válido lembrar essa sua incursão no cinema durante os anos 80. O filme é mero pretexto para Paul desfilar novos e antigos sucessos durante a metragem de Broad Street. O roteiro em si é uma mera desculpa para a sequência de cenas (com linguagem de videoclip) em que McCartney mostra novos arranjos para velhos sucessos dos Beatles. "Yesterday", "The Long and Winding Road", "Eleanor Rigby", estão todas lá. Essas sequências são todas de muito bom gosto e certamente agradarão ao fã do quarteto britânico, já o cinéfilo comum que não gosta do conjunto ficará um pouco decepcionado pois o filme se resume a apenas isso. É um "clipão" musical do Paul. O curioso é que ao contrário de seu colega de banda, John Lennon, Paul McCartney nunca se furtou em usar farto material dos Beatles, seja em shows, seja em filmes como esse. Isso bem demonstra a diferença de personalidade entre eles. Lennon gostava de soltar farpas contra os Beatles, já Paul os louva sempre que possível. Ele tem orgulho das músicas do grupo e não esconde isso.

Por falar em Beatles aqui temos em cena bancando o ator, o baterista Ringo Starr. Depois do fim do grupo ele tentou emplacar uma carreira de ator em filmes como Caveman. Depois de algumas produções horríveis ele finalmente se conscientizou que não havia espaço para ele nessa carreira, o que não o impediu de voltar aqui em "Broad Street" para dar uma força ao amigo. Eu simpatizo com o Ringo mas certas coisas devem ser ditas. Não há uma única cena do filme em que Ringo consiga mostrar o menor talento dramático, é engraçado e divertido ver como ele é mal ator. Um refinado canastrão em essência. Já sua mulher, a lindona Barbara Bach, está lá também para dar uma força ao marido e desfilar seu repertório de caras e bocas. Era bonita mas talentosa, não. De qualquer forma tudo isso é de menor importância pois o que vale mesmo é assistir Paul mandando bem em seus clássicos e na muito bonita "No More Lonely Nights" que fez muito sucesso na época! O curioso é que mesmo tendo a trilha sonora uma boa repercussão "Broad Street" não conseguiu se destacar nas bilheterias, se tornando um grande fracasso (um dos poucos na carreira vitoriosa de Paul McCartney). Ninguém é perfeito. De qualquer forma vale a revisão, assista e se divirta.

Mande Lembranças Para Broad Street (Give My Regards To Broad Street, Estados Unidos, 1984) Direção: Peter Webb / Roteiro: Paul McCartney, Peter Webb / Elenco: Paul McCartney, Ringo Starr, Barbara Bach, Linda McCartney / Sinopse: Músico (Paul McCartney) tem as matrizes de seu último disco roubadas. Ao lado de amigos tenta recuperar os valiosos registros fonográficos.

Pablo Aluísio.